I. Mashkov "Natura morta" (1930)

La parola "natura morta" con francese tradotto come “natura morta” (fr. natura morta).

A proposito di natura morta

Tutto ciò che non vive più, non respira, che è stato strappato, tagliato, ma continua a deliziare una persona con la sua esistenza: tutto questo è oggetto di una natura morta.

Come genere indipendente La pittura di natura morta iniziò ad esistere nel XVII secolo. nelle opere di artisti olandesi e fiamminghi. In precedenza era solo una decorazione e svolgeva una funzione utilitaristica.

Le prime nature morte spesso contenevano un'allegoria nascosta (allegoria), che si esprimeva attraverso oggetti di uso quotidiano dotati significato simbolico. A volte le nature morte raffiguravano un teschio, che avrebbe dovuto ricordare la caducità della vita e l'inevitabilità della morte.

Si chiamava la natura morta allegorica Vanità (lat. vanità, lett.: “vanità, vanità”). Il suo centro compositivo tradizionalmente un teschio umano.

Bartolomeo Brain il Vecchio (prima metà del XVI secolo). Vanità

“Vanità delle vanità”, dice l’Ecclesiaste, “vanità delle vanità, tutto è vanità!”

Willem Claes Heda. Vanità

Il teschio simboleggia la fragilità vita umana. Una pipa da fumo è un simbolo di fugace e sfuggente piaceri terreni. Il vetro simboleggia la fragilità della vita. Le chiavi sono il potere della casalinga che gestisce le sue provviste. Il coltello ci ricorda la vulnerabilità e la mortalità umana. Un foglio di carta solitamente con una frase moralizzante (spesso pessimistica). Per esempio:

Hodie mihi cras tibi: oggi per me, domani per te;

Memento mori - Memento mori;

Aeterne pungit cito volat et occidit - la gloria delle gesta eroiche si dissiperà allo stesso modo di un sogno;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - tutto è distrutto dalla morte, la morte è il confine ultimo di tutte le cose;

Nil omne: tutto è niente.

Ma più spesso, nelle nature morte, si può sentire l'ammirazione dell'artista per gli oggetti: utensili da cucina, fiori, frutta, articoli per la casa - tali dipinti sono stati acquistati dai clienti per decorare gli interni delle loro case.

Dalla metà del XVII secolo. natura morta dentro Pittura olandeseè diventato diffuso come genere indipendente. E una delle primissime a distinguersi fu la natura morta floreale, soprattutto nelle opere di Ambrosius Bosschaert il Vecchio e Balthasar van der Ast, per poi continuare il suo sviluppo nelle lussuose nature morte di Jan Davids de Heem nella seconda metà del il 17 ° secolo. La natura morta floreale è popolare anche tra gli artisti del nostro tempo.

L'argomento delle nature morte è ampio: si tratta delle già citate nature morte floreali, immagini di colazioni, tavole servite, nature morte scientifiche che raffiguravano libri e altri oggetti dell'attività umana, strumenti musicali e così via.

Diamo un'occhiata ad alcune delle nature morte più famose.

Willem Claes Heda (1594-1682) “Natura morta con prosciutto e argenteria” (1649)

Willem Claes Heda "Natura morta con prosciutto e argenteria" (1649)

In questa immagine è evidente l’abilità virtuosa dell’artista nel trasmettere oggetti ordinari e quotidiani. Kheda li raffigura in modo tale che è ovvio che lui stesso li ammira: si crea una sensazione di tangibilità di ciascuno degli oggetti.

Su un tavolino, coperto da una tovaglia ricca e pesante, vediamo un limone e ammiriamo la sua morbidezza ambrata, sentiamo l'aroma del prosciutto fresco e sentiamo il tintinnio dell'argento scintillante. La colazione è finita, quindi gli oggetti sul tavolo sono in naturale disordine.

L'argenteria significa ricchezza terrena, il prosciutto - gioie sensuali, il limone - bellezza esteriore, all'interno del quale è nascosta l'amarezza. Il quadro si conclude con una riflessione sul fatto che bisogna prendersi cura non solo del corpo, ma anche dell'anima.

La natura morta è disegnata in un unico tono grigio-marrone, caratteristico di tutta la pittura olandese dell'epoca. La tela non è solo bella, parla anche di ciò che è nascosto" vita tranquilla» oggetti visti dall'occhio attento dell'artista.

La natura morta si trova nel Museo statale di belle arti. A. S. Pushkin a Mosca.

Paul Cézanne (1830-1906) Pesche e pere (1895)

Paul Cézanne "Pesche e pere" (1895)

Paul Cézanne è stato il più grande artista francese della fine del XIX secolo. Avendo sperimentato l'influenza dell'impressionismo, Cézanne si oppose con il suo metodo. Si opponeva al loro desiderio di seguire nell'arte solo la loro impressione visiva: era per una trasmissione oggettiva della realtà basata su modelli presenti in natura. Voleva vedere non le sue qualità mutevoli, ma costanti. Cezanne disse: “Voglio restituire l’eternità alla natura”. L'artista ha condotto le sue ricerche creative attraverso la sintesi di forma e colore, forma e spazio. Questa ricerca è particolarmente evidente nelle sue nature morte.

Ciascuno degli oggetti di questa natura morta è raffigurato da un punto di vista diverso. Vediamo la tavola dall'alto, la tovaglia e la frutta di lato, la tavola dal basso e la brocca da diversi punti di vista contemporaneamente. Cezanne si sforza di mostrare nel modo più completo possibile la forma e il volume caratteristici delle pesche e delle pere. La sua tecnica si basa sulla legge ottica: i colori caldi (rosso, rosa, giallo, oro) ci sembrano sporgere, mentre i colori freddi (blu, azzurro, verde) sembrano recedere più in profondità nella tela.

La forma degli oggetti nelle nature morte di Cézanne non dipende dall'illuminazione casuale, ma diventa costante, inerente a ciascun oggetto. Pertanto, le nature morte di Cézanne sembrano monumentali.

Il dipinto si trova nel Museo statale di belle arti. A. S. Pushkin a Mosca.

Henri Matisse (1869-1954) "La tovaglia blu" (1909)

Henri Matisse "La tovaglia blu" (1909)

Famoso Artista francese Henri Matisse a arte straniera XX secolo occupa uno dei posti principali. Ma questo posto è speciale.

All'inizio del 20 ° secolo. Matisse divenne il capo del primo nuovo gruppo nella pittura europea, che fu chiamato Fauvismo(dal francese "selvaggio"). Una caratteristica di questa direzione era la libertà di utilizzare qualsiasi colore scelto arbitrariamente dall'artista e il desiderio di vivacità decorativa. Sembrava una sfida alle norme stabilite dell’arte ufficiale.

Ma dopo qualche tempo questo gruppo si sciolse e Matisse non apparteneva più a nessuna direzione, ma scelse la propria strada. Con la sua arte limpida e allegra, Matisse cercava di donare la pace anime tormentate persone nell’atmosfera emotiva del 20° secolo.

Nella natura morta “Tovaglia blu”, Matisse utilizza la sua tecnica compositiva preferita: il tessuto che scende dall’alto. La materia in primo piano sembra chiudere lo spazio della tela, rendendola superficiale. Lo spettatore ammira il gioco stravagante degli ornamenti blu sullo sfondo turchese della tovaglia e le linee degli oggetti della natura morta. L’artista ha generalizzato le forme della caffettiera dorata, della caraffa verde e delle mele rossastre nel vaso; hanno perso il loro volume e piccoli oggetti hanno obbedito al ritmo del tessuto; completano l’accento colorato dell’immagine.

