Willema Klasa Heddy. Martwa natura z ciastem, 1627
„Złotym” wiekiem martwej natury był XVII wiek, kiedy w końcu nabrała ona kształtu niezależny gatunek malarstwie, szczególnie w twórczości artystów holenderskich i flamandzkich. Jednocześnie termin „ciche, zamrożone życie” zdawał się odnosić do martwej natury (holenderski Stilleven, niemiecki Stilleben, angielski martwa natura). Pierwsze „stilleven” miały prostą fabułę, ale nawet wtedy ukazane na nich przedmioty niosły także ładunek semantyczny: chleb, kieliszek wina, ryba są symbolami Chrystusa, nóż jest symbolem ofiary, cytryna jest symbolem niezaspokojonego pragnienia; orzechy w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina jesień.
Stopniowo wzbogacał się symboliczny język obrazu.
Franciscus Geisbrechts, XVII w
Symbole znajdujące się na płótnach miały przypominać o kruchości życie człowieka oraz o przemijaniu przyjemności i osiągnięć:
Czaszka przypomina o nieuchronności śmierci.
Zgniłe owoce są symbolem starzenia się.
Dojrzałe owoce symbolizują płodność, obfitość, w w przenośni bogactwo i dobrobyt.
Wiele owoców ma swoje znaczenie: jesień oznaczają gruszki, pomidory, owoce cytrusowe, winogrona, brzoskwinie i wiśnie oraz oczywiście jabłko. Figi, śliwki, wiśnie, jabłka czy brzoskwinie mają podtekst erotyczny.
Kiełki zbóż, gałęzie bluszczu lub lauru (rzadko) - symbol odrodzenia i cyklu życia.
Muszle morskie, czasem żywe ślimaki - skorupa mięczaka to pozostałości niegdyś żyjącego zwierzęcia, oznacza śmierć i słabość.
Pełzający ślimak jest uosobieniem śmiertelnego grzechu lenistwa.
Duże mięczaki oznaczają dwoistość natury, symbol pożądania, kolejny z grzechów głównych.
Bańki mydlane - krótkotrwałość życia i nagłość śmierci; nawiązanie do wyrażenia homo bulla – „człowiek jest bańką mydlaną”.
Gaszenie świecy dymnej (końcówka żużlowa) lub lampy naftowej; czapka do gaszenia świec - płonąca świeca jest symbolem duszy ludzkiej, jej zgaszenie symbolizuje odejście.
kubki, grać w karty lub kości, szachy (rzadko) - znak błędu cel życia, szukając przyjemności i grzesznego życia. Równość szans w grach hazardowych oznaczała także karygodną anonimowość.
Fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności.
Maska karnawałowa - jest oznaką nieobecności osoby w jej wnętrzu. Przeznaczony również na świąteczną maskaradę, nieodpowiedzialną przyjemność.
Lustra, szklane (lustrzane) kule - lustro jest symbolem próżności, ponadto jest także oznaką odbicia, cienia, a nie rzeczywistym zjawiskiem.
Beyeren. Martwa natura z homarem, 1667
Rozbite naczynia, zwykle szklane kielichy. Pusta szklanka, w przeciwieństwie do pełnej, symbolizuje śmierć.
Szkło symbolizuje kruchość, śnieżnobiała porcelana - czystość.
Moździerz i tłuczek są symbolami męskiej i żeńskiej seksualności.
Butelka jest symbolem grzechu pijaństwa.
Nóż - przypomina o bezbronności człowieka i jego śmiertelności.
Klepsydra i zegar mechaniczny - ulotność czasu.
Instrumenty muzyczne, nuty - zwięzłość i ulotność życia, symbol sztuki.
Książki i Mapy geograficzne(mappa mundi), piszący długopis - symbol nauki, kula ziemska i gwiaździste niebo.
paleta pędzli, wieniec laurowy(zwykle na głowie czaszki) - symbole malarstwa i poezji.
Litery symbolizują relacje międzyludzkie.
Przyrządy medyczne przypominają o chorobach i słabościach ludzkiego ciała.
