Nonostante il nome del genere in francese significhi "natura morta". Perché, allora, in bocca alle composizioni olandesi da oggetti inanimati, visualizzato in modo colorato su tela, significava vita? Sì, queste immagini erano così luminose, affidabili ed espressive che anche gli intenditori più inesperti ammiravano il realismo e la tangibilità dei dettagli. Ma non è solo questo.
La natura morta olandese è un tentativo di raccontare quanto vividamente e da vicino ogni oggetto, ogni parte di questo mondo sia intessuta nel complesso mondo dell'uomo e vi partecipi. I maestri olandesi hanno creato composizioni ingegnose e sono stati in grado di rappresentare la forma, i traboccamenti di colore, il volume e la trama degli oggetti in modo così accurato da sembrare che preservassero la dinamica delle azioni umane. Ecco una penna con una scintillante goccia d'inchiostro che non si è ancora raffreddata dalla mano del poeta, ecco una melagrana tagliata, acquosa di succo di rubino, ed ecco un panino morso e gettato su un tovagliolo stropicciato ... E allo stesso tempo, questo è un invito ad ammirare e godere della magnificenza e diversità della natura.
Temi e immagini pittoriche
La natura morta olandese è inesauribile nell'abbondanza di temi. Alcuni pittori accomunati dalla passione per fiori e frutti, altri specializzati nella ruvida verosimiglianza di pezzi di carne e pesce, altri ancora creavano con amore utensili da cucina su tela, altri ancora si dedicavano al tema della scienza e dell'arte.
La natura morta olandese dell'inizio del XVII secolo si distingue per il suo impegno nel simbolismo. Gli articoli sono rigorosamente determinato luogo e significato. La mela al centro dell'immagine racconta la caduta del primo uomo, il grappolo d'uva che la ricopre racconta il sacrificio espiatorio di Cristo. Un guscio vuoto, che un tempo serviva da casa per un mollusco marino, parla della fragilità della vita, dei fiori pendenti e secchi - della morte, e una farfalla che svolazzava fuori da un bozzolo annuncia la resurrezione e il rinnovamento. Balthazar Ast scrive in questo modo.
Artisti della nuova generazione hanno già proposto una natura morta olandese leggermente diversa. La pittura "respira" con la bellezza inafferrabile che si annida nelle cose ordinarie. Un bicchiere mezzo pieno, oggetti da servire sparsi sul tavolo, frutta, una torta tagliata: l'autenticità dei dettagli trasmette perfettamente colore, luce, ombre, luci e riflessi, collegati in modo convincente alla trama di tessuto, argento, vetro e cibo. Queste sono le tele di Pieter Claesz Heda.
All'inizio del XVIII secolo, la natura morta olandese gravitava verso un'impressionante estetica dei dettagli. Qui regnano graziose ciotole di porcellana dorata, calici fatti di conchiglie finemente arricciate e frutti squisitamente disposti su un vassoio. È impossibile guardare le tele di Willem Kalf o Abraham van Beieren senza sbiadire. I maestri olandesi impressi dalla mano stanno diventando insolitamente comuni, parlano una lingua speciale, sensuale, e comunicano pittura armonia e ritmo. Linee, intrecci e sfumature di steli, boccioli, infiorescenze aperte presenti nella natura morta sembrano creare una complessa sinfonia che fa sì che lo spettatore non solo ammiri, ma anche esperisca con emozione l'incomprensibile bellezza del mondo.
Pieter Klass "Colazione con prosciutto" 1647
Gli esperti affermano che ogni natura morta porta il proprio significato nascosto, comprensibile ai contemporanei. E possiamo solo immaginare cosa ea chi volesse dire l'artista.
G La natura morta olandese del XVII secolo è caratterizzata da una ristretta specializzazione dei maestri olandesi all'interno del genere. Il tema "Fiori e frutti" include, di regola, una varietà di insetti. I "trofei di caccia" sono, prima di tutto, trofei di caccia: uccelli morti e selvaggina. "Colazioni" e "Dolci", così come immagini di pesci - vivi e addormentati, vari uccelli - sono solo una parte delle più temi famosi Nature morte.
Nella loro totalità, queste singole trame caratterizzano lo stretto interesse degli olandesi per le trame Vita di ogni giorno, e i loro passatempi preferiti, e la passione per l'esotico di terre lontane (ci sono conchiglie e frutti stravaganti nelle composizioni). Spesso nelle opere con motivi di natura "viva" e "morta" viene posto un sottotesto simbolico, facilmente comprensibile a uno spettatore colto del XVII secolo.
Così, la combinazione di singoli oggetti potrebbe servire da accenno alla fragilità dell'esistenza terrena: rose appassite, un bruciatore di incenso, una candela, un orologio; o associato ad abitudini moralmente condannate: torce, pipe per fumare; o indicato storia d'amore; scrittura, strumenti musicali, braciere. Non c'è dubbio che il significato di queste composizioni sia molto più ampio del loro contenuto simbolico.
Le nature morte olandesi attraggono, prima di tutto, con il loro espressività artistica completezza, la capacità di rivelare la vita spiritualizzata del mondo oggettivo.
