Stilizzazione degli scacchi natura morta. Masterclass con foto
Elena Alekseevna Nadeenskaya, insegnante arti visive Istituto scolastico municipale "Scuola secondaria Arsenyevskaya", villaggio di Arsenyevo, regione di Tula.Descrizione: il materiale interesserà insegnanti di belle arti, educatori, educatori istruzione aggiuntiva, bambini creativi di 10-12 anni.
Scopo: utilizzo nelle lezioni di belle arti, l'opera può servire come decorazione d'interni, un grande regalo o un oggetto da esposizione.
Bersaglio: esecuzione di una natura morta utilizzando la divisione dell'immagine in parti (celle)
Compiti:
-introdurre una varietà di tecniche per la rappresentazione decorativa della natura morta;
- sviluppare un senso di composizione, immaginazione, sviluppare capacità creative;
- migliorare le capacità di lavorare con la tempera; un esercizio sulla capacità di lavorare con pennelli di varie dimensioni a seconda del compito,
- coltivare l'interesse per le basi dell'alfabetizzazione visiva.
- coltivare l'accuratezza e l'amore per le belle arti.
Materiali:
-tempera nera (puoi usare il mascara)
-spazzole N. 2, N. 5
-matita
-governate
-gomma per cancellare
- foglio A3
Natura mortaè un genere di belle arti dedicato alla raffigurazione di oggetti per la casa, frutta, verdura, fiori, ecc.
Come genere indipendente, la natura morta è stata sviluppata nel XVII secolo. nella creatività Artisti olandesi. E al giorno d'oggi il genere è abbastanza diffuso artisti contemporanei e designer. Insieme a un'immagine realistica, spesso puoi imbatterti nel concetto di "natura morta decorativa".
La natura morta decorativa è caratterizzata da una rappresentazione convenzionale e semplificata di forme e stilizzazione.
Molto grande attenzione viene data combinazione di colori, colore – combinazione di colori utilizzata nella composizione. L'uso di colori contrastanti è comune. La combinazione di contrasto più armoniosa è il rapporto tra bianco e nero. Questa combinazione viene utilizzata attivamente nella grafica, nell'abbigliamento, nell'interior design, ecc.
Oggi proveremo a creare la nostra composizione di natura morta utilizzando una combinazione di bianco e nero, ma al colore aggiungeremo anche il concetto di dividere un piano in parti: celle. Ricordiamo la disposizione dei quadrati colorati su una scacchiera; notiamo che i campi dello stesso colore non sono mai uniti da un lato comune; si toccano solo in un punto. Cercheremo di utilizzare questa funzione quando lavoriamo sulla composizione della natura morta.
Progresso
1. Dopo aver riflettuto sulla composizione, scegli la posizione del foglio. Descriviamo la posizione degli oggetti. Se lavori con questa tecnica per la prima volta, cerca di non complicare la composizione sovrapponendo la forma di un oggetto a un'altra.
2. Delinea il design degli oggetti linee spezzate. Poiché la natura morta sarà decorativa, non è necessario sforzarsi di trasmettere volume, sarà sufficiente una costruzione planare.
3. Chiariamo i contorni della forma degli oggetti. Di più linee morbide Delineamo i contorni di un vaso, una tazza, disegniamo steli di fiori, frutti. Rimozione delle linee di costruzione.
4. Delineamo le ombre cadenti. Dividiamo il piano del foglio in celle di uguale dimensione utilizzando un righello. La dimensione ottimale della cella per un foglio orizzontale (A4) è di 3 cm; se il foglio è più grande (A3), è possibile aumentare la lunghezza del lato della cella a 5 cm. Se non si ha esperienza in tale natura morta immagine, cerca di non complicare l'attività riducendo la dimensione delle celle.