Portmonetki, szkatułki na biżuterię - biżuteria i kosmetyki mają za zadanie kreować piękno, kobiecą atrakcyjność, jednocześnie kojarzą się z próżnością, narcyzmem i grzechem śmiertelnym arogancji. Sygnalizują także nieobecność ich właścicieli na płótnie.
Broń i zbroja są symbolem mocy i potęgi, oznaczeniem tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu.
Korony i tiary papieskie, berła i moce, wieńce z liści są oznakami przejściowej ziemskiej dominacji, sprzeciwiającej się niebiańskiemu porządkowi świata. Podobnie jak maski symbolizują nieobecność tych, którzy je nosili.
Klucze - symbolizują władzę gospodyni domowej zarządzającej zapasami.
Ruiny – symbolizują przemijające życie tych, którzy kiedyś je zamieszkiwali.
W martwych naturach często przedstawiano owady, ptaki i zwierzęta. Na przykład muchy i pająki uważano za symbole skąpstwa i zła, a jaszczurki i węże za symbole oszustwa. Raki lub homary uosabiały koleje losu lub mądrości.
Jacques André Joseph Aved. Około 1670.
Książka - Tragedia Sofoklesa „Elektra” - w ta sprawa wielowartościowy charakter. Umieszczając go w kompozycji, artysta przypomina o nieuchronności odpłaty za zbrodnię nie na ziemi, ale w niebie, gdyż tragedia jest przesiąknięta tą myślą. Motyw antyczny w takich martwych naturach często symbolizował ciągłość sztuki. NA Strona tytułowa kryje się nazwisko tłumacza, słynnego holenderskiego poety Josta van den Vondela, którego dzieła starożytne i historie biblijne były tak aktualne, że był nawet prześladowany. Mało prawdopodobne, aby artysta umieścił Vondela przez przypadek – niewykluczone, że mówiąc o marności świata, postanowił wspomnieć o marności władzy.
Miecz i hełm są symbolem przemijającej chwały wojskowej.
Biały z czerwonym pióropuszem - centrum kompozycji obrazy. Pióra zawsze oznaczają marność i marność. Na zdjęciu datowany jest hełm z pióropuszem. Lodewijk van der Helst w 1670 roku przedstawiony w takim hełmie na pośmiertnym portrecie admirała Sterlingwerfa. Hełm admirała jest obecny w kilku kolejnych martwych naturach van Strecka.
Portret sangwinika. W przeciwieństwie do oleju, sangwina jest bardzo słabo zachowana, podobnie jak papier, w przeciwieństwie do płótna. Arkusz ten mówi o daremności wysiłków artysty, zużyte i podarte krawędzie mają wzmocnić tę ideę.
Złota grzywka to marność luksusu.
Czaszka - w starożytna kultura atrybut Kronosa (Saturna), czyli symbol czasu. Koło fortuny zostało również przedstawione z czaszką. Dla chrześcijan jest to oznaka światowej próżności, mentalnej kontemplacji śmierci, cecha życia pustelniczego. Wraz z nim przedstawieni byli św. Franciszek z Asyżu, św. Hieronim, Maria Magdalena, apostoł Paweł. Czaszka jest także symbolem życie wieczne Chrystus ukrzyżowany na Kalwarii, gdzie według legendy pochowano czaszkę Adama. Ucho owinięte wokół czaszki jest symbolem nieśmiertelności duszy („Ja jestem chlebem życia” – J 6,48), nadziei na życie wieczne.
Stos podniszczonych papierów to marność wiedzy.
Róg prochowy na łańcuszku to bardzo charakterystyczny temat dla holenderskiej martwej natury. Tutaj najwyraźniej należy to interpretować jako coś przynosząc śmierć w przeciwieństwie do róg obfitości
Adrian van Utrecht „Vanitas”. 1642.
