Il pesce nell'arte del XVII secolo. Natura morta nell'Olanda del XVII secolo

Elena Konkova è una brillante rappresentante del moderno élite intellettuale, che lo Spirito del tempo (o, se preferite, Zeitgeist) veste di forme glamour, senza dimenticare il contenuto interiore.

In questo film parlerà degli aspetti mistici Pittura europea, rivelerà il significato segreto criptato negli attributi spaventosi, divertenti e semplicemente insoliti delle nature morte olandesi e inviterà con garbo tutti a iniziare a collezionare questo tipo di arte, o pittura in quanto tale...


Di seguito è riportato il materiale che completerà leggermente la serie visiva creata dalla signora Konkova nella parola stampata.

Così, nel 1581, gli abitanti dei Paesi Bassi settentrionali, dopo molti anni di guerra per la liberazione dal dominio spagnolo, proclamarono la Repubblica indipendente delle Province Unite. Tra questi in economico e culturalmente L'Olanda era in testa, quindi presto l'intero paese cominciò a chiamarsi così. Struttura sociale I nuovi Paesi Bassi cambiarono poco rispetto al XVI secolo, ma seguirono cambiamenti significativi nella vita spirituale. Il calvinismo divenne la religione di stato. Questa dottrina non riconosceva le icone e l'arte sacra in generale (questo movimento nel protestantesimo prende il nome dal suo fondatore, il teologo francese Giovanni Calvino (1509-1564).

Gli artisti olandesi dovettero inevitabilmente abbandonare i temi religiosi e cercarne di nuovi. Si sono rivolti alla realtà che li circondava, agli eventi quotidiani che accadevano giorno dopo giorno nella stanza accanto o nella strada accanto. E i clienti – il più delle volte non nobili, ma borghesi scarsamente istruiti – apprezzavano soprattutto le opere d’arte per il fatto che erano “proprio come la vita”.

I dipinti divennero beni di mercato e il benessere del pittore dipendeva interamente dalla sua capacità di compiacere il cliente. Pertanto, l'artista ha trascorso tutta la sua vita migliorando in un certo genere. Il mood che permea le opere Scuola olandese, e anche il loro formato piccolo, di regola, suggerisce che molti di loro non erano destinati ai palazzi, ma a soggiorni modesti ed erano indirizzati all'uomo comune.

Natura morta olandese del XVII secolo. stupisce per la sua ricchezza di temi. In ogni centro artistico del paese, i pittori preferivano le proprie composizioni: a Utrecht - di fiori e frutti, a L'Aia - di pesce. Ad Haarlem scrivevano colazioni modeste, ad Amsterdam - dessert lussuosi e all'Università di Leida - libri e altri oggetti per lo studio della scienza o simboli tradizionali della vanità mondana: un teschio, una candela, una clessidra.

Nelle nature morte risalenti all'inizio del XVII secolo, gli oggetti sono disposti in un ordine rigoroso, come reperti in una vetrina di un museo. In tali dipinti, i dettagli sono dotati di significato simbolico. Le mele ricordano la caduta di Adamo e l'uva il sacrificio espiatorio di Cristo. Una conchiglia è una conchiglia lasciata da una creatura che un tempo viveva in essa; i fiori appassiti sono un simbolo di morte. Una farfalla nata da un bozzolo significa resurrezione. Tali sono, ad esempio, i dipinti di Balthasar van der Ast (1590-1656).

Per gli artisti della prossima generazione le cose non ricordano più verità astratte, ma servono piuttosto a creare immagini artistiche indipendenti. Nei loro dipinti, oggetti familiari acquisiscono una bellezza speciale, precedentemente inosservata. Il pittore di Haarlem Pieter Claes (1597-1661) sottolinea in modo sottile e abile l'unicità di ogni piatto, bicchiere, pentola, trovando per ognuno di essi il quartiere ideale. Le nature morte del suo connazionale Willem Claes Heda (1594 ca. - 1680 ca.) sono piene di pittoresco disordine. Molto spesso scriveva “colazioni interrotte”. Una tovaglia spiegazzata, oggetti di servizio mescolati, cibo appena toccato: tutto qui ricorda la recente presenza di una persona. I dipinti sono ravvivati ​​da diversi punti di luce e ombre multicolori su vetro, metallo e tela (“Colazione con il granchio”, 1648).

Nella seconda metà del XVII secolo. La natura morta olandese, come il paesaggio, divenne più spettacolare, complessa e multicolore. I dipinti di Abraham van Beyeren (1620 o 1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693) raffigurano grandiose piramidi di piatti costosi e frutti esotici. Qui puoi trovare argento cesellato, terracotta bianca e blu, calici fatti di conchiglie, fiori, grappoli d'uva e frutti mezzo sbucciati.

Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono stati espulsi dall'immagine. Natura morta La “natura morta” si trova in molti dipinti di artisti olandesi del XVI secolo. È facile immaginare la tavola apparecchiata del “Ritratto di famiglia” di Martin van Heemskerck (1530 circa) come un dipinto autonomo. Musei statali, Kassel) o un vaso con fiori dalla composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel ha fatto qualcosa del genere, scrivendo nel suo inizio XVII V. le prime nature morte floreali indipendenti. Apparvero intorno al 1600: questa volta è considerata la data di nascita del genere.

In quel momento non c’erano parole per definirlo. Il termine “natura morta” ha origine in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa “natura morta”, “natura morta” (nature morte). In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti erano chiamati "stilleven", che può essere tradotto sia come "natura morta, modello" sia come "vita tranquilla", che trasmette in modo molto più accurato le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale entrò in uso solo a partire dal 1650, e prima di allora i dipinti venivano chiamati in base al soggetto dell'immagine: blumentopf - un vaso con fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutti, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - quadri con un teschio. Già da questa elencazione si evince quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, tutto il mondo oggettivo che li circondava sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.

Nell'arte, ciò significò una rivoluzione nientemeno che quella che gli olandesi compirono nella sfera economica e sociale, conquistando l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo Stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia e Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, tele e affreschi su soggetti mitologia antica per le sale dei palazzi, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute di angoli del loro paesaggio nativo, balli ad una festa di paese o un concerto casalingo in una casa borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di riunione, tavole imbandite con colazione o dessert, cioè natura “bassa”, senza pretese, non oscurata dall'antico o dal rinascimentale tradizione poetica, tranne forse per la poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d’Europa era netto.

