Tabella comparativa del barocco e del classicismo. Classicismo e barocco nel nostro tempo. Il barocco utilizza illusioni spaziali che distorcono le proporzioni e danno scala. Il classicismo si basa sull'armonia delle proporzioni, originata dall'antica tradizione

L'arte dei secoli XVII-XVIII ha formato due stili sorprendenti: il classicismo e il barocco. Questi due principali stili paneuropei sono esistiti fianco a fianco per due secoli. Nonostante le ovvie differenze, hanno interagito strettamente tra loro. Durante il loro sviluppo, il classicismo e il barocco si sono trovati non solo nell'architettura mondiale e russa, ma anche nella scultura, nella letteratura, negli interni e arte. Confronto tra classicismo e barocco, due stili, luminosi, oltraggiosi e unici, considereremo ulteriormente.

Storia del classicismo

Classicismo in latino significa "esemplare". Una tendenza memorabile nella cultura europea sorse nel XVII secolo. Era l'era del rafforzamento della monarchia, tutto doveva essere perfetto e allo stesso tempo lussuoso, come si può vedere figure impeccabili mondo antico.

La Francia divenne la fondatrice dello stile del classicismo, dove volava lo spirito di libertà e perfezione dell'uomo, sia spirituale che fisico. Sagome rigorose e ideali in complessi architettonici, scene antiche in pittura e scultura, decorazioni interne ricche ma sobrie. Tutte queste sono caratteristiche del classicismo.

In Russia, questo stile è stato fissato sotto Caterina II, il suo desiderio di europeizzare il paese ha svolto un ruolo chiave nella costruzione dei famosi monumenti architettonici dell'epoca.

Il classicismo è un classico, l'armonia tra uomo e natura, semplice e conciso nella sua direzione. Stile da seguire certe regole, si è trovato molto rapidamente nella cultura del palazzo in Germania, Italia, Inghilterra e Russia.

Storia barocca

Barocco significa: "dissoluto", "incline agli eccessi". L'Italia è diventata la fondatrice di questo stile pomposo. Fine del XVI secolo - il Rinascimento, il rafforzamento del potere cattolico, luminoso, audace e maestoso, avrebbe dovuto impressionare. Tutti gli elementi distintivi del Barocco furono incarnati nelle città cattoliche d'Italia.

Tuttavia, anche i paesi europei hanno assunto alcuni attributi ed elementi di una Stile italiano. Inghilterra, Francia, Russia hanno utilizzato la nuova cultura nella loro architettura e negli interni per enfatizzare la loro brillantezza e unicità.

Lo stile, incentrato sulla creazione dell'illusione della ricchezza e del lusso della chiesa, così come della nobiltà italiana, si è successivamente riflesso in tutti i paesi d'Europa, America e Russia. E rimase un compagno immortale Chiesa cattolica.

Confronto e classicismo

I due stili vanno fianco a fianco da secoli. Tuttavia, hanno evidenti differenze nella storia e nello scopo della creazione, nell'incarnazione nell'art.

Confronto tra classicismo e barocco

Classicismo e barocco visivamente

Caratteristiche principali barocco e classicismo lusso e discreta ricchezza. Entrambi gli stili si riflettono in opere costose arte e luminoso strutture architettoniche. Considera il massimo oggetti famosi due stili diversi un periodo di tempo.

Il classicismo è, ovviamente, Place des Revolts e il Pantheon di Parigi. Cattedrali di Sant'Isacco e di Kazan a San Pietroburgo. Teatro Bolshoi di Varsavia. famoso quadro di Jacques-Louis David "Napoleon's Crossing the Alps" - riflette perfettamente lo stile del classicismo nella pittura. "Psiche risvegliata dal bacio di Cupido" - il massimo celebre statua nel classicismo. "Apollo e le Ninfe" è un esempio di stile classico, incredibile nella sua bellezza.

Mentre il barocco ci è noto da Cattedrale di Smolny a San Pietroburgo, il Teatro dell'Opera di Odessa e, naturalmente, la Chiesa cattolica in Vaticano. Rubens e Caravaggio sono i pittori barocchi più riconoscibili. E l'italiano ci rivela tutta l'espressività del barocco nelle sue splendide sculture.

Classicismo e barocco in architettura

Come possiamo vedere dalle descrizioni e dai confronti dei due stili, le differenze tra barocco e classicismo sono evidenti. In quest'ultimo, si tratta principalmente di un appello all'architettura antica, nel barocco, al lusso delle chiese cattoliche.

Classicismo e barocco in architettura, confronto sull'esempio di due monumenti eccezionali

La Basilica del Santa Croce, in Italia, è un tipico esempio del barocco italiano. Caratteristiche distintive- magnifico arredamento e molte statue sulla facciata. Sculture, balconi, colonne, la forma complessa dell'edificio. Il centro è coronato da un'enorme finestra rotonda, che va già oltre gli standard dell'architettura tipica. Cariatidi e Atlanti, forme bizzarre: tutti questi sono i tratti distintivi del barocco.

Il classicismo è il Teatro Bolshoi di Mosca. Nel suo esempio, possiamo vedere i tratti caratteristici nell'architettura di questo stile. Semplicità e concisione. Monumentalità e severità. Moduli chiari, colonne. piccole finestre modulo standard. Discreto motivo a stucco sulla facciata con motivi tipici del mondo antico. Una chiara forma geometrica della struttura. Piacevole discreto colore uniforme dell'intero edificio.

L'architettura del barocco e del classicismo è molto diversa in confronto. A prima vista si distinguono l'uno dall'altro: colpisce la pretenziosità del barocco, certo, si tratta di opere architettoniche complesse. Mentre gli edifici nello stile del classicismo hanno proporzioni così chiare e un aspetto rigoroso che involontariamente ti fanno pensare alla loro grandezza e monumentalità.

Classicismo e barocco in pittura

Venendo dalla stessa epoca, classicismo e barocco, tuttavia, hanno caratteristiche distintive nell'arte.

Michelangelo è uno dei più famosi artisti italiani che hanno ambientato un nuovo stile in pittura - barocco. Queste sono trame prevalentemente religiose, immagini vivide, scene emotive della vita persone normali. Il contrasto di colori, luce e crepuscolo, molti oggetti per la casa, realismo delle emozioni. Seguaci di questo stile nell'arte - e Guido Reni.

Il classicismo non è meno pittoresco, ma l'antica Grecia è presa come base. Raffaello, Giulio Romano sulle loro tele raffigurano l'ideale forme fisiche caratteri divini. Le fredde storie mitiche affascinano per la loro concisione, niente di superfluo, composizione premurosa e spazio intorno ai minimi dettagli attori.

È possibile individuare gli elementi principali nel confrontare le tendenze artistiche del classicismo e del barocco. In primo luogo, questa è la vera emotività del barocco, il potere della trama e la vivacità delle immagini, e in secondo luogo, la bellezza sobria mitologia antica chiaro e conciso nella sua manifestazione.

Confronto tra classicismo e barocco all'interno

A parte opere eccezionali arte e incredibili monumenti di architettura, barocco e classicismo si riflettono all'interno di case e stanze. Avanti - con allineamento del classicismo e barocco nella decorazione dei locali.

Questi due stili hanno portato le loro caratteristiche principali all'interno. Prima di tutto, è costoso. In entrambi i casi, è lusso e ricchezza. E poi puoi parlare soluzioni di colore. Il barocco è sempre luminoso, sempre oro, marmo, superfici laccate. Molti oggetti aggiuntivi, forma complessa di mobili e modelli stravaganti baldacchini e tappezzeria della sedia. Certo, questa è la bellezza in cui vuoi immergerti, ogni materia che vuoi studiare. Ammirazione e pomposità, ciò che i re amano così tanto.

