Wstęp
Obecnie istotne staje się zainteresowanie problematyką złożonego świata sztuki, koniecznością zrozumienia jego miejsca i roli w szerokim kontekście kultury. Zmiany orientacji i wartości w historii nowożytnej wymuszają nowe podejście do nauki i kultury, a w sztuce dostrzeżenia nie tylko samowystarczalnego środka poznania rzeczywistości, ale także drogi wartościowego rozumienia świata, samoświadomości kultury . Barok pojawił się we Włoszech pod koniec XVI - na początku XVII wieku, jako styl papieski. Wkrótce jednak barok stał się popularny poza Rzymem i Watykanem w całej Europie i trwał aż do XVIII wieku. Wykorzystywano go do ozdabiania pałaców rodów szlacheckich. We Francji w czasach Ludwika XIV barok stał się szczególnie rozpowszechniony.
Termin „barok” tłumaczy się jako „dziwaczny, dziwny, pretensjonalny”. Jego pochodzenie nie jest do końca jasne, w życiu codziennym słowo to nadal używane jest jako synonim dziwnego, dziwacznego, niezwykłego, pretensjonalnego, nienaturalnego. Terminem tym posługiwali się jubilerzy, określając niestandardowe perły, które mistrzowie epoki baroku umieli wykorzystywać do celów dekoracyjnych. „Czas baroku” obejmuje wiele stylów i nurtów (manieryzm, klasycyzm, barok i rokoko) oraz „styl barokowy”. Musi być coś naprawdę dziwacznego i dziwnego w tym stylu, nawet jeśli eksperci znacznie różnią się w jego ocenie. Niektórzy uważają, że sztuka baroku jest zła, nadmuchana, uciążliwa, sprzeczna z harmonijną i życiodajną sztuką renesansu. Inni dostrzegają w baroku wielkość, plastyczność, dążenie do piękna i dlatego uważają go raczej za kontynuację renesansu. Istnieje trzecia opinia: sztuka typu barokowego to późny, kryzysowy etap różnych epok w kulturze artystycznej. Jednocześnie wielu naukowców twierdzi, że kryzysowy etap renesansu nie jest jeszcze barokowy, nadają mu specjalną nazwę - manieryzm. Niemniej jednak nawet koneserzy nie zawsze z całą pewnością zdecydują, czy autor należy do renesansu, manieryzmu czy baroku.
Praca składa się ze wstępu, części głównej, zakończenia i bibliografii.
1. Charakterystyka epokowego stylu barokowego
"Wszyscy - styl" - Te słowa słynnego francuskiego naukowca Buffona doskonale charakteryzują podstawowe poglądy estetyczne człowieka epoki baroku. Tego stylu nie da się pomylić z żadnym innym stylem. Barokowy- ucieleśnienie epoki, w której się pojawił. W baroku łączą się dwie koncepcje, a mianowicie: styl i styl życia.
Kultura XVII wieku ucieleśnia złożoność tamtych czasów. Trudno znaleźć stulecie, które wydałoby tak wiele znakomitych nazwisk we wszystkich obszarach ludzkiej kultury. Europa XVII wieku - To era manufaktury i koła wodnego - silnika. Rozwój produkcji przemysłowej zrodził potrzebę rozwoju nauki. Naukowcy tacy jak Kopernik, Galileusz, Kepler dokonali zasadniczych zmian w poglądach na biblijny obraz wszechświata. Rozwój Leibniza, Newtona i Pascala ujawnił niespójność średniowiecznej natury. Wszystko to pozwoliło nam dokonać wielu odkryć i wynalazków. Stworzono algebrę i geometrię analityczną, w matematyce odkryto równania różniczkowe i rachunek całkowy, uformowano szereg najważniejszych praw fizyki, chemii i astronomii.
O życie duchowe społeczeństwa w XVII wieku. Ogromne znaczenie miały wielkie odkrycia geograficzne i przyrodnicze: pierwsza podróż Krzysztofa Kolumba do Ameryki, odkrycie przez Vasco da Gammę drogi morskiej do Indii, opłynięcie świata przez Magellana, odkrycie ruchu Ziemi wokół Słońca przez Kopernika, badania Galileusza. Nowa wiedza zniszczyła dotychczasowe wyobrażenia o niezmiennej harmonii świata, o ograniczonej przestrzeni i czasie proporcjonalnym do człowieka.
Kształtowanie się historycznego stylu barokowego, wiąże się przede wszystkim z kryzysem ideałów włoskiego renesansu w połowie XVI wieku. oraz szybko zmieniający się „obraz świata” na przełomie XVI i XVII wieku. Jednocześnie nowa sztuka stylu barokowego wyrosła z form klasycyzmu renesansu. Poprzednie stulecie we Włoszech było na tyle silne artystycznie, że jego idee, mimo wszystkich tragicznych zderzeń, nie mogły nagle zniknąć; nadal wywierały znaczący wpływ na umysły ludzi. A arcydzieła sztuki „wysokiego renesansu” - dzieła Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Rafaela - wydawały się nieosiągalne. Na tym polega istota wszystkich sprzeczności „epoki baroku”. Był to czas bolesnych zmian w światopoglądzie, nieoczekiwanych zwrotów myśli ludzkiej, spowodowanych po części wielkimi odkryciami geograficznymi i przyrodniczymi.
Podstawa ideologiczna nowy styl nastąpiło osłabienie kultury duchowej i duchowej mocy religii, rozłam w Kościele (na protestantów i katolików), walka pomiędzy różnymi wyznaniami odzwierciedlającymi interesy różnych klas: katolicyzm wyrażał tendencje feudalne, protestantyzm – burżuazyjny. Jednocześnie państwo zyskało większą rolę, w związku z czym doszło do walki między zasadami religijnymi i świeckimi.
Światopoglądowe podstawy stylu powstały w wyniku wstrząsów, które miały miejsce w XVI wieku. Reformacja i Kopernik. Zmieniła się ugruntowana w starożytności koncepcja świata jako racjonalnej i stałej jedności, a także renesansowa koncepcja człowieka jako istoty najinteligentniejszej. Człowiek zaczął postrzegać siebie jako „coś pomiędzy wszystkim a niczym”, jak to ujął Pascal, „kogoś, kto ujmuje jedynie pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.
W 1445 r. I. Gutenberg położył podwaliny pod druk książek, w 1492 r. X. Kolumb odkrył Amerykę, w 1498 r. Vasco da Gama – drogę morską do Indii. W latach 1519-1522. Magellan dokonał pierwszego okrążenia świata, a w 1533 roku odkrycie Kopernika dotyczące ruchu Ziemi wokół Słońca zaczęło zyskiwać uznanie. Badania Galileusza, Keplera i Newtona nad „mechaniką niebieską” obaliły dotychczasowe konwencjonalne wyobrażenia o zamkniętym i nieruchomym świecie, w centrum którego znajdowała się Ziemia i sam człowiek. To, co wcześniej wydawało się absolutnie jasne, niewzruszone i wieczne, zaczęło dosłownie kruszyć się na naszych oczach. Do tego czasu ludzie byli na przykład całkowicie pewni, że Ziemia jest płaskim spodkiem, a Słońce zachodzi nad jej krawędzią, dlatego w nocy robiło się ciemno. Teraz zaczęli nas przekonywać, że Ziemia nie jest naleśnikiem, ale kulą, a nawet kręci się wokół Słońca. Było to sprzeczne z wrażeniami wzrokowymi. Mężczyzna nadal widział jak poprzednio: płaską, nieruchomą ziemię i ruch ciał niebieskich nad jego głową. Poczuł twardość przedmiotów materialnych, ale naukowcy zaczęli udowadniać, że to tylko pozory, a w rzeczywistości - nic więcej niż wiele pulsujących ośrodków sił elektrycznych. Było co mylić.
To prawda, że prawa Keplera były zgodne z pitagorejską teorią muzyki sfer niebieskich i Newtonowi nie spieszyło się z upublicznieniem swoich odkryć. Ale w ten czy inny sposób nauki te popadły w konflikt z doświadczeniem i widzialnym obrazem świata. Nastąpiło nieodwracalne załamanie psychiczne - podstawa przyszłego stylu barokowego. Pod koniec XVI - na początku XVII wieku. odkrycia z zakresu nauk przyrodniczych i ścisłych znacząco zachwiały obrazem kompletnego, nieruchomego i harmonijnego wszechświata, w centrum którego znajduje się „korona Stworzenia” – sam człowiek.
O ile całkiem niedawno, w epoce renesansu, humanista Picodella Mirandola w swoim „Przemówieniu o godności człowieka” przekonywał, że człowiek, umiejscowiony w samym centrum świata, jest wszechmocny i może „wszystko obserwować i posiadać, co chce”, to wówczas w XVII w. Blaise Pascal napisał słynne słowa: człowiek to tylko „myśląca trzcina”, jego los jest tragiczny, gdyż będąc na skraju dwóch otchłani „nieskończoności i nieistnienia” nie jest w stanie ogarnąć umysł albo jedno, albo drugie i okazuje się, że jest czymś pomiędzy wszystkim a niczym. Ujmuje jedynie pozory zjawisk, gdyż nie jest w stanie poznać ani ich początku, ani końca”. I to są słowa wielkiego matematyka! Cóż za sprzeczne sądy na ten sam temat! Już wcześniej, w pierwszej tercji XVI wieku, ludzie zaczęli dotkliwie odczuwać sprzeczności między pozorem a wiedzą, ideałem a rzeczywistością, iluzją a prawdą. To właśnie w tych latach ukształtowały się poglądy, zgodnie z którymi im bardziej nieprawdopodobne jest dzieło sztuki, tym bardziej odbiega od tego, co obserwuje się w życiu, tym ciekawsze i atrakcyjniejsze jest z artystycznego punktu widzenia.
Cudzoziemcy – Hiszpanie i Francuzi – zaczynają rządzić terytorium Włoch. Dyktują warunki polityki itp. Wyczerpane Włochy nie straciły szczytu swoich pozycji kulturowych – pozostają kulturalnym centrum Europy. Jest bogata w moce duchowe. Władza w kulturze przejawiała się poprzez przystosowanie się do nowych warunków. Centrum świata katolickiego jest Rzym. Z powodu tych okoliczności szlachta i Kościół potrzebują swojej siły i bogactwa, aby wszyscy mogli je zobaczyć. Nie było pieniędzy na budowę pałacu; szlachta zwróciła się w stronę sztuki, aby stworzyć iluzję władzy i bogactwa. Popularny staje się styl, który może wznieść, i tak w XVI wieku narodził się we Włoszech Barokowy.
Epoka baroku odrzuca tradycje i autorytety jako przesądy i uprzedzenia. Wszystko, co jest „jasno i wyraźnie” pomyślane lub ma wyrażenie matematyczne, jest prawdą, twierdzi filozof Kartezjusz. Dlatego barok to także wiek rozumu i oświecenia. To nie przypadek, że słowo „barok” czasami podnosi się na oznaczenie jednego z typów wnioskowań w logice średniowiecznej – baroko. Pierwszy europejski park pojawia się w Wersalu, gdzie idea lasu wyrażona jest niezwykle matematycznie: aleje lipowe i kanały zdają się być rysowane linijką, a drzewa przycinane są na wzór figur stereometrycznych. Po raz pierwszy umundurowane armie epoki baroku przywiązywały dużą wagę do „wiertarki” - geometrycznej poprawności formacji na placu apelowym.
Charakterystyczne cechy baroku to rozmach przestrzenny, przepych, przepych i luksus. Należy pamiętać, że zmienność i grę obrazów tego stylu można porównać do muszli morskiej, od której nazwano ten styl. Wykwintny luksus, przepych i wyższość powracają do dekoracji domów po prostocie i minimalizmie w dekoracji wnętrz.
Epoka baroku daje ogromną ilość czasu na rozrywkę: zamiast pielgrzymek - promenada (spacery po parku); zamiast turniejów rycerskich - „karuzele” (przejażdżki konne) i gry karciane; zamiast misteriów są teatry i bale maskowe. Można dodać także wygląd huśtawek i „zabawę z ogniem” (fajerwerki). We wnętrzach portrety i pejzaże zastąpiły ikony, a muzyka z duchowej zamieniła się w przyjemną grę dźwięków.
Barok charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamiką obrazów, afektacją, pragnieniem wielkości i przepychu, łączenia rzeczywistości z iluzją, fuzji sztuk (zespoły miejskie, pałacowo-parkowe, opera, muzyka religijna, oratorium); jednocześnie – tendencja do autonomii poszczególnych gatunków (concerto Grosso, Sonata, Suita w muzyce instrumentalnej).
W ten sposób styl barokowy powoli dojrzewał, by nagle eksplodować. W tej epoce kilka przeciwstawnych sobie nurtów stylistycznych było destrukcyjnych, wszystkie były niestabilne i „niezgodne z rzeczywistością”. W tej sytuacji kluczem do zrozumienia są słowa I. Grabara: „Wysoki renesans to już trzy czwarte baroku”. Z każdym dniem stawało się coraz wyraźniejsze, że Alberti „nie jest tym, czego trzeba”, że nawet Bramante był już trochę pedantyczny i „suchy”, a abrakadabra słynnego „złotego cięcia” i matematyka proporcji nadana w fasadzie jego „Anulowanie.”
I dopiero gdy szalony Michał Anioł otworzył swój sufit Sykstyński i zajął budynki Kapitolu, wszyscy zrozumieli, czego wszyscy mieli dość i co skrywali w swoich sercach… i powstał nowy styl – barok.
2. Charakterystyka narodowego stylu barokowego
W XVII wieku Rzym był światową stolicą sztuki, przyciągającą artystów z całej Europy, dlatego sztuka barokowa szybko rozprzestrzeniła się poza „wieczne miasto”. Styl barokowy zapuścił swoje najgłębsze korzenie poza Włochami, w krajach katolickich. W każdym kraju barokowym sztuka karmiła się lokalnymi tradycjami. W niektórych krajach stało się to bardziej ekstrawaganckie, jak na przykład w Hiszpanii i Ameryce Łacińskiej, gdzie rozwinął się styl dekoracji architektonicznej zwany churrigueresco; w innych został wyciszony na rzecz bardziej konserwatywnych gustów. Styl barokowy rozprzestrzenia się w Hiszpanii, Niemczech, Belgii (Flandria), Holandii, Rosji, Francji.
W katolickiej Flandrii Sztuka baroku rozkwitła w twórczości Rubensa, do protestanckiej Holandii miało to mniej zauważalny wpływ. To prawda, że dojrzałe dzieła Rembrandta, niezwykle żywe i dynamiczne, wyraźnie naznaczone są wpływami sztuki barokowej.
We Francji wyrażało się to najwyraźniej w służbie monarchii, a nie Kościoła. Ludwik XIV rozumiał znaczenie sztuki jako środka gloryfikującego rodzinę królewską. Jego doradcą w tej dziedzinie był Charles Lebrun, który kierował malarzami i dekoratorami pracującymi w pałacu Ludwika w Wersalu. Wersal, ze swoim wspaniałym połączeniem bogatej architektury, rzeźby, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i krajobrazu, był jednym z najbardziej imponujących przykładów fuzji sztuk.
Dla architektury barokowej(L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, B.F. Rastrelli w Rosji) charakteryzują się rozpiętością przestrzenną, fuzją, płynnością złożonych, zwykle krzywoliniowych form. Architektura barokowa skłania się w stronę uroczystego „wielkiego stylu”, w stronę podkreślanej monumentalności, opiera się na idei złożoności, różnorodności, zmienności świata, odzwierciedla wielkość Papieża i Kościoła katolickiego, a także władzę i luksus monarchów i dużej arystokracji. W tym czasie powstają kościoły katolickie, miejskie i podmiejskie zespoły pałacowo-parkowe - plac przed katedrą św. Piotra w Rzymie, wiejskie wille we Włoszech.
