Rembrandt harmonizuje van rajnski sadržaj kreativnosti. Rembrandt Van Rijn: slike s naslovima, kratka biografija, umjetnikov rad. Bleđenje slave. Životne poteškoće

05.02.2019

Djelo briljantnog Rembrandta (1606-1669) jedan je od vrhunaca svjetskog slikarstva. Izvanredna širina tematskog raspona, najdublji humanizam koji nadahnjuje djela, istinska demokratičnost umjetnosti, stalna potraga za najizrazitijim umjetničkim sredstvima, nenadmašna vještina dali su umjetniku priliku da otelotvori najdublje i napredne ideje vrijeme. Kolorizam Rembrandtovih slika zrelog i kasnog perioda, izgrađen na kombinaciji toplih bliskih tonova, prelivajući najfinijim nijansama, lagan, lepršav i koncentrisan, kao da ga emituju sami predmeti, doprinosi izuzetnoj emocionalnosti njegovih radova. Ali posebnu vrijednost im daju visoka, plemenita osjećanja koja daju poeziju i uzvišenu ljepotu svakodnevnim stvarima.

Rembrandt je slikao istorijske, biblijske, mitološke i svakodnevne slike, portrete i pejzaže; bio je jedan od najvećih majstora bakropisa i crtanja. Ali bez obzira u kojoj je tehnici Rembrandt radio, u centru njegove pažnje uvijek je bila osoba, sa svojim unutrašnjim svijetom, svojim iskustvima. Rembrandt je često pronalazio svoje junake među predstavnicima holandske sirotinje, u njima je otkrivao najbolje karakterne crte, neiscrpne duhovno bogatstvo. Umjetnik je pronio vjeru u čovjeka kroz sav njegov život, tegobe i iskušenja. Pomagala mu je do njegovih posljednjih dana da stvori djela koja izražavaju najbolje težnje holandskog naroda.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn rođen je u Leidenu, kao sin vlasnika mlina. Njegovi učitelji su bili Swannenburgh, a kasnije Lastman. Od 1625. Rembrandt je počeo samostalno raditi. Njegovi rani radovi nose tragove uticaja Lastmana, ponekad utrehtskih slikara, sljedbenika Caravaggia. Ubrzo je mladi Rembrandt pronašao svoj put, jasno označen na portretima, napravljenim uglavnom od njega i njegovih najmilijih. Već u ovim djelima chiaroscuro je za njega postao jedno od glavnih sredstava umetničku ekspresivnost. On je studirao razne manifestacije karakteri, izrazi lica, izrazi lica, individualne osobine.

Godine 1632. Rembrandt se preselio u Amsterdam i odmah stekao slavu slikom Lekcija anatomije dr Tulpa (1632, Hag, Mauritshuis). U suštini, ovo je veliki grupni portret doktora koji su okruživali dr. Tulpa i pažljivo slušali njegova objašnjenja o anatomskom lešu. Takva konstrukcija kompozicije omogućila je umjetniku da prenese individualne osobine svake portretirane osobe i poveže ih u slobodnu grupu sa općim stanjem dubokog interesa, kako bi se naglasila vitalnost situacije. Za razliku od grupnih portreta Halsa, gdje svaki od portretiranih zauzima ekvivalentan položaj, na Rembrandtovoj slici svi su likovi psihološki podređeni Tulpi, čiji je lik istaknut širokom siluetom i gestom slobodne ruke. Jarko svjetlo otkriva centar kompozicije, doprinosi dojmu grupne pribranosti i povećava ekspresiju.

Uspjeh prve slike donio je umjetniku mnoge narudžbe, a s njima i bogatstvo koje se povećalo njegovim brakom s patricijkom Saskiom van Uylenburgh. Rembrandt, jednu za drugom, piše velike religiozne kompozicije, poput Abrahamove žrtve (1635, Sankt Peterburg, Ermitaž), pune dinamike i patosa, ceremonijalne portrete. Fasciniraju ga herojsko-dramatične slike, spolja spektakularne konstrukcije, veličanstvena fensi odjeća, kontrasti svjetla i sjene i oštri uglovi. Rembrandt često prikazuje Saskiju i sebe, mlade, srećne, pune energije. To su “Portret Saskije” (oko 1634, Kassel, Umjetnička galerija), “Autoportret” (1634, Pariz, Luvr), “Autoportret sa Saskiom na koljenima” (oko 1636, Drezden, Umjetnička galerija). Rembrandt je mnogo radio na polju bakropisa, voleći žanrovske motive, portrete, pejzaže i stvorio čitav niz slika predstavnika društvenih nižih klasa.

Do kraja 1630-ih, otkrivena je umjetnikova privlačnost realističnim slikama na slikama velikih razmjera. Mitološka tema na slici Danae (1636., većina slike je preslikana sredinom 1640-ih, Sankt Peterburg, Ermitaž) dobila je neobično vitalno i uvjerljivo rješenje. Odbacujući nasilni patos i vanjske efekte, Rembrandt je težio psihološkoj ekspresivnosti. Tople boje su postale bogatije, svjetlost je dobila još veću ulogu, dajući posebnu zebnju i uzbuđenje radu.

Sa produbljivanjem realističkog umijeća umjetnika, rasla su njegova neslaganja sa okolnom buržoasko-patricijskom sredinom. Godine 1642., po narudžbi čete puškara, naslikao je veliku sliku (3,87 x 5,02 m), zbog povremenog potamnjivanja boja, koja je kasnije dobila naziv “Noćna straža” (Amsterdam, Rijksmuseum). Umjesto tradicionalne gozbe sa portretima njenih učesnika, gdje je svaki prikazan s punom pažnjom o individualnim karakteristikama, kao što je to ranije urađeno, umjetnik je prikazao nastup strijelaca u pohodu. Podižući zastavu, predvođeni kapetanom, marširaju širokim mostom kod zgrade esnafa uz zvuk bubnja. Neobično jarki snop svjetlosti, koji obasjava pojedinačne figure, lica učesnika povorke i djevojčice s pijetlom u struku, kao da se probija kroz redove strijelaca, naglašava neočekivanost, dinamiku i uzbuđenost slike. slike hrabri ljudi, zarobljeni herojskim porivom, ovdje su spojeni s generaliziranom slikom holandskog naroda, nadahnutog sviješću o jedinstvu i vjerom u vlastite snage. Tako grupni portret dobija karakter svojevrsne istorijske slike, u kojoj umetnik nastoji da proceni sadašnjost. Rembrandt utjelovljuje svoju ideju uzvišenih građanskih ideala, naroda koji je ustao u borbu za slobodu i nacionalnu nezavisnost. U godinama kada su se unutrašnje protivrečnosti koje su delile zemlju sve više otkrivale, umetnik je uputio poziv na građanski podvig. Rembrandt je nastojao da stvori sliku herojske Holandije, da veliča patriotski uspon njenih građana. Međutim, ova ideja je već bila uveliko strana njegovim kupcima.

Tokom 1640-ih, razlike između umjetnika i buržoaskog društva su sve veće. Tome doprinose teški događaji u njegovoj lični život, Saskijina smrt. Ali upravo je u to vrijeme došlo vrijeme zrelosti u Rembrandtovom djelu. Na mjestu efektivnog dramatične scene U njegovim ranim slikama dolazi do poetizacije svakodnevnog života: preovlađuju lirski zapleti, poput „Oproštaj Davida Jonatanu“ (1642), „Sveta porodica“ (1645, obe slike - Sankt Peterburg, Ermitaž), u kojima dubina ljudska osećanja pleni iznenađujuće tankom i snažnom inkarnacijom. Činilo bi se da u jednostavnim svakodnevnim scenama, u štedljivim i precizno pronađenim gestovima i pokretima, umjetnik otkriva složenost duhovnog života, tok misli likova. Scenu slike "Sveta porodica" prenosi u siromašnu seljačku kuću, gdje otac radi kao stolar, a mlada majka brižno čuva bebin san. Svaka stvar ovdje je prekrivena dahom poezije, naglašava ugođaj tišine, mira, spokoja. Tome doprinosi meka svjetlost koja obasjava lica majke i bebe, najsuptilnijim nijansama tople zlatne boje.

Slike Rembrandtovih grafičkih radova - crteža i bakropisa - pune su dubokog unutrašnjeg značaja. S posebnom snagom, demokratizam njegove umjetnosti izražen je u bakropisu „Hrist iscjeljuje bolesne“ (oko 1649., „Čak od sto guldena“, nazvan tako zbog visoke cijene koju je kupovao na aukcijama). Upečatljiva je prodorna interpretacija slika bolesnika i patnika, prosjaka i siromaha, kojima se suprotstavljaju samozadovoljni, bogato odjeveni fariseji. Autentičan monumentalni domet, slikovitost, suptilni i oštri kontrasti chiaroscura, tonalno bogatstvo izdvajaju njegove bakropise i crteže perom, kako tematske tako i pejzažne.

Veliko mjesto u kasnom periodu zauzimaju jednostavne, ali kompozicije, najčešće generacijski portreti rodbine i prijatelja, u kojima se umjetnik fokusira na otkrivanje duhovnog svijeta portretisanog. Mnogo puta piše Hendrickje Stoffels, otkrivajući njenu duhovnu dobrotu i ljubaznost, plemenitost i dostojanstvo - kao, na primjer, "Hendrickje na prozoru" (Berlin, Muzej). Često je model njegov sin Titus, bolešljiv, krhak mladić blagog duhovnog lica. Na portretu sa knjigom (oko 1656, Beč, Muzej istorije umetnosti) čini se da je slika prožeta sunčevim zracima. Među najprodornijima su portret Breuninga (1652, Kassel, Galerija), mladog zlatnokosog muškarca pokretljivog lica obasjanog unutrašnjim svjetlom i portret zatvorenog tužnog Jana Sixa (1654, Amsterdam, zbirka Six) , kao da je zastao u mislima, navlačeći rukavicu.

Ovom tipu portreta pripadaju i kasni autoportreti umjetnika, upečatljivi raznolikošću psiholoških karakteristika, izrazom najneuhvatljivijih pokreta duše. Plemenita jednostavnost i veličanstvo izveden "Autoportret" Bečki muzej(oko 1652); na "Autoportretu" iz Luvra (1660.) umjetnik je sebe prikazao kako meditira, napeto tužan.

Istovremeno je naslikan i portret starice, supruge njegovog brata (1654, Sankt Peterburg, Ermitaž), portret-biografija koji govori o teško proživljenom životu, o teškim danima koji su ostavili svoje elokventne tragove na naborano lice i vrijedne ruke ove preživjele žene. Koncentrirajući svjetlost na lice i ruke, umjetnik skreće pažnju gledatelja na njih, otkrivajući duhovno bogatstvo i ljudsko dostojanstvo portretiranih. Gotovo svi ovi portreti nisu rađeni po narudžbi: svake godine je sve manje narudžbi.

Poslednja decenija je najtragičnije vreme u Rembrantovom životu; proglašen nesolventnim dužnikom, nastani se u najsiromašnijoj četvrti Amsterdama, izgubi najbolje prijatelje i voljene. Hendrickje i sin Titus umiru. Ali nesreće koje su ga zadesile nisu mogle zaustaviti razvoj kreativnog genija umjetnika. Najdublja i najljepša djela napisao je upravo u to vrijeme. Grupni portret "Sindikija" (starešine sukna, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) upotpunjuje umetnikova dostignuća u ovom žanru. Njegova vitalnost leži u dubini i specifičnosti svakog od predmeta, u prirodnosti kompozicije, jasnoj i uravnoteženoj, u škrtosti i tačnosti odabira detalja, u harmoniji suzdržane sheme boja, a istovremeno u stvaranju integralne slike grupe ljudi ujedinjenih zajedničkim interesima koje štite. Neobičan kut naglašava monumentalnu prirodu slike, značaj i svečanost onoga što se događa.