La natura morta nella pittura russa

La natura morta come genere di pittura indipendente è apparsa in Russia nel inizio XVIII secolo, ma inizialmente era considerato un genere “inferiore”. Molto spesso veniva utilizzato come produzione educativa ed era accettato solo in senso limitato come pittura di fiori e frutti.

Ma all'inizio del XX secolo. La natura morta fiorì nella pittura russa e per la prima volta divenne un genere uguale. Gli artisti erano alla ricerca di nuove possibilità nel campo del colore, della forma e della composizione della natura morta. Tra i pittori russi di nature morte si può citare I.F. Krutsky, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko e altri.

Più famosa natura morta P. Konchalovsky è il suo “Lilla”.

P. Konchalovsky “Lilla” (1939)

P. Konchalovsky "Lilla" (1939)

P. Konchalovsky era un seguace di Cézanne nella pittura, cercava di esprimere la festività del colore caratteristica della Russia arte popolare, con l'aiuto del colore costruttivo di Paul Cézanne. L'artista divenne famoso proprio grazie alle sue nature morte, spesso eseguite in uno stile vicino al cubismo e al fauvismo.

La sua natura morta “Lilla” è piena di questo colore festoso, piacevole alla vista e all’immaginazione. Sembra che l'aroma primaverile del lillà si diffonda dalla tela.

Grappoli di lillà sono raffigurati in termini generali, ma memoria interiore ci racconta i contorni di ogni fiore del mazzo ed è per questo che il dipinto di Konchalovsky sembra realistico.

Il contemporaneo di Konchalovsky, I. Mashkov, non è stato meno generoso nel rappresentare la materialità del mondo e la tavolozza colorata.

I. Mashkov “Bacche sullo sfondo di un vassoio rosso” (1910)

Questa natura morta ha anche un tripudio di colori, la capacità di godersi ogni attimo che la vita regala, perché ogni attimo è bello.

Tutti gli oggetti della natura morta ci sono familiari, ma si sente che l'artista ammira la generosità della natura, la ricchezza del mondo circostante e ci invita a condividere con lui questa gioia.

V. Nesterenko “Il padre della patria” (1997)

V. Nesterenko “Il padre della patria” (1997)

Questa è una natura morta dell'artista contemporaneo V. Nesterenko. Il tema del dipinto è espresso nel titolo e il contenuto si rivela nella raffigurazione di oggetti di natura morta - simboli del potere imperiale di Pietro I. Sullo sfondo si trova il ritratto dell'imperatore scena di battaglia, di cui ce n'erano molti nella sua vita. Non ha senso raccontare di nuovo tutte quelle azioni per le quali Pietro I è chiamato il Padre della Patria. Puoi sentire opinioni diverse sulle attività del primo imperatore russo, ma in in questo caso l'artista esprime la sua opinione, e questa opinione è espressa in modo molto convincente.

La natura morta si trova al Cremlino, nel salone dei ricevimenti del Presidente della Federazione Russa.

Oggi ero ad una mostra al Museo Nazionale Ucraino di Arte Moderna.
Mi è piaciuto molto. Sto condividendo.

Victor Tolochko
1922-2006, Yalta
"Natura morta primaverile", 1985
olio, tela.

Victor Tolochko
"Natura morta con teiera bianca", 1993
olio, tela

/Nato a Melitopol, partecipante alla Seconda Guerra Mondiale, studiò a Kharkov. Diresse il Museo d'arte di Yalta, che a quel tempo occupava le sale del Palazzo Vorontsov. Poi si è trasferito a Donetsk. Negli anni del suo declino tornò in Crimea. Dipinse nature morte, paesaggi, ritratti. Artista popolare ucraino/.

Ibrahim Litinsky
1908-1958, Kiev
"Natura morta con peoni al pianoforte", 1958
olio, tela

/Litinsky Ibrahim Moiseevich (1908-1958) - Artista ucraino, ritrattista, maestro di manifesti politici e cinematografici. Si diplomò alla Scuola d'arte e industriale di Kiev, dopo di che studiò all'Istituto d'arte di Kiev nel dipartimento di teatro e cinema (1927-1928). Ritratti dipinti persone eccezionali- Stalin, Panas Saksagansky, Ivan Patorzhinsky, Natalia Uzhviy, Gnat Yura. Le opere dell'artista si trovano in diverse collezioni private/(Con)

Nina Dragomirova
1926
"Natura morta con verdure", 1971

/Artista, pittore ucraino. Laureato presso l'Università di Crimea dal nome. N.Samokisha (1952). Iscritto all'Unione Nazionale Artisti dal 1970. Maestro del paesaggio e della natura morta. Le opere si trovano in numerose collezioni private in Ucraina.(c)/

Sergej Shapovalov
1943, Kirovograd
"Natura morta". 1998
Olio, tela

/ Diplomato all'Istituto statale d'arte di Kiev. Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina. Artista onorato dell'Ucraina (2008). Una parte significativa delle opere dell’artista si trova in mostre d’arte itineranti nei Ministeri della Cultura e nei musei dell’Ucraina. Molte delle opere dell’artista si trovano in collezioni private. Ha partecipato a mostre commerciali all'estero ("New York. Inter-Expo 2002" (USA), "Russian House" a Berlino (Germania). Nel 2004 l'artista ha tenuto una mostra personale a Guadalajara (Spagna) (c)/.

Fedor Zakharov
1919-1994, Yalta
"Lilla", 1982
olio, tela

/Pittore eccezionale, maestro del paesaggio e della natura morta. Nato nel villaggio. Aleksandrovskoye, regione di Smolensk. Nel 1935 - 1941 studiò presso la Scuola d'Arte e Industriale che porta il suo nome. M. Kalinin a Mosca, nel 1943-1950 - presso l'Istituto d'arte di Mosca. V. Surikov con A. Lentulov, I. Chekmasov e G. Ryazhsky. Nel 1950 si trasferì a Simferopol, dove insegnò alla Scuola d'Arte. N. Samokisha. Nel 1953 si stabilì a Yalta. Artista onorato della SSR ucraina dal 1970, Artista popolare della SSR ucraina dal 1978.

Vincitore del Premio di Stato della SSR ucraina da cui prende il nome. T. Shevchenko (1987). Nello Stato si sono svolte mostre commemorative dell'artista Galleria Tretyakov(2003), a Simferopol (2004) e Kiev (2005). Le opere sono conservate nella Galleria Statale Tretyakov, nel Museo Nazionale d'Arte dell'Ucraina, nel Feodosia galleria d'arte loro. I. Aivazovsky, Simferopol, musei d'arte di Sebastopoli, ecc. (c)/

Sergej Duplij
1958, Kiev
"Phlox", 2003
olio, tela

/Nato nel 1958 nel villaggio di Sidorovka, nella regione di Cherkasy.
Il lavoro di I. Grabar, N. Glushchenko e F. Zakharov ha avuto una grande influenza sul suo sviluppo come artista.
Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 2000. Vive e lavora a Rzhishchev.(c)/

Valntina Tsvetkova
1917-2007, Yalta
"Fiori d'autunno", 1958
olio, tela

/Pittore ucraino e russo, maestro del paesaggio e della natura morta. Nato ad Astrachan', Russia. Si diplomò alla Astrakhan Art School nel 1935. Ha ricevuto ordini e medaglie. Artista popolare ucraino dal 1985. Ha vissuto e lavorato a Yalta.(c)/

Stepan Titko
1941-2008, Leopoli
"Natura morta", 1968
olio, tela

/Nato nel villaggio di Stilskoye, nella regione di Lviv.
Nel 1949 la famiglia dell’artista fu repressa ed esiliata Regione di Khabarovsk. Nel 1959, Stepan Titko si diplomò alla scuola ed entrò nel dipartimento di arte e grafica dell'Istituto statale di stampa di Khabarovsk e nel 1961 presso l'Istituto d'arte di Khabarovsk. Dal 1964 ha vissuto a Komsomolsk-on-Amur e ha lavorato come grafico presso l'Istituto di Cosmonautica. Nel 1966, insieme alla sua famiglia, l'artista tornò in Ucraina, si stabilì nella città di Novy Rozdol, nella regione di Lviv, e lavorò come insegnante d'arte in una scuola. Dal 1969 al 1971 Titko S.I. è in viaggio creativo verso Isola giapponese Sakyu.

