Malarstwo holenderskie powstał w pierwszych latach XVII wieku. Holenderska szkoła malarstwa była niezależną, wielką, niezależną szkołą o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.
Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne.
We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI w. można odnotować jedynie pojedyncze przebłyski geniuszu w malarstwie, jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący uczniem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość prawie nie wyróżnia się na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostercie, Skorelu i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.
Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różnych kierunków i ścieżek rozwoju malarstwa. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz bardziej swobodne stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności.
To dopiero początek, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów, wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku wielkich malarzy: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI wieku.
W rozwoju Malarstwo holenderskie to był krytyczny moment. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy.
Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniały poważne powody, dla których Flandria po raz drugi stała się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.
W 1609 roku rozstrzygnęły się losy Holandii, po zawarciu rozejmu (między Hiszpanią a Holandią) i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji, natychmiast nastąpiła cisza. To niesamowite, jak niespodziewanie i w jak krótkim czasie – nie więcej niż trzydzieści lat – na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.
Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to Jan van Goyen i Wijnants, urodzeni na przełomie wieków. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael. Następny jest Pieter de Hooch, Hobbema. Ostatnimi z wielkich byli van der Heyden i Adrian van de Velde w latach 1636 i 1637. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej. Trzeba było tworzyć sztukę dla narodu.
Malarstwo holenderskie, był i mógł być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Głównymi elementami holenderskiej szkoły malarstwa były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Szkoła holenderska rozwija się i działa od stulecia.
Malarze holenderscy znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia. Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiej koncentracji.
Dokładnie Malarstwo holenderskie daje najjaśniejsze pojęcie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.
Aby uzyskać pełniejszy obraz malarstwa holenderskiego, należałoby szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod i charakter palety. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę.
W wyrazisty sposób ilustrujący Malarstwo holenderskie, to obraz Adriana van Ostade'a z Muzeum w Amsterdamie „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna.
Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów.
Podwaliny pod holenderską szkołę malarstwa położyli na początku XVII wieku Jan van Goyen i Jan van Wijnants, ustanawiając pewne prawa malarstwa.

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju pokochał ten rodzaj sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy."

Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest mnóstwo, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborkh był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Zaskakującym jest zatem fakt, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Barok „mieszczański” w malarstwie niderlandzkimXVII V. – przedstawienie życia codziennego (P. de Hooch, Vermeer). „Luksusowe” martwe natury autorstwa Kalfa. Portret grupowy i jego cechy Halsa i Rembrandta. Interpretacja scen mitologicznych i biblijnych według Rembrandta.

Sztuka holenderska XVII wieku

W XVII wieku Holandia stała się modelowym krajem kapitalistycznym. Prowadziło rozległy handel kolonialny, posiadało potężną flotę, a przemysł stoczniowy był jedną z wiodących gałęzi przemysłu. Protestantyzm (kalwinizm jako jego najsurowsza forma), który całkowicie wyparł wpływy Kościoła katolickiego, doprowadził do tego, że duchowieństwo w Holandii nie miało takiego wpływu na sztukę jak we Flandrii, a zwłaszcza w Hiszpanii czy Włoszech. W Holandii kościół nie pełnił roli odbiorcy dzieł sztuki: kościołów nie dekorowano wizerunkami ołtarzowymi, gdyż kalwinizm odrzucał wszelkie oznaki luksusu; Kościoły protestanckie były proste w architekturze i nie były w żaden sposób dekorowane w środku.

Główne osiągnięcie sztuki holenderskiej XVIII wieku. - w malarstwie sztalugowym. Obiektem obserwacji i przedstawiania artystów holenderskich był człowiek i przyroda. Malarstwo domowe staje się jednym z wiodących gatunków, którego twórcy w historii otrzymali miano „Małych Holendrów”. Reprezentowane są także obrazy o tematyce ewangelicznej i biblijnej, ale nie w takim stopniu, jak w innych krajach. W Holandii nigdy nie było powiązań z Włochami, a sztuka klasyczna nie odgrywała takiej roli jak we Flandrii.

Opanowanie nurtów realistycznych, rozwinięcie pewnego zakresu tematów, różnicowanie gatunków jako jeden proces zakończyły się w latach 20. XVII wieku. Historia malarstwa holenderskiego XVII wieku. doskonale ukazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii, Fransa Halsa (ok. 1580-1666). W latach 10-30 Hals dużo pracował w gatunku portretów grupowych. Z płócien tych lat wychodzą ludzie pogodni, energiczni, przedsiębiorczy, pewni swoich umiejętności i przyszłości („Cech strzelecki św. Adriana”, 1627 i 1633;

„Cech Strzelców św. Jerzego”, 1627).

