Natalia Apczyńska
WYSTAWY
Numer magazynu:
Przez cały XIX wiek Paryż był artystyczną stolicą świata. Na początku XX wieku ukształtowała się tu sztuka nowej ery. Jak pisał Marc Chagall, „słońce sztuki świeciło wówczas tylko nad Paryżem”, gdzie gromadzili się młodzi artyści różnych narodowości, głównie imigranci z Europy Wschodniej. Międzynarodowa społeczność tych mistrzów nazywana była „szkołą paryską”. Na wystawie o tej samej nazwie, która odbyła się jesienią 2011 roku w Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin, Chaim Soutine (1893-1943) był reprezentowany największą liczbą dzieł i szczególnie imponująco.
Pochodzący z prowincjonalnego żydowskiego miasteczka Smilowicze koło Mińska Soutine dorastał w rodzinie biednego krawca (jego ojciec zajmował się głównie reperowaniem starych ubrań), który miał 11 dzieci, w środowisku wrogim sztukom plastycznym ze względu na założenia judaizmu. Jako dziecko doświadczył głodu, bicia i upokorzenia, stąd w dużej mierze tragiczny wyraz jego przyszłych obrazów. Od wczesnej młodości Soutine wykazywał niezachwianą determinację, aby podążać za swoim powołaniem pomimo wszystkich przeszkód, które wydawały się nie do pokonania. Po przeprowadzce do Mińska w 1909 roku rozpoczynał karierę, podobnie jak Marc Chagall, jako student-fotograf i retuszer, a jako artysta debiutował portretem rzeźnika, syna miejscowego rabina. Rzeźnik, oburzony faktem, że autor złamał zakaz dotyczący wizerunku, a co najważniejsze interpretacją, jakiej uległ jego wygląd na portrecie, dotkliwie pobił Soutine’a. Ten ostatni trafił do szpitala, ale jego sprawca został zmuszony do zapłaty grzywny. To właśnie ta grzywna pozwoliła młodemu artyście przenieść się do Wilna i wstąpić do tamtejszej szkoły artystycznej. Nie pozostał tu jednak długo – podobnie jak Chagall i inni przyszli mistrzowie awangardy, los z nieodpartą siłą wciągnął go do mekki sztuki współczesnej – Paryża. W 1911 roku Soutine wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych w pracowni Cormona, ale główne lekcje zdobywał w salach Luwru i Muzeum Luksemburskiego, kontemplując obrazy Rembrandta, Courbeta i Cézanne'a. W tym okresie mieszkał na Montparnasse, najpierw w słynnym „Ulu” obok Chagalla, Modiglianiego, Zadkine’a, Légera i Archipenki, a następnie w innym słynnym hostelu artystycznym „Cité Falguières”. Wchodząc w krąg międzynarodowej bohemy artystycznej, zwanej później „szkołą paryską”, Soutine pozostaje w nim odizolowany. Jedyną prawdziwie pokrewną duszą był Modigliani, z którym, pomimo głębokich różnic stylistycznych, łączyła go pewna wspólność w rozumieniu zadań sztuki.
Najwcześniejsze zachowane prace Soutine’a to wizerunki stołu kuchennego z umieszczoną na nim skromną martwą naturą (1916-1917). Specyfiką tej serii jest konstruktywność konstrukcji, wywodząca się z Cezanne'a, a jednocześnie plastyczność, integralność i energia kompozycji właściwej dla Soutine'a, tworzonej jakby pod wpływem jednego impulsu. Inną wyjątkową cechą jego wczesnych dzieł, utrwaloną we wszystkich kolejnych dziełach, jest dramatyzm obrazów. W „Still Life with Two Forks” śledzie układane są na pomarańczowo-żółtym naczyniu twarzą do widza, ich ciała wiją się jakby z bólu, a widelce wyciągają się do nich niczym ręce głodującego człowieka.
Pod koniec lat 1910. talent Soutine’a docenił przyjaciel Modiglianiego, miłośnik sztuki i kolekcjoner L. Zborovsky. Dzięki skromnemu wsparciu finansowemu artysta mógł mieszkać na wybrzeżu Morza Śródziemnego przez około trzy lata. W tym czasie zaszły istotne zmiany w jego twórczości, obrazy stały się bardziej malownicze i większe.
W pejzażach śródziemnomorskich pokazanych na wystawie – „Krajobraz w Seurat” (1919), „Domy” (1920-1921), „Caen sur Mer” (1923) – budynki i przyroda albo wyginają się w tańcu, albo wydają się pochłonięte w gwałtownym huraganie. Wyjątkowe bogactwo i nasycenie barw oddaje piękno południowej przyrody, paleta artysty nie przypomina już ascezy kolorystycznej jego wczesnych dzieł. Wszystko ukazane tworzy kompletną całość kompozycyjną. Jednak ucieleśniona w płótnach Cezanne’a boska stabilność Bycia ustępuje miejsca niszczycielskiemu impulsowi, być może przeczuciu nadchodzących kataklizmów historycznych. Soutine w dalszym ciągu oddawała piękno, a zarazem zniszczenie i tragedię wszechświata lat 20. – w pejzażach (już nie tak wyrazistych i wizjonerskich jak te tworzone w basenie Morza Śródziemnego), martwych naturach i portretach. W jego martwych naturach z wizerunkami zwierząt pojawia się nie tylko martwa „natura” (jak wynika z samej nazwy gatunku), ale brutalnie zamordowana „natura”. Takie są jego słynne „tuszki byka”, inspirowane słynnym obrazem Rembrandta, rybami łapiącymi powietrze czy pokazywanymi na wystawie dwiema martwymi naturami z wizerunkami zająca i indyka (połowa lat 20. XX w.). Złoty zając i deska, na której jest zawieszony, jakby oblane zieloną farbą, tworzą harmonijną i piękną malarską kompozycję, jednak kontrastem z nią jest pełne cierpienia oblicze martwego zwierzęcia. Jeszcze większe wrażenie robi obraz martwego indyka. Soutine umieszcza ją, jak w niektórych pracach Cezanne’a, na pochyłym stole, przedstawia ją z rozdartym tułowiem, płonącym złotem i czarno-niebieskimi tonami, otoczoną niczym wianek czerwonymi jabłkami i innymi przedmiotami (również kojarzonymi z Cezanne’em) , tworzy pełną moc, a jednocześnie potężnie brzmiącą symfonię obrazową. Ale jednocześnie z tą samą siłą wyrazu pokazuje otwarty dziób ptaka w jego śmiercionośnym krzyku, głęboko raniąc duszę widza.