Głównymi cechami budynków są złożony krzywoliniowy plan i zarysy linii, kapryśność plastikowych fasad, zastosowanie skomplikowanych, różnorodnych i malowniczych form opartych na owalu, elipsie i półkolu, półkoliste okna, połamane frontony, sparowane kolumny i pilastry , masywne okazałe klatki schodowe, rozpiętość przestrzenna zespołów, fuzja sztuk (architektura, rzeźba, malarstwo), dekoracyjność wnętrz, wykorzystanie luster w projektowaniu wnętrz. Zakon pełni funkcję dekoracyjnej formy plastycznej wraz z rzeźbą. Cechami budynków są niezwykła malowniczość (pretensjonalność), kontrast, napięcie, dynamika obrazów i płynność skomplikowanych, zwykle krzywoliniowych form, chęć celowego przepychu, łączenia rzeczywistości i iluzji. Często spotykane są wielkoformatowe kolumnady, bogactwo rzeźb na elewacjach i we wnętrzach, woluty, duża liczba zastrzałów, elewacje łukowe ze stężeniami pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły przybierają złożone kształty, często wielopoziomowe, jak kopuły katedry św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale barokowe - telamon (Atlas), kariatyda, maszkaron.
W architekturze włoskiej najwybitniejszym przedstawicielem sztuki baroku był Carlo Maderna(1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu datowane są na około 1620 rok. Za kwintesencję baroku uważa się kaplicę Coranaro w kościele Santa Maria della Victoria (1645-1652). , imponująca fuzja malarstwa, rzeźby i architektury. . Architektem byli najwybitniejsi włoscy współcześni Berniniego w tym dojrzałym okresie baroku Borromini zarówno artysta, jak i architekt Pietro da Cortona. Nieco później pracował Andrea del Pozzo (1642-1709); jego malowany sufit w kościele Sant'Ignazio w Rzymie (Apoteoza św. Ignacego Loyoli) jest kulminacją barokowej tendencji do pompatycznego przepychu. Hiszpański barok lub według lokalnego churrigueresco (na cześć architekta Churriguery), które rozprzestrzeniło się także na Amerykę Łacińską. Jego najpopularniejszym zabytkiem jest katedra w Santiago de Compostela, która jest jednocześnie jednym z najbardziej czczonych kościołów w Hiszpanii. W Ameryce Łacińskiej barok zmieszał się z lokalnymi tradycjami architektonicznymi; to jest jego najbardziej wyszukana wersja, i tak to nazywają ultrabarokowy. We Francji styl barokowy wyrażane skromniej niż w innych krajach. Wcześniej uważano, że styl ten w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uznawano za pomniki klasycyzmu. Czasami używa się określenia „barokowy klasycyzm”. Francuska i angielska wersja baroku. Obecnie Pałac Wersalski wraz ze zwykłym parkiem, Pałac Luksemburski, budynek Akademii Francuskiej w Paryżu i inne dzieła uważane są za francuski barok. Mają pewne cechy klasycystyczne. W Belgii Wybitnym zabytkiem barokowym jest zespół Grand Place w Brukseli. Dom Rubensa w Antwerpii, zbudowany według własnego projektu artysty, ma cechy barokowe. W Rosji barok pojawia się w XVII wieku („barok Naryszkina”, „barok Golicyna”). W XVIII w., za panowania Piotra I, w Petersburgu i na jego przedmieściach za sprawą D. Trezziniego zaczął się rozwijać tzw. „barok Piotrowy” (bardziej powściągliwy), który osiągnął swój szczyt za panowania Piotra Elizabeth Petrovna w pracy S.I. Chevakinsky i B. Rastrelli. W Niemczech Wybitnym zabytkiem barokowym jest Pałac Nowy w Sans Souci (autorzy: I.G. Bühring, H.L. Manter) i tamtejszy Pałac Letni (G.W. von Knobelsdorff).
Największe i najbardziej znane zespoły barokowe na świecie: Wersal (Francja), Peterhof (Rosja), Aranjuez (Hiszpania), Zwinger (Niemcy), Schönbrunn (Austria).
Styl barokowy w malarstwie charakteryzuje się dynamizmem kompozycji, „płaskością” i przepychem form, arystokracją i oryginalnością fabuły. Dominowały wątki oparte na dramatycznym konflikcie – o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym. Portrety ceremonialne powstają z myślą o dekoracji wnętrz.
Osobliwością baroku jest to, że nie trzyma się on renesansowej harmonii na rzecz bardziej emocjonalnego kontaktu z widzem. Duże znaczenie nabrały efektów kompozycyjnych, wyrażonych odważnymi kontrastami skali, koloru, światła i cienia. Ale jednocześnie artyści baroku dążą do osiągnięcia jedności rytmicznej i kolorystycznej, malowniczości całości.
U początków sztuki barokowej w malarstwie leży dwóch wielkich artystów włoskich - Caravaggia I Annibale’a Carracciego, który stworzył najważniejsze dzieła przełomu XVI i XVII wieku. Malarstwo włoskie końca XVI wieku charakteryzuje się nienaturalnością i niepewnością stylistyczną. Caravaggio i Carracci swoją sztuką przywrócili jej integralność i wyrazistość.
We włoskim malarstwie barokowym Rozwinęły się różne gatunki, ale były to głównie alegorie i gatunek mitologiczny. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo i bracia Carracci odnieśli sukces w tym kierunku. Zasłynęła szkoła wenecka, w której dużą popularność zyskał gatunek wedata, czyli pejzaż miejski. Najbardziej znanym autorem takich dzieł jest D.A. Canaletto. Nie mniej znani są Francesco Guardi i Bernardo Bellotto. Canaletto i Guardi malowali widoki Wenecji, natomiast Bellotto (uczeń Canaletta) pracował w Niemczech. Posiada wiele widoków na Drezno i nie tylko. Salvator Rosa (szkoła neapolitańska) i Alessandro Magnasco malowali fantastyczne pejzaże. Ten ostatni należy do poglądów architektonicznych, a bardzo bliski był mu francuski artysta Hubert Robert, tworzący w czasach, gdy wzrosło zainteresowanie starożytnością i rzymskimi ruinami. Ich prace przedstawiają ruiny, łuki, kolumnady, starożytne świątynie, ale w nieco fantastycznej formie, z przesadą. Bohaterskie obrazy namalował Domenichino, a malownicze przypowieści Domenico Fetti. Piotra Pawła Rubensa (1577-1640) na początku XVII wieku. studiował we Włoszech, gdzie poznał styl Caravaggia i Carraciego, choć przybył tam dopiero po ukończeniu studiów w Antwerpii. Z radością łączył najlepsze cechy szkół malarskich Północy i Południa, łącząc w swoich płótnach to, co naturalne i nadprzyrodzone, rzeczywistość i fantazję, naukę i duchowość.
Michelangelo Merisi (Caravaggio) (1571-1610) uważany jest za najwybitniejszego mistrza wśród artystów włoskich tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy o tematyce religijnej przypominają realistyczne sceny ze współczesnego życia autora, tworząc kontrast między późną starożytnością a współczesnością. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wychwytują wyraziste gesty bohaterów, kontrastowo podkreślając ich cechy charakterystyczne. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia przejęli żywiołowość i charakterystyczny sposób bycia Caravaggia, a także jego naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń.
We Francji Cechy barokowe są nieodłącznie związane z uroczystymi portretami Iasinte Rigaud. Jego najsłynniejszym dziełem jest portret Ludwika XIV. Twórczość Simona Voueta i Charlesa Lebruna, artystów dworskich zajmujących się gatunkiem portretu ceremonialnego, określana jest jako „barokowy klasycyzm”. Prawdziwą przemianę baroku w klasycyzm można zaobserwować w malarstwie Nicolasa Poussina. Styl barokowy w Hiszpanii otrzymał bardziej sztywną, surową postać, ucieleśnioną w dziełach takich mistrzów jak Velazquez, Ribera i Zurbaran. Trzymali się zasad realizmu. W tym czasie Hiszpania przeżywała swój „złoty wiek” w sztuce, będąc jednocześnie w kryzysie gospodarczym i politycznym.
Dla sztuki Hiszpanii Charakteryzuje się dekoracyjnością, kapryśnością, wyrafinowaniem form, dualizmem ideału i realności, fizyczności i ascezy, sterty i skąpstwa, wzniosłości i śmieszności. Wśród przedstawicieli: Domenico Theotokopouli (El Greco). Był głęboko religijny, dlatego w jego twórczości prezentowane są liczne warianty tematów religijnych i celebracji: „Święta Rodzina”, „Apostołowie Piotr i Paweł”, „Zejście Ducha Świętego”, „Chrystus na Górze Maslenicy”. El Greco był wspaniałym portrecistą - to, co przedstawiał, interpretował jako nierealne, fantastyczne, wyimaginowane. Stąd deformacja postaci (elementy gotyckie), skrajne kontrasty kolorystyczne z przewagą ciemnych barw, gra światłocienia i wrażenie ruchu. Diego Velazquez (1599-1660) to wspaniały mistrz portretu psychologicznego i malarz postaci. Jego obrazy wyróżniają się wielofigurową złożonością kompozycji, wielokadrowym charakterem, niezwykłą szczegółowością i doskonałym opanowaniem koloru.
Szczyt Flamandzki barok spada na I piętro. XVII wiek. Rubens został ustawodawcą w nowym stylu. We wczesnym okresie styl barokowy Rubens postrzegał przez pryzmat obrazów Caravaggia - „Podniesienie krzyża”, „Zejście z krzyża”, „Porwanie córek Leucyppusa”. Przejście do dojrzałej fazy twórczości artysty było dużym zamówieniem na cykl obrazów „Życie Marii Medycejskiej”. Malowidła mają charakter teatralny, alegoryczny, a malarstwo jest wyraziste. Rubens ukazuje niesamowitą, afirmującą życie moc baroku, a jego portrety, zwłaszcza kobiet, ukazują dla niego niewyczerpane źródło radości. W ostatnim okresie swojej twórczości Rubens kontynuuje temat bachanaliów – „Bachus” – otwarcie cielesnego postrzegania życia. Oprócz Rubensa uznanie zyskał inny mistrz flamandzkiego baroku, van Dyck (1599-1641).
Wraz z twórczością Rubensa nowy styl dotarł do Holandii, gdzie przejęli go Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) i Vermeer (1632-1675). W Hiszpanii Diego Velazquez (1599-1660) działał na wzór Caravaggia, a we Francji - Nicolas Poussin (1593-1665), który niezadowolony ze szkoły barokowej położył podwaliny pod nowy ruch w swojej twórczości - klasycyzm .
W Holandii Powstało kilka szkół malarskich, jednoczących głównych mistrzów i ich następców: Franza Halsa w Haarlemie, Rembrandta w Amsterdamie, Vermeera w Delft. W malarstwie tego kraju barok miał wyjątkowy charakter, skupiający się nie na emocjach odbiorców, ale na ich spokojnym, racjonalnym podejściu do życia. Rembrandt podkreślił to w następujących słowach: „Niebo, ziemia, morze, zwierzęta, ludzie – wszystko to służy naszemu ćwiczeniu”.
3. Charakterystyka poszczególnych stylów
Architekturę baroku cechuje rozpiętość przestrzenna, jedność i płynność złożonych, zwykle krzywoliniowych form. Genialne Centrum architektura barokowy stał się katolickim Rzymem.
Włoski rzeźbiarz i architekt uważany jest za „ojca baroku” Michał Anioł Buonarroti- Kaplica Medyceuszy we Florencji (1520-1534).
Wielki Michał Anioł siłą i ekspresją swojego indywidualnego stylu natychmiast zniszczył wszystkie utarte wyobrażenia o „zasadach” rysunku i kompozycji. Potężne postacie, które namalował na suficie, wizualnie „zniszczyły” przydzieloną im przestrzeń obrazową; nie odpowiadały ani scenariuszowi, ani przestrzeni samej architektury. Wszystko tutaj było antyklasyczne. G. Vasari, słynny kronikarz renesansu, zdumiony, podobnie jak inni, nazwał ten styl „dziwacznym, niezwykłym i nowym”.
Inne dzieła Michała Anioła: zespół architektoniczny Kapitolu w Rzymie, wnętrze Kaplicy Medyceuszy i hol biblioteki San Lorenzo we Florencji – ukazywały formy klasycystyczne, ale wszystko w nich było ogarnięte niezwykłym napięciem i podekscytowaniem. Stare elementy architektury wykorzystano w nowy sposób, przede wszystkim niezgodnie z ich konstrukcyjną funkcją. Tak więc w holu biblioteki San Lorenzo Michał Anioł zrobił coś zupełnie niewytłumaczalnego. Kolumny są zdublowane, ale ukryte we wnękach ścian i niczego nie podtrzymują, więc ich kapitele mają jakieś dziwne zakończenia. Wiszące pod nimi woluty konsoli nie pełnią żadnej funkcji. Na ścianach są wyimaginowane, ślepe okna. Ale najbardziej zaskakującą rzeczą są schody do holu. Według dowcipnej uwagi J. Burkhardta „nadaje się tylko tym, którzy chcą skręcić sobie kark”. Tam, gdzie jest to konieczne, nie ma poręczy po bokach. Znajdują się jednak pośrodku, ale są zbyt nisko, aby się na nich opierać. Zewnętrzne stopnie są zaokrąglone z całkowicie bezużytecznymi lokami w rogach. Sama klatka schodowa wypełnia niemal całą wolną przestrzeń holu, co w zasadzie jest sprzeczne ze zdrowym rozsądkiem, nie zaprasza, a jedynie blokuje wejście.
W projekcie katedry św. Piotra (1546) Michał Anioł, w przeciwieństwie do rozpoczynającego budowę Bramantego, podporządkował całą przestrzeń architektoniczną centralnej kopule, nadając budowli dynamikę. Wiązki pilastrów, podwójne kolumny, żebra kopuły przedstawiają skoordynowany, potężny ruch w górę. W porównaniu ze szkicami Michała Anioła, wykonawcy projektu Giacomo della Porta w latach 1588-1590. wzmocniłem tę dynamikę poprzez wyostrzenie kopuły; uczynił go nie półkulistym, jak to było w zwyczaju w sztuce renesansu, ale wydłużonym, parabolicznym.
Nadejście epoki baroku oznaczało powrót romantyzmu do architektury kościołów chrześcijańskich. W tym sensie godna uwagi jest wypowiedź O. Spenglera na temat ewolucji twórczości Michała Anioła: „Z najgłębszego niezadowolenia ze sztuki, na którą zmarnował życie, jego zawsze niezaspokojona potrzeba ekspresji złamała architektoniczny kanon renesansu i stworzyła rzymską Barok... A w osobie rzeźbiarza Michała Anioła „zakończyła się historia rzeźby europejskiej”. Naprawdę, Michał Anioł – prawdziwy „ojciec baroku”, gdyż w jego posągach, budynkach i rysunkach następuje jednocześnie powrót do duchowych wartości średniowiecza i konsekwentne odkrywanie nowych zasad formacji. Ten genialny artysta, wyczerpawszy możliwości klasycznej plastyczności, w późnym okresie swojej twórczości stworzył niespotykane dotąd ekspresyjne formy. Jego tytaniczne postacie ukazane są nie według zasad anatomii plastycznej, która jeszcze dziesięć lat temu była normą dla tego samego Michała Anioła, ale według innych, irracjonalnych sił kształtujących, powołanych do życia przez wyobraźnię samego artysty.
