มนุษย์มุ่งมั่นเพื่อความงาม ความกลมกลืน และการแสดงออกมาโดยตลอด ความปรารถนานี้แสดงออกมาตั้งแต่สมัยโบราณมา จิตรกรรม- รูปแบบหนึ่งของวิจิตรศิลป์ ซึ่งเป็นผลงานชิ้นแรกๆ ที่เราสามารถพบเห็นได้ในหมู่มนุษย์ดึกดำบรรพ์

จิตรกรรมถ่ายทอดภาพที่มองเห็นได้ด้วยการลงสีบนฐานที่มั่นคงหรือยืดหยุ่นได้ (ผ้าใบ ไม้ กระดาษ กระดาษแข็ง) มีฐานที่แตกต่างกันขึ้นอยู่กับสีและวัสดุที่ใช้ เทคโนโลยีและ ประเภทของการวาดภาพ. ในหมู่พวกเขา:

• น้ำมัน;
• อุบาทว์;
• เคลือบฟัน;
• gouache;
• สีพาสเทล;
• มาสคาร่า;
• จิตรกรรมบนปูนปลาสเตอร์: ปูนเปียกและเซคโก;
• สีน้ำ;
• แปรงแห้ง
• อะคริลิ;
• สื่อผสม
• และอื่น ๆ อีกมากมาย.

มีเทคนิคการวาดภาพที่หลากหลาย หากพูดอย่างเคร่งครัด ทุกสิ่งที่ทิ้งร่องรอยไว้บนสิ่งใดสิ่งหนึ่ง ก็คือการวาดภาพ การวาดภาพนั้นถูกสร้างขึ้นโดยธรรมชาติ เวลา และมนุษย์

สีในการวาดภาพเป็นวิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดวิธีหนึ่ง ตัวมันเองสามารถเป็นผู้ถือความคิดบางอย่างได้ นอกจากนี้ยังสามารถตอกย้ำความคิดที่ฝังอยู่ในเนื้อเรื่องของภาพซ้ำแล้วซ้ำอีก

การวาดภาพสามารถปลุกความรู้สึกและอารมณ์ที่หลากหลายในตัวเรา ใคร่ครวญคุณก็ทำได้ เต็มไปด้วยความรู้สึกสามัคคีและสันติสุข, บรรเทาความเครียดและ หลงทางในความคิด, ให้ฉัน ชาร์จแบตเตอรี่ของคุณและความตั้งใจที่จะทำความฝันของคุณให้เป็นจริง ภาพวาดที่ใกล้ชิดทางอารมณ์สามารถดึงดูดความสนใจได้นานหลายชั่วโมง และเจ้าของภาพวาดดังกล่าวจะค้นพบความหมาย แนวคิด และข้อความใหม่ๆ จากศิลปินในทุกครั้ง การไตร่ตรองเป็นรูปแบบหนึ่งของการทำสมาธิที่คุณดื่มด่ำไปกับตัวเอง โลกภายในและใช้เวลาตามลำพังตามลำพัง

นอกจาก, จิตรกรรมเช่นเดียวกับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ช่วยให้คุณแสดงออกอารมณ์และอารมณ์ของคุณ บรรเทาความเครียดและความตึงเครียดภายใน และบางครั้งก็พบคำตอบสำหรับคำถามที่สำคัญ

สำหรับหลายๆ คน การวาดภาพไม่ได้เป็นเพียงกิจกรรมที่น่ารื่นรมย์ แต่ยังเป็นงานอดิเรกที่มีประโยชน์ซึ่งส่งผลดีต่อผู้คนอีกด้วย สถานะภายใน. ด้วยการสร้างสิ่งใหม่บุคคลจะเปิดเผยศักยภาพของเขาตระหนักถึงความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขาทำความรู้จักกับตัวเองและโลกรอบตัวเขา

ชั้นเรียนวาดภาพเปิดใช้งานสิทธิ์(สร้างสรรค์ มีอารมณ์) ซีกโลกสมอง. นี่เป็นสิ่งสำคัญมากในยุคที่สมเหตุสมผลและมีเหตุผลของเรา การเปิดเผยข้อมูล ความคิดสร้างสรรค์ช่วยให้ประสบความสำเร็จในด้านต่างๆ ของชีวิตโดยสิ้นเชิง(อาชีพการงานความสัมพันธ์กับคนที่รักการเติบโตส่วนบุคคล) เพราะ ความคิดสร้างสรรค์และความยืดหยุ่นกลายเป็นส่วนหนึ่งของบุคลิกภาพของคุณ