W latach dwudziestych Soutine namalował wiele portretów – kobiet, dzieci, pracowników, „chłopców z chóru”, artystów – uderzających psychologią, ekspresją i umiejętnością oddania dramatu ludzkiej egzystencji.
Na wystawie zaprezentowano cztery portrety z lat dwudziestych XX wieku. Każdy z nich robi wrażenie na swój sposób. „Chłopiec z chóru” (1927-1928), ubrany w biało-krwawe szaty kościelne, w niczym nie przypomina anielskich śpiewających dzieci z renesansowych obrazów. Chłopiec nie ma dziecięcej, pytającej i smutnej twarzy. Podobnie jak sam artysta sprawia wrażenie przygnębionego tragicznymi sprzecznościami egzystencji. „The Bellboy” (1927), w białej koszuli i czerwonej kamizelce, ukazany na szmaragdowym tle w dynamicznej pozie, z błyszczącym lewym okiem, jest pełen prawdziwej godności... Tę samą energię czuć w „Małym Cukierniku” ” (1922-1923). Siedzący „Drużb” (1923–1924), zwrócony twarzą do widza i rozłożony na płaszczyźnie obrazu, wręcz przeciwnie, zagłębia się w siebie. Rzeźbiarz Oscar Meshchaninov o charakterystycznej żydowskiej i obrzydliwie aroganckiej twarzy pojawia się w całej oryginalności swojej osobowości. Na portrecie innego artysty, Emile'a Lejeune'a, liczne zmiany formy oddają ekspresję i nerwowość twórczej natury.
W latach dwudziestych Soutine stopniowo zyskiwał sławę i sukces materialny. Jednak rozstając się z biedą, zachowuje swój sposób życia, pozbawiony codzienności, całkowicie przepełniony kreatywnością i tragicznym światopoglądem. Robert Falk, który skontaktował się z nim nieco później, napisał: „To wielki ekscentryk, dziwny. Wysoki, kolosalny, gruby nos, niskie czoło i cudowne oczy. Piękny, gorący, ludzki. Kiedy zobaczyłem te oczy, stało się jasne, że tak pisze.” 1
Jak już wspomniano, z mistrzów „szkoły paryskiej” najbliżej Modiglianiego był Soutine. (To nie przypadek, że na wystawie w Muzeum Puszkina w „Sali Soutine” znalazło się kilka dzieł Modiglianiego.) Łączył ich liryzm, współczucie dla człowieka, skupienie na jego wewnętrznym świecie i samych zasadach konstrukcji kompozycyjnej figur – ich spłaszczenie i nierozerwalność z obrazowym tłem. Ale jeśli Modigliani zawsze łączył ekspresję z harmonią, a kolor z linią przewodnią swojej partii, to Soutine był ekspresjonistą w pełnym tego słowa znaczeniu i czystym malarzem. Najlepsze jego obrazy powstawały „na jednym tchu”, bez wstępnych szkiców, w maksymalnym napięciu sił twórczych. Jednocześnie artysta często wracał do tego samego motywu, osiągając adekwatne ucieleśnienie swojego planu i nieustannie niszcząc dzieła, z jego punktu widzenia niedoskonałe. Jego paleta zawierała ponad 40 kolorów, a do każdego z nich używano osobnego pędzla. Za pomocą koloru mistrz ze Smilowicza wywyższył swoich zmiażdżonych życiem bohaterów i przekształcił szorstką substancję życia w jakość duchową.
W latach 30. XX w. Soutine przez długi czas mieszkał poza Paryżem, głównie w posiadłości swoich patronów, położonej w okolicach Chartres. Na początku lat 30. stworzył wyrazisty obraz katedry w Chartres, pełen niepokojącej mistycznej atmosfery, łączący w swego rodzaju amalgamat architekturę i otaczającą przestrzeń, wrażenia wizualne i przeżycia autora. Szczególne miejsce w jego twórczości z tamtych lat zajmują obrazy drzew, które czasami wyglądają dla człowieka jeszcze bardziej imponująco i przerażająco nieproporcjonalnie niż w poprzednich latach. Jak zawsze natura Soutine’a „nie jest obojętna” i wydaje się zdolna do reagowania na katastrofy społeczne.
W czasie II wojny światowej artysta, który odmówił emigracji z Francji, uciekał przed nazistowskimi najazdami na Żydów we wsiach Ile-de-France i często malował obrazy o tematyce „matki i dziecka”. Jedna z prac z tego cyklu przypomina żałobę Chrystusa i przepojona jest poczuciem nieuchronnie zbliżającej się katastrofy.
Soutine zmarł w 1943 roku w okupowanym Paryżu podczas zbyt późno przeprowadzonej operacji. Według legendy za jego trumną poszło kilka osób, wśród których był Pablo Picasso.
- R.R. Falk. Rozmowy o sztuce. Listy. Wspomnienia artysty. M. 1981. s. 61.
Chaima Soutine’a. 1893-1943
Francuski artysta ekspresjonistyczny pochodzenia żydowskiego.
Osobowość Chaima Soutine’a, jednego z najlepszych mistrzów ekspresjonizmu reprezentującego szkołę francuską, była za jego życia otoczona tajemnicami i zagadkami, a mimo to mimo wysiłków krytyków i historyków sztuki nie jest możliwe odsłonięcie wszystkich stron jego biografia.
