Il Rinascimento e l’Età Moderna sono tra i periodi più significativi nello sviluppo dell’umanità. Cosa li caratterizza? In cosa differisce il Rinascimento dall’era moderna?
Il Rinascimento e la New Age: periodizzazione e oggetto di confronto
Il periodo rinascimentale è solitamente considerato il periodo compreso tra l'inizio del XIV secolo e la prima metà del XVII secolo, subito dopo inizia l'epoca moderna. Il confronto tra il Rinascimento e l'era Moderna può essere effettuato secondo criteri diversi, ma molto spesso i ricercatori confrontano questi periodi dello sviluppo umano secondo le caratteristiche principali del pensiero filosofico. La diffusione della conoscenza umanitaria, lo sviluppo della cultura, dell'economia e della società in Europa hanno contribuito al fatto che è stato il pensiero filosofico a diventare una delle caratteristiche principali di un particolare periodo di sviluppo degli stati. Pertanto, confronteremo proprio le sue caratteristiche in relazione al Rinascimento e ai tempi moderni.
Rinascimento: idee filosofiche di base
Rinascimentoè spesso considerato come un periodo di transizione tra il Medioevo e l'età moderna in termini di approcci di scienziati e teologi alla comprensione del ruolo dell'uomo nel mondo. Nel pensiero filosofico del corrispondente periodo di sviluppo Cultura europea il posto centrale appartiene a Dio e all'uomo. Una notevole attenzione da parte di scienziati e pensatori del Rinascimento è stata prestata allo studio delle questioni relative all'essenza dell'uomo, alla sua creatività, alla partecipazione alla vita dello stato e della società.
Nel Medioevo si credeva che la creazione fosse data a Dio, e questa non era prerogativa dell'uomo. Durante il Rinascimento, le opinioni dei pensatori furono integrate da concetti che consideravano anche l'uomo come soggetto di creatività. Gli approcci filosofici del periodo corrispondente erano dominati dall’idea che alle persone dovesse essere assegnato un ruolo significativo nello sviluppo della cultura, della politica e nel miglioramento delle infrastrutture e della tecnologia.
Nella filosofia del Rinascimento, l'aspetto estetico occupa un posto importante. Nel Medioevo la bellezza e la grazia erano considerate fenomeni divini. Si credeva che una persona non avesse il diritto di crearli attivamente. Ma durante il Rinascimento, le opinioni dei filosofi e della società furono integrate da altri concetti. L'uomo cominciò a essere visto come un soggetto intrinsecamente prezioso di bellezza e grazia, come portatore di principi altamente morali.
Pertanto, la base per lo sviluppo della società rinascimentale era l'autosviluppo dell'uomo, la realizzazione del suo potenziale - sotto l'aspetto della scienza, della tecnologia e dell'organizzazione dell'autogoverno.
La New Age: caratteristiche delle visioni filosofiche
A Nuovo tempoÈ consuetudine riferirsi al periodo che iniziò quasi immediatamente dopo il Rinascimento - dalla metà del XVII secolo - e durò fino all'inizio del XX secolo.
Uno di quei pensatori dell'età moderna, grazie al quale ebbe luogo l'evoluzione delle idee filosofiche nel periodo corrispondente, fu René Descartes. È autore di un insegnamento che ha avuto un impatto eccezionale grande influenza sullo sviluppo della cultura e della società in Europa durante la New Age. Uno dei suoi più libri famosi- "Discorso sul metodo" - fu scritto nel 1637, proprio all'inizio dell'era in esame.
La filosofia, secondo Cartesio, deve soddisfare i criteri della verità ed essere giustificata, anche per i critici e gli scettici. “Penso, quindi esisto” è una frase che appartiene a Cartesio. Pertanto, una persona dell'era moderna è un soggetto pensante e razionale. La base del suo pensiero dovrebbe essere, come credeva Cartesio, le idee più elementari, che si formano, di regola, intuitivamente e sono abbastanza facilmente rilevabili nella mente umana. Quindi, in base a idee semplici, nel processo di deduzione possono già essere derivati concetti più complessi. Che, a sua volta, va testato nella pratica, con l'esperienza di vita, sperimentalmente.
L’Età dell’Illuminismo coincide in realtà con il Nuovo Tempo. Una delle sue principali tendenze ideologiche era il razionalismo. Isaac Newton, John Locke e altri famosi pensatori dei tempi moderni hanno contribuito allo sviluppo di tali concetti. La persona dell'epoca in questione è oggetto non solo di creatività, ma anche di principi razionali. Questo è un uomo non di postulati, ma di prove ragionevoli.
La base per lo sviluppo della società nell'era moderna era il miglioramento, grazie alla razionalizzazione e al desiderio di una comprensione ragionevole delle cose, i principi dello sviluppo umano. Il che, a sua volta, ha anche contribuito a un ulteriore progresso scientifico e tecnologico, allo sviluppo culturale e all’emergere di novità idee promettenti attuazione di meccanismi di autogoverno e di auto-organizzazione politica delle persone.
Confronto
La principale differenza tra il Rinascimento e l'Età Moderna dal punto di vista del pensiero filosofico è che nel primo dei periodi considerati l'uomo era riconosciuto come soggetto di creatività ed estetica, che apprese da Dio, che è il Creatore dell'uomo. Nei tempi moderni, creativo e inizio estetico l'uomo era integrato dalla conoscenza razionale, la cui essenza fu studiata da René Descartes.
Dopo aver determinato quale sia la differenza tra il Rinascimento e l'era Moderna in termini di periodizzazione, nonché le caratteristiche del pensiero filosofico, registreremo le conclusioni nella tabella.
Arte rinascimentale
Rinascimento- questo fu il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, quella principale tra queste, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, era l'arte figurativa.
Non è un caso che esista una teoria secondo cui il Rinascimento iniziò con il fatto che gli artisti smisero di accontentarsi del quadro dello stile “bizantino” dominante e, alla ricerca di modelli per la loro creatività, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine “Rinascimento” fu introdotto dal pensatore e artista dell’epoca stesso, Giorgio Vasari (“Biografie di famosi pittori, scultori e architetti”). Così chiamò il periodo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, era un periodo di rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare come un'immagine ideale.
Successivamente, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l’emancipazione della scienza e dell’arte dalla teologia, un raffreddamento verso l’etica cristiana, l’emergere di letterature nazionali e il desiderio di una persona di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.
REVIVAL, RINASCIMENTO(Renais sance francese - rinascimento) - una delle epoche più grandi, punto di svolta nello sviluppo dell’arte mondiale tra Medioevo ed età moderna. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. in altri paesi europei. Questo periodo nello sviluppo della cultura ha ricevuto il suo nome: Rinascimento (o Rinascimento) in connessione con il risveglio dell'interesse per l'arte antica. Tuttavia, gli artisti di questo tempo non solo copiarono vecchi modelli, ma inserirono anche in essi contenuti qualitativamente nuovi. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o movimento artistico, poiché durante quest'epoca c'erano vari stili, direzioni e tendenze artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo furono proclamati il valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della personalità creativa è particolarmente aumentato.
Pathos umanistico dell'epoca il modo migliore incarnato nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a fornire un'immagine dell'universo. La novità è che hanno cercato di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma la preferenza è stata data alle belle arti e all'architettura.
