Simboli mrtve prirode holandskih umjetnika iz 17. stoljeća. Izvrsna holandska mrtva priroda - remek djela mirnog života

17.02.2019

Jean Calvin Jean Calvin(1509-1564) - crkveni reformator i osnivač jedne od struja protestantizma. Osnovu kalvinističke crkve čine takozvane kongregacije - autonomne zajednice kojima upravljaju pastor, đakon i starješine izabrani iz redova laika. Kalvinizam je bio veoma popularan u Holandiji u 16. veku. učio da svakodnevne stvari imaju skriveno značenje, a iza svake slike treba da stoji moralna lekcija. Predmeti prikazani u mrtvoj prirodi su dvosmisleni: bili su obdareni poučnim, religioznim ili drugim prizvucima. Na primjer, ostrige su smatrane erotskim simbolom, a to je bilo očigledno savremenicima: kamenice su navodno stimulirale seksualnu potenciju, a Venera, boginja ljubavi, rođena je iz ljuske krivice. S jedne strane, ostrige su nagovještavale svjetovna iskušenja, s druge strane, otvorena školjka je značila dušu spremnu da napusti tijelo, odnosno obećavala je spas. Stroga pravila kako čitati mrtvu prirodu, naravno, nije postojalo, a gledatelj je na platnu pogodio upravo one likove koje je želio vidjeti. Osim toga, ne smijemo zaboraviti da je svaki predmet bio dio kompozicije i mogao se čitati na različite načine – ovisno o kontekstu i cjelokupnoj poruci mrtve prirode.

cvjetna mrtva priroda

Sve do 18. vijeka buket cvijeća je po pravilu simbolizirao slabost, jer su zemaljske radosti prolazne kao i ljepota cvijeta. Simbolika biljaka je posebno složena i višeznačna, a da se shvati značenje pomogle su knjige amblema, popularne u Evropi u 16.-17. stoljeću, gdje su alegorijske ilustracije i moto praćeni tekstovima objašnjenja. cvjetni aranžmani nije bilo lako protumačiti: isti cvijet je imao mnoga značenja, ponekad direktno suprotna. Na primjer, narcis je ukazivao na ljubav prema sebi i istovremeno se smatrao simbolom Majke Božje. U mrtvim prirodama, u pravilu, sačuvana su oba značenja slike, a gledalac je mogao izabrati jedno od dva značenja ili ih kombinirati.

Cvjetne kompozicije često su dopunjene voćem, malim predmetima, slikama životinja. Ove slike izražavale su glavnu ideju djela, naglašavajući motiv prolaznosti, venuća, grešnosti svega zemaljskog i neprolaznosti vrline.

Jan Davids de Heem. Cveće u vazi. Između 1606. i 1684. godine State Hermitage

Slikao Jan Davidsz de Heem Jan Davids de Heem(1606-1684) holandski slikar poznat po svojim cvjetnim mrtvim prirodama. U podnožju vaze umjetnik je prikazao simbole krhkosti: uvenulo i polomljeno cvijeće, trošne latice i osušene mahune graška. Ovdje je puž - povezan je s dušom grešnika Među ostalim takvim negativnim slikama su gmizavci i vodozemci (gušteri, žabe), kao i gusjenice, miševi, muhe i druge životinje koje puze po zemlji ili žive u blatu.. U središtu buketa vidimo simbole skromnosti i čistoće: divlje cvijeće, ljubičice i zaboravnice. Okruženi su tulipanima, koji simboliziraju blijedilu ljepotu i besmisleno rasipanje (uzgoj tulipana se smatrao jednim od najispraznijih zanimanja u Holandiji i nije jeftin); bujne ruže i makovi, koji podsjećaju na krhkost života. Kompoziciju krunišu dva velika cvijeta koji imaju pozitivno značenje. Plava šarenica predstavlja oproštenje grijeha i ukazuje na mogućnost spasenja kroz vrlinu. Crveni mak, koji se tradicionalno povezivao sa snom i smrću, promijenio je svoje tumačenje zbog svoje lokacije u buketu: ovdje predstavlja Kristovu pomirnu žrtvu. Još u srednjem vijeku vjerovalo se da cvjetovi maka rastu na zemlji navodnjenoj Kristovom krvlju.. Drugi simboli spasa su klasovi hljeba, a leptir koji sjedi na stabljici predstavlja besmrtnu dušu.

Jan Bauman. Cveće, voće i majmun. Prva polovina 17. veka Muzej istorije i umetnosti Serpuhov

Slika Jana Baumana Jan (Jean-Jacques) Bauman(1601-1653) - slikar, majstor mrtve prirode. Živio i radio u Njemačkoj i Holandiji."Cveće, voće i majmun" - dobar primjer semantička slojevitost i višeznačnost mrtve prirode i objekata na njoj. Na prvi pogled, kombinacija biljaka i životinja djeluje nasumično. Naime, ova mrtva priroda podsjeća i na prolaznost života i grešnost zemaljskog postojanja. Svaki prikazani predmet prenosi određenu ideju: puž i gušter unutra ovaj slučaj ukazati na smrtnost svega zemaljskog; lala koja leži u blizini posude s voćem simbolizira brzo uvenuće; školjke razbacane po stolu nagoveštavaju bacanje novca U Holandiji u 17. veku bilo je veoma popularno sakupljanje svih vrsta „zanimljivosti“, uključujući i školjke.; a majmun s breskvom ukazuje na izvorni grijeh i izopačenost. S druge strane leptir leptir i voće: grozdovi, jabuke, breskve i kruške - govore o besmrtnosti duše i pomirbenoj žrtvi Hristovoj. Na drugom, alegorijskom nivou, voće, voće, cvijeće i životinje predstavljeni na slici predstavljaju četiri elementa: školjke i puževi - vodu; leptir - vazduh; voće i cvijeće - zemlja; majmun je vatra.

Mrtva priroda u mesnici

Peter Artsen. Mesnica, ili Kuhinja sa letom u Egipat. 1551 Muzej umjetnosti Sjeverne Karoline

Slika mesnice tradicionalno se povezivala s idejom fizičkog života, personifikacijom elementa zemlje, a također i proždrljivošću. Na slici Petera Aartsena Peter Aartsen ( 1508-1575) bio je holandski slikar, poznat i kao Pieter Long. Među njegovim radovima su žanrovske scene na jevanđeoske priče, kao i slike pijaca i prodavnica. skoro ceo prostor zauzima sto pun hrane. Vidimo mnoge vrste mesa: ubijenu perad i zaklane trupove, džigericu i šunku, šunke i kobasice. Ove slike simboliziraju neumjerenost, proždrljivost i vezanost za tjelesna zadovoljstva. Sada skrenimo pažnju na pozadinu. Na lijevoj strani slike u prozorskom otvoru postavljena je evanđelska scena leta u Egipat, koja je u oštrom kontrastu s mrtvom prirodom u prvom planu. Djevica Marija predaje posljednji komad kruha siromašnoj djevojci. Imajte na umu da se prozor nalazi iznad posude, gdje dvije ribe leže ukršteno (simbol raspeća) - simbol kršćanstva i Krista. Desno u dubini je konoba. Veselo društvo sjedi za stolom uz vatru, pije i jede kamenice koje, kako se sjećamo, asociraju na požudu. Iskasapljena lešina visi pored stola, što ukazuje na neminovnost smrti i prolaznost zemaljskih radosti. Mesar u crvenoj košulji razblažuje vino vodom. Ova scena odražava glavnu ideju mrtve prirode i upućuje na parabolu o izgubljenom sinu. Podsjetimo da u Paraboli o izgubljenom sinu postoji nekoliko zapleta. Jedna od njih govori o mlađi sin koji je, dobivši imanje od oca, sve prodao i potrošio novac na raskalašeni život.. Prizor u kafani, kao i mesnica puna hrane, govori o besposlenom, raskalašenom životu, vezanosti za ovozemaljska zadovoljstva, prijatnom za telo, ali pogubnom za dušu. U sceni leta u Egipat, likovi su praktično okrenuti gledaocu: kreću se dublje u sliku, dalje od mesnice. Ovo je metafora za bijeg od raspuštenog života punog senzualnih radosti. Odricanje od njih je jedan od načina da spasite svoju dušu.