Kasnom periodu pripada i niz velikih tematskih slika majstora: „Zavera Julija Civilisa“ (1661, Stokholm, Nacionalni muzej), istorijski sastav, koji prikazuje vođu plemena Batav, koji se smatrao precima Holandije, koji je podigao narod u 1. veku na ustanak protiv Rima, kao i slike na biblijske teme: „Asur, Haman i Estera“ (1660, Moskva , Puškinov muzej).

Radnja biblijske parabole o izgubljenom sinu privukla je umjetnika i ranije, nalazi se u jednoj od njegovih bakropisa. Ali tek pred kraj svog života Rembrandt je došao do svog najdubljeg otkrića. U liku umornog, pokajanog čovjeka koji je pao na koljena pred ocem, izražen je tragični put spoznaje života, a u slici oca koji je oprostio izgubljenom sinu najveća sreća dostupna čovjeku, granica osećanja koja ispunjavaju srce, ovaploćena je. Rješenje ove velike kompozicije je zadivljujuće jednostavno, gdje glavni likovi kao da su obasjani unutrašnjim svjetlom, gdje gest ruku oca, koji je povratio sina, izražava njegovu beskrajnu dobrotu, a opuštena figura lutalica u prljavim krpama, pripijenog uz oca, izražava svu snagu pokajanja, tragediju traganja i gubitaka. Ostali likovi potisnuti su u drugi plan, u polusjenu, a njihova samilost i promišljenost samo još više ističu, kao da žare toplim sjajem, očinsku ljubav i praštanje, koje je veliki holandski umjetnik ostavio ljudima kao amanet.

Utjecaj Rembrandtove umjetnosti bio je ogroman. To je uticalo na rad ne samo njegovih neposrednih učenika, od kojih je Karel Fabricijus bio najbliži razumevanju učitelja, već i na umetnost svakog manje-više značajnog holandskog umetnika. Rembrantova umjetnost imala je dubok utjecaj na razvoj cjelokupne svjetske realističke umjetnosti kasnije. Dok je najveći holandski umjetnik, došavši u sukob s buržoaskim društvom, umro u nevolji, drugi slikari, savladavši vještinu istinitog prenošenja prikazanog, uspjeli su postići doživotno priznanje i blagostanje. Usmjerivši svoje napore na područje jednog ili drugog slikarskog žanra, mnogi od njih su stvorili značajna djela u svojoj oblasti.

Rembrandt van Rijn(15. jula 1606. - 4. oktobra 1669.) - briljantni holandski umetnik. Rođen i odrastao u porodici najobičnijeg mlinara u gradu Leidenu. Rembrandt je tamo radio do 1632. godine, a zatim se preselio u Amsterdam. Dvije godine kasnije oženio se djevojkom iz bogate porodice Saskie. Slikar je ovjekovječio sliku svoje odabranice na mnogim svojim platnima, prenoseći svu njenu ženstvenost i ljepotu s posebnom ljubavlju i nježnošću. Ali Rembrandtova biografija nije tako jednostavna i obična kao što se na prvi pogled može činiti. O tome svjedoče njegova djela koja odražavaju skrivenu suštinu svakodnevnih pojava i prenose unutrašnji svijet portretiranih.

Osobine kreativnosti: interesovanje koje umjetnik pokazuje za unutrašnji svijet čovjeka vidljivo je već u periodu Lajdena, kada je Rembrandt van Rijn prenosio individualne karakteristike ljudi kroz njihove portrete. Posebna pažnja slikar se posvetio otkrivanju stanja duha portretirane osobe, izostavljajući sitnije detalje.

Kreativnost Rembrandta je nevjerovatna širina tematskog raspona. U djelima umjetnika može se pratiti najdublji humanizam. A u isto vrijeme, slikar je stalno u kreativnoj potrazi, pokušavajući pronaći najizrazitija umjetnička sredstva. Upravo ovi neprekidni pokušaji da se postigne savršenstvo postali su razlozi da je Rembrandt van Rijn danas najveći umjetnik. Likovni radnici i dalje su jednaki njegovom nenadmašnom umijeću, a slikareva platna fasciniraju na prvi pogled.

Poznate slike Rembrandta van Rijna

Unatoč činjenici da su sva Rembrandtova djela vrijedna pažnje, među njima ima onih koji zaista fasciniraju nekom svojom posebnom magijom. Najpoznatija umjetnikova slika je Noćna straža. Djelo je dobilo ime tek krajem osamnaestog vijeka. To je zbog činjenice da je kasnije skinut tamni lak stvorio utisak da se svi događaji na platnu odvijaju kasno u noć. Glavni lik ovog djela je kapetan Kok, koji daje poručniku Willemu van Rei-Tenburgu naređenje da krene u bitku. Portret se odlikuje ekspresivnošću i prirodnošću prikazanih likova.

Kasnije je umjetnik naslikao još jednu sliku, koja je postala ništa manje poznata - "Povratak izgubljenog sina", u kojoj je Rembrandt van Rijn prikazao biblijsku priču. Platno je puno saosećanja i nežnosti, a svako ko ga je ikada video složiće se da je pred njim najveća kreacija slikara od svih što je ikada stvorio.

Rembrandtovo djelo: glavna razdoblja

Rani radovi holandskog umjetnika Rembrandta, koje je napisao 30-ih godina XVII vijeka. - ovo su uglavnom portreti njegove voljene žene. Posebno se ističe autoportret slikara sa Saskiom na kolenima. Umjetnik sebe prikazuje kao veselog gospodina koji jednom rukom grli svoju napola okrenutu ženu, a drugom drži čašu vina. Rembrandtove slike ovog perioda pune su vitalnosti, snage i ljubavi. Iste godine ozbiljno se zanimao za biblijske priče.
Do početka 1940-ih, umjetnik je postao popularan i visoko plaćen. Rembrantove slike su predmet divljenja i inspiracije. Apogej njegovog rada u ovom periodu je platno "Danae", koje prikazuje mitološke junakinje. Slikar vješto oslikava baršunastu baldahinu, prelijepo nago tijelo djevojke, koje blista u mekim zracima zlatne svjetlosti.

Ali stvarno genijalne slike Talentovani Rembrandt je stvorio između 50-ih i 60-ih godina. Unatoč činjenici da je umjetnik u to vrijeme imao izuzetno teško vrijeme zbog problema s vlastima i drugih nevolja, u njegovom životu je još uvijek bilo dovoljno prostora za kreativnost.

Rembrandtove posljednje slike

Jedno od poslednjih dela velikog majstora je platno "Jevrejska nevesta". Na ovoj slici umjetnik je toliko majstorski uronjen u misteriju da uspijeva bez riječi izraziti sve emocije portretisanog. Glavne figure slike igraju određene uloge. Oni prikazuju starozavjetni par Rebeku i Isaka, koji su se nastanili u filistejskoj zemlji i pretvarali se da su sestra i brat. Slika predstavlja najviši konačni put u umjetnikovoj želji da se sprijatelji sa univerzalnim i posebnim.

Platno "Bathsheba" ne zaslužuje ništa manje pažnje. Rembrant je bio inspirisan da naslika ovu sliku pričom iz Starog zaveta o kralju Davidu, vladaru Izraela. Jedne večeri David je otišao na krov svoje vlastite palate, odakle je primijetio ženu koja se kupala nevjerovatne ljepote. Kralj je naredio da se sazna sve o ovoj devojci. I sluge su ga obavijestile da se kupa neka Bat-Šeba. Rembrandt je ovu scenu prenio na svoje platno. Usredsredio je svu svoju pažnju na preljubu, božanski gnev i krvni zločin.

Poljski konjanik je još jedna Rembrandtova slika iz kasnog perioda, koja je postala nadaleko poznata nakon što ju je kupio uticajni kolekcionar. Glavni lik platna je hrabri mladić na konju. Rembrandt je prikazao svoj lik u pokretu, ali pogled osobe koja se prikazuje zamišljeno juri u daljinu. Sudeći po stilu odevanja mladića, on pripada poljskoj konjici XVII veka. Nosi dugački kaftan, krznenu kapu i kožne čizme. Jahač je naoružan bodežom i sabljom, au desnoj ruci ima luk. Još uvijek se ne zna ko je tačno pozirao velikom holandskom umjetniku za ovaj portret. Neki istoričari koji proučavaju Rembrantovo delo skloni su da misle da on nije bio konjanik, već običan Poljak. Slikar je posebnu pažnju posvetio drugom liku - ratnom konju. Konj je graciozan i dostojanstven, nozdrve su mu širom otvorene. Budući da je u pokretu, njena snježnobijela griva se razvija na vjetru, a mišići se igraju na njenom tijelu. Konj se, zajedno s jahačem, doživljava kao jedinstvena cjelina, koja teži zajedničkom cilju.

Autoportret Rembrandta, 1661. Ulje na platnu, 114x91.
Kenwood House, London, Engleska baština.
Ilustracija sa http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606-1669), holandski slikar, crtač i bakropisac, jedan od najvećih majstora zapadnoevropska umjetnost. Rođen u Lajdenu 15. jula 1606. godine u porodici bogatog mlinara. Godine 1620. upisao je Univerzitet u Leidenu, ali se tamo nije dugo zadržao i ubrzo postao učenik lokalnog umjetnika Jacoba Isaacsa Swanenbürcha. Oko 1623. preselio se u Amsterdam, gdje je ušao u radionicu Jana Peynasa, studirao kod majstora istorijskog slikarstva Pietera Lastmana. Potonji je Rembranta upoznao sa djelima majstora italijanske umjetnosti. Od 1625. do 1631. Rembrandt je držao svoju radionicu u Leidenu, ponekad radeći sa slikarom i graverom Janom Livensom. Od Rembrantovih učenika, Gerard Dou je najpoznatiji.

1631. ili krajem 1632. Rembrandt se vratio u Amsterdam. Dana 22. juna 1635. oženio se Saskiom van Uilenbürch, kćerkom bogatog burgomastera iz Leuwardena. Godine 1642. uspjeh u stvaralaštvu i privatnom životu zamijenjen je nizom nesreća. Krajem 1630-ih godina rodi mu se jedno za drugim četvero djece, ali su sva umrla u djetinjstvu, a onda je 14. juna 1642. iznenada umrla i njegova voljena žena. Umjetnik je ostao s njim jednogodišnji sin Titus. Slika Noćna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), završena ubrzo nakon Saskijine smrti, označava početak njegovog novog stvaralačkog traganja.

Krajem 1640-ih, Hendrikje Stoffels je postala Rembrandtova nezvanična supruga (prema Saskijinoj oporuci, nije se mogao oženiti drugi put). 1654. rodila im se kćerka Kornelija. Međutim, sada su umjetnika pratile finansijske poteškoće. U julu 1656. bio je primoran da proglasi bankrot, a u naredne dvije godine njegova izuzetna zbirka je prodata. Želeći da pomognu Rembrandtu, krajem 1658. Titus i Hendrickje su počeli da trguju slikama.