Jedna z pierwszych oznak sztuki baroku: nadmiar środków i pomieszanie skal. W sztuce klasycyzmu wszystkie formy są jasno określone i oddzielone od siebie. „Plafon Sykstyński” Dlatego właśnie Michał Anioł pierwsze dzieło w stylu barokowymże doszło w nim do zderzenia narysowanych, lecz rzeźbiarskich w namacalności postaci, z niesamowitą, namalowaną na suficie ramą architektoniczną, bynajmniej nie zgodną z rzeczywistą przestrzenią architektury. Wymiary postaci również wprowadzają w błąd widza, nie współgrają, a wręcz dysonansują nawet z malowniczą, iluzoryczną przestrzenią stworzoną dla nich przez artystę.
„Geniusz baroku” J L. Berniniego(1598-1680). Największe dzieło architektoniczne Berniniego – zakończenie wieloletniej budowy katedry św. Piotra w Rzymie i projekt placu przed nim (1656-1667). We wnętrzu katedry św. Piotra w Rzymie, nad grobem apostoła Piotra, wzniósł ogromny, niebotycznie powiększony namiot – cyborium o wysokości 29 m (wysokość Palazzo Farnese w Rzymie). Z daleka namiot wykonany z poczerniałego i złoconego brązu na czterech skręconych kolumnach z „zasłonami” i posągami z nawy katedry wydaje się jedynie zabawką, dziwactwem wystroju wnętrza. Jednak z bliska oszałamia i przytłacza, okazując się kolosem o nieludzkich proporcjach, dlatego też kopuła nad nim wydaje się niezmierzona jak niebo.
Dwa potężne skrzydła monumentalnej kolumnady, zbudowane według jego projektu, zamykały ogromną przestrzeń placu. Rozchodzące się od głównej, zachodniej fasady katedry kolumnady początkowo tworzą kształt trapezu, a następnie przechodzą w ogromny owal, podkreślając szczególną ruchomość kompozycji, mającej na celu organizację ruchu procesji masowych. Tę czterorzędową zadaszoną kolumnadę tworzą 284 kolumny i 80 filarów o wysokości 19 m, a jej strych wieńczy 96 dużych posągów. Gdy poruszasz się po placu i zmieniasz punkt widzenia, wydaje się, że kolumny albo zbliżają się do siebie, albo oddalają, a zespół architektoniczny zdaje się rozwijać przed widzem. W projekt placu umiejętnie wkomponowano elementy dekoracyjne: drżące struny wody dwóch fontann i znajdujący się pomiędzy nimi smukły egipski obelisk, który akcentuje środek placu. Ale według słów samego Berniniego plac „jak otwarte ramiona” chwyta widza, kierując jego ruch w stronę fasady katedry, ozdobionej okazałymi kolumnami korynckimi, które górują i dominują nad całym uroczystym barokowym zespołem. Podkreślając przestrzenność ogólnego rozwiązania złożonego placu i katedry, Bernini zdefiniował także główny punkt widzenia katedry, która z daleka jest postrzegana w jej majestatycznej jedności.
Bernini dobrze znał i brał pod uwagę prawa optyki i perspektywy. Z odległego, kurczącego się punktu widzenia, skośne kolumnady trapezoidalnego kwadratu postrzegane są jako proste, a owalny kwadrat jako okrąg. Te same właściwości sztucznej perspektywy umiejętnie wykorzystano przy budowie głównych Schodów Królewskich łączących Bazylikę św. Piotra z Pałacem Papieskim. Robi wrażenie dzięki precyzyjnie obliczonemu stopniowemu zwężaniu biegu schodów, kasetonowemu stropowi i redukcji otaczających go kolumn. Wzmacniając efekt redukcji perspektywy schodów prowadzących w głąb, Bernini uzyskał iluzję zwiększenia rozmiaru schodów i ich długości.
Kunszt Berniniego jako dekoratora ukazał się w całej okazałości przy dekorowaniu wnętrza katedry św. Petra. Podkreślił oś podłużną katedry i jej środek - przestrzeń pod kopułą z luksusowym cyborium z brązu (baldachim, 1624-1633), w którym nie ma ani jednego spokojnego konturu. Wszystkie formy tej dekoracyjnej struktury są poruszone. Skręcone kolumny wznoszą się stromo do kopuły katedry; Za pomocą teksturowanej różnorodności brąz imituje bujne tkaniny i frędzlowe dekoracje.
W sztukach pięknych W okresie tym dominowały wątki dramatyczne konflikt, - religijny, mitologiczny lub alegoryczny. Portrety ceremonialne powstają z myślą o dekoracji wnętrz. Cechą baroku jest niezgodność z renesansową harmonią na rzecz bardziej emocjonalnego kontaktu z widzem. Duże znaczenie nabrały efektów kompozycyjnych, wyrażonych odważnymi kontrastami skali, koloru, światła i cienia. Ale jednocześnie artyści baroku dążą do osiągnięcia jedności rytmicznej i kolorystycznej, malowniczości całości. Malarstwo barokowe charakteryzuje się dynamizmem, „płaskością” i przepychem form, a najbardziej charakterystycznymi cechami baroku są chwytliwa kwiecistość i dynamizm; uderzającym przykładem jest Rubens, Caravaggio.
Rubensa Petera Paula(1577-1640) – flamandzki malarz, rysownik, szef flamandzkiej szkoły malarstwa barokowego. Rubens w życiu ucieleśniał barokowy ideał wirtuoza, skupionego na zewnętrznej stronie rzeczy, dla którego sceną był cały świat. Sprzeczności epoki Rubens w malarstwie godził pozornie nie do pogodzenia przeciwieństwa. Jego ogromny intelekt i potężna energia życiowa pozwoliły mu stworzyć, w oparciu o różne zapożyczenia, holistyczny, niepowtarzalny styl, w którym w zadziwiający sposób łączą się to, co naturalne i nadprzyrodzone, rzeczywistość i fantazja, nauka i duchowość. Jego epickie obrazy definiują w ten sposób skalę i styl dojrzałego malarstwa barokowego. Są pełne iskrzącej, niewyczerpanej energii i pomysłowości i są, podobnie jak jego bohaterskie nagie postacie, uosobieniem poczucia miłości do życia. Ukazanie tak bogatej egzystencji na taką skalę wymagało poszerzenia pola działania, jakie zapewnić mógł dopiero barok ze swoją teatralnością – w najlepszym tego słowa znaczeniu. Zmysł dramatyzmu był wpisany w Rubensa w takim samym stopniu, jak i w Berniniego. Podwyższenie Krzyża, pierwszy duży obraz ołtarzowy, świadczy o tym, jak wiele zawdzięczał sztuce włoskiej. Muskularne postacie, szczegółowo oddane, aby pokazać ich siłę fizyczną i pasję, przypominają Kaplicę Sykstyńską Michała Anioła i galerię Annibale Carracci w Palazzo Farnese, a styl oświetlenia obrazu ma coś z Caravaggia. Niemniej jednak panel w dużej mierze zawdzięcza swój sukces zadziwiającej umiejętności Rubensa łączenia wpływów włoskich z holenderskimi pomysłami, nadając im w procesie twórczym nowoczesne brzmienie. W skali i koncepcji obraz jest bardziej heroiczny niż jakiekolwiek inne dzieło północne, ale nadal nie można sobie wyobrazić jego wyglądu bez „Zejścia z krzyża” Rogiera van der Weydena.
Rubens jest równie przywiązanym do szczegółów flamandzkim realistą, co widać w szczegółach, takich jak liście, zbroja i pies na pierwszym planie. Te różnorodne elementy, połączone z najwyższym kunsztem, tworzą kompozycję o ogromnej sile dramatycznej. Niestabilna, groźnie kołysząca się piramida ciał w typowo barokowy sposób przełamuje granice kadru, wywołując u widza poczucie uczestnictwa w tej akcji.
W latach dwudziestych XVII wieku dynamiczny styl Rubensa osiągnął swój szczyt w ogromnych dziełach dekoracyjnych zamawianych do kościołów i pałaców. Najbardziej znany jest cykl obrazów Rubensa wykonanych dla Pałacu Luksemburskiego w Paryżu i poświęconych gloryfikacji życia Marii Medycejskiej, wdowy po Henryku IV i matki Ludwika. XIII. Wszystko tutaj łączy jeden rytm ruchu kołowego: niebo i ziemia, postacie historyczne i postacie alegoryczne, a nawet rysunek i malarstwo, gdyż Rubens przygotowując swoje kompozycje posługiwał się podobnymi szkicami obrazkowymi. W odróżnieniu od artystów poprzednich epok, od początku swoje malarstwo preferował w odniesieniu do światła i koloru (większość jego rysunków to studia figuralne lub szkice portretowe). Taka holistyczna wizja, u początków, choć jeszcze bez oczywistych osiągnięć, byli wielcy Wenecjanie, była najcenniejsza w spuściźnie Rubensa dla malarzy kolejnych pokoleń.
Michał Anioł Merisi, któremu nadano przydomek na cześć miejsca urodzenia niedaleko Mediolanu Caravaggia, uważany jest za najwybitniejszego mistrza wśród artystów włoskich tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie.
Już w pierwszych pracach zrealizowanych w Rzymie jawi się jako odważny innowator, rzucający wyzwanie głównym nurtom artystycznym tamtej epoki – manieryzmowi i akademizmowi, przeciwstawiając je surowemu realizmowi i demokracji swojej sztuki. Bohaterem Caravaggia jest mężczyzna z ulicznego tłumu, rzymski chłopiec lub młodzieniec, obdarzony szorstką zmysłową urodą i naturalnością bezmyślnego, pogodnego życia; Bohater Caravaggia pojawia się albo w roli ulicznego kupca, muzyka, naiwnego dandysa, słuchającego przebiegłego Cygana, albo w przebraniu i z atrybutami starożytnego boga Bachusa. Te z natury gatunkowe postacie, skąpane w jasnym świetle, są przybliżane widzowi, ukazywane z podkreśloną monumentalnością i plastyczną namacalnością.
Okres dojrzałości twórczej otwiera cykl monumentalnych obrazów poświęconych św. Mateusz. W pierwszym i najważniejszym z nich – „Powołanie apostoła Mateusza” – przenosząc akcję ewangelicznej legendy do półpiwnicy z gołymi ścianami i drewnianym stołem, czyniąc z niej uczestników ulicznego tłumu, Caravaggio przy ul. zbudował jednocześnie silną emocjonalnie dramaturgię wielkiego wydarzenia – wtargnięcia światła Prawdy w głąb życia. „Światło pogrzebowe” wnikające do ciemnego pomieszczenia po wejściu tam Chrystusa i św. Piotra, uwypukla postacie osób zgromadzonych wokół stołu i jednocześnie podkreśla cudowny charakter pojawienia się Chrystusa i św. Piotra, jego rzeczywistość i jednocześnie nierzeczywistość, wyrywając z ciemności tylko część profilu Jezusa, cienką dłoń jego wyciągniętej dłoni, żółty płaszcz św. Piotra, podczas gdy ich postacie niewyraźnie wyłaniają się z cienia
Jego obrazy o tematyce religijnej przypominają realistyczne sceny ze współczesnego życia autora, tworząc kontrast między późną starożytnością a współczesnością. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wychwytują wyraziste gesty bohaterów, kontrastowo podkreślając ich cechy charakterystyczne. Sztuka Caravaggia wywarła ogromny wpływ na twórczość nie tylko wielu włoskich, ale także czołowych zachodnioeuropejskich mistrzów XVII wieku – Rubensa, Jordaensa, Georgesa de La Tour, Zurbarana, Velazqueza, Rembrandta.
W ten sposób artyści baroku odkryli nowe techniki dla sztuki w przestrzennej interpretacji formy w jej stale zmieniającej się dynamice życia i aktywowali swoją pozycję życiową. Jedność życia w zmysłowo-fizycznej radości istnienia, w tragicznych konfliktach stanowi podstawę piękna w sztuce barokowej.
Wniosek
Barok jest więc cechą charakterystyczną kultury europejskiej XVII-XVIII wieku, której centrum stanowiły Włochy, a następnie rozprzestrzeniło się na całą Europę Zachodnią. Za początek triumfalnego marszu „cywilizacji zachodniej” uważa się epokę baroku.
Jego pojawienie się było historycznie naturalnym procesem, przygotowanym przez cały poprzedni rozwój. Styl był różnie wdrażany w różnych krajach, ujawniając ich cechy narodowe. Jednocześnie posiadał cechy wspólne, charakterystyczne dla całej sztuki europejskiej i całej kultury europejskiej:
1. Dogmatyzm kościelny, który doprowadził do wzrostu religijności;
2. Zwiększenie roli państwa, sekularyzm, walka dwóch zasad;
3. Zwiększona emocjonalność, teatralność, przesada wszystkiego;
4. Dynamika, impulsywność;
Nie będzie przesadą stwierdzenie, że „barok” to jeden z najbardziej wyszukanych, bujnych stylów.
Styl barokowy w pełni odpowiada stylowi życia charakterystycznemu dla tamtej epoki. Jest to styl oparty na wykorzystaniu klasycznych form porządkowych, doprowadzonych do stanu dynamicznego napięcia, czasami osiągającego konwulsje.
Okres baroku przyczynił się do powstania narodowych szkół artystycznych o własnej specyfice (Flandria, Holandia, Francja, Włochy, Hiszpania, Niemcy).
Lista wykorzystanych źródeł
1. Własow V.G. Style w sztuce: słownik. – w 3 tomach. T.1 / V.G. Własow. - Petersburg: Kolna, 1998. – 540 s.
2. Gombrich E. Historia sztuki / E. Gombrich. – M.: AST, 2008. – 688 s.
3. Grushevitskaya T.G. Słownik światowej kultury artystycznej / T.G. Grushevitskaya, MA Guzik, A.P. Sadochin. - M.: Akademia, 2001. - 408 s.
4. Dassa F. Barok. Architektura lat 1600-1750 / F. Dass; uliczka od ks. E. Murashkintseva. - M.: AST, 2004. - 160 s.
5. Ilyina T.V. Historia sztuki. Sztuka zachodnioeuropejska: podręcznik. – M. Wyższa. szkoła, 2000. - 368 s.
6. Kagan M.S. Podstawy teorii kultury artystycznej: Podręcznik / M.S. Kagan, L.M. Mosołowa, P.S. Sobolew; Pod generałem wyd. L.M. Mosołowa. – St.Petersburg: Lan, 2001. – 288 s.
Aplikacja
Ryż. 1 - Plac przed Bazyliką św. Piotra, zaprojektowany przez Lorenzo Berniniego
Ryż. 2 - Michał Anioł. Fragment sklepienia Kaplicy Sykstyńskiej
Korepetycje
Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?
Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.
BAROQUE (włoski barocco, pochodzący z Port-Tug. barroco - perła o nieregularnym kształcie lub z łac. ba-ro-co - nie mogę-znać-znaczenia jednego z mod-du- sieje władzę-lo-giz-ma w tradycyjnej logice). Styl w sztuce końca XVI-XVIII wieku.