Mrtva priroda u ribarnici

Mrtva priroda ribe je alegorija vodenog elementa. Takvi radovi, poput mesnica, često su bili dio takozvanog ciklusa prvih elemenata. U zapadnoj Evropi bili su uobičajeni veliki slikarski ciklusi, koji su se sastojali od nekoliko slika i, po pravilu, visile u jednoj prostoriji. Na primjer, ciklus godišnjih doba (gdje su ljeto, jesen, zima i proljeće prikazani uz pomoć alegorija) ili ciklus elemenata (vatra, voda, zemlja i zrak). i, po pravilu, stvoreni su za ukrašavanje blagovaonica palače. Slike Fransa Snydersa u prvom planu Frans Snyders(1579-1657) - flamanski slikar, autor mrtvih priroda i baroknih animalističkih kompozicija."Fish Shop" prikazuje mnogo ribe. Tu su smuđevi i jesetra, karas, som, losos i drugi plodovi mora. Neki su već posječeni, neki čekaju na red. Ove slike riba nemaju nikakav podtekst - one pjevaju o bogatstvu Flandrije.

Frans Snyders. Fish shop. 1616

Pored dječaka vidimo korpu sa poklonima koje je dobio za Nikoljdan U katoličanstvu se Sveti Nikola slavi 6. decembra. Na ovaj praznik, kao i na Božić, djeci se daju pokloni.. Na to ukazuju drvene crvene cipele vezane za korpu. Osim slatkiša, voća i orašastih plodova, u korpi se nalaze i štapovi - kao nagovještaj odgoja "šargarepe i štapa". Sadržaj korpe govori o radosti i tuzi ljudski život, koji se stalno zamjenjuju. Žena objašnjava djetetu da poslušna djeca dobijaju poklone, a loša djeca kažnjavaju. Dječak je užasnut ustuknuo: mislio je da će umjesto slatkiša dobiti udarce šipkama. Sa desne strane vidimo prozorski otvor u kojem se vidi gradski trg. Grupa djece stoji ispod prozora i radosno pozdravlja lutkarsku ludu na balkonu. Šut je bitan atribut narodnih fešta.

Mrtva priroda sa postavljenim stolom

U brojnim varijacijama postavljanja stola na platnima holandskih majstora vidimo kruh i pite, orahe i limune, kobasice i šunke, jastoge i rakove, jela s kamenicama, ribu ili prazne školjke. Ove mrtve prirode možete razumjeti ovisno o skupu objekata.

Gerrit Willems Heda. Šunka i srebrni pribor. 1649 Državni muzej likovnih umjetnosti. A. S. Puškin

Na slici Gerrit Willems Heda Gerrit Willems Heda(1620-1702) slikar mrtve prirode i sin slikara Willema Klasa Hede. vidimo posudu, vrč, visoki stakleni pehar i prevrnutu vazu, lonac senfa, šunku, zgužvanu salvetu i limun. Ovo je Khedin tradicionalni i omiljeni set. Lokacija predmeta i njihov izbor nisu slučajni. Srebrno posuđe simbolizira zemaljsko bogatstvo i njihovu uzaludnost, šunka - tjelesna zadovoljstva, privlačnog izgleda i kiselkastog unutrašnjosti limuna predstavlja izdaju. Ugašena svijeća ukazuje na slabost i prolaznost. ljudsko postojanje, nered na stolu - do uništenja. Visoka staklena „flauta“ (u 17. veku su takve čaše korišćene kao merna posuda sa oznakama) je krhka, poput ljudskog života, a istovremeno simbolizuje umerenost i sposobnost čoveka da kontroliše svoje impulse. Općenito, u ovoj mrtvoj prirodi, kao i u mnogim drugim "doručakima", uz pomoć predmeta, razigrava se tema taštine i besmisla zemaljskih užitaka.

Peter Klas. Mrtva priroda sa mangalom, haringom, ostrigama i lulom za pušenje. 1624 Sotheby's / Privatna kolekcija

Većina predmeta prikazanih u mrtvoj prirodi Pietera Claesza Peter Klas(1596-1661) - holandski slikar, autor mnogih mrtvih priroda. Uz Khedu, smatra se osnivačem Harlemske škole mrtve prirode sa svojim geometrijskim monohromatskim slikama. su erotski simboli. Kamenice, lula, vino odnose se na kratka i sumnjiva tjelesna zadovoljstva. Ali ovo je samo jedna verzija čitanja mrtve prirode. Pogledajmo ove slike iz drugog ugla. Dakle, školjke su simboli krhkosti mesa; lula kojom su ne samo pušili, već i duvali balon, je simbol iznenadne smrti. Klaesov savremenik, holandski pesnik Willem Godschalk van Fockenborch, u pesmi "Moja nada je dim" napisao je:

Kao što vidite, biti je slično pušenju lule,
A koja je razlika - stvarno ne znam:
Jedan je samo povjetarac, drugi je samo dim. Per. Evgeny Vitkovsky

Tema prolaznosti ljudske egzistencije suprotstavljena je besmrtnosti duše, a znaci slabosti odjednom se pokazuju kao simboli spasenja. Kruh i čaša vina u pozadini povezuju se s Isusovim tijelom i krvlju i ukazuju na sakrament sakramenta. Haringa – još jedan Hristov simbol – podsjeća nas na post i posnu hranu. A otvorene školjke s kamenicama mogu promijeniti svoje negativno značenje u potpuno suprotno, označavajući ljudsku dušu, odvojenu od tijela i spremnu za ulazak u vječni život.

Različiti nivoi interpretacije objekata nenametljivo govore gledaocu da je čovek uvek slobodan da bira između duhovnog i večnog i zemaljskog prolaznog.

Vanitas, ili mrtva priroda "naučnika".

Žanr takozvane "naučne" mrtve prirode zvao se vanitas - na latinskom to znači "taština taština", drugim riječima - " memento mori" ("memento Mori"). Ovo je najintelektualnija vrsta mrtve prirode, alegorija vječnosti umjetnosti, krhkosti zemaljske slave i ljudskog života.

Jurian van Streck. Taština. 1670 Državni muzej likovnih umjetnosti. A. S. Puškin

Mač i kaciga s luksuznim perjanicom na slici Juriana van Strecka Jurian van Streck(1632-1687) - Amsterdamski slikar, poznat po svojim mrtvim prirodama i portretima. ukazuju na prolaznost zemaljske slave. Lovački rog simbolizira bogatstvo koje ne možete ponijeti sa sobom u drugi život. U "naučnim" mrtvim prirodama često se pojavljuju slike otvorenih knjiga ili nemarno ležećih papira sa natpisima. Oni ne samo da vas pozivaju na razmišljanje o prikazanim objektima, već vam omogućavaju da ih koristite za njihovu namjenu: za čitanje otvorenih stranica ili za puštanje muzike snimljene u muzičkoj svesci. Van Streck je prikazao skicu glave dječaka i otvorenu knjigu: ovo je tragedija Sofokla "Elektra", prevedena na holandski. Ove slike pokazuju da je umjetnost vječna. Ali stranice knjige su presavijene, a crtež ugubljen. Ovo su znakovi početka oštećenja, koji nagoveštavaju da ni umjetnost neće biti korisna nakon smrti. Lobanja također govori o neizbježnosti smrti, ali uho hljeba oko nje simbolizira nadu u vaskrsenje i vječni život. Sredinom 17. stoljeća, lobanja isprepletena ušom kruha ili zimzelenim bršljanom postala bi obavezna tema za prikaz mrtvih priroda u stilu vanitas.

Izvori

Vipper B.R. Problem i razvoj mrtve prirode.
Zvezdina Yu. N. Emblematika u svijetu antičke mrtve prirode. Na problem čitanja simbola.
Tarasov Yu. A. Holandska mrtva priroda iz 17. vijeka.
Ščerbačova M. I. Mrtva priroda u holandskom slikarstvu.
vizuelna slika i skriveno značenje. Alegorije i amblemi na slikama Flandrije i Holandije II polovina XVI- XVII vijek. Katalog izložbe. Puškinov muzej im. A. S. Puškin.

Pojava žanra "mrtve prirode" u Holandiji dar je protestantizma. U katoličko doba Crkva je bila glavni kupac umjetnika, a slikarstvo je, naravno, bilo ograničeno na vjerske i poučne teme. Kalvinizam nije priznavao ikone i crkvenu umjetnost općenito. Slikari su tražili novo tržište prodaju, a nalazili su ga u kućama gostioničara, trgovaca i zemljoradnika.