Posljednje godine umjetnikovog života bile su zasjenjene smrću najmilijih. Hendrikje je umro 24. jula 1663. godine. Titus se oženio u februaru 1668. i umro šest mjeseci kasnije. Sada je Rembrandt ostao sam sa mladom Kornelijom. Rembrandt je umro 4. oktobra 1669. godine.

Rembrandt je stvorio oko 600 slika, skoro 300 bakropisa i preko 1400 crteža. Slijedi hronološki pregled njegovog rada.

Rani period Rembrantovog stvaralaštva treba posmatrati u kontekstu uticaja italijanske umetnosti na holandsko slikarstvo. Od talijanskih majstora, Holanđane je posebno privukao Caravaggio, u čijim se djelima hrabri naturalizam i kontrastno modeliranje svjetla i sjene činili izazovom klasičnoj umjetnosti. Umjetnici kao što su Gerard Terbruggen i Rembrandtov učitelj Peter Lastman radili su u stilu Caravaggia, postepeno uvodeći karavagizam u arsenal umjetničkih sredstava. Holandsko slikarstvo. Ovom trendu pripadaju i Rembrandtove slike iz perioda Lajdena (1625-1631). Slike Mjenjača novca (1627, Berlin) i Naučnika u svojoj studiji (1629, London, Nacionalna galerija) pokazale su majstorovo interesovanje za prenošenje svjetlosnih efekata. Prva od njih prikazuje starca sa naočalama na poslu, u kutu zatrpanom računskim knjigama. Njegovo naborano lice obasjava prigušeno svjetlo jedne svijeće koju prekriva rukom. Na drugoj slici Rembrandt je nastojao prenijeti atmosferu unutrašnjosti ispunjene zrakom. Glavni predmet slike je sama prostorija sa visokim stropom, okupana mekim, lepršavim svjetlom.

Umjetnik se tijekom svoje karijere okrenuo temama u kojima je duboka životna drama kombinovana s elementima suptilnog psihologizma. Na slici Večera u Emausu (oko 1630, Pariz, Muzej Jacquemart-André) vidljive su karakteristike Rembrandtovog slikarstva ovog perioda. Rembrandt je ovu epizodu predstavio kao kazališnu mizanscenu. Kristova silueta se ističe na pozadini zasljepljujuće svjetlosti, većina platna je uronjena u sjenu.

Preseljenje u Amsterdam i veliki umetnički uspesi koji su ga pratili otvaraju novi period u Rembrantovom stvaralaštvu; ove decenije, tokom koje su nastajala dela, prožeta dramatikom i istovremeno ne lišena materijalne senzualnosti, delom duhom srodna delima Flamanca Petera Paula Rubensa. Prvo velika narudžba, koju je Rembrandt primio u Amsterdamu, je slika Anatomija dr. Tulipana (1632, Hag, Mauritshuis). To je slika poznatog amsterdamskog doktora i njegovih kolega u gradskom esnafu hirurga.

Među slikama o istorijskim temama koje je Rembrandt napravio 1630-ih, Oslepljivanje Samsona (1636, Frankfurt na Majni, Štedelevski umjetnički institut). Refleksije svjetla, dinamičke dijagonale i svijetle boje koriste se za povećanje napetosti zapleta; slika je ispunjena oštrim brzim pokretom.

Hedonizam i tehnička virtuoznost koji karakterišu Rembrandtovo slikarstvo ovih godina možda su našli svoje najupečatljivije oličenje u Autoportretu sa Saskijom (oko 1635, Drezden, Umjetnička galerija). Ovdje je umjetnik sebe prikazao u romantičnom kostimu džentlmena; Jednom rukom podiže čašu piva, a drugom grli Saskiju koja mu sjedi u krilu. Svjetlina boja i sloboda poteza u potpunosti su u skladu s raspoloženjem scene.

Autoportret sa Saskiom na kolenima. 1635

Do ranih 1640-ih, život i umjetnička aktivnost Rembrandt je stekao stabilnost i pravilnost. Autoportret iz 1640. (London, Nacionalna galerija), nastao pod uticajem dela Rafaela i Ticijana, prikazuje samouverenog, razboritog čoveka, obučenog po italijanskoj modi 16. veka, oslonjenog na balustradu. ; ramena su mu blago okrenuta, pogled okrenut ka posmatraču.

Jedan od mnogih poznate slike ovog perioda - Noćna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Pravo ime djela je četa kapetana Fransa Banninga Cocka i poručnika Willema van Reitenburga. Napisano je povodom posjete Amsterdamu francuske kraljice Marie de Medici i svečanog izlaska trupa gradske milicije koji je ovom prilikom organizovan. dominantna na slici tamna pozadina omogućava vam da bolje istaknete figure likova. Zato je u 18.st. slika je pogrešno nazvana Noćna straža. Kao i Anatomija dr. Tulipana, ova slika nadilazi tradicionalni grupni portret. Prikazuje 29 likova, od kojih su 16 stvarne istorijske ličnosti; njihovi pokreti i položaj na slici podložni su jednoj zajedničkoj radnji koja se razvija pred očima gledatelja. motke, transparenti i muškete strše u različitim smjerovima, čineći kompoziciju slobodnijom i dinamičnijom; osjećaj je pojačan igrom svjetla i sjene.

Noćna straža. 1642

1640-ih Rembrantovo religiozno slikarstvo postaje manje retoričko, u njemu se pojavljuje poniznost i duboka unutrašnja snaga, karakteristična za rad pokojnog majstora. Od renesansnih događaja Sveto pismo obično su tumačeni na herojski način, a njihovi likovi su bili obdareni fizičkom ljepotom. Rembrandtova vizija se oštro razlikovala od ovog koncepta; Hristos u svojim delima deluje skromno i krotko, poniženo i nevidljivo među ljudima.

Sto guldena, gravura koja je dobila ime po cijeni po kojoj je prodata na jednoj od prvih aukcija, bavi se temom kršćanske poniznosti. Kristov lik se ne izdvaja iz gomile ni odjećom ni posebnom pozicijom, već se pažnja gledatelja usmjerava na centar kompozicije - lice Spasitelja sa najtanjim zrakama božanske svjetlosti koje izbijaju iz njega. By lijeva ruka od Njega - slomljeni slabošću duha i tijela, bogati i siromašni, ujedinjeni patnjom. Desno su fariseji, nevjernici i uronjeni u beskrajne rasprave. Mala djeca padaju pred noge Hristove. U Listovoj gravuri stotinu guldena, u nedostatku vidljive akcije, Rembrandt je savršeno uspio dočarati čudo Božanskog prisustva u ljudskom svijetu.

Od početka 1650-ih, Rembrandtovi portreti su postali duboko lični, kompozicije su postale stroge i geometrijske konstrukcije, a shema boja postala je ogroman raspon nijansi od tri ili četiri boje. Rembrandtova umjetnost više ne odražava umjetnički ukus javnosti; umjetnik se sada bavi proučavanjem svojstava tehnologije ulje na platnu. Stav majstora, oličen u njegovim kasnijim radovima, koji su danas tako visoko cijenjeni, ostao je neshvatljiv za njegove savremenike.

Rembrandt. "Danae". 1636.

Slika Čovjek sa pozlaćenom kacigom (1651, Berlin-Dahlem) Rembrandtove radionice pokazuje karakterne osobine kasni stil majstori. Lice sijedog ratnika uronjeno je u duboku meku sjenu, a odsjaj svjetlosti na kacigi prenosi se slobodnim, širokim, debelim potezima. Za Rembrandta je neobičan zaplet ponekad mogao postati povod za hrabre umjetničke eksperimente. Primjer ovdje je slika Skinned trup bika(1655, Pariz, Luvr). Četkica vraća život mrtvom tijelu, a ljepotu ružnoći. Rembrandt je uvijek izbjegavao klasičnu idealizaciju u prikazu ljudskog tijela. Na slici Bat-Šabe (1654, Pariz, Luvr), žena koju je kralj David video kako se kupa i u nju se zaljubio zbog njene izuzetne lepote nije prikazana u trenutku kupanja, koju su umetnici tako često birali da ispričaju ovu priču, a ne uopšte prelepo. Ona je uronjena u duboke misli i čini se da predviđa smrt svog muža.

U svom kasnijem radu, Rembrandt se sve više okreće tumačenju događaja. Hrišćanska istorija. Slika Silazak sa krsta (oko 1655, Vašington, Nacionalna galerija) posvećena je ne samo Hristovoj smrti, već i tuzi onih koji ga oplakuju.

Jedan od mnogih poznata dela religiozno slikarstvo Rembrandt iz ovog perioda je slika Petrovo poricanje (oko 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). U sredini je prikazana mlada služavka koja se obraća Petru, a on svoje riječi o odricanju od Krista potvrđuje pokretom položene ruke. Prostor prednjeg plana osvjetljava jedna svijeća, koja je zaklonjena rukom sluškinje, tehnika koja je početkom stoljeća bila veoma popularna među karavadžistima. Blaga svjetlost svijeće modelira oblike figura i objekata u prvom planu. Ispisane su laganim potezima, u smeđkasto-žućkastoj shemi boja sa nekoliko crvenih akcenta. Ponekad se čini da su oblici rastopljeni u svjetlosti ili ispunjeni njome, kao ruka služavke koja blokira svijeću. Na Peterovom licu je duboka tuga. Ovdje, kao iu kasnijim portretima i autoportretima umjetnika, Rembrandt prikazuje starost sa nenadmašnom vještinom, s njenom godinama nagomilanom mudrošću, slabošću tijela i snagom duha.

Rembrandtovi portreti postaju duboko lični tokom godina. Na portretu pjesnika Jana Siksa (1654., Amsterdam, zbirka porodice Six) prikazana je osoba u jedva primjetnom raksu odozdo prema gore; sa izuzetkom fino modelovanog lica, portret je naslikan brzo i slobodno, širokim potezima. Šemom boja dominiraju svjetlucava crvena ogrtača i zlatna dugmad odijela, u kontrastu s raznim nijansama zelene i sive.

Na portretu Hendrickjea Stoffelsa (oko 1656, Berlin-Dahlem), lik je upisan u okvir prozorskog otvora i, zbog velike veličine koju je umjetnik odabrao, čini se da stoji vrlo blizu ravni slike. Hendrickjeov pogled je okrenut ka posmatraču, njeno držanje je slobodno, glava joj je nagnuta u stranu, a ruke leže veoma prirodno. sema boja slika je kombinacija zlatnih, bijelih, crvenih i crnih tonova.

Jedan od najboljih grupnih portreta Rembrandta - Sindiki (1661-1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Kupci portreta bili su predstavnici amsterdamskog sukna (syndics). Prikazani su oko stola sa knjigom računa koja leži na njoj. Umetnik čini gledaoca učesnikom u onome što se dešava na slici. Čini se da smo upravo prekinuli sindike, koji su zauzeti svojim proračunima, pa svi oni, kao da na trenutak podižu pogled sa posla, gledaju u gledaoca. Na slici dominiraju ravne linije, ali okret stola i složena igra svjetla ublažavaju ozbiljnost kompozicije. Svetlosne mrlje su raštrkane po platnu, oživljavajući njegovu živopisnu površinu. Ova slika je izuzetna i kao psihološka studija, čija je svrha da prikaže ljude različitih karaktera, i kao istorijski dokument.