Dipinto italiano del XV secolo. per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di “imitare la natura”. Si sta sviluppando un nuovo sistema pittorico basato sullo studio della natura. Ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume e alla sua trasmissione mediante il chiaroscuro artista Masaccio. La scoperta e la giustificazione scientifica delle leggi della prospettiva lineare e aerea hanno influenzato in modo significativo il destino futuro della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore fu Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).
In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuove tipologie di edifici (palazzo di città, villa di campagna, ecc.), si sviluppa la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale . L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova fantasiosa spiritualità dell'architettura sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo fu incarnata al meglio nel lavoro di artisti che sono giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo. chiamato tardo Rinascimento. In questo momento, una crisi travolge l’arte. Diventa irreggimentato, cortese e perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, alcuni grandi artisti - Tiziano, Tintoretto - continuano a creare capolavori durante questo periodo.
Il Rinascimento italiano ha avuto un'enorme influenza sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.
L'ascesa dello sviluppo dell'arte nei Paesi Bassi, in Francia e in Germania (secoli XV-XVI) è chiamata Rinascimento settentrionale. Le opere dei pittori Jan van Eyck e P. Bruegel il Vecchio rappresentano l'apice di questo periodo di sviluppo artistico. Il più grande artista tedesco Rinascimento tedesco era A. Dürer.
Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura spirituale e dell'arte furono di grande significato storico per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua nel nostro tempo.
Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.
Il più grande maestro del Protorinascimento fu il primo a creare dipinti invece di icone Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di sentimenti ed esperienze umane reali, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione di spazio reale e oggetti specifici. Nei famosi affreschi di Giotto Cappella dell'Arena a Padova Accanto ai santi si possono vedere personaggi molto insoliti: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben precise, un carattere specifico. 
Durante il primo Rinascimento nell'arte, l'antico patrimonio artistico fu padroneggiato, si formarono nuovi ideali etici, gli artisti si dedicarono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del David del condottiero Gattamelata è dominata dai principi eroici e patriottici di Donatello ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio). 
Il fondatore della pittura rinascimentale è Masaccio(dipinti della Cappella Brancacci, “Trinità”), Masaccio ha saputo trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un unico concetto compositivo e ha dato espressività ritrattistica agli individui.
Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che rifletteva l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, è associata ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Il lavoro dell’artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spirituali e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il sofisticato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche con contenuti complicati e crittografati ("Primavera", "Nascita di Venere"). Uno degli scrittori della vita di Botticelli ha detto che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci un sentimento di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri hanno perso la terra. 
"Primavera" "Nascita di Venere"
Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano diventa Alto Rinascimento. Leonardo da Vinci è considerato il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento. grande artista e scienziato.
Ha creato numerosi capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito è diventato una parte indispensabile delle opere di La scuola di Leonardo vi è appena percettibile. Ma nella foschia dolcemente sciogliente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire la variabilità illimitata delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi di Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, grazie all'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli ci sono ombre sottili che ti fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno e parleranno. Proprio il contrasto tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà l'idea dell'incoerenza dei suoi vissuti. Non invano Leonardo torturò il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è stato in grado di trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, e danno origine a una sensazione di vita vibrante. Non per niente Vasari pensò che sul collo di Gioconda battesse una vena.
Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'aria che lo circonda. Ci ha messo anche la comprensione di ciò che l'occhio richiede affinché un'immagine produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando la dissonanza tesa è risolta da un accordo eufonico. . La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo strettamente proporzionale, la sua mezza figura forma un tutt'uno, le mani giunte danno completezza all'immagine. Ora, ovviamente, non si potrebbe parlare dei riccioli fantasiosi della prima “Annunciazione”. Tuttavia, non importa quanto siano ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli di Monna Lisa è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto appeso gettato sulle sue spalle trova un’eco nelle morbide curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo dimostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “Dal punto di vista della tecnica esecutiva, la Gioconda è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo enigma”, dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha utilizzato la tecnica dello “sfumato” da lui sviluppata. La tecnica è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe trasformarsi dolcemente l'uno nell'altro, i contorni degli oggetti dovrebbero essere ammorbiditi con l'aiuto della foschia dell'aria leggera che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nelle macchie più piccole (circa un quarto di millimetro), che non sono riconoscibili né al microscopio né utilizzando i raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere il dipinto di Da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, a quanto pare l'artista ha dovuto utilizzare una lente d'ingrandimento. Forse è l’uso di una tecnologia ad alta intensità di manodopera a spiegarlo per molto tempo Il lavoro sul ritratto è durato quasi 4 anni. 
, "Ultima cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come se lo superasse e trasportasse lo spettatore in un mondo di armonia e visioni maestose, si svolge l'antico dramma evangelico della fiducia tradita. E questo dramma trova la sua soluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dalla faccia addolorata che accetta ciò che sta accadendo come inevitabile. Cristo ha appena detto ai suoi discepoli: “Uno di voi mi tradirà”. Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separatamente, ma Leonardo rivelava il suo cupo isolamento in modo molto più convincente, avvolgendo i suoi lineamenti nell'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno della consapevolezza del sacrificio della sua impresa. La sua testa chinata con gli occhi bassi e il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro dell'intera composizione, di tutto il vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e la sua calma sembrano eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato. Ha cercato nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma è stato lui che N. Berdyaev considera responsabile dell'imminente processo di meccanizzazione e la meccanizzazione della vita umana, che separava l'uomo dalla natura.
La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime immagini umbre di Madonne (“Madonna Conestabile”), freddamente distaccate, al mondo del “cristianesimo felice” delle opere fiorentine e romane. "Madonna con il cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbide, umane e persino ordinarie nella loro umanità. 
Ma l'immagine della “Madonna Sistina” è maestosa e collega simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di delicate immagini di Madonne. Ma nella pittura ha incarnato sia l'ideale dell'uomo universale del Rinascimento (ritratto di Castiglione) sia il dramma degli eventi storici. “La Madonna Sistina” (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell’artista. Dipinto come immagine d'altare per la chiesa del monastero di S. Sixta a Piacenza, questo dipinto per concezione, composizione e interpretazione dell'immagine si differenzia notevolmente dalle “Madonne” Periodo fiorentino. Invece dell'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che osserva con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui vediamo una visione meravigliosa che appare all'improvviso nel cielo da dietro una tenda tirata da qualcuno. Circondata da un bagliore dorato, Maria solenne e maestosa cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. A sinistra e a destra S. si inginocchia davanti a lei. Sisto e S. Varvara. La composizione simmetrica e rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla “Madonna Sistina” una grandiosità speciale.
In questo dipinto Raffaello, forse più che altrove, è riuscito a coniugare la vitale veridicità dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui con ferma determinazione ed eroica disponibilità al sacrificio. Questo eroismo collega l'immagine della Madonna con le migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione tra l'ideale e il reale in questa immagine ce lo fa ricordare parole famose Raffaello da una lettera all'amico B. Castiglione. “E io ti dirò”, scrive Raffaello, “che per dipingere una bellezza ho bisogno di vedere molte bellezze... ma per mancanza... belle donne, Sto usando un'idea che mi viene in mente. Non so se abbia qualche perfezione, ma faccio del mio meglio per raggiungerla”. Queste parole fanno luce sul metodo creativo dell'artista. Partendo dalla realtà e appoggiandosi ad essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è casuale e transitorio.
Michelangelo(1475-1564) è senza dubbio uno degli artisti più ispirati della storia dell'arte e, insieme a Leonardo Da Vinci, la figura più potente dell'Alto Rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.
Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura, e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte della sua età adulta a Roma, lavorando su ordine dei papi; lasciò però un testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.
Si esibì Michelangelo scultura in marmo Pietà(Compianto di Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua sede originaria: la Basilica di San Pietro. Questo è uno dei più opere famose nella storia dell'arte mondiale. La Pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima dei 25 anni. Questa è l'unica opera da lui firmata. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine presa in prestito dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Maria non è tanto triste quanto solenne. Questo il punto più alto l'opera del giovane Michelangelo. 
Non di meno lavoro significativo il giovane Michelangelo divenne un'immagine marmorea gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo il ritorno a Firenze. Eroe Vecchio Testamento Michelangelo è raffigurato come un giovane bello, muscoloso e nudo che guarda con ansia in lontananza, come se valutasse il suo nemico: Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e intensa del volto di David è caratteristica di molte opere di Michelangelo: questo è un segno del suo stile scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, divenne un simbolo di Firenze e originariamente era collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio di Firenze. Con questa statua Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.
Dipingere la volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu chiamato a Roma da papa Giulio II per eseguire due commesse. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò tra il 1508 e il 1512 le più belle illustrazioni per alcuni racconti biblici. Sulla volta della cappella papale dipinse nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e comprendendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio. Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.
Per prepararsi a questa grande opera, Michelangelo la completò grande quantità schizzi e cartoni su cui raffigurava le figure dei soggetti in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a un nuovo movimento nell'arte dell'Europa occidentale. 
Altre due statue eccellenti, Il prigioniero incatenato e la morte di uno schiavo(entrambi intorno al 1510-13) sono al Louvre di Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno di un blocco di marmo, e compito dell'artista è quello di liberarle rimuovendo la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché diventavano inutili o semplicemente perché perdevano l'interesse per l'artista. 
Biblioteca SanLorenzo Il progetto per la tomba di Giulio II richiese un'elaborazione architettonica, ma il serio lavoro di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente (questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante androne della Biblioteca, adiacente alla Chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo diversi decenni dopo la morte dell'autore.
Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò alla guerra contro i Medici nel 1527-29. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni a Firenze. 
Cappelle Medicee. Avendo vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo eseguì, tra il 1519 e il 1534, l'ordine della famiglia Medici per la costruzione di due tombe nella sacrestia nuova della Chiesa di San Lorenzo. In un salone dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De' Medici, duca di Urbino e a Giuliano De' Medici, duca di Nemours. Le due tombe complesse dovevano rappresentare tipologie opposte: Lorenzo è un individuo autonomo, una persona meditabonda e riservata; Giuliano, al contrario, è attivo e aperto. Lo scultore collocò sculture allegoriche del Mattino e della Sera sulla tomba di Lorenzo e allegorie del Giorno e della Notte su quella di Giuliano. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo il ritorno di Michelangelo a Roma nel 1534. Non visitò mai più la sua amata città.
Ultimo Giudizio
Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma al dipinto della parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. L'affresco più grande del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale. Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e nei peccatori che scendono nel mondo di Dante. inferno (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio più tardi un artista puritano le "vesté" quando il clima culturale divenne più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente visibile sulla pelle strappata al Santo Apostolo Martire Bartolomeo.
Anche se in questo periodo Michelangelo ebbe altre commissioni pittoriche, come il dipinto della Cappella di San Paolo Apostolo (1940), cercò innanzitutto di dedicare tutte le sue energie all'architettura.
Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato architetto capo della costruzione della Basilica di San Pietro in Vaticano. L'edificio fu costruito secondo i progetti di Donato Bramante, ma alla fine fu Michelangelo a occuparsi della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo del progetto ingegneristico e artistico della cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il risultato più alto del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Nel corso della sua lunga vita, Michelangelo fu amico intimo di principi e papi, da Lorenzo De' Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di numerosi cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere chiaramente attraverso le sue opere: sono così diverse. Solo nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo affrontava più spesso e più profondamente le questioni della creatività e del suo posto nell'arte. Un ampio spazio nelle sue poesie è dedicato ai problemi e alle difficoltà che dovette affrontare nel suo lavoro, nonché ai rapporti personali con i rappresentanti più importanti di quell'epoca. poeti famosi Nel Rinascimento Ludovico Ariosto scrisse un epitaffio per questo famoso artista: "Michele è più che mortale, è un angelo divino". 
Il Rinascimento, iniziato in Italia nel primo quarto del XV secolo, capovolse il mondo medievale, cambiandolo per sempre. Tradotto dal francese o dall'italiano, "rinascimento" significa "rinascere", che è associato a una rinascita dell'arte antiche tradizioni. Il Rinascimento è una svolta magnifica per l’umanità, su questo non ci possono essere dubbi. Durante quel periodo furono create meravigliose opere di pittura, scultura e architettura. Sono stati scritti (e pubblicati) grandi libri. Creazioni del genio umano create maestri famosi del passato, continuano a deliziare ancora oggi e non perderanno mai il loro fascino.
Medioevo spaventoso
È considerato un fatto risaputo che il Rinascimento sostituì il Medioevo, che fu, come al solito, oscuro, certamente duro e caratterizzato da varie atrocità religiose: tutti hanno sentito parlare dell'Inquisizione. Ci sono fonti che affermano direttamente che a causa delle macchinazioni dell'insidiosa Chiesa cattolica, il Rinascimento cadde in declino.
In parte, questa visione delle cose ha il diritto di esistere, ma è improbabile che i meriti del clero in questo processo siano così grandi. È solo che la società umana si sviluppa ciclicamente, ogni rivoluzione è seguita da una reazione e il Rinascimento divenne vittima di processi del tutto naturali, soprattutto perché molte delle sue idee erano estranee alla società ignorante di quei tempi affetta da numerose epidemie. È molto difficile instillare in una persona la sua essenza divina quando è povera, dipendente e in costante paura.
La Chiesa come roccaforte della civiltà
Alcuni storici accusano direttamente il Medioevo di vari crimini contro l'umanità, anche dove ciò non è vero. Alcune fonti, ad esempio, si permettono di affermare che la scienza non si è sviluppata nel Medioevo. Tuttavia, molte moderne università europee sorsero sul sito di ex monasteri (Oxford) o grazie agli sforzi del clero (Sorbona).
Non ha senso negare che quasi tutta l’istruzione nei tempi antichi era basata sulla chiesa (e continuò ad esserlo per molti decenni). Ciò è facilmente spiegabile: la percentuale più alta di persone alfabetizzate elementari era concentrata nel clero, e se è così, allora chi dovrebbe insegnare ai “loro fratelli stolti” se non i monaci e gli altri sacerdoti?
Lo sviluppo della civiltà è continuo. Anche se a volte l’umanità ha dovuto fare un passo indietro, la cultura del Rinascimento non si sarebbe mai realizzata nella forma in cui la conosciamo se non avesse percorso il suo cammino spinoso nell’oscurità del Medioevo. Pertanto, le grandi opere letterarie non sarebbero nate se non fossero state precedute da secoli di lavoro da numerose pepite (la cui opera chiamiamo folklore solo perché i loro nomi sono rimasti sconosciuti). Se non fosse esistita la poetica cavalleresca medievale, difficilmente “ La Divina Commedia"Dante Alighieri e i sonetti del Petrarca.