Nel 1974 partecipa alla “Mostra dei bulldozer”. Fu accusato di formalismo e di atteggiamento filooccidentale nei confronti dell'arte.
Opere di Titko S.I. sono conservati in musei e collezioni private in Ucraina, Polonia, Germania, Francia, Stati Uniti e altri paesi.(c)/

Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
"Natura morta con tazza", 1970
cartone, olio

Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
"Melanzane e peperoni", 1965
tela su cartone, olio

/Artista onorato dell'Ucraina. Nato a Kiev.
Nel 1955 si diplomò alla Scuola d'Arte di Odessa intitolata a M.B. Grekov. Dal 1957 - partecipante repubblicano, di tutta l'Unione e straniero esibizione artistica. Membro dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1960.
Ha lavorato nella zona pittura da cavalletto. Autore di numerosi dipinti di genere, paesaggi, ritratti e nature morte.
Dal 1970 al 1974 - insegnante presso la Scuola d'Arte di Odessa.

Nel 1972 divenne vincitore del Premio di Stato della SSR ucraina. T. Shevchenko per i dipinti “Piazza Rossa” e “V. Io. Lenin." Nel 1974 gli è stato conferito il titolo di "Artista onorato della SSR ucraina".
Opere di K.V. Le opere di Filatov sono rappresentate in musei e collezioni private in Ucraina e all'estero. (Con)/

Pavel Miroshnichenko (mi piace molto questo lavoro!)
1920-2005, Sebastopoli
"Natura morta", 1992
olio, tela

/Artista onorato dell'Ucraina. Pittore paesaggista, maestro della natura morta. Nato a Belovodsk, nella regione di Lugansk.
Membro del Grande Guerra Patriottica. Ordini e medaglie assegnati.
Dal 1946 al 1951 studiò alla Scuola d'Arte di Crimea che porta il suo nome. NS Samokisha. Dal 1951, l'artista ha vissuto e lavorato a Sebastopoli.

Dal 1965 Miroshnichenko P.P. - Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina.
Le opere si trovano nel Museo d'arte di Sebastopoli. M. P. Kroshitsky e altri musei e collezioni private in Ucraina, Russia, Francia, Germania, Giappone, Stati Uniti, Polonia e Repubblica Ceca. Cinque paesaggi marini sono stati acquistati per il Museo d'Arte Russa in Giappone.(c)/

Gayane Atoyan
1959, Kiev
"Fiordalisi", 2001
olio, tela

/Nel 1983 si è diplomata all'Istituto statale d'arte di Kiev. Considera sua madre, un'artista, la sua insegnante principale. Tatiana Yablonskaya. Dal 1982 partecipa a mostre d'arte.
Nel 1986 è stata ammessa all'Unione degli Artisti dell'Ucraina.
Le opere di Gayane Atoyan si trovano nei musei d'arte di Kiev, Zaporozhye, Khmelnitsky, in collezioni private in Ucraina e all'estero.(c)/

Evgenij Egorov
1917-2005, Kharkov
"Rose", 1995
carta, pastello

/Lavorò al Kharkov Art and Industry Institute (ora KhSADI) dal 1949 al 2000. (dal 1972 al 1985 - rettore)/.

Sergej Shurov
1883-1961, Kiev
"Natura morta", anni '50
Carta, acquerello

Igor Kotkov
1961, Kiev
"Natura morta con fiori rossi" 1990
olio, tela

/Si è laureato alla Scuola d'Arte Repubblicana di Kiev, poi - Accademia d'arte a Kiev. Ha lavorato come scenografo presso lo studio cinematografico UkrAnimafilm, creando cartoni animati per adulti. A poco a poco l'artista ha sviluppato il proprio stile di scrittura, il proprio stile creativo. Ora la pittura lo è passatempo favorito e il lavoro della sua vita. Il suo arsenale creativo comprende diverse decine di opere in collezioni private in Ucraina, Russia, Germania, Gran Bretagna, Stati Uniti, Canada, due mostre personali a Kiev e partecipazione a numerose altre mostre.(c)/

Vladimir Mikita (classe!)
1931, Transcarpazia
"Natura morta di Hutsul", 2002
tela, tecnica mista

/Artista popolare ucraino.
Nato nel villaggio di Rakoshino, distretto di Mukachevo, regione della Transcarpazia. Nazionalità: Ruteno.
Nel 1947, dopo la nona elementare, superò gli esami alla Scuola di Uzhgorod arti applicate ed è stato accettato al 3 ° anno.
Dal 1951 al 1954 fu nelle file dell'esercito sovietico sull'isola di Sachalin. Dopo il servizio militare, è stato assunto dai Laboratori d'Arte e di Produzione del Fondo d'Arte Transcarpazia, dove ha lavorato fino al suo pensionamento nel 2001.

Nel 1962 fu ammesso all'Unione degli artisti dell'Ucraina. Nel 2005 - vincitore del Premio Nazionale dell'Ucraina. Taras Shevchenko.
Insignito dell'Ordine di Yaroslav il Saggio V e IV grado. Dal 2010 - Cittadino onorario di Uzhgorod.
Le opere dell'artista si trovano nelle collezioni dei Ministeri della Cultura di Ucraina e Russia, in vari musei d'arte, anche stranieri: Lituania, Slovacchia, Germania, Ungheria, Serbia, Venezuela e in collezioni private in tutto il mondo.(c)/

Anastasia Kaliuzhnaya(mi piace molto anche a me)
1984, Kerch
"Natura morta" 2006
olio, tela

/Anastasia Kalyuzhnaya si è laureata Accademia Nazionale di Belle Arti dell'Ucraina, Scuola d'arte Roman Serdyuk. La ricca esperienza della scuola di pittura ucraina è servita come base per lo sviluppo dell'artista. Ora lavora a Kerch in uno stile pittorico realistico. (c)/

Michail Roskin
1923-1998, Uzhgorod
"Vaso di cristallo con fiori", 1990
carta, pastello

/Nato a Nikopol, nella regione di Dnepropetrovsk. Ha ricevuto la formazione artistica e professionale presso l'omonimo Studio degli Artisti Militari. M. B. Grekova. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 1978 (c)/

Elena Yablonskaja
1918-2009, Kiev
"Tabacco profumato alla finestra", 1945
cartone, olio

/Sorella dell'artista Tatyana Yablonskaya. La moglie dell'eccezionale artista ucraino E.V. Volobuev.
Nel 1941 si laureò all'Istituto statale d'arte di Kiev. Nel 1945 le fu assegnata la medaglia "Per il valoroso lavoro nella Grande Guerra Patriottica del 1941-1945".
Membro dell'Unione degli artisti dell'URSS dal 1944.