5. Iniziamo a dipingere le celle con tempera nera. Cerchiamo di utilizzare vernice densa in modo che lo strato di vernice sia sufficientemente denso e uniforme. Se la forma degli oggetti rientra nella gabbia, la lasciamo non verniciata. È meglio iniziare a lavorare dalle cellule esterne, spostandosi gradualmente verso il centro della composizione.
6. Procediamo a dipingere le celle al centro della composizione, senza andare oltre i contorni degli oggetti.
7. Dopo aver completato la colorazione dello sfondo, iniziamo a colorare le parti degli oggetti che cadono sulle celle bianche.
8. Continuando a lavorare sulla colorazione dei singoli elementi, ci stiamo avvicinando al completamento dell'opera. Chiariamo le linee della forma degli oggetti, correggiamo le imprecisioni e i contorni sciatti delle celle.
Il lavoro è pronto.
Grazie per l'attenzione! Auguro a tutti voi un successo creativo!
È possibile disegnare una natura morta in bianco e nero diversi modi. Può sembrare uno schizzo a matita standard o un'interessante illustrazione di punti o lettere. Oggi parleremo di tecniche diverse che può essere facilmente ripetuto a casa.
Modello con macchie
La natura morta in bianco e nero è spesso resa decorativa. Perché? Sì, perché sembra così vantaggioso. Immagine realistica, privo di colore, può sembrare appropriato se si tratta di un ritratto, un'illustrazione o qualcosa di simile, multi-dettagliato. Una natura morta realistica non è molto interessante da guardare. Ecco perché molti artisti preferiscono le opere decorative. Una natura morta in bianco e nero è molto semplice da disegnare. Per prima cosa devi costruire una composizione. Puoi disegnare dalla vita, il che sarà più semplice, oppure puoi inventare un'ambientazione nella tua immaginazione. Nel nostro caso sul tavolo c'è una brocca e una ciotola di mele. Un fiocco e un drappeggio sono appesi al muro. Quando sul foglio è stato trovato il posto adatto per tutto questo e sono stati elaborati i dettagli, si può procedere alla divisione degli oggetti in parti. Inoltre, questo dovrebbe essere fatto non in modo caotico, ma chiaramente pensato in modo che le parti bianche siano adiacenti a quelle nere e non vada perso un solo oggetto.
Linea di disegno
È possibile disegnare la natura morta in bianco e nero varie tecniche. Uno di questi è la rappresentazione di un disegno utilizzando le linee. Per disegnare un'immagine del genere, devi prendere oggetti con una trama chiaramente definita. Se così non fosse, bisognerà inventare lo sgravio. Devi iniziare a disegnare una natura morta in bianco e nero costruendo una composizione. Per prima cosa descriviamo tutti gli oggetti. Nel nostro caso si tratta di una tazza con fiori, mele e un tavolo di legno. Dopo che tutti gli oggetti hanno preso il loro posto, iniziamo a elaborare la forma e poi i dettagli. L'azione finale è l'immagine della texture. La tazza acquisisce strisce orizzontali, fiori e mele: un bordo tagliato. È imperativo mostrare la trama del tavolo. Si consiglia di combinare orizzontale e linee verticali in modo che gli oggetti non si fondano, ma risaltano favorevolmente l'uno contro l'altro.
Disegno di lettere
Questa immagine sarà simile grafica in bianco e nero. La natura morta è composta da lettere che si trasformano dolcemente in parole e persino in frasi. Come disegnare una composizione decorativa così originale? Per prima cosa dovresti disegnare uno schizzo. Delinea la tazza e il giornale che giaceranno sullo sfondo. Successivamente, è necessario dividere il disegno in toni. Ad esempio, il caffè in una tazza dovrebbe avere il tono più saturo, il secondo posto è occupato dall'ombra che cade e il terzo posto è occupato dalla propria. In questo modo puoi dividere l'intero schizzo con linee. Dopodiché, se sei sicuro delle tue capacità, puoi dipingere sul disegno con una penna gel e, se sei preoccupato che qualcosa non funzioni, esegui prima la pittura di fondo delle lettere con una matita. Tuttavia, in questo caso dovrai delineare le lettere con l'inchiostro. Penna gel disegna male con una matita. Le lettere dovrebbero essere posizionate in base alla forma degli oggetti. E devi assolutamente giocare con altezza e larghezza. Una parola può essere molto stretta, mentre un'altra è due o tre volte più grande. Puoi crittografare alcune frasi in un'immagine del genere oppure puoi scrivere parole arbitrarie.