konwalie, fiołki, niezapominajki otoczone różami, goździkami, zawilcami - symbole skromności i czystości;
duży kwiat pośrodku kompozycji to „korona cnót”;
rozpadające się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;
zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;
irysy - znak Dziewicy;
białe róże - miłość platoniczna i symbol czystości;
czerwone róże - symbol namiętnej miłości i symbol Dziewicy;
czerwone kwiaty są symbolem pokutnej ofiary Chrystusa;
biała lilia to nie tylko piękny kwiat, ale także symbol czystości Dziewicy Maryi;
niebieskie i niebieskie kwiaty - przypomnienie lazurowego nieba;
oset - symbol zła;
goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;
mak – alegoria snu, zapomnienia, symbol jednego z grzechów głównych – lenistwa;
zawilec - pomoc w chorobie;
tulipany - symbol szybko zanikającego piękna, uprawa tych kwiatów była uważana za jedną z najbardziej próżnych i daremnych zajęć; tulipan symbolizował także miłość, współczucie, wzajemne zrozumienie; biały tulipan - fałszywa miłość, czerwony tulipan - namiętna miłość (w Europie i Ameryce tulipan kojarzy się z wiosną, światłem, życiem, kolorami i jest uważany za przytulny, przyjazny kwiat, w Iranie, Turcja i inne kraje Wschodu, tulipan kojarzony z uczuciami miłosnymi i erotyką).
Pieter Klass „Śniadanie z szynką” 1647
Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoje ukryte znaczenie, które było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy się tylko domyślać, co i komu artysta chciał powiedzieć.
G Holenderska martwa natura z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w obrębie gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, rozmaitych ptaków – to tylko część najbardziej znane tematy martwe natury.
W sumie te pojedyncze działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne i ich ulubione rozrywki oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach o motywach „żywej” i „martwej” natury kładzie się symboliczny podtekst, który jest łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Zatem połączenie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka dla kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodniami, fajkami; lub wskazał romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kocioł. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim artystyczną wyrazistością, kompletnością i umiejętnością ukazywania życia duchowego obiektywnego świata.
W przeciwieństwie do Flamandów, którzy preferują obrazy wielkoformatowe z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” – co po niderlandzku oznacza – „ spokojne życie”) to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego.
Martwa natura holenderska z XVII wieku
Pieter Klass „Fajka i kociołek” 1636
Balthasar van der Ast „Martwa natura z owocami”
Balthasar van der Ast „Talerz z owocami i muszlami” 1630
Melchior de Hondekuter „Ptaki w parku”
Bartholomeus van der Hels „Nowy rynek w Amsterdamie” 1666
Willem Klass Hedp „Śniadanie z krabem” 1648
Ferdynand Bol „Zła gra”
Abraham Mignon „Owoce”
Melchior de Hondekuter „Trofea myśliwskie”
Johannes Lemans „Martwa natura z polowania”
Martina Bullema de Stomme. „Martwa natura z filiżanką Nautilusa”
Willema Hedę. „Martwa natura z szynką”. 1656
Jana Brueghela Starszego. „Kwiaty w drewnianym wazonie”. 1606/07
Ambrosius Bosshart Starszy. „Bukiet kwiatów w niszy”. 1618
Balthasara van der Asta. „Kosz kwiatów”. 1622
Hansa Bollongiera. „Martwa natura kwiatowa”. 1639
Nicholasa Gillisa. „Nakryty stół”. 1611
Florisa van Dijka. „Martwa natura z serem”. OK. 1615
Jacoba van Huelsdonka. Martwa natura z karczochami, rzodkiewkami, szparagami, śliwkami i brzoskwiniami w koszu. 1608-1647
Klara Peters. „Stół serwowany”. 1611
Willem Claesz Heda. „Martwa natura ze srebrnym dzbankiem i ciastem”. 1645
Piotr Klas. „Martwa natura z solniczką”. OK. 1644
Gerrita Willemsa Hedy. „Martwa natura z glinianym dzbankiem”
Florisa Gerritsa van Schotena. Martwa natura z owocami, warzywami i sceną kolacji w Emaus. 1630
Cornelisa Delffa. „Martwa natura w kuchni” 1610-1620
Elena Konkowa – jasny przedstawiciel współczesny elita intelektualna, który Duch epoki (no cóż, Zeitgeist) owija w efektowne formy, nie zapominając o wewnętrznej treści.
W tym filmie opowie o aspektach mistycznych Malarstwo europejskie, ujawnić sekretne znaczenie, zakodowany w przerażających, zabawnych i po prostu niezwykłych atrybutach holenderskich martwych natur i z wdziękiem zaprosi wszystkich do rozpoczęcia kolekcjonowania tego rodzaju dzieł sztuki, czy malarstwa jako takiego...