A differenza dei fiamminghi, che preferiscono dipinti di grandi dimensioni con abbondanza di oggetti di ogni genere, i pittori olandesi si limitano a pochi oggetti di contemplazione, cercando la massima unità compositiva e cromatica. La natura morta ("Stilleven" - che in olandese significa "vita tranquilla") è un ramo particolare e piuttosto popolare Pittura olandese.
Natura morta olandese del XVII secolo
Pieter Klass "Pipa e braciere" 1636
Balthasar van der Ast "Natura morta con frutta"
Balthasar van der Ast "Piatto con frutti e conchiglie" 1630
Melchior de Hondekuter "Uccelli nel parco"
Bartholomeus van der Hels nuovo mercato ad Amsterdam" 1666
Willem Klass Hedp "Colazione con il granchio" 1648
Ferdinand Bol "Brutto gioco"
Abraham Mignon "Frutta"
Melchior de Hondekuter "Trofei di caccia"
Johannes Lemans "Natura morta di caccia"
Martin Bullema de Stomme. "Natura morta con coppa Nautilus"
Willem Heda. "Natura morta con prosciutto". 1656
Jan Brueghel il Vecchio. "Fiori in un vaso di legno". 1606/07
Ambrosius Bosshart il Vecchio. "Bouquet di fiori in una nicchia". 1618
Baldassarre van der Ast. "Cesto di fiori". 1622
Hans Bollongier. "Fiore Natura Morta". 1639
Nicola Gillis. "Tavola apparecchiata". 1611
Floris van Dijk. "Natura morta con formaggio". OK. 1615
Jacob van Huelsdonk. Natura morta con carciofi, ravanelli, asparagi, prugne e pesche in un cesto. 1608-1647
Chiara Peters. "Tavola servita". 1611
Willem Claesz Heda. "Natura morta con una brocca d'argento e una torta." 1645
Pietro Clas. "Natura morta con saliera". OK. 1644
Gerrit Willems Heda. "Natura morta con brocca di terracotta"
Floris Gerrits van Schoten. Natura morta con frutta, ortaggi e cena in Emmaus. 1630
Cornelis Delff. "Natura morta in cucina" 1610-1620
Insieme a dipinto di paesaggio la natura morta, che si distingueva per un carattere intimo, era ampiamente diffusa in Olanda nel XVII secolo. Gli artisti olandesi hanno scelto una grande varietà di soggetti per le loro nature morte, hanno saputo comporli perfettamente, rivelare le caratteristiche di ogni soggetto e il suo vita interiore indissolubilmente legato alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claesz (circa 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose varianti di "colazioni", raffiguranti prosciutti, focacce rosse, torte di more, fragili calici di vetro semipieni di vino, con sorprendente abilità nel trasmettere il colore, il volume, la consistenza di ogni oggetto. La recente presenza dell'uomo è palpabile nel disordine, nella disposizione accidentale delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è attentamente studiata e trovata. Una discreta gamma tonale grigio-oro, oliva unifica i soggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro azzurro.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda lasciano il posto ai “dolci” degli artisti olandesi Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beieren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche, colorate. Willem Kalf per tutta la vita ha scritto in modo libero e democratico "cucine" - pentole, verdure e selezione aristocratica di squisiti oggetti preziosi, nature morte piene di nobiltà contenuta, come vasi d'argento, calici, conchiglie sature di bruciature interne di colori.
Nell'ulteriore sviluppo, la natura morta segue le stesse strade di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in una decorazione della casa di clienti di alto rango. Con tutta la decorazione e l'abilità dell'esecuzione, le tarde nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale, la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo, danno origine a una tendenza al riavvicinamento con visioni estetiche nobiltà francese, porta all'idealizzazione immagini artistiche, la loro macinazione. L'arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo la sua base realistica ed entrando in un periodo di lungo declino. Fortemente esausta nelle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di maggior centro artistico.
Il lavoro di Frans Hals e il ritratto olandese del primo metà del XVII secolo.
Frans Hals(olandese. Frans Hals, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Anversa - 1666, Haarlem) - un eccezionale ritrattista della cosiddetta età d'oro dell'arte olandese.
- 1 Biografia
- 2 Fatti interessanti
- 3 Galleria
- 4 Note
- 5 Letteratura
- 6 collegamenti
Biografia
« Ritratto di famiglia Isacco Massa e sua moglie
Hals nacque intorno al 1582-1583 dal tessitore fiammingo François Frans Hals van Mechelen e dalla sua seconda moglie Adriantje. Nel 1585, dopo la caduta di Anversa, la famiglia Hals si trasferì ad Haarlem, dove l'artista visse tutta la sua vita.
Negli anni 1600-1603, il giovane artista studiò con Karel van Mander, sebbene l'influenza di questo rappresentante del manierismo non sia rintracciata nelle opere successive di Hals. Nel 1610 Hals divenne membro della corporazione di St. Luca e inizia a lavorare come restauratrice presso il comune cittadino.
Hals creò il primo ritratto nel 1611, ma Hals divenne famoso dopo il dipinto "Il banchetto degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. Giorgio" (1616).