Maestro di pittura da cavalletto e grafica di libri. Per vent'anni Elena Nilovna ha illustrato libri. Diverse generazioni di bambini sono cresciute grazie al suo lavoro. L'artista ha guidato e attività pedagogica- ha insegnato ad artisti grafici e scultori.
Nel 1977 gli è stato conferito il titolo di “Artista Onorato dell'Ucraina”.
Opere di E.N. Yablonskaya sono presentati nel Museo Nazionale d'Arte dell'Ucraina, in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina, Germania, Inghilterra, Stati Uniti e altri paesi.(c)/

Oksana Pilipčuk
1977, Kiev
"Natura morta", 2001
olio, tela

/Pilipchuk Oksana Dmitrievna - artista-pittore, membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina, insegnante presso l'Università nazionale di ingegneria civile e architettura di Kiev (dipartimento di disegno e pittura).
Le opere sono conservate in molti musei ucraini, nonché collezioni private in Ucraina, Bielorussia, Russia, Olanda, Stati Uniti, Giappone, Slovacchia, Repubblica Ceca, Polonia, Germania, Israele, Francia./

Evgenij Smirnov
1959, Sebastopoli
"Natura morta con pere verdi", 2000
olio, tela

/Nato a Rybinsk, regione di Yaroslavl, Russia. Dal 1975 al 1979 ha studiato al dipartimento di pittura della Saratov Art School. Bogolyubova. Dopo aver completato gli studi, Evgeny Smirnov si trasferisce a Sebastopoli.
Nel 1993 è entrato a far parte dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina. Dal 2005 - Artista onorato dell'Ucraina.
Le opere dell'artista si trovano nel Museo d'arte di Sebastopoli. M.P. Kroshitsky e in altri musei e collezioni private in Ucraina, Russia, Germania e altri paesi./

Vera Chursina
1949, Charkov
"Natura morta serale", 2005
olio, tela

/Grafico, pittore.
Nato nel villaggio. Borisovka, regione di Belgorod, Russia.
Nel 1972 si è laureata presso l'Istituto pedagogico statale di Oryol - dipartimento di arte e grafica.
Nel 1980 ha conseguito il diploma presso il Kharkov Art and Industry Institute, specializzandosi in grafica da cavalletto. Artista onorato dell'Ucraina, membro della filiale di Kharkov dell'Unione nazionale degli artisti ucraini, insegnante dell'Accademia statale di design e arti di Kharkov, professore del dipartimento di pittura.
Partecipa a mostre internazionali, panucraine e regionali.
Dal 1992 - membro dell'Unione economica dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina.(c)/

Vladimir Kuznetsov
1924-1998, Kharkov
"Natura morta", 1992
olio, cartone

/ Laureato al Kharkov Institute of Arts (1954), dove ha insegnato. Partecipante abituale mostre cittadine, regionali e zonali dal 1954. Le opere dell'artista si trovano in molti musei regionali, in collezioni private in Russia e all'estero./

Alexander Gromovoy
1958
"Natura morta", 2011
olio, tela

/Nato nel villaggio di Krasnopolye, nella regione di Nikolaev.
Nel 1987 si è laureato presso l'Università statale di Uzhgorod, nel 1993 presso il dipartimento di arte e grafica dell'Istituto pedagogico di Odessa intitolato a K.D. Ushinsky. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 1995./

Azat Safin
1961, Charkov
"Natura morta" 2003
olio, tela

Anna Fainermann
1922-1991, Kiev
"Natura morta con Rowan", 1966
cartone, olio

/Nato nel villaggio di Uspenskaya, distretto di Beloglinsky, regione di Krasnodar in Russia. Nel 1941 si laureò in arte Scuola superiore loro. T. G. Shevchenko. Dopo essersi laureata alla Facoltà di Giornalismo dell'Università degli Urali nel 1945, entrò all'Istituto d'Arte di Kiev, dove si laureò nel 1951.
Mentre studiava all'istituto, ha lavorato come impiegata letteraria e correttrice di bozze presso la casa editrice dell'Ucraina sovietica.
La moglie del famoso artista ucraino Rapoport Boris Naumovich.

Membro dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1955. Le opere sono conservate in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina e all'estero./

Adalberto Marton
1913-2005, Uzhgorod
Natura morta, 1969
carta, pass

/Pittore ucraino-ungherese. Maestro del paesaggio e della natura morta della Transcarpazia.
Nato a Clairton, negli Stati Uniti. Nel 1936 si diplomò alla scuola d'arte e industriale di Gablonc, in Cecoslovacchia.
Dal 1937 visse e lavorò a Uzhgorod. Dal 1957 ha partecipato a mostre regionali, repubblicane, di tutta l'Unione e internazionali. Le opere dell'artista si trovano in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina, Russia, Ungheria, Stati Uniti, Canada e Giappone. Nel 1972 l'artista si trasferì in Ungheria, dove morì nel 2005. (c)/

Alessandro Sheremet
1950, Kiev
"Natura morta", 2001
olio, tela

Konstantin-Vadim Ignatov
1934, Kiev
"Cerimonia del tè" 1972
tela a tempera

/Nato a Kharkov (Ucraina). Studiato a scuola d'arte città di Kiev, ha studiato anche al Kiev State Art Institute.
IN Tempo sovietico aveva la reputazione di illustratore eccezionale e ha lavorato per circa 30 anni presso la casa editrice Veselka, dove ha illustrato più di 100 libri. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina./

Lesia Pryimych
1968
"Santa Serata", 2013
olio, tela

/Nato a Uzhgorod, nella regione della Transcarpazia.
Laureato presso l'Istituto statale di applicazione e di Lviv arte decorativa(1992). Pittore. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti (2006)./

Andrej Zvezdov
1963-1996, Kiev
Natura morta con foglie d'autunno" 1991
olio, cartone

Karl Zvirinsky
1923-1997
"Natura morta", 1965

Zoya Orlova
1981, Kiev
Natura morta", 2004
cartone, tecnica mista

Oleg Omelchenko
1980
"Natura morta con orologio", 2010
olio, tela

Nikolay Kristopchuk
1934, Leopoli
"Natura morta del Kosovo", 1983
olio, tela

Boris Kolesnik
1927-1992, Kharkov
"Natura morta", 1970
cartone, olio

/Nato nel villaggio. Vilshany, regione di Kharkov.
Nel 1943-1949 studiò alla Scuola d'arte statale di Kharkov, nel 1949-1955. - presso l'Istituto statale d'arte di Kharkov.
Nel 1965 entra a far parte dell'Unione degli artisti della SSR ucraina.
L'autore di dipinti lirici di genere che rivelano la vita e le tradizioni del popolo ucraino.
Opere di Kolesnik B.A. sono conservati nel Museo d'Arte Russa di Kiev, nei musei d'arte di Kharkov e di altre città dell'Ucraina e dell'ex Unione Sovietica./

Konstantin Lomykin
1924-1993, Odessa
"Pere", 1980
cartone, pastello

/Pittore, grafico. Artista popolare ucraino.
Nato a Glukhov, nella regione di Sumy. Nel 1951 si diplomò alla Scuola d'Arte di Odessa. Membro dell'organizzazione di Odessa dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1953.
Autore dipinti tematici, opere di vita quotidiana, paesaggi e nature morte.
Artista onorato della SSR ucraina.
Le opere dell'artista si trovano nei musei d'arte dell'Ucraina, così come in collezioni private in Ucraina, Russia, Giappone, Francia, Grecia, Germania, Italia, Portogallo e altri paesi./

Aleksandr Khmelnitskij
1924-1998, Kharkov
"Natura morta con cappello rosso"
olio, tela

/Nato a Kharkov.
Ha partecipato alle ostilità durante la Grande Guerra Patriottica.
Dal 1947 al 1953 studiò all'Istituto statale d'arte di Kharkov, poi insegnò all'Istituto statale d'arte di Kharkov (Istituto d'arte e industriale di Kharkov), con1978 - professore
Nel 1956 fu accettato come membro dell'organizzazione Kharkov dell'Unione degli artisti ucraini e fu presidente della sezione di pittura.
Nel 1974, ha partecipato alla creazione del diorama “Forcing the Dnieper” in collaborazione con A. Konstantinopolsky, V. Mokrozhitsky, V. Parchevsky per il Museo della Grande Guerra Patriottica a Kiev.
Artista popolare ucraino. Dal 1997 è membro corrispondente dell'Accademia ucraina delle arti.
Le opere dell'artista si trovano in musei, gallerie, collezioni private in Ucraina e all'estero./

Vladimir Boguslavskij
1954, Leopoli
"Brocca di bronzo", 2005
olio, tela

Spero che ti sia piaciuto.
Grazie per l'attenzione!