Poniżej materiał, który nieznacznie uzupełni zakres wizualny stworzony przez Panią Konkovą o drukowane słowo.
I tak w 1581 roku mieszkańcy północnych Niderlandów, po długiej wojnie o wyzwolenie spod panowania Hiszpanii, proklamowali niepodległą Republikę Zjednoczonych Prowincji. Wśród nich w sferze gospodarczej i kulturalnie Na czele znalazła się Holandia, dlatego wkrótce zaczęto tak nazywać cały kraj. organizacja społeczna Nowa Holandia niewiele się zmieniła w porównaniu z XVI wiekiem, za to nastąpiły istotne zmiany w życiu duchowym. Kalwinizm stał się religią państwową. Wyznanie to nie uznawało ikon i sztuki kościelnej w ogóle (nurt ten w protestantyzmie nosi imię jego założyciela, francuskiego teologa Jana Kalwina (1509-1564).
Holenderscy artyści mimowolnie musieli porzucić tematykę religijną i szukać nowych. Zwracali się ku otaczającej ich rzeczywistości, codziennym wydarzeniom, które miały miejsce każdego dnia w sąsiednim pokoju lub na sąsiedniej ulicy. A klienci – najczęściej szlachta, ale słabo wykształceni mieszczanie – cenią dzieła sztuki przede wszystkim za to, że są „całkiem jak żywe”.
Obrazy stały się towarem rynkowym, a dobrobyt artysty zależał wyłącznie od umiejętności zadowolenia klienta. Dlatego artysta przez całe życie doskonalił się w pewnym gatunku. Nastrój, w jaki przepojone są prace szkoła holenderska, a nawet ich niewielki, z reguły format, sugeruje, że wiele z nich było przeznaczonych nie do pałaców, ale do skromnych salonów i adresowanych było do zwykłego człowieka.
Holenderski martwa natura XVII V. uderza bogactwem tematów. W każdym ośrodku artystycznym kraju malarze preferowali swoje kompozycje: w Utrechcie – z kwiatów i owoców, w Hadze – z ryb. W Haarlemie pisano skromne śniadania, w Amsterdamie - luksusowe desery, a na uniwersytecie w Lejdzie - książki i inne przedmioty do studiowania nauk ścisłych lub tradycyjne symbole światowego zamieszania - czaszka, świeca, klepsydra.
W martwych naturach związanych z początkiem XVII wiek, obiekty ułożone są w ściśle określonym porządku, niczym eksponaty w muzealnej gablocie. W takich obrazach detale mają znaczenie symboliczne. Jabłka przypominają upadek Adama, a winogrona przypominają odkupieńczą ofiarę Chrystusa. Muszla to muszla pozostawiona przez istotę, która kiedyś w niej żyła, zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci. Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie. Takie są na przykład płótna Balthasara van der Asta (1590-1656).
Dla artystów kolejnego pokolenia rzeczy nie przypominają już abstrakcyjnych prawd, lecz służą tworzeniu niezależności obrazy artystyczne. W ich obrazach znane przedmioty nabierają szczególnego, niezauważanego wcześniej piękna. Malarz z Haarlemu Pieter Klas (1597-1661) w subtelny i umiejętny sposób podkreśla oryginalność każdego naczynia, szkła, garnka, znajdując dla każdego z nich idealne otoczenie. W martwych naturach jego rodaka Willema Claesza Hedy (ok. 1594-ok. 1680 r.) króluje malowniczy nieporządek. Przede wszystkim napisał „przerywane śniadania”. Zmięty obrus, pomieszane elementy do serwowania, ledwo dotykane jedzenie – wszystko tutaj przypomina niedawną obecność człowieka. Obrazy ożywiają różnorodne plamy świetlne i wielobarwne cienie na szkle, metalu, płótnie („Śniadanie z Krabem”, 1648).
W drugiej połowie XVII w. holenderska martwa natura, podobnie jak krajobraz, stał się bardziej spektakularny, złożony i wielobarwny. Malowidła Abrahama van Beijerena (1620 lub 1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693) przedstawiają okazałe piramidy wykonane z drogich naczyń i egzotycznych owoców. Są tu ścigane srebro i białoniebieskie fajanse oraz kielichy z muszelek, kwiatów, kiści winogron, półobranych owoców.
Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko przedmioty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. „Ramki” z martwą naturą można znaleźć na wielu obrazach holenderskich artystów z XVI wieku. Łatwo to przedstawić w formie samodzielne malowanie Nakryty stół z „Portretu rodzinnego” Martina van Heemskerka (ok. 1530 r.). Muzea państwowe, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc już na samym początku XVII wieku. pierwsza niezależna martwa natura kwiatowa. Pojawiły się około roku 1600 – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.
W tamtym momencie nie było słowa, które by to określiło. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (nature morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilllleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, modelka”, jak i „ciche życie”, co znacznie trafniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku i do tego czasu obrazy nazywano zgodnie z fabułą obrazu: blumentopf – wazon z kwiatami, banketje – nakryty stół, fruytage – owoce, toebackje – martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd – obrazy przedstawiające czaszkę. Już z tego wyliczenia widać, jak wielka była różnorodność przedstawianych obiektów. Rzeczywiście, zdjęcia Holenderscy artyści wydawało się, że cały otaczający ich świat obiektywny się rozlał.
W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, którą Holendrzy dokonali w sferze gospodarczej i społecznej, uniezależniając się od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji, Hiszpanii skupiali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, płótna i freski o tematyce starożytna mitologia Dla sale pałacowe, Holendrzy malowali małe obrazki z widokami zakątków rodzimego krajobrazu, tańce podczas święta wiejskiego lub domowego koncertu w mieszczańskiej kamienicy, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy lub w domu randkowym, nakryto stoły przy śniadaniu lub deser, czyli przyroda „niska”, bezpretensjonalna, nie przyćmiona starożytnością czy renesansem tradycja poetycka może z wyjątkiem współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był uderzający.
Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, ale najczęściej były sprzedawane za darmo na rynkach dla wszystkich i miały służyć do dekoracji pomieszczeń w domach mieszczan, a nawet mieszkańców wsi – od tych bogatszych. Później, w XVIII i XIX wieku, kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te krajowe zbiory malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie nabywane w kolekcjach królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie wyemigrowały do głównych muzeów pokój. Kiedy w połowa XIX V. artyści na całym świecie zwrócili się w stronę przedstawiania otaczającej ich rzeczywistości, obrazów holenderskich mistrzów z XVII wieku. był dla nich wzorem we wszystkich gatunkach.
Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W ramach gatunku martwej natury nastąpił nawet podział według wybrane tematy, i w różne miasta martwa natura miała swoje ulubione typy, a jeśli malarz przeprowadził się do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, które były popularne w tym miejscu.
Haarlem stał się miejscem narodzin charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Pietera Claesza przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Cynowy talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – oszczędny i precyzyjny dobór przedmiotów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów człowieka, jego stylu życia.
W tym samym duchu co Klas pracował inny Harleman, Willem Heda. Kolor jego obrazów jest nadal więcej podporządkowana jedności tonowej, dominuje w niej szaro-srebrny ton, podkreślony wizerunkiem srebrnych lub cynowych naczyń. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.
W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura kwiatowa. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który szczególnie słynie ze skrupulatnego pisania i jasnej kolorystyki.
W Hadze, ośrodku przemysłu morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beijeren udoskonalili wizerunek ryb i innych mieszkańców morza, kolor ich obrazów rzuca połysk łusek, w których plamy różu, czerwieni, niebieskie kwiaty. Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsza de Heema przedmioty ucieleśniające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty artystyczne, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) sąsiadują z czaszką czy klepsydrą, przypomnienie o przemijaniu życia. Bardziej demokratyczna martwa natura „kuchenna” powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francois Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia kojarzone są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevenów.
W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Aelsta, Uriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształca się w luksusowe „bankiety” i „desery”. złote kielichy, Chińska porcelana i fajans z Delft, obrus dywanowy, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do elegancji i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystymi, nasyconymi kolorami, złocisto-ciepłymi barwami. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że kolory na obrazach Kalfa świecą od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.