I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma venivano per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e erano destinati a decorare le stanze delle case dei residenti delle città e persino dei residenti delle zone rurali, quelli che erano più ricchi. Successivamente, nel XVIII e XIX secolo, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, queste collezioni di dipinti domestici furono ampiamente vendute all'asta e acquisite con entusiasmo nelle collezioni reali e aristocratiche di tutta Europa, da dove alla fine migrarono in musei più grandi pace. Quando dentro metà del 19 V. gli artisti di tutto il mondo si dedicarono alla rappresentazione della realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.

Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. All'interno del genere della natura morta, c'era persino una divisione in temi separati, e diverse città avevano i loro tipi preferiti di natura morta, e se un pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava bruscamente la sua arte e iniziava a dipingere quelle varietà. del genere che andavano di moda in quel luogo.

Haarlem divenne il luogo di nascita del tipo più caratteristico di natura morta olandese: la "colazione". I dipinti di Peter Claes raffigurano una tavola apparecchiata con piatti e stoviglie. Un piatto di latta, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: la selezione scarsa e precisa degli articoli crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine “pittoresco” introdotto nella disposizione delle cose e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuto dalla trasmissione di un ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marroncino unisce gli oggetti in un’unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti e dello stile di vita individuali di una persona.

Un altro residente di Haarlem, Willem Heda, ha lavorato nella stessa vena di Klas. La colorazione dei suoi dipinti è ferma In misura maggiore subordinato all'unità tonale, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.

A Utrecht si sviluppò una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, che divenne particolarmente famoso per la sua scrittura attenta e i suoi colori chiari.

A L'Aia, il centro della pesca marina, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beyeren perfezionarono la rappresentazione di pesci e altri abitanti del mare; il colore dei loro dipinti brilla con la brillantezza delle squame, in cui macchie di rosa, rosso e i colori blu lampeggiano. L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davids de Heem, oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrena (armature, libri, attributi d'arte, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono giustapposti a un teschio o a una clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da “cucina” più democratica è nata a Rotterdam nell’opera di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e i suoi migliori risultati sono associati ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.

A metà del secolo, il tema delle “colazioni” modeste venne trasformato, nelle opere di Willem van Aalst, Jurian van Streck e soprattutto Willem Kalf e Abraham van Beyeren, in lussuosi “banchetti” e “dessert”. Calici dorati, Porcellana cinese e la maiolica di Delft, la tovaglia a tappeto, i frutti del sud sottolineano il gusto per la grazia e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni “monocromatiche” vengono sostituite da un sapore succoso, ricco di colori e caldo dorato. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori dei dipinti di Kalf dall'interno, poeticizzando il mondo oggettivo.

I maestri nella raffigurazione di “trofei di caccia” e “cortili di pollame” furono Jan-Baptiste Wenix, suo figlio Jan Wenix e Melchior de Hondecoeter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine del secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la costituzione di possedimenti e l'intrattenimento della caccia. La pittura degli ultimi due artisti mostra un aumento della decoratività, del colore e del desiderio di effetti esterni.

La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità fu apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX; videro nelle nature morte, prima di tutto e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per gli stessi olandesi del XVII secolo, questi dipinti erano pieni di significato; offrivano cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, l'inutilità delle aspirazioni umane, indirizzando i pensieri a riflessioni filosofiche sul significato della vita umana.

Un fenomeno culturale unico XVII secolo è chiamata la natura morta floreale olandese, che ha avuto un'influenza significativa sull'intero ulteriore sviluppo della pittura in Europa.

Con amore e attenzione, gli artisti hanno scoperto la bellezza della natura e del mondo delle cose, mostrandone la ricchezza e la diversità. Mazzi di rose, nontiscordardimé e tulipani di Ambrosius Bosschaert il Vecchio, che divenne il fondatore della pittura di nature morte floreali come movimento indipendente, affascinano e attirano lo sguardo.

ABROSIUS BOSCHART IL VECCHIO 1573-1621

Bosschaert ha iniziato la sua carriera ad Anversa nel 1588. Dal 1593 al 1613 lavorò a Middelburg, poi a Utrecht (dal 1616) e a Breda.

Sulle tele di Bosshart, farfalle o conchiglie sono spesso raffigurate accanto a mazzi di fiori. In molti casi, i fiori vengono toccati dall’appassimento, il che introduce nelle tele di Bosshart un motivo allegorico della fragilità dell’esistenza ( vanità)

Tulipani, rose, garofani bianchi e rosa, nontiscordardime e altri fiori in un vaso.

A prima vista, i mazzi di fiori sembrano dipinti dalla natura, ma guardando più da vicino diventa ovvio che sono costituiti da piante che fioriscono in tempo diverso.L'impressione di naturalezza e verosimiglianza nasce dal fatto che le immagini dei singoli colori si basano su “studi” naturali individuali

Un frammento ingrandito di uno schizzo di Jan Van Huysum, conservato al Met.

Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. 17 ° secolo

Questo era il metodo di lavoro abituale per i pittori di nature morte di fiori. Gli artisti hanno realizzato disegni accurati in acquerello e tempera, disegnando fiori dalla vita, da diverse angolazioni e sotto diverse luci, e questi disegni poi li hanno serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nei dipinti.

Giacobbe Morrel. "Due Tulipani"

Come materiale di lavoro furono utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni provenienti da collezioni a stampa e atlanti botanici.

I clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero “come se fossero vivi”. Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici e poetici. La natura in loro si trasforma attraverso la pittura.

Natura morta con fiori in un vaso 1619

“Ritratti” di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, furono creati per album floristici in cui i giardinieri cercavano di immortalare piante strane. Le immagini dei tulipani sono particolarmente numerose. Quasi ogni natura morta olandese contiene tulipani.

Ambrosius Bosshart "Fiori in un vaso", 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.

Nel XVII secolo In Olanda si verificò un vero e proprio boom dei tulipani: a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco presso la corte turca, Busbeck. Durante i suoi viaggi per il paese, rimase affascinato dalla vista di questi fiori delicati.

Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e Inghilterra, Germania e Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche: persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte celebrazioni speciali in onore dello sviluppo di nuove varietà.

Natura morta con fiori.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte.