Il classicismo a questo proposito gioca in contrasto con il barocco. Colori pastello sobri che si armonizzano tra loro. L'interno calmo, ma non per questo meno maestoso, è stato creato, piuttosto, per calmare, non disturbare. Prevalentemente colori chiari, chiarezza delle linee, correttezza degli oggetti. La funzionalità degli attributi interni, tuttavia, non è priva del suo fascino.

Classicismo e barocco in Russia

Questi due stili arrivarono in Russia nel XVIII secolo. La Russia zarista era in stretto contatto con gli stati europei e non voleva essere lasciata indietro nell'opportunità di dimostrare la sua grandezza.

Barocco e incarnato, principalmente, Rastrelli. Fu lui a occuparsi della ricostruzione e della costruzione dei principali edifici di San Pietroburgo in quel momento. Naturalmente, gli stili sono stati russificati, adottando i principi di base delle due direzioni, quella tradizionale Architettura russaè stato salvato. Il monastero di Smolny è forse il più brillante rappresentante barocco a San Pietroburgo, mentre il "culmine" del classicismo è, ovviamente, la cattedrale di Kazan. All'origine di questo stile in Russia c'erano gli architetti V. Bazhenov, M. Kazakov, I. Starov, a Mosca si possono vedere chiese e case costruite secondo i loro progetti.

Il barocco e il classicismo giocano un ruolo importante nell'architettura russa. Sia nella manifestazione storica - la fondazione di San Pietroburgo, la nuova Mosca, sia nella lotta per l'uguaglianza degli scrittori classicisti russi.

Ora è impossibile immaginare le nostre città senza l'Hermitage, l'Accademia delle Scienze e il Palazzo Tauride.

Classicismo e barocco nel nostro tempo

IN mondo moderno gli architetti si rivolgono spesso al barocco e al classicismo, confrontando e mescolando questi stili. I tempi dei re e degli imperatori sono passati, ma l'amore per il lusso e la grandezza è rimasto. Ora puoi già vedere castelli moderni in stile barocco da qualche parte su Rublyovka o la dacia classicista di un altro oligarca nel villaggio di Nirvana vicino a San Pietroburgo.

All'Hotel Trezzini puoi immergerti nel lusso dei re, e al Ristorante Empire puoi gustare i piatti dei re moderni. Ma questo è già il lusso di oggi, anche se non è ancora alla portata di tutti.

Quando parliamo del XVII secolo. che ne dite di epoca letteraria, non intendiamo affatto frame del calendario: alcuni nuovi tendenze artistiche si dichiarano già alla fine del XVI secolo, altri, al contrario, compaiono non prima degli anni '20.

prossimo secolo. Dagli anni '90 circa. XVII secolo

iniziano tali processi sociali e culturali che possono essere attribuiti a una nuova fase: l'Età dell'Illuminismo. Tuttavia, sebbene sia impossibile indicare un'esatta, singola pietra miliare cronologica da cui il Rinascimento cessa di esistere e nasce nuovo periodo successivo al Rinascimento epoca culturale inizia proprio con un acuto senso del tempo cambiato, del mondo, dell'uomo: la civiltà medievale viene sostituita dalla civiltà del nuovo tempo. Durante questo periodo, secondo gli esperti, una persona moderna inizia a riconoscersi molto più chiaramente e più di prima. Molte abitudini a noi familiari, oggetti per la casa, vestiti apparvero per la prima volta nel XVII secolo: ad esempio, fu in quest'epoca che si iniziò a usare i vetri delle finestre; per la prima volta una forchetta è inclusa nel numero di posate; suola piatta tradizionale scarpe da donna sostituito da un'innovazione inventata: il tacco. È in questo secolo che, secondo uno degli storici, si verifica una rottura con l'antica tradizione alimentare: il cibo diventa più semplice e allo stesso tempo più vario, caffè e tè, prima sconosciuti o poco conosciuti, diventano abituali.

Ma l'uomo moderno si riconosce nella cultura del XVII secolo. non solo da questi segni, ma, forse, anche di più - dal sentimento della complessità e della natura contraddittoria della vita, del suo profondo dramma. Le speranze ottimistiche per le possibilità di trasformazione della mente rinascimentale sono sostituite da un allarmante senso di disarmonia dell'essere, l'incoerenza e la fragilità di una persona - una "canna pensante", secondo filosofo francese Pasquale, XVII secolo fu un periodo turbolento e turbolento della storia Europa occidentale. Questo è il momento in cui i conflitti religiosi tra cattolici e protestanti continuano e la controriforma sta guadagnando forza, quando finisce la rivoluzione borghese nei Paesi Bassi, quando molti stati europei sono coinvolti nella lunga Guerra dei Trent'anni, particolarmente distruttiva per la Germania, dove ebbero luogo le principali ostilità, questo tragico conflitto era appena terminato (nel 1648), poiché in Inghilterra iniziò una rivoluzione borghese e in Francia il movimento della Fronda, che si opponeva all'assolutismo. Quindi, sebbene il XVII secolo sia spesso chiamato il secolo dell'assolutismo, l'istituzione di stati monarchici più o meno stabili, il processo di formazione delle nazioni, non è passato indolore durante questo periodo, anzi, è stato difficile e contraddittorio.

Tuttavia, come in opposizione all'essere contraddittorio e instabile, una persona XVII secolo fa affidamento sulla ragione: questa è l'era del rapido sviluppo delle scienze fisiche e matematiche, l'epoca della rivoluzione scientifica, compiuta da scienziati famosi come Keplero, Galileo, Descartes, Newton. Eppure i risultati più brillanti ricerca scientifica durante questo periodo non hanno eliminato, ma ancora di più hanno esacerbato la sensazione di non sapere: il mistero dell'interiorità vita umana. Come ha scritto un poeta olandese: “Vogliamo comprendere la somma della conoscenza!

/Ahimè! Non puoi entrare in te stesso". La visione del mondo e di sé da parte di un uomo del Seicento, un uomo dei tempi moderni, era più sobria e amara che nel periodo del Rinascimento. La fede allegra e ottimista nelle proprie capacità, la fiducia nell'armonia dell'universo non ha posto qui. La mente umana è intesa come abbastanza fedele e sottile, ma l'unico e fragile strumento di conoscenza. Ecco perché i successi della scienza erano combinati con lo scetticismo, la fiducia era accanto al dubbio, la razionalità si opponeva all'emotività e in generale l'aspetto di quest'era nel suo insieme era determinato da principi contraddittori.

Un tempo complesso, diverso da se stesso, appare nell'opera di artisti così diversi, ma ugualmente grandi come Rembrandt e Velasquez, musicisti come Schutz e Lully, scrittori come Calderoy e Molière, Milton e Corneille, filosofi come Descartes e Pascal. Le contraddizioni costituiscono la base delle opere d'arte e della letteratura di quel tempo. Aspetto artistico le epoche definiscono due principali tendenze opposte: barocco e: classicismo. In queste stesse definizioni c'è già un contrasto espressivo: se barocco -. una parola di origine oscura che ha diversi significati ed è usata in diverse lingue, tra l'altro, è stata usata per molto tempo nel senso di "insapore, strano, bizzarro", quindi classicismo è una parola che deriva dal latino e significa " esemplare". Per molto tempo i critici hanno percepito la letteratura barocca e classica in questo modo: la prima - come letteratura "sbagliata", di "cattivo gusto", la seconda - come "corretta", "perfetta". Ma i gusti estetici moderni sono molto più tolleranti e vari.

I lettori hanno imparato ad apprezzare la stravaganza barocca, la stranezza e la chiarezza, l'armonia del classicismo. Inoltre, in entrambi i casi ci troviamo di fronte a una reazione estetica alla crisi delle idee ottimistiche rinascimentali sull'uomo e sul mondo.