I semi devono cadere su terreno fertile
Confrontare l’era precedente con quella successiva non è molto corretto. Voltaire sosteneva che la storia è un mito, su cui tutti concordavano. È impossibile non riconoscere la verità di questa spiritosa affermazione. La storia del Rinascimento, fenomeno complesso e diversificato, non può essere interpretata in modo inequivocabile. Negli annali dell'umanità esistono un numero enorme di versioni che spiegano questo grandioso evento, molte delle quali hanno il diritto di esistere.
La convinzione di derivazione scolastica secondo cui gli artisti del Rinascimento lo scoprirono improvvisamente e cominciarono all'unanimità a imitarlo deve essere considerata schematica. Dopotutto, gli esempi di creatività dell'arte greco-romana non sono scomparsi da nessuna parte, opere significative di autori antichi furono tradotte a partire dall'VIII secolo, ma per altri otto secoli non si verificò alcun Rinascimento.
Naturalmente, la caduta della Seconda Roma (Costantinopoli), quando figure culturali (e altre) spaventate dall’orda musulmana si precipitarono in Occidente, portando con sé biblioteche, icone e (soprattutto) la loro conoscenza ed esperienza, giocò un ruolo enorme. Dopotutto, l'influenza di Bisanzio sull'arte rinascimentale è innegabile. La Chiesa romana potrebbe aver rifiutato la pittura di icone, ma è cresciuta in un campo diverso. Icona della Madre di Dio e il famoso " Madonna Sistina"Michelangelo, con tutte le differenze - sia nella tecnica che nel contenuto - è l'immagine della stessa donna con lo stesso bambino.
Confluenza di circostanze favorevoli
Il Rinascimento divenne possibile grazie alla confluenza di molti fattori e ragioni, uno dei quali è proprio che il Rinascimento è una sorta di risposta alla Chiesa cattolica, la cui influenza a quei tempi era colossale, la sua ricchezza incalcolabile e il suo desiderio di potere insaziabile. . Questo stato di cose ha dato origine a una potente protesta nella società: poche persone amano i duri dogmi e l'ascetismo prescritti in tutte le sfere della vita. Una persona doveva sentire costantemente una forza superiore (e ostile) su di sé, che in qualsiasi momento poteva cadere su di lui, punendolo per i suoi peccati. Le richieste della Santa Chiesa contraddicevano la stessa natura umana.
Il secondo fattore, ovviamente, è la rapida formazione dello Stato. Il potere secolare, avendo acquisito una gerarchia armoniosa e mezzi significativi per guidare i suoi sudditi, non era affatto desideroso di cedere la palma al potere spirituale. Esempi di brutali battaglie tra la chiesa e potenti monarchi non sono affatto rari nella storia. Il Rinascimento deve la sua fine a uno di essi.
La terza ragione è probabilmente il fatto che il Rinascimento fu un periodo in cui la vita culturale lasciò felicemente i monasteri, dove era rimasta rinchiusa per molti anni, e si concentrò in città più ricche e in rapida crescita. Dogmi severi che ordinavano agli artisti di dipingere solo in questo modo e in nessun altro modo, restrizioni sull'argomento, ecc. Non potevano suscitare gioia nelle persone di vero talento. Cercavano la libertà e l'hanno ottenuta.
La quarta, importante condizione per l'emergere del Rinascimento era il denaro, non importa quanto possa sembrare cinico. Non è un caso che proprio all’Italia, che a quei tempi era la più ricca, i discendenti riconoscenti debbano il fatto che questo stile meraviglioso. Il Rinascimento non è nato nella povertà. Il dogma secondo cui un artista deve avere fame è insostenibile. Tutta l’epoca rinascimentale ne è prova. Anche il creatore deve mangiare, il che significa che ha bisogno di ordini, mezzi e spazio per usare il suo talento.
Beata Firenze
Tutto questo è stato ritrovato a Firenze, e anche grazie al sovrano della città - Lorenzo il Magnifico. La corte del nobile era brillante. I pittori, scultori e architetti più talentuosi trovarono in Lorenzo un mecenate affidabile. Nella città furono costruiti numerosi palazzi, templi, cappelle e altre opere architettoniche. I pittori hanno ricevuto numerosi ordini.
Di norma, è consuetudine separare tre periodi del Rinascimento, ma alcuni ricercatori ne includono un altro: il cosiddetto Proto-Rinascimento, ancora strettamente associato al Medioevo, ma che sta già acquisendo caratteristiche nuove, permeate di luce. Uno degli eventi più importanti di quel tempo è la costruzione del Duomo di Firenze (XIII secolo) - una magnifica struttura con meravigliose decorazioni interne.
Primo Rinascimento
Dopo la "preparazione preliminare" apparve sulla scena il primo Rinascimento: gli storici chiamano all'unanimità gli anni dell'inizio e della fine di questo periodo - dal 1420 al 1500. Ci sono voluti ottant'anni per liberarci dai rigidi canoni dettati dalla chiesa e rivolgerci all'eredità dei nostri gloriosi antenati. Durante questo periodo si diffuse l'imitazione di modelli antichi. Immagini di nudo corpo umano con un riflesso amorevole dei muscoli e delle vene più piccole, caratterizzano uno stile nuovo, sconosciuto all'Europa cattolica. Il Rinascimento divenne un vero inno bellezza terrena, che a volte veniva cantato in forme così franche che avrebbero inorridito gli spettatori centocinquanta anni fa.
Non si può dire che tali tendenze siano state comprese da tutti i contemporanei: c'erano ardenti combattenti contro il Rinascimento, che, grazie alle loro attività, raggiunsero un dubbio oscurantismo sul campo gloria eterna. L'esempio più chiaro può servire come capo del monastero domenicano fiorentino - Savonarola. Fu un critico inesauribile delle “oscenità” umanistiche e non esitò a bruciare opere che tanto lo indignavano. Tra le perdite irreparabili ci sono diversi dipinti di famosi maestri dell'epoca, tra cui Sandro Botticelli. I suoi pennelli includono opere rinascimentali come “La nascita di Venere”, “Primavera”, “Cristo incoronato di spine”. Va detto che quasi tutti i dipinti sopravvissuti dell'autore sono dedicati a temi biblici e all'uomo modernoè difficile capire cosa possa indignare il severo domenicano nei loro confronti.
Tuttavia, il processo era avviato e non era umanamente possibile fermarlo. Savonarola morì nel 1498 e il Rinascimento continuò a marciare attraverso il paese, conquistando nuove città: Roma, Venezia, Milano, Napoli.
Tra i rappresentanti più notevoli e caratteristici Primo Rinascimento chiamò lo scultore Donatello, gli artisti Giotto e Masaccio. Durante questo periodo, le leggi della prospettiva, scoperte nel XV secolo, furono applicate per la prima volta nella pittura. Ciò ha permesso di creare successivamente dipinti tridimensionali e tridimensionali del Rinascimento, che prima erano inaccessibili agli artisti.
Nel vettore di architettura ulteriori sviluppi si chiese Filippo Brunelleschi realizzando la magnifica cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore.
Alto Rinascimento
Il culmine dello sviluppo dell'epoca fu il terzo periodo del Rinascimento: l'Alto Rinascimento. Durò solo 27 anni (1500-1527) ed è associato principalmente all'opera dei grandi maestri, i cui nomi ognuno di noi conosce: Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaello.
A quel tempo capitale culturale L'Europa viene trasferita da Firenze a Roma. Nuovo papà Giulio II (salì al trono nel 1503) fu un uomo straordinario, grande estimatore dell'arte e titolare di vedute piuttosto ampie. Se non fosse stato per il sacerdote, la gente non avrebbe visto molte opere d'arte, giustamente considerate perle del patrimonio culturale mondiale.