U Holandiji su slike koje prikazuju objekte nazvane "stillleven", što se može prevesti i kao "mirna priroda, model" i kao "mirni život", što vrlo precizno prenosi specifičnosti. Holandska mrtva priroda.
Fokus pažnje umjetnika spustio se s neba na zemlju, sada ih nije zanimala pobožna razmišljanja, već pomno proučavanje detalja materijalnog svijeta. Ali u Kreaciji su tražili Stvoritelja.

„Gospod nam je dao dvije knjige: knjigu Svetog pisma i knjigu stvaranja. Iz prvog saznajemo o Njegovoj milosti Spasitelja, iz drugog – o veličini Stvoritelja”, napisao je srednjovjekovni filozof Alan iz Lila. U priči o spasenju učestvuje i stvaranje: čovek je propao kroz jabuku, a kroz hleb i vino ponovo dobija spasenje. Simbolika sadržana u slici također je ostala iz prethodnih tradicija.

Prve pare su jednostavne - kruh, čaša vina, voće, riba, slanina. Ali svi predmeti u njima su simbolični: riba je simbol Isusa Krista; meso - smrtno meso; nož - simbol žrtve; limun - simbol neutažene žeđi; nekoliko orašastih plodova u ljusci - duša vezana grijehom; jabuka podsjeća na pad; vino ili grožđe - simbol Krvi; hleb je simbol tela Hristovog. Na slabost zemaljskog postojanja podsjećaju insekti, ljudske lobanje, polomljeno posuđe i mrtva divljač, često uključena u sastav platna. Školjka je školjka koju je ostavilo stvorenje koje je nekada živelo u njoj, uvenulo cveće je simbol smrti. Leptir rođen iz čahure znači uskrsnuće.

Kao rezultat aktivnosti holandske istočnoindijske kompanije, koja je opremala trgovačke brodove na Daleki istok, začini, kineski porculan, svila i druga egzotična roba prodavali su se u holandskim radnjama. Osim toga, nizozemske kolonije su formirane na Rtu dobre nade, u Indoneziji, Surinamu, Antilima, širom Azije. Kolonije su obogatile zemlju, a mrtve prirode su se počele puniti zemaljskim bogatstvom: stolnjaci od tepiha, srebrni pehari, sedef. Jednostavnu hranu zamenile su kamenice, šunka, egzotično voće. Simbolika ustupa mjesto naivnom divljenju stvaranju ljudskih ruku.

Karakteristika holandskog slikarstva bila je specijalizacija umjetnika po žanru. U okviru žanra mrtve prirode čak je postojala podjela prema odabrane temeŠtaviše, različiti gradovi su imali svoje omiljene vrste mrtve prirode, a ako bi se slikar slučajno preselio u drugi grad, često je dramatično mijenjao svoju umjetnost i počeo pisati one žanrove koji su bili popularni na ovom mjestu.

Harlem je postao rodno mjesto karakterističan izgled Holandska mrtva priroda - "doručak". Slike Pietera Claesza prikazuju položen sto sa posuđem i posuđem. Tanjir od kositra, haringa ili šunka, lepinja, čaša vina, zgužvana salveta, limun ili grančica grožđa, pribor za jelo - štedljiv i precizan izbor stvari stvara dojam stola za jednu osobu.

Na prisustvo osobe ukazuje „slikovit“ nered koji se unosi u raspored stvari, i atmosfera ugodne stambene unutrašnjosti koja se postiže prenošenjem svetlo-vazdušne sredine. Dominantni sivo-smeđi ton spaja predmete u jednu sliku, dok sama mrtva priroda postaje odraz individualnih ukusa osobe, njenog životnog stila.

Na isti način kao i Klas, radio je još jedan Harleman, Willem Heda. Kolor njegovih slika još je više podređen tonskom jedinstvu, dominira sivo-srebrni ton, postavljen slikom srebrnog ili kalajnog posuđa. Zbog ove šarene suzdržanosti, slike su počele da se nazivaju „monohromnim doručkom“.

U Utrechtu, veličanstven i elegantan cvjetna mrtva priroda. Njegovi glavni predstavnici su Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i njegov sin Jan van Huysum, koji je posebno poznat po svom pedantnom pisanju i svijetlim bojama.

Univerzitet u Leidenu stvorio je i poboljšao vrstu filozofske mrtve prirode "vanitas" (taština taština). Na slikama Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema, predmeti koji oličavaju zemaljsku slavu i bogatstvo (oklop, knjige, umjetnički atributi, dragocjeni pribor) ili čulna zadovoljstva (cvijeće, voće) stoje rame uz rame sa lobanjom ili pješčanim satom kao podsjetnik na prolaznost života.

Sredinom veka tema skromnih "doručaka" se u delima Willema van Elsta, Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena transformiše u luksuzne "bankete" i "dezerte". Pozlaćeni pehari, kineski porcelan i delftski fajans, stolnjaci od tepiha, južno voće naglašavaju ukus za eleganciju i bogatstvo koji je uspostavljen u holandskom društvu sredinom veka. U skladu s tim, „monohromni“ doručak zamjenjuju sočne, šareno zasićene, zlatno-tople boje.

Uz pejzažno slikarstvo, mrtva priroda, koja se odlikovala intimnim karakterom, postala je rasprostranjena u Holandiji u 17. vijeku. Holandski umjetnici su za svoje mrtve prirode birali razne predmete, znali su ih savršeno komponirati, otkriti osobine svakog predmeta i njegov unutrašnji život, neraskidivo povezan s ljudskim životom.
Holandski slikari 17. stoljeća Pieter Claesz (oko 1597. - 1661.) i Willem Heda (1594.-1680./1682.) naslikali su brojne varijante "doručaka", prikazujući šunke, rumene lepinje, pite od kupina, krhke staklene pehare punjene vinom, polu- sa nevjerovatnim vještom prenošenjem boje, volumena, teksture svakog artikla. Nedavna prisutnost čovjeka je opipljiva u neredu, slučajnom rasporedu stvari koje su mu upravo poslužile. Ali ovaj poremećaj je samo prividan, budući da je kompozicija svake mrtve prirode pažljivo osmišljena i pronađena. Diskretni sivkasto-zlatni, maslinasti tonski raspon ujedinjuje subjekte i daje posebnu zvučnost onim čistim bojama koje naglašavaju svježinu svježe rezanog limuna ili meku svilu plave vrpce.
Vremenom, „doručci“ majstora mrtve prirode, slikara Klaesa i Hede, ustupaju mesto „dezertima“ holandskih umetnika Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Vilema Kalfa (1622-1693). Beierenove mrtve prirode su stroge kompozicije, emocionalno bogate, šarene. Willem Kalf je kroz svoj život pisao na slobodan način i demokratske "kuhinje" - lonce, povrće i aristokratski izbor izuzetnih dragocjenih predmeta, mrtve prirode pune uzdržanog plemstva, poput srebrnih posuda, pehara, školjki zasićenih unutrašnjim gorenjem boja.
IN dalji razvoj mrtva priroda ide istim putem kao i sva holandska umjetnost, gubeći svoju demokratičnost, svoju duhovnost i poeziju, svoj šarm. Mrtva priroda se pretvara u dekoraciju doma visokih kupaca. Uz svu dekorativnost i umijeće izvođenja, kasne mrtve prirode predviđaju pad holandskog slikarstva.
Društvena degeneracija, poznata aristokratizacija holandske buržoazije u posljednjoj trećini 17. stoljeća, dovode do težnje ka konvergiranju sa estetskim pogledima francuskog plemstva, dovode do idealizacije umjetničkih slika, njihovog usavršavanja. Umjetnost gubi veze s demokratskom tradicijom, gubi realističku osnovu i ulazi u period dugog propadanja. Snažno iscrpljena u ratovima sa Engleskom, Holandija gubi poziciju velike trgovačke sile i najvećeg umetničkog centra.

Rad Fransa Halsa i holandski portret prve polovine 17. vijeka.

Frans Hals(holandski. Frans Hals, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antwerpen - 1666, Harlem) - izvanredan slikar portreta takozvanog zlatnog doba holandske umjetnosti.

1 Biografija
2 Zanimljivosti
3 Galerija
4 Napomene
5 Literatura
6 Linkovi

Biografija

"Porodični portret Isaaca Masse i njegove žene"

Hals je rođen oko 1582-1583 od flamanskog tkalca Françoisa Fransa Halsa van Mechelena i njegove druge žene Adriantje. Godine 1585., nakon pada Antverpena, porodica Hals preselila se u Harlem, gdje je umjetnik živio cijeli život.