Przyszły artysta urodził się na terenie Imperium Rosyjskiego, we wsi Smilovichi pod Mińskiem. Rok urodzenia według niektórych źródeł 1893, według innych 1894. Liczna rodzina żydowska żyła na granicy ubóstwa, ściśle przestrzegając kanonów religijnych, dlatego gdy młody Chaim wykazał chęć rysowania, jego rodzice, wyznawcy prawosławia, robili, co mogli, aby zapobiec takiej „bezbożnej” lekcji, a za to, że narysował rabina, dziecko zostało dotkliwie pobite. Według jednej z legend sam duchowny, dowiedziawszy się o tym rysunku, dał „malarzowi-ofiarowi” 25 rubli; Za te pieniądze Soutine uciekł do domu i osiedlił się na krótko w Mińsku. Szkoła Artystyczna Kruger stała się jego pierwszą placówką edukacyjną, a jego utrzymanie zapewniała praca jako retuszer.
Dla doskonalenia się twórczego w 1910 roku Soutine w towarzystwie swojego przyjaciela M. Kikoina przeprowadził się do Wilna, gdzie przez trzy lata studiował w Szkole Sztuk Pięknych, a myśli młodych artystów były stale zajęte Paryżem.
Chorowity młody człowiek o niezgrabnych ruchach pracował z niewiarygodnym uporem, a gdy malował, wydawało się, że rozsądek go opuszcza, ale najważniejsze było to, że pojawiły się obrazy niezwykle ekspresyjne, pełne koloru i niejednoznaczności.
Marzenie o Paryżu spełniło się w 1913 roku, jednak stolica sztuki nowoczesnej szybko otrzeźwiła Soutine'a, a ta ciężka próba sprawiła, że zaczął poważnie myśleć o powrocie do rodziców, lecz rodak O. Zadkine zaproponował malowanie w swojej pracowni; Po przyjęciu oferty Soutine pozostał w tym mieście do końca swoich dni (siedmioletnia „przerwa” nastąpiła w 1918 r., kiedy przeniósł się na południe Francji).
W Paryżu artysta przez pewien czas studiował na Akademii Sztuk Pięknych, jednak jak większość niezwykle subiektywnych artystów, szybko znudził mu się tradycyjny styl nauczania, a Luwr stał się prawdziwym uniwersytetem.
Pejzaże z widokiem na Pireneje i Riwierę to pierwsze prace, w których dało się rozpoznać indywidualny styl artysty. Pojawiły się martwe natury, a także portrety stajennych, służby i członków chóru, wykonane w ekspresjonistyczny sposób. Następnie powstał „Kobieta wchodząca do wody”, jego słynne dzieło stworzone na wzór obrazu Rembrandta, mistrza, którego szczególnie szanował.
Uważa się, że obrazy przedstawiające zakrwawione zwłoki, temat, który przyniósł Soutine'owi największą sławę, były efektem jego ciągłej obserwacji rzeźni, w których dokonywano uboju bydła; Warsztat Zadkine’a znajdował się obok miejsca uboju zwierząt. Stąd może wynikać jego styl pisania, oddający kolor czerwony w tak „krwawej” interpretacji.
Stosowanie agresywnych barw, a także perspektywy, którą można określić jako „wypaczoną”, to jedne z głównych elementów malarstwa Soutine’a, które kształtowało się do 1919 roku. Od tego momentu w pracach pojawia się autonomia koloru, a funkcja ta zostanie powtórzona w późniejszych pracach. Charakterystyczny pod tym względem jest „Autoportret” powstały w 1918 roku.
Obrazy powstałe na południu Francji sprowadzono do Paryża w 1922 roku, było ich około dwustu, jednak część dzieł została później przez niego zniszczona. Nadchodzi czas jego stabilizacji finansowej, a wraz z nim zwrócenie uwagi na jego malarstwo.
W połowie lat dwudziestych Soutine namalował serię obrazów przedstawiających ciała martwych zwierząt, co było konsekwencją wpływu Rembrandta, nie stawiając jednak na dokładność anatomiczną, ale tworząc coś na kształt orgii koloru; Jednym z głównych zadań widzi w stworzeniu takiego rodzaju krwi, w który widz „uwierzy”. Seria „Slaughtered Bulls” uzupełnia tę „krwawą” linię.
Pierwsza wystawa osobista odbyła się w 1927 roku, a wraz z nią przyszła prawdziwa sława, która nie wpłynęła na jego obojętny stosunek do pieniędzy i sławy.
W tym okresie twórczość Soutine’a nabrała tonu lirycznego, ekspresja opuściła jego twórczość, co wiąże się z wpływem malarstwa Courbeta.
Pod koniec lat 30. styl twórczości Soutine'a ponownie nabrał wyrazu. Antysemityzm stopniowo staje się ponurą rzeczywistością i na tym tle artysta w swoich obrazach ukazuje straszny stan ludzi, którzy zostali poddani okrutnym próbom. On sam w 1940 roku rozstał się ze swoją niemiecką towarzyszką Gerdą Grot, która została wywieziona do obozu koncentracyjnego, po czym zmuszony był ukrywać się na wsi, nadal malując.
Artysta zmarł 08.09.1943 w paryskim szpitalu, dzień po operacji wykonanej z powodu ostrego ataku wrzodu żołądka.
Biografia Chaima Soutine’a
13.01.1893 - Chaim Solomonovich Soutine urodził się w Smilowiczach koło Mińska (obecnie Białoruś), w biednej rodzinie żydowskiej. Ojciec przyszłego artysty był krawcem (według innych źródeł sługą synagogi). Od wczesnego dzieciństwa Chaim wykazywał miłość do rysunku i malarstwa.