Il numero di nature morte floreali olandesi è enorme, ma ciò non toglie nulla al loro valore artistico. Dopo le aste, quando situazione economica L'Olanda divenne meno brillante; pittoresche collezioni provenienti dalle case dei borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.

Mazzo di fiori 1920

Al centro di questo bouquet vediamo un croco, ma è enorme. Alcune informazioni su questo fiore che ci è familiare.

Il croco è una pianta medicinale, afrodisiaca e colorante. Dai suoi stami viene prodotta un'eccellente spezia: lo zafferano, che viene aggiunto ai dolci orientali. Il luogo di nascita del croco è la Grecia e Asia minore. Proprio come i giacinti e i gigli, il croco divenne l'eroe dei miti degli antichi greci e fu raffigurato nei soggetti dei dipinti di palazzo.

Secondo l'antica leggenda, la terra era ricoperta di giacinti e crochi per il matrimonio e la prima notte di nozze di Era e Zeus.

Un'altra leggenda descrive la storia di un giovane di nome Crocus, che con la sua bellezza attirò l'attenzione di una ninfa, ma rimase indifferente alla sua bellezza. Allora la dea Afrodite trasformò il giovane in un fiore e la ninfa in un convolvolo, creando così un'unione inscindibile.

Fiori in un vaso di vetro.

Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha costretti a viaggiare in diverse città e a realizzare disegni a grandezza naturale nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem e Leida. Anche gli artisti dovevano attendere il mutare delle stagioni per catturare il fiore desiderato.

Fiori. 1619

Fiori in un vaso cinese.

Fiori in un cestino.

Natura morta con fiori in una nicchia.

Fiori in una nicchia.

Nella frutta e nature morte floreali la combinazione apparentemente arbitraria e casuale di rappresentanti di flora e fauna esteriormente non correlati incarnava indirettamente idee sulla peccaminosità deperibile di tutto ciò che è terreno e, al contrario, sull'incorruttibilità della vera virtù cristiana.

Quasi tutti i “personaggi” di una natura morta linguaggio complesso i simboli denotavano una certa idea: la mortalità di tutto ciò che è terreno (ad esempio una lucertola o una lumaca), la stupida peccaminosità e fragilità della vita umana, che il tulipano, in particolare, potrebbe simboleggiare.

Fiori in un vaso di vetro.1606

Secondo le idee dei fiamminghi e degli olandesi, questo fiore delicato non era solo un'incarnazione visibile di una bellezza che svanisce rapidamente, ma la sua coltivazione era anche percepita da molti come una delle professioni più vane ed egoistiche);

Le conchiglie esotiche d'oltremare, un tempo un oggetto da collezione alla moda, suggerivano una spesa imprudente di denaro; una scimmia con una pesca è tradizionalmente considerata un simbolo del peccato originale.

Natura morta con fiori in una bottiglia di vetro verde.

D'altra parte, una mosca sulla stessa pesca o rosa evocava solitamente associazioni con il simbolismo della morte, del male e del peccato; uva e noci spezzate - accennano alla Caduta e, allo stesso tempo, al sacrificio espiatorio di Cristo sulla croce, Bacche rosse di ciliegie mature - un simbolo dell'amore divino, mentre una farfalla svolazzante personifica l'anima salvata dei giusti.

Cestino.

La direzione artistica di Ambrosius Bosschaert è stata continuata dai suoi tre figli - Ambrosius Bosschaert il Giovane, Abraham Bosschaert e Johannes Bosschaert, nonché da suo genero Balthasar van der Ast. Le loro opere, generalmente piuttosto numerose, sono invariabilmente molto richiesti alle aste d'arte.

Fonti.

Insieme alla pittura di paesaggio, nell'Olanda del XVII secolo si diffuse la natura morta, che si distingueva per il suo carattere intimo. Gli artisti olandesi sceglievano un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, sapevano disporli perfettamente e rivelavano le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claes (c. 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose versioni di "colazioni", raffiguranti prosciutti, panini rossi, torte di more, fragili bicchieri di vetro riempiti per metà di vino sul tavolo. tavolo, trasmettendo magistralmente in modo sorprendente il colore, il volume, la trama di ogni oggetto. Nel disordine si nota la presenza recente di una persona, la casualità della disposizione delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è rigorosamente pensata e trovata. Una sobria tavolozza tonale grigio-dorata, olivastra unisce gli oggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro blu.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda, lasciano il posto ai “dessert” degli artisti olandesi Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beyeren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche e colorate. Nel corso della sua vita, Willem Kalf dipinse in modo libero e democratico “cucine” - pentole, verdure e nature morte aristocratiche nella selezione di squisiti oggetti preziosi, pieni nobiltà riservata, come vasi d'argento, tazze, conchiglie sature della combustione interna dei colori.
IN ulteriori sviluppi la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in decorazione per la casa di clienti di alto rango. Nonostante tutta la loro decoratività e abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale e la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo diedero origine a una tendenza alla convergenza con le visioni estetiche della nobiltà francese, portando all'idealizzazione delle immagini artistiche e alla loro riduzione. L’arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo le sue basi realistiche ed entrando in un periodo di declino a lungo termine. Gravemente esaurita dalle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di importante centro artistico.

L'opera di Frans Hals e il ritratto olandese della prima metà del XVII secolo.

Frans Hals(Olandese Frans Hals, IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Anversa - 1666, Haarlem) - uno straordinario ritrattista della cosiddetta età dell'oro Arte olandese.

• 1 Biografia
• 2 Fatti interessanti
• 3 Galleria
• 4 Note
• 5 Letteratura
• 6 Collegamenti

Biografia

« Ritratto di famiglia Isaac Massa e sua moglie"

Hals nacque intorno al 1582-1583 dal tessitore fiammingo François Frans Hals van Mechelen e dalla sua seconda moglie Adriantje. Nel 1585, dopo la caduta di Anversa, la famiglia Hals si trasferì ad Haarlem, dove l'artista visse tutta la sua vita.

Nel 1600-1603 il giovane artista studiò con Karel van Mander, sebbene l’influenza di questo rappresentante del Manierismo non sia tracciata nelle opere successive di Hals. Nel 1610 Hals divenne membro della Gilda di St. Luca e comincia a lavorare come restauratore presso il Comune della città.