L'arte e la letteratura barocca hanno cercato di trasmettere in immagini artistiche l'incoerenza e la disarmonia della vita umana e quindi hanno ottenuto non un certo risultato, ma complessità. La letteratura barocca non ha paura di sottolineare la possibilità di diverse interpretazioni delle immagini.

Lo stile barocco ama una metafora costruita sulla convergenza di oggetti dissimili, una convergenza inaspettata e paradossale. C'è qualche somiglianza con la visione artistica medievale: il mondo è, per così dire, diviso in due, nel tragico e nel comico, nel sublime e nel vile, nel corporeo e nello spirituale. La letteratura barocca trasmette il senso dell'impermanenza della vita, percepita come un'illusione, come un sogno. L'uomo mette costantemente in discussione tutto, se è in uno stato di sonno o di veglia, se osserva un fenomeno reale o apparente, vede un volto o una maschera. Le metafore barocche - il mondo-illusione, il mondo-sogno - si combinano con una serie di altre ugualmente importanti: il mondo-teatro, il mondo-libro. La realtà circostante appare qui come un'enorme enciclopedia di simboli ed emblemi; un significato allegorico nascosto si trova nei fenomeni e negli oggetti e porta insegnamento, edificazione, ma la letteratura barocca insegna non direttamente, ma attraverso l'impatto emotivo: eccitazione, sorpresa. Da qui l'amore degli scrittori barocchi per le immagini insolite, per l'originalità.

Tra i più significativi scrittori barocchi europei ci sono il drammaturgo spagnolo P. Calderon, i poeti italiani Marino e Tasso, il poeta inglese D. Donne, il romanziere francese O. d'Yurfe e alcuni altri. Il classicismo del XVII secolo, così come il barocco, cercarono di opporsi al sentimento generale di instabilità e caos dell'essere con l'ordine dell'arte.

Nelle norme e nelle regole della creatività estetica, i classicisti vedevano un mezzo per superare le contraddizioni della realtà. Fu proclamato il principio di plausibilità, ma questo principio fu inteso non come una rappresentazione ingenuamente veritiera della vita, ma come una ricreazione della bella natura, "costruita secondo le leggi della matematica" (Galileo). Allo stesso tempo, il classicismo era focalizzato su una sorta di competizione. con l'antichità: l'arte dell'antichità classica era percepita come un esempio di esatta osservanza delle leggi incrollabili dell'arte.

In contrasto con il desiderio di complicare l'immagine e lo stile caratteristici del barocco, il classicismo vuole raggiungere semplicità e chiarezza. I complessi fenomeni della realtà sono, per così dire, scomposti in fenomeni più semplici; tragico e comico, alto e basso non collidono in un'unica immagine contraddittoria, come nel barocco, ma sono divorziati secondo generi diversi. I generi "alti" erano considerati tragedia, ode, epico, "basso" - commedia, favola, satira. Generi alti di solito si rivolgeva ad antiche trame mitologiche, dipingeva situazioni sublimemente eroiche in cui recitavano nobili eroi. I generi comici riflettevano la modernità, i loro personaggi erano più democratici. Ma entrambi si sono dati il ​​compito di “insegnare divertendosi”, seguendo il precetto dell'antico poeta Orazio.

Entrambi erano soggetti a determinate regole, particolarmente rigide per i generi drammatici: richiedevano l'osservanza dell'unità di luogo, dell'unità di tempo, dell'unità di azione. Classicismo grande attenzione dedicato alla teoria dell'arte, nel corso di un secolo furono realizzati non pochi trattati sulla poetica del classicismo. Il più famoso di loro era il trattato poetico di N. Boileau "Arte poetica". I classicisti più famosi del XVII secolo. - drammaturghi Corneille e Racine in Francia, Ben Johnson in Inghilterra, poeta tedesco M. Opitz.

Il barocco e il classicismo si sono sviluppati in modo disomogeneo e nel corso di un secolo (il barocco prevaleva nella prima metà del secolo, il classicismo nella seconda), in modo diverso in ogni paese. Quindi, in Spagna, ovviamente, dominava il barocco, in Francia il classicismo. Ma oltre al fatto che queste direzioni si opponevano l'una all'altra, a volte interagivano fruttuosamente anche nell'opera di uno scrittore, ad esempio il poeta inglese Milton, l'autore del poema " Paradiso perduto", è considerato un esempio di poeta barocco-classico. Vita reale Letteratura XVII secolo non era schematico, rivela la ricchezza delle aspirazioni artistiche e la diversità individui creativi. NP

classicismo architettonico urbanistica barocca

La caratterizzazione di ogni stile sviluppato non presenta particolari difficoltà metodologiche. Un'altra cosa è l'analisi punto di svolta tra due stili specifici, contraddittori nella sua essenza. Come si verifica una tale frattura? Non siamo tanto interessati alla domanda: cosa lo causa in senso generale, ma a chiarire i modelli di base nel cambio di stile. Alla ricerca di tali regolarità, consentiremo consapevolmente un certo acuimento polemico delle formulazioni per far emergere più nettamente il punto di vista proposto. Il passaggio dal barocco al classicismo è stato uno dei più rapidi nel cambiamento degli stili dell'architettura domestica. La fine del 1750 è ancora il periodo di massimo splendore del barocco. La metà degli anni Sessanta del Settecento era già l'epoca dell'ampia diffusione del classicismo. In un periodo estremamente breve, da cinque a sette anni, avviene un cambiamento completo. gusti estetici. Architettura barocca russa del XVIII secolo. è stato un fenomeno storicamente condizionato, complesso e peculiare, che ha assorbito molte tradizioni dell'architettura russa del XVII secolo e una serie di caratteristiche dell'architettura domestica del periodo immediatamente precedente, ovvero l'inizio del XVIII secolo e l'influenza di architettura contemporanea del principale paesi europei. Questi componenti molto diversi, tuttavia, formavano una lega forte, che possedeva caratteristiche di singolare originalità. Entrambe le direzioni allora non conoscevano ancora i loro nomi futuri, ma l'essenza delle differenze stilistiche, i loro confini sono chiaramente visibili negli esempi dei migliori edifici creati o progettati quasi negli stessi anni. La decorazione enfaticamente succosa e il dinamismo delle forme barocche si contrappongono all'architettura razionalista leggermente secca del primo classicismo. Gli edifici più importanti del barocco russo - il Palazzo d'Inverno di B. F. Rastrelli e la Cattedrale Navale di San Nicola di S. I. Chevakinskrgo, così tipici nella loro traboccante bravura, furono completati nel 1762. Allo stesso tempo, già nel 1760 A. F. Kokorinov progetta la Pleasure House vicino a Oranienbaum, un'opera in cui dominano i principi di una nuova direzione nell'architettura. La pianta, la sagoma, l'intero volume dell'edificio sono molto compatti, con il predominio delle linee orizzontali enfatizzato. I dettagli sono realizzati in forme e proporzioni classiche. Nello stesso anno, A.F. Kokorinov, insieme a Zh.B. M. Wallen Delamotte crea la prima versione del progetto del Great Gostiny Dvor a San Pietroburgo. In questa versione, che divenne la base per la decisione finale presa due anni dopo, era già dettata l'idea di un maestoso edificio commerciale nella sua semplicità con un ritmo misurato di arcate a due piani sezionate da modeste lesene di ordine toscano . Nel 1763-1764. sono in fase di sviluppo progetti per l'Accademia delle arti (A. F. Kokorinov e J.-B. Vallin Delamotte), gli orfanotrofi di Mosca (K. I. Blank) e San Pietroburgo (Yu. M. Felten) - le prime strutture appositamente progettate per scopi educativi. Di questi, l'edificio dell'Accademia delle arti è il miglior lavoro periodo iniziale classicismo russo. Essendo situato in un sito responsabile, con la sua facciata principale rivolta verso il corso d'acqua principale della capitale, il fiume Neva, contribuisce all'organizzazione architettonica di un segmento significativo dell'argine. Il piano dell'edificio si basa su un processo di formazione funzionale ben congegnato per gli artisti: le principali aree di lavoro si trovano lungo il perimetro esterno dell'edificio e attorno a un enorme cortile circolare, che fornisce loro una buona illuminazione. La superficie delle pareti è abbondantemente sezionata, ma le articolazioni con proporzioni d'ordine ben definite sono di natura prevalentemente planare. Un periodo di declino, un graduale degrado non ha preceduto il cambio di stile. Al contrario, proprio nel momento della sua massima fioritura, il barocco si rivelò insostenibile per risolvere nuovi problemi, e gli edifici in stile classicista apparvero subito con sorprendente rapidità. Tale velocità nel cambiare gli stili non è tipica. È, come già accennato, un tratto distintivo proprio di questa svolta - dal barocco al classicismo - ed è stata causata dalla situazione generale in cui lo sviluppo storico artificialmente rallentato ha cominciato a recuperare faticosamente il tempo perduto. Il concetto di barocco come stile integrale cessò non solo di dominare l'architettura, ma in generale di avere un'influenza significativa sul suo ulteriore sviluppo. Le caratteristiche separate del vecchio sistema, sebbene siano apparse per qualche tempo in alcuni elementi delle strutture del primo classicismo, erano solo resti gradualmente obsoleti. Solo nelle province le forme barocche continuarono ad esistere per inerzia quasi fino alla fine del XVIII secolo. A sfondo storico I cambiamenti di stile includono fattori materiali e ideologici. Come il più importante, va notato il significativo aumento del potere militare e politico della Russia, accompagnato dalla rapida crescita del suo potenziale economico.