1907 - aby wyzwolić się spod wpływu rodziny (rodzice nie podzielali punktu widzenia co do przyszłej kariery artysty syna) i nie zmieniać powołania, Chaim ucieka z domu do Mińska. Uczęszcza tam na wykłady rysunkowe prowadzone przez Kroegera, artystę znanego jedynie w wąskich kręgach
1910 - Soutine i jego przyjaciel Kikoin jadą do Wilna, gdzie zapisują się do Szkoły Sztuk Pięknych. Przyszli artyści marzą o zobaczeniu Paryża
Czerwiec 1913 - Soutine przybywa do Paryża, gdzie zapisuje się do pracowni Cormona na Akademii Sztuk Pięknych. Jednak Soutine bardzo szybko zamienia zbyt „akademicką” Akademię na wizyty w Luwrze, który staje się jego prawdziwym uniwersytetem. Studiuje tu uznane dzieła malarstwa klasycznego, rzeźbę grecką i egipską, obrazy Goi, El Greco, Tintoretto, Jeana Fouqueta, Rembrandta, Corota i Chardina. Ze swoich współczesnych Soutine najbardziej ceni Courbeta i Cézanne’a. Soutine interesował się muzyką i literaturą. Do jego ulubionych autorów należeli Montaigne, Racine, Seneka, Dostojewski, Puszkin, Balzac i Rimbaud, a do jego ulubionych kompozytorów należeli Bach i Mozart. Przez pierwsze lata pobytu w Paryżu artysta żył w biedzie. Przed przeprowadzką do Cité Falguières w piętnastej dzielnicy Paryża Soutine mieszkał i pracował w La Ruche, the Hive, międzynarodowym hostelu dla biednych artystów na lewym brzegu Sekwany, który został stworzony w 1902 roku przez rzeźbiarza Alfreda Bouchera. Tutaj Soutine spotyka Marca Chagalla, Fernanda Légera, Roberta Delaunaya, rzeźbiarzy Constantina Brâncuşi, Ossipa Zadkine’a, Henri Laurenta, Jacques’a Lipchitza i Alexandra Archipenkę. Spotka przede wszystkim Modiglianiego, z którym połączy go silna, choć krótkotrwała przyjaźń (ze względu na przedwczesną śmierć tego ostatniego)
1918 – przenosi się na południe Francji (Vence, Caen-sur-Mer i Céret), gdzie przebywa przez prawie siedem lat. Jest pod wrażeniem piękna tutejszych krajobrazów; pracuje w szaleńczym tempie już od trzech lat
1922 – sprowadza do Paryża około dwustu dzieł pisanych. Amerykański kolekcjoner Albert Barnes kupuje od artysty około pięćdziesięciu dzieł. W następnym roku handlarz dziełami sztuki Leopold Zborowski sprzedaje wiele obrazów Soutine'a. 10 lat po przybyciu do Paryża wychodzi z biedy i wydaje wszystko, co zarobi
1925 - Po latach spędzonych na południu Francji Soutine wraca do Paryża, gdzie wprowadza się do przestronnej pracowni przy rue Mont Saint-Gautar, niedaleko Place Denfert-Rochereau. To tutaj wykonał szereg tusz byków oraz liczne martwe natury z rybami i ptakami
1927 - Pierwsza osobista wystawa Soutine'a w jednej z paryskich galerii; spotyka Marcelina i Madeleine Castaing, które w ślad za Zborowskim przejmą opiekę nad artystą
1929 – spotyka historyka sztuki Eliego Faure’a, który napisze pierwszą monografię poświęconą jego twórczości
1935 - prace artysty po raz pierwszy wystawiono w USA w ramach wystawy zbiorowej w Chicago
1937 – wystawa 12 obrazów artysty w Państwowym Muzeum Petit Palais w Paryżu w ramach wystawy zbiorowej „Mistrzowie sztuki niezależnej 1895-1937”. Spotyka Gerdę Groth, Niemkę ukrywającą się przed nazistowskim reżimem; będzie jego dziewczyną przez trzy lata
1939 – Soutine wyjeżdża do Yonne
„Modigliani nie mógł tego znieść: „Potrzebujesz dziewczyny, Chaimie, inaczej znikniesz!” Soutine zawsze malował nago. Nie dlatego, że był ekshibicjonistą – na ubrania nie było pieniędzy. W pracy zdejmował rzeczy, żeby się nie zużyły” – Chaim Soutine urodził się we wsi Śmiłowicze, wyjechał do Wilna, a potem do Paryża, aby zostać genialnym artystą. Po przeczytaniu o życiu rodaka spróbuj wygrać zaproszenia na „Noc Muzeów” i obejrzyj interaktywną instalację dzieł Chaima Soutine’a, stworzoną przez KYKY przy wsparciu Velcom.
Dlaczego Soutine zawstydził się wsią Smilowicze?
Przez długi czas w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, gdzie przechowywanych jest kilka obrazów syna krawca ze Smilovici, utrzymywano, że Chaim Soutine pochodzi z Litwy. Błąd ten został już poprawiony zarówno w muzeum, jak i na stronie internetowej muzeum. Ponieważ jednak metropolita jest instytucją autorytatywną, błąd rozprzestrzenił się na masy. Skąd wziął się mit o Litwie, gdzie Soutine mieszkał krótko? Stworzył go sam artysta. Ta historia przypomina komunikację poszczególnych Białorusinów z obcokrajowcami: „Skąd jesteś?” - „Z Białorusi” - „Gdzie to jest?” - „Z Rosji” - „Rozumiem”. Słowo Smilovichi nie było jasne dla paryżan, ale Wilno było znajome. Nieśmiały prowincjał ograniczył w ten sposób liczbę kierowanych do niego pytań o miejsce urodzenia.