Portrety indywidualne Halsa badacze nazywają czasami portretami gatunkowymi ze względu na szczególną specyfikę obrazu. Szkicowy styl Hulse'a, jego odważne pismo, gdy pociągnięcie pędzla rzeźbi zarówno kształt, jak i objętość oraz oddaje kolor.

W portretach Halsa z późnego okresu (lata 50.-60.) zanika beztroska waleczność, energia i intensywność charakterów przedstawionych osób. Ale to właśnie w późnym okresie twórczości Hals osiągnął szczyt mistrzostwa i stworzył najgłębsze dzieła. Kolorystyka jego obrazów staje się niemal monochromatyczna. Na dwa lata przed śmiercią, w 1664 r., Hals ponownie powrócił do portretu zbiorowego. Maluje dwa portrety regentów i regentów domu opieki, w jednym z nich sam znalazł schronienie pod koniec życia. W portrecie regentów nie ma ducha koleżeństwa z poprzednich kompozycji, modele są rozdzieleni, bezsilni, mają tępe spojrzenia, na twarzach wypisany jest dewastację.

Twórczość Halsa miała w swoim czasie ogromne znaczenie, wpłynęła na rozwój nie tylko portretu, ale także gatunków codziennych, pejzaży i martwych natur.

Szczególnie interesujący jest gatunek krajobrazu XVII-wiecznej Holandii. Holandię przedstawiają Jan van Goyen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Rozkwit malarstwa pejzażowego w szkole holenderskiej datuje się na połowę XVII wieku. Największym mistrzem pejzażu realistycznego był Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), jego prace są zwykle pełne głębokiej dramatyzmu, niezależnie od tego, czy przedstawia leśne zarośla („Leśne bagna”), czy

pejzaże z wodospadami („Wodospad”) lub romantyczny pejzaż z cmentarzem („Cmentarz Żydowski”).

Natura Ruisdaela objawia się w dynamice, w wiecznej odnowie.

Gatunek zwierzęcy jest ściśle powiązany z krajobrazem holenderskim. Ulubionym motywem Alberta Cuypa są krowy przy wodopoju („Zachód słońca nad rzeką”, „Krowy na brzegu potoku”).

Martwa natura osiąga genialny rozwój. Martwa natura holenderska, w przeciwieństwie do flamandzkiej, to malarstwo o charakterze intymnym, skromnym pod względem wielkości i motywów. Pieter Claes (ok. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) najczęściej przedstawiali tzw. śniadania: dania z szynką lub pasztetem na stosunkowo skromnie podanym stole. „Śniadania” Khedy zastępują luksusowe „desery” Kalfa. Proste naczynia zastępują marmurowe stoły, dywanowe obrusy, srebrne kielichy, naczynia z muszli z masy perłowej i kryształowe kieliszki. Kalf osiąga niesamowitą wirtuozerię w przekazywaniu tekstury brzoskwiń, winogron i powierzchni kryształów.

W latach 20-30 XVII w. Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj malarstwa małych postaci. Lata 40. i 60. to okres rozkwitu malarstwa, wychwalającego spokojne, mieszczańskie życie Holandii, mierzone codziennością.

Adrian van Ostade (1610-1685) początkowo ukazuje mroczne strony życia chłopstwa („Walka”).

Od lat 40. w jego twórczości coraz częściej zastępowano nuty humorystyczne („W wiejskiej karczmie”, 1660).

Czasami te małe obrazy są zabarwione wielkim lirycznym wyczuciem. Za arcydzieło malarstwa Ostade’a słusznie uważa się „Malarz w pracowni” (1663), w którym artysta gloryfikuje pracę twórczą.

Ale głównym tematem „małego Holendra” nadal nie jest życie chłopskie, ale życie mieszczańskie. Zwykle są to obrazy bez fascynującej fabuły. Najzabawniejszym narratorem w tego typu filmach był Jan Stan (1626-1679) („Biesiadnicy”, „Gra w backgammona”). Jeszcze większe mistrzostwo osiągnął w tym Gerard Terborch (1617-1681).