Che strano dipinto è questo, la natura morta: ti fa ammirare una copia di quelle cose di cui non puoi ammirare l'originale.

Blaise Pascal

E davvero, hai mai guardato la frutta da tavolo della cucina? Beh... tranne quando avevi fame, giusto? Ed ecco una foto con composizione della frutta o un lussuoso mazzo di fiori da ammirare per ore. Questa è proprio la magia speciale della natura morta.

Tradotto dal francese, natura morta significa "natura morta"(natura morta). Tuttavia, questa è solo una traduzione letterale.

Infatti natura morta- questa è un'immagine di oggetti immobili e congelati (fiori, verdura, frutta, mobili, tappeti, ecc.). Le prime nature morte si trovano sugli affreschi dell'Antica Grecia e dell'Antica Roma.

Natura morta (affresco da Pompei) 63-79, Napoli, galleria Nazionale Capodimonte. Autore sconosciuto.

Quando un amico veniva a trovare un romano, la buona educazione richiedeva che il padrone di casa mostrasse il meglio della sua argenteria. Questa tradizione si riflette chiaramente nella natura morta della tomba di Vestorius Prisco a Pompei.

Al centro della composizione c'è un vaso per mescolare vino e acqua, l'incarnazione del dio della fertilità Dioniso-Libero. Su entrambi i lati del tavolo dorato sono disposti simmetricamente brocche, palette e corni da vino.

Tuttavia, una natura morta non è solo frutta, verdura e fiori, ma anche... un teschio umano, progettato per riflettere la transitorietà della vita umana. Questo è esattamente il modo in cui la natura morta è stata immaginata dai sostenitori del genere “Vanitas”, rappresentanti della fase iniziale dello sviluppo della natura morta.

Un esempio eccezionale è una natura morta allegorica Artista olandese Willem Claes Heda, dove accanto al teschio è raffigurata una pipa - un simbolo dell'inafferrabilità dei piaceri terreni, un vaso di vetro - un riflesso della fragilità della vita, le chiavi - un simbolo del potere di una casalinga che gestisce le provviste. Il coltello simboleggia la vulnerabilità della vita e il braciere, in cui i carboni ardenti sono appena accesi, significa la sua estinzione.

Vanità. Vanitas, 1628, Willem Claes Heda.

Willem Heda è giustamente chiamato "maestro della colazione" Con l'aiuto di un'interessante disposizione di cibo, stoviglie e utensili da cucina, l'artista ha trasmesso in modo sorprendentemente accurato l'atmosfera dei dipinti. E la sua abilità nel rappresentare i riflessi della luce sulle superfici perfettamente lisce di ciotole d'argento e calici di vetro stupì anche gli eminenti contemporanei dell'artista.

È incredibile con quanta precisione e delicatezza Kheda sia riuscita a trasmettere ogni piccolo dettaglio: i giochi di luce, le caratteristiche della forma, i colori degli oggetti. Tutti i dipinti dell’olandese contengono mistero, poesia e sincera ammirazione per il mondo degli oggetti.

Nature morte di artisti famosi

La natura morta era spesso affascinata artisti famosi. Riguarda i maestri del pennello e le loro straordinarie opere che ti racconterò dopo.

Pablo Picasso è l'artista più costoso del mondo

Unico e inimitabile: questo è ciò che chiamano eccezionale Artista spagnolo XX secolo Pablo Picasso. Ogni opera dell'autore è un tandem di design originale e genio.

Natura morta con mazzo di fiori, 1908

Natura morta con lampadine, 1908

Oltre al realistico tradizionalmente perfetto, pieno di colori chiari e luminosi, o alle cupe nature morte realizzate nei toni del grigio-bluastro, Picasso amava cubismo. L'artista ha disposto oggetti o personaggi nei suoi dipinti in piccole forme geometriche.

E sebbene i critici d’arte non abbiano riconosciuto il cubismo di Picasso, ora le sue opere si vendono bene e sono di proprietà dei collezionisti più ricchi del mondo.

Chitarra e spartiti, 1918

L'eccentrico Vincent Van Gogh

Insieme alla famosa Notte stellata, la serie di dipinti con i girasoli è diventata un simbolo unico dell'opera di Van Gogh. L'artista intendeva decorare la sua casa di Arles con dei girasoli in occasione dell'arrivo del suo amico Paul Gauguin.

“Il cielo è di un azzurro delizioso. I raggi del sole sono di colore giallo pallido. Questa è una combinazione morbida e magica dei toni dell'azzurro cielo e del giallo dei dipinti di Vermeer di Delft... Non posso dipingere qualcosa di così bello...”- disse Van Gogh in tono condannato. Forse è per questo che l'artista ha dipinto innumerevoli volte i girasoli.

Vaso con 12 girasoli, 1889

L'amore infelice, la povertà e la mancata accettazione del suo lavoro spingono l'artista ad azioni folli e mettono a repentaglio in modo significativo la sua salute. Ma della pittura artista di talento insistentemente ha scritto: “Anche se cado novantanove volte, mi rialzerò comunque la centesima volta.”

Natura morta con papaveri e margherite rosse. Auvers, giugno 1890.

Iris. Saint-Rémy, maggio 1890

Nature morte onnicomprensive di Paul Cézanne

“Voglio restituire l’eternità alla natura”- amava ripetere il grande artista francese Paul Cezanne. L'artista ha raffigurato non un gioco casuale di luci e ombre, non mutevole, ma caratteristiche costanti elementi.

Cercando di mostrare gli oggetti da tutti i lati, li descrive in modo tale che lo spettatore ammira la natura morta, come da diverse angolazioni. Vediamo il tavolo dall'alto, la tovaglia e la frutta di lato, la scatola nel tavolo dal basso e la brocca da diversi lati contemporaneamente.

Pesche e pere, 1895

Natura morta con ciliegie e pesche, 1883-1887.

Nature morte di artisti contemporanei

La tavolozza di colori e un'ampia varietà di sfumature consentono ai maestri della natura morta di oggi di ottenere un realismo e una bellezza incredibili. Vuoi ammirare gli impressionanti dipinti di contemporanei di talento?

Il britannico Cecil Kennedy

È impossibile distogliere lo sguardo dai dipinti di questo artista: le sue forme sono così incantevoli! Mmmm... penso di poter già sentire il profumo di questi fiori incredibilmente belli. E tu?

Cecil Kennedy è giustamente considerato l'artista britannico più eccezionale del nostro tempo. Proprietario di diversi premi prestigiosi e il favorito di molti “potenti”, Kennedy divenne tuttavia famoso solo quando aveva ben più di 40 anni.

L'artista belga Julian Stappers

Le informazioni sulla vita dell'artista belga Julian Stappers sono scarse, lo stesso non si può dire dei suoi dipinti. Le allegre nature morte dell'artista sono nelle collezioni delle persone più ricche del mondo.