Jak Soutine wyjechał do Wilna
Jako dziecko Soutine kradł z domu sztućce i wymieniał je na ulicy na kredę i inne artystyczne bzdury, niepotrzebne biednej rodzinie. W tym celu został zamknięty w ciemności. Może te kary i ciemność ukształtowały z dziesiątego syna Chaima (w rodzinie było 13 osób) słynnego artystę Chaima Soutine’a? Tylko psychologowie mogą to zrozumieć. Wkrótce rodzice Chaima pozwolili mu pracować w Mińsku jako asystent fotografa w jednym ze studiów fotograficznych. Ale Soutine nie mieszkał długo w Mińsku. Po namalowaniu portretu rabina, co jest zasadniczo zabronione, syn rabina, rzeźnik, wpadł we wściekłość i pobił Chaima tak dotkliwie, że trafił do szpitala. Zgodnie z decyzją sądu Chaim Soutine otrzymał 25 rubli tytułem odszkodowania za obrażenia ciała. To wystarczyło, aby wyjechać z Mińska do Wilna, zostać asystentem prawnika i rozpocząć naukę w szkole artystycznej.
Co to jest „Ul”
Chaima Soutine’a. Autoportret
Na południowo-zachodnich obrzeżach Paryża znajdowało się dziwne miejsce, którego właścicielem był Alfred Boucher. Był właścicielem pół hektara ziemi, na której zbudowano trzypiętrową rotundę. Kupił ten budynek ze sprzedaży słynnej Wystawy Światowej z 1900 roku (tej samej wystawy, podczas której zaczęto działać metro w Paryżu, zbudowano Most Aleksandra III i Gare de Lyon). Budynek ten został po raz pierwszy zaprojektowany przez Gustave'a Eiffela jako pawilon win Bordeaux. Zamiast piwnic z winami Alfred otworzył w Hive 140 atelier i studiów i zaczął je wynajmować na miesiąc początkującym artystom i pisarzom za zwykłe grosze, co równa się dwóm niedrogim lunchom w taniej knajpce. Mieszkali tu Léger, Modigliani, Chagall, Kremin, Apollinaire, Jacob i nasz przyjaciel Chaim Soutine. „Ul” istnieje do dziś, pozostaje zespołem mieszkalnym. Soutine spędził w Hive około siedmiu lub ośmiu lat. Tutaj znalazł przyjaciół i ludzi o podobnych poglądach, tutaj głodował i szukał środków do życia, malował tusze byków i śledzie. Z pilnej potrzeby dostał pracę jako ładowacz, dekorator, robotnik, model, ale został wyrzucony zewsząd za całkowitą niezdolność do pracy.
Jak Soutine napisał „śledź”.
Kiedyś Chaim mieszkał w tym samym studiu z artystą Tałowem. Nigdy nie zapomniał, jak Chaim malował martwą naturę ze śledziami przed sobą: „Przed zjedzeniem przyniesionego ze sklepu jedzenia zaczął malować martwą naturę i cierpiał, targany głodem, pożerając ją tylko oczami, nie pozwalając sam go dotknie, aż zakończy pracę. Wpadł w opętanie i ślinił się na myśl o zbliżającym się „królewskim obiedzie”. Ogólnie rzecz biorąc, „Ul” pod Soutine cierpiał z powodu nieznośnych zapachów. Chaim usprawiedliwiał się jedynie faktem, że sam Rembrandt uwielbiał malować zwłoki byków. Oczywiście wielu może zarzucić Chaimowi perwersję, ale w przypadku Soutine’a było zupełnie odwrotnie: obdarty ze skóry i ukrzyżowany trup byka stał się dla niego symbolem niewinnej i gwałtownej śmierci, motyw ten pojawiał się nie raz w jego obrazach . Wydaje się, że to wszystko echa dzieciństwa, co sam potwierdził: jako mały chłopiec widział, jak sąsiadowi rzeźnik odciął głowę kogutowi. Przypomniałam sobie, że chciałam krzyczeć, ale nie mogłam. Później opowiadał, że wszystkie swoje dzieła pisze po to, by w końcu wydobyć z siebie ten sam krzyk, który uwiązł mu w gardle niczym grudka grozy.
Dlaczego Soutine'a pociągały rzeźnie
Chaima Soutine’a. Tusza byka. 1924
„Ul” znajdował się niedaleko słynnych paryskich rzeźni. Chaim Soutine wspiął się na dach i patrzył, jak pracownicy wciągają walczące zwierzęta do pewnego pomieszczenia, skąd następnie wynoszą ogromne, zakrwawione zwłoki. W tym czasie Soutine dzielił pracownię z rzeźbiarzem Zadkine’em. Zauważył dziwne hobby swojego przyjaciela i zabrał go do Picassa, zapalonego konesera hiszpańskich walk byków. Chaim był zszokowany, nie mógł sobie nawet wyobrazić, że człowiek i byk mogą walczyć na równych zasadach. Po opowieściach Picassa Soutine zdecydował, że jeśli nie może zostać artystą, na pewno zostanie torreadorem. Chociaż przy niektórych okazjach mówił też, że zostanie bokserem.
Dlaczego Soutine malował nago?
Pewnego razu Chaim i Ossip Zadkine (później Zadkine pisał wspomnienia o Soutine, z których można przypuszczać, że to on stworzył całą imprezę i przyjaciół wokół nietowarzyskiego Soutine) siedzieli w kawiarni na Montmartre i spotkali pijanego Amedeo Modiglianiego. Chciał zobaczyć dzieła Soutine’a, „nowego” w Paryżu. I wkrótce pijani i weseli Zadkine i Modigliani wpadli do piwnicy Soutine i zamarli ze zdumienia. Soutine stała nago przed płótnem i patrzyła na nie z miłością, jakby to była dziewczyna. Następnie ostrożnie wziął pędzel i nałożył dwa lub trzy mocne i równe pociągnięcia na powierzchnię płótna. Wydawało się, że na płótno spłynął strumień krwi. Modi był pod takim wrażeniem, że krzyknął. Chaim obrysował kontury ludzkiego ciała wokół „rany” i umieścił na głowie coś niezgrabnego, przypominającego cylinder, który po chwili zamienił się w białą czapkę kucharską.