La parola "natura morta" deriva dalla frase francese "nature morte" e significa natura mortificata o morta. Ma mi sembra che l'essenza di questo tipo di arte trasmetta meglio Espressione inglese"natura morta" - "vita immobile e congelata". Dopotutto, nella sua essenza, una natura morta non è altro che un pezzo di vita catturato.
Durante la raccolta del materiale per questo articolo, ho incontrato alcune difficoltà. A prima vista, fotografare una natura morta è facile come sgusciare le pere. Ho messo una tazza sul tavolo, ho aggiunto alcuni dettagli, ho impostato la luce e ho fatto clic sull'otturatore. I modelli sono sempre a portata di mano, tempo illimitato per le riprese. Costi convenienti e minimi. Ecco perché i fotografi alle prime armi adorano questo genere. E alcuni addirittura ottengono molto risultati interessanti. Vai su qualsiasi sito di fotografia, seleziona la sezione appropriata e ammira le immagini davvero meravigliose. Ma il tempo passa e molte persone si chiedono: "Perché filmare questo? Chi ne ha bisogno? Cosa otterrò da questo?" Non trovando risposte a queste domande, molti passano alla fotografia di matrimoni, bambini o animali, che forniscono un certo reddito. La natura morta non è particolarmente rispettata dai maestri della fotografia. Questa non è un'attività redditizia. Se c’è qualcosa che può portare, è solo la soddisfazione estetica. E di tanto in tanto scattano still life, per così dire, per affinare le loro capacità.
Ma restano alcuni che vedono in una natura morta qualcosa di più che semplice bella immagine. È a questi maestri della natura morta che dedico il mio articolo.
Lo ammetto, all'inizio volevo fare una selezione dei lavori di fotografi che mi piacciono e che occupano di diritto i primi posti nelle classifiche su vari siti di foto. E poi è sorta la domanda: "perché?" Tutti sanno come usare Internet, la maggior parte ha studiato almeno una volta i siti di foto i migliori lavori hanno familiarità e le informazioni sul fotografo a cui sono interessati possono sempre essere trovate utilizzando un motore di ricerca. Ho deciso di parlare dei Fotografi Speciali: coloro il cui lavoro capovolge i canoni riconosciuti, che hanno davvero portato qualcosa di nuovo nella fotografia still life, che sono riusciti a vedere qualcosa di straordinario nelle cose ordinarie. Puoi trattare la loro creatività in modo diverso: ammirarla o, al contrario, non accettarla. Ma sicuramente il loro lavoro non può lasciare nessuno indifferente.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), una fotografa statunitense, ha scelto un soggetto per le riprese: un libro. Trasformandolo, crea incredibili sculture di libri, che fotografa. Puoi guardare le sue fotografie all'infinito. Dopotutto, sono tutti così scultura di libri ha un certo significato ed è ambiguo.
2. Guido Mocafico
Il fotografo svizzero Guido Mocafico (1962) non si limita ad un soggetto nel suo lavoro. È interessato a diversi oggetti.
Ma anche prendendo un solo soggetto, ottiene lavori straordinari. Famosa la sua serie “Movement”. Sembra che i meccanismi dell'orologio siano semplicemente presi, ma ognuno, se guardi da vicino, ha il suo carattere.
Nelle nature morte, come è noto, " natura inanimata". Nella sua serie "Serpenti" Guido Mocafico ha infranto questa regola e ha ripreso il soggetto della natura morta Essere vivente. I serpenti rannicchiati in una palla creano un'immagine straordinaria, luminosa e unica.