Gregory Van Raalte

L'artista americano contemporaneo Gregory Van Raalte presta particolare attenzione al gioco di luci e ombre. L'artista è convinto che la luce non debba cadere direttamente, ma attraverso la foresta, le foglie degli alberi, i petali dei fiori o riflessa dalla superficie dell'acqua.

L'artista di talento vive a New York. Ama dipingere nature morte utilizzando la tecnica dell'acquerello.

L'artista iraniano Ali Akbar Sadeghi

Ali Akbar Sadeghi è uno degli artisti iraniani di maggior successo. Nelle sue opere combina abilmente le composizioni dei dipinti tradizionali iraniani, i miti culturali persiani con l'iconografia e l'arte del vetro colorato.

Nature morte di artisti ucraini contemporanei

Qualunque cosa tu dica, i maestri del pennello ucraini hanno la loro visione unica della natura morta di Sua Maestà. E ora te lo dimostrerò.

Sergej Shapovalov

I dipinti di Sergei Shapovalov sono colorati coniglietti soleggiati. Ciascuno dei suoi capolavori è pieno di luce, bontà e amore per terra natia. L'artista è nato nel villaggio di Ingulo-Kamenka, distretto di Novgorodkovsky, regione di Kirovograd.

Sergei Shapovalov è un artista onorato dell'Ucraina, membro dell'Unione nazionale degli artisti.

Igor Derkachev

L'artista ucraino Igor Derkachev è nato nel 1945 a Dnepropetrovsk, dove vive tuttora. Per venticinque anni ha frequentato lo studio d'arte della Casa della Cultura per Studenti da cui prende il nome. Yu Gagarin, prima come studente e poi come insegnante.

I dipinti dell’artista sono pieni di calore, amore per le tradizioni autoctone e i doni della natura. Questo calore speciale viene trasmesso attraverso i dipinti dell'autore a tutti gli appassionati del suo lavoro.

Victor Dovbenko

Secondo l'autore le sue nature morte sono uno specchio dei propri sentimenti e stati d'animo. Nei mazzi di rose, nei mazzi di fiordalisi, astri e dalie, nelle immagini “fragranti” della foresta: un aroma estivo unico e doni inestimabili della ricca natura dell'Ucraina.

La natura morta è un genere che ha acquisito importanza nell'arte occidentale verso la fine del XVI secolo e da allora è rimasto un genere importante. I dipinti di natura morta sono classificati in base alla raffigurazione di oggetti comuni, che possono essere naturali, come fiori, frutti, ecc., o artificiali, come occhiali, strumenti musicali, ecc. Di seguito è riportato un elenco dei 10 dipinti di natura morta più famosi da artisti famosi tra cui Chardin, Paul Cezanne, Van Gogh e Giorgio Morandi.

N. 10 Serie di nature morte, artista Tom Wesselman

Il movimento pop art è emerso negli anni '50 e utilizza immagini riconoscibili della cultura popolare. Tra i più opere popolari la pop art è una serie di nature morte di Tom Wesselmann. Le sue nature morte raffigurano elementi del mondo moderno piuttosto che frutta e verdura generazione precedente artisti di questo genere. Quest'opera (Still Life #30) è una combinazione di pittura, scultura e un collage di marchi che Tom ha visto per strada.

N. 9 Vanitas con violino e sfera di vetro

Artista: Pietro Claës

Passiamo alla fase finale di questa serie di post sul genere still life. Sarà dedicato al lavoro di artisti russi.

Cominciamo con Fyodor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Grafica still life di F.P. Tolstoj, il famoso scultore, medaglista, disegnatore e pittore russo, è probabilmente la parte più eccezionale e preziosa della sua patrimonio creativo, sebbene l'artista stesso abbia affermato di aver creato queste opere "nel tempo libero da studi seri".

La proprietà principale dei disegni di nature morte di Tolstoj è la loro natura illusoria. L'artista ha copiato attentamente la natura. Ci ha provato, secondo lui a parole mie, "per trasmettere con assoluta chiarezza dalla vita alla carta il fiore copiato così com'è, con tutti i più piccoli dettagli appartenenti a questo fiore." Per ingannare lo spettatore, Tolstoj utilizzava tecniche illusionistiche come l'immagine di gocce di rugiada o di carta traslucida che ricopriva il disegno e aiutava a ingannare l'occhio.

Anche Ilya Efimofich Repin (1844-1930) si rivolse più di una volta a motivi di natura morta come i fiori. Tali opere includono il dipinto “ Mazzo d'autunno" (1892, Galleria Tretyakov, Mosca), dove l'artista dipinge con uguale attenzione paesaggio autunnale, una giovane donna in piedi su uno sfondo di alberi dorati e con un modesto mazzo di fiori gialli e bianchi tra le mani.

I. Repin. Mazzo d'autunno. Ritratto di Vera Repina. 1892, Galleria Tretyakov

La storia del dipinto “Mele e foglie” è alquanto insolita. La natura morta, che unisce frutti e foglie, è stata allestita per lo studente di Repin, V.A. Serova. All'insegnante è piaciuta così tanto la composizione dell'oggetto che ha deciso di dipingere lui stesso una natura morta del genere. Fiori e frutti hanno attirato molti artisti, che hanno preferito, tra le altre cose, quelli che rappresentavano il mondo naturale in modo più poetico e bello. Anche in. Kramskoy, che disdegnava questo genere, ha reso omaggio anche alla natura morta, creando lo spettacolare dipinto “Mazzo di fiori. Flox” (1884, Galleria Tretyakov, Mosca).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) è noto alla maggior parte di noi come un artista che ha prestato attenzione nel suo lavoro al paesaggio, al ritratto e pittura storica. Tuttavia, va notato che il soggetto nella sua opera ha sempre avuto un ruolo importante e spesso occupava la stessa posizione paritaria degli altri elementi della composizione. Un po 'più in alto, ho già menzionato il suo lavoro studentesco "Apples on Leaves", 1879, completato sotto la direzione di Repin. Se confrontiamo quest’opera con l’opera scritta da Repin sullo stesso argomento, possiamo vedere che la natura morta di Serov è più simile a uno studio rispetto al dipinto del suo insegnante. L'artista alle prime armi ha utilizzato un punto di vista basso, quindi il primo e il secondo piano sono combinati e lo sfondo è ridotto.

Il dipinto “La ragazza con le pesche”, noto a tutti fin dall’infanzia, va oltre il genere del ritratto e non è un caso che si chiami “Ragazza con le pesche” e non “Ritratto di Vera Mamontova”. Possiamo vedere che le caratteristiche del ritratto, dell'interno e della natura morta sono combinate qui. L'artista presta uguale attenzione all'immagine di una ragazza con una camicetta rosa e pochi ma abilmente raggruppati oggetti. Su una tovaglia bianca giacciono morbide pesche gialle, foglie di acero e un coltello lucente. Anche altre cose sullo sfondo sono dipinte con amore: sedie, un grande piatto di porcellana che decora il muro, una statuina di un soldatino, un candelabro sul davanzale della finestra. La luce del sole che entra dalla finestra e proietta riflessi luminosi sugli oggetti conferisce all'immagine un fascino poetico.

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) ha scritto: “E ancora una volta mi colpisce, no, non è così, ma sento quell'intima nota nazionale che desidero tanto catturare sulla tela e nell'ornamento. Questa è la musica di una persona intera, non smembrata dalle distrazioni dell’Occidente ordinato, differenziato e pallido”.