Oh-va-til, wszystko kręci się wokół plastiku typu last-ti. sztuka (ar-hi-tek-tu-ru, rzeźba-tu-ru, malarstwo), li-te-ra-tu-ru, muzyka i sztuki rozrywkowe Kus-st-va. Styl B. był ty-ra-sam ti-po-logic. wspólnota narodowa wycieczka kulturalna w okresie sta-nov-le-niya abs-so-lyu-tiz-ma, która jest prowadzona wspólnie z wojskiem ciężkim. con-flic-ta-mi (w tym wojna trzydziestoletnia 1618-48), uk-re-p-le-ni-em ka-to-li-tsiz-ma i ideologia kościelna (patrz Kontrreformacja ). Na szczęście ta społeczność ma prawo tak samo mówić o kulturze. epo-he B., obok-vav-shay epo-he Voz-ro-zh-de-niya. Chronologiczny. Granice B. nie mieszczą się w dziale. re-gio-nah (w Ameryce Łacińskiej, wielu krajach Europy Środkowo-Wschodniej, w Rosji styl powstał później niż w Europie Zachodniej) i w rozkładzie. vid-dah isk-va (a więc w XVIII wieku samo B. is-cher-pa-lo w literaturze zachodnioeuropejskiej, ale nadal kłuło -in-art-hi-tech-tu-re, iso-bra- zit.art-ve,mus-ke). Za miejsce urodzenia B. słusznie uważa się Włochy. B. pre-em-st-ven-ale związany z man-e-riz-momą z XVI wieku. i co-su-s-st-vu-et z klasą-si-cis-mom.
Styl B. stworzył nową rzecz, która zastąpiła re-nes-sans-no-mu gu-ma-niz-mu i an-tro-po-cen-triz-mu mi -ro-feeling, w którym diabły chodziło o racjonalność i mis-tich. sen-ri-tua-liz-ma, dążenie do nauki. sis-te-ma-ti-za-tion wiedzy i uv-le-che-nie ma-gich. i eso-te-bogaty. nauki, in-te-res do świata podmiotu w całej jego szerokości i re-ligs. egzaltacja. Edukacja odkrycia, które poszerzyły granice wszechświata, przyniosły świadomość nieskończonej złożoności świata ra, ale jednocześnie przekształciły człowieka z centrum świata w jego najmniejszą część. Zniszczenie równowagi między człowiekiem a światem pojawiło się w anty-mich-no-sti B., skłaniam się ku ostrym kontrastom tego, co wysokie i niskie, cielesne i duchowe, uton-chen- no-go i br-tal-no-go, tra-gi-che-sko-go i ko-mi-che-sko-go itp. Spokój-równy -to, gar-mo-nic-ness re-ness-sans-no-go art-va został zastąpiony przez high-a-f-fe-ta-ci-ey, ex-sal-ti-ro-van-no-stu, bur-noy di-na-mi -koj. Jednocześnie, dążąc do aktywnego oddziaływania na widzenie, słyszenie, styl B. został starannie oparty na racjonalnym systemie technik, czyli tel-but pro-du-man-nuyu. step-pe-ni os-no-van-nu na ri-to-ri-ke [pre-zh-de all o naukach o „wynalazku” (łac. inventio) i o sti-li-stich. fi-gu-rah, „uk-ra-she-nii” (łac. elocutio)]. Ri-bogaty. zasady zostały przeniesione do różnych obszarów. rodzaje badań, op-re-opóźnienie budowy lit. pro-iz-ve-de-niya, te-at-ral-no-go action-st-viya, programy cykli pisanych de-co-ra-tiv i mo-nu-mental-living, muzyka. com-po-zi-tion.
Pożądane połączenie w ramach jednego pro-iz-ve-de-tion kontrastu-st-raz-zy, a często ele-men- jesteś inny gatunek (tra-gi-ko-media, opera-ra-ba-let itp.) i style-le-vyh man-ner, mas-te-ra B. specjalne znaczenie pri-da-va-li vir-tu -oz-no-mu ar-ti-stiz-mu: po-be-da tech-ni-ki over ma-te-ria-lom is-kus-st-va sim -in-li-zi-ro-va -la tor-ten sam twórczy geniusz, który jest mniej więcej-la-tak „ostry-inteligentny” „- umiejętność łączenia w jednym obrazie różnych i odmiennych koncepcji. Ch. oru-di-em „ost-ro-umiya” służyło me-ta-for-ra - najważniejszemu z barokowych tropów, „matce poezji” (E. Te -zau-ro).
Pragnienie wszechstronnego wpływu na audi-to-riu doprowadziło do ha-rak-ter-no-mu dla B. zbliżającego niyu i wzajemne-pro-nick-but-ve-niu różne. rodzaje sztuki (art-hit. il-lu-zii w life-pi-si i scenografii, rzeźba-tur-ness i malowanie na żywo art-hi-tech-tu-ry, te-at-ra-li -za-tja-rzeźby, etyczny i żywy obraz muzyki, współjedność braku obrazu i tekstu w wierszach figuratywnych i w gatunku emblematów). Pat-te-tich. „ty-coś” B. z przywiązaną do niego wielkością i przepychem (ar-hit. en-samb-li, al-ta-ri i al-tar-images, tri-um-fs i apo-fe-o -zy w zhi-vo-pi-si, opery na mi-fo-lo-gic. , tra-ge-dia, geo-ich. po-ema; gree-be-niya itp.) sąsiadujące-st-in -va-lo z komnatami (o-martwej naturze w live-in-pi-si, pass-to-ral i ele-gy w li-te-ra-tu-re) i ni-zo-you-mi ( komedia intermedialna w operze i dramacie szkolnym) form-ma-mi B. Życie-nie-być-w-sztuce B. nierzadko-gra-ni-chi-lo jak przy skutecznym-at- ral-no-st (motyw świata jest jak te-at-ra ti-pi-chen dla B.) oraz ze złożonym symbolem: przedmiotem przedstawionym w rzeczywistości -li-stitch. ma-ne-re, istnieje w sobie ukryte znaczenie.
Termin „B.” powstał w XVIII wieku. w środowisku is-to-ri-kov art-va, bliskie klasy-si-tsiz-mu (I. Winkel-man, F. Mi-li-tsia); po pierwsze, wystawiłeś negatywną ocenę it. ar-hi-tech-tu-ry z XVII wieku, a później i cała sztuka tego okresu. Epi-tet „bar-roch-ny” w klasie-si-tsi-stich. norm-ma-tiv-noy es-te-ti-ke służył jako znacznik wszystkiego, co kryło się za regułami pre-de-la-mi i pro-ti-vo-re-chi-lo upor-rya-do- chen-no-sti i class-sich. przejrzystość. W muzyce termin „B.” (po raz pierwszy – w „Słowie muzycznym” J. J. Rousseau, 1768) przez długi czas miało także znaczenie negatywne, fikcję – zwrócenie uwagi na op-re-de-la-ny „kraje”, które wypadły z normy klasowe. Jeden z pierwszych jest bogaty. Interpre-ta-cję B. podał J. Burkhardt (w książce „Il Cicero-ne”, 1855), styl op-re-de-living B. w powiązaniu z językiem włoskim. ar-hi-tek-tu-roy con. 16 wiek Teoria B. jako stylu w sztuce brazit. Claim-ve, od-osobiście z Voz-ro-zh-de-niy i class-si-tsiz-ma, sform-mu-li-ro-val G. Wölf-lin („Re-ness-sans i ba- rock-co”, 1888; „Podstawowe zasady istnienia sztuk”, 1915), przeżyłeś formalne ka-te -go-ries dla zdefiniowania stylów pro-ty-in-false Wiek i B. Reprezentacja -le-nie o B. jako o bogatym. sti-le był per-re-ne-se-ale na li-te-ra-tu-ru i muzyce tylko na początku. XX wiek Nowoczesny koncepcja B. tya-go-te-et, aby vy-de-de-niy go o pre-de-ly art-kus-st-va i lit-te-ra-tu-ry, aby ponownie -nie-widz-tego na takich ob-las-ti jak so-cio-logia, po-li-ti-ka, is-to-riya, re-li-gia i phil-lo -Sofia. Czasami nazywa się to „B”. truck-tu-ut nie jest specyficzny, ale jest-za-bogaty. znaczenie, ale jako oznaczenie współzakupu-no-sti-li-stich. cholera, per-rio-di-ches-ki, powtarzam o różnych rzeczach. sto di-yah ewolucja-lu-tion kult-tu-ry (więc elementy -me, ex-press-sio-niz-me, sur-real-liz-me, la-ti-no-ame-ri- kan-skom ma-gi-che-skom realiz-me itp.) .
Ar-hi-tech-tu-ra i artystyczny biustonosz-zi-tel-art.
Pewne cechy stylu B. (przywiązanie do grand-di-oz-no-mu, di-na-mich-ness of com-po-zi-tion, dramat-tich. napięcie-żon) pojawiły się już w XVI wiek. w pracach Korred-jo, Mi-ke-land-zhe-lo, J. da Vin-o-ly, F. Ba-roch-chi, Jam-bo-lo-nyi. B. rozkwit trwał od lat 20.-30. XVII w., etap końcowy przypadł na środek. XVIII w., a w niektórych krajach już pod koniec tego stulecia.
Twórczość B. ucieleśniała ideę kościoła handlowego, który miał pomóc w rozwiązywaniu problemów o dużej skali – hit. for-dachas, utworzenie Great-st-ven-en-semb-leys (teren przed Bazyliką Św. Piotra w Rzymie, per-re -build-ka najważniejszego rzymskiego ba-zi-lik, chur- styl ri-ge-re-sko w Is-pa-nii itp.), kolorowe pisanie życia - projekt wnętrza i reprezentacja obrazu ołtarzowego. Or-ga-nic-noy dla B. istniała także idea trzy-um-fa władzy, która znalazła swoje odzwierciedlenie w sztuce dworskiej B., ha-rak-ter-no-go nie tylko dla centra abs-so-lu-tiz-ma (Francja, Port-tu-ga-lia, Is-pa-nia, Av-st-ria, Rosja, niektóre stany su-dar-st-va Niemiec i Włochy), ale także dla republiki, ut-ver-waiting, mamy własną władzę (Ve-ne-tsiya, Ge-nuya).
Przy istniejącym B. pragnieniu przepychu form, efektownego spektaklu, najdobitniej objawia się to -bya in ar-hi-tech-tu-re. To właśnie w epoce B. narodziła się nowa Europa. city-building-tel-st-vo, you-ra-ba-you-va-et-sya typ nowoczesny. domy, ulice, place, góry. dwór. W krajach łac. Amer-ri-ki gra-do-stro-it. zasady B. op-re-de-li-lik pl. miasta Po-lu-cha-yut rozwój pałacu-tso-in-par-ko-vye en-samb-li (Versalles, Petro-palace, Aranjuez, Zwinger itp.) -vaya pla-sti-ka. Dla ar-hi-tek-tu-ry B. ha-rak-ter-ny cha-go-te-nie do syn-te-zu sztuki, pod wpływem stresu, cóż-to wzajemne-mo-de- st -widok bryły z otoczeniem przestrzennym-st-vein (środowisko naturalne parku, otwartość przeboju sztuki. placu an-samb-la), krzywizna planów i konturów, rzeźbiarska góra-ru-gość i plastyczność form, kontrast -st-naya gra światła i ciemności, różna-masowa-skala objętości, ilu-zio-izm (J.L. Ber-ni-ni, F. Bor-ro-mi-ni, D. Fon-ta-na, Piet-ro da Kor-to-na, K. Ma-der-na, K. Raynal-di, G. Gwa-ri-ni, B. Long-ge-na, H. B. de Chur- ri-ge-ra, G. He-si-us, L. Van-vi-tel-li itp.). Z ar-hi-tek-tu-roy ak-tiv-but interakcji-mo-de-st-vu-yut żyjącym pisarstwem i rzeźbą-tu-ra, przekształcającymi kosmiczny kraj -in-ter-e-ra; shi-ro-ko to rzeźbienie-używane-nie-na, rozkład. ma-te-ria-ly w efektownych i kolorowych zestawieniach (brąz, wielobarwny marmur, granit, ale-bastr, po-zo-lo-ta itp.).
W iso-brazycie. Claim-ve B. pre-ob-la-da-yut vir-tu-oz-nye w użyciu de-co-ra-tiv-nye com-po-zi-tion re-lig., mi-fo- lo-gich. lub al-le-go-bogaty. co-der-zha-niya (pla-fo-ny Piet-ro da Kor-to-na, A. Pots-tso, br. Kar-rach-chi, P. P. Ru-ben-sa, J. B. Tie- po-lo), skuteczny te-at-ra-li-zo-van-nye pa-rad-port-re-you (A. Van Dyck, J. L. Ber-ni-no, G. Ri-go), fan- ścieg ta. (S. Roza, A. Man-ya-sko) i bohater-ich. (Do-me-ni-ki-but) drink-za-zhi, a także więcej kameralnych form port-re-ta (Ru-bens), drink-za-zha i ar -hi-tech-tur- nyh ve-dut (F. Gvar-di, J.A. Ka-na-let-to), żywe przypowieści (D. Fet-ti). Życie na dworze, jego te-at-ra-li-za-tion polega na aktywnym rozwoju re-pre-zen-tatywnych form życia -pisarstwa, mi-fo-lo-gich.al- le-go-riya itp.). Postrzeganie rzeczywistości jako nieskończonego i od-men-chi-in-go cos-mo-sa de-la-et życia bez granic -w-zapisanej przestrzeni, która otwiera się ku niebu w efektownym pla-tle pokoi, zagłębia się w wynalazczy hit artystyczny. pe-za-zhah i theat-ral-nyh de-ko-ra-tsi-yah (scenografia: B. Bu-on-ta-len-ti, J.B. Ale-o-ti, J. To-rel- li, J. L. Ber-ni-ni, I. Jones, rodzina Gal-li-Bib-bie-na itp.). Efekty perspektywiczne, iluzje przestrzenne, efekty liniowe i złożone. rytm-my, kontrast masy-siedziby na-ru-sha-jeszcze integralność, narodziny-tak-poczucie im-prowizji, własne -bo-no-go-ro-zh-de-niya form, ich zmiana -in-chi-in-sti. Pierwszą rolę w grze odegrał opt-tich. efekty, uv-le-che-nie powietrze per-spec-ti-howl, transfer-re-da-którego at-mo-sfera, przezroczystość i wilgotność -no-sti air-du-ha (J.B. Tie-po-lo , F. Gvar-di, itp.).
W live-pi-si „ty-tak-go” B., ori-en-ti-ru-sche-go-xia na tzw. świetny styl, od-tak-najlepiej jest-do-bogatego. i mi-fo-lo-gitch. zhan-ram, uważany wówczas za najwyższego w hierarchii zhan-ro-voy. W tej epoce „niżsi” (zgodnie z ówczesną terminologią) również działają i tworzą owocnie gatunki -me-ni): martwa natura, własne-ven-ale gatunek-życia, drink-light . De-mo-kra-tich. po prawej B., obce te-at-ra-li-za-cje i afekty uczuć, objawiły się w rzeczywistości. by-the-by-the-scenes-kah („li-vo-pi-tsy re-al-no-sti” we Francji, pre-sta-vi-te-li ka-ra-vad-zhiz-ma, gatunek bo-de-go-ness w Hiszpanii, gatunek by-the-voy i martwa natura w Holandii i Flan-d-riy), re-ligue niekościelne. live-in-pi-si (J.M. Cres-pi, Rem-brandt).