Ma il fotografo realizza anche nature morte tradizionali, riprendendole all’interno Stile olandese e utilizzando veramente "oggetti inanimati" come oggetti di scena.
3. Carl Kleiner
Il fotografo svedese Karl Kleiner (1983) utilizza gli oggetti più comuni per le sue nature morte, organizzandoli in immagini stravaganti. Le fotografie di Karl Kleiner sono colorate, grafiche e sperimentali. La sua immaginazione è illimitata, usa assolutamente materiali diversi, dalla carta alle uova. Tutto, come si suol dire, va a lavorare.
4. Carlo Grogg
Le nature morte dell'americano Charles Grogg sono realizzate in bianco e nero. Il fotografo usa anche l'ordinario articoli casalinghi disponibile in ogni casa. Ma sperimentando la loro disposizione e combinazione combinazioni insolite, il fotografo crea immagini davvero fantastiche.
5. Chema Madoz
Sono sicuro che i lavori di Chema Madoz (1958), fotografo spagnolo, siano familiari a molti. Il suo nature morte in bianco e nero, realizzati in uno stile surreale, non lasciano nessuno indifferente. La prospettiva unica del fotografo sulle cose ordinarie è sorprendente. Le opere di Madosa sono piene non solo di umorismo, ma anche di profondo significato filosofico.
Il fotografo stesso afferma che le sue fotografie sono state scattate senza alcuna elaborazione digitale.
6. Martin Climas
Non c'è Photoshop nemmeno nelle opere di Martin Klimas (1971), un fotografo tedesco. Solo un tempo di posa breve, anzi brevissimo. La sua tecnica appositamente sviluppata ti consente di catturare un momento unico che l'occhio umano non può nemmeno vedere. Martin Klimas scatta le sue nature morte nella completa oscurità. Utilizzando un dispositivo speciale, il flash viene attivato per una frazione di secondo nel momento in cui l'oggetto viene rotto. E la telecamera cattura il Miracolo. Qui ci sono solo vasi con fiori!
7. Giovanni Cervinskij
L'americano John Czerwinski (1961) è uno scienziato che opera nel campo della fisica applicata. E le sue nature morte sono una sorta di mix di scienza e arte. Qui non capirai: né una natura morta né tutorial nella fisica. Nella realizzazione delle sue nature morte, John Czerwinski utilizza le leggi della fisica, ottenendo risultati incredibilmente interessanti.
8. Daniele Gordon
Daniel Gordon (1980), fotografo americano, non si preoccupa delle questioni scientifiche. Quando fotografava le nature morte, ha scelto una strada diversa. Stampa immagini a colori scaricate da Internet, accartoccia questi pezzi di carta e poi li avvolge vari articoli. Si scopre qualcosa del genere sculture di carta. Luminoso, bello, originale.
9. Andrew B. Myers
Le nature morte di Andrew Myers (1987), fotografo canadese, non possono essere confuse con nessun altro: sono sempre riconoscibili. Uno sfondo semplice, gentile, calmo, molto spazio vuoto, che crea la sensazione che l'immagine sia piena di luce e aria. Molto spesso utilizza oggetti degli anni '70 e '80 per creare nature morte. Le sue opere sono grafiche, eleganti ed evocano una certa nostalgia.
10. Regina De Luise
Per realizzare le sue opere, Regina DeLuise (1959), fotografa statunitense, non utilizza attrezzature fotografiche reflex. Ha scelto un metodo diverso: stampa i negativi dalla pellicola su una speciale carta di straccio. Suo immagini poetiche contengono una vasta gamma di toni e molte trame. Le nature morte sono molto tenere e poetiche. Incredibile gioco di luci e ombre.