Più i migliori maestri, contrassegnati dal timbro del genio, ricevono numerose commesse. La città è piena di costruzioni. Architetti, scultori e pittori lavorano fianco a fianco (e talvolta “combinando le posizioni”), creando le loro opere immortali. In questo periodo fu progettata e iniziata la costruzione della Cattedrale di San Pietro, il tempio più famoso e grandioso della fede cattolica.
pittura cappella Sistina, realizzato da Michelangelo con le sue stesse mani, racchiude in sé tutto il significato, la perfezione e la bellezza che ci hanno regalato gli artisti del Rinascimento, che scelsero l'Uomo (esatto, con la M maiuscola) come centro del loro Universo: una creatura simile a un dio , un creatore le cui possibilità sono quasi illimitate.
Tutto finisce
Nel 1523 Clemente VII divenne Papa e fu subito coinvolto in una guerra con l'imperatore Carlo V, creando la cosiddetta Lega del Cognac, che comprendeva Firenze, Milano, Venezia e la Francia. Il Pontefice non volle condividere il suo potere con gli Asburgo e la Città Eterna dovette pagare per questo. Nel 1527, l'esercito di Carlo V, che da molto tempo non riceveva stipendio (l'imperatore era sovraccaricato durante le operazioni militari), prima assediò e poi irruppe a Roma e ne saccheggiò i palazzi e i templi. La grande città si spopolò e l'Alto Rinascimento giunse alla fine.
L'Enciclopedia Britannica afferma che nel suo insieme l'epoca storica, il Rinascimento, il secolo (1420-1527) che governò la beata Italia, è finito. Coloro che non sono d'accordo con i compilatori del libro di consultazione più famoso del mondo chiamano il periodo iniziato dopo il 1530 Tardo Rinascimento e ancora non riescono a mettersi d'accordo su quando sia terminato. Ci sono argomenti a favore degli anni Novanta del Cinquecento, degli anni Venti del Seicento e persino degli anni Trenta del Seicento, ma è improbabile che singoli fenomeni residui possano essere segni di un'intera epoca.
L'età della degenerazione
A quel tempo fenomeni culturali molto diversi, compaiono movimenti considerati manifestazioni di crisi e degenerazione nell'arte (ad esempio, il manierismo fiorentino). È caratterizzato da una certa pretenziosità, dettagli eccessivi e un focus sull’“idea dell’artista”, accessibile solo a una ristretta cerchia di esperti. La scultura, l'architettura e la pittura del Rinascimento, alla ricerca instancabile dell'armonia, hanno lasciato il posto a pose innaturali, riccioli infiniti e colori mostruosi caratteristici della nuova tendenza nel mondo dell'arte.
Tuttavia, è troppo presto per parlare della morte definitiva del Rinascimento. In alcune città d'Italia continuano a vivere artisti del Rinascimento, che rimangono fedeli alle grandi tradizioni. Quindi, il grande Tiziano, che può essere considerato il rappresentante più brillante Rinascimentale, lavorò a Venezia fino al 1576.
Nel frattempo, l’Italia e l’Europa hanno sofferto Tempi duri. In seguito alle libertà inimmaginabili nel Medioevo che il Rinascimento portò con sé, iniziò una dura reazione. La Santa Inquisizione riformata riprese di nuovo le redini del potere nelle proprie mani. I falò ardevano nelle piazze: il fuoco divorava sia gli eretici che le loro opere.
Quasi tutti i libri inseriti dal nuovo Papa Paolo IV nell'“Indice dei libri proibiti” romano furono distrutti (poco prima elenchi corrispondenti erano stati pubblicati nei Paesi Bassi, a Parigi e Venezia). Il lavoro degli inquisitori fu difficile, perché fu durante il Rinascimento che apparve la stampa: alla fine del XV secolo Guttenberg riuscì a creare la prima Bibbia stampata. Gli appelli eretici degli umanisti del Rinascimento non si diffusero in milioni di copie, certo, ma i santi padri avevano qualcosa da fare.
Gli storici affermano che la persecuzione religiosa in Italia fu la più spietata d'Europa: una resa dei conti crudele per un secolo di libertà e bellezza.
Rinascimento settentrionale - uno dei fenomeni del Rinascimento
Molto spesso, quando parlano di Rinascimento, intendono proprio Rinascimento italiano- qui questo fenomeno è nato e ha raggiunto la sua massima fioritura. Oggi in Italia intere città possono essere considerate monumenti dell'architettura, della pittura e della scultura dell'epoca.
Ma il Rinascimento non si limitò ovviamente al solo Appennino. Il cosiddetto Rinascimento settentrionale ebbe origine in Europa più vicino alla metà del XVI secolo e ne diede molti al mondo bellissimi lavori. Caratteristica questo stile era maggiore influenza medievale arte gotica. Qui si prestava meno attenzione al patrimonio antico che in Italia e si mostrava maggiore indifferenza alle sottigliezze dell'anatomia. Ai creatori dell'epoca Rinascimento settentrionale includono Dürer, Van Eyck, Cranach. Nella letteratura, questo evento è stato segnato dalle opere di Shakespeare e Cervantes.
L'influenza del Rinascimento sulla cultura non può essere sopravvalutata: è enorme. Dopo aver ripensato e arricchito la cultura antica, il Rinascimento ne ha creata una propria e ha dato all'umanità una quantità enorme opere immortali arti che hanno senza dubbio migliorato il mondo in cui viviamo.
Ha dato al mondo una persona volitiva e intelligente, creatrice del proprio destino e di se stessa. Ci sono stati cambiamenti significativi nella mentalità delle persone rispetto al Medioevo. Innanzitutto, le motivazioni secolari nella cultura europea si sono intensificate. È diventato sempre più indipendente e indipendente varie aree vita della società: arte, filosofia, letteratura, educazione. Principale attore era, una persona energica e liberata che sogna di realizzare ideali terreni personali, lottando per l'indipendenza in tutte le aree della sua attività, cercando di realizzare interessi diversi, sfidando tradizioni e ordini consolidati è diventata una sorta di centro di cultura.
Il tuo nome Rinascimento(in francese “renaissance”, in italiano “renaissance”) ricevuto con mano leggera Artista italiano, architetto e storico dell'arte Giorgio Vasari, che nel suo libro “Biografie di grandi pittori, scultori e architetti” usò questo termine per designare il periodo dell'arte italiana dal 1250 al 1550. Voleva così sottolineare il ritorno degli ideali culturali di antichità alla vita della società e definire una nuova era storico culturale che ha sostituito il Medioevo.
Presupposti e caratteristiche della cultura rinascimentale
Il prerequisito principale per la formazione di un nuovo tipo di cultura era una nuova visione del mondo, causata da cambiamenti significativi nella vita di molti paesi europei. In Italia, e poi nei Paesi Bassi, Germania, Francia, Inghilterra, il commercio si sviluppò rapidamente, e con esso il primo imprese industriali- fabbriche. Le nuove condizioni di vita hanno naturalmente dato origine a un nuovo modo di pensare, basato sul libero pensiero secolare. L'ascetismo della morale medievale non corrispondeva alla pratica di vita reale della nuova gruppi sociali e strati che sono venuti alla ribalta vita pubblica. Diventarono sempre più evidenti i tratti del razionalismo, della prudenza e della consapevolezza del ruolo dei bisogni personali della persona. È emersa una nuova moralità che giustifica le gioie della vita mondana, affermando il diritto dell'uomo alla felicità terrena, al libero sviluppo e alla manifestazione di tutte le inclinazioni naturali. Il rafforzamento dei sentimenti secolari e dell'interesse per le azioni terrene dell'uomo ha avuto un'influenza decisiva sull'emergere e sulla formazione della cultura del Rinascimento.