บางทีตอนเด็กๆ คุณชอบวาดรูป แต่พ่อแม่ของคุณไม่ต้องการส่งคุณไปโรงเรียน โรงเรียนศิลปะ? หรือคุณใฝ่ฝันมาตลอดว่าจะสามารถแสดงความคิดของคุณอย่างสวยงามโดยใช้รูปภาพได้หรือไม่? "ไม่เคยสายเกินไปที่จะเรียนรู้การวาดภาพ!", - พวกเขาพูด ครูสมัยใหม่. ด้วยเทคนิค ประเภท และวัสดุที่หลากหลายในปัจจุบัน ทุกคนสามารถค้นหาสิ่งที่เหมาะกับตัวเองได้ และเรียนรู้พื้นฐานการจัดองค์ประกอบและการนำทาง สไตล์ทันสมัยและสามารถรับคำแนะนำได้ที่หลักสูตรการวาดภาพพิเศษสำหรับผู้ใหญ่

จิตรกรรมคือ ทั้งโลกความงาม ภาพ และสีสัน. หากคุณต้องการเป็นผู้มีส่วนร่วมโดยตรงในการสร้างสรรค์มัน ชั้นเรียนวาดภาพคือสิ่งที่คุณต้องการ!

ในศตวรรษที่ XVII-XVIII กระบวนการพัฒนา จิตรกรรมยุโรปมีความซับซ้อนมากขึ้น โรงเรียนระดับชาติก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), อิตาลี (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi ,เอฟ. กวาร์ดี้), สเปน (เอล เกรโก้, ดี. เบลัซเกซ, เอฟ. ซูร์บารัน, พ.ศ. มูริลโล, เอฟ. โกยา), ฟลานเดอร์ส (พี. พี. รูเบนส์, เจ. จอร์แดนส์, อ. ฟาน ไดค์, เอฟ. สไนเดอร์ส), ฮอลแลนด์ ( เอฟ. ฮัลส์, เรมแบรนดท์, เจ. เวอร์เมียร์
, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), บริเตนใหญ่ (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), รัสเซีย (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky) . การวาดภาพได้ประกาศถึงอุดมคติทางสังคมและทางแพ่งใหม่และหันไปใช้การพรรณนาที่มีรายละเอียดและแม่นยำมากขึ้น ชีวิตจริงในการเคลื่อนไหวและความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของบุคคล (ภูมิทัศน์ การตกแต่งภายใน ของใช้ในครัวเรือน) ปัญหาทางจิตลึกซึ้งยิ่งขึ้นความรู้สึกของความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันระหว่างบุคคลและ โลกโดยรอบ. ในศตวรรษที่ 17 ระบบประเภทต่างๆ ขยายตัวและเป็นรูปเป็นร่างอย่างชัดเจน ในศตวรรษที่ XVII-XVIII นอกเหนือจากความเจริญรุ่งเรืองของภาพวาดขนาดใหญ่และการตกแต่ง (โดยเฉพาะในสไตล์บาโรก) ซึ่งมีความสามัคคีอย่างใกล้ชิดกับประติมากรรมและสถาปัตยกรรมและสร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์ที่ส่งผลกระทบอย่างแข็งขันต่อบุคคล มีบทบาทสำคัญใน การวาดภาพขาตั้ง. ระบบการลงสีต่างๆ ถูกสร้างขึ้น ทั้งสองมีลักษณะทางโวหารร่วมกัน (ภาพวาดบาโรกแบบไดนามิกที่มีองค์ประกอบเปิดเป็นรูปเกลียวเป็นลักษณะเฉพาะ จิตรกรรมคลาสสิกที่มีการออกแบบที่ชัดเจน เข้มงวดและชัดเจน การวาดภาพโรโกโกด้วยการเล่นสี แสง และสีซีดจางอันงดงาม โทนเสียง) และไม่เข้ากับกรอบสไตล์เฉพาะใดๆ ด้วยความมุ่งมั่นที่จะสร้างสีสันของโลก สภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ศิลปินหลายคนได้ปรับปรุงระบบการวาดภาพโทนสี สิ่งนี้ทำให้เกิดความแตกต่างของเทคนิคทางเทคนิคของการวาดภาพสีน้ำมันหลายชั้น การเติบโตของศิลปะขาตั้งและความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับงานที่ออกแบบมาสำหรับการไตร่ตรองอย่างใกล้ชิด นำไปสู่การพัฒนาเทคนิคการวาดภาพในห้อง เทคนิคที่ละเอียดอ่อนและด้วยแสง - สีพาสเทล สีน้ำ หมึก และภาพวาดบุคคลขนาดจิ๋วประเภทต่างๆ