Oko 1661. Rembrandt je dobio jednu od osam istorijskih slika koje su trebale da ukrase amsterdamsku gradsku vijećnicu. Ogromno platno (originalnih dimenzija 5x5 m) Zavjera Julija Civilisa, prema raznim verzijama, ili nikada nije okačeno u gradskoj vijećnici, ili je zauzimalo mjesto za to predviđeno ne više od dvije godine, a zatim je zamijenjeno slikom Ovensa. na istoj parceli. Sačuvao se samo fragment ovog Rembrandtovog djela, koji se nalazi u Nacionalnom muzeju u Štokholmu. Rembrandt je opisao događaj opisan u Analima rimskog istoričara Tacita (1. vek): vođe plemena Batav zaklinju se da će se mačem boriti za oslobođenje od rimske vlasti. O razmjerima ovog djela u izvornom obliku može se suditi iz kompozicione skice koja se nalazi u Minhenu. To pokazuje da su najprije stol i ljudi okupljeni oko njega prikazani u prostoru ogromne dvorane čija se dubina prenosila igrom svjetla i sjene.

U 17. veku crtež je obično služio kao preliminarna skica za razvoj velike kompozicije, proučavanje pojedinačnih detalja buduća slika ili se nanosi na karton, a zatim prenosi na površinu namijenjenu za slikanje. Vrlo rijetko se o crtežu smatralo gotovo umjetničko djelo; često nakon što je projekat završen, crteži su bacani. Svaki Rembrandtov crtež je istraživanje prirode fenomena i pokušaj da se uhvati priroda trenutka ili objekta. Kada je umjetnik pravio skice iz djela starih majstora, nije stvarao kopije, već varijacije na istu temu, rješavajući svoje likovne probleme. 1630-ih i 1640-ih slikao je, kombinujući linije različite debljine sa najfinijim hladom. Ponekad njegovi crteži izgledaju kao brze skice, gdje nervna linija gotovo nikada ne ostaje kontinuirana.

Rembrandt je prvi shvatio bogate mogućnosti bakropisa u odnosu na graviranje na metalu. Takva gravura se stvara grebanjem dizajna na metalnoj ploči; zatim se ploča prekriva bojom, ispunjavajući udubljenja koja je ostavio rezač, a otisci se s nje štampaju na papiru pomoću prese. Rezač zahteva snažan pritisak i veliku pažnju. Za graviranje, naprotiv, nije potrebna velika fizička snaga, a linije su slobodnije i fleksibilnije. Umjesto da zagrebe metal dlijetom, umjetnik prekriva ploču kiselootpornim lakom i crta po njoj iglom, zatim umače ploču u kiselinu, a metal se urezuje na mjestima bez laka. Grafika daje umjetniku mnogo više slobode, a može crtati iglom, poput olovke na papiru. U Rembrandtovim bakropisima linije su slobodne i pokretne kao na skicama perom. Da bi postigao nove izražajne efekte, često je kombinovao različite tehnike: ponekad je prolazio dlijetom duž daske već urezane kiselinom, ponekad je gravirao „suhom iglom“ - alatom s dijamantom na kraju, koji ostavlja žljebove s urezima na kraju. metal, koji daje mekoću i baršunast potezu na otisku. Na primjer, u Listu od stotinu guldena, umjetnik je koristio sve ove tehnike (rad na ovoj ploči trajao je nekoliko godina).

List Navještenje pastirima (1634.) prava je barokna pozorišna predstava. Crtež je napravljen gusto postavljenim ukrštanim potezima koji stvaraju kontraste svijetlih i tamnih tonova. Pet godina kasnije, u Veliku Gospu, prevlast gusto osjenčanih tamnih zona zamijenjena je dominacijom svijetlih područja i tankim paralelnim sjenčanjem. U bakropisu Tri drveta (1643.) kontrast između jako zasjenjenih fragmenata slike i bijelog papira doveden je do granice; koso paralelne linije Na pozadini neba savršeno prenose osjećaj ljetne grmljavine. Najdramatičniji Rembrandtov bakropis je list Tri krsta (oko 1650.).

Povratak izgubljenog sina. 1669

Koriste se materijali enciklopedije "Svijet oko nas".

književnost:

Rovinsky D. Kompletna zbirka Rembrandtovih gravura, tom 1–4. Sankt Peterburg, 1890

Rembrandt. Umetnička kultura Zapadne Evrope u 17. veku. SPb, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Harmensz van Rijn. Umjetnikove slike u muzejima Sovjetskog Saveza [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Portret u djelima Rembrandta. M., 1975

Pročitajte dalje:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Dječji roman-novine).

Umjetnici(biografski vodič).

Pročitajte više online:

Website http://rembr.ru/ - o holandskom umjetniku Rembrandtu Van Rijnu. Galerija slika, biografija umjetnika, knjige i studije o životu Rembranta.

Budućnost veliki umjetnik Rembrandt je rođen 15. jula 1606. godine, u plodnoj eri procvata svih oblasti duhovne kulture u Holandiji. Ovo je vrijeme kada nacionalne književnosti, arhitektura, slikarstvo i pozorište su se posebno brzo razvijali. Ali nijedna oblast umetnosti, u ovom "zlatnom dobu", nije stvorila toliko kulturnih vrednosti priznatih na svetskom nivou kao slikarstvo.

Likovna umjetnost Holandije sazrela je u godinama revolucije, oslobodilačke borbe i postrevolucionarnog uspona. Očigledno, zato nacionalno slikarstvo ima tako izražen demokratski karakter. Umetnici Holandije, već u 17. veku, imali su retka prilika otvoreno izražavaju svoje ideje i stav prema okolnoj stvarnosti. Njihova djela odlikuje hrabar realizam u odnosu na prikaz osobe i njenog života.

Sav Rembrandtov rad zasićen je najvišim oličenjem holandskog realizma, koji je bio neobično blizak duši samog umjetnika. Njegovi radovi zadivljuju širinom tematskog obuhvata, što je retkost u istoriji svetske umetnosti.

ranim godinama

Ranije se Rembrandtovo djetinjstvo odvijalo u gradu Leidenu (Holandija), gdje je njegov otac držao mlin na obali jedne od pritoka Rajne. Zapravo, prefiks "Van Rhine" je generički nadimak za slikara, koji doslovno znači "koji je sa Rajne".

Nakon što je završio latinsku gimnaziju, 1620. godine, dječak je proveo oko godinu dana na Univerzitetu u Lajdenu. Tamo je prvi put pokazao svoju sposobnost crtanja. Mladi umjetnik počeo je da uči kod lokalnog slikara Jacoba van Swannenbürcha. Ali ubrzo se preselio u Amsterdam, gdje je pronašao eminentnijeg učitelja, Pietera Lastmana (1583-1633). Rembrantov novi mentor bio je predstavnik grupe Holandski umjetnici baveći se isključivo prikazom antičkih i biblijskih scena.

Historijske slike Lastmana zaokupile su publiku živopisnim detaljima mizanscena iz života starih naroda. Njegov individualni stil bio je prikaz jakih emocija na licima likova. Zbog toga su, unatoč nesumnjivoj vještini izvedbe i sposobnosti stvaranja realističnih detalja, sve njegove slike nategnute i teatralne čak i stvarnih događaja. Ipak, mnoge od karakterističnih osobina Lastmanovog slikarstva značajno su uticale na formiranje Rembrandtovog stila, iako je u svom ateljeu proveo samo oko šest meseci.

Sa devetnaest godina, Rembrandt se vratio u rodni Lajden. Ovdje se i sam počinje baviti umjetnošću slikanja. Sve slike iz perioda "Leidena" odlikuju se preciznošću, oštrim prijelazima boja i svjetla i pomalo strogim, suhim kistom, koji odaje neiskusnog umjetnika početnika.

Rembrandta je od samog početka privlačio portretni žanr. Narudžbi je bilo malo, pa je umjetnik neumorno vježbao na sebi, svojoj rodbini i prijateljima. U to vrijeme slika mnoge autoportrete, prikazujući sebe s različitim izrazima lica: posramljen, nasmiješen, nasmejan, iznerviran. Tako je Rembrandt počeo poboljšavati svoju sposobnost realističnog prenošenja psihološka stanja njihovi heroji. Gotovo svi rani autoportreti su površni, pa čak i grubi, što se objašnjava mladošću i neiskustvom umjetnika.

S druge strane, mnogo su zanimljiviji prvi slikarski eksperimenti u oblasti štampane grafike, takođe vezani za period Lajdena. Nema podataka o tome s kim je Rembrandt studirao umjetnost bakropisa. Međutim, njegove rane gravure već se odlikuju velikom umijećem izrade, kao i dubokim razumijevanjem crteža.

Sudeći po Rembrandtovim gravurama, on je radije birao likove za svoja djela, iz samog dna holandskog društva. Njegovi bakropisi, posvećeni prosjacima, bogaljima i skitnicama, bili su toliko vješti da su privukli pažnju javnosti na njegov rad. Rembrandt je imao više narudžbi, počeli su mu dolaziti studenti, umjetnik je počeo predviđati veliku budućnost.

Slikar je svoje radove isprva potpisivao monogramom vlastite kompozicije "RHL" - Rembrand Harmen (ime oca) Leiden (rodni grad). Međutim, nakon preseljenja u Amsterdam 1631. godine, počeo je da se potpisuje jednim imenom, poput velikih majstora Rafaela i Titiaua.

Nakon preseljenja u Amsterdam, slikar je imao jedan od najuspješnijih perioda u svom radu i životu. Gotovo odmah je dobio vrlo isplativu narudžbu od ceha hirurga. U januaru 1632. Rembrandt prisustvuje predavanju uglednog ljekara Nikolasa Petersa, tokom kojeg je publika svjedočila obdukciji lopova. Doktori su imali pravo da otvaraju leševe onih zločinaca koji su osuđeni na smrt. To se dešavalo veoma retko, tako da je uvek bio pravi događaj. Ovaj trenutak umjetnik je zabilježio na svojoj poznatoj slici “Lekcija anatomije dr. Nicholasa Tulpa” (1632, Mauritshuis, Hag).

U procesu nastajanja ovog rada, autor djeluje kao duboki psiholog koji je uspio suptilno uočiti i prenijeti složena slika lične odnose. Grupa slušalaca - mladih hirurga, obučenih u svečane kostime na platnu. Za Holandiju, vrsta portreta koji prikazuje čovjeka koji radi ono što voli bila je vrlo uobičajena. Takva slika zahtijevala je široku upotrebu predmeta za kućanstvo - uključivanje u radnju okolnih elemenata koji karakteriziraju život osobe koja se prikazuje. Najteži zadatak za umjetnika bio je održati prevlast portretna slika iznad svakodnevice, Rembrandt se briljantno nosio sa ovim zadatkom.

U pogledima likova na slici - divljenje za predavanje, koje je pokazalo neverovatno duboko znanje predavača. Hirurzi koji su stigli su napeti, upoređujući anatomiju otvorene šake sa onim što je prikazano u velikoj knjizi koja leži kraj njegovih nogu. Na njihovoj pozadini, sam doktor izgleda veoma rezervisano. Kako i priliči pravom profesionalcu, doktor ne oseća ni strah, ni plašljivost, ni stid. Dr Tulp je samouvjeren, miran, ne plaši se stvarnosti. Čak ni doktorov sluga, koji uzima ogrtač od gostujućeg hirurga u pozadini slike, nimalo nije uplašen spektakla.