U godinama 1600-1603, mladi umjetnik je studirao kod Karela van Mandera, iako se utjecaj ovog predstavnika manirizma ne prati u Halsovim kasnijim radovima. Godine 1610. Hals je postao član esnafa sv. Luke i počinje raditi kao restaurator u gradskoj općini.

Hals je napravio prvi portret 1611. godine, ali slava je Halsa došla nakon slike „Gozba oficira streljačke čete Sv. Đorđa“ (1616.).

Godine 1617. oženio se sa Lizbet Rajners.

„Rani Halsov stil karakteriše sklonost toplim tonovima, jasno modelovanje oblika uz pomoć teških gustih poteza. Hals je 1620-ih, zajedno s portretima, slikao žanrovske scene i kompozicije na vjerske teme” („Evanđelist Luka”, „Evanđelist Matej”, oko 1623-1625)”.

"Ciganski" Luvr, Pariz

U 1620-1630-im godinama. Hals je naslikao niz portreta, koji prikazuju predstavnike obični ljudi(“Šaga s lutnjom”, 1620-1625, “Veseli pijanac”, “Malle Babbe”, “Ciganin”, “Mulat”, “Dječak-ribar”; sve - oko 1630).

Jedini portret u punoj veličini je "Portret Willema Heithuisena" (1625-1630).

„U istom periodu, Hals je radikalno reformisao grupni portret, raskinuvši sa konvencionalnim sistemima kompozicije, uvodeći u radove elemente životnih situacija koje obezbeđuju direktnu vezu između slike i gledaoca („Banket oficira puške čete Sveti Adrijan”, oko 1623-27; “Banket oficira puške čete sv. Đorđa”, 1627, “Grupni portret puške čete sv. Adrijana”, 1633; “Službenici puške čete sv. Đorđe", 1639)." Ne želeći da napusti Harlem, Hals je odbio naređenja ako je to zahtevalo odlazak u Amsterdam. Jedini grupni portret koji je započeo u Amsterdamu morao je da završi drugi umetnik.

U godinama 1620-1640, vremenu najveće popularnosti, Hals je mnogo pisao dvostruki portreti bračni parovi: muž na lijevom portretu, a žena na desnoj. Jedina slika na kojoj su supružnici prikazani zajedno je "Porodični portret Isaaca Masse i njegove žene" (1622).

"Regenti staračkog doma"

Godine 1644. Hals je postao predsjednik Ceha sv. Luke. Godine 1649. završio je Descartesov portret.

„Psihološke karakteristike produbljuju se u portretima iz 1640-ih. („Regenti bolnice Svete Elizabete“, 1641, portret mladi čovjek, oko 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", oko 1645); u koloritu ovih radova počinje da prevladava srebrno sivi ton. Kasniji radovi Khalse se izvode na vrlo slobodan način i rješavaju na štedljiv način. sema boja, izgrađen na kontrastima crno-bijelih tonova ("Čovjek u crnoj odjeći", oko 1650-52, "V. Cruz", oko 1660); u nekima se očitovao osjećaj dubokog pesimizma („Regents of the Asylum“, „Regents of the Asylum“, oba – 1664.)“.

“U starosti, Hals je prestao da prima naređenja i zapao u siromaštvo. Umjetnik je umro u ubožnici u Harlemu 26. avgusta 1666. godine.

Najveća zbirka umetnikovih slika nalazi se u Hals muzeju u Harlemu.

Osnivač holandskog realističkog portreta bio je Frans Hals (Hals) (oko 1580.-1666.), čije umjetničko nasljeđe svojom oštrinom i snagom zaokupljanja unutrašnjeg svijeta čovjeka nadilazi nacionalnu holandsku kulturu. Umjetnik širokog pogleda, hrabar inovator, uništio je kanone vlastelinskog (plemićkog) portreta 16. vijeka koji su se razvili prije njega. Nije ga zanimala osoba prikazana prema njegovom društvenom položaju u veličanstveno-svečanoj pozi i svečanom kostimu, već osoba u svoj svojoj prirodnoj suštini, svojstvu, sa svojim osjećajima, intelektom, emocijama. Na Halsovim portretima predstavljeni su svi slojevi društva: građani, strijelci, zanatlije, predstavnici nižih društvenih slojeva, na strani ovih drugih, njegove posebne simpatije, a na njihovim slikama pokazao je dubinu moćnog puna -krvavi talenat. Demokratizam njegove umjetnosti je posljedica veza s tradicijama iz doba holandske revolucije. Hals je svoje junake prikazao bez uljepšavanja, sa njihovim besceremonalnim manirima, snažnom ljubavlju prema životu. Hals je proširio obim portreta unošenjem elementa zapleta, hvatajući osobu koja se portretira u akciji, u konkretnoj životnoj situaciji, naglašavajući izraze lica, geste, držanje, trenutno i precizno shvaćene. Umjetnik je tražio emocionalnu snagu i vitalnost karakteristika portretisanih, prijenos njihove nezadržive energije. Hals nije samo reformirao pojedinačne naručene i grupne portrete, već je bio i tvorac portreta koji se graniči sa svakodnevni žanr.
Hals je rođen u Antverpenu, a potom se preselio u Harlem, gdje je živio cijeli život. Bio je vesela, druželjubiva osoba, ljubazan i bezbrižan. Kreativno lice Khalsa formirano je početkom 20-ih godina 17. stoljeća. Široku popularnost stekli su mu grupni portreti oficira puške čete Svetog Đorđa (1627, Harlem, Muzej Fransa Halsa) i puške čete Svetog Adrijana (1633, ibid.). Tokom gozbe predstavljeni su snažni, energični ljudi koji su aktivno učestvovali u oslobodilačkoj borbi protiv španskih osvajača. Veselo, s dozom humora, raspoloženje ujedinjuje oficire različitih karaktera i manira. Ovdje nema glavnog lika. Svi prisutni ravnopravni su učesnici slavlja. Hals je prevazišao čisto spoljašnju povezanost likova, karakterističnu za portrete njegovih prethodnika. Jedinstvo asimetrične kompozicije postiže se živom komunikacijom, nesputanom slobodom rasporeda figura ujedinjenih talasastim ritmom.
Sa sjajem i snagom, energični kist umjetnika oblikuje volumene oblika. potoci sunčeva svetlost klizi preko lica, blista u čipki i svili, blista u naočalama. Šareni raspon, u kojem dominiraju crna odijela i bijele kragne, oživljavaju zvučne zlatno-žute, lila, plave i ružičaste oficirske baldrike. Puni svijesti o vlastitom dostojanstvu, a istovremeno slobodno, prirodno, gestikulirajući, pojavljuju se holandski građani sa Halsovih portreta, prenoseći trenutno zahvaćeno stanje. Ruke na bokovima, oficir u šeširu širokog oboda se vatreno smiješi (1624, London, Wallaceova zbirka). Osvajaju prirodnost i živost poze, oštrina karakteristika, najviša vještina korištenja kontrasta bijele i crne u slikarstvu.
Halsovi portreti su raznoliki po temama i slikama. Ali prikazane ujedinjuju zajedničke karakteristike: integritet prirode, ljubav prema životu. Hals je slikar smijeha, veselog, zaraznog osmijeha. Sa blistavom radošću umjetnik oživljava lica predstavnika običnih ljudi, posjetitelja kafana, uličnih dječaka. Njegovi likovi se ne zatvaraju u sebe, okreću poglede i geste prema gledaocu.
Slobodoljubivi dah nadahnut je slikom "Cigana" (oko 1630, Pariz, Luvr). Hals se divi ponosnom spuštanju njene glave u oreol čupave kose, zavodljivom osmehu, živahnom sjaju u očima, izrazu nezavisnosti. Vibrirajući obris siluete, klizeći zraci svjetlosti, oblaci koji trče, naspram kojih je prikazan Ciganin, ispunjavaju sliku uzbuđenjem života. Portret Malle Babbe (početke 1630-ih, Berlin - Dahlem, Umjetnička galerija), vlasnik kafane, ne slučajno prozvan "Harlemska veštica", razvija se u malu žanrovsku scenu. Ružna starica gorućeg lukavog pogleda, oštro se okreće i široko se cereka, kao da odgovara nekom od stalnih gostiju svoje kafane. Zloslutna sova se nazire u sumornoj silueti na njenom ramenu. Zapanjujuća su oštrina, vizije umjetnika, sumorna snaga i vitalnost slike koju je stvorio. Asimetrija kompozicije, dinamika, sočnost uglatog poteza kistom pojačavaju tjeskobu scene.
Do sredine 17. vijeka, promjene koje su se desile u holandskom društvu bile su jasno naznačene; kako u njoj jača pozicija buržoazije, koja je izgubila vezu sa masama, ona postaje sve konzervativnija. Odnos buržoaskih kupaca prema umjetnici realisti. Svoju popularnost je izgubio i Hals, čija je demokratska umjetnost postala tuđa preporođenoj buržoaziji, hrleći za aristokratskom modom.
Majstorov optimizam koji potvrđuje život zamijenjen je dubokim razmišljanjem, ironijom, gorčinom, skepticizmom. Njegov realizam postao je psihološki dublji i kritičniji, njegova vještina rafiniranija i savršenija. Boja Halsa se takođe promenila, dobijajući više suzdržanosti; u prevladavajućem srebrno-sivom, hladnom tonskom rasponu, među crnom i bijelom, male, precizno pronađene mrlje ružičaste ili crvene boje dobijaju posebnu zvučnost. Osjećaj gorčine, razočarenja opipljiv je u “Portretu čovjeka u crnoj odjeći” (oko 1660., Sankt Peterburg, Ermitaž), u kojem se obogaćuju i oživljavaju najfinije šarene nijanse lica pored suzdržanih, gotovo jednobojni crno-bijeli tonovi.
Najveći Halsov domet su njegovi posljednji grupni portreti regenta i regenta (povjerenika) staračkog doma, pogubljeni 1664. godine, dvije godine prije smrti umjetnika, koji je život završio sam u prihvatilištu. Pun taštine, hladan i shrvan, gladan vlasti i razmetljiv, sedi za stolom starog poverenika iz grupe „Portret regenta azila za stare“ (Harlem, Muzej Fransa Halsa. Ruka starog umetnika nepogrešivo precizno primjenjuje slobodne, brze poteze.Kompozicija je postala mirna i stroga.Oskudnost prostora, raspored figura, ravnomjerno raspršeno svjetlo, podjednako obasjavajući sve prikazane, doprinose fokusiranju na karakteristike svake od njih. Šema boja je lakonski sa prevlastom crnih, bijelih i sivih tonova. Kasni Halsovi portreti stoje uz najistaknutije kreacije svijeta portretno slikarstvo: njihov psihologizam je blizak portretima najvećeg holandskog slikara - Rembranta, koji je, kao i Hals, preživio svoju životnu slavu, došavši u sukob sa buržoaskom elitom holandskog društva.