Hals creò il suo primo ritratto nel 1611, ma la fama arrivò ad Hals dopo aver realizzato il dipinto “Banchetto degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. Giorgio" (1616).

Nel 1617 sposò Lisbeth Reyners.

“Il primo stile di Hals era caratterizzato da una predilezione per i toni caldi e una modellazione chiara delle forme utilizzando tratti pesanti e densi. Negli anni venti del Seicento, Hals, insieme ai ritratti, dipinse scene di genere e composizioni su temi religiosi ("Evangelista Luca", "Evangelista Matteo", 1623-1625 circa).

Louvre "Zingaro", Parigi

Negli anni 1620-1630. Ha scritto Hals tutta la linea ritratti raffiguranti rappresentanti della gente comune pieni di energia vitale (“Giurante con liuto”, 1620-1625, “Buon compagno di bevute”, “Malle Babbe”, “Zingara”, “Mulatto”, “Ragazzo pescatore”; tutti - intorno al 1630).

L'unico ritratto presente tutta altezzaè il "Ritratto di Willem Heythuissen" (1625-1630).

"Nello stesso periodo, Hals riformò radicalmente il ritratto di gruppo, rompendo con i sistemi compositivi convenzionali, introducendo nelle opere elementi di situazioni di vita, garantendo una connessione diretta tra l'immagine e lo spettatore ("Banchetto degli ufficiali del fucile di Sant'Adriano compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1627, "Ritratto di gruppo della compagnia di fucilieri di S. Adriano", 1633; "Ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1639 ). Non volendo lasciare Haarlem, Hals rifiutò gli ordini se questo significava andare ad Amsterdam. L'unico ritratto di gruppo iniziato ad Amsterdam dovette essere completato da un altro artista.

Negli anni 1620-1640, periodo di massima popolarità, Hals scrisse molto doppi ritratti coppie sposate: il marito è nel ritratto a sinistra, e la moglie è a destra. L'unico dipinto in cui la coppia è raffigurata insieme è il “Ritratto di famiglia di Isacco Massa e sua moglie” (1622).

"Reggenti della Casa per Anziani"

Nel 1644 Hals divenne presidente della Gilda di S. Luca. Nel 1649 dipinse un ritratto di Cartesio.

« Caratteristiche psicologiche approfondire i ritratti del 1640. (“I reggenti dell’ospedale di St. Elizabeth”, 1641, ritratto giovanotto, 1642-50 circa, "Jasper Schade van Westrum", 1645 circa); Nella colorazione di queste opere comincia a predominare un tono grigio-argento. Lavori successivi I Khalsa sono eseguiti in modo molto libero e sono disegnati con uno schema cromatico scarno, costruito sui contrasti dei toni del bianco e del nero ("Man in Black Clothes", 1650-52 circa, "V. Cruz", 1660 circa); alcuni di loro mostravano un sentimento di profondo pessimismo (“The Regents of the Home for the Aged”, “The Regents of the Home for the Aged”, entrambi del 1664)”.

“Nella sua vecchiaia, Hals smise di ricevere ordini e cadde in povertà. L'artista morì in un ospizio di Haarlem il 26 agosto 1666.

La più grande collezione di dipinti dell'artista è di proprietà del Museo Hals di Haarlem.