Slika je pomogla Rembrandtu da stekne priznanje amsterdamske javnosti. Počeo je primati mnoge narudžbe za portrete plemenite gospode, kojih je stvorio više od pedeset u samo prve dvije godine. Popularnost umjetnika rasla je zajedno s njegovim bogatstvom.

Rembrandt je bio strastveni kolekcionar. Većina novac koji je zaradio trošio je na kupovinu umjetničkih djela, antičkih kostima i antikviteta. Prilikom popisa imovine, među delima njegove obimne kolekcije, našle su se slike Rubensa, Rafaela, Albrehta Direra, Van Dajka, Pitera Brugela i drugih majstora.

Uspjeh i lična sreća

Nakon samo dvije godine života u Amsterdamu, Rembrandt se ženi. Žena slikara bila je kćerka bogatih patricija Saskia van Uylenborch. Umjetnik je jako volio svoju ženu i često je stvarao njene portrete u raznim slikama: u uobičajenom kostimu holandskih građanki ili u odjeći koja ju je pretvarala u heroinu biblijske ili antičke mitologije.

Godine 1634. Rembrand je naslikao svoju sliku "Flora" (Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), na kojoj se Saskia pojavljuje kao boginja sve vegetacije, Flora. Žena je trudna, glava joj je ukrašena vijencem u kojem se jasno vide tulipani, što ukazuje na njeno holandsko porijeklo. Saskia, sa grančicom u rukama, podseća na princezu iz bajke koja šeta šumom. Upečatljivo je s kakvom je vještinom ispisana tkanina njene odjeće, izazivajući želju da dodirne platno kako bi osjetila nježnost satena. Slika, uprkos hladnoj paleti, ostavlja iznenađujuće topao utisak. Slika mlade Saskije je veoma dirljiva i veoma se razlikuje od kraljevske žene koju nam se pojavljuje na slici naslikanoj godinu dana kasnije.

Djelo "Sofonisba uzima zdjelu otrova" (1634., Muzej Prado, Madrid) bila je jedna od najranijih slika na istorijsku temu. Žena na slici je veoma slična Saskiji. Radnja slike govori o Sofonisbi, kćeri kartaginjanskog zapovjednika, koja je živjela za vrijeme žestokog rata između Rima i Kartage. Otac je daje kao kralja Sifaksa, koji umire u borbi sa Masinisom, koji je zauzvrat želeo da uzme kraljicu za ženu. Ali, Rimljani zabranjuju ovaj brak, a onda Masinisse šalje zdjelu otrova Sofonisbeu, koju je kraljica ispila bez oklijevanja.

Platno „Autoportret sa Saskijom na koljenima“ (1635-1636, Umjetnička galerija, Drezden) prikazuje nam umjetnika i njegovu suprugu kako blista od sreće. Rembrandt u liku mladoženja, obučen u elegantno odijelo, drži Saskiju na koljenima, također odjeven u staru haljinu koju je umjetnik kupio od antikvara. Umetnik zrači zabavom koja se prenosi na gledaoca. Jednom rukom nježno drži svog saputnika za struk, drugom podiže luksuznu čašu, kao da gledaocu nudi piće za njihovu porodičnu sreću, dijeleći gozbu njegove duše. Kroz rad se osjeća nježnost i ljubav slikara prema svojoj ženi.

Religija i mitologija

Na prelazu iz 16. u 17. vek, Rembrant je bio fasciniran istorijsko slikarstvo, koji je, prema tradiciji tog vremena, obuhvatao mitološke priče antike, kao i biblijske priče. Uprkos činjenici da se u mnogim slikarevim radovima jasno prati uticaj njegovog učitelja Lastmana, njegova su se platna značajno isticala na opštoj pozadini cvetanja holandskog slikarstva.

Činjenica je da je Rembrandt bio odličan u duboko individualnoj interpretaciji svake slike. Uprkos sličnosti u boji, kompozicione tehnike i kostimima svojih junaka sa Lastmanovim platnima, umetnik je uspeo da razvije svoj jedinstveni stil, zasnovan na želji da prenese prava osećanja same osobe onakva kakva bi mogla biti u stvarnosti. Ostajući u okvirima tradicionalnih mitoloških i biblijskih tema, Rembandtove slike su lišene izvještačenosti i teatralnosti.

U platnima istorijske serije, talenat Rembrandta kao pripovjedača, njegova želja da pokaže nedosljednost i dvojnost ljudske prirode, u kojoj, prema majstoru, leže motivi bilo kojeg čina, neobično se jasno otkriva.

Veliki uticaj na slikarevo stvaralaštvo imala je Pascalova filozofija, koji je smatrao da je „čovjek nešto lijepo što čuva istinu u sebi, s jedne strane, s druge strane, ona je posuda neizvjesnosti i grešaka koja sama sebi proturječi”.

Silazak sa krsta (1634, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg) bila je jedna u nizu slika na temu Muke Hristove koje je od Rembranta naručio princ Fridrih Hendrik od Oranža. Na platnu vidimo kako rođaci i rođaci noću skidaju tijelo raspetog Isusa s križa. Snažna igra chiaroscura stvara veoma snažan dramski efekat. Lica likova su uznemirena i bleda. Jedini izvor svjetlosti izvlači iz polumraka lik izmučenog Krista. Poreklo svetlosti nije jasno – ili dolazi odnekud odozgo, ili dolazi od samog Gospoda. Djevica Marija je prikazana kao jednostavna žena. Lice Majke Božije takođe je obasjano svetlošću. Njena figura se nalazi desno, sa obe strane nje - ljudi koji pomažu Mariji da ostane na nogama, njeno stanje govori o najdubljoj tuzi. Na zemlju je rasprostranjena raskošna tkanina na koju će sada biti položeno Hristovo telo.

Rembrandt je namjerno prikazao sve učesnike ove akcije obični ljudi da se naglasi da je smrt Sina Božjeg univerzalna tuga. Ovu sliku, jednu od pet koje je princ naručio, umjetnik je kasnije ponovio, ali u većem obimu.

Tema ubistva i vaskrsenja Hristovog nastavlja se na platnu "Nevjera sv. Tome" (1634., Muzeji likovne umjetnosti nazvan po A. S. Puškinu, Moskva). Evo epizode kada se uskrsli Isus pojavljuje apostolima i pokazuje rane. Hristovi učenici pričaju o Tominom čudu, koji u neverici izjavljuje: „Ako ne vidim rane od noktiju na svojim rukama i ne stavim prst svoj u rane od noktiju, i ne stavim svoju ruku u Njegov bok, ja neće vjerovati.” Nekoliko dana kasnije, Isus se ponovo pojavljuje apostolima, s kojima je bio i Toma. Hrist mu je prišao i ponudio da uradi ono što je Toma tražio kao dokaz - da stavi svoje prste u rane. Uplašeni Toma ispunjava molbu i sa stidom priznaje Gospoda.

Slika je obojena tamnim bojama, a samo središnji dio kompozicije obasjan je jarkom svjetlošću koju emituje Isusov lik. Izvanredna igra svjetla i sjene svojstvena majstorovim platnima prenosi unutrašnju dinamiku epizode, njen uzbudljiv karakter.

Sljedeće djelo posvećeno biblijskoj priči bilo je platno "Baltazarova gozba" (1635., Nacionalna galerija, London). Na slici klasična priča povezana s vladavinom i smrću Valtazara, posljednjeg babilonskog kralja odgovornog za pad Babilona (prema Knjizi proroka Danila).

Kada je Babilon bio opkoljen, u njemu je bila pohranjena dovoljna količina hrane, s kojom se stanovnici dugo nisu mogli brinuti o hrani. Ali kralj Babilona, Valtazar, neočekivano odlučuje da priredi luksuznu gozbu za sasvim beznačajnu priliku, pozvavši na nju skoro hiljadu plemića i dvorjana. Slika prikazuje vrhunac istorije, kada se usred gozbe pojavi ruka iza kraljevih leđa i ispisuje neke reči. Kralj, čija se figura nalazi u centru kompozicije i zauzima gotovo sav njen prostor, okreće se da shvati šta se dešava. S njegove desne strane, kao da se prelijeva vinom iz dragocjene posude, jedna od gozbanja čučnula je od straha.

Prema jevanđelju, dvorski mudraci kralja Valtazara nisu mogli pročitati magijski natpis. Tada vavilonski vladar poziva proroka Danijela, koji je dešifrovao pisma. Tekst na zidu palate je glasio: „Bog je izbrojao tvoje kraljevstvo i okončao ga. Izvagani ste, a vaša težina nije velika. Vaše je kraljevstvo podijeljeno i dato Perzijancima i Medijcima." Prema biblijskoj priči, iste noći je ubijen Valtazar, kralj Kaldeja.

Slika "Žrtva Abrahamova" (1635., Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg) nastavlja niz scena iz sveta knjiga. Platno je obavijeno sumrakom, samo tri fragmenta je izgrabila svjetlost: tijelo mladog Isaka sa rukama vezanim na leđima, pognuto, čekajući smrtni udarac; Abrahamovo lice, blijedo od tuge i užasa, shvaćajući da se sprema zaklati vlastitog sina po Božjoj zapovijesti; i lik anđela, koji kao da izbija u kompoziciju oblaka, kako bi spasio heroje od užasa koji traje.

Kroz svoj rad, u prikazu osobe, Rembranta su privlačili spektakularni osjećaji straha, bola, stanja radosti, tuge, ogorčenja, iznenađenja - sve što se može vidjeti golim okom, a ne unutrašnja iskustva skrivena duboko u sebi. .

To je posebno uočljivo u velikim, višefiguralnim djelima, kao što je, na primjer, slika “Osljepljivanje Samsona” (1636, Städel Art Institute, Frankfurt na Majni). U srcu platna je jedna od dramatičnih epizoda biblijskih priča.

Moćni Samson pada u ruke neprijatelja, zbog izdaje svoje voljene - prelijepe i podmukle Dalile, koja je izdala Samsona za nagradu. Napadači su ga zaslijepili bodeći mu u oči. Junačko Samsonovo tijelo, istaknuto blistavom jarkom svjetlošću, pognuto od bola. Dinamična kompozicija djela zasićena je kontrastima boja tame i jarke svjetlosti koju emituje lik snažnog čovjeka, stvarajući osjećaj tjeskobe i užasa. Sve se okolo izmiješalo u žestokoj borbi, a u pozadini Delila ubrzano bježi.

Prema nedavnim studijama, još jedna slika majstora, Danae, usko je povezana sa slikom “Osljepljivanje Samsona”. Analiza platna pokazala je apsolutno identičnu strukturu, možda su oba odsječena iz jednog komada. Radovi su povezani ne samo sa osnovom i veličinom, već i kompoziciona konstrukcija, što radovima daje monumentalnost zbog činjenice da su figure na njima prikazane u punom rastu. Postoji i verzija da je umjetnik oba ova djela dao Konstantinu Heytensu, sekretaru princa Frederika Hendrika, zahvaljujući kojem je Rembrandt imao mnogo narudžbi.

Ovu pretpostavku potvrđuju i umjetnikova pisma u kojima Haytens obavještava da je završio dvije slike koje bi mu u znak zahvalnosti želio pokloniti. Njihova radnja nije naznačena, ali najvjerovatnije je autor imao na umu ova djela.