Prerequisiti non meno importanti per un cambiamento di stile erano le idee di illuminazione, umanesimo, ideali uomo naturale caratteristica di tutto il pensiero avanzato del XVIII secolo. Il richiamo alla ragione come criterio e misura principale di tutti i risultati è stato sentito sempre più forte. Le idee del razionalismo sono state ampiamente sviluppate a partire dalla seconda metà del secolo.

In architettura, tutti questi fattori hanno portato a grandi cambiamenti. La prosperità economica del paese ha causato una rapida crescita delle costruzioni in tutte le aree. I cambiamenti nell'ordine ideologico hanno richiesto una significativa espansione dei temi architettonici, un diverso contenuto figurativo. Temi e compiti mai visti prima sono emersi continuamente.

Nel frattempo, l'architettura barocca si distingueva per la ristrettezza tematica. La sfera dell'architettura come arte era limitata principalmente al palazzo e alla costruzione religiosa. Se era necessario creare strutture per uno scopo diverso, allora sono state sviluppate nelle stesse forme cerimoniali, molto solenni, vicine al palazzo, un esempio delle quali è il progetto del Gostiny Dvor a San Pietroburgo, proposto da F. B. Rastrelli nel 1757.

Lo sviluppo delle forme barocche lungo il percorso della loro ulteriore complicazione potrebbe continuare per un tempo piuttosto lungo, ma il campo stesso di applicazione di tali forme non potrebbe essere ampliato in alcun modo. Le possibilità dello stile entrarono in conflitto con la realtà. Questo ha determinato il suo destino.

verso la metà XVIII secolo era necessario creare vari tipi di nuovi edifici pubblici o edifici che non avevano significato artistico durante il periodo barocco, ad esempio edifici industriali, magazzini, commerciali. Nuovi compiti sono sorti anche nella costruzione di alloggi. Infine, la città nel suo insieme come unità sociale ha ricevuto una caratteristica significativamente diversa rispetto a prima e, a questo proposito, ha richiesto una diversa soluzione urbanistica e volumetrica.

Tutta questa crescita di richieste ha avuto luogo sulla scala di un paese gigantesco.

I metodi creativi tradizionali non potevano far fronte a tali compiti. Ma questo tipo di compiti, sebbene più semplici, sorgeva già prima degli architetti all'inizio del XVIII secolo. L'architettura del tempo di Pietro il Grande è caratterizzata da decisioni chiare e praticabili basate su chiari principi razionalistici. Le tradizioni del razionalismo sono apparse nell'architettura russa all'inizio del XVIII secolo, ovviamente, non per la prima volta. Queste tradizioni sono vissute a lungo, ma ci sono state epoche particolarmente favorevoli al loro sviluppo, e periodi in cui il razionalismo esisteva latentemente nell'architettura come fenomeno residuale del periodo precedente. Barocco russo del secondo quarto del XVIII secolo. inoltre non sfugge all'influenza dell'architettura petrina che l'ha preceduta, e il razionalismo di quest'ultima ha inserito alcuni elementi distinti negli stilemi di una direzione che le era sostanzialmente opposta.

Anche nell'opera del principale maestro barocco Rastrelli si possono vedere elementi di razionalismo. Quindi, ad esempio, la decorazione di forma straordinariamente ricca e complessa degli edifici del palazzo di questo architetto non viola la semplicità e la chiarezza dei piani.

Nelle opere di D. V. Ukhtomsky e S. I. Chevakinsky, le tendenze razionalistiche sono ancora più evidenti. Vale la pena ricordare il progetto di Uchtomsky per la Casa per invalidi a Mosca, o il campanile della cattedrale navale di San Nicola a San Pietroburgo, la cui nitida chiarezza architettonica è così diversa dall'esuberante allegria della cattedrale stessa che alcuni studiosi non hanno nemmeno voluto riconoscerlo come opera di Chevakinsky. Entrambi gli architetti erano studenti di IK Korobov, le cui attività coincisero in parte con il periodo barocco. Tuttavia, tra i maestri di questo tempo, Korobov, uno dei gloriosi pensionati di Pietro il Grande, mantenne l'orientamento più razionalistico del suo lavoro. Fu attraverso Korobov che le tradizioni del razionalismo furono continuate nelle opere dei suoi numerosi studenti e nel lavoro del più giovane di loro, A.F. Kokorinov, furono rianimate in una diversa qualità artistica, ripensate nello spirito dei compiti del nuovo direzione architettonica.

Il razionalismo come ricerca di chiarezza, comprensibilità, logica dell'immagine architettonica - tutto nel suo insieme e le sue singole componenti - è diventato il fattore principale nella formazione di un nuovo stile. I suoi principi richiedevano un concetto artistico particolarmente armonioso e logicamente integrale. Tale concetto era già stato creato in precedenza nelle scuole classiche di architettura dell'antichità e del Rinascimento. Gli architetti iniziarono a studiare attentamente il patrimonio dell'antichità (nella sua interpretazione romana, l'unica disponibile a quel tempo) e del Rinascimento. La grande attenzione ai classici divenne, per così dire, un fattore secondario nella formazione dell'architettura del primo classicismo russo.

Naturalmente, dentro Condizioni russe di quegli anni lo studio delle tradizioni classiche della sagomatura poteva avvenire solo attraverso la conoscenza delle opere teoriche di Vitruvio, Andrea Palladio, Vignola e con uvrazh, nelle quali venivano collocati disegni misurati o schizzi di monumenti architettonici. L'insufficienza di questo metodo di conoscenza si è presto resa conto. È caratteristico che se il giovane B. F. Rastrelli un tempo viaggiò all'estero non oltre la Germania, dove conobbe solo l'esperienza dell'architettura tedesca contemporanea, allora già nella prima metà del 1750 nacque l'idea di inviare il promettente gezel Kokorinov in Italia per lo studio dell'architettura dell'antichità e del Rinascimento. Dal 1760 la neonata Accademia delle Arti iniziò a inviare regolarmente all'estero i suoi migliori allievi, affidando loro il compito di familiarizzare con i monumenti dell'architettura classica.