Szczególnie poetyckie staje się wnętrze „małego Holendra”. Prawdziwym śpiewakiem tego tematu był Pieter de Hooch (1629-1689). Jego pokoje z uchylonym oknem, z przypadkowo rzuconymi butami lub pozostawioną miotłą, często są przedstawiane bez postaci ludzkiej.

Nowy etap malarstwa gatunkowego rozpoczyna się w latach 50. XX wieku i wiąże się z tzw. szkołą delftowską, z nazwiskami takich artystów jak Carel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermeer, znany w historii sztuki jako Wermeer z Delft (1632-1675). ). Obrazy Vermeera nie wydają się być w żaden sposób oryginalne. To te same obrazy zamarzniętego życia mieszczańskiego: czytanie listu, rozmowa mężczyzny z damą, pokojówki wykonujące proste prace domowe, widoki na Amsterdam czy Delft. Obrazy te są proste w działaniu: „Dziewczyna czytająca list”,

„Pan i pani przy szpinecie”

„Oficer i roześmiana dziewczyna” itp. - są pełne duchowej jasności, ciszy i spokoju.

Główne zalety Vermeera jako artysty polegają na transmisji światła i powietrza. Rozpuszczanie przedmiotów w środowisku światła i powietrza, umiejętność tworzenia tej iluzji, przede wszystkim przesądziły o uznaniu i sławie Vermeera właśnie w XIX wieku.

Vermeer zrobił coś, czego nie zrobił nikt w XVII wieku: malował pejzaże z życia („Ulica”, „Widok Delft”).

Można je nazwać pierwszymi przykładami malarstwa plenerowego.

Szczytem holenderskiego realizmu, będącym efektem malarskich osiągnięć kultury holenderskiej XVII wieku, jest dzieło Rembrandta. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) urodził się w Lejdzie. W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, co w naturalny sposób przyciągnęło młodego artystę. Lata 30. to czas jego największej świetności, do którego drogę malarzowi otworzyło duże zamówienie z 1632 roku – portret zbiorowy, zwany także „Anatomią doktora Tulpa” lub „Lekcją anatomii”.

W 1634 roku Rembrandt poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny, Saskię van Uylenborch. Rozpoczyna się najszczęśliwszy okres w jego życiu. Staje się znanym i modnym artystą.

Cały ten okres owiany jest romansem. Światopogląd Rembrandta na te lata najwyraźniej oddaje słynny „Autoportret z Saskią na kolanach” (około 1636 r.). Całe płótno przesiąknięte jest szczerą radością życia i radością.

Język baroku jest najbliższy wyrazowi wesołego nastroju. A Rembrandt w tym okresie pozostawał pod dużym wpływem włoskiego baroku.

Postacie z obrazu „Ofiara Abrahama” z 1635 roku ukazują się nam ze skomplikowanych perspektyw. Kompozycja jest bardzo dynamiczna, zbudowana według wszelkich zasad baroku.

W tych samych latach 30. Rembrandt po raz pierwszy zaczął poważnie zajmować się grafiką, przede wszystkim akwafortą. Ryciny Rembrandta podejmują głównie tematykę biblijną i ewangeliczną, jednak w swoich rysunkach, jako prawdziwy artysta holenderski, często sięga po ten gatunek. Na przełomie wczesnego okresu twórczości artysty i jego dojrzałości twórczej pojawia się przed nami jeden z jego najsłynniejszych obrazów, znany jako „Straż nocna” (1642) – portret zbiorowy kompanii strzeleckiej kapitana Banninga Cocka.

Rozszerzył zakres gatunku, przedstawiając raczej obraz historyczny: na sygnał alarmowy oddział Banning Cock wyrusza na kampanię. Niektórzy są spokojni i pewni siebie, inni podekscytowani oczekiwaniem na to, co ma nadejść, ale wszyscy noszą w sobie wyraz ogólnej energii, patriotycznego entuzjazmu i triumfu ducha obywatelskiego.

Portret zbiorowy namalowany przez Rembrandta rozwinął się w heroiczny obraz epoki i społeczeństwa.

Obraz był już na tyle ciemny, że uznano go za przedstawienie sceny nocnej, stąd jego błędna nazwa. Cień, jaki postać kapitana rzuca na lekkie ubranie porucznika, świadczy o tym, że to nie noc, ale dzień.

Wraz ze śmiercią Saskii w tym samym roku 1642 nastąpiło naturalne zerwanie Rembrandta z obcymi mu środowiskami patrycjuszowskimi.