Frans Hals je rođen oko 1581. godine u Antwerpenu u porodici tkača. U mladosti je došao u Harlem, gdje je živio gotovo bez prekida do svoje smrti (1616. posjetio je Antverpen, a sredinom 1630-ih - Amsterdam). Malo se zna o Halsovom životu. Godine 1610. ušao je u Ceh sv. Luke, a 1616. - u komoru govornika (glumaca amatera). Hals je ubrzo postao jedan od najpoznatijih slikara portreta u Harlemu.
U XV-XVI vijeku. u slikarstvu Holandije postojala je tradicija da se slikaju portreti samo predstavnika vladajućih krugova, poznatih ljudi i umjetnika. Khalsova umjetnost je duboko demokratska: na njegovim portretima možemo vidjeti aristokratu, bogatog građanina, zanatlije, pa čak i osobu sa samog dna. Umjetnik ne pokušava idealizirati prikazano, glavna stvar za njega je njihova prirodnost i originalnost. Njegovi plemići ponašaju se nesputano kao i predstavnici nižih slojeva društva, koji su na slikama Halsa prikazani kao veseli ljudi, ne lišeni samopoštovanja.
Veliko mjesto u slikarevom stvaralaštvu zauzima grupni portret. Najbolji radovi portreti oficira puške čete sv. Đorđa (1627.) i puškarske čete svetog Adrijana (1633.) postali su ovaj žanr. Svaki lik na slikama ima svoju svijetlu osobnost, a istovremeno se ova djela odlikuju integritetom.
Hals je slikao i portrete po narudžbi, na kojima su bogati građani i njihove porodice smješteni u opuštene poze („Portret Isaaca Masse“, 1626; „Portret Hethuisena“, 1637). Slike Halsa su živahne i dinamične, čini se da ljudi na portretima razgovaraju sa nevidljivim sagovornikom ili se obraćaju gledaocu.
Predstavnici narodnog okruženja na portretima Halsa odlikuju se živopisnom ekspresivnošću i neposrednošću. U slikama uličnih momaka, ribara, muzičara, posjetitelja kafana osjeća se simpatija i poštovanje autora. Njegov "Gypsy" je izuzetan. Nasmejana mlada žena deluje iznenađujuće živo, čiji je lukavi pogled usmeren ka sagovorniku nevidljivom publici. Hals ne idealizuje svoj model, ali slika vesele, raščupane Ciganke oduševljava svojim živahnim šarmom.
Vrlo često Halsovi portreti uključuju elemente žanrovske scene. Ovo su slike djece koja pjevaju ili se igraju muzički instrumenti("Dječaci koji pjevaju", 1624-1625). U istom duhu izvedena je i čuvena “Malle Babbe” (početke 1630-ih) koja je predstavljala poznatu vlasnicu kafane u Harlemu, koju su posjetioci iza leđa zvali Harlemska vještica. Umjetnik je gotovo groteskno prikazao ženu sa ogromnom kriglom piva i sovom na ramenu.
1640-ih godina Zemlja pokazuje znakove prekretnice. Prošlo je samo nekoliko decenija od pobede revolucije, a buržoazija je već prestala da bude progresivna klasa zasnovana na demokratskim tradicijama. Istinitost Halsove slike više ne privlači bogate klijente koji žele sebe da vide na portretima bolje nego što zaista jesu. Ali Hals nije napustio realizam i njegova popularnost je opala. Na slici ovog perioda pojavljuju se note tuge i razočaranja („Portret čovjeka u šeširu širokog oboda“). Njegova paleta postaje stroža i mirnija.
U dobi od 84 godine, Hals stvara dva svoja remek-djela: grupne portrete regenta (povjerenika) i regenta staračkog doma (1664.). Ova posljednja djela holandskog majstora odlikuju se emocionalnošću i svijetlom individualnošću slika. Od slika namjesnika - staraca i žena - diše tugom i smrću. Ovaj osjećaj je naglašen i koloritom, izdržanim u crnim, sivim i bijelim tonovima.
Hals je umro 1666. u dubokom siromaštvu. Njegova istinita umjetnost koja potvrđuje život veliki uticaj o mnogim holandskim umjetnicima.

Slikarstvo Rembrandta.

	Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) bio je holandski slikar, crtač i grafičar. Rembrantovo djelo, prožeto željom za duboko filozofskim poimanjem života, unutrašnjeg svijeta čovjeka sa svim bogatstvom njegovih duhovnih iskustava, predstavlja vrhunac razvoja holandske umjetnosti 17. stoljeća, jedan od vrhunaca. svijeta umjetničke kulture. Umetničko nasleđe Rembrandt se odlikuje izuzetnom raznolikošću: slikao je portrete, mrtve prirode, pejzaže, žanrovske scene, slike na istorijske, biblijske, mitološke teme, Rembrandt je bio savršeni majstor crtanje i bakropis. Nakon kratkog studija na Univerzitetu u Leidenu (1620), Rembrandt odlučuje da se posveti umjetnosti i studira slikarstvo kod J. van Swanenbürcha u Leidenu (oko 1620-1623) i P. Lastmana u Amsterdamu (1623); 1625-1631 radio je u Leidenu. Rembrantove slike iz perioda Lajdena obilježene su potragom za kreativnom samostalnošću, iako još uvijek pokazuju utjecaj Lastmana i majstora holandskog karavagizma („Dovođenje u hram“, oko 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). Na slikama “Apostol Pavle” (oko 1629-1630, Nacionalni muzej, Nirnberg) i “Simeon u hramu” (1631, Mauritshuis, Hag) prvi je koristio chiaroscuro kao sredstvo za jačanje duhovnosti i emocionalne ekspresivnosti slike. Iste godine, Rembrandt je naporno radio na portretu, proučavajući izraze lica ljudskog lica. Godine 1632. Rembrandt se preselio u Amsterdam, gdje se ubrzo oženio bogatom patricijkom Saskiom van Uylenburgh. 1630-te su period porodične sreće i Rembrantovog velikog umjetničkog uspjeha. Slika "Lekcija anatomije dr. Tulpa" (1632, Mauritshuis, Hag), na kojoj je umjetnik inovativno riješio problem grupni portret, dajući kompoziciji život lakoće i ujedinjujući one prikazane jednom akcijom, doneo je Rembrandtu široku slavu. Na portretima naslikanim po brojnim narudžbama, Rembrandt van Rijn je pažljivo prenio crte lica, odjeću, nakit (slika „Portret grobara“, 1636, Drezdenska galerija).