Infine, un altro fattore che ha influenzato la formazione di un nuovo stile in Russia è stato il collegamento dell'architettura russa con l'architettura contemporanea di altri paesi, tra i quali la Francia era a quel tempo il paese leader in tutte le aree dell'ideologia.

Per la connessione dell'architettura russa con architettura francese divenne molto significativo nel primo quarto del XVIII secolo, quando J.-BA Leblon, invitato in Russia, creò qui non solo uno dei piani fondamentali per la pianificazione di San Pietroburgo, ma sviluppò anche tipi di case esemplari che determinarono in gran parte la fisionomia della giovane capitale russa.

Le tendenze del razionalismo, caratteristiche di quel ramo dell'architettura francese, di cui Leblon era un rappresentante, coincidevano con la direzione principale dell'architettura russa all'inizio del XVIII secolo. Il cambiamento nell'orientamento dell'architettura nel periodo post-petrino ha portato anche a un cambiamento nella natura dei legami con l'architettura francese. Cominciarono a riscuotere successo i trucchi rococò, che a quel tempo nella stessa Francia avevano subito una grave sconfitta. Concorso per il progetto della facciata principale della Chiesa di S. Sulpicia a Parigi ha annunciato una svolta nello sviluppo delle idee architettoniche. Fu in questa competizione che i principi del decoro rococò, portati da J. O. Meissonier al più alto grado di raffinatezza, furono respinti e fu data preferenza alla composizione rigorosa e classicamente chiara di J. N. Servandoni, che fu poi, sostanzialmente, implementata nel 1733 -- 1745

Sviluppo vita pubblica nel 1750 ha portato l'architettura russa a concentrarsi sui risultati avanzati degli architetti francesi. Un traguardo importante nella vittoria del classicismo in Francia fu il concorso per la creazione di Place Louis XV a Parigi. Come risultato di diversi round consecutivi del concorso (fine 1740 - inizio 1750), vinse il progetto di J.A. Gabriel, che segnò l'approvazione di nuove visioni sui principi urbanistici. Per la prima volta nella storia del mondo, la piazza della città è stata decisa in relazione e connessione con l'intero spazio della città.

Il successo di J.-J. Soufflet al St. Genevieve a Parigi e la costruzione da parte di Gabriel dell'intima dimora del palazzo Petit Trianon a Versailles significavano già la vittoria finale della nuova tendenza dell'architettura francese.

In Russia, le opere dei teorici dell'architettura M. A. Laugier, J. F. Blondel e altri sono state studiate con interesse e attenzione. L'idea di Blondel aveva un sapore nazionale francese troppo evidente ed era ancora lontana dall'attuazione coerente delle forme classiche, che, tra le altre ragioni, ebbero un ruolo nel rifiuto del progetto. Ma questo era già un incidente nel corso generale della storia. Dalla fine del 1750, fu l'architettura francese avanzata che si avvicinò di più all'architettura russa in termini di obiettivi e aspirazioni.

Utilizzando l'esempio del passaggio dal barocco al classicismo, si può provare a dedurre alcuni modelli generali nel cambiamento degli stili architettonici.

Lo stile emergente risponde a nuove esigenze, e in questo senso il suo percorso è sempre originale e inesplorato. Quanto più innovativo è questo neofita, tanto più ampie devono essere le tradizioni alle quali si appoggia. Ma allo stesso tempo, la direzione emergente si relaziona con comprensibile antagonismo ai metodi del suo predecessore, che a un certo momento hanno rivelato la loro incoerenza. Pertanto, ogni nuovo stile cerca sostegno nelle tradizioni dell'arte non del periodo immediatamente precedente, ma di un passato più lontano, e soprattutto nelle tradizioni dei “nonni”. Dopotutto, lo stile precedente negava anche la direzione che esisteva prima, motivo per cui ogni volta le tradizioni del "nonno" diventano la principale fonte di prestito.

In effetti, l'architettura barocca russa del secondo terzo del XVIII secolo è molto più vicina nello spirito agli edifici della Rus' alla fine del XVII secolo che all'architettura dell'era di Pietro I.

Per lo stesso motivo, il desiderio di illuminismo, utilitarismo e razionalismo onnicomprensivo, caratteristico dell'architettura petrina, ha trovato la sua continuazione indipendente nell'architettura del classicismo. Un edificio così originale per un complesso di istituzioni scientifiche come la Kunstkamera, concepita sotto Pietro I, non ne ricevette nessuna ulteriori sviluppi come un nuovo tipo di edificio, nemmeno ripetizioni, almeno semplificate. Nel frattempo, l'architettura del classicismo iniziò proprio con la creazione di una struttura di questo tipo: l'edificio dell'Accademia delle arti univa il più alto centro d'arte, un museo, Istituto d'Istruzione arti "tre nobilissime" con annesso un convitto e persino un teatro, botteghe di artisti e appartamenti residenziali per il personale docente.

L'era petrina non prestò molta attenzione agli edifici del palazzo, ma diede Grande importanza costruzione utilitaria, elevandola al livello di vera architettura. L'Ammiragliato di San Pietroburgo fu deciso non solo come impresa industriale unita a una struttura difensiva, ma come monumento alla potenza navale della Russia. L'edificio era molto basso e il materiale - a graticcio - non era affatto monumentale, ma l'idea stessa di una struttura larga 400 metri, segnata al centro da una torre con cuspide, era l'idea di grande architettura.

Uno dei grandi maestri del barocco russo, S. I. Chevakinsky, nella sua posizione di architetto dei Collegi dell'Ammiragliato, progettò e costruì molte strutture utilitarie per la flotta domestica. Ma tra queste sue opere non ci sono edifici simili all'Ammiragliato, significativi nel loro progetto architettonico. Dopo aver costruito la cattedrale navale di San Nicola, Chevakinsky ha creato un inno gioioso e giubilante per mezzo dell'architettura. Tuttavia, negli edifici utilitaristici, l'epoca non gli richiedeva altro che forza e utilità.

È caratteristico che all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, dopo aver avviato il progetto di un magazzino di legname sull'isola di New Holland a San Pietroburgo, Chevakinsky sviluppò nuova tecnologia deposito della foresta, e ha anche creato un piano per l'edificio, ma non ha affrontato la soluzione figurativa delle facciate, e questa parte del lavoro è stata affidata all'architetto della nuova direzione - Wallen Delamotte.

Il razionalismo, che costituisce la base del concetto di classicismo, trovò anche un'eco nelle tradizioni dell'architettura dell'inizio del XVIII secolo, sebbene, come notato in precedenza, la stessa architettura barocca russa usasse in una certa misura queste tradizioni.

Qui vorrei sottolinearlo tradizioni importanti mai morire. Si sviluppano in una spirale ascendente. Ad ogni turno successivo, parte del movimento, relativamente parlando, passa nell'ombra. Lo stile prevalente in quel momento tollera solo una tale tradizione "ombreggiata", e spesso la usa anche in senso opposto.