Ovako temeljno proučavanje slike "Danae" (1636, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg) nije slučajno, ova slika je postala jedna od najboljih majstorovih kreacija, a osim toga, ona je i himna njegovoj ljubavi. za Saskiju. Rembrandt je datirao sliku u 1636. godinu, ali poznavaoci njegovog rada pripisuju to djelo kasnijem periodu. To je zbog činjenice da rani period rada majstora još nije bio karakteriziran snagom i dubinom s kojom je ovo djelo napisano. U laboratorijima Državnog muzeja Ermitaž obavljene su temeljite rendgenske studije, koje su razbile sve sumnje: platno je zaista naslikano 1630-ih, međutim, u narednim decenijama je podvrgnuto značajnoj reviziji autora.

Kompozicija platna zasnovana je na zapletu starogrčkog mita. Kralj Argosa, Danain otac, zatvorio je svoju kćer u kulu. Ali zaljubljen u Danae, vrhovnu bog Zeus ipak je prodro do nje, uzimajući masku zlatne kiše. Sa pomiješanim osjećajem plašljivosti i radosti (dvostrukost ljudske prirode), Danae stremi ka zlatnom sjaju. Rembrandt nije prikazao ideal na slici žensko tijelo kao što je bilo uobičajeno među ostalim umjetnicima. Njegova Danaja je daleko od ideala savršene lepote, ali obratite pažnju na njeno lice, koliko nade i inspiracije sadrži, puno je ljubavi i vere. Njeno držanje je neobično ženstveno, a njeni gestovi su ispunjeni strahopoštovanjem.

Nastavljajući temu aktivnih rasprava o slici, treba napomenuti da u licu Danae nema mnogo sličnosti sa poznatim izgledom Saskije. Urađena fluoroskopija je također riješila ovu zagonetku. Činjenica je da platno nije bilo namijenjeno prodaji, dugo vremenačuvan je u ličnom ateljeu umetnika do njegovog potpunog bankrota, nakon čega su mu sve stvari oduzete i prodate.

Rembrandt se stalno vraćao svom omiljenom djelu, prepravljajući ga u skladu s novim nivoom profesionalne slikovne vizije ili ovisno o stanju duha i raspoloženju. Prepravljajući Danaeove crte lica, on mu je ili dao karakteristične crte Gertje Dirks, sluge koja je živjela u njegovoj kući nakon smrti njegove žene, ili mu je dao sličnost sa Hendrickjeom Stoffelsom. Kao rezultat toga, lice heroine je kombinacija osobina žena bliskih umjetniku. Ali sličnost sa Saskiom, njegovom prvom ljubavi, ipak je mnogo jasnija.

Sudbina slike nije bila laka, a nakon Rembrandtove smrti. Nakon prodaje umjetničine imovine, promijenila je niz privatnih vlasnika, sve do 1772. godine, kada ju je kupila Katarina II. Kasnije je smeštena u holu Državnog Ermitaža, gde ju je 1985. napao manijak, koji je dva puta ubo platno i polio ga kiselinom. Na sreću, restauratori su ipak sačuvali remek-djelo i sačuvali ga za publiku.

Tokom ranog perioda svog rada, Rembrandt je obraćao malo pažnje na pejzaž. Tek godinama kasnije, pod teškim pritiskom životnih okolnosti, umjetnik je skrenuo pažnju na prirodu i utjehu koju ona može pružiti čovjeku. Međutim, 1638. godine slikar stvara prekrasnu sliku "Pejzaž sa kamenim mostom" (Riksmuseum, Amsterdam). Platno je ispunjeno borbom svjetla i sjene, emocionalnošću kompozicije i sheme boja, te općom dinamikom.

Kao da se probija kroz guste oblake, potok sjajan sunčeva svetlost teče na dva stabla prikazana u središnjem dijelu slike. Sve ostalo - ljudi u čamcu, žure kući, uplašeni početkom grmljavine, most preko rijeke, uronjeni u sumrak. U jedinom fragmentu parcele, obasjanom suncem, vidljivi su obrisi klimave stare ograde, lišća i osobe u prolazu.

Nepriznati majstor

Nažalost, vrijeme slave i materijalnog blagostanja za Rembrandta nije dugo trajalo. Rad velikog majstora bio je vrlo različit od rada modnih holandskih umjetnika. A kao što znate, moda je ta koja diktira svoje ukuse buržoaziji, koja je u to vrijeme bila najbrojnija i najuspješnija klasa u Holandiji. Rembrandt nije želio da se upušta ni u kakve modne trendove, jasno je vidio svoj put u umjetnosti, ispunjen dubokim individualne osobine. Glavna tema slikarevog rada oduvek je bila ličnost, njen spoljašnji život i skrivene želje, život bez fantazije i izveštačenosti, kakav jeste.

Realistički stil umjetnikovog rada zbunio je njegove savremenike gola istina. To je dovelo do neizbježnog sukoba između gospodara i buržoaskog društva. Prvi veći sudar između Rembrandta i javno mnjenje dogodila se zbog velike narudžbe za grupni portret amsterdamske puške kompanije, koju su predvodili poručnik Willem van Reitenberg i kapetan Frans Banning Cock, na kojoj je umjetnik radio oko dvije godine.

Veliko djelo „Nastup puškara čete kapetana Fransa Banning Cocka“ (ili „Noćna straža“, Riksmuseum, Amsterdam), koje je majstor završio 1642. godine, prikazuje nezaboravan istorijski događaj, vjerovatno, učešće Amsterdama. strijelaca na svečanom sastanku francuske kraljice Marie de Medici 1639.

Slika prikazuje društvo kapetana Koka, koje iz mračnog prostora izlazi u prvi plan preplavljen jarkim svjetlom. Svaki lik je zauzet sa svojim djedom, što ostavlja utisak da je epizoda uhvaćena slučajno. Strijelci na slici čiste i rastavljaju svoje vrhove, neko naređuje, aktivno gestikulira, zastavonoša razvija šareni transparent. Na desnoj strani slike je stariji muškarac koji udara u bubanj, pas mu laje pod nogama. Ove heterogene radnje, koje kao da stvaraju blagi osjećaj haosa, ispunjene bukom i dinamikom, ostavljaju vrlo živ utisak.

Opća shema boja platna je prilično tamna, razrijeđena sa samo dvije jarko žute mrlje: u sredini desno - lik niskog muškarca - poručnika Willema van Reitenberga, a desno - djevojčica u žutoj haljini . Strelice su prikazane isprekidane sa prolaznicima, što odaje utisak neke vrste zabune. Samo kapetan Kok, naslonjen na štap, apsolutno mirno razgovara s nekim.

Rembrantova ideja da prikaže grupu ljudi ujedinjenih jednim impulsom građanskih osjećaja, nažalost, ostala je neshvaćena i neprihvaćena u amsterdamskom društvu. Strelci koji su platili narudžbu da se popnu na platno bili su nezadovoljni što su na slici potpuno nepoznati ljudi. A još više su bili ogorčeni što su lica nekih kupaca bila zaklonjena drugim figurama.

Ova slika je postala prekretnica u životu umetnika. Dok je Rembrandt slikao platno, njegova voljena žena Saskia, koja je imala samo trideset godina, umrla je od tuberkuloze. Možda je ovaj događaj uticao i na umjetnika, koji je na platnu prikazao djevojčicu, čije lice pomalo podsjeća na mladu suprugu slikara.

Veliko i kontroverzno negodovanje javnosti o "Noćnoj straži" osakatilo je Rembrantovu popularnost, koja je od tada tek počela da pada. Broj narudžbi se smanjio, studenti su otišli. U životu majstora došao je veoma težak period.

Zbunjen i uznemiren, Rembrandt je počeo tražiti samoću i utjehu u prirodi. Kao rezultat toga, majstor se jako zainteresirao za krajolik, kojem ranije nije pridavao važnost. Stanje duha slikara može se ocijeniti prema tipovima koje je odabrao za svoja platna - to uopće nije bilo spektakularni pogledi ali tihi, skromni, osamljeni uglovi.

Pored slikarstva, u ogromnoj zaostavštini Rembrandta značajno mjesto zauzimaju gravure i crteži, koje je izveo majstor ne manje talentiran od njegovih slika. Umjetnik je izradio gravure u tehnici bakropisa. Suština tehnike je da se iglom zagrebe crtež na lakiranoj metalnoj ploči, koja se zatim tretira kiselinama. Zatim se lak skida sa ploče, a linije izgorene na metalu kiselinom se popunjavaju bojom. Nakon toga se sa ploče rade otisci na mokrom papiru pod pritiskom. I način graviranja i otisak koji nastaje nazivaju se jetkanjem. Ukupno je majstor graviranjem izradio oko tri stotine gravura koje spadaju u najveća svjetska dostignuća u oblasti grafike. Također, do našeg vremena preživjelo je oko hiljadu i po crteža umjetnika.

Primjer Rembrandtove veličanstvene grafike je njegov svijetli simbolički bakropis "Tri drveta" (1643, zbirka J. de Bruynea). Na lijevoj strani gravure su brojne vertikalne linije, ostavljajući utisak brzog pljuskanja kiše. Desni i središnji dio bakropisa nije prošaran potezima, zbog čega nebo i cijeli prostor kompozicije djeluje blistavo, prostrano, otvoreno. Tako je umjetnik prikazao simboličku borbu i neizbježnu pobjedu svjetla nad tamom. Pročišćena i kao oživljena priroda stvara životno afirmativno i optimistično raspoloženje. Tri stabla koja se uzdižu na desnoj strani kompozicije kao da su osovina ovog svijeta, životvorni princip - sve što je okolo tako je potpuno i jasno utjelovljeno u njima: u debelim deblima - moć strpljive zemlje ; u lepršanju lišća na granama - slobodno usisavanje vazduha.

Uprkos svojoj strasti za graviranjem, Rembrandt nikada nije prestao da poboljšava svoj slikarski stil. U 40-im godinama on vizuelne tehnike postaje još raznovrsnija, kompoziciona konstrukcija je smelija, kolorit je bogatiji i temperamentniji, u njemu prevladavaju jarki tonovi crvene, smeđe i zlatne boje. Preovlađujuće teme su i dalje biblijske i jevanđeljske priče koje otkrivaju jednostavne ljudskim kvalitetima: majčinska i bračna ljubav, patnja, milosrđe, dobrota. Primjer je platno „Sveta porodica i anđeli“ (1645., Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), zasićeno je takvom zadivljujućom nježnošću, ljubavlju, u kojoj se božansko i zemaljsko isprepliću.

Djevica Marija, koja je čitala knjigu, prekida je da izravna veo na Mladencu, da ga zatvori od izuzetno jakog svjetla. Gest Majke Božje ispunjen je beskrajnom ljubavlju i brigom. Isus slatko spava, lice mu je, kao i uvijek, obasjano božanskim sjajem. U pozadini slike radi Marijin muž. Ova epizoda iz života mlade porodice mogla bi izgledati banalno da nije bilo anđela koji lebde u nebu.

Godine 1647. Rembandt stvara dramatičnu sliku sa izraženom erotizmom "Suzana i stariji" ( Državni muzej, Berlin). Suzana kreće u kupatilo koje se nalazi u njenoj bašti, iznenada iz skrovišta izlaze dva starca, koji počinju da nagovaraju devojku da podeli krevet sa njima. Prijete Susanni da će u suprotnom svjedočiti lažno da je Susanna počinila preljubu s drugim muškarcem. Djevojka odlučno odbija. Uplašena, pokušava da pokrije svoju golotinju velom, ali ga jedan od zlikovaca strga, nastavljajući da je uporno nagovara. Crvene cipele koje je Suzana ostavila u blizini kupatila očigledno su simbol erotike holandske umetnosti 17. veka.