1640-ih godina nastajao je sukob između Rembrandtovog djela i ograničenih estetskih zahtjeva savremenog društva. To se jasno manifestiralo 1642. godine, kada je slika “ Noćna straža” (Rijksmuseum, Amsterdam) izazvao je proteste kupaca koji nisu prihvatili glavnu ideju majstora - umjesto tradicionalnog grupnog portreta, stvorio je herojski uzdignutu kompoziciju sa scenom nastupa ceha strijelaca na alarmu , tj. u suštini istorijska slika koja budi sjećanja na oslobodilačku borbu holandskog naroda. Priliv Rembrandtovih narudžbi opada, njegove životne okolnosti su zasjenjene Saskijinom smrću. Rembrandtovo djelo gubi svoju vanjsku upadljivost i note dura koji su mu inherentni ranije. Slika mirne, tople i intimne biblijske i žanrovske scene, otkrivajući suptilne nijanse ljudskih iskustava, osjećaje duhovne, porodične bliskosti („David i Jonatan“, 1642, „Sveta porodica“, 1645, oba u Ermitažu, St. Petersburg).

Najfiniji chiaroscuro komad, koji stvara posebnu, dramatičnu, emocionalno intenzivnu atmosferu, postaje sve važniji kako u slikarstvu tako i u Rembrandtovoj grafici (monumentalni grafički list „Hrist iscjeljuje bolesne” ili „List od sto guldena”, oko 1642.- 1646; predeo pun dinamike zraka i svjetlosti „Tri drveta“, bakropis, 1643). 1650-e, ispunjene teškim vremenima za Rembranta životna iskušenja, otvaraju period stvaralačke zrelosti umjetnika. Rembrandt se sve više okreće žanru portreta, prikazujući ljude koji su mu najbliži (brojni portreti Rembrandtove druge žene Hendrickje Stoffels; "Portret starice", 1654., Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg; "Čitanje sina Tita", 1657. , Kunsthistorisches Museum, Beč).

Sredinom 1650-ih Rembrandt je stekao zrelu slikarsku vještinu. Elementi svjetla i boje, nezavisni, pa čak i djelimično suprotni u ranim umjetnikovim radovima, sada se spajaju u jedinstvenu međusobno povezanu cjelinu. Vruća crveno-smeđa, čas bljeskava, čas blijedi, drhtava masa blistavih boja pojačava emocionalnu ekspresivnost Rembrandtovih djela, kao da ih grije toplim ljudskim osjećajem. Godine 1656. Rembrandt je proglašen bankrotom, a sva njegova imovina je prodata na aukciji. Preselio se u jevrejsku četvrt Amsterdama, gde je proveo ostatak života u izuzetno skučenim okolnostima. Kreirao Rembrandt 1660-ih biblijske kompozicije sažeti njegova razmišljanja o smislu ljudskog života. U epizodama koje izražavaju sukob tame i svjetlosti u ljudskoj duši („Asur, Haman i Estera“, 1660, Muzej Puškin, Moskva; „Pad Hamana“ ili „David i Urija“, 1665, Državni muzej Ermitaž, St. Petersburg), bogat topao raspon, fleksibilan impasto stil pisanja, intenzivna igra sjene i svjetla, složena tekstura šarene površine služe za otkrivanje složenih kolizija i emocionalnih iskustava, za afirmaciju trijumfa dobra nad zlim.

Istorijska slika "Zavjera Julija Civilisa" ("Zavjera Batavisa", 1661, sačuvan je fragment, Nacionalni muzej, Stokholm) prožeta je teškom dramatikom i herojstvom. U posljednjoj godini svog života, Rembrandt je stvorio svoju glavno remek-delo- monumentalna slika „Povratak rasipni sin” (oko 1668-1669, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), koji je utjelovio sva umjetnička i moralna pitanja umjetnikovog kasnog stvaralaštva. Sa neverovatnom veštinom, on u njemu rekreira čitav niz složenih i dubokih ljudska osećanja, podređeni umetničkim sredstvima otkrivajući ljepotu ljudskog razumijevanja, saosjećanja i praštanja. Vrhunac prijelaza iz napetosti osjećaja u razrješenje strasti oličen je u skulpturalno ekspresivnim pozama, podlim gestovima, u emocionalnoj strukturi boje koja blistavo treperi u središtu slike i blijedi u zasjenjenom pozadinskom prostoru. Veliki holandski slikar, crtač i bakropisac Rembrandt van Rijn umro je 4. oktobra 1669. u Amsterdamu. Utjecaj Rembrandtove umjetnosti bio je ogroman. To je uticalo na rad ne samo njegovih neposrednih učenika, od kojih je Karel Fabricijus bio najbliži razumevanju učitelja, već i na umetnost svakog manje-više značajnog holandskog umetnika. Rembrantova umjetnost imala je dubok utjecaj na razvoj cjelokupne svjetske realističke umjetnosti kasnije.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(holandski. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - holandski slikar, crtač i graver, Veliki majstor chiaroscuro, najveći predstavnik zlatnog doba holandskog slikarstva. Uspio je u svojim djelima utjeloviti čitav niz ljudskih iskustava sa takvim emotivnim bogatstvom, kakvo likovna umjetnost prije njega nije poznavala. Rembrantova dela, žanrovski izuzetno raznolika, otvaraju gledaocu bezvremenski duhovni svet ljudskih iskustava i osećanja.

1 Biografija

1.1 godina pripravništva
1.2. Utjecaj Lastmana i karavagista
1.3 Radionica u Leidenu
1.4 Generacija sopstveni stil
1.5 Uspjeh u Amsterdamu
1.6 Dijalog sa Italijanima
1.7 Noćna straža
1.8 Prijelazni period
1.9 Kasni Rembrandt
1.10 Nedavni radovi

2 Pitanja atribucije
3 Rembrandtova učenika
4 Posthumna slava
5 U bioskopu
6 Napomene
7 Linkovi

Biografija

Godine šegrtovanja

Rembrandt Harmenszoon („Harmenov sin“) van Rijn rođen je 15. jula 1606. (prema nekim izvorima 1607. godine) u velikoj porodici bogatog vlasnika mlina Harmena Gerritszoon van Rijna u Lajdenu. Porodica majke ostala je vjerna katoličkoj vjeri i nakon Holandske revolucije.

"Alegorija muzike" iz 1626. - primjer Lastmanovog utjecaja na mladog Rembranta

U Lajdenu je Rembrant pohađao latinsku školu na univerzitetu, ali je najveće interesovanje pokazao za slikarstvo. Sa 13 godina dobio je da studira likovnu umjetnost istorijskom slikaru iz Leidena Jacobu van Swanenbürchu, katoliku po vjeri. Rembrandtova djela iz tog perioda istraživači nisu identificirali, a pitanje utjecaja Swanenbürcha na formiranje njegovog kreativnog stila ostaje otvoreno: danas se premalo zna o ovom leidenskom umjetniku.

Godine 1623. Rembrandt je studirao u Amsterdamu kod Pietera Lastmana, koji se školovao u Italiji i specijalizirao historijske, mitološke i biblijske teme. Vrativši se u Lajden 1627. godine, Rembrandt je, zajedno sa svojim prijateljem Janom Livensom, otvorio sopstvenu radionicu i počeo da regrutuje studente. U roku od nekoliko godina stekao je značajnu slavu.

Willem Klas Hedda. Mrtva priroda s pitom, 1627

„Zlatno“ doba mrtve prirode je 17. vek, kada se konačno uobličio kao nezavisni žanr slikarstvo, posebno u radu Holanđana i flamanski umjetnici. U isto vrijeme, izraz „tihi, smrznuti život“ se pojavio da se odnosi na mrtve prirode (holandski stilleven, njemački Stilleben, engleski mrtva priroda). Prve "stileven" bile su jednostavne radnje, ali i tada su prikazani predmeti nosili i semantičko opterećenje: hleb, čaša vina, riba su simboli Hrista, nož je simbol žrtve, limun je simbol neutažene žeđi; orasi u ljusci - duša vezana grijehom; jabuka podseća na jesen.