All’Accademia delle arti, l’insegnante preferito di Vrubel era Pavel Chistyakov, che insegnò al giovane pittore a “disegnare con la forma” e sostenne che le forme tridimensionali non dovrebbero essere create nello spazio con ombre e contorni, ma dovrebbero essere costruite con linee. Grazie a lui, Vrubel ha imparato non solo a mostrare la natura, ma a condurre con lei una conversazione intima, quasi amorevole. La meravigliosa natura morta del maestro “Rose Hip” (1884) è stata realizzata in questo spirito.

Sullo sfondo di squisiti panneggi con motivi floreali, l'artista ha collocato un elegante vaso rotondo dipinto con motivi orientali. Il delicato fiore bianco della rosa canina, ombreggiato dal tessuto blu-verde, risalta chiaramente e le foglie della pianta quasi si fondono con il collo nero debolmente luccicante del vaso. Questa composizione è piena di fascino e freschezza inesprimibili, a cui lo spettatore semplicemente non può fare a meno di soccombere.

G.N. raggiunse una grande abilità nel creare nature morte “false”. Teplov e T. Ulyanov. Molto spesso raffiguravano un muro di assi su cui venivano disegnati nodi e venature del legno. Vari oggetti erano appesi alle pareti o infilati dietro nastri inchiodati: forbici, pettini, lettere, libri, quaderni di musica. Sugli stretti scaffali trovano posto orologi, calamai, bottiglie, candelieri, piatti e altri piccoli oggetti. Sembra che un tale insieme di elementi sia completamente casuale, ma in realtà questo è tutt'altro che vero. Guardando queste nature morte, si può intuire gli interessi degli artisti che suonavano musica, leggevano e si interessavano all'arte. I maestri hanno raffigurato con amore e diligenza le cose a loro care. Questi dipinti toccano con la loro sincerità e spontaneità della percezione della natura.

Anche Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) dedicò gran parte del suo lavoro al genere della natura morta. Sulle sue tele allegre puoi vedere tessuti di raso luminosi, scintillanti samovar di rame, lo splendore di terracotta e porcellana, fette rosse di anguria, grappoli d'uva, mele e deliziosi cupcakes. Uno dei suoi dipinti meravigliosiè "La moglie del mercante al tè", 1918. Impossibile non ammirare il luminoso splendore degli oggetti riportati sulla tela. Un samovar scintillante, polpa di angurie rosso vivo, mele lucide e uva trasparente, un vaso di vetro con marmellata, una zuccheriera dorata e una tazza in piedi davanti alla moglie del commerciante: tutte queste cose aggiungono un'atmosfera festosa all'immagine.

Nel genere della natura morta grande attenzione era dedicato alle cosiddette “nature morte truccate”. Molte nature morte “trucco”, nonostante il loro compito principale fosse quello di fuorviare lo spettatore, hanno indubbi meriti artistici, particolarmente evidenti nei musei, dove, appese alle pareti, tali composizioni, ovviamente, non possono ingannare il pubblico. Ma qui ci sono delle eccezioni. Ad esempio, “Natura morta con libri”, realizzata da P.G. Bogomolov, è inserito in un'illusoria “libreria”, e i visitatori non si rendono subito conto che si tratta solo di un dipinto.

Molto bello "Natura morta con pappagallo" (1737) di G.N. Teplova. Con l'aiuto di linee chiare e precise che si trasformano in contorni morbidi e levigati, ombre chiare e trasparenti e sottili sfumature di colore, l'artista mostra una varietà di oggetti appesi a una parete di assi. Il legno è reso magistralmente, le sue sfumature bluastre, rosa, giallastre contribuiscono a creare una sensazione quasi reale del profumo fresco del legno appena piallato.

Le “false” nature morte russe del XVIII secolo indicano che gli artisti non sono ancora abbastanza abili nel trasmettere spazio e volumi. È più importante per loro mostrare la trama degli oggetti, come se fossero trasferiti sulla tela dalla realtà. A differenza delle nature morte olandesi, dove le cose assorbite dall'ambiente luminoso sono raffigurate in unità con esso, nei dipinti dei maestri russi, gli oggetti dipinti con molta attenzione, anche meticolosamente, vivono come se stessi, indipendentemente dallo spazio circostante.

IN inizio XIX secolo, un ruolo importante nell'ulteriore sviluppo della natura morta fu svolto dalla scuola di A.G. Venetsianov, che si oppose alla rigida distinzione dei generi e cercò di insegnare ai suoi studenti una visione olistica della natura.

A.G. Venetsianov. Aia, 1821-23

La scuola veneziana ha aperto un nuovo genere per l'arte russa: l'interior design. Gli artisti hanno mostrato vari ambienti di una casa nobile: soggiorni, camere da letto, uffici, cucine, aule, stanze della servitù, ecc. In queste opere, un posto importante è stato dato alla raffigurazione di vari oggetti, sebbene la natura morta in sé non interessasse quasi nulla ai rappresentanti della cerchia di Venetsianov (in ogni caso, sono sopravvissute pochissime nature morte eseguite dagli studenti del famoso pittore). Tuttavia, Venetsianov ha invitato i suoi studenti a studiare attentamente non solo i volti e le figure delle persone, ma anche le cose che li circondano.

Un oggetto nel dipinto di Venetsianov non è un accessorio, è indissolubilmente legato al resto dei dettagli del quadro ed è spesso la chiave per comprendere l’immagine. Ad esempio, una funzione simile è svolta dalle falci nel dipinto “I mietitori” (seconda metà degli anni venti dell’Ottocento, Museo Russo, San Pietroburgo). Le cose nell'arte veneziana sembrano essere coinvolte in modo piacevole e una vita serena caratteri.

Sebbene Venetsianov, con ogni probabilità, non abbia dipinto lui stesso le nature morte, ha incluso questo genere nel suo sistema di insegnamento. L’artista ha scritto: “ Le cose inanimate non sono soggette a quei vari cambiamenti che sono caratteristici degli oggetti animati; stanno, stanno sull'attenti, immobili davanti a un artista inesperto e gli danno il tempo di approfondire con maggiore precisione e giudizio, di scrutare il rapporto di uno parte all'altro, sia nelle linee che nelle luci e ombre con il colore stesso, che dipendono dallo spazio occupato dagli oggetti”.

Naturalmente, la natura morta ha avuto un ruolo importante nel sistema pedagogico dell'Accademia delle arti nel XVIII secolo. XIX secolo x (nelle classi gli studenti facevano copie di nature morte di maestri olandesi), ma fu Venetsianov, che incoraggiò i giovani artisti a rivolgersi alla natura, a introdurre nel suo curriculum del primo anno una natura morta composta da cose come figure in gesso, piatti, candelieri, nastri multicolori, frutta e fiori. Venetsianov ha selezionato oggetti per nature morte educative in modo che fossero interessanti per i pittori principianti, comprensibili nella forma e belli nei colori.

Nei dipinti creati dai talentuosi studenti di Venetsianov, le cose vengono trasmesse in modo sincero e fresco. Queste sono le nature morte di K. Zelentsov, P.E. Kornilov. Nell'opera degli artisti veneziani ci sono anche opere che nella loro essenza non sono nature morte, ma, tuttavia, il ruolo delle cose in esse è enorme. Puoi citare, ad esempio, i dipinti “Ufficio in Ostrovki” e “Riflesso nello specchio” di G.V. Gazze conservate nella collezione del Museo Russo di San Pietroburgo.