Mistrzami wizerunku „trofeów myśliwskich” i „ptasich podwórek” byli Jan-Baptiste Veniks, jego syn Jan Veniks i Melchior de Hondekuter. Ten rodzaj martwej natury stał się szczególnie rozpowszechniony w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokratyzacją mieszczan: urządzaniem majątków ziemskich i rozrywką poprzez polowania. W malarstwie dwóch ostatnich artystów widać wzrost dekoracyjności, koloru i dążenie do efektów zewnętrznych.
Niesamowitą zdolność malarzy holenderskich do przekazywania świata materialnego w całym jego bogactwie i różnorodności docenili nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, widzieli przede wszystkim w martwych naturach i tylko to genialne mistrzostwo przekazywania rzeczywistości. Jednak dla siebie Holenderski XVII przez wieki obrazy te były pełne znaczeń, stanowiły pokarm nie tylko dla oczu, ale i umysłu. Obrazy wchodziły w dialog z odbiorcami, przekazując im ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich dążeń, kierując ich myśli ku filozoficznym rozważaniom nad sensem ludzkiego życia.
Niezwykłe zjawisko w historii światowej sztuki plastycznej miało miejsce na północy Europa XVII wiek. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.
Znawcy i profesjonaliści są głęboko przekonani, że tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy dysponowali najwyższą techniką i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano nigdy w historii sztuki.
Nowe znaczenie zawodu artysty
Od tego czasu zawód artysty nabrał w Holandii szczególnego znaczenia początek XVII wieku, było skutkiem pojawienia się po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.
Na północnych ziemiach Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi sprawiła, że martwa natura Holendrów stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiennej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.
W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka rozwijały się według innych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Uczeni – historycy sztuki – znajdują wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzkie martwe natury, zwracając uwagę na ich kardynalne różnice i unikalne cechy.
Martwa natura z wczesnym kwiatem
W Holandii występuje „czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku specjalne formularze i symboliczna nazwa „ciche życie” – Stilleven. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem agresywna działalność Kompania Wschodnioindyjska, która sprowadzała ze Wschodu towary luksusowe, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.
Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebul tulipanów były czymś, co dziś nazywa się produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jakob de Hein Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.
Nakryte stoły i śniadania
Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uniknąć wpływu nowych stosunków społecznych i rozwoju gospodarki. Holenderska martwa natura z XVII wieku była dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy do obrazów - deski lub płótno, gruntowali, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, doprowadziła do wzrostu jakość martwych natur na bardzo wysokim poziomie.
Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. kompozycja kwiatowa powstawały w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą mieć różną skalę i charakter, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Były „śniadania” – martwe natury autorstwa holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełen aluzji i moralizatorskich symboli typowych dla malarstwa tamtych czasów. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.
Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda
Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy przypominały treścią wielostronicowe książki i za to były szczególnie cenione. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „martwą naturą tonalną”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność transmisji. subtelne niuanse oświetlenie.
Cechy te pod każdym względem odpowiadają płótnom dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady tonalnej martwej natury: Pietera Claesza i Willema Claesza Heada. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów pozbawionych jaskrawych kolorów i szczególnej dekoracyjności, co nie przeszkodziło im stworzyć rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.
Próżność
Temat przemijania życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.
Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych najważniejszych zagadnień życia.
Sztuczne obrazy
Malowidła od późnego średniowiecza są najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki”, czyli „trompe-l'oeil”, od francuskiego trompe-l „oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, złamany ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały w sobie całkowitą iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz slam, to typowe wątki dla fałszywego obrazu.
Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.
Czas kwitnienia i czas zachodu słońca
W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ zamożność mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.
Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu pozytywne emocje, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną działki.
Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, kiedy istotna stała się zwiększona dekoracyjność, robiąca imponujące wrażenie.
Koniec złotego wieku
Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, która malarstwo holenderskie. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.
Dziś poznamy jednego z najlepsi rzemieślnicy Holenderska luksusowa martwa natura WILLEM KALF 1619-1693
Willem Kalf był szóstym dzieckiem bogatego kupca sukna z Rotterdamu i członkiem rady miejskiej Rotterdamu. Ojciec Willema zmarł w 1625 roku, gdy chłopiec miał 6 lat. Matka kontynuowała rodzinny biznes, ale bez większych sukcesów.