11. Bohchang Koo
Bohchang Ku (1953), fotografo di Corea del Sud, preferisce Colore bianco. Le nature morte che ha creato - bianco su bianco - sono semplicemente fantastiche. Non sono solo belli, ma portano anche un certo significato: la conservazione dell'antico Cultura coreana. Dopotutto, il fotografo viaggia appositamente per il mondo, alla ricerca di oggetti nei musei eredità culturale del tuo paese.
12. Chen Wei
Chen Wei (1980), fotografo cinese, trova invece ispirazione per il suo lavoro vicino a casa. Caratterizzato da spazi, scene e oggetti strani, utilizza oggetti di scena che altri hanno gettato nelle discariche.
13. Alessandro Laviada
Alejandra Laviada, una fotografa messicana, utilizza per le sue fotografie edifici distrutti e abbandonati, creando nature morte con oggetti trovati lì. Le sue nature morte raccontano storie vere sulle persone che vivevano in questi edifici e usavano le cose lasciate come inutili.
Una natura morta in bianco e nero può essere dipinta in vari modi. Può sembrare uno schizzo a matita standard o un'interessante illustrazione di punti o lettere. Oggi parleremo di diverse tecniche che potrete ripetere facilmente a casa.
Modello con macchie
La natura morta in bianco e nero è spesso resa decorativa. Perché? Sì, perché sembra così vantaggioso. Un'immagine realistica, priva di colori, può sembrare appropriata se si tratta di un ritratto, un'illustrazione o qualcosa di simile con molti dettagli. Una natura morta realistica non è molto interessante da guardare. Ecco perché molti artisti preferiscono le opere decorative. Una natura morta in bianco e nero è molto semplice da disegnare. Per prima cosa devi costruire una composizione. Puoi disegnare dalla vita, il che sarà più semplice, oppure puoi inventare un'ambientazione nella tua immaginazione. Nel nostro caso sul tavolo c'è una brocca e una ciotola di mele. Un fiocco e un drappeggio sono appesi al muro. Quando sul foglio è stato trovato il posto adatto per tutto questo e sono stati elaborati i dettagli, si può procedere alla divisione degli oggetti in parti. Inoltre, questo dovrebbe essere fatto non in modo caotico, ma chiaramente pensato in modo che le parti bianche siano adiacenti a quelle nere e non vada perso un solo oggetto.
Linea di disegno
Una natura morta in bianco e nero può essere dipinta utilizzando varie tecniche. Uno di questi è la rappresentazione di un disegno utilizzando le linee. Per disegnare un'immagine del genere, devi prendere oggetti con una trama chiaramente definita. Se così non fosse, bisognerà inventare lo sgravio. Devi iniziare a disegnare una natura morta in bianco e nero costruendo una composizione. Per prima cosa descriviamo tutti gli oggetti. Nel nostro caso si tratta di una tazza con fiori, mele e un tavolo di legno. Dopo che tutti gli oggetti hanno preso il loro posto, iniziamo a elaborare la forma e poi i dettagli. L'azione finale è l'immagine della texture. La tazza acquisisce strisce orizzontali, fiori e mele: un bordo tagliato. È imperativo mostrare la trama del tavolo. Si consiglia di combinare linee orizzontali e verticali in una natura morta in modo che gli oggetti non si fondano, ma risaltano l'uno contro l'altro.
Video sull'argomento
Disegno di lettere
Questa immagine apparirà come grafica in bianco e nero. La natura morta è composta da lettere che si trasformano dolcemente in parole e persino in frasi. Come disegnare una composizione decorativa così originale? Per prima cosa dovresti disegnare uno schizzo. Delinea la tazza e il giornale che giaceranno sullo sfondo. Successivamente, è necessario dividere il disegno in toni. Ad esempio, il caffè in una tazza dovrebbe avere il tono più saturo, il secondo posto è occupato dall'ombra che cade e il terzo posto è occupato dalla propria. In questo modo puoi dividere l'intero schizzo con linee. Dopodiché, se sei sicuro delle tue capacità, puoi dipingere sul disegno con una penna gel e, se sei preoccupato che qualcosa non funzioni, esegui prima la pittura di fondo delle lettere con una matita. Tuttavia, in questo caso dovrai delineare le lettere con l'inchiostro. Una penna gel non disegna bene su una matita. Le lettere dovrebbero essere posizionate in base alla forma degli oggetti. E devi assolutamente giocare con altezza e larghezza. Una parola può essere molto stretta, mentre un'altra è due o tre volte più grande. Puoi crittografare alcune frasi in un'immagine del genere oppure puoi scrivere parole arbitrarie.