Modi nie mógł tego znieść: „Potrzebujesz dziewczyny, Chaimie, bo inaczej znikniesz!” Nawiasem mówiąc, Soutine zawsze malował nago. Nie dlatego, że był ekshibicjonistą, ale dlatego, że nie było pieniędzy na ubrania. Dlatego podczas pracy zdejmował rzeczy, aby się nie zużyły.
Dlaczego żony artystów nie lubiły Soutine’a
Po tej historii Modigliani zaciągnął Chaima do swojej pracowni, namalował jego portret i zaproponował, że przeprowadzi się z piwnicy do swojego przyjaciela Leopolda Zborowskiego, który sprzedawał obrazy Modiglianiego. Przyjacielowi nie przeszkadzało to i w kolejnych latach zaczął sprzedawać także prace Soutine’a. Żona Zborowskiego była wściekła na obecność Chaima i zabroniła go wprowadzać do domu. W odwecie Modigliani namalował portret Soutine bezpośrednio na drzwiach jej mieszkania. Właśnie dzięki tym drzwiom Chaim stał się postacią legendarną wśród mieszkańców Montparnasse. Próbowano pozbyć się jego portretu, ale na próżno, w końcu drzwi wyjęto z zawiasów i wystawiono na sprzedaż. Kupił go jakiś szalony producent, miłośnik postimpresjonistów, Lucien Map. A dziesięć lat później go sprzedał: był wart tysiąc razy więcej. Nowym właścicielem drzwi okazał się arabski szejk.
Kto odebrał dziewictwo Soutine'owi?
Chaim Soutine z modelką
Dzięki hojnej duszy Modiglianiego piękne modelki pozowały Chaimowi. Byli to głównie: Lunia Czechovskaya, Beatrice Hastings (słynna pogromczyni pijanych artystów i ekscentryczna mademoiselle swojej epoki) oraz kwiaciarka z Place Pigalle imieniem Ruth. Ten ostatni był gruby i wyglądał na około czterdzieści lat starszego od Soutine’a. Chaim kochał ją szczególnie. Najwyraźniej, bo wyglądała jak kobiety z jego dzieciństwa i ciągle żartowała, przekręcając każdą niewinną minę w wulgarność. W Paryżu krążyły pogłoski, że to Rut pozbawiła Chaima niewinności. Krążyły też pogłoski, że Soutine był prawdziwym wariatem.
Modi zamknął kiedyś modelkę Paulette z Chaimem w piwnicy, wsuwając pod drzwi paletę farb i trzy kawałki kartonu, na jednym z nich był napis: „Albo maluj, albo się kochaj”. Biedny Soutine, pełen zawstydzenia, natychmiast położył się na sofie i zasnął.
Ale w nocy obudził Paulette, kazał jej się rozebrać, sam się rozebrał... i zaczęli tańczyć. Tańczyli w niemal całkowitej ciemności, bez żadnego dźwięku. Paulette powiedziała, że wydawało jej się, że Chaim śpi.
Jak Soutine dała nauczkę Coco Chanel
Ekscentryczna Coco Chanel zawsze chciała robić wszystko po swojemu. Nawet w okupowanym przez faszystów Paryżu w czasie Bożego Narodzenia postanowiła rozpocząć wakacje na wielką skalę, w bogactwie i luksusie. Pomysł był taki, żeby dobrze się bawić przez kilka dni i chodzić od gościa do gościa, nie zatrzymując się przy każdym dłużej niż godzinę. Było w tym coś konkurencyjnego: który z gospodarzy bardziej zaskoczy Coco swoją oryginalnością. Gdy kwiat paryskiej bohemy dotarł do domu Chaima Soutine’a, zabawa się skończyła. Opętani wpadli do środka i byli oszołomieni: w półmroku (w domu paliło się tylko kilka świec) gościom ukazał się dziwny obraz. Przy stole siedzieli ich słudzy, których wcześniej przyciągnął Chaim.Pokojówki, zakurzeni piekarze, zziębnięte starsze kobiety w pomarszczonych fartuchach, kucharki. Jako jedyny poczęstunek na stole stały luksusowe czerwone mieczyki.Właściciel domu siedział wśród służby i uśmiechał się.Mimo swojej sławy i osobistych wystaw w Nowym Świecie i Paryżu, Soutine był jeszcze bardziej przyzwyczajony do przebywania z przedstawicielami paryskiego dołu.
Jak sława przyszła do Soutine
Chaima Soutine’a. Nagi. 1933
W latach dwudziestych obrazy ogromnych, zakrwawionych zwłok przyniosły Soutine’owi nieoczekiwane uznanie. Sam Chaim nie do końca rozumiał, co się dzieje. Jego obrazy zaczęły się dobrze sprzedawać dzięki amerykańskim kolekcjonerom. Otworzył własne studio na Place Clem, skąd miał niesamowity widok na Sekwanę. Przypomniało mu to widok na Dźwinę. Niektórzy cieszą się z laurów sławy, ale Soutine zaczął z tym walczyć.
Jeśli niektórzy ludzie hodują w domu zwierzęta, to Chaim udzielał schronienia starszym kobietom. W Paryżu krążyły plotki: jedni twierdzili, że z nimi sypia, inni, że tylko je pisze.
Chaim często przepisywał swoje obrazy, będąc w ciągłym stanie niezadowolenia i dążąc do ideału. Doszło do tego, że odkupił od właścicieli sprzedane już dzieła i albo je zmodyfikował, albo całkowicie zniszczył. Z tego powodu prawie nie zachowało się żadne z jego wczesnych dzieł. W czasie wojny, chcąc w jakiś sposób ukryć swoje obrazy przed nazistami, Soutine rozdawał je zwykłym rolnikom. I nie na tym polegała jego ekscentryczność. Naziści naprawdę polowali na jego obrazy. W 1942 roku Ambasada Niemiec we Francji zwróciła się do władz francuskich o odnalezienie Soutine'a i konfiskatę jego dzieł.