Il fondatore del ritratto realistico olandese fu Frans Hals (Hals) (1580-1666 circa), la cui eredità artistica, con la sua acutezza e il potere di catturare il mondo interiore di una persona, va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista con un'ampia visione del mondo, coraggioso innovatore, distrusse i canoni della ritrattistica di classe (nobile) emersi prima di lui nel XVI secolo. Non era interessato alla persona raffigurata secondo la sua stato sociale in una posa maestosamente solenne e in un costume cerimoniale, ma una persona in tutta la sua essenza naturale, carattere, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni. Nei ritratti di Hals sono rappresentati tutti gli strati della società: borghesi, fucilieri, artigiani, rappresentanti delle classi inferiori; le sue simpatie speciali sono dalla parte di queste ultime, e nelle loro immagini ha mostrato la profondità di un talento potente e purosangue. La democrazia della sua arte è dovuta ai legami con le tradizioni dell'era della rivoluzione olandese. Hals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con la loro morale senza cerimonie e il potente amore per la vita. Hals ha ampliato la portata del ritratto introducendo elementi della trama, catturando coloro che sono ritratti in azione, nel concreto situazione di vita, enfatizzando le espressioni facciali, i gesti, le posture, catturate istantaneamente e con precisione. L'artista ha ricercato l'intensità emotiva e la vitalità delle caratteristiche dei soggetti ritratti, trasmettendone l'energia incontenibile. Hals non solo ha riformato i ritratti individuali su commissione e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto confinante genere quotidiano.
Hals è nato ad Anversa, poi si è trasferito ad Haarlem, dove ha vissuto tutta la sua vita. Era una persona allegra, socievole, gentile e spensierata. La personalità creativa di Khalsa prese forma all'inizio degli anni '20 del XVII secolo. I ritratti di gruppo degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. George (1627, Haarlem, Museo Frans Hals) e della compagnia di fucilieri di St. Adrian (1633, ibid.) gli valsero una grande popolarità. Durante la festa vengono presentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Uno stato d'animo allegro con un tocco di umorismo unisce ufficiali di diversi caratteri e modi. Non c'è nessun personaggio principale qui. Tutti i presenti sono uguali partecipanti alla celebrazione. Hals ha superato la connessione puramente esterna dei personaggi caratteristica dei ritratti dei suoi predecessori. L'unità della composizione asimmetrica è raggiunta da una comunicazione vivace, da una rilassata libertà di disposizione delle figure, unite da un ritmo ondulatorio.
Il pennello energico dell'artista scolpisce i volumi delle forme con brillantezza e forza. Flussi luce del sole scivolano sui volti, brillano nei pizzi e nella seta, brillano negli occhiali. La tavolozza colorata, dominata da abiti neri e colletti bianchi, è ravvivata dai sonori baltetti da ufficiale giallo oro, viola, blu e rosa. Pieni di autostima e allo stesso tempo liberi e rilassati, gesticolanti, i borghesi olandesi appaiono nei ritratti di Hals, trasmettendo uno stato immediatamente catturato. Un ufficiale con un cappello a tesa larga, le braccia sui fianchi, sorride provocatoriamente (1624, Londra, Wallace Collection). La naturalezza e la vivacità delle pose, la nitidezza della caratterizzazione e la massima abilità nell'usare il contrasto tra bianco e nero nella pittura sono accattivanti.
I ritratti di Hals sono vari nei temi e nelle immagini. Ma quelli ritratti sono uniti caratteristiche comuni: integrità della natura, amore per la vita. Hals è un pittore della risata, di un sorriso allegro e contagioso. Con frizzante gioia, l'artista fa rivivere i volti dei rappresentanti della gente comune, dei visitatori delle taverne e degli scugnizzi di strada. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono lo sguardo e i gesti verso lo spettatore.
L’immagine della “Zingara” (1630 circa, Parigi, Louvre) è piena di un respiro amante della libertà. Hals ammira la posizione orgogliosa della sua testa in un'aureola di capelli vaporosi, il suo sorriso seducente, lo scintillio vivace dei suoi occhi, la sua espressione di indipendenza. Il contorno vibrante della silhouette, i raggi di luce scorrevoli, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata la zingara, riempiono l'immagine con il brivido della vita. Ritratto di Malle Babbe (inizio 1630, Berlino - Dahlem, Galleria d'arte), la proprietaria della taverna, non a caso soprannominata la “strega di Harlem”, si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo ardente e astuto, che si volta bruscamente e sorride ampiamente, come se rispondesse a uno dei clienti abituali della sua taverna. Un gufo minaccioso incombe con una sagoma cupa sulla sua spalla. Colpisce l’acutezza, la visione, la forza cupa e la vitalità dell’immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica e la ricchezza della pennellata spigolosa accrescono l'ansia della scena.
Verso la metà del XVII secolo, i cambiamenti avvenuti nella società olandese erano chiaramente visibili; Man mano che si rafforza la posizione della borghesia, che ha perso il contatto con le masse, essa acquisisce un carattere sempre più conservatore. L'atteggiamento dei clienti borghesi verso artisti realisti. Anche Khals perse la sua popolarità, arte democratica che divenne estraneo alla borghesia degenerante, che correva dietro la moda aristocratica.
L'ottimismo del maestro che affermava la vita fu sostituito da pensiero profondo, ironia, amarezza e scetticismo. Il suo realismo divenne psicologicamente più approfondito e critico, la sua abilità più raffinata e perfetta. Anche il colore del Khalsa cambiò, acquisendo maggiore sobrietà; nella gamma tonale fredda e grigio-argento predominante, tra il bianco e il nero, piccole macchie di colore rosato o rosso, accuratamente individuate, acquisiscono una sonorità speciale. Il sentimento di amarezza e delusione è palpabile nel “Ritratto di un uomo in abiti neri” (1660 circa, San Pietroburgo, Hermitage), in cui le più sottili sfumature colorate del viso si arricchiscono e prendono vita accanto al sobrio, quasi toni monocromatici in bianco e nero.
Il risultato più alto di Hals sono i suoi ultimi ritratti di gruppo dei reggenti e dei reggenti (amministratori) di una casa di cura, eseguiti nel 1664, due anni prima della morte dell'artista, che si laureò da solo percorso di vita al rifugio. Pieni di vanità, freddi e devastati, assetati di potere e arroganti, i vecchi amministratori seduti al tavolo del gruppo “Ritratto dei reggenti di una casa per anziani” (Harlem, Frans Hals Museum. La mano del vecchio artista infallibilmente applica con precisione tratti liberi e rapidi. La composizione è diventata calma e rigorosa. La scarsità dello spazio, la disposizione delle figure, la luce uniformemente diffusa, che illumina equamente tutti i soggetti raffigurati, contribuiscono a focalizzare l'attenzione sulle caratteristiche di ciascuno di essi. Il colore lo schema è laconico con una predominanza di toni neri, bianchi e grigi. Gli ultimi ritratti di Hals stanno accanto alle creazioni più notevoli della ritrattistica mondiale: con il loro psicologismo sono vicini ai ritratti del più grande dei pittori olandesi - Rembrandt, che, come Hals, conobbe la sua fama per tutta la vita entrando in conflitto con l'élite borghese della società olandese.

Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. Da giovane venne ad Haarlem, dove visse quasi costantemente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hulse. Nel 1610 entrò nella Gilda di San Luca e nel 1616 entrò nella camera dei retori (attori dilettanti). Molto rapidamente Hals divenne uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem.
Nei secoli XV-XVI. nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, gente famosa e artisti. L'arte di Hals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un cittadino ricco, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare le persone raffigurate, la cosa principale per lui è la loro naturalezza e unicità. I suoi nobili si comportano rilassati come rappresentanti degli strati inferiori della società, che nei dipinti di Khals sono raffigurati come persone allegre che non sono prive di autostima.
I ritratti di gruppo occupano un posto importante nel lavoro dell’artista. Le migliori opere I ritratti degli ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio (1627) e della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano (1633) divennero questo genere. Ogni personaggio nei dipinti ha il suo personalità brillante, e allo stesso tempo queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su commissione raffiguranti ricchi borghesi e le loro famiglie in pose rilassate (“Ritratto di Isaac Massa”, 1626; “Ritratto di Hethuisen”, 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche; sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell’ambiente popolare nei ritratti di Khals si distinguono per la loro vivida espressività e spontaneità. Nelle immagini dei ragazzi di strada, dei pescatori, dei musicisti e dei visitatori delle taverne si può sentire la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo “Gypsy” è notevole. La giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il suo sguardo sornione è rivolto al suo interlocutore, invisibile allo spettatore. Hals non idealizza il suo modello, ma l'immagine di una zingara allegra e arruffata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso, i ritratti di Hulse includono elementi di una scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o giocano strumenti musicali("I ragazzi che cantano", 1624–1625). Con lo stesso spirito venne rappresentata la famosa “Malle Babbe” (inizi degli anni Trenta del Seicento), che rappresentava una nota proprietaria di una taverna di Haarlem, che i visitatori alle sue spalle chiamavano la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Negli anni Quaranta del Seicento. Il Paese mostra segnali di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata sulle tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attira più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hulse non abbandonò il realismo e la sua popolarità crollò. Nel dipinto di questo periodo compaiono note di tristezza e delusione (“Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga”). La sua tavolozza diventa più severa e calma.
All'età di 84 anni, Hulse creò due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (amministratori) e reggenti di una casa di cura (1664). Questi ultimi lavori del maestro olandese si distinguono per la loro emotività e la forte individualità delle immagini. Le immagini dei reggenti - uomini e donne anziani - emanano tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla combinazione di colori in nero, grigio e bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte sincera e affermativa ha avuto grande influenza su molti artisti olandesi.