Nel 1617 sposò Lisbeth Rainers.
“Il primo stile di Hals è caratterizzato da una predilezione per i toni caldi, una chiara modellazione delle forme con l'aiuto di tratti pesanti e densi. Negli anni Venti del Seicento, Hals, insieme ai ritratti, dipinse scene di genere e composizioni su temi religiosi” (“L'evangelista Luca”, “L'evangelista Matteo”, circa 1623-1625)”.
Louvre "Zingaro", Parigi
Negli anni 1620-1630. Hals ha dipinto una serie di ritratti, che raffigurano rappresentanti del gente comune("Giullare con liuto", 1620-1625, "Allegro compagno di bevute", "Malle Babbe", "Zingaro", "Mulatto", "Ragazzo pescatore"; tutto intorno al 1630).
L'unico ritratto in a tutta altezzaè "Ritratto di Willem Heithuissen" (1625-1630).
“Nello stesso periodo, Hals ha radicalmente riformato il ritratto di gruppo, rompendo con i sistemi compositivi convenzionali, introducendo nelle opere elementi di situazioni di vita che forniscono un collegamento diretto tra l'immagine e lo spettatore (“Banchetto di ufficiali della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano", 1623-27 circa; "Banchetto degli ufficiali della compagnia fucilieri di San Giorgio", 1627, "Ritratto di gruppo della compagnia fucilieri di Sant'Adriano", 1633; "Ufficiali della compagnia fucilieri di San Giorgio", 1633; . Giorgio", 1639)." Non volendo lasciare Haarlem, Hals rifiutò gli ordini se ciò richiedeva di andare ad Amsterdam. L'unico ritratto di gruppo che iniziò ad Amsterdam doveva essere terminato da un altro artista.
Negli anni 1620-1640, periodo di massima popolarità, Hals scrisse molto doppi ritratti coppie di sposi: il marito sul ritratto a sinistra e la moglie a destra. L'unico quadro in cui gli sposi sono raffigurati insieme è "Ritratto di famiglia di Isacco Massa e sua moglie" (1622).
"I reggenti della casa di cura"
Nel 1644 Hals divenne presidente della Corporazione di St. Luca. Nel 1649 completò un ritratto di Descartes.
“Le caratteristiche psicologiche si approfondiscono nei ritratti degli anni Quaranta del Seicento. (“Regents of the Hospital of St. Elizabeth”, 1641, ritratto di un giovane, circa 1642-50, “Jasper Schade van Westrum”, circa 1645); nella colorazione di queste opere comincia a predominare un tono grigio-argento. Lavori successivi I Khalsa sono eseguiti in modo molto libero e risolti in uno schema cromatico scarno, costruito su contrasti di toni in bianco e nero ("Uomo in abiti neri", circa 1650-52, "V. Cruz", circa 1660); in alcuni di essi si manifestava un sentimento di profondo pessimismo ("Regents of the Asylum", "Regents of the Asylum", entrambi - 1664)."
“In vecchiaia, Hals ha smesso di ricevere ordini ed è caduto in povertà. L'artista morì nell'ospizio di Haarlem il 26 agosto 1666.
La più grande collezione di dipinti dell'artista si trova nel Museo Hals di Haarlem.
Il fondatore del ritratto realistico olandese fu Frans Hals (Hals) (circa 1580-1666), il cui patrimonio artistico, con la sua nitidezza e il potere di abbracciare il mondo interiore di una persona, va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista dalle ampie vedute, audace innovatore, ha distrutto i canoni del ritratto di tenuta (nobile) del XVI secolo che si era sviluppato prima di lui. Non gli interessava una persona raffigurata secondo la sua posizione sociale in una posa maestosa-solenne e un costume da cerimonia, ma una persona in tutta la sua essenza naturale, caratteristica, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni. Nei ritratti di Hals sono rappresentati tutti i settori della società: borghesi, tiratori, artigiani, rappresentanti delle classi inferiori della società, dalla parte di quest'ultimo, le sue speciali simpatie, e nelle loro immagini ha mostrato la profondità di un potente pieno talento di sangue. Il democratismo della sua arte è dovuto ai legami con le tradizioni dell'era della rivoluzione olandese. Hals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con i loro modi senza cerimonie, il potente amore per la vita. Hals ha ampliato la portata del ritratto con l'introduzione elementi della trama, catturando i ritratti in azione, in una specifica situazione di vita, sottolineando espressioni facciali, gesti, posture, colti istantaneamente e con precisione. L'artista ha cercato la forza emotiva e la vitalità delle caratteristiche del ritratto, il trasferimento della loro energia incontenibile. Hals non solo ha riformato i ritratti individuali su commissione e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto che rasentava il genere quotidiano.