Fonte: fb.ru
Attuale
Varie
Varie
Nel programma per bambini scuola d'arte La disciplina "Disegno" è considerata fondamentale. Disegniamo molto e seriamente. Si tratta principalmente di lavori sulla natura morta: dalla prima elementare all'ultima, disegnare una natura morta è la forma principale di insegnamento. E, di conseguenza, gli studenti si stancano a causa delle lunghe sessioni accademiche e perdono interesse per la disciplina. Per attivare la creatività processo cognitivo, già dalla prima elementare comincio a introdurre compiti per l'elaborazione di still life utilizzando la tecnica della grafica in bianco e nero. E poiché in prima elementare la divisione in disegno e composizione è molto condizionale, anche i compiti sulla composizione hanno un orientamento grafico e aiutano gli studenti a comprendere le leggi e i principi di questa tecnica. Con ogni anno di studio, il grado di complessità dei compiti diventa più complesso, compaiono variabilità, libertà di scelta e preferenze individuali degli studenti. Ma i principi fondamentali immagine grafica- il ritmo delle macchie bianche e nere, l'espressività della linea e della silhouette, l'integrità e la generalizzazione rimangono e si affinano nel tempo fino all'automatismo. La padronanza della tecnica della grafica in bianco e nero aiuta il bambino a organizzare con competenza la composizione (che si tratti di un dipinto o di un disegno, di un cavalletto o di una composizione decorativa) e a raggiungere l'espressività immagine artistica in generale e leggibilità delle caratteristiche dei singoli articoli. Ecco perché tutti a scuola incarichi didattici iniziare con lo sviluppo di una versione in bianco e nero dello schizzo, la base per un ulteriore lavoro di successo.
Cos'è la grafica? La grafica è un tipo di arte che include il disegno e tipi stampati opere d'arte, basati sull'arte del disegno, ma con i propri mezzi visivi e capacità espressive. Il termine “grafica” deriva dal verbo greco grapho – scrivo, disegno, disegno ed era originariamente utilizzato solo in relazione alla scrittura e alla calligrafia, ma tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. in connessione con lo sviluppo della produzione di stampa, ha ricevuto un nuovo significato. La grafica è stata definita come un'arte basata sulla linea e sul contrasto tra un'immagine nera e un foglio bianco. Come principale arti visive Oltre alla linea di contorno, la grafica utilizza un punto, un tratto e una macchia. Esistono undici opzioni per combinare gli elementi grafici:
linea e punto;
linea e tratto;
punto e linea;
punto e tratto;
macchia e ictus;
punto e punto;
punto, linea e macchia;
punto, linea e tratto;
macchia, punto e tratto;
linea, punto e tratto;
punto, linea, macchia e tratto;
Possedere un set del genere mezzi espressivi grafica, gli studenti hanno opportunità illimitate espressione creativa di sé. Ma molto spesso i bambini lavorano in una versione grafica lineare o spot.
La grafica lineare è la più comprensibile per un bambino; gli studenti la adorano soprattutto classi giovanili. È anche il più decorativo, poiché la varietà di linee in combinazione con numerose trame consente di creare composizioni individuali basate sulla natura morta.