Dipinto di Rembrandt.

Rembrandt Harmens van Rijn(Olandese Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista, disegnatore e incisore olandese, Grande maestro chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È riuscito a incarnare nelle sue opere l'intero spettro delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva che l'arte non aveva mai conosciuto prima. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, rivelano allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.

• 1 Biografia
• 1.1 Anni di apprendistato
• 1.2 Influenza di Lastman e dei caravaggisti
• 1.3 Workshop a Leida
• 1.4 Sviluppare il proprio stile
• 1.5 Successo ad Amsterdam
• 1.6 Dialogo con gli italiani
• 1.7 "Ronda notturna"
• 1.8 Periodo di transizione
• 1.9 Tardo Rembrandt
• 1.10 Lavori recenti
• 2 Problemi di attribuzione
• 3 Studenti di Rembrandt
• 4 Fama postuma
• 5 Al cinema
• 6 Note
• 7 Collegamenti

Biografia

Anni di apprendistato

Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) nella numerosa famiglia del ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. Anche dopo la Rivoluzione Olandese la famiglia materna rimase fedele alla religione cattolica.

"Allegoria della musica" del 1626 - un esempio dell'influenza di Lastman sul giovane Rembrandt

A Leida Rembrandt frequentò la scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leida Jacob van Swanenburch, cattolico di fede. Le opere di Rembrandt di questo periodo non sono state identificate dai ricercatori, e la questione dell'influenza di Swanenbuerch sullo sviluppo del suo stile creativo rimane aperta: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che completò uno stage in Italia e si specializzò in studi storici, mitologici e storie bibliche. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni aveva acquisito una notevole fama.

Nonostante il fatto che il nome del genere tradotto dal francese significhi "natura morta". Perché, in bocca agli olandesi, sono composizioni da oggetti inanimati, visualizzato in modo colorato su tela, significava la vita? Sì, queste immagini erano così luminose, affidabili ed espressive che anche gli intenditori più inesperti ammiravano il realismo e la tangibilità dei dettagli. Ma non è solo questo.

La natura morta olandese è un tentativo di parlare di quanto ogni oggetto sia vivo e vicino, ogni particella di questo mondo sia intrecciata nel complesso mondo dell'uomo e vi partecipi. I maestri olandesi hanno creato composizioni ingegnose e sono stati in grado di rappresentare la forma, le sfumature di colore, il volume e la trama degli oggetti in modo così accurato che sembravano memorizzare la dinamica delle azioni umane. Ecco una penna non ancora raffreddata dalla mano del poeta con una scintillante goccia d'inchiostro, ecco una melagrana tagliata, grondante di succo di rubino, ed ecco una pagnotta addentata e gettata su un tovagliolo accartocciato... E allo stesso tempo, questo è un invito ad ammirare e godere con incanto dello splendore e della diversità della natura.

Temi e immagini pittoresche

La natura morta olandese è inesauribile nella sua abbondanza di temi. Alcuni pittori condividevano la passione per i fiori e i frutti, altri si specializzavano nella ruvida verosimiglianza di pezzi di carne e pesce, altri creavano con amore utensili da cucina su tela e altri ancora si dedicavano al tema della scienza e dell'arte.

La natura morta olandese dell'inizio del XVII secolo si distingue per il suo impegno nei confronti del simbolismo. Gli articoli sono rigorosamente luogo specifico e significato. La mela al centro dell'immagine racconta la caduta del primo uomo, mentre il grappolo d'uva che la ricopre racconta la storia del sacrificio espiatorio di Cristo. Un guscio vuoto, che un tempo fungeva da dimora per un mollusco marino, parla della fragilità della vita, dei fiori cadenti e secchi - della morte, e una farfalla che svolazza fuori dal bozzolo preannuncia resurrezione e rinnovamento. Balthasar Ast scrive in questo modo.

Gli artisti della nuova generazione hanno proposto una natura morta olandese leggermente diversa. La pittura “respira” con il fascino sfuggente nascosto nelle cose ordinarie. Un bicchiere mezzo pieno, che serve oggetti sparsi sul tavolo, frutta, una torta tagliata: l'autenticità dei dettagli è perfettamente trasmessa da colori, luci, ombre, luci e riflessi, associati in modo convincente alla trama del tessuto, dell'argento, del vetro e cibo. Questi sono i dipinti di Pieter Claes Heda.

All'inizio del XVIII secolo, la natura morta olandese gravitava verso un'impressionante estetica dei dettagli. Qui regnano eleganti ciotole di porcellana con dorature, tazze fatte di conchiglie finemente arricciate e frutta squisitamente disposta su un piatto. È impossibile guardare le tele di Willem Kalf o Abraham van Beyeren senza sbiadire. L'olandese si sta diffondendo insolitamente, catturato dalla mano di un maestro, parlando in un linguaggio speciale e sensuale e comunicando pittura armonia e ritmo. Le linee, le trame e le sfumature di steli, boccioli, infiorescenze aperte presenti nella natura morta sembrano creare una complessa sinfonia, costringendo lo spettatore non solo ad ammirare, ma anche a vivere con entusiasmo l'incomprensibile bellezza del mondo.

La natura morta olandese dei secoli XVI-XVII è una sorta di gioco intellettuale in cui allo spettatore veniva chiesto di svelare alcuni segni. Ciò che era facilmente comprensibile dai contemporanei non è chiaro a tutti oggi e non sempre.

Cosa significano gli oggetti raffigurati dagli artisti?