Nie zachowały się dane o tym, u którego z artystów Kalf studiował; być może jego nauczycielem był Hendrik Pot z Haarlemu, gdzie mieszkali krewni Kalfów. Na krótko przed śmiercią matki w 1638 roku Willem wyjechał rodzinne miasto i przeniósł się do Hagi, a następnie w latach 1640-41. osiadł w Paryżu.
Tam, dzięki ich chłopskie wnętrza”, napisany w tradycji flamandzkiej, bliski twórczości Davida Teniersa i innych artyści XVII in., Kalf szybko zdobył uznanie.
O jego rustykalnych wnętrzach postacie ludzkie znajdowały się raczej na drugim planie, a cała uwaga widza skupiała się na dobrze oświetlonych, kolorowych i umiejętnie rozmieszczonych owocach, warzywach i rozmaitych przedmiotach gospodarstwa domowego.
Tutaj stworzył Nowa forma pomysłowo pogrupowane martwe natury z drogimi, ozdobnymi przedmiotami ( przez większą część butelki, talerze, szklanki) z materiałów odblaskowych – złota, srebra, cyny lub szkła. To mistrzostwo artysty osiągnęło swój szczyt w amsterdamskim okresie jego twórczości w urzekaniu „ LUKSUSOWA MARTWA NATURA»
Martwa natura z rogiem do picia należącym do cechu strzelców św. Sebastiana, homarem i okularami - Willem Kalf. Około 1653.
Ta martwa natura jest jedną z najbardziej znanych.
Powstał w 1565 roku dla cechu łuczników amsterdamskich. Kiedy artysta pracował nad tą martwą naturą, róg był nadal używany podczas spotkań cechowych.
To wspaniałe naczynie wykonane jest z rogu bawolego, oprawa wykonana jest ze srebra, jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz miniaturowe postacie ludzi w kształcie rogu – ta scena opowiada nam o cierpieniach św. Sebastiana, patrona łuczników.
Tradycja dodawania obranej cytryny do nadreńskiego wina wzięła się stąd, że Holendrzy uważali ten rodzaj wina za zbyt słodkie.
Homar, róg do wina w błyszczącej, filigranowej srebrnej oprawie, przezroczyste kieliszki, cytryna i turecki dywan zostały wykonane z tak niezwykłą starannością, że ma się wrażenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką.
Miejsce umieszczenia każdego przedmiotu wybierane jest z taką starannością, aby cała grupa tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło, otulając przedmioty, nadaje im dostojeństwa drogocenności biżuteria, a ich rzadkość, przepych i dziwaczność odzwierciedlają wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów w XVII wieku, kiedy martwe natury były niezwykle popularne.
Martwa natura z dzbankiem i owocami. 1660
W 1646 roku Willem Kalf powrócił na jakiś czas do Rotterdamu, następnie przeniósł się do Amsterdamu i Hoorn, gdzie w 1651 roku poślubił Kornelia Plouvier, córka protestanckiego pastora.
Kornelia była znaną kaligrafką i poetką, przyjaźniła się z Konstantinem Huygensem, osobistym sekretarzem trzech namiestników młodej Republiki Holenderskiej, szanowanym poetą i prawdopodobnie najbardziej doświadczonym koneserem światowego teatru i sztuki sztuka muzyczna swoich czasów.
W 1653 roku para przeniosła się do Amsterdamu, gdzie mieli czworo dzieci. Pomimo swojego bogactwa Kalf nigdy nie dostał własnego domu.
Martwa natura z czajnikiem.
W okresie amsterdamskim Kalf zaczął włączać do swoich doskonałych martwych natur przedmioty egzotyczne: chińskie wazony, muszle oraz niewidziane dotąd owoce tropikalne – na wpół obrane pomarańcze i cytryny. Przedmioty te sprowadzono do Holandii z Ameryki, były ulubionymi i prestiżowymi przedmiotami zamożnych mieszczan, którzy afiszowali się ze swoim dobrobytem.
Martwa natura z łodzikiem i miską chińską.
Holendrzy pokochali i zrozumieli dobre wnętrze, wygodne nakrycie stołu, gdzie wszystko, czego potrzebujesz, jest pod ręką, w wygodnych naczyniach - w otaczającym człowieka świecie materialnym.