Styl B. występuje u wielu narodowości. va-ri-an-tov, from-li-chav-shih-sya jasny sa-mo-życie-nic. Dla płomienia. B. najbardziej ha-rak-ter-ale kreatywność Ru-ben-sa w jego umyśle - ponownie tak, poczucie bycia pełnym życia, jego wnętrze. di-na-mi-ki i iz-men-chi-vo-sti. hiszpański B. od dużej powściągliwości i stylu as-ke-tich-no-st w połączeniu z ori-en-ta-ci -do lokalnych realiów. tradycje (D. Ve-la-skes, F. Sur-ba-ran, H. de Ri-be-ra, architekt H. B. de Er-re-ra). W Niemczech (art-hi-tech-ry i rzeźbiarze B. von Neumann, A. Schlüter, brat Azam itp.) i Austrii (ar -hi-tek-ry I. B. Fi-scher von Er-lah i I. L. von Hil- deb-randt) styl B. często łączony z diabłami rokoko. W sztuce Francji B. współkonserwuje niuans re-nes-sans racjonalności. os-no-woo, później aktywne, ale wzajemne-mo-dey-st-vu-et z klasą-si-ci-stich. element-men-ta-mi (tzw. barokowa klasa-si-cism). Oddzielne style. Diabły B. pojawiły się w niedocenionym-no-co-ra-ti-vis-me przy budowie kochających para-rad sal Ver-sa-la, dekor-co-ra- tiv pan-but S. Vue i S. Leb-re-na. Anglia z ha-rak-ter-nym dla kultu sich klas ar-hi-tek-tu-ry. formy i pal-la-di-an-st-va (I. Jones, K. Wren) os-voi-la bardziej powściągliwy styl va-ri-ant ba-roch-no-go (przedimię w de-co -ratywne zagospodarowanie i projektowanie rowów między-rowych). Styl ten przejawiał się także w powściągliwych, aske-tycznych formach w niektórych krajach protestanckich (Holandia, Szwecja itp.). W Rosji rozwój stylu B. rozpoczął się w XVIII wieku. (kwitnienie - 1740-50 w.), co było związane ze wzrostem i uk-re-p-le-ni-em abs-so-lute mo-nar-hi. Okres wcześniejszy, op-re-de-lae jako Na-Rysh-Kin-skoe ba-rock-ko, jest ściśle związany z tradycjami ar-hi-tech-tu-ry starożytnej Rosji i nie ma bezpośredniego związku nawiązanie do stylu B. Własny obraz Rosjanina. B. op-re-de-la-elk nie tylko z ustanowieniem obywatelstwa. tradycje i formy, ale także interakcja cech barokowych z klasą i roko-co (rzeźbiarz K. B. Ras -trel-li, ar-hi-tek-to-ry B.F. Ras-trel-li, S.I. Che-va-kin -sky, D.V. Ukh-tom-sky). Krajowy styl va-ri-an-you B. powstał w Polsce, Czechach, Słowenii, Węgrzech, Słowenii i Zachodzie. UK-rai-not, Lit-ve. Ośrodki ras B. były nie tylko europejskie. kraje, ale także wiele krajów łac. Ame-ri-ki (zwłaszcza-ben-but Mek-si-ka i Bra-zi-lia, gdzie B. at-ob-re-lo gi-per-tro-fi-ro-van-nye występuje w for- mah ult-ra-ba-rock-ko), a także Fi-lip-pi-ny i inne hiszpańskie. co-lo-nii.
Literatura.
Wczesne objawy B. w li-te-ra-tu-re, utrzymując bliskość man-e-riz-mu, od-but-syat-xia do następnego czwartku XVI w.: tragedia R. Garniera „Ip-po-lit” (1573), „Wiersze Tra-gi-che-esque” T. A. d’Aubigne (powstałe w latach 1577-79, wydane w 1616 r.), na podstawie wiersza T. Tassa „Os-vo-bo-zh-den-ny Ye-ru-sa-lim” (1581). W drugiej połowie styl słabnie. XVII wiek (chro-no-logic. gra-ni-tsey B. dla Włoch jest uważany za podstawę aka-de-mia „Ar-ka-dia” w 1690 r.), jeden dzień chwały li-te-ra-tu-rah nadal obowiązuje nawet w epoce oświecenia.
For-mo-twórcze ex-per-ri-men-tal-no-cha-lo, pragnienie nie-vis-ne, niezwykłe i niezwykłe -ale-mu w literaturze B. wiążą się z st- nov-le-ni-em nowej europejskiej mapy świata i pod wieloma względami -ro-zh-de-ny z tą samą aktualizacją-le-no-know-it. pa-ra-digm, jak w na-uch. i cechy geograficzne. otwarcie ru-be-zha z XVI-XVII wieku. Wpływ nowego-euro-pei-sko-go em-pi-ris-ma ska-zy-va-et-sya na aktywne wykorzystanie pi-sa -those-la-mi life-not-like-i -tak-na-tym-ra-li-ściegu. formy (nie tylko w prozie, ale także w poezji), ze względu na kontrast z hiper-bo-lizą sti-lya i cos-miz-mom na temat innego systemu (na podstawie wiersza J. Ma-ri- nr „Ado-nis”, wydanego w 1623 r.).
Najważniejszym składnikiem B. jest pragnienie różnorodności (łac. „varietas”), które jest ras-smat-ri-va -elk jak jeden z hu-dogów Kri-te-ri-ev. so-ver-shen-st-va w poezji (m.in. B. Gra-si-an-i-Mo-ra-le-som, E. Te-zau-ro, Tri-sta-nom L 'Hermite, a zwłaszcza J.P. Ka-mu stworzył mo-nu-men-tal-no-go 11-tomowe dzieło „Pe-st-paradise mix”, 1609-19). Wszechobecność, chęć podsumowania wiedzy o świecie (z uwzględnieniem najnowszych odkryć i wynalazków) te-niy) - cechy ha-rak-ter-nye B. W pozostałych przypadkach en-cycl-lo -pedyzm ob-ra-chi-va-et-xia chao-tich- but-stu, kolekcja-wykład-ni-ro-va-ni-em smoke-e-call, kontynuacja-va-tel-ness uni-ver-su-ma pr-no-ma-et krawędź-nie-chciana, in-di-vi-du-al-no-as-so-tsia-tiv-ny ha-rak-ter; świat jawi się jako la-bi-rint słów, zbiór znaków za-ga-doch-nyh (trakt-tat ie-zui-ta E. Bi-ne „Doświadczenie o chu-desakh”, 1621) . W jakości uniwersalnych kodów różnych typów prawd i reprezentacji świata, shi- szereg popularnych książek emb-lema: wpływ emb-le-ma-ti-ki odczuwalny jest w poezji J. Ma -ri-no, F. von Tse-ze-na, J. Mor-shty-na, Si-me-o-na Po-lots-ko-go, in ro-ma-ne B. Gra-si-an -i-Mora-le-sa "Kri-ti-kon" (1651-57).
Dla literatury B. har-rak-ter-but dążenie do badania bytu w jego kontrastach (ciemność i światło, ciało i duch, czas i wieczność, życie i śmierć), w jego di-na-mi- ke i na dysproporcjach. poziomy (ma-yat-ni-ko-voe-ruch pomiędzy-zh-du st-pe-nya-mi so-tsi-al-noy ier-rar-hii w ro-ma-ne X. von Grim-mels- hau-se-na „Sim-pli-cis-si-mus”, 1668-1669). Dlatego B. from-me-che-na-high-n-m zwracają uwagę na sim-wo-lam no-chi (A. Gri-fi-us, J. Mari-no), te wątłe i nie- sto-yang-st-va świata (B. Pascal, J. Du-perron, L. de Gon-go-ra-i-Ar-go-te), life-ni-sno-vi-de-niya (F. de Ke-ve-do-i-Vil-e-gas, P. Cal-de-ron de la Bar -ka). W tekstach barokowych często brzmi formuła Ekk-lesia-stovian „su-et-no-sti świata” (łac. va-nitas mundi). Ex-ta-tic-ness, sen-ri-tu-al-noe on-cha-lo często łączy się z bolesnym dla żon, ale śmiercią (traktat-tat J. Don-na „Bio-ta-na- tos”, wydana w 1644 r.; poezja J. B. Shas-si-nye). Ponowny tep-tom przeciwko temu za-ro-wives-no-sti może stać się jak stoicki duch równy cierpiącym (A. Gri-fi-us) i sub-li-mi-ro-van-ny erotyzm (F. De-port, T. Carew). Tragedia B. ma czasem charakter towarzyski, ale jest zbyt bogaty. de-ter-mi-ni-ro-van-nost (wojny we Francji, Niemczech itp.).
Styl od nazwy jest wyrafinowany i bogaty. fi-gu-ra-mi (on-drugi-ra-mi, an-ti-te-za-mi, pa-ral-le-liz-ma-mi, grad-da-tsiya-mi, ok-si- mo-ro-na-mi itp.), w poezji B. rozwijanej w ramach narodowej. va-ri-an-tov: gon-go-ryzm i konseptycyzm (w którym byłeś obecny ze specjalną siłą B. na-ro -chi-ta-poczucie-słowa-za-tem-nie-ness) w Is-pa-nii, marinizm we Włoszech, meta-fi-zi-che-szkoła i ev-fu-izm w Anglii. Near-rya-du z so-chi-ne-niya-mi light-sko-go, at-court-no-go i sal-lon-no-go (V. Vua-tyur) ha-rak-te-ra ważne miejsce w poezji B. dla poezji duchowej (P. Fleming, J. Herbert, J. Lubearly). Najpopularniejsze gatunki to so-net, epi-gram-ma, mad-ri-gal, sa-ti-ra, re-lig. i ge-ro-ich. po-ema itp.
Dla Europy Zachodniej B. gatunek powieści jest niezwykle istotny; To właśnie w tym gatunku B. najpełniej objawia się jako styl międzynarodowy: la-ti – listopadowa powieść J. Barka-laya „Ar-ge-ni-da” (1621) jest mo-de-liu dla po-ve-st-vo-vat. pro-zy całego Zachodu. Ew-ro-py. On-rya-du z re-al-ale-to-wyciem i sa-ti-rich. mo-di-fi-ka-tsiya-mi ba-roch-no-go ro-ma-na (Sh. So-rel, P. Scar-ron, A. Fu-ret-er, I. Mo-she- Rosz) bardzo skorzystał na swoim dzielnym-no-ge-ro-ich. różnorodność (J. de Scyu-de-ri i M. de Scyu-de-ri, J. Ma-ri-ni, D. K. von Lo-en-stein). T.n. you-so-kiy powieść B. przyciągnęła chi-ta-te-ley nie tylko dla-pu-tan-ny-mi per-ri-pet-tiya-mi, obi-li-em lit. i w li-tichu. al-lu-ziy i hit-roum-nym z-ed-not-any „ro-ma-no-thing-sko-go” i know-wat. zaczął, ale on też to dla nich znaczy. tom, który można uznać za jeden z przejawów baroku „dla tego zdumienia”, starając się tak ekscytować światem we wszystkich jego cudownych odsłonach. Pod względem cech strukturalnych re-ligowie są bliscy waleczności, ale bohaterstwa. powieść B. (J.P. Ka-mu, A.J. Brin-o-le Sa-le).
W kulturze B., z wysoce zaawansowaną teorią, ważne miejsce zajmują dr-matych. gatunki - takie jak świeckie (dramat e-za-ve-tin-skaya w Anglii, pas-to-ral-naya tra-gi-ko-media, „new ko-me -diya” w Hiszpanii) i re-li -gi-oz-nye (hiszpańskie auto-to, dramaty biblijne J. van den Von-de-la) . Do B. z-no-sit-sia i wczesnego dramatu-ma-tur-gia P. Kor-ne-la; jego „Ko-mi-che-skaya illu-zia” (1635-36) jest encyklopedią gatunków teatralno-ralnych XVI-XVII wieku.
Literacki B., podążając za literackim rojem man-e-ryzmu, skłania się ku gatunkowi ex-peri-men-there i mieszaniu gatunków (who -nik-no-ve-nie zhan-ra es-se, i-roi -ko-mi-che-skoy i bur-le-sk-noy po-um, opera-ry-tra-gi-ko-mediy). W „Sim-pl-cis-si-mu-se” H. von Grimmels-hau-se-na łączy w sobie elementy zbójeckiego, all-go-rich., uto-pich., pas-to-ral- no-go ro-ma-nov, a także sti-li-sti-ka Shvan-kov i bulwiaste karty -nok. Naukowy epos chrześcijański „Po-the-Ran-Paradise” J. Miltona (1667-74) zawiera także całą serię małych gatunków - oda, hymn, pas-to-ral-nu ek-lo-gu, ge- or-gi-ku, epi-ta-la-mu, sting-lo-bu, al-bu itp. .
Cecha charakterystyczna B., w sposób para-doc-tłusty, współwystępuje z ten-den-tsi-ey do anor-ma -tiv-no-sti, - skłonnością do theo-re-tich. sa-mo-os-mys-le-niu: tract-ta-you „Ostre-ro-myśli-kłamstwo i sztuka-sztuka wyrafinowanego umysłu, który nie może iść” B. Gra-sian-i- Mo -ra-le-sa (1642-48), „Szpieg-trąbka Ari-sto-te-la” E. Te-zau-ro (wyd. 1655). Do wielu powieści B. zalicza się lit.-es-te-tich. com-men-ta-riy: „Su-ma-rabbit-ny pas-tukh” Sh. So-re-lya (1627), „Pies Dio-gen-na” F. F. Fru-go-ni (1687 - 89); „As-se-nat” F. von Ze-sena (1670).
W chwale w kraju B. istnieje wiele specjalnych ben-no-stey, które pozwalają mówić o „słowiańskim B”. jako szczególna modyfikacja stylu (termin ten wprowadził w 1961 roku A. An-d-ya-lom). W wielu przypadkach istnieje poczucie wtórności w stosunku do Europy Zachodniej. obraz (Y. Mor-sztyn jako pro-dol-zha-tel ma-ri-niz-ma po polsku w poezji), jeden z pierwszych polskich. Dlatego też M.K. Sar-bev-skogo („Praecepta poetica”, początek lat 20. XVII w.) wyprzedza w czasie traktaty B. Gra-si-an-i-Mo-ra-le-sa i E. Te-zau-ro. Najwyższe osiągnięcia chwały. B. związany z poezją (li-ri-ka filozoficzna i miłosna w Polsce, poezja relig. w Czechach). W języku rosyjskim dosł. B. jesteś mniej tragiczny. uczucie spokoju, ma charakter paraszczęśliwy, podobny do stanu. pa-phos, pro-sve-ti-tel-skoe na-cha-lo, zdecydowanie-ale ty-ra-zhen-noe w os-ale-fałszywie-nie-etycznym. B. w Rosji Si-me-o-na Po-lots-ko-go, jego nauczanie Silve-st-ra (Med-ve-de-va) i Kar-rio-na Is -to-mi-na . W XVIII wieku Tradycje B. były pod władzą Feo-fan Pro-ko-po-vi-chem i Stephana Yavor-sky'ego; po-ve-st-vo-vat. struktura-tu-ry ba-roch-no-go ro-ma-na is-pol-zo-va-ny w prozie masońskiej („Kadmus i Gar-mo-nia” M. M. He -ra-sko-va, 1786).
Muzyka.
Styl B. pre-ob-la-dal w Europie. prof. mu-zy-ke 17 - I piętro. XVIII wiek Granice epoki B., a także tradycje. podział na etapy wczesne (1. poł. XVII w.), dojrzałe (2. poł. XVII w.) i późne (1 – I połowa XVIII w.) B., bardzo umowne, gdyż B. był utożsamiany oczekiwane w muzyce różnych krajów jednocześnie -Ale. We Włoszech B. ogłosiła się w XVI i XVII wieku, czyli około 2 dekady wcześniej niż w Niemczech i po rosyjsku. do muzyki doszło dopiero w ostatnim kwartale. XVII wiek w związku z wyścigiem śpiewu part tes-no-go.