Giovanni Calvino (1509-1564, teologo francese, riformatore della chiesa, fondatore del calvinismo) insegnò che le cose quotidiane hanno significati nascosti e che dietro ogni immagine dovrebbe esserci una lezione morale. Gli oggetti raffigurati nelle nature morte hanno molteplici significati: erano dotati di connotazioni edificanti, religiose o di altro tipo. Ad esempio, le ostriche erano considerate un simbolo erotico, e questo era ovvio ai contemporanei: le ostriche presumibilmente stimolavano la potenza sessuale e Venere, la dea dell'amore, nacque da una conchiglia. Da un lato le ostriche alludevano alle tentazioni mondane, dall'altro il guscio aperto significava un'anima pronta a lasciare il corpo, cioè prometteva la salvezza. Naturalmente, non c'erano regole rigide su come leggere una natura morta e lo spettatore indovinava esattamente i simboli sulla tela che voleva vedere. Inoltre, non dobbiamo dimenticare che ogni oggetto faceva parte della composizione e poteva essere letto in modi diversi, a seconda del contesto e del messaggio complessivo della natura morta. Natura morta floreale

Fino al XVIII secolo, un mazzo di fiori, di regola, simboleggiava la fragilità, perché le gioie terrene sono transitorie come la bellezza di un fiore. Il simbolismo delle piante è particolarmente complesso e ambiguo, e a coglierne il significato aiutavano i libri di emblemi, diffusi in Europa nei secoli XVI e XVII, dove illustrazioni allegoriche e motti erano accompagnati da testi esplicativi. Composizioni floreali non era facile da interpretare: lo stesso fiore aveva tanti significati, a volte direttamente opposti. Ad esempio, il narciso indicava il narcisismo ed era allo stesso tempo considerato un simbolo della Madre di Dio. Nelle nature morte, di regola, entrambi i significati dell'immagine venivano preservati e lo spettatore era libero di scegliere uno dei due significati o di combinarli.

Le composizioni floreali erano spesso integrate con frutta, piccoli oggetti, immagini di animali. Queste immagini esprimevano l'idea principale dell'opera, sottolineando il motivo della caducità, del decadimento, della peccaminosità di tutto ciò che è terreno e dell'incorruttibilità della virtù.

Jan Davids de Heem.
Fiori in un vaso.

Nel dipinto di Jan Davids de Heem, alla base del vaso, l'artista ha raffigurato simboli di mortalità: fiori appassiti e spezzati, petali sgretolati e baccelli di piselli secchi. Ecco una lumaca: è associata all'anima di un peccatore. Al centro del bouquet vediamo simboli di modestia e purezza: fiori di campo, viole e nontiscordardime. Sono circondati da tulipani, che simboleggiano la bellezza sbiadita e lo spreco insensato (coltivare i tulipani in Olanda era considerata una delle attività più vane e, per di più, costosa); rose e papaveri rigogliosi, che ricordano la fragilità della vita. La composizione è coronata da due grandi fiori che hanno un significato positivo. L'iride blu rappresenta la remissione dei peccati e indica la possibilità di salvezza attraverso la virtù. Il papavero rosso, tradizionalmente associato al sonno e alla morte, ha cambiato interpretazione a causa della sua posizione nel bouquet: qui significa il sacrificio espiatorio di Cristo.

Altri simboli di salvezza sono le spighe di pane e una farfalla seduta su uno stelo rappresenta l'anima immortale.

Jan Baumann.
Fiori, frutti e una scimmia. Prima metà del XVII secolo.

Dipinto di Jan Bauman “Fiori, frutti e una scimmia” - buon esempio multistrato semantico e ambiguità della natura morta e degli oggetti su di essa. A prima vista, la combinazione di piante e animali sembra casuale. In effetti, questa natura morta ci ricorda anche la caducità della vita e la peccaminosità dell'esistenza terrena. Ogni oggetto raffigurato trasmette una certa idea: una lumaca e una lucertola in questo caso indicare la mortalità di tutto ciò che è terreno; un tulipano adagiato vicino a una ciotola di frutta simboleggia il rapido appassimento; le conchiglie sparse sul tavolo suggeriscono un imprudente spreco di denaro; e la scimmia con la pesca indica il peccato originale e la depravazione. D'altra parte, una farfalla svolazzante e frutti: grappoli d'uva, mele, pesche e pere parlano dell'immortalità dell'anima e del sacrificio espiatorio di Cristo. Su un altro livello allegorico, i frutti, i frutti, i fiori e gli animali presentati nell'immagine rappresentano quattro elementi: conchiglie e lumache - acqua; farfalla: aria; frutti e fiori - terra; scimmia - fuoco.

Natura morta in una macelleria

Pietro Aartsen.
La macelleria o la cucina con la scena della fuga in Egitto. 1551

L'immagine della macelleria è stata tradizionalmente associata all'idea della vita fisica, alla personificazione dell'elemento terra, nonché alla golosità. Dipinto da Peter Aertsen

Quasi tutto lo spazio è occupato da una tavola imbandita di cibo. Vediamo molti tipi di carne: pollame ucciso e carcasse preparate, fegato e prosciutto, prosciutti e salsicce. Queste immagini simboleggiano l'eccesso, la golosità e l'attaccamento ai piaceri carnali. Ora rivolgiamo la nostra attenzione allo sfondo. Sul lato sinistro dell'immagine, nell'apertura della finestra, c'è una scena evangelica della fuga in Egitto, che contrasta nettamente con la natura morta in primo piano. La Vergine Maria porge l'ultimo pane a una mendicante. Si noti che la finestra si trova sopra il piatto, dove due pesci giacciono trasversalmente (simbolo della crocifissione) - un simbolo del cristianesimo e di Cristo. A destra sullo sfondo c'è una taverna. Un gruppo allegro si siede a un tavolo accanto al fuoco, beve e mangia ostriche, che, come ricordiamo, sono associate alla lussuria. Accanto al tavolo è appesa una carcassa macellata, a indicare l'inevitabilità della morte e la natura fugace delle gioie terrene. Un macellaio in camicia rossa diluisce il vino con l'acqua. Questa scena riecheggia l'idea principale della natura morta e si riferisce alla parabola di figliol prodigo. La scena nell'osteria, così come la macelleria piena di piatti, parla di una vita oziosa, dissoluta, di attaccamento ai piaceri terreni, piacevoli per il corpo, ma distruttivi per l'anima. Nella scena della fuga in Egitto, i personaggi praticamente voltano le spalle allo spettatore: si addentrano nell'immagine, lontano dalla macelleria. Questa è una metafora per la fuga da una vita dissoluta piena di piaceri sensuali. Rinunciarvi è uno dei modi per salvare l'anima.