Barocco e Classicismo

palazzo versailles cultura artistica

Nel XVII secolo, nelle condizioni dello sviluppo attivo dell'economia e delle arti, la Francia acquisì lo status di paese esemplare di forme di governo assolutiste e politica economica pratica. Grazie al movimento della Controriforma, Roma in spazio culturale L'Italia territorialmente frammentata ha acquisito un nuovo significato. Di conseguenza, la costruzione di edifici religiosi ricevette un forte impulso. La nuova fase di costruzione iniziata in queste condizioni alla fine del XVII secolo contribuì al fatto che i principi tedeschi furono guidati nelle loro esigenze da modelli stranieri. In larga misura furono influenzati dall'assolutismo francese di Luigi XIV. Ogni signore feudale - non importa quanto piccolo fosse il territorio che gli apparteneva - copiava la sua residenza da Versailles, questa perla dei possedimenti reali.

Nonostante il fatto che per architettura europea XVII - XVIII secolo non è caratterizzato da uniformità e integrità, è consuetudine abbinarlo al concetto generale di "barocco". Castelli principeschi e luoghi di culto divennero i principali oggetti di costruzione e incarnarono la resistenza alla Riforma. Negli anni Trenta del Settecento iniziò a farsi sentire l'influenza dell'Illuminismo, che si riflesse immediatamente nella maggiore intimità degli edifici. Piccoli eleganti castelli circondati da parchi divennero il luogo di soggiorno preferito dai principi. Questo è uno dei più brillanti caratteristiche distintive barocco.

Il nuovo stile richiamava la bellezza dell'ambiente, o più semplicemente del paesaggio, per aiutare nella conduzione delle attività urbanistiche. Il paesaggio è diventato una delle componenti principali dell'insieme urbano. La piazza, perso il suo contenuto funzionale e democratico, è diventata la parte frontale della città, il suo decoro. L'architettura barocca si distingue per grandiosità, splendore e dinamica, spettacolarità e un forte contrasto di scale e ritmi.

Grazie alla bizzarra plasticità delle facciate, ai complessi piani e contorni curvilinei, i palazzi e le chiese barocche acquisirono un certo carattere pittoresco e dinamismo. Sembravano crescere nello spazio intorno a loro. Gli interni barocchi erano decorati con sculture multicolori, stucchi e intagli; specchi e murales erano necessari per l'illusoria espansione dello spazio, e la pittura dei plafoni creava l'illusione di volte che si aprissero sullo spettatore.

Nella pittura e scultura barocca, la posizione dominante apparteneva a composizioni decorative sfaccettate di natura religiosa, mitologica o allegorica, nonché ritratti cerimoniali. Quando si raffigurava una persona, erano preferibili stati di tensione, esaltazione e accresciuta drammaticità. Nella pittura ha acquisito grande importanza l'unità emotiva, ritmica e coloristica dell'insieme, spesso la libertà illimitata del tratto; nella scultura - la fluidità pittoresca della forma, la ricchezza di aspetti e impressioni.

I tratti caratteristici del barocco sono la complessità dei piani, il ricco design degli interni con soluzioni spaziali e di illuminazione inaspettate e spettacolari, molte curve, linee e superfici plasticamente curve, contrasto, tensione e dinamismo delle immagini, affettazione, desiderio di lusso e sfarzo, per coniugare realtà e illusione, alla fusione delle arti. Lo stile barocco contrastava la semplicità delle forme classiche con la raffinatezza delle forme. Elementi di pittura e scultura, superfici murali dipinte erano ampiamente utilizzate in architettura.

Le basi ideologiche del barocco si formarono nelle condizioni della Riforma e degli insegnamenti di Copernico. L'idea del mondo come unità razionale e permanente, caratteristica della filosofia dell'antichità e della visione rinascimentale dell'uomo come coronamento della creazione, è cambiata. L'uomo ha cominciato a realizzare se stesso "qualcosa tra tutto e niente" nelle parole di Pascal, "colui che coglie solo l'apparenza dei fenomeni, ma non è in grado di comprenderne né l'inizio né la fine".

La nascita del barocco fu in qualche modo facilitata dalla mancanza di fondi per la costruzione del palazzo da parte dei rappresentanti della nobiltà. Alla ricerca di una via d'uscita da questa situazione, si sono rivolti all'arte per creare l'illusione del potere e della ricchezza. In parte a causa di ciò, il barocco sorse in Italia nel XVI secolo.

Le forme architettoniche del barocco erano basate sul Rinascimento italiano, ma lo superavano in complessità, diversità e pittoricità. Facciate con cornici profilate, colonne, semicolonne e lesene colossali per più piani, lussuosi dettagli scultorei, spesso fluttuanti da convessi a concavi, danno movimento e ritmo alla struttura stessa. Non un singolo dettaglio di tale struttura era indipendente, a differenza del periodo rinascimentale. Tutte le parti dell'insieme sono soggette a un progetto architettonico comune, che è completato dal design e dalla decorazione degli interni, nonché dal giardinaggio paesaggistico e dall'ambiente architettonico urbano.

In Francia, lo stile barocco è espresso in modo un po' più modesto che in altri paesi. Si riteneva che lo stile barocco non si fosse affatto sviluppato qui e che i monumenti barocchi fossero considerati monumenti del classicismo. A volte è opportuno usare il termine "classicismo barocco" in relazione al francese e Varianti inglesi barocco. Ora sono classificati come barocchi francesi Palazzo di Versailles insieme a un parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, l'edificio dell'Accademia di Francia a Parigi e altre opere di architettura. Hanno davvero alcune caratteristiche del classicismo. Una caratteristica dello stile barocco è lo stile regolare nell'arte del paesaggio, esempio più chiaro che è il Parco di Versailles, l'apice della creatività del talentuoso maestro Andre Le Nôtre.

Il critico d'arte tedesco e storico dell'arte antica Johann Joachim Winckelmann scrisse nel 1755: "L'unico modo per noi di diventare grandi, e se possibile inimitabili, è imitare gli antichi". Con questo slogan, ha invitato i suoi contemporanei a rinnovare l'arte, utilizzando la bellezza dell'antichità, percepita come ideale, come base, e ha trovato un sostegno attivo nella società europea. L'architettura antica era da lui percepita come uno standard di armonia, semplicità, rigore, chiarezza logica e monumentalità. Il pubblico progressista percepiva il classicismo come una necessaria opposizione al barocco di corte. La formazione del classicismo coincise nel tempo con il periodo delle rivoluzioni borghesi - inglese nel 1688 e francese - 101 anni dopo. Pertanto, l'appello all'arte antica come massimo esempio e l'affidamento alle tradizioni dell'alto Rinascimento divenne una delle caratteristiche più importanti del classicismo.

Le belle arti del classicismo cercavano di incarnare l'idea di una struttura armoniosa della società. La complessità delle belle arti del classicismo è chiaramente evidenziata dai conflitti tra individuo e società, ideale e realtà, sentimento e ragione. Le forme artistiche del classicismo sono caratterizzate dalle caratteristiche di rigida organizzazione, equilibrio, semplicità e armonia delle immagini.

Il desiderio di incarnare la nobile semplicità e la calma grandiosità dell'arte antica nella costruzione ha portato i maestri dell'epoca a sforzarsi di copiare completamente l'antico edificio. Così, ciò che l'architetto tedesco Gilly aveva in fase di progettazione del monumento a Federico II, per ordine di Ludovico I di Baviera, fu realizzato sulle pendici del Danubio a Ratisbona e ricevette il nome di Valhalla - “La Sala dei Morti ”.