La culla del Rinascimento fu Firenze, che nel XIII secolo. era una città di ricchi mercanti, proprietari di fabbriche e un gran numero di artigiani organizzati in corporazioni. Inoltre, le corporazioni dei medici, dei farmacisti, dei musicisti, degli avvocati, degli avvocati e dei notai erano molto numerose per l'epoca. Fu tra i rappresentanti di questa classe che iniziarono a formarsi dei circoli persone educate che ha deciso di studiare eredità culturale Grecia antica E Antica Roma. Si sono rivolti al patrimonio artistico mondo antico, le opere dei Greci e dei Romani, che ai loro tempi crearono l'immagine di una persona non vincolata dai dogmi della religione, bello nel cuore e corpo. Pertanto, la nuova era nello sviluppo della cultura europea fu chiamata “Rinascimento”, riflettendo il desiderio di restituzione di campioni e valori cultura antica in nuove condizioni storiche.
La rinascita dell'eredità antica è iniziata con lo studio del greco e Lingue latine; Successivamente il latino divenne la lingua del Rinascimento. I fondatori del nuovo epoca culturale- storici, filologi, bibliotecari - studiarono antichi manoscritti e libri, compilarono raccolte di antichità, restaurarono opere dimenticate di autori greci e romani, ritradussero testi scientifici, distorto nel Medioevo. Questi testi non erano solo monumenti di un’altra epoca culturale, ma anche “maestri” che li aiutavano a scoprire se stessi e a formare la propria personalità.
A poco a poco, la cerchia degli interessi di questi devoti comprendeva anche altri monumenti della cultura artistica dell'antichità, principalmente scultorei. A quel tempo, molte statue greche e romane, vasi dipinti ed edifici architettonici erano ancora conservati a Firenze, Roma, Ravenna, Napoli e Venezia. Per la prima volta in mille anni di dominio cristiano, sculture antiche Erano trattati non come idoli pagani, ma come opere d'arte. Successivamente, l'eredità antica è stata inclusa nel sistema educativo e ho conosciuto la letteratura, la scultura e la filosofia cerchio ampio delle persone. Poeti e artisti, imitando autori antichi, cercarono di far rivivere l'arte antica. Ma, come spesso accade nella cultura, il desiderio di far rivivere vecchi principi e forme porta alla creazione di qualcosa di nuovo. La cultura del Rinascimento non fu un semplice ritorno all'antichità. Lo ha sviluppato e interpretato in un modo nuovo in base al cambiamento condizioni storiche. Pertanto, la cultura del Rinascimento fu il risultato di una sintesi di vecchio e nuovo. La cultura del Rinascimento si è formata come negazione, protesta, rifiuto della cultura medievale. Il dogmatismo e la scolastica furono respinti, la teologia fu privata della sua antica autorità. L'atteggiamento nei confronti della Chiesa e del clero divenne critico. I ricercatori concordano sul fatto che in nessun'altra epoca della storia della cultura europea furono creati così tanti scritti e dichiarazioni anti-chiesa come durante il Rinascimento.
Tuttavia, il Rinascimento non fu una cultura irreligiosa. Molte delle migliori opere di quest'epoca sono nate nella corrente principale dell'arte sacra. Quasi tutti i grandi maestri del Rinascimento realizzarono affreschi, progettarono e dipinsero cattedrali, ricorrendo a personaggi e soggetti biblici. Gli umanisti ritradussero e commentarono la Bibbia e si impegnarono nella ricerca teologica. Pertanto, possiamo parlare di ripensare la religione e non di abbandonarla. La comprensione umana di un mondo pieno di bellezza divina diventa uno dei compiti ideologici di quest'epoca. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzato da Dio, ma è possibile conoscerlo solo con l'aiuto dei propri sentimenti. In questo processo di apprendimento occhio umano, secondo le figure culturali dell'epoca, è il mezzo più affidabile e affidabile. Pertanto, durante il Rinascimento italiano, ci fu un vivo interesse per percezione visiva, la pittura e altri tipi di arte spaziale stanno fiorendo, permettendoci di vedere e catturare la bellezza divina in modo più accurato e reale. Durante il Rinascimento, gli artisti più di altri determinarono il contenuto della cultura spirituale del loro tempo, grazie al quale essa assume un carattere artistico pronunciato.
La formazione dell'immagine rinascimentale del mondo e dello stile artistico che la realizza può essere suddivisa in più fasi: preparatoria, precoce, alta, tardiva e finale. Ognuno di loro aveva un aspetto diverso ed era eterogeneo dall'interno. Allo stesso tempo c'erano ancora stili medievali- tardo gotico, proto-rinascimento, manierismo, ecc. Insieme formano una tavolozza ricca e variegata di mezzi per esprimere la visione del mondo rinascimentale.
L'arte del Rinascimento si batteva per il razionalismo, una visione scientifica delle cose e l'imitazione della natura. In questo momento nasce un interesse eccezionale per l'armonia della natura. Imitarlo divenne il principio centrale della teoria dell'arte rinascimentale e implicava il rispetto delle leggi della natura e non l'apparenza esterna di oggetti e fenomeni del mondo circostante. C'è stata una contaminazione (la combinazione di due principi in un'unica opera) dell'immagine della natura e della creatività secondo le leggi della natura.
L'incarnazione della bellezza dell'uomo, considerata la creazione più alta del mondo naturale, ha acquisito un significato particolare. Gli artisti prestavano principalmente attenzione alla perfezione fisica dell'uomo. Se la coscienza medievale considerasse il corpo come guscio esterno, il fulcro degli istinti animali, la fonte del peccato, allora la cultura rinascimentale lo considerava il valore estetico più importante. Dopo diversi secoli di disprezzo per la carne, l’interesse per la bellezza fisica è in rapida crescita.
In questo momento, al culto fu dato un ruolo significativo bellezza femminile. Molti artisti hanno cercato di svelare il mistero del fascino del gentil sesso. Ciò è dovuto in gran parte alla revisione della posizione delle donne vita reale. Se nel Medioevo il suo destino era indissolubilmente legato alle faccende domestiche, all'educazione dei figli e al distacco dai divertimenti secolari, nel Rinascimento spazio vitale le donne si sono notevolmente ampliate. Si sta formando l'ideale di una donna disinibita, istruita, emancipata, che brilla nella società, appassionata di arte e capace di essere un'interessante conversatrice. Si sforza di mostrare la sua bellezza rivelando i capelli, il collo, le braccia, indossando abiti scollati e usando cosmetici. La mola comprende la decorazione di abiti con ricami in oro e argento, pietre preziose e pizzi. Una donna bella, elegante e istruita si sforza di affascinare e influenzare il mondo con la sua attrattiva e il suo fascino.