Jak umarł Soutine
Jego śmierć utrzymana była w duchu mrocznych opowieści Edgara Allana Poe. Z powodu złego odżywiania artysta miał wrzód żołądka. Raz, w czasie okupacji, sytuacja się pogorszyła. Konieczna była pilna operacja. Chaima okrężną drogą z Normandii do Paryża zabrano do chirurga, który zgodził się, mimo zakazów władz, na operację Żyda. Zmarł na zapalenie otrzewnej w sierpniu 1943 r., kiedy umierając, został potajemnie przewieziony do Paryża, ukryty w karawanie pogrzebowym. Soutine został pochowany w Paryżu na podstawie fałszywych dokumentów na cmentarzu Montparnasse.
Ile kosztują obrazy Soutine’a?
Pra-bratanek Chaima Soutine’a, Kenneth Groger, jest Amerykaninem, który wykłada język angielski na japońskim uniwersytecie. Podróżuje po całym świecie i kawałek po kawałku zbiera historię swojego słynnego i tajemniczego przodka: „Nazywam to poszukiwaniem skarbów, prowadzę je zarówno we Francji, jak i na Litwie. Ale szczegóły zachowam na potrzeby mojego filmu.
Kenneth ma marzenie – nakręcić hollywoodzki film o Soutine, w którym główną rolę miałby zagrać DiCaprio.
Dzieła Chaima Soutine’a z roku na rok stają się coraz droższe. Cenione są na równi z obrazami Picassa, Van Gogha i Moneta. Niedawno obraz „Mały cukiernik” poszedł pod młotek za 18 milionów dolarów i ustanowił rekord świata w cenie dzieł artysty. W 1977 roku obraz ten został sprzedany za 180 tysięcy dolarów, czyli w ciągu zaledwie trzech i pół dekady wartość dzieła Chaima Soutine’a wzrosła stukrotnie. O tym, czy lubimy, czy nie lubimy jego twórczość, można długo rozmawiać. To jak wybór jedzenia. Nazwiska takie jak Soutine, Chagall, Malewicz są kluczami, dzięki którym my, Białorusini, możemy wpasować się w globalny kontekst.
Jeśli zauważysz błąd w tekście, zaznacz go i naciśnij Ctrl+Enter
| Chaima Soutine’a | |
| 150 pikseli 150 pikseli |
|
| Imię urodzenia: |
Chaim Solomonowicz Soutine |
|---|---|
| Data urodzenia: | |
| Miejsce urodzenia: | |
| Data zgonu: | |
| Miejsce śmierci: | |
| Narodowość: | |
| Gatunek muzyczny: |
Obraz |
| Styl: |
ekspresjonizm |
Chaima Soutine’a(Chaim Solomonowicz Soutine, ks. Chaima Soutine’a 13 stycznia 1893, Smilovichi, obwód miński - 9 sierpnia 1943, Paryż, Francja) – francuski artysta pochodzenia żydowskiego.
Biografia
Chaim Soutine urodził się 13 stycznia 1893 roku w Smilowiczach (obwód miński) w biednej, wielodzietnej rodzinie żydowskiej (był dziesiątym z jedenaściorga dzieci), jego ojciec był krawcem (według innych źródeł sługą synagogi). Pragnienie rysowania , który pojawił się w Soutine bardzo wcześnie, nie doczekał się akceptacji rodziny.W 1907 roku (w wieku 14 lat) Soutine opuścił dom rodzinny i udał się do Mińska, gdzie pracował jako retuszer dla fotografa i uczęszczał do klasy rysunku H. Kruger W 1910 wraz z przyjacielem Michaiłem Kikoinem przeniósł się do Wilna i wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych.
W 1913 (według niektórych źródeł – w 1912) Soutine wyjechał do Paryża. Przed przeprowadzką do Cité Falguières w piętnastej dzielnicy Paryża Soutine mieszkał i pracował w La Ruche, the Hive, międzynarodowym hostelu dla biednych artystów na lewym brzegu Sekwany, który został stworzony w 1902 roku przez rzeźbiarza Alfreda Bouchera. Tam wpadł w krąg młodych artystów z różnych krajów (M. Chagall, F. Léger, R. Delaunay, O. Zadkine, A. Archipenko i in.), którzy później utworzyli tzw. szkołę paryską. Soutine wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych w klasie Cormona. Najwyższa kultura artystyczna Paryża pierwszej połowy stulecia wpłynęła na twórczość Soutine’a. Studiuje tu uznane dzieła malarstwa klasycznego, rzeźbę grecką i egipską, obrazy Goi, El Greco, Tintoretto, Jeana Fouqueta, Rembrandta, Corota i Chardina. Ze swoich współczesnych Soutine najbardziej ceni Courbeta i Cézanne’a. Soutine interesował się muzyką i literaturą. Do jego ulubionych autorów należeli Montaigne, Racine, Seneka, Dostojewski, Puszkin, Balzac i Rimbaud, a do jego ulubionych kompozytorów należeli Bach i Mozart.
W 1914 roku Soutine poznał A. Modiglianiego, z którym łączyły go złożone stosunki przyjaźni i wrogości. W 1918 roku Soutine mieszkał z Modiglianim na południu Francji, a następnie przez wiele lat często tam odwiedzał. Przez te wszystkie lata Soutine cierpiał z powodu biedy, punkt zwrotny nastąpił dopiero w 1922 r., kiedy amerykański kolekcjoner A. Barnes (1872–1951) nabył 15 obrazów Soutine'a, co zwróciło uwagę na jego twórczość. W 1927 roku w Paryżu odbyła się pierwsza osobista wystawa Soutine'a. Po nim poszły kolejne – w Paryżu (1930), Chicago (1935), Waszyngtonie (1943) i innych. Soutine zyskał światową sławę, jego sytuacja finansowa na krótki czas poprawiła się, ale artysta popadł w ciężką depresję, zaburzone zostało także jego zdrowie fizyczne. Mimo to Soutine pracował zawzięcie.