In Germania, i palazzi principeschi - le residenze divennero i centri di costruzione in stile classico, tra cui Marktplatz (piazza del commercio) a Karlsruhe, Maximilianstadt e Ludwigstrasse a Monaco, così come la costruzione a Darmstadt, divennero particolarmente famosi. Anche i re prussiani di Berlino e Potsdam favorirono il classicismo durante la costruzione. Tuttavia, a questo punto i palazzi avevano già perso il loro status di principali oggetti di costruzione, ville e case di campagna non sembravano meno impressionanti e impressionanti. La sfera della costruzione statale comprendeva edifici sociali: ospedali, case per ciechi e sordomuti, nonché prigioni e caserme. Ad esse si aggiunsero ben presto edifici pubblici come teatri, musei, università e biblioteche. Completavano il quadro le tenute di campagna dell'aristocrazia e della borghesia, i municipi e gli edifici residenziali nelle città e nei villaggi.La costruzione delle chiese non era più un compito fondamentale, ma a Karlsruhe, Darmstadt e Potsdam comparvero strutture notevoli, sebbene vi fosse una discussione se le forme architettoniche pagane fossero adatte al monastero cristiano.

Nella pittura, il ruolo dominante apparteneva allo svolgimento logico della trama, un chiaro equilibrio compositivo, un chiaro trasferimento di volume e modellazione chiaroscurale della forma e l'uso di colori locali.

Una chiara delineazione dei piani in dipinto di paesaggioè stato rivelato anche con l'aiuto del colore: il primo piano deve essere necessariamente scritto in marrone, il secondo in verde e il terzo in blu.

L'architettura del classicismo è caratterizzata dalla regolarità della pianificazione e dalla chiarezza della forma volumetrica. La base del linguaggio architettonico dello stile classico era un ordine vicino per proporzioni e forma all'antichità. Il classicismo si distingue per composizioni simmetriche-assiali, moderazione della decorazione decorativa e un sistema regolare di pianificazione urbana.

Formularono il grande maestro veneziano Palladio e il suo seguace Scamozzi linguaggio architettonico classicismo alla fine del Rinascimento. I veneziani assolutizzarono così tanto i principi dell'antica architettura dei templi che furono usati anche nella costruzione di palazzi privati ​​come Villa Capra. Inigo Jones trasportò il palladianesimo in Inghilterra, dove gli architetti palladiani locali, con vari gradi di fedeltà, seguirono i precetti del Palladio fino metà del diciottesimo secolo.

A questo punto, la sazietà per il lusso del tardo barocco e del rococò iniziò ad accumularsi tra gli intellettuali dell'Europa continentale. Per risolvere i grandi problemi urbani, questa estetica del barocco e del rococò era decisamente di scarsa utilità. Già sotto Luigi XV furono eretti a Parigi complessi urbanistici in stile "romano antico", tra cui la Place de la Concorde (architetto Jacques-Ange Gabriel) e la chiesa di Saint-Sulpice, e sotto Luigi XVI tali " nobile laconismo" divenne la principale tendenza architettonica.

Durante la costruzione della chiesa di Saint-Genevieve a Parigi, l'architetto francese Jacques-Germain Soufflot ha dimostrato la capacità del classicismo di organizzare vasti spazi urbani. In Russia, Bazhenov si stava muovendo nella stessa direzione di Soufflet. I francesi Claude-Nicolas Ledoux e Etienne-Louis Boulet sono stati in grado di muoversi ulteriormente verso lo sviluppo di uno stile visionario radicale con un'enfasi sulla geometrizzazione astratta delle forme. Nella Francia rivoluzionaria, il pathos civico ascetico dei loro progetti non era richiesto.

Gli architetti della Francia napoleonica cercarono ispirazione nelle immagini di gloria militare conservate dall'epoca della Roma imperiale, come l'arco trionfale di Settimio Severo e la colonna di Traiano. Per ordine dell'imperatore, furono trasferiti a Parigi nella forma arco di Trionfo Colonna Carruzel e Vendôme. In relazione ai monumenti della grandezza militare dell'era delle guerre napoleoniche, è consuetudine usare il termine "stile imperiale" - Impero. In Russia, maestri come Karl Rossi, Andrey Voronikhin e Andrey Zakharov erano eccezionali maestri dello stile Impero.

Gli interni classici più significativi furono completati dall'architetto scozzese Robert Adam dopo essere tornato a casa da Roma nel 1758. Le ricerche archeologiche degli scienziati italiani e le fantasie architettoniche di Piranesi gli fecero una grande impressione. Nell'interpretazione di Adamo, il classicismo era uno stile che difficilmente era inferiore in raffinatezza agli interni rococò. Questo gli è valso la fama sia tra i circoli della società di mentalità democratica che tra l'aristocrazia. Come i suoi colleghi francesi, Adam ha preferito un completo rifiuto dei dettagli privi di una funzione costruttiva. L'estetica del classicismo ha contribuito a progetti urbanistici su larga scala e, in una certa misura, ha contribuito all'ordinamento dello sviluppo urbano alla scala di intere città.

In Russia, la maggior parte delle città di provincia e quasi tutte le città di contea sono state riprogettate secondo i principi del razionalismo classico. Autentici musei del classicismo sotto cielo aperto città come San Pietroburgo, Helsinki, Varsavia, Dublino, Edimburgo e alcune altre si sono trasformate. In tutto lo spazio da Minusinsk a Filadelfia si è stabilito un unico linguaggio architettonico, risalente al Palladio. L'edilizia ordinaria è stata eseguita secondo gli album dei progetti standard.

Nel periodo che seguì le guerre napoleoniche, il classicismo esisteva contemporaneamente all'eclettismo romanticamente colorato, in particolare con la rinascita dell'interesse per il Medioevo e la moda per il neogotico architettonico. In connessione con la scoperta del piatto Rosetta di Champollion, i temi egiziani hanno guadagnato popolarità. L'interesse per l'antica architettura romana fu gradualmente sostituito dal rispetto per tutto il greco antico, particolarmente pronunciato in Germania e negli Stati Uniti. Gli architetti tedeschi Leo von Klenze e Karl Friedrich Schinkel stanno costruendo, rispettivamente, Monaco e Berlino con un grandioso museo e altri edifici pubblici nello spirito del Partenone. In Francia, la purezza del classicismo è stata assottigliata da prestiti gratuiti dal repertorio architettonico del Rinascimento e del Barocco.

Conclusioni per il capitolo 1

Gli stili barocco e classicismo si svilupparono in cultura artistica L'Europa occidentale nei secoli XVII-XVIII. Queste due tendenze nell'arte hanno convissuto con successo per due secoli, sviluppandosi parallelamente e occupando alternativamente una posizione di primo piano o ritirandosi in secondo piano.

Lo stile classico nella cultura artistica faceva appello all'uso dell'arte del mondo antico come standard. L'origine del classicismo è avvenuta nella fase delle rivoluzioni borghesi - inglese e francese - che hanno influito sulla natura della sua formazione e si sono riflesse nelle caratteristiche delle caratteristiche nell'ambito dello stile nazionale.

Nelle arti visive, il classicismo perseguiva l'obiettivo di incarnare l'idea di una disposizione armoniosa del lato sociale dell'essere. Le forme artistiche del classicismo sono contrassegnate da caratteristiche di rigida organizzazione, equilibrio, semplicità e armonia delle immagini.

I tratti caratteristici dello stile barocco erano la complessità dei piani, la sontuosa decorazione degli interni con spettacolari soluzioni spaziali e di illuminazione, le molte curve, le linee e le superfici plasticamente curve, il contrasto e la vivida dinamica delle immagini, il desiderio di lusso, la combinazione di illusione e realtà, e la fusione delle arti. A dispetto delle forme classiche, lo stile barocco ha promosso la raffinatezza nella modellatura. In architettura era diffuso l'uso di elementi di pittura e scultura, superfici murali dipinte.

Nell'ideologia barocca, una persona appariva come "qualcosa tra tutto e niente" nelle parole di Pascal, "uno che coglie solo l'apparenza dei fenomeni, ma non è in grado di comprenderne né l'inizio né la fine".