A differenza del Medioevo, che creò l'ideale di una donna fragile con una figura magra, un viso pallido, uno sguardo pacifico, umile, educata alle preghiere, il Rinascimento darà la preferenza alle bellezze fisicamente forti. In questo momento, vengono apprezzate le forme femminili sinuose. Una donna incinta era considerata l'ideale di bellezza ed esteticamente attraente, personificando il vero principio femminile, la partecipazione al grande sacramento della procreazione. I segni della bellezza maschile erano la forza fisica, l'energia interna, la volontà, la determinazione e la capacità di ottenere riconoscimento e fama. L'epoca rinascimentale ha dato origine a diverse visioni sull'interpretazione della bellezza, basate sul culto dell'unicità umana.
Tutto ciò portò ad un ruolo crescente dell'arte nella vita pubblica, che durante il Rinascimento divenne la principale tipologia di attività spirituale. Per la gente di quell’epoca, divenne ciò che la religione era nel Medioevo e la scienza e la tecnologia nei tempi moderni. La convinzione prevalente nella coscienza pubblica era questa pezzo d'arteè in grado di esprimere nel modo più completo l'ideale di un mondo armoniosamente organizzato, dove l'uomo occupa un posto centrale. Questo compito dentro vari gradi tutti i tipi di arte erano subordinati.
Aumenta soprattutto il ruolo dell'artista, che comincia a essere paragonato al creatore dell'universo. Gli artisti si prefiggono l'obiettivo di imitare la natura; non credono che l'arte sia addirittura superiore alla natura. Nel loro lavoro vengono sempre più apprezzate l'abilità tecnica, l'indipendenza professionale, l'erudizione, una visione indipendente delle cose e la capacità di creare un'opera d'arte “vivente”.
Insieme alle opere dipinto monumentale e sculture direttamente correlate alle strutture architettoniche, le opere d'arte da cavalletto ricevettero uno sviluppo crescente e acquisirono un valore indipendente. Comincia a delinearsi un sistema di generi: insieme al genere religioso-mitologico, che occupava ancora il posto principale, apparvero dapprima alcune opere di genere storico, quotidiano e paesaggistico; Il genere rinnovato della ritrattistica sta acquisendo grande importanza; appare e semi-diffuso il nuovo tipo arte - incisione.
In quell’epoca, la posizione dominante della pittura ne predeterminava l’influenza sulle altre arti. Se nel Medioevo dipendeva dall'arte della parola, limitando i suoi compiti all'illustrazione di testi biblici, allora il Rinascimento ha scambiato pittura e letteratura, rendendo la narrazione letteraria dipendente dall'immagine mondo visibile nella pittura. Gli scrittori iniziarono a descrivere il mondo come poteva essere visto.
Arte del Rinascimento italiano
La formazione e lo sviluppo della cultura rinascimentale fu un processo lungo e irregolare. La culla del Rinascimento fu l'Italia, dove una nuova cultura sorse prima che in altri paesi. Quadro cronologico coprire il periodo dal secondo metà XIII V. il primo metà XVI V. compreso. Durante questo periodo, l'arte del Rinascimento italiano attraversò diverse fasi di sviluppo. Tra gli storici dell'arte queste fasi sono solitamente chiamate con i nomi dei secoli: XIII secolo. detto Ducento (letteralmente due centesimi), XIV secolo. - trecento (trecentesimi), XV secolo. - Quattrocento, XVI secolo. - Cinqucento.
I primi germogli di una nuova visione del mondo e cambiamenti nella creatività artistica apparvero alla fine del XIII secolo e all'inizio del XIV secolo. furono sostituiti da un'ondata di arte gotica. Questi fenomeni divennero una sorta di “pre-rinascimento” e furono chiamati proto-rinascimento. Nuovi fenomeni nella cultura italiana si svilupparono ampiamente nel XV secolo. Questa fase, designata come Quattrocento, è anche chiamata primo Rinascimento. Del suo completo completamento e fioritura cultura artistica La rinascita arrivò alla fine del XV secolo - inizio XVI V. Questo periodo di massima prosperità, durato solo 30-40 anni, è chiamato Rinascimento alto, o classico. In generale, il Rinascimento divenne obsoleto in Italia negli anni Trenta del Cinquecento, ma solo negli ultimi 2/3 del XVI secolo. continua ad esistere a Venezia. Questo periodo è solitamente chiamato tardo Rinascimento.
Cultura protorinascimentale
Inizio nuova era legato all'opera dell'artista fiorentino Giotto di Bondone. IN belle arti Giotto protorinascimentale lo è figura centrale, poiché i più grandi pittori del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Grazie a lui, la laboriosa tecnica del mosaico fu sostituita dalla tecnica dell'affresco, che era più coerente con le esigenze della pittura rinascimentale, permettendo di trasmettere il volume e la densità del materiale con maggiore precisione rispetto al mosaico con la sua intangibilità della materia, e per creare velocemente composizioni a più figure.
Giotto fu il primo ad attuare il principio dell'imitazione della natura nella pittura. Iniziò a disegnare persone viventi dalla vita, cosa che non fu fatta né a Bisanzio né a Europa medievale. Se in funzione arte medievale figure disincarnate con volti ascetici e severi toccavano appena il suolo, poi le figure di Giotto appaiono tridimensionali, materiche. Ha ottenuto questo effetto grazie alla modellazione della luce, secondo la quale l'occhio umano percepisce la luce come più vicina e l'oscurità come più distante. Quando lavorava agli affreschi, l'artista pagava Attenzione speciale mostrando lo stato d'animo dei personaggi.
La svolta tra Ducento e Trecento (secoli XIII-XIV) si rivelò un punto di svolta nella vita culturale dell'Italia. In un certo senso corona il Medioevo e allo stesso tempo serve Punto di partenza Rinascimento. In questo periodo nuova cultura e il nuovo senso del mondo fu espresso nel modo più completo dalla poesia. Fu nella letteratura che l'attrazione per il nuovo si manifestò nell'altro linee guida di valore. Gli esponenti più brillanti e talentuosi delle nuove tradizioni furono Dante, Francesco Petrarca e Giovanni Boccaccio.
Dante Alighieri all'inizio della sua opera poetica, fu strettamente associato a una nuova direzione della poesia italiana, conosciuta come la scuola del “nuovo stile dolce”, in cui l'amore per una donna era idealizzato e identificato con l'amore per la saggezza e la virtù. Le sue prime opere furono poesie d'amore liriche, in cui Dante fungeva da imitatore dei poeti cortigiani francesi. Il personaggio principale il suo creatività letteraria c'era una giovane Beatrice fiorentina, che morì sette anni dopo il loro incontro, ma il poeta portò con sé il suo amore per lei per tutta la vita.
Dante è entrato nella storia della cultura mondiale come autore del poema “La Divina Commedia”. Inizialmente chiamò la sua grande epopea una commedia, seguendo la tradizione medievale secondo cui una commedia era qualsiasi cosa opera letteraria con un brutto inizio e un bel finale. L'epiteto "Divina" fu aggiunto al nome alla fine del XIV secolo. per sottolineare valore artistico e la perfezione poetica dell'opera.
"La Divina Commedia" ha una struttura chiara: tre parti principali - "Inferno", "Purgatorio", "Paradiso", ciascuna delle quali è composta da 33 canzoni, scritte in terze - forme poetiche sotto forma di tre strofe. Il contenuto della poesia di Dante è collegato alla sua teoria dei quattro significati delle opere poetiche: letterale, allegorica, morale e analogica (cioè superiore).