G.V. Gazza. "Ufficio a Ostrovki." Frammento, 1844, Museo Russo, San Pietroburgo

Le nature morte in queste opere non appaiono indipendentemente, ma come parti dell'interno disposte in modo univoco dal maestro, corrispondenti alla struttura compositiva ed emotiva generale del dipinto. L'elemento di collegamento principale qui è la luce, che si sposta dolcemente da un oggetto all'altro. Guardando le tele, capisci quanto sia interessante il mondo intorno all'artista, che ha raffigurato con amore ogni oggetto, ogni più piccola cosa.

La natura morta presentata nell'“Ufficio a Ostrovki”, sebbene occupi un piccolo posto nella composizione complessiva, sembra insolitamente significativa, evidenziata dal fatto che l'autore l'ha recintata dal resto dello spazio con un alto schienale del divano e taglialo a sinistra e a destra con una cornice. Sembra che Soroka fosse così affascinato dagli oggetti sul tavolo che quasi si dimenticò degli altri dettagli dell'immagine. Il maestro scrisse attentamente tutto: una penna d'oca, una matita, un compasso, un goniometro, un temperino, un abaco, fogli di carta, una candela in un candeliere. Il punto di vista dall'alto permette di vedere tutte le cose, senza che nessuna di esse blocchi l'altra. Attributi come un teschio, un orologio, nonché simboli della “vanità terrena” (una statuetta, delle carte, un pallottoliere) consentono ad alcuni ricercatori di classificare la natura morta come un tipo vanitas, sebbene tale coincidenza sia puramente casuale; molto probabilmente, il servo artista approfittò di ciò che giaceva sul tavolo del suo padrone.

Un famoso maestro delle composizioni di oggetti della prima metà del XIX secolo fu l'artista I.F. Krutsky, che ne scrisse molti bellissimi dipinti nello spirito degli olandesi natura morta XVII secolo. Tra le sue opere migliori ricordiamo “Fiori e frutti” (1836, Galleria Tretyakov, Mosca), “Ritratto di moglie con fiori e frutti” (1838, Museo d'arte della Bielorussia, Minsk), “Natura morta” (1839, Museo della Accademia delle Arti, San Pietroburgo).

Nella prima metà del 19 ° secolo in Russia, la “natura morta botanica”, da cui ci è arrivata Europa occidentale. In Francia in questo periodo furono pubblicate opere di botanici. bellissime illustrazioni. Grande popolarità in molti paesi europei ricevuto dall'artista P.Zh. Redoute, considerato “il più famoso pittore di fiori del suo tempo”. Il “disegno botanico” fu un fenomeno significativo non solo per la scienza, ma anche per l’arte e la cultura. Tali disegni venivano presentati come regali e album decorati, che li mettevano così alla pari con altre opere di pittura e grafica.

Nella seconda metà dell'Ottocento P.A. prestò grande attenzione alla raffigurazione degli oggetti. Fedotov. Anche se in realtà non dipinse nature morte, il mondo delle cose che creò delizia con la sua bellezza e veridicità.

Gli oggetti nelle opere di Fedotov sono inseparabili dalla vita delle persone, prendono parte direttamente agli eventi drammatici rappresentati dall'artista.

Guardando il dipinto “Fresh Cavalier” (“Mattina dopo la festa”, 1846), rimani stupito dall'abbondanza di oggetti dipinti con cura dal maestro. Una vera natura morta, sorprendente nel suo laconicismo, è presentata nel famoso dipinto di Fedotov "The Major's Matchmaking" (1848). Il bicchiere viene reso in modo tangibile e realistico: bicchieri da vino con steli alti, una bottiglia, un decanter. Il più sottile e trasparente, sembra emettere un dolce suono cristallino.

Fedotov P.A. Il matchmaking del Maggiore. 1848-1849. Galleria Tretyakov

Fedotov non separa gli oggetti dall'interno, quindi le cose vengono mostrate non solo in modo autentico, ma anche con una sottigliezza pittoresca. Ogni oggetto ordinario o poco attraente che prende posto nello spazio comune sembra sorprendente e bello.

Sebbene Fedotov non abbia dipinto nature morte, ha mostrato un indubbio interesse per questo genere. Il suo istinto gli diceva come disporre questo o quell'oggetto, da quale punto di vista presentarlo, quali cose sarebbero apparse accanto a lui non solo logicamente, ma anche espressivamente.

Il mondo delle cose, che aiuta a mostrare la vita umana in tutte le sue manifestazioni, conferisce alle opere di Fedotov una musicalità speciale. Tali sono i dipinti “Ancora, un’altra ancora” (1851-1852), “Vedova” (1852) e molti altri.

Nella seconda metà del XIX secolo, il genere della natura morta praticamente cessò di interessare gli artisti, sebbene molti pittori di genere includessero volentieri elementi di natura morta nelle loro composizioni. Le cose acquisiscono grande importanza nei dipinti di V.G. Perova ("Tea Party a Mytishchi", 1862, Galleria Tretyakov, Mosca), L.I. Solomatkina ("Città degli schiavisti", 1846, Stato Museo storico, Mosca).

Le nature morte sono presentate in scene di genere da A.L. Yushanova ("Addio al capo", 1864), M.K. Klodt (“Il musicista malato”, 1855), V.I. Jacobi (“Il venditore ambulante”, 1858), A.I. Korzukhina ("Prima della confessione", 1877; "Nell'hotel del monastero", 1882), K.E. Makovsky (“Alekseich”, 1882). Tutti questi dipinti sono ora conservati nella collezione della Galleria Tretyakov.

K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galleria Tretyakov, Mosca

Negli anni 1870-1880, la vita quotidiana rimase il genere principale della pittura russa, sebbene anche il paesaggio e il ritratto occupassero un posto importante. Ruolo enorme per ulteriori sviluppi L'arte russa è stata interpretata dai Peredvizhniki, che hanno cercato di mostrare la verità della vita nelle loro opere. Gli artisti iniziarono ad attribuire grande importanza al lavoro dal vero e quindi si dedicarono sempre più al paesaggio e alla natura morta, sebbene molti di loro considerassero quest'ultima una perdita di tempo, una passione insignificante per la forma priva di contenuto interno. Quindi, I.N. Kramskoy menzionò il famoso pittore francese, che non trascurò le nature morte, in una lettera a V.M. Vasnetsov: “Non lo farà persona talentuosa dedicare tempo a raffigurare, ad esempio, bacini, pesci, ecc. Questo è positivo per le persone che hanno già tutto, ma abbiamo molto da fare.

Tuttavia, molti artisti russi che non dipingevano nature morte le ammiravano guardando i dipinti dei maestri occidentali. Ad esempio, V.D. Polenov, che era in Francia, scrisse a I.N. Kramskoy: “Guarda come vanno le cose qui come un orologio, ognuno lavora a modo suo, nelle direzioni più diverse, come preferisce, e tutto questo viene valutato e pagato. Per noi ciò che conta di più è ciò che viene fatto, ma qui è come viene fatto. Per esempio, per una bacinella di rame con due pesci pagano ventimila franchi, e in più considerano questo ramaio il primo pittore, e forse non senza ragione.

Dopo aver visitato la mostra a Parigi nel 1883, V.I. Surikov ammirava paesaggi, nature morte e dipinti di fiori. Ha scritto: “I pesci di Gibert sono buoni. La melma di pesce è resa magistralmente, in modo colorato, mescolando tono su tono”. C'è nella sua lettera a P.M. Tretyakov e queste parole: “E i pesci di Gilbert sono un vero miracolo. Bene, puoi davvero prenderlo in mano, è scritto fino all'inganno.

Sia Polenov che Surikov potrebbero diventare eccellenti maestri della natura morta, come dimostrano gli oggetti magistralmente dipinti nelle loro composizioni ("Sick" di Polenov, "Menshikov in Berezov" di Surikov).