Nell'era del classicismo che seguì il barocco, il ruolo del contrappunto diminuì (sebbene lo sviluppo dell'arte del contrappunto non si fermò) e venne alla ribalta la struttura omofonica delle opere musicali. C'è meno ornamento nella musica. I lavori iniziarono a propendere per una struttura più chiara, specialmente quelli scritti in forma di sonata. Le modulazioni (cambio di tonalità) sono diventate un elemento strutturante; le opere iniziarono ad essere ascoltate come un viaggio pieno di drammaticità attraverso la sequenza dei tasti, una serie di partenze e arrivi alla tonica. Le modulazioni erano presenti anche nella musica barocca, ma non svolgevano una funzione strutturante. Nelle opere dell'era classica, molte emozioni venivano spesso rivelate all'interno di una parte dell'opera, mentre nella musica barocca una parte portava un sentimento chiaramente disegnato. E, infine, nelle opere classiche si raggiungeva solitamente un climax emotivo, che si risolveva alla fine dell'opera. Nelle opere barocche, dopo aver raggiunto questo culmine, fino all'ultima nota, c'era una leggera sensazione dell'emozione principale. Servirono molte forme barocche Punto di partenza per lo sviluppo della forma sonata, avendo sviluppato molte varianti delle principali cadenze.

Generi Barocco

I compositori barocchi hanno lavorato in vari generi musicali. Opera, apparsa in quel periodo tardo rinascimento, divenne uno dei principali barocchi forme musicali. Si possono ricordare le opere di maestri del genere come Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi e altri. Il genere dell'oratorio raggiunse il suo apice nelle opere di J. S. Bach e Handel; opere e oratori usavano spesso forme musicali simili.

Le forme di musica sacra come la messa e il mottetto divennero meno popolari, ma la forma della cantata ricevette l'attenzione di molti compositori protestanti, tra cui Johann Bach. Si svilupparono forme virtuosistiche di composizione come toccate e fughe. Le sonate e le suite strumentali sono state scritte sia per strumenti individuali che per orchestre da camera. Il genere del concerto è emerso in entrambe le sue forme: per uno strumento con un'orchestra e come concerto grosso, in cui un piccolo gruppo di strumenti solisti contrasta con un ensemble completo. Lo splendore e lo splendore di molte corti reali furono aggiunti anche da opere sotto forma di ouverture francese, con le loro parti veloci e lente contrastanti.

I pezzi per tastiera erano spesso scritti dai compositori per il proprio divertimento o come materiale didattico. Tali opere sono le composizioni mature di J. S. Bach, i capolavori intellettuali universalmente riconosciuti dell'era barocca: The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations e The Art of Fugue.

La musica barocca era divisa in tre periodi: musica del primo barocco (1600-1654), musica del barocco maturo (1654-1707) e musica del tardo barocco (1707-1760).

Musica del primo barocco

Il punto di transizione condizionale tra le epoche del Barocco e del Rinascimento può essere considerato la creazione da parte del compositore italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) del suo stile recitativo e il coerente sviluppo Opera italiana. L'inizio delle rappresentazioni liriche a Roma e soprattutto a Venezia significava già il riconoscimento e la diffusione del nuovo genere in tutto il paese. Tutto questo era solo una parte di un processo più ampio che ha catturato tutte le arti, e soprattutto si è chiaramente manifestato nell'architettura e nella pittura. I compositori del Rinascimento prestarono attenzione allo sviluppo di ogni parte pezzo di musica, quasi senza prestare attenzione al confronto di queste parti. Separatamente, ogni parte potrebbe suonare in modo eccellente, ma il risultato armonioso dell'addizione era più una questione di casualità che di regolarità. L'aspetto del generale dei bassi indicava un cambiamento significativo pensiero musicale- vale a dire che l'armonia, che è "l'aggiunta di parti in un tutto", è importante quanto le parti melodiche (polifonia) in sé stesse. Il pensiero armonico esisteva anche tra alcuni compositori dell'era precedente, ad esempio Carlo Gesualdo, ma in epoca barocca divenne generalmente accettato. Va aggiunto che il termine "armonia" è qui usato nel senso di "combinazione di suoni in consonanze e loro successione regolare", cioè armonia gerarchica, cordale, tonale. Giovanni Gabrieli fu una figura significativa del primo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, che si opponeva alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo. Le sue opere appartengono allo stile dell '"Alto Rinascimento" (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (appuntamento determinato strumento compiti propri e specifici) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.

Musica barocca matura

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato assolutismo. L'assolutismo raggiunse il suo apice sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Luigi era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (soprattutto tastiere) diede impulso allo sviluppo della musica da camera. Il barocco maturo differisce dal primo barocco nell'ubiquità del nuovo stile e nella maggiore separazione delle forme musicali, specialmente nell'opera. Nella teoria musicale, il barocco maturo è definito dall'attenzione dei compositori sull'armonia e dai tentativi di creare sistemi coerenti. formazione musicale. Negli anni successivi, ciò ha portato alla comparsa di molti lavori teorici.

Illustre Rappresentante I compositori di corte della corte di Luigi XIV furono Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte di musica strumentale". Fin dall'inizio, il lavoro creativo di Lully è stato strettamente connesso al teatro. In seguito all'organizzazione della musica da camera di corte e alla composizione di "airs de cour", iniziò a scrivere musica per balletto. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora scrivere opere.

Il compositore e violinista Arcangelo Corelli (1653-1713) è noto per il suo lavoro sullo sviluppo del genere del concerto grosso. Corelli è stato uno dei primi compositori le cui opere sono state pubblicate ed eseguite in tutta Europa.

Musica del tardo barocco

Il confine esatto tra barocco maturo e tardo è oggetto di dibattito; si trova da qualche parte tra il 1680 e il 1720. Gran parte della complessità della sua definizione è il fatto che in diversi paesi gli stili sono cambiati in modo non sincronizzato; le innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro. L'Italia, grazie ad Arcangelo Corelli e ai suoi allievi Francesco Geminiani e Pietro Locatelli, diventa il primo paese in cui il barocco passa da maturo a periodo tardo. Una pietra miliare importante può essere considerata il predominio quasi assoluto della tonalità come principio strutturante della composizione musicale. Ciò è particolarmente evidente in lavori teorici Jean Philippe Rameau, che prese il posto di Lully come principale compositore francese. Le forme scoperte dal periodo precedente hanno raggiunto maturità e grande variabilità; il concerto, la suite, la sonata, il concerto grosso, l'oratorio, l'opera e il balletto non avevano più caratteristiche nazionali nettamente espresse.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - compositore italiano, è nato a Venezia. La fama di Vivaldi è stata portata non da concerti o legami a corte, ma dalla pubblicazione delle sue opere, comprese le sonate in trio, le sonate per violino e i concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e ampiamente distribuiti in tutta Europa. Fu a questi generi strumentali, a quel tempo ancora in via di sviluppo (sonata barocca e concerto barocco), che Vivaldi diede il suo contributo più significativo.

Johann Sebastian Bach nacque il 21 marzo 1685 a Eisenach, in Germania. Durante la sua vita, ha composto oltre 1.000 opere di vari generi, ad eccezione dell'opera. Ma durante la sua vita non ha ottenuto alcun successo significativo. IN l'anno scorso vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al nascente classicismo. Era più conosciuto e ricordato come interprete, insegnante e padre dei Bachs Jr., principalmente Carl Philipp Emmanuel, la cui musica era più famosa.

Solo l'esecuzione della Passione secondo Matteo di Mendelssohn, 79 anni dopo la morte di J.S. Bach, ha ravvivato l'interesse per la sua opera. Ora J.S. Bach è uno dei compositori più famosi di tutti i tempi.