La line art è strettamente correlata al trasferimento di volume e trama degli oggetti raffigurati. Ai pre-studenti viene affidato il compito di inventare trame diverse e nel lavoro grafico devono essere diverse mezzi tecnici essere in grado di trasmettere le trame di legno, vetro, pelliccia, foglie, ecc. Naturalmente, a seconda dell'età degli studenti, il grado di condizionalità delle fatture dovrebbe variare. Le attività di line art vengono eseguite con inchiostro, penna o penna gel.
La grafica spot è la più rigorosa, integrale e generalizzata; lavorando con questa tecnica, il bambino svolge un'enorme quantità di lavoro analitico nel trasformare lo spazio tridimensionale in spazio bidimensionale, nell'identificare le caratteristiche planari degli oggetti e l'espressività delle loro sagome. La difficoltà di eseguire la grafica spot sta nel fatto che in una natura morta un bambino vede non solo luci e ombre, ma anche una massa di mezzitoni, che deve consapevolmente generalizzare verso punti bianchi o neri. Successivamente gli spot vengono organizzati in un unico gruppo, in cui l'attenzione si concentra sulla natura dei loro rapporti spaziali e di peso. Nelle mie lezioni ripeto costantemente che all'interno del foglio è necessario monitorare i rapporti di peso del bianco e nero e il ritmo degli elementi alternati in bianco e nero - il cosiddetto “principio del domino”. È nella grafica spot che gli studenti sono meno impegnati a disegnare dal vero, ma lavorano sulla selezione consapevole di elementi non necessari, sulla selezione dei punti in base al peso e al carattere, alla struttura della composizione, che certamente, in un modo o nell'altro, porta ad una percezione generalizzata dell’ambiente e ad una costruzione olistica composizione grafica. Il termine “selezione” dovrebbe correre come un filo rosso in tutto il lavoro sulla versione grafica della natura morta.
Il prossimo tipo di elaborazione grafica della natura morta è la grafica in tre toni: nero, bianco e grigio. Inoltre, il grigio può essere un colore semplice e può essere sostituito con qualsiasi trama (ad esempio, pennello asciutto). Questa tecnica è considerata più complessa e aggiunge varietà processo educativo e permette di allontanarsi dalla bidimensionalità dello spazio e del volume.
Impegnandosi nell'elaborazione grafica della natura morta, oltre ai metodi di rappresentazione, gli studenti sviluppano anche il pensiero creativo legato al trasferimento dello spazio. Lo spazio può essere lineare-arioso o semantico. Compiti prospettiva lineare-aerea vengono risolti durante lo svolgimento delle prestazioni accademiche educative, e gli studenti creano da soli lo spazio semantico: lavorano con il formato e la scala dell'immagine, evidenziano centro compositivo, costruire piani semantici piuttosto che spaziali.
Affidarsi al tuo esperienza di insegnamento, Ho notato che la grafica delle nature morte è molto attraente per gli studenti delle scuole d'arte; sono felici di impegnarsi in qualsiasi tipo di elaborazione grafica. Le convenzioni del linguaggio grafico, la sua espressività, laconicismo e decoratività li aiutano nella realizzazione idee creative non solo nel disegno, ma anche nella composizione e nella pittura decorativa.
Il grado di convenzionalità e piattezza dell'immagine ha diversi livelli di complessità:
1. Motivo tonale con una macchia.
2. Disegno tonale con un tratto con trasferimento di luci, ombre e texture.
3. Motivo tonale con una macchia che enfatizza il contorno.
4. Disegno al tratto: tratteggiato, punteggiato, continuo.
5. Motivo bianco e nero a contrasto.
6. Disegno di silhouette con vari gradi di sviluppo del volume.
Questa classificazione è abbastanza concisa, ma fornisce una chiara comprensione della sequenza del lavoro dal disegno volumetrico-spaziale alla stilizzazione della silhouette. Le convenzioni del linguaggio grafico, la sua espressività, laconicismo e decoratività aiutano gli studenti delle scuole d'arte a realizzare idee creative non solo nel disegno, ma anche nella composizione.