Još jedno djelo o biblijskoj priči je platno "Večera u Emausu" (Louvre, Pariz), koje je majstor napisao 1648. godine. Radnja slike je klasična - susret vaskrslog Hrista sa učenicima. Ali u verziji Rembrandta, platno nosi duboko psihološko značenje. Isus sjedi u sredini stola u toplo osvijetljenom restoranu, Njegov pogled miran i usredotočen. Praktično ne vidimo lica apostola koji prate Krista - jedan od njih će okrenuti leđa, drugi se praktično ne razlikuje. Ali umjetnik detaljno crta lice konobara - mladića koji služi obrok gostima. Dječak je krotak, u svoj svojoj pažljivosti i poštovanju dragi gost. Tako umjetnik naglašava da je za slučajnu osobu susret sa Kristom mnogo važniji nego za one koji su ga poznavali za života, jer Gospod bira svoje sljedbenike među svima.

Bezuslovnom ljubavlju prema čovečanstvu prožeto je i delo „Hrist isceljuje bogate” (1649, zbirka J. de Bruynea), koje ima drugo ime – „List od sto guldena”. Ovdje vidimo Krista kako stoji u napuštenoj prostoriji, uronjen u sumrak. Okružen je brojnim strancima - starcima, djecom, prosjacima, bogaljima. Bol, sumnja, potreba, vjera ogledaju se u blago zasjenjenim licima junaka. Majstor je savršeno prenio igru svjetla i sjene. Grafikon je bio popularan, a postoje dokazi da su se njegovi otisci prodavali po vrlo dobroj cijeni.

Godine 1653. Rembrandt, ispunjavajući narudžbu bogatog kolekcionara A. Ruffoa, stvara platno "Aristotel ispred biste Homera" (Metropoliten muzej umjetnosti, New York). Slika se oštro isticala na općoj pozadini likovne umjetnosti u Holandiji. Umjetnici tog vremena, u skladu sa modom, pisali su svijetlim bojama, laganim, glatkim, ujednačenim, gotovo providnim potezima. Stoga je rad majstora, koji je volio bogate boje, bogatu teksturu, kontrasti boja bio loše prihvaćen u javnosti. Ne želeći da menja svoj individualni stil i izgubivši podršku i potražnju, slikar je živeo na ivici propasti.

Pored kreativnog nedostatka potražnje, Rembrandt je imao mnogo problema u svom privatnom životu. Nakon smrti supruge, umjetnik se zainteresirao za dadilju njegovog mladog sina Titusa - Gertje Dirks, ova veza završila je velikim skandalom, nakon čega je Gertje zauvijek napustila slikarevu kuću.

Nakon nekog vremena, Rembrandt je ponovo bio u središtu javnog negodovanja. Godine 1649. umjetnik se zainteresirao za dvadesetpetogodišnju sluškinju Hendrickje Stoffels, koja je živjela u njegovoj kući. Slikar nije žurio da legitimiše njihovu vezu, kako ne bi izgubio pravo raspolaganja nasljedstvom pokojne supruge, koje je želio zadržati za svog sina Tita. Kao odgovor, amsterdamski crkveni savet je izopštio Hendrickjea iz večernje pričesti, zahtevajući da se prekine sramna vanbračna veza. Ali žena nije napustila Rembrandta i čak mu je rodila kćer Corneliju.

Umjetnik je posvetio svoje nova draga nekoliko njegovih platna, uključujući: "Portret Hendrikja Stoffelsa" i "Mlada žena koja se kupa u potoku".

Na slici „Mlada žena koja se kupa u potoku“ (1654, Nacionalna galerija, London) junakinja je prikazana u laganoj haljini koja joj slobodno pada s ramena. Pažljivo ulazi u rijeku, podižući rub haljine iznad koljena. Goli delovi njenog tela oslikani su velikom veštinom. Tihi, nježni osmijeh igra na licu mlade žene. Hendrikjo izgleda kao da nije svjestan da je u ovom trenutku model za svoju suprugu. Nije napeta, ali nije ni zatečena. Crte lica su mirne i opuštene.

Iste 1654. Rembrandt je naslikao sliku "Vat-Šeba s pismom kralja Davida" (Luvr, Pariz), koja se smatra jednom od najlepše slike umjetnik. Djelo je zasnovano na radnji iz Starog zavjeta, koja govori kako je jednom vladar Izraela David ugledao djevojku koja se kupala sa krova svoje palate: „I ugleda golu ženu s krova; a ta žena je bila izuzetno lepa. I David je poslao da sazna ko je ta žena? A oni mu odgovoriše: ovo je Bat-Šeba, kći Eliamova, žena Urnija Hepijanca. I David posla sluge da je uzmu...” (Drugi kraljevi). Tema koju je odabrao Rembrandt priča nam priču o krvnom zločinu, preljubi i božanskom gnjevu. Bat-Šeba je primila pismo od Davida, drži ga u rukama, predviđajući buduću krivicu (nedosljednost čovjeka). Prelijepo tijelo heroine doslovno je zasićeno, preplavljeno svjetlom, u kompoziciji i shemi boja platna osjeća se neizbježnost sudbine.

Pošto više nije imao protok narudžbi i izgubivši gotovo sve učenike, umetnik je, kao i u mladosti, počeo da slika mnogo svojih rođaka, komšija i poznanika. U tom periodu nastala su mnoga platna posvećena starijima, koji su imali dovoljno slobodnog vremena za višesatno poziranje.

Jedno od tih djela je "Portret starca u crvenom" (1652, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg). Starost u tumačenju Rembranta nipošto nije odumiranje života, već dostojan kraj. Izgled junaka, lica prekrivenog brojnim borama, svedoči o mudrosti i bogatom iskustvu. Svi događaji u životu ostavljaju trag: jedni su rane na srcu, drugi su bore na licu. Mirne oči starca odražavaju vječno sjećanje na sve što je vidio u svom životu, što je doživio, zbog čega je tugovao, čemu se radovao. A velike žuljeve ruke svjedoče koliko je uradio prije nego što je otišao.

Slika „Portret starije žene“ (Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), naslikana iste godine, prikazuje nam heroinu, ponizno sklopljenih ruku u krilu. U njenim očima se vidi umor od svakodnevnih briga.

Rembrandt je volio raditi promišljeno, strpljivo i savjesno, ponekad je provodio dva-tri mjeseca na svoja djela, beskonačno ih prepravljajući, uvijek iznova nanoseći guste boje bogate pigmentima. Rembrandt je utrljao boju u zemlju, postigavši efekat dubokog svemira, reljefno izvajao lica i ruke junaka od prilično guste šarene mase. Kao što je napisao jedan od biografa umjetnika Arnolda Houbrakena: “Neke od njegovih heroja bukvalno su mogli “uzeti za nos” – boje su bile tako gusto nanesene.”

Godine 1656. Rembrandt je proglašen bankrotom, a dvije godine kasnije njegova kuća, kao i sva imovina, prodata je u bescjenje. Godine 1660. slikar je morao da se nastani u četvrti siromašnih umetnika na dalekom predgrađu Amsterdama. Od gladi ga je spasio samo odrasli sin Titus, koji je otvorio svoj posao prodaje umjetničkih djela. Rembrandt i njegovi nova supruga pomogli su mu koliko su mogli.

Rijetke Rembrandtove mrtve prirode očito su pripadale razdobljima njegovih sumornih misli, jer gotovo sve jasno predstavljaju temu tužne propasti biljnog i životinjskog svijeta, u kojoj je umjetnik vidio asocijacije na ljudski život.

Slika “Iskasapljena lešina bika” (1655, Luvr, Pariz) odličan je primjer tako tužne mrtve prirode. Slika je ispunjena mrtvom tišinom, u njoj nema ni nagoveštaja života ni dinamike. U praznoj prostoriji, zaklani leš bika visi sa plafona. Možda je još juče ova nesuđena životinja pasla na zelenoj livadi, a danas je nepovratno lišena života. Sav život na zemlji ima svoje vrijeme, koje će ionako doći prije ili kasnije.

U istom periodu nastala je slika “Poljski konjanik” (1655, Frickova kolekcija, Njujork). Figura konjanika, kao i sama slika, izazvala je mnogo kontroverzi, uključujući i autorstvo djela. Cloth mladi čovjek, kapa opšivena krznom i kaftan daju mu određenu teatralnost, koja nije bila svojstvena Rembrantovom likovnom maniru. Kostim više liči na orijentalni i nema nikakve veze sa poljskim. Odakle onda dolazi ovo ime? Očigledno, djelo su naknadno preuzeli Poljaci. Ali postoji jedno „ali“: 1654. godine u Amsterdamu je objavljen pamflet „Poljski konjanik“, koji brani sektu, kojoj se, prema brojnim svjedočanstvima, umjetnik pridružio. Konj je prikazan vrlo nespretno, što se ne uklapa u činjenicu da je sam Rembrandt mogao naslikati takvu životinju.

U strogoj kompoziciji „Blagoslov Jakovljev“ (puni naziv - „Jakov blagosilja sinove Josifa Manaseja i Jefrema“, 1656, Umjetnička galerija, Kassel) predstavljen je svečani događaj - blagoslovio stariji Jakov Vilkov. Platno je napisano u stilu svojstvenom Rembrandtu - širokim podebljanim potezima, jarkim bogatim bojama. Slika Jakova puna je veličine i dostojanstva. Lagano se podigavši u krevetu, lagano dodiruje glavu svoje unuke. Oboje djece u drhtavom oduševljenju utihnu kraj kreveta. Pored patrijarha je njegova supruga koja s poštovanjem posmatra scenu. Prekrivač od crvenog somota u prvom planu neobično oživljava platno i unosi u njega note svečanosti i značaja trenutka.

Kasni period kreativnosti

Izgubivši kuću, imanje, najbogatiju zbirku svjetskih slika, Rembrandt je slikao ljude bliske i drage njemu - sina i Hendrikjoa, pomažući mu i podržavajući ga u teškom životnom trenutku.

Jedan od mnogih najbolji radovi je dirljiv "Portret Titovog sina koji čita" (oko 1656., Umetnički - istorijski muzej, Beč). Pred nama je živo oličenje mladosti, svježine i entuzijazma. Dječak živi u svom svijetu knjiga, fantazija i nevjerovatnih snova. Iskričavi sunčevi zraci prolaze po licu oduševljenog čitanja Tita, osmeh igra na njegovim usnama. Dječakove crte lica i crvene kovrče podsjećaju na njegovu majku Saskiju.

WITH odličan osjećaj toplinom i nježnošću, umjetnik piše “Portret Hendrikjo Stoffelsa” (oko 1656, Državni muzej, Berlin). Nakon propasti, slikar je konačno mogao biti legalno oženjen svojom voljenom. Vjenčali su se negdje 1660-ih, jer se u brojnim dokumentima koji se odnose na ovaj period Hendrickjou već spominje kao Rembrandtova žena.

Na portretu mlada, lijepa žena stoji u kućnoj odjeći pored prozorskog otvora. Pogled joj je uperen napred, možda čeka svog voljenog, koji će doći. Platno savršeno odražava vječno ženski udio: čekanje, ispraćaj, upoznavanje rodbine i briga o njima.