Natura morta in una pescheria

La natura morta del pesce è un'allegoria dell'elemento acqua. Opere di questo genere, come le macellerie, facevano spesso parte del cosiddetto ciclo elementare e, di norma, venivano realizzate per decorare le sale da pranzo dei palazzi. In primo piano nel dipinto "The Fish Shop" di Frans Snyders sono raffigurati molti pesci. Qui si trovano posatoi e storioni, carassi, pesci gatto, salmoni e altri frutti di mare. Alcuni sono già stati fatti a pezzi, altri aspettano il loro turno. Queste immagini di pesci non portano alcun sottotesto: glorificano la ricchezza delle Fiandre.

Frans Snyders.
Pescheria. 1616

Accanto al ragazzo vediamo un cesto con i doni che ha ricevuto per il giorno di San Nicola. Ciò è indicato dalle scarpe rosse di legno legate al cestino. Il cestino contiene, oltre a dolci, frutta e noci, anche dei bastoncini, come suggerimento educativo con "bastone e carota". Il contenuto del cestino parla delle gioie e dei dolori della vita umana, che si sostituiscono costantemente. La donna spiega al bambino che i bambini obbedienti ricevono doni e i bambini cattivi ricevono punizioni. Il ragazzo si ritrasse inorridito: pensava che invece dei dolci avrebbe ricevuto colpi con le verghe. Sulla destra vediamo un'apertura finestra attraverso la quale possiamo vedere la piazza della città. Un gruppo di bambini sta sotto le finestre e saluta con gioia il burattinaio giullare sul balcone. Il giullare è un attributo integrale delle feste popolari.

Natura morta con tavola apparecchiata

In numerose varianti di tavola sulle tele dei maestri olandesi vediamo pane e torte, noci e limoni, salsicce e prosciutti, aragoste e gamberi, piatti con ostriche, pesce o conchiglie vuote. Queste nature morte possono essere comprese a seconda dell'insieme degli oggetti.

Gerrit Willems Heda.
Prosciutto e argenteria. 1649

Nel dipinto di Gerrit Willems Heda vediamo un piatto, una brocca, un alto calice di vetro e un vaso rovesciato, un vasetto di senape, un prosciutto, un tovagliolo spiegazzato e un limone. Questo è il set tradizionale e preferito di Heda. La disposizione degli oggetti e la loro scelta non sono casuali. L'argenteria simboleggia le ricchezze terrene e la loro futilità, il prosciutto simboleggia i piaceri carnali e un limone dall'aspetto attraente ma acido all'interno rappresenta il tradimento. Una candela spenta indica fragilità e fugacità. esistenza umana, un pasticcio sul tavolo è per la distruzione. Un bicchiere “flute” di vetro alto (nel XVII secolo tali bicchieri venivano usati come contenitori di misurazione con segni) è fragile, poiché vita umana, e allo stesso tempo simboleggia la moderazione e la capacità di una persona di controllare i propri impulsi. In generale, in questa natura morta, come in molte altre “colazioni”, il tema della vanità e dell'insensatezza dei piaceri terreni viene interpretato con l'aiuto degli oggetti.

Pietro Claës.
Natura morta con braciere, aringhe, ostriche e pipa fumante. 1624

La maggior parte degli oggetti raffigurati nella natura morta di Peter Claes sono simboli erotici. Le ostriche, la pipa, il vino rimandano a brevi e dubbi piaceri carnali. Ma questa è solo un'opzione per leggere una natura morta. Guardiamo queste immagini da una prospettiva diversa. Quindi le conchiglie sono simboli della fragilità della carne; una pipa, con la quale non solo fumavano, ma facevano anche bolle di sapone, è un simbolo dell'improvvisa morte. Un contemporaneo di Claes, il poeta olandese Willem Godschalk van Fockenborch, scrisse nella sua poesia “La mia speranza è fumo”:

Come puoi vedere, essere è come fumare la pipa,
E davvero non so quale sia la differenza:
Uno è solo un gioco da ragazzi, l'altro è solo un fumo.

Il tema della caducità dell'esistenza umana si contrappone all'immortalità dell'anima, e i segni di fragilità si rivelano improvvisamente simboli di salvezza. Il pane e il bicchiere di vino sullo sfondo sono associati al corpo e al sangue di Gesù e indicano il sacramento del sacramento. L'aringa - un altro simbolo di Cristo - ci ricorda il digiuno e il cibo quaresimale. E i gusci aperti con le ostriche possono cambiare il loro significato negativo nell'esatto opposto, denotando l'anima umana, separata dal corpo e pronta per entrare nella vita eterna.

Diversi livelli di interpretazione degli oggetti dicono sottilmente allo spettatore che una persona è sempre libera di scegliere tra lo spirituale e l'eterno e il transitorio terreno.

Vanitas, o natura morta dello "Scienziato".

Il genere della cosiddetta natura morta “scientifica” era chiamato vanitas - tradotto dal latino significa “vanità delle vanità”, in altre parole - “ Memento mori" ("Memento mori"). Questo è il tipo più intellettuale di natura morta, un'allegoria dell'eternità dell'arte, della fragilità della gloria terrena e della vita umana

Jurian van Streck.
Vanità. 1670

La spada e l'elmo con un lussuoso pennacchio nel dipinto di Jurian van Streck indicano la natura fugace della gloria terrena. Il corno da caccia simboleggia la ricchezza che non può essere portata con te in un'altra vita. Nelle nature morte “scientifiche” ci sono spesso immagini di libri aperti o di carte con iscrizioni disposte con noncuranza. Non solo ti invitano a pensare agli oggetti raffigurati, ma ti permettono anche di usarli per lo scopo previsto: leggere pagine aperte o riprodurre musica scritta su un taccuino. Van Streck ha raffigurato uno schizzo della testa di un ragazzo e un libro aperto: questa è la tragedia Elettra di Sofocle, tradotta in olandese. Queste immagini indicano che l'arte è eterna. Ma le pagine del libro sono arricciate e il disegno è spiegazzato. Questi sono segni dell'inizio della corruzione, suggerendo che dopo la morte anche l'arte non sarà più utile. Il teschio parla anche dell'inevitabilità della morte, ma la spiga di grano intrecciata attorno ad esso simboleggia la speranza della risurrezione e della vita eterna. Entro la metà del XVII secolo, un teschio intrecciato con una spiga di grano o un'edera sempreverde sarebbe diventato un soggetto obbligatorio per la rappresentazione nelle nature morte in stile vanitas.