W nowoczesnym reprezentacja B. - złożony styl, łączący w sobie wiele różnych ma-ne-ry kompozycji i wykorzystujący w imię muzyki tel-st-va, czyli own-st-ven-ale „sti-li”. theo-re-ti-kov 17-18 wieków. („kościół”, „teatralny”, „koncert”, „kamera”), styl narodowy. szkoły i wydziały com-po-zi-to-ditch. Liczne formy B. w muzyce są wyraźnie widoczne, gdy porównuje się te odległe od siebie w stylu-li-stitch. from-no-she-nii so-chi-ne-niy, jak opery F. Ka-val-li i G. Per-sel-la, po-li-fo-nich. cykle J. Fresco-bal-di i koncerty skrzypcowe A. Vi-val-diego, „Symfonie święte” G. Schutza i Ora-to-rii G.F. Gen-de-la. Oni jednak oznaczają demon-st-ri-ru-yut. stopień podobieństwa w porównaniu z obrazami muzyki re-ness-sans-noy z XVI wieku. i z klasycznym sichem. stylowe drugie piętro. 18 - początek XIX wiek Podobnie jak w poprzednim musicalu-jest-za-bogaty. epoki, muzyka w B. jest ściśle związana z pozamuzyką (słowo, liczba, ruch taneczny) same-ne-em); jedno, a nowe zjawisko - opis muzycznych sposobów organizacji su-gu-bo, umożliwiających ubarwienie gatunków muzyki in-st-ru-ment.
Epo-hu B. w muzyce często nazywają epo-hoy g-ne-ral-ba-sa, zwracając w ten sposób uwagę na dystrybucję shi-ro-coś i ważną rolę tego systemu co-chi-ne-niya, za-pi -si i wykorzystanie muzyki. Możliwość różnych ras-chi-rov-ki ge-ne-ral-ba-sa svi-de-tel-st-vu-et o specjalnym-ci-fi-ke bar-ro-che-chi-ne-niy - ich zasady -tsi-pi-al-noy va-ri-ant-no-sti i su-sche-st-ven-noy for-vi-si-mo-sti z konkretnej inkarnacji use-pol-ni- body, w w jakim się używa (z reguły w przypadku braku szczegółowych instrukcji -tor-skih w tekście muzycznym) kiedy-ho-di-sya sa-mime op-re-de-lay the tempo, di-na-mich . nu-an-sy, in-st-ru-men-tov-ku, możliwość użycia-use-zo-va-niya me-lo-dich. uk-ra-she-niy itp. aż do znaczenia. rola im-pro-vi-za-cji w wielu gatunkach (np. w preludzie „not-so-ti-ro-van-nyh” francuskiego cla-vesi-ni-stov XVII w. L. Ku-pe-re-na, N. Le-be-ga i inni, w ka-den-tsi-yah so-li-tov na koncertach in-st-ru-men -tal XVIII w., w czasach ponownych nagród arii da capo).
B. - pierwszy styl w historii Europy. muzyka z wyraźną dominacją systemu to-nal ma-zhor-no-mi-nor-noy (zob. Gar-mo-niya, To-nality). To właśnie w ramach B. po raz pierwszy ogłosiłem o sobie go-mo-phonię (podział fabryk muzycznych na główny me-lo - dziki głos i co-pro-vo-zh-de-nie). Wtedy powstał swobodny styl li-fo-nii i jego najwyższa forma – fu-ga; w muzyce B. używa b. obejmujący mieszany typ fak-tu-ry, współtworzący elementy li-phony i go-mo-phony. W tym czasie powstały magazyny w-di-vi-dua-li-zi-row. muzyka Te-ma-tyzm. Jak zwykle muzyka barokowa. that-ma pochodzi z rdzenia „jasnego do pierwszego w rdzeniu-on-chi-on-the-no-go”, po którym następuje mniej więcej – mniej więcej będzie trwać. ekspansja, prowadząca do krótkiego zakończenia - ka-dan-su. Bar-roch-nym te-mamy, a także całe so-chi-ne-ni-yam, w porównaniu z klasą-si-che-ski-mi, opi-paradise-schi-mi-sya na as- wolny, ale sztywny pe-sen-no-tan-tse-val-ny Frame-cas, swój własny czas-st-ven-on-the-go-to-large met-ro-rit-mi -co za wolność .
W epoce B. muzyka rozwinęła się. być może, zwłaszcza w chęci dania człowiekowi wielu duchowych przeżyć; są one przedstawiane w postaci uogólnionych stanów emocjonalnych - efektów afektu (patrz teoria afektu). Pewnego dnia rozdz. dla którego muzykę w epoce B. uważano za chwałę Bożą. Dlatego w jan-ro-voy i-rar-hii, for-fi-si-ro-van-noy w theo-re-tich. truck-ta-tah tym razem, per-ven-st-w gatunku muzyki kościelnej nie-od-men-ale od-in-di-lox. Niemniej jednak w praktyce muzyka świecka okazała się nie mniej istotna, zwłaszcza w dziedzinie muz. te-at-ra. To właśnie w epoce B. ukształtowała się najważniejsza scena muzyczna, która przeszła przez długi okres swojej historii. gatunek - opera, stopień rozwoju i rozwoju czegoś pod wieloma względami pojawił się na tym samym poziomie -nya muzyka kultury danego kraju. Centrum sztuki operowej no-go w epoce B. Sta-li Ve-ne-tiona (późno K. Mont-te-ver-di, F. Ka-val-li, M. A. Ches-ti ), Rzym (S. Land-di), Neapolis (A. Scar-lat-ti), Hamburg (opery niemieckie R. Kai-se-ra, G. F. Gen-de-la), Wiedeń (Chesti, A. Cal-da-ra, I. J. Fuchs), Paryż (J. B. Lul-li, J. F. Rameau), Londyn (G. Purcell, włoskie opery Gen-de-la). Na operę wpłynęły zarówno nowe gatunki wokalne, które pojawiły się w epoce B. (ora-to-ria i can-ta-ta), jak i tradycyjne gatunki muzyki kościelnej (w mszach późnobarokowych, mo-te-tah, pass-sio-nahs itp. aktywne, gdy -mam formy operowe: aria, duet, re-chi-ta-tiv). Istnieje różnica w stylu muzyki kościelnej i świeckiej. od-nie-ona-my-stałyśmy się coraz mniej merytoryczne, co umożliwiło wykorzystanie tej samej muzyki. ma-te-ri-al zarówno w społeczeństwach świeckich, jak i kościelnych (wiele przykładów - w twórczości I. S. Ba-ha).
Era B. pojawiła się jako cul-mi-na-tsi-on-noy dla organowej sztuki-no-go, aktywnej, ale rozwiniętej w Nider-lan-dah (Ya. P. Sve- link), we Włoszech (J. Fre-sco-bal-di), Francji (F. Ku-per-ren, L. Marchan), ale przede wszystkim na protestanckich ziemiach Niemiec, gdzie twórczość S. Scheidt, I. Pa-hel-bel, D. Buk-ste-hu-de, J. S. Bach. Mn. gatunki kojarzone z re-ligami. sim-in-li-koy i przeznaczone do użytku w kościele (fan-ta-zia, tok-ka-ta, pre-lu-dia, fu-ga, wariacje chóralne itp.), miały jednak nie tur-gic, ale znaczenie koncertowe. Aktywne, ale używane i inne gatunki muzyki in-st-ru-ment-tal: trio-so-na-ta (A. Ko-rel -li, G.F. Te-le-man itp.), Dance- pakiet tse-val-naya do rozkładu. so-sta-vov - od cla-ve-si-na czy skrzypce-ki so-lo po duże en-samble (F. Ku-per-ren, J. S. Bach, G. F. Gen -del itp.), koncert dla współlider in-st-ru-ment z orkiestrą (A. Vivaldi, J. S. Bach i in.), kon-cher-gros-so (Ko-rel-li, Gen-del). W kon-cher-gros-so (en-samb-le-vo-or-ke-st-ro-vom con-cer-te z grupą współlistów you-de-le-ni-em ) charakterystyka B. zostały wyraźnie ujawnione - aktywne wykorzystanie zasady con-cer-ti -ro-va-nia, kontrastowe porównania mas dźwiękowych różniących się gęstością (wg dodatkowych ka- Che-st-va-mi ob-la- da-yut i wiele vo-cal-nye so-chi-ne-nie z epoki B., w tym tzw. duchowy con-cer -you, który otrzymał specjalną dystrybucję w Rosji na przełomie XVII i XVIII wieku ).
Związek z ri-to-ri-koy you-ra-zha-et-sya jak w ogólnych zasadach rasy muz. ma-te-ria-la oraz w użyciu specyficznego me-lo-di-ko-rit-mich. ob-ro-tov z us-yav-shay se-man-ti-koy - tzw. muzyka-ri-do-bogatej. fi-gur, które w muzyce wokalnej usi-li-va-li oznacza wagę słowa w tekście, a w in-st-ru -ment-tal-noy - w op-re-de-len -bez środka, możliwe jest „rozszyfrowanie” ob-różnej treści (w przyszłości -co, za ujawnienie co-der-zha-niya F. Ku-per-ren, J. F. Ra-mo, G. F. Te -le-man in-st-ru-ment-tal -nym so-chi-ne-ni-yam not-rarely-da-va-li ha-rak-ter-nye-names i I. Fro-ber- ger, I. Ku-nau, A. Vi-val-di i tak-około-w-y-tak, oni kiedyś zmienili-dobrze-ty-mi dosł. program-ma-mi). Jedyna w swoim rodzaju i pozbawiona wsparcia słowem muzyka in-st-ru-mental, pod wieloma względami zachowująca swoje własne funkcje skarbowe (dance-tse-val-naya, at-the-table-naya itp.) .), kojec-ale z-ob-re-ta-la es-te-tich. własnej wartości, zamieniając się we własny koncert.
Elementy stylu B. wykorzystywano także w muzyce klasycznej. (do L. van Bet-ho-ve-na), a później – w neoklasie XX wieku. (od I.F. Strawińskiego, P. Khin-de-mi-ta). W korzystaniu z muzyki B. coraz częściej stosuje się zasadę „jest zbyt bogata”. muzyka in-st-ru-men-you (oryginalne lub ich dokładne kopie) odtwarzana jest specyficzna dla niego akustyka. us-lo-viya, is-pol-ni-tel-skie zasady epoki, for-fi-si-ro-van-nye w musical-theo-re-tich. truck-ta-tah i dosł.-hu-doge. pamięć-ni-kah 17-18 wieków. (patrz Au-ten-tich-noe use-pol-ni-tel-st-vo).
Ilustracja:
J.L. Ber-ni-ni. „Była miednica św. Te-re-zy. Marmur. 1644-52. Ka-pel-la Cor-na-row kościół San-ta-Ma-ria-del-la-Vit-to-ria w Rzymie. Archiwum BRE.
WSTĘP
Wiadomo, że w historii kultury każda epoka jest splotem różnorodnych procesów, które w różny sposób odzwierciedlają jej istotę i rzeczywistość. Uderzającym tego przykładem jest epoka baroku.
Barok to kultura europejska XVII - XVIII wieku, której głównymi cechami są kontrast, pragnienie wielkości i luksusu, połączenie rzeczywistości z aluzją, dynamiczne obrazy i napięcie. Barok pojawił się we Włoszech (Florencja, Wenecja, Rzym), a stamtąd rozprzestrzenił się na całą Europę. Za początek kładzenia podwalin „cywilizacji zachodniej” na świecie uważa się epokę baroku, która w dużej mierze określiła dynamikę powstawania kultur innych epok. Styl barokowy w miarę rozprzestrzeniania się staje się popularny zarówno na Zachodzie, jak i w Rosji.
Z pewnym prawdopodobieństwem można postawić tezę, że barok w dalszym ciągu bezpośrednio wpływa na kulturę naszych czasów – poprzez przykłady sztuki jego wybitnych przedstawicieli, przechowywane obecnie w muzeach lub wystawiane publicznie jako przykłady architektury europejskiej miasta. To determinuje zasadność studiowania epoki baroku.
Sformułujmy główne cele i zadania tych zajęć.
Naszym głównym celem będzie zbadanie epoki baroku jako całości: jej istoty, historii, znaczenia.
Zgodnie z celem wyróżniamy następujące cele pracy kursu:
Określ przyczyny pojawienia się baroku jako stylu kulturowego; zapoznać się z historią pojęcia barok;
Przeanalizuj istotę i zasady baroku, przestudiuj podstawy estetyki baroku, podaj przykłady ucieleśnienia baroku w sztuce europejskiej XVII - XVIII wieku.
Określone cele i zadania tworzą strukturę pracy kursu, która składa się ze wstępu, części głównej składającej się z dwóch rozdziałów po dwa akapity każdy, zakończenia, spisu literatury i zastosowań.
Badając epokę baroku, korzystaliśmy z książki konceptualnej H. Welfina „Renesans i barok”, która pozwoliła nam zrozumieć istotę tej epoki kulturowej, a także z tak podstawowych publikacji, jak Historia ogólna w 24 tomach, wydanie z 1997 r., Historia Sztuki Obcych Krajów, 1980 rok, a także Światowa Historia Architektury 1978. Ponadto korzystaliśmy z literatury specjalistycznej takich autorów jak: Y. Boreev, A. Vasilyev, M. Vinogradov, F. Dass, V. Kołomiets, T. Livanova i V. Lipatov, a także kilku innych.
Barok: historia pojawienia się, znaczenie terminu
Przyczyny pojawienia się baroku
Chronologicznie barok pojawił się w XVII wieku. Z tej chronologii wynika, że styl ten zastąpił renesans. Dlatego często używa się słowa „barok” na określenie epoki, w której renesans się rozpłynął lub, jak często się mówi, w której renesans się zdegenerował.
Rzeczywiście, barok powstał we Włoszech, czyli kraju, w którym renesans przejawił się najmocniej. Dlatego w ramach badania przyczyn powstania baroku konieczne wydaje się przedstawienie krótkiej charakterystyki renesansu.
Renesans jest więc epoką w historii kultury Europy. Ramy chronologiczne jego świetności to XIV - XVI wiek. Charakterystyczną cechą renesansu, czyli renesansu, jest świecka orientacja jego kultury oraz zainteresowanie człowiekiem i jego działalnością, czyli to, co nazywa się terminem antropocentryzm. W tym okresie ujawniło się zainteresowanie kulturą starożytną, nastąpiło jej „odrodzenie” i stąd wzięło się to określenie. We Włoszech, jako kraju, w którym rozpoczął się renesans, malarstwo, muzyka, architektura i literatura osiągają nowy poziom. Renesans osiągnął swój szczyt pod koniec XV wieku, a w XVI wieku rozpoczął się kryzys jego idei. Historycy kultury zauważają, że to właśnie w tym okresie pojawiły się pierwsze początki nowych idei manieryzmu i baroku.
W ten sposób barok pojawił się na tle kryzysu idei renesansu i pojawił się w tym samym miejscu, gdzie renesans osiągnął swój największy rozkwit – we Włoszech.
Przeanalizujmy przyczyny tego pozornie paradoksalnego zjawiska.
Jak zauważono powyżej, barok charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamizmem obrazów, pragnieniem wielkości i przepychu, łączenia rzeczywistości z iluzją, łączenia, a jednocześnie tendencją do autonomii poszczególnych gatunków.