Po latach spędzonych na południu Francji Soutine wrócił do Paryża, gdzie przeprowadził się do przestronnej pracowni przy rue Mont Saint-Gautar, niedaleko Place Denfert-Rochereau. To tutaj wykonał szereg tusz byków oraz liczne martwe natury z rybami i ptakami.
Podczas niemieckiej okupacji Paryża Soutine ukrywał się, przenosił z miejsca na miejsce, po czym przyjaciele osiedlili go w Champigny, niedaleko Chinon; artysta nie przestał tam pracować. W 1943 roku Soutine poważnie zachorował, przywieziono go do Paryża, przyjęto do szpitala, gdzie zmarł.
kreacja
Soutine był jednym z twórców francuskiego ekspresjonizmu. Bardzo wcześnie rozwinął się jako artysta. W kompozycji wczesnych dzieł paryskich, zwłaszcza martwych natur, można wyczuć wpływ P. Cezanne’a („Martwa natura z fajką”, 1914–15, Troyes, zbiór P. Levy’ego; „Martwa natura z cytryną”, 1916, Nowy Jork, zbiory I. Levicka).
Na początku lat 20. XX w. Styl Soutine'a został ostatecznie zdefiniowany, co przejawiało się przede wszystkim w krajobrazach południowej Francji: wijące się impastowe pociągnięcia jego obrazu tworzą rozdartą formę; pojawia się kompozycja hodowlana z wysokim, zwykle wysokim horyzontem i dużym obrazem blisko pierwszego planu („Krajobraz Seret”, 1920–21, Uniwersytet Harvarda, Muzeum Sztuki Fogg; „Krajobraz z cyprysami”, 1922–23, Nowy York, zbiór A.A. List).
W 1927 roku w jednej z paryskich galerii odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Soutine'a. Poznał Marcelina i Madeleine Castaing, które w ślad za Zborowskim przejmą opiekę nad artystą. Kilka lat później Haim spotkał historyka sztuki Eliego Faure’a, który napisał pierwszą monografię poświęconą jego twórczości.
Od tego momentu i przez całe życie ekspresjonistyczna zasada twórczości Soutine’a, wrodzona mu od najwcześniejszych dzieł, a zwłaszcza przejawiająca się w wyrazistości koloru, tylko się nasiliła: przeszedł od malarstwa szaleńczego do jeszcze bardziej szalonego. Jednocześnie Soutine nigdy nie porzucił natury: wszystkich swoich bohaterów odnalazł w otaczającym go życiu, przekształcając codzienność w tragedię, w apokaliptyczne wizje tworzone wyłącznie za pomocą środków obrazowych - bolesną sprzeczność koloru, gwałtowny ruch pędzla („ Gladioli”, 1921–22, Nowy Jork). York, zbiory R. Colina; „The Servant”, 1928, Waszyngton, National Gallery of Art; „Little Town Square”, 1930, Chicago, Art Institute). Tragiczne postrzeganie życia zakorzenione jest we wspomnieniach dzieciństwa, środowiska żydowskiego, którego Soutine przez całe życie odmawiał, przezwyciężając w sobie jego wpływ, ale nie mógł go pokonać.
Oprócz krajobrazów ulubionymi gatunkami Soutine'a były portrety i martwa natura. Na portrecie Soutine był pod pewnym wpływem Modiglianiego: ich prace są zbliżone pod względem kompozycyjnym - podobnie jak Modigliani, Soutine preferuje obrazy całej twarzy pełnej długości lub biustu, blisko pierwszego planu i nieco spłaszczone, z minimalną ilością szczegółów. Portrety Soutine'a wyróżniają się kontrastującym kolorem i kontrastem pomiędzy ostrym, wzniosłym malarstwem a znikomością lub brzydotą twarzy bohaterów.
Francuska definicja tego gatunku najbardziej pasuje do martwych natur Soutine’a – „martwa natura”; w większości z nich śmierć w jej okrutnej, brzydkiej postaci („Meat Carcass”, 1925, Nowy Jork, Albright-Knox Gallery of Art; „Hare on a Green Shutter”, 1924–25, Troyes, zbiory P. Levy’ego ; „Wiszący indyk”, 1926, Nowy Jork, zbiory R. Zeislera). Kompozycyjnie martwe natury zorganizowane są znacznie ściślej niż pejzaże, zachowując raczej rytm wertykalno-poziomy niż ukośny.
Największe zmiany w twórczości Soutine'a nastąpiły w kolorystyce: w latach dwudziestych XX wieku. jest to chaotyczne przeplatanie się zieleni, żółci, czerwieni, brązu, fioletu, następnie plamy stają się większe, dominuje krwista czerwień, z którą kontrastuje jasny błękit, czasem fiolet; pod koniec lat trzydziestych XX wieku. Kolorem przewodnim staje się zieleń, przeplatana wszystkimi pozostałymi barwami palety, napięta do granic możliwości i podkreślona ostrymi pociągnięciami bieli („Zielone drzewa”, 1936, zbiory prywatne; „Wielkie drzewo”, 1942, zbiory prywatne).
W 1935 roku prace artysty zostały po raz pierwszy wystawione w Stanach Zjednoczonych w ramach wystawy zbiorowej w Chicago. A po kolejnych 2 latach w Państwowym Muzeum Petit Palais w Paryżu odbędzie się wystawa 12 obrazów artysty w ramach wystawy zbiorowej „Mistrzowie sztuki niezależnej 1895-1937”. Spotyka tam Niemkę Gerdę Groth, która ukrywa się przed nazistowskim reżimem – będzie jego dziewczyną przez trzy lata.
Chaim Soutine w kulturze
- Opowiadanie Roalda Dahla „Skóra” opowiada o tatuażu wykonanym przez Chaima Soutine’a.
- Chaim Soutine to jedna z mniejszych postaci w filmie Modigliani.