Postepeno se obogaćivao simbolički jezik slike.

Franciscus Geisbrechts, 17. stoljeće

Simboli koji se nalaze na platnima trebali su podsjetiti na krhkost ljudskog života i prolaznost zadovoljstava i postignuća:

Lobanja je podsjetnik na neizbježnost smrti.

Pokvareno voće je simbol starenja.

Zreli plodovi simboliziraju plodnost, obilje, in figurativno bogatstvo i prosperitet.

Brojni plodovi imaju svoje značenje: jesen označavaju kruške, paradajz, agrumi, grožđe, breskve i trešnje, i naravno, jabuka. Smokve, šljive, trešnje, jabuke ili breskve imaju erotski prizvuk.

Klice zrna, grane bršljana ili lovora (rijetko) - simbol ponovnog rođenja i ciklusa života.

Morske školjke, ponekad živi puževi - školjka mekušaca su ostaci nekada žive životinje, znači smrt i slabost.

Puž koji puže je oličenje smrtnog grijeha lijenosti.

Veliki mekušci označavaju dualnost prirode, simbol požude, još jedan od smrtnih grijeha.

Mjehurići od sapunice - kratkoća života i iznenadna smrt; referenca na izraz homo bulla - "čovek je mehur od sapunice".

Svijeća za gašenje dimljenja (na kraju) ili uljanica; kapa za gašenje svijeća - zapaljena svijeća je simbol ljudska duša, njegovo blijeđenje simbolizira odlazak.

šolje, karte za igranje ili kosti, šah (rijetko) - znak pogrešnog životnog cilja, potrage za užitkom i grešnog života. Jednakost mogućnosti u kockanje takođe značilo za osudu anonimnost.

Lula za pušenje simbol je prolaznih i neuhvatljivih ovozemaljskih zadovoljstava.

Karnevalska maska - znak je odsustva osobe u njoj. Namijenjen i za svečanu maskenbalu, neodgovorno zadovoljstvo.

Ogledala, staklene (ogledalne) kugle - ogledalo je simbol taštine, osim toga, to je i znak odraza, sjene, a ne pravi fenomen.

Beyeren. Mrtva priroda s jastogom, 1667

Razbijeno posuđe, obično stakleni pehari. Prazna čaša, za razliku od pune, simbolizira smrt.

Staklo simbolizira krhkost, snježnobijeli porculan - čistoću.

Malter i tučak su simboli muške i ženske seksualnosti.

Flaša je simbol grijeha pijanstva.

Nož - podsjeća na ranjivost osobe i njegovu smrtnost.

Peščani sat i mehanički sat - prolaznost vremena.

Muzički instrumenti, note - kratkoća i efemerna priroda života, simbol umjetnosti.

Knjige i geografske karte(mappa mundi), olovka za pisanje - simbol nauke, globus, i zemlja i zvjezdano nebo.

Paleta s kistovima, lovorov vijenac (obično na glavi lubanje) simboli su slikarstva i poezije.

Slova simboliziraju ljudske odnose.

Medicinski instrumenti podsjećaju na bolesti i slabost ljudskog tijela.

Novčići, kutije za nakit - nakit i kozmetika su dizajnirani da stvaraju ljepotu, žensku privlačnost, a istovremeno su povezani sa taštinom, narcizmom i smrtnim grijehom arogancije. Oni također signaliziraju odsustvo svojih vlasnika na platnu.

Oružje i oklop su simbol moći i moći, oznaka onoga što se ne može ponijeti sa sobom u grob.

Krune i papske tijare, žezla i moći, vijenci od lišća su znakovi prolazne zemaljske dominacije, koja je suprotstavljena nebeskom svjetskom poretku. Poput maski, simboliziraju odsustvo onih koji su ih nosili.

Ključevi - simboliziraju moć domaćice koja upravlja dionicama.

Ruševine - simboliziraju prolazni život onih koji su ih nekada nastanjivali.

Insekti, ptice i životinje često su prikazivani u mrtvim prirodama. Muhe i pauci, na primjer, smatrani su simbolima škrtosti i zla, a gušteri i zmije simbolima prijevare. Rakovi ili jastozi su personificirali promjene sudbine ili mudrosti.

Jacques André Joseph Aved. Oko 1670.

Knjiga - tragedija Sofokla "Elektra" - u ovom slučaju, simbol je dvosmislen. Smještajući ga u kompoziciju, umjetnik podsjeća na neizbježnost odmazde za bilo koji zločin ne na zemlji, već na nebu, jer je tragedija prožeta ovom mišlju. Antički motiv u takvim mrtvim prirodama često je simbolizirao kontinuitet umjetnosti. On naslovna strana stoji ime prevodioca, poznatog holandskog pjesnika Josta van den Vondela, čija djela u antičkim i biblijske priče bili toliko aktuelni da je čak bio proganjan. Malo je vjerovatno da je umjetnik Vondela smjestio slučajno - moguće je da je, govoreći o taštini svijeta, odlučio spomenuti taštinu moći.

Mač i šlem su amblem prolazne vojničke slave.

Bijela s crvenim perjem je kompoziciono središte slike. Perje uvijek znači taštinu i taštinu. Slika je datirana po kacigi sa perjem. Lodewijk van der Helst je 1670. godine prikazan u takvoj kacigi na posthumnom portretu admirala Sterlingwerfa. Admiralova kaciga prisutna je u još nekoliko mrtvih priroda Van Strecka.

Portret sangvinika. Za razliku od ulja, sangvinik je vrlo loše očuvan, kao i papir, za razliku od platna. Ovaj list govori o uzaludnosti umjetnikovih napora, istrošene i potrgane ivice osmišljene su da učvrste ovu ideju.

Zlatne rese su ispraznost luksuza.

Lobanja - u drevnoj kulturi, atribut Kronosa (Saturna), odnosno simbol vremena. Točak sreće je takođe bio prikazan sa lobanjom. Za kršćane je to znak svjetovne taštine, mentalna kontemplacija smrti, atribut pustinjačkog života. S njim su prikazani sveti Franjo Asiški, sveti Jeronim, Marija Magdalena, apostol Pavle. Lobanja je takođe simbol vječni život Hristos je razapet na Golgoti, gde je, prema legendi, sahranjena Adamova lobanja. Uvo obavijeno oko lobanje simbol je besmrtnosti duše („Ja sam hljeb života“ - Jovan 6:48), nade u vječni život.

Gomila otrcanih papira je taština znanja.

Rog baruta na lancu je vrlo karakteristična tema za holandsku mrtvu prirodu. Ovdje to, očigledno, treba tumačiti kao nešto što donosi smrt, za razliku od roga izobilja

Adrian van Utrecht "Vanitas". 1642.

đurđevaci, ljubičice, zaboravnice okružene ružama, karanfilima, anemonama - simboli skromnosti i čistoće;

veliki cvijet u središtu kompozicije je "kruna vrline";

mrvljene latice u blizini vaze su znakovi slabosti;

uvenuo cvijet je nagovještaj nestanka osjećaja;

perunike - znak Djevice;

bijele ruže - platonska ljubav i simbol čistoće;

crvene ruže - simbol strastvene ljubavi i simbol Djevice;

crveno cvijeće je simbol Kristove pomirbene žrtve;

ne samo bijeli ljiljan lijepi cvijet, ali i simbol čistote Djevice Marije;

plava i plavo cveće- podsjetnik na azurno nebo;

čičak - simbol zla;

karanfil - simbol prolivene krvi Hristove;

mak - alegorija sna, zaborava, simbol jednog od smrtnih grijeha - lijenosti;

anemona - pomoć u bolesti;

tulipani - simbol ljepote koja brzo nestaje, uzgoj ovog cvijeća smatran je jednom od najispraznijih i najuzaludnijih aktivnosti; tulipan je također simbolizirao ljubav, simpatiju, međusobno razumijevanje; bijeli tulipan - lažna ljubav, crveni tulipan - strastvena ljubav (u Evropi i Americi lala je povezana s proljećem, svjetlom, životom, bojama i smatra se ugodnim prijateljskim cvijetom, u Iranu, Turska i druge zemlje Istoka, tulipan povezan sa osećanjima ljubavi i erotike).