Lata 40. i 50. to czas dojrzałości twórczej. W tym okresie często sięga do wcześniejszych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było chociażby w przypadku „Danae”, namalowanego już w 1636 roku. Zwracając się do obrazu w latach 40. artysta spotęgował swój stan emocjonalny.

Część centralną z bohaterką i służącą przepisał na nowo. Dając Danae nowy gest podniesionej ręki, przekazał jej wielkie wzruszenie, wyraz radości, nadziei, apelu.

W latach 40. i 50. mistrzostwo Rembrandta stale rosło. Do interpretacji wybiera najbardziej liryczne, poetyckie aspekty ludzkiej egzystencji, owego człowieczeństwa odwiecznego, ogólnoludzkiego: matczyną miłość, współczucie. Najwięcej materiału dostarcza mu Pismo Święte, a z niego sceny z życia Świętej Rodziny.Rembrandt przedstawia proste życie, zwykłych ludzi, jak na obrazie „Święta Rodzina”.

Ostatnie 16 lat to najtragiczniejsze lata w życiu Rembrandta; jest zrujnowany i nie ma rozkazów. Ale te lata były pełne niesamowitej aktywności twórczej, w wyniku której powstały malownicze obrazy, wyjątkowe w swoim monumentalnym charakterze i duchowości, dzieła głęboko filozoficzne. Nawet niewielkie dzieła Rembrandta z tych lat sprawiają wrażenie niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Kolor nabiera dźwięczności i intensywności. Jego kolory wydają się promieniować światłem. Portrety zmarłego Rembrandta bardzo różnią się od portretów z lat 30., a nawet 40. XX wieku. Są to niezwykle proste (półmetrowe lub pokoleniowe) wizerunki osób bliskich artyście w swojej wewnętrznej strukturze. Największą subtelność charakterystyki Rembrandt osiągnął w swoich autoportretach, z których dotarło do nas około stu. Ostatnim dziełem w historii portretów zbiorowych było przedstawienie przez Rembrandta starszyzny warsztatu sukienniczego – tzw. „Sindyków” (1662), gdzie przy skromnych środkach Rembrandt stworzył żywe, a jednocześnie odmienne typy ludzkie, ale co najważniejsze, potrafił przekazać poczucie duchowej jedności, wzajemnego zrozumienia i wzajemnych powiązań między ludźmi.

W okresie dojrzałości (głównie lata 50.) Rembrandt stworzył swoje najlepsze ryciny. Jako rytownik nie ma sobie równych w sztuce światowej. We wszystkich obrazy mają głębokie znaczenie filozoficzne; opowiadają o tajemnicach istnienia, o tragedii ludzkiego życia.

Dużo rysuje. Rembrandt pozostawił po sobie 2000 rysunków. Należą do nich szkice z życia, szkice do obrazów i przygotowania do rycin.

W ostatniej ćwierci XVII w. Rozpoczyna się upadek holenderskiej szkoły malarstwa, utrata jej tożsamości narodowej, a od początku XVIII wieku rozpoczyna się koniec wielkiej ery holenderskiego realizmu.

Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej warty bardziej szczegółowych badań, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy kulturolodzy nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do stylu „wielkiego” z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas prawdziwego rozkwitu lokalnej szkoły artystycznej. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto zauważyć, że w tym czasie zmieniły się ośrodki kultury. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.

Sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy koniecznie zacząć od życia codziennego – najbardziej żywego i oryginalnego w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsu zastosował jasne kolory, zamieniając codzienność w święto, natomiast de Hooch inspirował się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył nocne pejzaże i renderował światło księżyca, wschody i zachody słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Wykorzystując techniki Vermeera artyści przedstawiali sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i wolumenu.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy bałagan i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura z kuchni demokratycznej stała się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.

Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie najzdolniejsi artyści i malarze tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.

Najpierw XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali schlebiać holenderskim mieszczanom, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawione wzniosłego i poetyckiego języka, a także pracowali dla kościoła, który zlecał artystom pracę w dość prymitywnym gatunku z dawno wytartymi tematów, to początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen codziennych, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.

Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Do najsłynniejszych artystów Złotego Wieku należeli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.

Obrazy malarzy holenderskich

Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego

Cornelis Trost - Zabawa w parku

Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie

Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika

Rembrandt – Andries de Graef