Podstawy ideowe stylu ukształtowały się w wyniku szoku, jakim była reformacja i nauka Kopernika w XVI wieku. Zmieniła się ugruntowana w starożytności koncepcja świata jako racjonalnej i stałej jedności, a także renesansowa koncepcja człowieka jako istoty najinteligentniejszej. Człowiek przestaje czuć się „najmądrzejszą istotą”, rozpieszczając się, uświadamia sobie, jak mówi Pascal, że jest „czymś pomiędzy wszystkim a niczym”; „do tych, którzy chwytają jedynie pozory zjawisk, ale nie są w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”
Włochy w XVII wieku to kraj, z którym sam styl renesansowy jest kojarzony, jak powiedzieliby dziś – trendsetter. Jednocześnie jednak kraj ten gwałtownie traci swoją siłę gospodarczą i polityczną i zaczyna odgrywać drugorzędną rolę w polityce europejskiej. Co więcej, na jego terytorium przybywają uzurpatorzy – żołnierze francuscy i hiszpańscy. Kraj staje się podzieloną półkolonią.
Jednak Włochy, a przede wszystkim Rzym, nadal pozostawały kulturalnym centrum Europy. Stopniowo, na skutek tych, można powiedzieć, czynników społeczno-ekonomicznych, zaczyna się wyłaniać nowy styl, którego pierwszym zadaniem było stworzenie iluzji bogactwa i władzy, powstanie Kościoła katolickiego i włoskiej szlachty, która nic innego jak wpływ kulturowy. Stopniowo barok zaczyna odrzucać autorytety i tradycje jako uprzedzenia. Głównym motywem przewodnim baroku tamtych czasów było odrzucenie duszy i przejście do oświecenia i rozumu.
Nie można jednak uważać epoki baroku wyłącznie za okres przejścia od renesansu do oświecenia. Barok stanowi samodzielną fazę rozwoju sztuki, a powodem jego pojawienia się są nie tylko problemy gospodarcze i polityczne Włoch. Co więcej, barok, choć pojawił się we Włoszech, bardzo szybko rozprzestrzenił się w całej Europie.
Wychodząc z tego założenia, wydaje się konieczne dokonanie ogólnego opisu Europy Zachodniej w XVII wieku.
Europa Zachodnia jako całość wkracza w tym okresie w nową erę stosunków społeczno-gospodarczych i politycznych. Okres ten charakteryzuje się przede wszystkim zderzeniem światopoglądów klasowych, walką tradycyjnego feudalizmu i postępowego kapitalizmu. W wielu państwach (na przykład we Francji i Austrii) następuje centralizacja władzy państwowej i przejście do absolutyzmu. Jednak sam ten proces jest wyraźnie nierówny. Oto kilka przykładów z krajów europejskich:
W Holandii ma już miejsce rewolucja burżuazyjna i rozwinęły się stosunki burżuazyjne;
We wspomnianej już Francji rozkwita absolutna władza króla;
W Anglii następuje obalenie króla i rewolucja burżuazyjna;
Włochy stają się podzieloną półkolonią;
Hiszpania jest krajem zacofanym;
Niemcy to suma małych księstw, w dodatku toczy się w nich wojna trzydziestoletnia.
W całej Europie wiodącymi warstwami społecznymi stają się burżuazja, chłopstwo i arystokracja. Jednak pomimo nierównomiernego rozwoju krajów europejskich w ich kulturze, coraz większy wpływ mają nowe fundamentalne punkty, które stały się podstawą baroku.
Ideologiczną podstawą szerzenia się baroku w Europie było ogólne osłabienie kultury duchowej, rozłam Kościoła – w konsekwencji upadku jego autorytetu i walka nauk odzwierciedlających interesy różnych klas. Tym samym katolicyzm pozostał ideologiczną podstawą tendencji feudalnych, protestantyzm natomiast odzwierciedlał interesy burżuazji. Jednocześnie wzmacnia się rola instytucji państwowych i zaostrza się walka między zasadami świeckimi i religijnymi. Nauki przyrodnicze - optyka, fizyka, termodynamika i geografia - rozwijają się szybko.
Wskażmy zatem główne przyczyny rozprzestrzeniania się baroku.
Chronologicznie barok pojawił się w XVII wieku we Włoszech, na tle kryzysu idei renesansowych. W tym okresie same Włochy straciły swoje znaczenie gospodarcze i polityczne i stały się podzieloną półkolonią, pozostając jednocześnie kulturalnym centrum Europy. Stopniowo, z tych powodów społeczno-ekonomicznych, zaczyna się wyłaniać nowy styl, którego pierwszym zadaniem było stworzenie iluzji bogactwa i władzy, powstanie Kościoła katolickiego i włoskiej szlachty, która miała jedynie wpływ kulturowy;
Jednocześnie niewłaściwe jest traktowanie epoki baroku wyłącznie jako czasu przejścia od renesansu do oświecenia. Barok stanowi samodzielną fazę rozwoju sztuki, a powodem jego pojawienia się są nie tylko problemy gospodarcze i polityczne Włoch. Co więcej, barok, choć pojawił się we Włoszech, bardzo szybko rozprzestrzenił się w całej Europie. Na tej podstawie można argumentować, że barok odzwierciedlał nastroje całego społeczeństwa europejskiego, był poszukiwany i dlatego nie mógł się rozwijać bez przesłanek, a te przesłanki były w dużej mierze różne w różnych krajach europejskich;
Ideologiczną podstawą szerzenia się baroku w Europie było ogólne osłabienie kultury duchowej, rozłam Kościoła – w konsekwencji upadku jego autorytetu i walka nauk odzwierciedlających interesy różnych klas. Jednocześnie wzmacnia się rola instytucji państwowych i zaostrza się walka między zasadami świeckimi i religijnymi. Nauki przyrodnicze - optyka, fizyka, termodynamika i geografia - rozwijają się szybko. Oznacza to, że pojawiają się przesłanki dla głównego motywu przewodniego baroku - odrzucenia duszy, antropocentryzmu i renesansu jako całości na rzecz oświecenia i rozumu.
Barok jest jeden z nurtów w sztuce i literaturze XVII wieku, zachowany i rozwinięty w niektórych krajach (Niemcy, Austria, Włochy, Rosja) w okresie Oświecenia. Słowo „barok” istniało w kilku językach- portugalski, włoski, łaciński, hiszpański - na długo przed tym okresem i miał kilka różnych znaczeń (jedna z postaci sylogizmu w rozumowaniu scholastycznym, rodzaj transakcji finansowej, perła o nieregularnym kształcie), z których każde zawierało przenośne znaczenie „dziwny, nieregularny, ekstrawagancki” i miał pogardliwą konotację. Barok zaczęto odnosić do zjawisk artystycznych (muzyki, architektury) już w drugiej połowie XVIII wieku, a w XIX wieku pojawiły się pierwsze prace historyków sztuki (J. Burckhardt, 1865; G. Wölfflin, 1888), w który barok był uważany za zjawisko, które powstało pod koniec wieku renesansu, ale nie był już interpretowany absolutnie negatywnie. W XX wieku rozpoczęła się estetyczna rehabilitacja baroku jako nurtu w architekturze, malarstwie i muzyce. Przez długi czas terminu „barok” nie stosowano w odniesieniu do zjawisk literackich lub używano go sporadycznie, w kilku opracowaniach (D. Carducci, 1860; E. Porembovich, 1893). Ostateczna legitymizacja pojęcia baroku nie tylko na polu krytyki artystycznej, ale także w historii literatury nastąpiła w latach 30. XX w., a w latach 50. i 60. XX w. w krytyce literackiej narodziła się naukowa moda na barok. Jego pojawienie się wiąże się oczywiście z pewnym nałożeniem się światopoglądu artystycznego „katastrofalnego” XX wieku i światopoglądu ludzi burzliwego, wojennego XVII wieku – początku New Age, w którym nasz współczesny szybciej i łatwiej rozpoznaje siebie niż w sztuce i literaturze wcześniejszych etapów. Poczucie bliskości, podobieństwo atmosfery duchowej okresu rozwoju literatury barokowej do klimatu intelektualnego i psychologicznego XX wieku powoduje, że w całej jej historii powstają dzieła w tzw. stylu neobarokowym, wyjaśnia popularność Już samo słowo, pojawiające się niekiedy nawet w tytułach dzieł („Koncert barokowy”, 1975, A. Carpentier), ujawnia pewien schemat zainteresowań badawczych barokiem.
Jednak współcześni naukowcy zmuszeni są przyznać: ogromna liczba prac na temat baroku, które ukazały się w obecnym okresie, jedynie zaciemniła jego teorię. Termin „barok” przez wielu znawców jest rozumiany bardzo szeroko. Jedna koncepcja, sięgająca twórczości E. d'Orsy, uważa barok za stałą każdego stylu, za jego końcową fazę kryzysu, wyróżnia barok hellenistyczny, średniowieczny, klasyczny, romantyczny - łącznie ponad 20 typów. Inna koncepcja zaproponowana przez G. Gatzfelda traktuje barok jako kategorię uogólniającą, obejmującą podtypy: manieryzm, klasycyzm i barok (rokoko). Całkiem sprzeczne są także badania, w których barok pełni rolę koncepcji historycznej umiejscowionej w określonych ramach chronologicznych. Daty istnienia baroku wahają się od niezwykle szerokich (1527-1800) do dość wąskich (1600-50). Barok rozumiany jest albo jako styl artystyczny, kierunek określonego okresu historyczno-kulturowego (B.R. Vipper. Sztuka XVII wieku i problematyka stylu barokowego Renesans. Barok. Klasycyzm. M., 1966), albo jako „ stylu epoki”, tj. określenie okresu kulturowego jako całości, jako typu kultury. Czasami definicje te łączą się ze sobą, czasami uważa się je za wzajemnie wykluczające się: według A.V. Michajłowa „Barok to wcale nie styl, ale coś innego. Barok nie jest kierunkiem... O baroku można mówić jako o „stylu epoki”.
Badacze różnie definiują także związek sztuki i literatury baroku z ruchami religijnymi XVII wieku: w niektórych dziełach barok jest wytworem katolickiej kontrreformacji, a nawet konkretnie „stylu jezuickiego”, „sztuki Sobór Trydencki”, w innych – wręcz przeciwnie – jest to zjawisko artystyczne przeciwne ideologii kontrreformacyjnej (tak interpretowano barok w tych sowieckich studiach, które miały na celu ideologiczną rehabilitację ruchu), po trzecie, Barok rozwija się zarówno wśród katolików, jak i wśród reformatorów, bez specyficznej przywiązania wyznaniowego, lecz wyrasta na gruncie konfliktu religijnego – politycznego i społecznego – który wyznaczył koniec renesansu. Sztuka i literatura baroku rozwijają się aktywniej w tych okresach New Age, kiedy pogłębia się kryzysowy stan społeczeństwa (ogólnie rzecz biorąc, jest to głównie ostatnia trzecia XVI – pierwsza połowa XVII wieku, a dokładniej lata 1580-1660) i w krajach, w których stabilność polityczna i społeczna jest mniej trwała lub zachwiana (Hiszpania, Niemcy).
Barok jest wytworem głębokiego kryzysu historycznego, ideologicznego, społeczno-kulturowego, moralnego i psychologicznego podczas przejścia od renesansu do epoki nowożytnej. Rośnie w oparciu o ostre wewnętrzne doświadczenie zewnętrznych kataklizmów, przemyślenie poprzedniego obrazu świata, przewartościowanie ludzkich możliwości, nawykowych idei i wartości. W artystycznej wizji baroku nie tylko Ziemia nie jest centrum Wszechświata (konsekwencja kopernikańskiego obrazu świata głęboko przyjętego i rozwiniętego w XVII wieku), ale także człowiek nie jest koroną stworzenia (nowe ruchy religijne – protestantyzm, jansenizm – przyczyniają się do krytyki tej idei). Świat i życie ludzkie w świecie jawią się jako szereg nie do pogodzenia przeciwieństw, antynomii, toczą ze sobą nieustanną walkę i nieustannie się zmieniają, zamieniając się w iluzję. Rzeczywistość otaczająca człowieka okazuje się snem, a najbardziej dramatyczne jest to, że nie jest on w stanie uchwycić granic między tymi stanami, zrozumieć, w jakiej pozycji się znajduje w danym momencie (sztuka P. Calderona „Życie jest snem” , 1636).
Niepoznawalność ruchomej, dysharmonijnej, chaotycznej rzeczywistości, w której żyje człowiek – „myśląca trzcina” pozostawiona burzom codzienności, „atmosfera zwątpienia”, w której jest zanurzony, budzą zachłanne zainteresowanie tajemniczym, magicznym , mistyczny, dla którego oczywiście nie ma ostatecznego rozwiązania. Człowieka baroku dręczy poczucie kruchości, nietrwałości, zmienności życia, zwraca się albo do tradycji starożytnego stoicyzmu, albo do epikureizmu, a zasady te są nie tylko antynomicznie przeciwstawne, ale paradoksalnie zlewają się w pesymistyczne poczucie życia jako droga kłopotów. Literatura barokowa odnajduje figuratywne i stylistyczne odpowiedniki nowego światopoglądu, „unikając mówienia zbyt jasno”, konfrontując i zanieczyszczając tragizm i komizm, piękno i brzydotę, wzniosłość i podłość, „być” i „wydawać się”, posługujący się metaforami i paradoksami, z zamiłowaniem do przedstawiania metamorfoz, przekształceń i przebrań. Barok często przedstawia świat jako teatr: bezpośrednio wprowadzając do dzieł sceny teatralne (w tym sceniczne – technika „teatru w teatrze”); sięganie po dekoracyjne i bujne środki wizualne (sznurowanie wyrafinowanych metafor, tworzenie wizerunków emblematycznych, hiperbolizacja i wyolbrzymianie kontrastów językowych). Samo słowo w baroku pełni przede wszystkim funkcję „przedstawienia”, a metafory i alegorie są „sposobem formowania szczególnej struktury świadomości”.