Hals è nato ad Anversa, poi si è trasferito ad Haarlem, dove ha vissuto tutta la vita. Era una persona allegra, socievole, gentile e spensierata. Il volto creativo di Khals si formò all'inizio degli anni '20 del XVII secolo. La popolarità diffusa gli fece guadagnare ritratti di gruppo di ufficiali della compagnia di fucilieri di St. George (1627, Harlem, Frans Hals Museum) e della compagnia di fucilieri di St. Adrian (1633, ibid.). Durante la festa vengono presentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Allegro, con un tocco di umorismo, l'umore unisce ufficiali di caratteri e modi diversi. Non c'è un personaggio principale qui. Tutti i presenti sono uguali partecipanti alla celebrazione. Hals ha superato la connessione puramente esterna dei personaggi, caratteristica dei ritratti dei suoi predecessori. L'unità della composizione asimmetrica si ottiene attraverso una comunicazione vivace, una libertà illimitata di disposizione delle figure unite da un ritmo ondulatorio.
Con brillantezza e forza, il pennello energico dell'artista scolpisce volumi di forme. flussi luce del sole scivolare sui volti, brillare in pizzo e seta, brillare negli occhiali. La gamma colorata, dominata da abiti neri e colletti bianchi, è ravvivata da sonore baltee da ufficiale giallo oro, lilla, blu e rosa. Pieni di coscienza della propria dignità e allo stesso tempo gesticolando liberamente, naturalmente, compaiono i borghesi olandesi dai ritratti di Hals, che trasmettono uno stato immediatamente colto. Braccia sui fianchi, un ufficiale con un cappello a tesa larga sorride con fervore (1624, Londra, collezione Wallace). La naturalezza e la vivacità della posa, la nitidezza dei tratti, la massima abilità nell'uso del contrasto del bianco e del nero nella pittura conquistano.
I ritratti di Hals sono diversi per temi e immagini. Ma i ritratti sono uniti da tratti comuni: l'integrità della natura, l'amore per la vita. Hals è un pittore della risata, un sorriso allegro e contagioso. Con gioia frizzante, l'artista ravviva i volti dei rappresentanti della gente comune, dei visitatori delle osterie e dei ragazzi di strada. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono sguardi e gesti verso lo spettatore.
Il respiro amante della libertà è alimentato dall'immagine dello "Zingaro" (1630 circa, Parigi, Louvre). Hals ammira l'orgoglioso atterraggio della sua testa in un'aureola di capelli soffici, un sorriso seducente, un vivace scintillio nei suoi occhi, un'espressione di indipendenza. Il profilo vibrante della silhouette, i raggi di luce che scivolano, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata la zingara, riempiono l'immagine con il brivido della vita. Ritratto di Malle Babbe (inizio 1630, Berlino - Dahlem, Galleria d'arte), la proprietaria della taverna, soprannominata non a caso la "strega di Harlem", si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo furbo e ardente, che si volta bruscamente e sorride ampiamente, come se rispondesse a uno dei clienti abituali della sua taverna. Un minaccioso gufo incombe in una cupa sagoma sulla sua spalla. Colpiscono la nitidezza, le visioni dell'artista, la forza cupa e la vitalità dell'immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica, la succosità della pennellata angolare aumentano l'ansia della scena.
Entro la metà del XVII secolo, i cambiamenti avvenuti nella società olandese erano chiaramente indicati; man mano che in essa si rafforza la posizione della borghesia, che ha perso il contatto con le masse, essa diventa sempre più conservatrice. L'atteggiamento dei clienti borghesi nei confronti degli artisti realisti è cambiato. Ha perso la sua popolarità e Khals, arte democratica che divenne estraneo alla rinata borghesia, correndo dietro la moda aristocratica.
L'ottimismo che afferma la vita del maestro è stato sostituito da profonda riflessione, ironia, amarezza, scetticismo. Il suo realismo divenne psicologicamente più profondo e critico, la sua abilità più raffinata e perfetta. Anche la colorazione di Hals è cambiata, acquisendo maggiore moderazione; nella prevalente gamma tonale grigio-argento, fredda, tra bianco e nero, piccole macchie di colore rosato o rosso, individuate con precisione, acquistano una sonorità speciale. La sensazione di amarezza, delusione è palpabile nel "Ritratto di un uomo vestito di nero" (1660 circa, San Pietroburgo, Hermitage), in cui le più fini sfumature colorate del viso si arricchiscono e prendono vita accanto a sobrie, quasi toni monocromatici in bianco e nero.
Il risultato più alto di Hals sono i suoi ultimi ritratti di gruppo dei reggenti e dei reggenti (fiduciari) della casa di cura, eseguiti nel 1664, due anni prima della morte dell'artista, che si diplomò da solo percorso di vita al rifugio. Pieno di vanità, freddo e devastato, assetato di potere e spavaldo, seduto al tavolo del vecchio fiduciario del gruppo “Ritratto dei reggenti dell'asilo per anziani” (Harlem, Frans Hals Museum. La mano del vecchio artista inconfondibilmente accuratamente applica tratti liberi e rapidi.La composizione è diventata calma e rigorosa.La scarsità dello spazio, la posizione delle figure, anche la luce diffusa, illuminando ugualmente tutte le raffigurazioni, contribuiscono a mettere a fuoco le caratteristiche di ciascuna di esse.La combinazione di colori è laconica con una predominanza di toni neri, bianchi e grigi. Ritratti successivi Gli Hal stanno accanto alle creazioni più straordinarie della ritrattistica mondiale: con il loro psicologismo sono vicini ai ritratti del più grande dei pittori olandesi: Rembrandt, che, come Hals, sopravvisse alla gloria della sua vita, essendo entrato in conflitto con l'élite borghese della società olandese.
Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. In gioventù venne ad Haarlem, dove visse quasi ininterrottamente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta del Seicento, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hals. Nel 1610 entrò nella Corporazione di San Luca e nel 1616 nella Camera degli oratori (attori dilettanti). Hals divenne rapidamente uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem.
Nei secoli XV-XVI. nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, gente famosa e artisti. L'arte di Khals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un ricco cittadino, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare il raffigurato, l'importante per lui è la loro naturalezza e originalità. I suoi nobili si comportano in modo disinibito come i rappresentanti degli strati inferiori della società, raffigurati nei dipinti di Hals come persone allegre, non prive di autostima.
bel posto nell'opera dell'artista c'è un ritratto di gruppo. Le migliori opere di questo genere furono i ritratti degli ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio (1627) e della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano (1633). Ogni personaggio nelle immagini ha il suo personalità brillante e, allo stesso tempo, queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su misura, in cui i ricchi borghesi e le loro famiglie sono posti in pose rilassate ("Ritratto di Isaac Massa", 1626; "Ritratto di Hethuisen", 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche, sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell'ambiente popolare nei ritratti di Hals si distinguono per vivida espressività e immediatezza. Nelle immagini di ragazzi di strada, pescatori, musicisti e frequentatori di osterie si avverte la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo "zingaro" è notevole. Una giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il cui sguardo sornione è rivolto a un interlocutore invisibile al pubblico. Hals non idealizza la sua modella, ma l'immagine di una zingara allegra e spettinata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso i ritratti di Hals includono elementi della scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o giocano strumenti musicali("I ragazzi che cantano", 1624-1625). Con lo stesso spirito, è stata rappresentata la famosa "Malle Babbe" (inizio 1630), presentando il noto proprietario della taverna di Haarlem, che i visitatori chiamavano alle sue spalle la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Nel 1640 Il Paese mostra segni di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata su tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attrae più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hals non ha abbandonato il realismo e la sua popolarità è crollata. Note di tristezza e delusione compaiono nel dipinto di questo periodo ("Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga"). La sua tavolozza diventa più rigorosa e calma.
All'età di 84 anni, Hals crea due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (fiduciari) e reggenti di una casa di cura (1664). Questi ultimi lavori I maestri olandesi si distinguono per la loro emotività e la brillante individualità delle immagini. Dalle immagini dei reggenti - vecchi e vecchie - si respira tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla colorazione, sostenuta nei toni del nero, del grigio e del bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte veritiera e affermativa ha avuto una grande influenza su molti artisti olandesi.
Dipinto di Rembrandt.
| Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) è stato un pittore, disegnatore e incisore olandese. L'opera di Rembrandt, intrisa del desiderio di una comprensione profondamente filosofica della vita, il mondo interiore di una persona con tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali, segna l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo, una delle vette del mondo cultura artistica. Il patrimonio artistico di Rembrandt è eccezionalmente vario: ha dipinto ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti su temi storici, biblici, mitologici, Rembrandt era maestro consumato disegno e incisione. Dopo un breve studio all'Università di Leida (1620), Rembrandt decise di dedicarsi all'arte e studiò pittura con J. van Swanenbürch a Leida (1620-1623 circa) e P. Lastman ad Amsterdam (1623); nel 1625-1631 lavorò a Leida. I dipinti di Rembrandt del periodo di Leida sono contrassegnati da una ricerca di indipendenza creativa, sebbene mostrino ancora l'influenza di Lastman e dei maestri del caravagismo olandese ("Bringing to the Temple", 1628-1629 circa, Kunsthalle, Amburgo). Nei dipinti "L'apostolo Paolo" (circa 1629-1630, Museo Nazionale, Norimberga) e "Simeone nel tempio" (1631, Mauritshuis, L'Aia), usò per la prima volta il chiaroscuro come mezzo per migliorare la spiritualità e l'espressività emotiva di immagini. Negli stessi anni Rembrandt lavorò intensamente al ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenburgh. 1630 - periodo felicità familiare e l'enorme successo artistico di Rembrandt. Il dipinto "The Anatomy Lesson of Dr. Tulp" (1632, Mauritshuis, L'Aia), in cui l'artista ha risolto in modo innovativo il problema ritratto di gruppo, conferendo alla composizione una vita disinvolta e unendo i ritratti in un'unica azione, portò a Rembrandt una grande fama. Nei ritratti dipinti da numerosi ordini, Rembrandt van Rijn ha trasmesso con cura i tratti del viso, i vestiti, i gioielli (dipinto "Ritratto di un Burgrave", 1636, Galleria di Dresda). | ||||