W centrum znajduje się elegancki kielich nautilusa wykonany z muszelek oraz piękny chiński wazon, na zewnątrz ozdobiony ośmioma płaskorzeźbionymi postaciami przedstawiającymi ośmiu nieśmiertelnych w taoizmie, guzek na wieczku to zarys buddyjskiego lwa.
Tę martwą naturę uzupełnia tradycyjny perski dywan Kalf i cytryna z cienką spiralną skórką.
Piramida przedmiotów tonie w mgle zmierzchu, czasem jedynie odbicia światła wskazują kształt rzeczy. Natura stworzyła muszlę, rzemieślnik zamienił ją w kielich, artysta namalował martwą naturę, a my cieszymy się całym tym pięknem. W końcu umiejętność dostrzegania piękna to także talent.
Martwa natura ze szklanym kielichem i owocami, 1655
Jak wszystkie martwe natury tamtych czasów, dzieła Kalfa miały wyrażać ikonograficzną ideę kruchości – „ Pamiętaj o śmierci” („pamiętaj o śmierci”), aby służyć jako ostrzeżenie, że wszystko, co żywe i nieożywione, jest ostatecznie przemijające.
Martwa natura z owocami i filiżanką nautilusa.1660g
Kalf był jednak kimś innym. Przez całe życie interesował się grą światła i efektami świetlnymi różne materiały, począwszy od faktury wełnianych dywanów, jasnego połysku metalowych przedmiotów ze złota, srebra czy cyny, miękkiego blasku porcelany i wielobarwnych muszli, a skończywszy na tajemniczym połysku brzegów najpiękniejszych szklanek i wazonów w stylu weneckim.
Martwa natura z chińską wazą.
Deser Pustelnia.
Przed przybyciem do Ermitażu w 1915 roku obraz „Deser” znajdował się w kolekcji słynnego rosyjskiego geografa i podróżnika P.P. Semenowa-Tyana-Szańskiego, wielkiego konesera i miłośnika sztuki holenderskiej i flamandzkiej.
Jasny promień światła wyciąga z półmroku misę z owocami, brzoskwinię na srebrnej tacy i zmięty biały obrus. Szklane i srebrne kielichy nadal odbijają światło, a cienki kieliszek fletowy wypełniony winem niemal wtapia się w tło.
Artystka umiejętnie oddała fakturę każdego przedmiotu: szkła, talerza pomalowanego fajansem, złoconego kielicha, orientalnego dywanu, śnieżnobiałej serwetki. Obraz ukazuje silny wpływ, jaki malarstwo Rembrandta wywarło na Cielę: przedmioty ukazane są na ciemnym tle, jasne światło jakby je ożywiał, otulając ciepłem złotych promieni.
Martwa natura z porcelanowym wazonem, pozłacanym dzbankiem i szklankami
Pronk Martwa natura z miską Holbein, filiżanką Nautilusa, szklanym kielichem i talerzem z owocami
Przemyślaną w najdrobniejszych szczegółach kompozycję martwych natur Kalfa wyznaczają nie tylko określone zasady, ale także wyjątkowy i złożony kierunek.Swieta.
Przedmioty wartościowe - fasetowane, często do połowy napełnione kielichy z winem, stopniowo, po chwili, wyłaniają się z ciemności tła. Często ich kształt można jedynie zaskakująco odgadnąć w odbiciu promieni światła. Nikomu poza Kalfem nie udało się tak realistycznie pokazać światła przenikającego przez skorupę łodzika. Kalf jest absolutnie słusznie nazywany „Wermeerem malarstwa martwej natury”, a w niektórych miejscach Kalf go przewyższył.
Od 1663 roku Kalf pisał mniej, zajął się handlem dziełami sztuki i stał się poszukiwanym znawcą sztuki.
Willem Kalf zmarł w wieku 74 lat po kontuzji spowodowanej upadkiem w drodze do domu z wizyty.
Dzięki swoim wyjątkowym zdolnościom wizualnym, w połączeniu z doskonałym wykształceniem i szeroką wiedzą nt nauki przyrodnicze znacznie rozszerzył iluzjonistyczne możliwości martwej natury. Jego dzieła są niedoścignionymi przykładami tej sztuki.