La poesia "La Divina Commedia" si basa sulla trama tradizionale del genere "visioni", quando una persona, impantanata nei suoi vizi, potenze celesti(il più delle volte sotto le spoglie del suo angelo custode) aiuta a comprendere la sua ingiustizia, rendendo possibile vedere l'inferno e il paradiso. Una persona cade in un sonno letargico, durante il quale la sua anima se ne va aldilà. In Dante, questa trama si presenta così: il salvatore della sua anima risulta essere la sua amata Beatrice, morta da tempo, che manda l'antico poeta Virgilio ad aiutare l'anima di Alighieri, accompagnandolo in un viaggio attraverso l'inferno e il purgatorio. In paradiso segue la stessa Beatrice, poiché il pagano Virgilio non ha il diritto di essere lì.
Dante descrisse l'inferno come un abisso sotterraneo a forma di imbuto, le cui pendici sono circondate da sporgenze concentriche - "cerchi dell'inferno". Rastremandosi, raggiunge il centro globo con un lago ghiacciato in cui Lucifero è congelato. Nei gironi dell'inferno i peccatori vengono puniti; quanto più terribile è il loro peccato, tanto più in basso si trovano nel cerchio. Durante il suo viaggio, Dante attraversa tutti e nove i gironi dell'inferno: dal primo, dove si trovano bambini non battezzati e virtuosi non cristiani, al nono, dove vengono tormentati i traditori, tra i quali vediamo Giuda. Non tutti i peccatori evocano in Dante disgusto e censura. Così, nell'interpretazione dell'amore di Francesca e Paolo, si manifesta la simpatia del poeta, perché l'amore per lui non è un peccato condannato, ma un sentimento determinato dalla natura stessa della vita.
Dante immaginava il Purgatorio come un'enorme montagna a forma di cono che si ergeva in mezzo all'oceano nell'emisfero australe. Secondo gli insegnamenti di Tommaso d'Aquino, il purgatorio è un luogo dove le anime dei peccatori che non hanno ricevuto il perdono nella vita terrena, ma non sono gravate da peccati mortali, bruciano nel fuoco purificatore prima di accedere al cielo. (Si noti che il fuoco purificatore del purgatorio era percepito da alcuni teologi come un simbolo di tormento di coscienza e pentimento, da altri come un vero fuoco.) Il periodo di permanenza dell'anima del peccatore in purgatorio potrebbe essere abbreviato dai suoi parenti e amici che sono rimasti sulla terra compiendo “buone azioni”: preghiere, messe, donazioni alla chiesa.
Il Paradiso, secondo Dante, è una regione meravigliosa e misteriosa. Questa radiosa dimora di Dio ha la forma di un lago rotondo ed è il nucleo della Rosa del Paradiso. Le anime beate che vi si ritrovano occupano un posto corrispondente alle loro imprese e alla loro gloria.
La grande poesia di Dante è immagine unica universo, natura e esistenza umana. Sebbene il mondo rappresentato nella Divina Commedia sia immaginario, è simile sotto molti aspetti immagini terrene: le profondità e i laghi infernali sono simili alle terribili doline delle Alpi, le vasche infernali sono come le vasche dell'arsenale veneziano, dove viene fatta bollire la resina per calafatare le navi, la montagna del Purgatorio e le foreste su di essa sono le stesse montagne e foreste terrene , e i giardini del paradiso sono come i profumati giardini d'Italia. Ancora oggi La Divina Commedia rimane un capolavoro insuperato della letteratura. La potente fantasia di Dante raffigurava un mondo così insolitamente convincente che molti dei suoi contemporanei ingenui credevano sinceramente nel viaggio dell'autore nell'aldilà.
Il Rinascimento viene solitamente diviso in 4 fasi:
Protorinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)
Primo Rinascimento (inizio XV secolo - fine XV secolo)
Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (metà del XVI - anni '90 del XVI secolo) Rinascimento [ risorsa elettronica]. // Wikipedia: enciclopedia libera: in russo. // Modalità di accesso: http://ru.wikipedia.org/wiki/%C2%EE%E7%F0%EE%E6%E4%E5%ED%E8%E5. Data di accesso 02/10/2013
Il Protorinascimento è strettamente connesso con il Medioevo, con le tradizioni romanica e gotica; questo periodo fu la preparazione al Rinascimento. Questo periodo è diviso in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Grandi scoperte, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è associato all’epidemia di peste che colpì l’Italia.
Alla fine del XIII secolo l'edificio principale fu costruito a Firenze costruzione del tempio- Cattedrale di Santa Maria del Fiore, l'autore fu Arnolfo di Cambio, poi i lavori furono continuati da Giotto, che progettò il campanile del Duomo di Firenze.
La prima arte del protorinascimento apparve nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze (Cimabue, Giotto) e Siena (Duccio, Simone Martini).
Giotto divenne la figura centrale della pittura. Gli artisti del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Giotto ha delineato il percorso lungo il quale si è svolto il suo sviluppo: riempimento di forme religiose con contenuti secolari, passaggio graduale dalle immagini piatte a quelle tridimensionali e in rilievo, aumento del realismo. Giotto introdusse nella pittura il volume plastico delle figure e dipinse l'interno in pittura.
Il periodo del cosiddetto “Primo Rinascimento” copre il periodo dal 1420 al 1500 in Italia. Nel corso di questi ottant'anni l'arte non ha ancora abbandonato del tutto le tradizioni del recente passato, ma ha cercato di fondere in esse elementi presi in prestito dall'antichità classica. Solo più tardi, e solo poco a poco, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonano completamente fondazioni medievali e sentiti libero di utilizzare i campioni arte antica, sia nella concezione generale delle sue opere che nei loro dettagli.
Mentre l'arte in Italia seguiva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi aderì a lungo alle tradizioni dello stile gotico. A nord delle Alpi, così come in Spagna, il Rinascimento arrivò solo alla fine del XV secolo, e il suo primo periodo dura approssimativamente fino alla metà del secolo successivo
Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è solitamente chiamato "Alto Rinascimento".
Si estende in Italia dal 1500 al 1527 circa.
In questo momento, il centro d'influenza dell'arte italiana da Firenze si trasferì a Roma, grazie all'ascesa al trono papale di Giulio II - un uomo ambizioso, coraggioso e intraprendente, che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia, li occupò con numerose ed importanti opere e diede ad altri un esempio di amore per l'arte.
Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, la nuova Atene dei tempi di Pericle: in essa vengono costruiti molti edifici monumentali, magnifici opere scultoree, vengono dipinti affreschi e dipinti, che ancora oggi sono considerati le perle della pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e influenzandosi a vicenda.
L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; la calma e la dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; i ricordi del Medioevo scompaiono completamente e un'impronta completamente classica cade su tutte le creazioni d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, ed essi, con grande intraprendenza e vivacità di immaginazione, rielaborano liberamente e applicano al loro lavoro ciò che ritengono opportuno prendere in prestito dall'antica arte greco-romana.
Creatività di tre grandi Maestri italiani segna l'apice del Rinascimento, questi sono Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) e Raffaello Santi (1483 - 1520).
Il tardo Rinascimento in Italia copre il periodo dal 1530 al 1590-1620. Alcuni ricercatori considerano Tardo Rinascimento e 1630, ma questa posizione è controversa tra critici e storici dell'arte. L'arte e la cultura di questo tempo sono così diverse nelle loro manifestazioni che è possibile ridurle a un denominatore solo con un ampio grado di convenzione.
In questo periodo nell’Europa meridionale trionfò la Controriforma, a Firenze si sviluppò il manierismo, tradizioni artistiche Venezia aveva una sua logica di sviluppo.