| Negli anni Quaranta del Seicento si stava preparando un conflitto tra il lavoro di Rembrandt e le limitate esigenze estetiche della società contemporanea. Si manifestò chiaramente nel 1642, quando il dipinto "Night Watch" (Rijksmuseum, Amsterdam) provocò le proteste dei clienti che non accettavano l'idea principale del maestro - invece del tradizionale ritratto di gruppo, creò una composizione eroicamente elevata con una scena del esibizione della corporazione dei tiratori in caso di allarme, ad es. essenzialmente un quadro storico che evoca ricordi della lotta di liberazione del popolo olandese. L'afflusso di ordini da Rembrandt sta diminuendo, le circostanze della sua vita sono oscurate dalla morte di Saskia. L'opera di Rembrandt sta perdendo la sua vistosità esteriore e le note di maggiore insite in essa in precedenza. Dipinge scene bibliche e di genere calme, calde e intime, rivelando le sottili sfumature delle esperienze umane, i sentimenti di vicinanza spirituale e familiare ("David and Jonathan", 1642, "The Holy Family", 1645, entrambi nell'Eremo, St. Pietroburgo). |
| Il miglior gioco di chiaroscuro, che crea un'atmosfera speciale, drammatica, emotivamente intensa, sta diventando sempre più importante sia nella pittura che nella grafica di Rembrandt (il monumentale foglio grafico "Cristo guarisce il malato" o "Foglia di cento fiorini", circa 1642- 1646; paesaggio aereo e luminoso dinamico “Tre alberi”, acquaforte, 1643). Il 1650, pieno di tempi difficili per Rembrandt le prove della vita, apre il periodo della maturità creativa dell'artista. Rembrandt si rivolge sempre più al genere del ritratto, raffigurante le persone a lui più vicine (numerosi ritratti della seconda moglie di Rembrandt, Hendrickje Stoffels; "Ritratto di una donna anziana", 1654, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo; "Il figlio di Tito che legge", 1657 , Kunsthistorisches Museum, Vienna). |
| A metà del 1650, Rembrandt acquisì una matura abilità pittorica. Gli elementi di luce e colore, indipendenti e anche in parte opposti nelle prime opere dell'artista, ora si fondono in un unico insieme interconnesso. La calda massa rosso-marrone, ora lampeggiante, ora sbiadita, tremolante di vernice luminosa esalta l'espressività emotiva delle opere di Rembrandt, come se le riscaldasse con un caldo sentimento umano. Nel 1656 Rembrandt fu dichiarato fallito, tutta la sua proprietà fu venduta all'asta. Si è trasferito nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove ha trascorso il resto della sua vita in circostanze estremamente anguste. Creato da Rembrandt nel 1660 composizioni bibliche riassumere le sue riflessioni sul significato vita umana. In episodi che esprimono lo scontro tra buio e luce in anima umana("Assur, Haman and Esther", 1660, Museo Pushkin, Mosca; "The Fall of Haman" o "David and Uriah", 1665, State Hermitage Museum, San Pietroburgo), scala ricca e calda, pennellata di impasto flessibile, gioco intenso di ombre e luci, la trama complessa della superficie colorata serve a rivelare complessi conflitti ed esperienze emotive, ad affermare il trionfo del bene sul male. |
| Dramma severo ed eroismo intriso quadro storico"The Conspiracy of Julius Civilis" ("The Conspiracy of the Batavis", 1661, è stato conservato un frammento, Museo Nazionale, Stoccolma). Nell'ultimo anno della sua vita, Rembrandt ha creato il suo capolavoro principale: il dipinto monumentale “Il ritorno figliol prodigo" (circa 1668-1669, State Hermitage Museum, San Pietroburgo), che incarnava tutte le questioni artistiche, morali ed etiche creatività tardiva artista. Con incredibile abilità, ricrea in esso un'intera gamma di complessi e profondi sentimenti umani, subordinati mezzi artistici rivelando la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il culmine del passaggio dalla tensione dei sentimenti alla risoluzione delle passioni si incarna in pose scultoree espressive, gesti meschini, nella struttura emotiva del colore che lampeggia brillantemente al centro dell'immagine e svanisce nello spazio ombreggiato dello sfondo. Il grande pittore, disegnatore e incisore olandese Rembrandt van Rijn morì il 4 ottobre 1669 ad Amsterdam. L'influenza dell'arte di Rembrandt fu enorme. Ha influenzato il lavoro non solo dei suoi allievi diretti, di cui Karel Fabritius si è avvicinato maggiormente alla comprensione del maestro, ma anche sull'arte di ogni artista olandese più o meno significativo. L'arte di Rembrandt ha avuto un profondo impatto sullo sviluppo del mondo intero arte realistica dopo. |
Rembrandt Harmenszoon van Rijn(olandese. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Pittore olandese, disegnatore e incisore, Grande maestro chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. Riuscì a incarnare nelle sue opere l'intera gamma di esperienze umane con una tale ricchezza emotiva, che le belle arti non conoscevano prima di lui. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, aprono allo spettatore un tempo senza tempo mondo spirituale esperienze e sentimenti umani.