Twórczym zadaniem pisarza baroku jest wzruszenie i zaskoczenie czytelnika („Celem poety jest to, co cudowne i zdumiewające. Kto nie potrafi zaskoczyć… niech idzie do grzebienia.” D. Marino. Sonnet, 1611). Jednocześnie barok stara się wyrazić złożoność świata jako całości: nieporęczną kompozycję wielu dzieł, bogactwo postaci, wątków, konfliktów, wydarzeń, różnorodność „scenerii”, w której one występują, rozbudowaną bazę naukową komentarze towarzyszące często tekstom powieści („Szalony Pasterz”, 1627-28, C. Sorel; „Assenat”, 1670, F. von Zesen), dramatów („Papinian”, 1659, A. Grifius), mają na celu przekształcić te dzieła w swego rodzaju uniwersalną encyklopedię. Barokowy świat „encyklopedii”, zarówno jako Księgi Rodzaju, jak i samej księgi, składa się z wielu pojedynczych fragmentów, elementów, „rubryk”, połączonych w sprzeczne i nieoczekiwane zestawienia, tworząc „celowo zawrotny” labirynt narracyjny. „Racjonalna ekstrawagancja” baroku wynika z faktu, że jest to sztuka retoryczna, która nie stawia sobie za zadanie bezpośredniego, bezpośredniego odzwierciedlenia rzeczywistości. Barok zawsze uwzględnia, choć nieoczekiwanie, wręcz paradoksalnie, odmienność tradycji literackiej. Literatura ta posługuje się „słowem gotowym” – zarówno w jego „wysokim”, etyczno-filozoficznym, miłosno-psychologicznym, „tragicznym” wydaniu (P. Calderon, O. d'Urfe), jak i w jego „niskim”, moralnie opisowym, linia burleskowo-satyryczna, linia „komiczna” (F. Quevedo, Sorel, H. J. Grimmelshausen). Barok jest reprezentowany w literaturze europejskiej nie tylko przez te dwa główne nurty stylistyczne, ale także przez wiele ruchów: kultyzm (gongoryzm) i konceptyzm w Hiszpanii, marinizm we Włoszech, libertinage i precyzja we Francji, szkoła metafizyczna w Anglii, „świecka” i „świecka” religijny” barok. Kierunek ten ma pewne cechy narodowe w każdym kraju: hiszpański barok jest najbardziej intensywny filozoficznie, zagmatwany, francuski jest najbardziej analityczny i intelektualny, niemiecki jest najbardziej emocjonalny. Barok to sztuka, która nie jest skłonna do tworzenia harmonijnego systemu artystycznych praw, „reguł”. Niewiele jest dzieł literackich i estetycznych, które można słusznie nazwać programowo barokowym, chociaż T. de Vio, Sorel we Francji, J. Donne w Anglii, D. Marino we Włoszech, Grimmels Hausen we Włoszech z pewnością są związani z kształtowaniem się estetyki barokowej Niemcy. Estetyka barokowa jest najliczniej reprezentowana we Włoszech („Luneta Arystotelesa”, 1655, E. Tesauro) i Hiszpanii („Wit, czyli sztuka wyrafinowanego umysłu”, 1642, B. Graciana): obaj teoretycy zwracają główną uwagę na koncepcję „bystrego umysłu” jako podstawy pomysłowości artysty słowa i potwierdzają rolę intuicji w twórczości artystycznej. System gatunków w baroku nie charakteryzuje się kompletnością i harmonią, jak w klasycyzmie, ale preferencje gatunkowe pisarzy są dość jasne: są to poezja pastoralna, pastoralna dramatyczna i romans pasterski, powieść waleczno-bohaterska o tematyce historycznej, powieść powieść alegoryczna, liryka filozoficzno-dydaktyczna, poezja satyryczna, burleska, powieść komiczna, tragikomedia, dramat filozoficzny.
W XVII wieku Rzym był światową stolicą sztuki, przyciągającą artystów z całej Europy, dlatego sztuka barokowa szybko rozprzestrzeniła się poza „wieczne miasto”. Styl barokowy zapuścił swoje najgłębsze korzenie poza Włochami, w krajach katolickich. W każdym kraju barokowym sztuka karmiła się lokalnymi tradycjami. W niektórych krajach stało się to bardziej ekstrawaganckie, jak na przykład w Hiszpanii i Ameryce Łacińskiej, gdzie rozwinął się styl dekoracji architektonicznej zwany churrigueresco; w innych został wyciszony na rzecz bardziej konserwatywnych gustów. Styl barokowy rozprzestrzenia się w Hiszpanii, Niemczech, Belgii (Flandria), Holandii, Rosji, Francji.
W katolickiej Flandrii Sztuka baroku rozkwitła w twórczości Rubensa, do protestanckiej Holandii miało to mniej zauważalny wpływ. To prawda, że dojrzałe dzieła Rembrandta, niezwykle żywe i dynamiczne, wyraźnie naznaczone są wpływami sztuki barokowej.
We Francji wyrażało się to najwyraźniej w służbie monarchii, a nie Kościoła. Ludwik XIV rozumiał znaczenie sztuki jako środka gloryfikującego rodzinę królewską. Jego doradcą w tej dziedzinie był Charles Lebrun, który kierował malarzami i dekoratorami pracującymi w pałacu Ludwika w Wersalu. Wersal, ze swoim wspaniałym połączeniem bogatej architektury, rzeźby, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i krajobrazu, był jednym z najbardziej imponujących przykładów fuzji sztuk.
Dla architektury barokowej(L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, B.F. Rastrelli w Rosji) charakteryzują się rozpiętością przestrzenną, fuzją, płynnością złożonych, zwykle krzywoliniowych form. Architektura barokowa skłania się w stronę uroczystego „wielkiego stylu”, w stronę podkreślanej monumentalności, opiera się na idei złożoności, różnorodności, zmienności świata, odzwierciedla wielkość Papieża i Kościoła katolickiego, a także władzę i luksus monarchów i dużej arystokracji. W tym czasie powstają kościoły katolickie, miejskie i podmiejskie zespoły pałacowo-parkowe - plac przed katedrą św. Piotra w Rzymie, wiejskie wille we Włoszech.
Głównymi cechami budynków są złożony krzywoliniowy plan i zarysy linii, kapryśność plastikowych fasad, zastosowanie skomplikowanych, różnorodnych i malowniczych form opartych na owalu, elipsie i półkolu, półkoliste okna, połamane frontony, sparowane kolumny i pilastry , masywne okazałe klatki schodowe, rozpiętość przestrzenna zespołów, fuzja sztuk (architektura, rzeźba, malarstwo), dekoracyjność wnętrz, wykorzystanie luster w projektowaniu wnętrz. Zakon pełni funkcję dekoracyjnej formy plastycznej wraz z rzeźbą. Cechami budynków są niezwykła malowniczość (pretensjonalność), kontrast, napięcie, dynamika obrazów i płynność skomplikowanych, zwykle krzywoliniowych form, chęć celowego przepychu, łączenia rzeczywistości i iluzji. Często spotykane są wielkoformatowe kolumnady, bogactwo rzeźb na elewacjach i we wnętrzach, woluty, duża liczba zastrzałów, elewacje łukowe ze stężeniami pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły przybierają złożone kształty, często wielopoziomowe, jak kopuły katedry św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale barokowe - telamon (Atlas), kariatyda, maszkaron.
W architekturze włoskiej najwybitniejszym przedstawicielem sztuki baroku był Carlo Maderna(1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu datowane są na około 1620 rok. Za kwintesencję baroku uważa się kaplicę Coranaro w kościele Santa Maria della Victoria (1645-1652). , imponująca fuzja malarstwa, rzeźby i architektury. . Architektem byli najwybitniejsi włoscy współcześni Berniniego w tym dojrzałym okresie baroku Borromini zarówno artysta, jak i architekt Pietro da Cortona. Nieco później pracował Andrea del Pozzo (1642-1709); jego malowany sufit w kościele Sant'Ignazio w Rzymie (Apoteoza św. Ignacego Loyoli) jest kulminacją barokowej tendencji do pompatycznego przepychu. Hiszpański barok lub według lokalnego churrigueresco (na cześć architekta Churriguery), które rozprzestrzeniło się także na Amerykę Łacińską. Jego najpopularniejszym zabytkiem jest katedra w Santiago de Compostela, która jest jednocześnie jednym z najbardziej czczonych kościołów w Hiszpanii. W Ameryce Łacińskiej barok zmieszał się z lokalnymi tradycjami architektonicznymi; to jest jego najbardziej wyszukana wersja, i tak to nazywają ultrabarokowy. We Francji styl barokowy wyrażane skromniej niż w innych krajach. Wcześniej uważano, że styl ten w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uznawano za pomniki klasycyzmu. Czasami używa się określenia „barokowy klasycyzm”. Francuska i angielska wersja baroku. Obecnie Pałac Wersalski wraz ze zwykłym parkiem, Pałac Luksemburski, budynek Akademii Francuskiej w Paryżu i inne dzieła uważane są za francuski barok. Mają pewne cechy klasycystyczne. W Belgii Wybitnym zabytkiem barokowym jest zespół Grand Place w Brukseli. Dom Rubensa w Antwerpii, zbudowany według własnego projektu artysty, ma cechy barokowe. W Rosji barok pojawia się w XVII wieku („barok Naryszkina”, „barok Golicyna”). W XVIII w., za panowania Piotra I, w Petersburgu i na jego przedmieściach za sprawą D. Trezziniego zaczął się rozwijać tzw. „barok Piotrowy” (bardziej powściągliwy), który osiągnął swój szczyt za panowania Piotra Elizabeth Petrovna w pracy S.I. Chevakinsky i B. Rastrelli. W Niemczech Wybitnym zabytkiem barokowym jest Pałac Nowy w Sans Souci (autorzy: I.G. Bühring, H.L. Manter) i tamtejszy Pałac Letni (G.W. von Knobelsdorff).
Największe i najbardziej znane zespoły barokowe na świecie: Wersal (Francja), Peterhof (Rosja), Aranjuez (Hiszpania), Zwinger (Niemcy), Schönbrunn (Austria).
Styl barokowy w malarstwie charakteryzuje się dynamizmem kompozycji, „płaskością” i przepychem form, arystokracją i oryginalnością fabuły. Dominowały wątki oparte na dramatycznym konflikcie – o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym. Portrety ceremonialne powstają z myślą o dekoracji wnętrz.
Cechą baroku jest rezygnacja z renesansowej harmonii na rzecz bardziej emocjonalnego kontaktu z widzem. Duże znaczenie nabrały efektów kompozycyjnych, wyrażonych odważnymi kontrastami skali, koloru, światła i cienia. Ale jednocześnie artyści baroku dążą do osiągnięcia jedności rytmicznej i kolorystycznej, malowniczości całości.
U początków sztuki barokowej w malarstwie leży dwóch wielkich artystów włoskich - Caravaggia I Annibale’a Carracciego, który stworzył najważniejsze dzieła przełomu XVI i XVII wieku. Malarstwo włoskie końca XVI wieku charakteryzuje się nienaturalnością i niepewnością stylistyczną. Caravaggio i Carracci swoją sztuką przywrócili jej integralność i wyrazistość.
We włoskim malarstwie barokowym Rozwinęły się różne gatunki, ale były to głównie alegorie i gatunek mitologiczny. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo i bracia Carracci odnieśli sukces w tym kierunku. Zasłynęła szkoła wenecka, w której dużą popularność zyskał gatunek wedata, czyli pejzaż miejski. Najbardziej znanym autorem takich dzieł jest D.A. Canaletto. Nie mniej znani są Francesco Guardi i Bernardo Bellotto. Canaletto i Guardi malowali widoki Wenecji, natomiast Bellotto (uczeń Canaletta) pracował w Niemczech. Posiada wiele widoków na Drezno i nie tylko. Salvator Rosa (szkoła neapolitańska) i Alessandro Magnasco malowali fantastyczne pejzaże. Ten ostatni należy do poglądów architektonicznych, a bardzo bliski był mu francuski artysta Hubert Robert, tworzący w czasach, gdy wzrosło zainteresowanie starożytnością i rzymskimi ruinami. Ich prace przedstawiają ruiny, łuki, kolumnady, starożytne świątynie, ale w nieco fantastycznej formie, z przesadą. Bohaterskie obrazy namalował Domenichino, a malownicze przypowieści Domenico Fetti. Piotra Pawła Rubensa (1577-1640) na początku XVII wieku. studiował we Włoszech, gdzie poznał styl Caravaggia i Carraciego, choć przybył tam dopiero po ukończeniu studiów w Antwerpii. Z radością łączył najlepsze cechy szkół malarskich Północy i Południa, łącząc w swoich płótnach to, co naturalne i nadprzyrodzone, rzeczywistość i fantazję, naukę i duchowość.
Michelangelo Merisi (Caravaggio) (1571-1610) uważany jest za najwybitniejszego mistrza wśród artystów włoskich tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy o tematyce religijnej przypominają realistyczne sceny ze współczesnego życia autora, tworząc kontrast między późną starożytnością a współczesnością. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wychwytują wyraziste gesty bohaterów, kontrastowo podkreślając ich cechy charakterystyczne. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia przejęli żywiołowość i charakterystyczny sposób bycia Caravaggia, a także jego naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń.
We Francji Cechy barokowe są nieodłącznie związane z uroczystymi portretami Iasinte Rigaud. Jego najsłynniejszym dziełem jest portret Ludwika XIV. Twórczość Simona Voueta i Charlesa Lebruna, artystów dworskich zajmujących się gatunkiem portretu ceremonialnego, określana jest jako „barokowy klasycyzm”. Prawdziwą przemianę baroku w klasycyzm można zaobserwować w malarstwie Nicolasa Poussina. Styl barokowy w Hiszpanii otrzymał bardziej sztywną, surową postać, ucieleśnioną w dziełach takich mistrzów jak Velazquez, Ribera i Zurbaran. Trzymali się zasad realizmu. W tym czasie Hiszpania przeżywała swój „złoty wiek” w sztuce, będąc jednocześnie w kryzysie gospodarczym i politycznym.
Dla sztuki Hiszpanii Charakteryzuje się dekoracyjnością, kapryśnością, wyrafinowaniem form, dualizmem ideału i realności, fizyczności i ascezy, sterty i skąpstwa, wzniosłości i śmieszności. Wśród przedstawicieli: Domenico Theotokopouli (El Greco). Był głęboko religijny, dlatego w jego twórczości prezentowane są liczne warianty tematów religijnych i celebracji: „Święta Rodzina”, „Apostołowie Piotr i Paweł”, „Zejście Ducha Świętego”, „Chrystus na Górze Maslenicy”. El Greco był wspaniałym portrecistą - to, co przedstawiał, interpretował jako nierealne, fantastyczne, wyimaginowane. Stąd deformacja postaci (elementy gotyckie), skrajne kontrasty kolorystyczne z przewagą ciemnych barw, gra światłocienia i wrażenie ruchu. Diego Velazquez (1599-1660) to wspaniały mistrz portretu psychologicznego i malarz postaci. Jego obrazy wyróżniają się wielofigurową złożonością kompozycji, wielokadrowym charakterem, niezwykłą szczegółowością i doskonałym opanowaniem koloru.
Szczyt Flamandzki barok spada na I piętro. XVII wiek. Rubens został ustawodawcą w nowym stylu. We wczesnym okresie styl barokowy Rubens postrzegał przez pryzmat obrazów Caravaggia - „Podniesienie krzyża”, „Zejście z krzyża”, „Porwanie córek Leucyppusa”. Przejście do dojrzałej fazy twórczości artysty było dużym zamówieniem na cykl obrazów „Życie Marii Medycejskiej”. Malowidła mają charakter teatralny, alegoryczny, a malarstwo jest wyraziste. Rubens ukazuje niesamowitą, afirmującą życie moc baroku, a jego portrety, zwłaszcza kobiet, ukazują dla niego niewyczerpane źródło radości. W ostatnim okresie swojej twórczości Rubens kontynuuje temat bachanaliów – „Bachus” – otwarcie cielesnego postrzegania życia. Oprócz Rubensa uznanie zyskał inny mistrz flamandzkiego baroku, van Dyck (1599-1641).
Wraz z twórczością Rubensa nowy styl dotarł do Holandii, gdzie przejęli go Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) i Vermeer (1632-1675). W Hiszpanii Diego Velazquez (1599-1660) działał na wzór Caravaggia, a we Francji - Nicolas Poussin (1593-1665), który niezadowolony ze szkoły barokowej położył podwaliny pod nowy ruch w swojej twórczości - klasycyzm .
W Holandii Powstało kilka szkół malarskich, jednoczących głównych mistrzów i ich następców: Franza Halsa w Haarlemie, Rembrandta w Amsterdamie, Vermeera w Delft. W malarstwie tego kraju barok miał wyjątkowy charakter, skupiający się nie na emocjach odbiorców, ale na ich spokojnym, racjonalnym podejściu do życia. Rembrandt podkreślił to w następujących słowach: „Niebo, ziemia, morze, zwierzęta, ludzie – wszystko to służy naszemu ćwiczeniu”.