Natalia MARKOVA,
šef grafičkog odjela Puškinovog muzeja im. A, S, Puškin

Mrtva priroda u Holandiji 17. stoljeća

Možemo reći da je vrijeme djelovalo kao objektiv fotoaparata: promjenom žižne daljine mijenjala se skala slike sve dok u kadru nisu ostali samo objekti, a unutrašnjost i figure potisnute iz slike. "Okviri" sa mrtvom prirodom mogu se naći na mnogim slikama holandskih umetnika iz 16. veka. Lako je predstaviti u obliku self painting postavljen sto iz Porodičnog portreta Martina van Heemskerka (oko 1530. Državni muzeji, Kassel) ili vaza s cvijećem iz kompozicije Jana Brueghela Starijeg. Tako nešto je uradio i sam Jan Brueghel, koji je pisao na samom početku 17. veka. prve samostalne cvjetne mrtve prirode. Pojavili su se oko 1600. godine - ovo vrijeme se smatra datumom rođenja žanra.

Martin van Hemskerk. Porodični portret. Fragment. UREDU. 1530. Državni muzeji, Kassel.

U tom trenutku O va da ga definiše još nije postojao. Termin "mrtva priroda" nastao je u Francuskoj u 18. veku. i doslovno prevedeno znači "mrtva priroda", "mrtva priroda" (nature morte). U Holandiji su slike koje prikazuju predmete nazvane “stillleven”, što se može prevesti i kao “mirna priroda, model” i kao “tihi život”, što mnogo preciznije prenosi specifičnosti holandske mrtve prirode. Ali ovaj opći koncept ušao je u upotrebu tek od 1650. godine, a prije toga su se slike nazivale prema zapletu slike: b lumentopf - vaza s cvijećem, banketje - postavljen sto, fruytage - voće, toebackje - mrtve prirode sa pribor za pušenje, doodshoofd - slike koje prikazuju lubanje. Već iz ovog nabrajanja jasno se vidi kolika je bila raznolikost prikazanih predmeta. Zaista, cijeli objektivni svijet koji ih je okruživao kao da se prelijevao na slike holandskih umjetnika.

Abraham van Beuren. Mrtva priroda sa jastozima. XVII vijek.Kunsthaus, Cirih

U umjetnosti je to značilo revoluciju ništa manje od one koju su Holanđani napravili u ekonomskoj i socijalnoj sferi, izborivši neovisnost od moći katoličke Španjolske i stvorivši prvu demokratsku državu. Dok su njihovi savremenici u Italiji, Francuskoj, Španiji bili fokusirani na stvaranje ogromnih religioznih kompozicija za crkvene oltare, slike i freske na teme antičke mitologije za dvorske dvorane, Holanđani su slikali male slike s pogledom na kutke svog rodnog krajolika, plesove na seoskom prazniku ili kućnom koncertu u građanskoj kući, scene u seoskoj konobi, na ulici ili u kući za upoznavanje, postavljali stolove uz doručak ili desert, odnosno priroda je „niska“, nepretenciozna, nije zasjenjena antičkom ili renesansnom poetskom tradicijom, osim možda savremene holandske poezije. Kontrast sa ostatkom Evrope bio je upečatljiv.

Slike su rijetko nastajale po narudžbi, već su se uglavnom slobodno prodavale na pijacama za sve i bile su namijenjene ukrašavanju prostorija u domovima građana, pa čak i seoskih stanovnika – onih bogatijih. Kasnije, u 18. i 19. veku, kada je život u Holandiji postao teži i oskudniji, ove domaće slike su bile naširoko prodavane na aukcijama i lako nabavljene u kraljevskim i aristokratskim zbirkama širom Evrope, odakle su na kraju migrirale u najveće muzeje na svetu. . Kada je sredinom XIX veka. umjetnici su se posvuda okrenuli prikazivanju stvarnosti oko sebe, slikama holandskih majstora 17. vijeka. poslužio im kao uzor u svim žanrovima.

Jan Venix. Mrtva priroda sa bijelim paunom. 1692. Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg

Karakteristika holandskog slikarstva bila je specijalizacija umjetnika po žanru. Unutar žanra mrtve prirode postojala je čak i podjela na zasebne teme, a različiti gradovi su imali svoje omiljene vrste mrtve prirode, a ako bi se slikar slučajno preselio u drugi grad, često je dramatično mijenjao svoju umjetnost i počeo da slika te varijante mrtve prirode. žanr koji je bio popularan na ovom mestu.

Harlem je postao rodno mjesto najkarakterističnije vrste holandske mrtve prirode - "doručak". Slike Pietera Claesza prikazuju položen sto sa posuđem i posuđem. Tanjir od kositra, haringa ili šunka, lepinja, čaša vina, zgužvana salveta, limun ili grančica grožđa, pribor za jelo - štedljiv i precizan izbor stvari stvara dojam stola za jednu osobu. Na prisustvo osobe ukazuje „slikovit“ nered koji se unosi u raspored stvari, i atmosfera ugodne stambene unutrašnjosti koja se postiže prenošenjem svetlo-vazdušne sredine. Dominantni sivo-smeđi ton spaja predmete u jednu sliku, dok sama mrtva priroda postaje odraz individualnih ukusa osobe, njenog životnog stila.

Abraham van Beuren. Doručak. XVII vijeka. Puškinov muzej im. Puškin, Moskva

U Utrechtu se razvila bujna i elegantna cvjetna mrtva priroda. Njegovi glavni predstavnici su Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i njegov sin Jan van Huysum, koji je posebno poznat po svom pedantnom pisanju i svijetlim bojama.

U Hagu, centru pomorske industrije, Pieter de Putter i njegov učenik Abraham van Beyeren usavršili su sliku riba i drugih stanovnika mora; Univerzitet u Leidenu stvorio je i poboljšao vrstu filozofske mrtve prirode "vanitas" (taština taština). Na slikama Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema, predmeti koji oličavaju zemaljsku slavu i bogatstvo (oklop, knjige, umjetnički atributi, dragocjeni pribor) ili čulna zadovoljstva (cvijeće, voće) stoje rame uz rame sa lobanjom ili pješčanim satom kao podsjetnik na prolaznost života. Demokratičnija „kuhinjska“ mrtva priroda nastala je u Roterdamu u djelima Florisa van Schotena i Francoisa Reykhalsa, a njegova najbolja ostvarenja vezuju se za imena braće Cornelis i Herman Saftleven.

Sredinom stoljeća, tema skromnih "doručaka" se u djelima Willema van Aelsta, Uriana van Strecka, a posebno Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena, pretvara u luksuzne "bankete" i "desert". Pozlaćeni pehari, kineski porcelan i delftski fajans, stolnjaci od tepiha, južno voće naglašavaju ukus za eleganciju i bogatstvo koji je uspostavljen u holandskom društvu sredinom veka. U skladu s tim, „monohromni“ doručak zamjenjuju sočne, šareno zasićene, zlatno-tople boje. Uticaj Rembrandtovog chiaroscura čini da boje na Kalfovim slikama sijaju iznutra, poetizirajući objektivni svijet.

Willem Kalf. Mrtva priroda sa peharom - nautilusom i zdjelom Kineski porcelan. Muzej Thyssen - Bornemisza, Madrid

Majstori slike "lovačkih trofeja" i "ptičjih dvorišta" bili su Jan-Baptiste Veniks, njegov sin Jan Veniks i Melchior de Hondekuter. Ova vrsta mrtve prirode posebno se raširila u drugoj polovini - krajem stoljeća u vezi sa aristokratizacijom građanstva: uređenjem posjeda i razonodom lovom. slika dva najnoviji umetnici pokazuje povećanje dekorativnosti, boje, želju za vanjskim efektima.

Neverovatnu sposobnost holandskih slikara da prenesu materijalni svet u svom njegovom bogatstvu i raznolikosti cenili su ne samo savremenici, već i Evropljani u 18. i 19. veku, videli su u mrtvim prirodama, pre svega, i samo to briljantno majstorstvo. prenošenja stvarnosti. Međutim, za same Holanđane XVII vijeka ove slike su bile pune značenja, nudile su hranu ne samo za oči, već i za um. Slike su ulazile u dijalog sa publikom, govoreći im važne moralne istine, podsećajući ih na varljivost zemaljskih radosti, uzaludnost ljudskih težnji, usmeravajući njihove misli na filozofska razmišljanja o smislu ljudskog života.