- 1 Biografia
- 1.1 Anni di apprendistato
- 1.2 Influenza di Lastman e dei caravagisti
- 1.3 Workshop a Leida
- 1.4 Generazione proprio stile
- 1.5 Successo ad Amsterdam
- 1.6 Dialogo con gli italiani
- 1.7 Guardia notturna
- 1.8 Periodo di transizione
- 1.9 Il tardo Rembrandt
- 1.10 Lavori recenti
- 2 Problemi di attribuzione
- 3 studenti di Rembrandt
- 4 Gloria postuma
- 5 Al cinema
- 6 Note
- 7 collegamenti
Biografia
Anni di apprendistato
Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) in una numerosa famiglia di un ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. La famiglia della madre rimase fedele alla fede cattolica anche dopo la Rivoluzione olandese.
"Allegoria della musica" del 1626 - un esempio dell'influenza di Lastman sul giovane Rembrandt
A Leida, Rembrandt ha frequentato la scuola latina all'università, ma ha mostrato il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti al pittore storico di Leida Jacob van Swanenbürch, cattolico per fede. Le opere di Rembrandt di questo periodo non sono state identificate dai ricercatori e rimane aperta la questione dell'influenza di Swanenbürch sulla formazione del suo stile creativo: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.
Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, formatosi in Italia e specializzato in scienze storiche, mitologiche e racconti biblici. Tornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni, ha guadagnato una notevole fama.
Fenomeno culturale unico XVII secolo chiamato la natura morta di fiori olandesi, che ebbe un impatto significativo sull'intero ulteriore sviluppo della pittura in Europa.
Con amore e attenzione, gli artisti hanno scoperto la bellezza della natura e il mondo delle cose, ne hanno mostrato la ricchezza e la diversità. I mazzi di rose, nontiscordardime e tulipani di Ambrosius Bosschaert il Vecchio, che divenne il fondatore della pittura di nature morte floreali come tendenza indipendente, incantano e attirano lo sguardo.
ABROSIUS BOSHART IL VECCHIO 1573-1621
Bosschaert ha iniziato la sua carriera ad Anversa nel 1588. Dal 1593 al 1613 lavorò a Middelburg, poi a Utrecht (dal 1616) ea Breda.
Le tele di Bosschaert raffigurano spesso farfalle o conchiglie accanto a mazzi di fiori. In molti casi i fiori sono sfiorati dall'appassimento, che introduce nelle tele di Bosshart il motivo allegorico della fragilità dell'essere ( vanità)
Tulipani, rose, garofani bianchi e rosa, nontiscordardime e altri fiori in un vaso.
A prima vista, i bouquet sembrano dipinti dalla natura, ma a un esame più attento diventa ovvio che sono costituiti da piante che fioriscono in tempo diverso.L'impressione di naturalezza e plausibilità deriva dal fatto che le immagini dei singoli colori si basano su singoli "studi" naturali
Un frammento ingrandito di uno schizzo di Jan Van Huysum conservato al Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Mezzo XVII secolo
Questo era il solito metodo di lavoro dei pittori di nature morte floreali. Gli artisti hanno realizzato meticolosi disegni ad acquerello e tempera, disegnando fiori dal vero, in diverse angolazioni e sotto diverse luci, e questi disegni li hanno poi serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nei dipinti.
Jacob Morel. "Due tulipani"
Come materiale di lavoro sono stati utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni da collezioni a stampa e atlanti botanici.
Clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero "come vivi". Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici, poetici. La natura in loro viene trasformata dalla pittura.
Natura morta con fiori in un vaso 1619
I "ritratti" di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, sono stati creati per album floristici, in cui i giardinieri cercavano di perpetuare piante stravaganti. Immagini particolarmente numerose di tulipani. Quasi tutte le nature morte olandesi contengono tulipani.
Ambrosius Bosschaert "Fiori in vaso" 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.
Nel 17 ° secolo in Olanda c'è stato un vero boom di tulipani, a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco alla corte turca, Busbek. Durante il suo viaggio attraverso il paese, è rimasto affascinato dalla vista di questi delicati fiori.
Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e in Inghilterra, in Germania e in Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche, persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte speciali celebrazioni solenni in onore dell'allevamento di nuove varietà.
Natura morta con fiori.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte.
Il numero di nature morte floreali olandesi è enorme, ma ciò non le toglie. valore artistico. Dopo le aste, quando la situazione economica in Olanda non era brillante, pittoresche collezioni provenienti dalle case dei borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.
Mazzo di fiori 1920
Al centro di questo bouquet vediamo un croco, ma è enorme, alcune informazioni su questo fiore le conosciamo.
Il croco è una pianta medicinale, afrodisiaca e colorante. Dai suoi stami ricavano una meravigliosa spezia: lo zafferano, che viene aggiunto ai dolci orientali. La patria del croco è la Grecia e Asia minore. Proprio come giacinti e gigli, il croco divenne l'eroe dei miti degli antichi greci, raffigurato nelle scene dei murales dei palazzi.
Secondo un'antica leggenda, la terra era ricoperta di giacinti e crochi per le nozze e la prima notte di nozze di Era e Zeus.