Slika „Evanđelist Matej i anđeo“ (1661, Luvr, Pariz) prikazuje nam Mateja u tumačenju Rembranta. Ovdje se pojavljuje pred nama kao snažan, hrabar čovjek sa velikim životno iskustvo. Sada, ostario, sjedi za stolom i zapisuje Jevanđelje po riječima anđela. Djelo jasno odražava filozofsku poruku autora - čovjek, rađajući se, prolazi kroz muke, radi, raduje se, pati, lice mu se prekriva borama, tijelo blijedi, nakon čega dolazi smrt.

Način na koji je anđeo nežno i brižno položio ruku na rame starešine odražava umetnikovu misao, koliko je važno da se svi u starosti osećamo bliski sa nama, voljen ko će se pobrinuti za nas.

Godine 1660. Rembrandt je konačno dobio veliku novu narudžbu od amsterdamskog proizvođača tkanina. Umjetnik oslikava prekrasan grupni portret starješina suknarske radnje, nazvane "Sindiki" (Amsterdam, Riksmuseum). Opisujući svoje junake, slikar se fokusira na njihovu profesionalnu skromnost i poštenje. Pet sindika i sluga (čija se podređena uloga uopće ne osjeća na platnu) pažljivim pogledom gledaju u gledatelja. Lica likova izražavaju savjesnost, pristojnost, inteligenciju.

Francuski slikar, istoričar umjetnosti i pisac Eugene Fromapgen savršeno je opisao Rembrandtovu sposobnost da stvara izvanredne pejzažne kompozicije: „Zauzeti su, iako se ne miču, pričaju, iako ne miču usnama. Niko ne pozira, svi žive.

Stroge crno-bijele haljine junaka razrijeđene su zlatno-smeđim bojama panela i crvenim stolnjakom. Na stolu ispred njih leži otvorena knjiga - cehovska povelja koja sadrži standarde kvaliteta za rad suknara u Amsterdamu. Knjiga je jasno uneta u portret na zahtev kupaca platna, međutim, autor je uspeo da izbegne osećaj nategnutog zapleta, punog dubine i bogatstva.

Prema sačuvanim dokazima, ova slika je, kao i svojevremeno senzacionalna "Noćna straža", izazvala mnogo diskusija i kontroverzi. Rendgen je pokazao da je platno podvrgnuto dvije velike obrade - 1661. i 1662. godine. Tačni razlozi zbog kojih je posao preuređen do nas nisu stigli.

Sudbina velikog umjetnika s godinama je postajala tužnija. Demonstrativno nepriznavanje kreativnosti, stalno se pogoršava finansijsko stanje i smrt dvojice najbližih ljudi (1663. umro je Hendrikjo, a 1668. umetnik je izgubio sina jedinca Tita), uveliko su uticali na mentalno stanje umetnika. Ipak, Rembrandt nikada nije sumnjao u vjernost vlastitog puta.

Uprkos iskušenjima, gubitku rodbine, bankrotu, smanjenju broja studenata i narudžbi, izuzetno lošem materijalnom stanju, nastavio je da stvara, stvarajući sve više i više novih remek-dela istinski realističke umetnosti.

Kasniji Rembrandtovi radovi su lišeni pokreta, buke, efekata. Zapleti su mirni, kao da ih je u ovoj sekundi umjetnik oteo iz života junaka, svijet oko njih se zaledio, sve se zamrznulo u iščekivanju sudbonosnog trenutka. Takva platna uključuju sliku „David i Urija“ (oko 1665., Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), koja prikazuje čovjeka koji izlazi iz šatora s pismom koje mu leži u njedrima. Pismo sadrži smrtnu kaznu Davidu, koji ga, znajući to unaprijed, ponizno i ćutke gleda u oči.

Najveća remek-djela stvorena prije smrti

Slika "Jevrejska nevesta" (oko 1666, Riksmuseum, Amsterdam) jedno je od najvećih majstorovih remek-dela. Platno je izazvalo mnogo kontroverzi. Neki su vjerovali da slika prikazuje jedan od biblijskih bračnih parova: Rebeku i Isaka, Rahelu i Jakova ili Rutu i Boaza; drugi su ovdje vidjeli sina umjetnika Titusa i njegove nevjeste Magdalene val Leie, treći su vjerovali da je ovo portret suvremenika slikara pjesnika Miguela de Barriosa i njegove supruge.

Jedna stvar je općepriznata, bez obzira ko su bili junaci koji su pozirali Rembrandtu, ovo djelo je jedna od najdirljivijih i najneobičnijih slika. vjenčani par. Drugi veliki umjetnik, Vansent van Gog, opisao je to ovako: "Ova nježnost, iza koje se krije bol, je beskonačna, poluotvorena, nadljudska, a u isto vrijeme tako prirodna."

Junaci slike su odjeveni u narandžasto-crvene i zlatno-žute boje, ispunjeni čak i intenzivnom svjetlošću, simbolizirajući blistav plamen njihove ljubavi. Cijela poza muškarca, pažljivo nagnutog prema svojoj ženi, nježno je grli za rame, drugom rukom dodiruje njena grudi, govori o beskrajnoj brizi i nježnosti prema svojoj ženi, ljubavi i divljenju prema njoj. Zauzvrat, djevojka drhtavo dodiruje njegovu ruku vrhovima prstiju, mirna je za svoju sudbinu, povjerena svom novom supružniku.

Drugo najveće majstorovo remek-delo, napisano na kraju njegovog života, bila je slika "Povratak izgubljenog sina" (1668, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg). Bio je to briljantan završetak kreativnog puta Rembrandta.

Da je "Jevrejska nevesta" zemaljska himna, tjelesna ljubav, onda ova slika govori o ljubavi višeg reda, punoj pokajanja, prihvatanja, praštanja, o toj sveobuhvatnoj ljubavi koja je moguća samo između roditelja i njegovog djeteta. Boja slike je odabrana vrlo prigušeno, sa prevlastom tamne boje. Samo ogrtači oca, koji je grlio sina, i čoveka koji je stajao sa desne strane gore od vatre. U ulozi izgubljenog sina, Rembrandt je sebe vidio cijeli život. Čak se i djelo "Autoportret sa Saskiom na kolenima" prvobitno zvalo "Gozba izgubljenog sina". Ova jevanđeoska parabola, koju je umjetnik volio, bila je osnova za nekoliko crteža.

Kompozicija slike je jednostavna. U prvom planu sin kleči, nadajući se oproštenju, pognuo glavu pred noge svog oca. Njih dvoje se ne gledaju, ne razgovaraju, ne vide oči, ali u samim njihovim pozama postoji velika bliskost i ljubav, kakva može biti samo između dvoje dragih ljudi, beskrajno dragih jedno drugom. Umjetnik izvlači izlizane đonove iz starih cipela svog sina kako bismo shvatili koliko je vremena prošao prije nego što je stao pred iscrpljenog oca, grleći ga svojim umornim rukama. Lica likova koji okružuju glavne likove su takođe ekspresivna, veoma su izražajna i puna poštovanja.

Najveći umjetnik, Harmens Van Rijn Rembrandt, koji je napustio svijet najbogatiji kulturno nasljeđe preko šest stotina slike, hiljadu i po crteža i tri stotine bakropisa, umrlo je 4. oktobra 1669. godine u zaboravu i siromaštvu. Sahranjen je na groblju Westerkerke u Amsterdamu, pored onih koje je najviše volio za života: Saskia, Hendrikjo i Titus.

Sve peripetije stvaralačkog i ličnog života velikog umjetnika nisu mogle slomiti njegov duh i potkopati njegovu radnu sposobnost. Poput genija renesanse, Tiziana, Rembrandt je radio gotovo do poslednjih dana svog života, neumorno stvarajući remek-dela, pokušavajući da pronikne u suštinu ljudskog života i dušu samog čoveka, koji je celog života bio protagonista njegovog zadivljujućeg slike. Neprocjenjiv doprinos kojem je dao holandska umjetnost Rembrandt, koji nikada nije prevario odabranicu kreativan način, napravio pravu revoluciju u nacionalnoj i svjetskoj umjetnosti i stavio je na put kontinuirane evolucije.

Rembrandt Harmens Van Rijn jedan od najpoznatijih umjetnika na svijetu. Rođen 15. jula 1606. u Leidenu (Holandija, Južna Holandija). Nekoliko godina je učio kao šegrt kod jednog lajdenskog slikara, a zatim je studirao suptilnosti slikarstva kod Pietera Lastmana u Amsterdamu, koji je pak studirao u Italiji. Lastman je prvi uveo Rembrandta u umjetnost chiaroscura, efekte prenošenja volumena, dubine, kao i dramu radnje.

Rembrandt je pravi i nenadmašni majstor biblijskih i mitoloških tema, portreta i transmisije. Nakon što se 1631. (1632.) preselio u Amsterdam, ubrzo je stekao pravu slavu. talentovani umetnik. Slika "Lekcija anatomije doktora Tulipana" donijela mu je slavu i priznanje među umjetnicima i poznavaocima slikarstva. U to vrijeme bio je moderan i uspješan slikar koji je imao mnogo narudžbi. Njegov posao je naglo skočio i postao je prilično bogata osoba.

Međutim, uprkos njegovoj dobrobiti kao umjetniku, mnoge nevolje zadesile su Rembrandta u njegovom privatnom životu. Troje njegove djece umrlo je u djetinjstvu. Četvrti sin Titus je preživio, ali mu je žena Saskia umrla godinu dana nakon njegovog rođenja. U ovim teškim i kritičnim godinama za svaku osobu, Rembrandt slika sliku "Noćna straža", koja mu je donijela pravu slavu i još uvijek je jedna od najpoznatijih. svetle slike sav njegov rad. Noćna straža je grupni portret članova streljačkog ceha. Tada je napustio klasičan način slaganja lica u grupnom portretu i stvorio sliku u kojoj ima dinamike i kretanja. Osim toga, neobičan kontrast, način superponiranja svjetla i sjene, dao je posebnu uzbudljivu notu radu. Mora se priznati da kupci nisu razumjeli Rembrandtovu ideju, jer su željeli dobiti nešto slično djelima drugih klasičnih umjetnika tog vremena, onih koji su bili prepoznati kao standard u slikarstvu.

Realistička umjetnost tokom godina Rembrandt van Rijn sve je sve bolje i bolje. Ulazi dublje u svoje stvaralaštvo, sve više se razlikuje od svojih savremenika. Dubina i emocionalnost dostižu vrhunac napetosti. Umetničke slike na njegovim platnima kao da žive svoje sopstveni život, i uopće nisu kopija originala ili obična slika osobe. Upravo je novina umjetničkih istraživanja omogućila da postane jedan od najistaknutijih umjetnika svih vremena i naroda. Tokom svog života nije prestao da oduševljava ljude. Čak i kada je Rembrandt izašao iz mode i nastavio da piše obični portreti po narudžbi, neočekivano za sve, naslikao je grandioznu sliku "Povratak izgubljenog sina". Pa ipak, uprkos njihovoj vještini i zaslugama, svijet i društvo bili su okrutni čak i u to vrijeme. Rembrandt Van Rijn je umro 4. oktobra 1669. u siromaštvu i bijedi. Njegov grob je izgubljen, ali je veliko naslijeđe ostalo u njegovom sjećanju dugi niz stoljeća.

Želite li izgledati moderno i moderno? Kvalitetna štampa na majicama iz Print Salona stoji Vam na usluzi. Majice, natpisi i slike za svaki ukus.