Un'altra leggenda descrive la storia di un giovane di nome Crocus, che attirò l'attenzione di una ninfa con la sua bellezza, ma rimase indifferente alla sua bellezza. Quindi la dea Afrodite trasformò il giovane in un fiore e la ninfa in un convolvolo, creando così un'unione inseparabile.
Fiori in un vaso di vetro.
Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha fatti viaggiare città diverse e realizza disegni naturali nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem, Leida. Gli artisti dovevano anche aspettare che le stagioni cambiassero per catturare il fiore giusto.
Fiori. 1619
Fiori in un vaso cinese.
Fiori in un cesto.
Natura morta con fiori in una nicchia.
Fiori in una nicchia.
Nelle nature morte di frutta e fiori, la combinazione apparentemente casuale di rappresentanti esteriormente non correlati di flora e fauna incarnava indirettamente l'idea della peccaminosità mortale di tutto ciò che è terreno e, al contrario, l'incorruttibilità della vera virtù cristiana.
Quasi ogni "personaggio" di una natura morta lingua difficile i simboli denotavano una certa idea: la mortalità di tutto ciò che è terreno (ad esempio lucertole o lumache), la stupida peccaminosità e fragilità della vita umana, che potrebbe essere simboleggiata, in particolare, da un tulipano.
Fiori in un vaso di vetro.1606
Secondo le idee dei fiamminghi e degli olandesi, questo fiore delicato non era solo l'incarnazione visibile di una bellezza che svanisce rapidamente, ma la sua coltivazione era percepita da molti come una delle professioni più vane ed egoiste);
Conchiglie esotiche d'oltremare, che erano oggetti da collezione alla moda, suggerivano uno spreco di denaro; La scimmia con la pesca è stata tradizionalmente considerata un simbolo del peccato originale.
Natura morta con fiori in una bottiglia di vetro verde.
D'altra parte, una mosca sulla stessa pesca o rosa evocava solitamente associazioni con il simbolismo della morte, del male e del peccato; uva e noci spezzate - allusivo alla Caduta e, allo stesso tempo, al sacrificio espiatorio di Cristo sulla croce, Bacche rosse di ciliegie mature - simbolo dell'amore divino, mentre una farfalla svolazzante - personifica l'anima salvata del giusto.
Cestino.
La direzione artistica di Ambrosius Bosschaert ha continuato a sviluppare i suoi tre figli - Ambrosius Bosschaert il Giovane, Abraham Bosschaert e Johannes Bosschaert, così come suo genero Balthasar van der Ast. Le loro opere, generalmente molto numerose, sono invariabilmente richieste a aste d'arte.
Fonti.
Le "nature morte olandesi" più popolari erano nature morte di fiori. Hanno ispirato lo spettatore a riflettere su argomenti morali e religiosi. Composto da fiori belli e vari (tulipani, iris, rose, delphinium, violette - "viole del pensiero", garofani, papaveri, anemoni, giacinti, narcisi, campanule, mughetti, nontiscordardime, margherite, aquilegia, tatsets) , il bouquet era un pittoresco inno alla bellezza della creazione divina e, attraverso di essa, alla saggezza e alla generosità del Signore, che ha permesso che questa bellezza fosse catturata per sempre.
A prima vista, i bouquet sembrano dipinti dalla natura, ma a un esame più attento diventa evidente che sono composti da piante che fioriscono in tempi diversi. L'impressione di naturalezza e realisticità illusionistica deriva dal fatto che le immagini dei singoli colori si basano su studi naturali individuali. Questo era il solito metodo di lavoro dei pittori di nature morte floreali. Gli artisti hanno realizzato meticolosi disegni ad acquerello e tempera, disegnando fiori dal vero, in diverse angolazioni e sotto diverse luci, e questi disegni li hanno poi serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nei dipinti. Come materiale di lavoro sono stati utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni da collezioni a stampa e atlanti botanici.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Mezzo XVII secolo
Baldassarre van der Ast. "Tulipano".1690. Parigi.
Gérard van Spaendo. "Mazzo".
Jacob Morel. "Due tulipani"
Tulipani.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#
Clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero "come vivi". Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici, poetici. La natura in loro viene trasformata dalla pittura.
I "ritratti" di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, sono stati creati per album floristici, in cui i giardinieri cercavano di perpetuare piante stravaganti. Immagini particolarmente numerose di tulipani. Quasi tutte le nature morte olandesi contengono tulipani. Nel 17 ° secolo in Olanda c'è stato un vero boom di tulipani, a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco alla corte turca, Busbek. Durante il suo viaggio attraverso il paese, è rimasto affascinato dalla vista di questi delicati fiori. Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e in Inghilterra, in Germania e in Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche, persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte speciali celebrazioni solenni in onore dell'allevamento di nuove varietà.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte. Il numero di nature morte floreali olandesi è enorme, ma ciò non toglie nulla al loro valore artistico. Dopo le aste, quando la situazione economica in Olanda non era brillante, pittoresche collezioni provenienti dalle case dei borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.
Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha portati a viaggiare in diverse città e realizzare disegni naturali nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem, Leida. Gli artisti dovevano anche aspettare che le stagioni cambiassero per catturare il fiore giusto.