ในศตวรรษที่ 19 มีอันใหม่เกิดขึ้น โรงเรียนแห่งชาติการวาดภาพเหมือนจริงในยุโรปและอเมริกา ความเชื่อมโยงระหว่างการวาดภาพในยุโรปและส่วนอื่นๆ ของโลกขยายออกไป โดยที่ประสบการณ์การวาดภาพเหมือนจริงของยุโรปได้รับการตีความแบบดั้งเดิม ซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากประเพณีโบราณในท้องถิ่น (ในอินเดีย จีน ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ) จิตรกรรมยุโรปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของประเทศตะวันออกไกล (ส่วนใหญ่เป็นญี่ปุ่นและจีน) ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการต่ออายุเทคนิคในการจัดตกแต่งและจังหวะของระนาบภาพ ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพแก้ปัญหาโลกทัศน์ที่ซับซ้อนและเร่งด่วนมีบทบาทอย่างแข็งขันใน ชีวิตสาธารณะ; ได้รับความสำคัญในการวาดภาพ การวิจารณ์ที่คมชัดความเป็นจริงทางสังคม ตลอดศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพหลักการของวิชาการนิยมห่างไกลจากชีวิตและอุดมคติเชิงนามธรรมของภาพก็ได้รับการปลูกฝังเช่นกัน แนวโน้มของธรรมชาตินิยมเกิดขึ้น ในการต่อสู้กับความฟุ้งซ่าน ลัทธิคลาสสิกตอนปลายและวิชาการร้านเสริมสวย ภาพวาดแนวโรแมนติกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างโดยมีความสนใจอย่างแข็งขัน เหตุการณ์ที่น่าทึ่งประวัติศาสตร์และความทันสมัย ​​พลังของภาษาภาพ ความแตกต่างของแสงและเงา ความสมบูรณ์ของสี (T. Gericault, E. Delacroix ในฝรั่งเศส; F. O. Runge และ K. D. Friedrich ในเยอรมนี; ในหลาย ๆ ด้าน O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin , K. P. Bryullov, A. A. Ivanov ในรัสเซีย) การวาดภาพเหมือนจริงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสังเกตโดยตรงของปรากฏการณ์ลักษณะเฉพาะของความเป็นจริง ทำให้ได้ภาพชีวิตที่สมบูรณ์ น่าเชื่อถือ และน่าเชื่อยิ่งขึ้น (J. Constable ในบริเตนใหญ่; C. Corot อาจารย์ของโรงเรียน Barbizon, O. Daumier ในฝรั่งเศส ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov ในรัสเซีย) ในช่วงที่ขบวนการปฏิวัติและขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติเติบโตขึ้นในยุโรป ภาพวาดของสัจนิยมประชาธิปไตย (G. Courbet, J. F. Millet ในฝรั่งเศส; M. Munkacsi ในฮังการี, N. Grigorescu และ I. Andreescu ในโรมาเนีย, A. Menzel, V. Leibl ในประเทศเยอรมนี ฯลฯ ) แสดงให้เห็นชีวิตและการทำงานของประชาชนการต่อสู้เพื่อสิทธิของตนและกล่าวถึงเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุด ประวัติศาสตร์แห่งชาติ, สร้าง ภาพที่สดใส คนธรรมดาและขั้นสูง บุคคลสาธารณะ; ในหลายประเทศ มีโรงเรียนที่มีภูมิทัศน์สมจริงระดับชาติเกิดขึ้น มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียภาพของรัสเซียมีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงในการวิพากษ์วิจารณ์สังคม พรรคเดโมแครตปฏิวัติภาพวาดของนักเดินทางและศิลปินที่อยู่ใกล้พวกเขา - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan

ถึง ศูนย์รวมทางศิลปะโลกโดยรอบในความเป็นธรรมชาติและความแปรปรวนอย่างต่อเนื่องเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1870 จิตรกรรมแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas ในฝรั่งเศส) ซึ่งได้ปรับปรุงเทคนิคและวิธีการจัดพื้นผิวภาพ เผยความงามของสีและพื้นผิวที่บริสุทธิ์ ผลกระทบ ในศตวรรษที่ 19 ในยุโรป การวาดภาพสีน้ำมันแบบขาตั้งมีความโดดเด่น เทคนิคในหลายกรณีได้รับลักษณะเฉพาะตัวและเป็นอิสระ ค่อยๆ สูญเสียระบบที่เข้มงวดโดยธรรมชาติ (ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการแพร่กระจายของสีที่ผลิตจากโรงงานใหม่) จานสีขยายออก (สร้างเม็ดสีและสารยึดเกาะใหม่); แทนที่จะเป็นดินสีเข้มเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ดินสีขาวถูกนำกลับมาใช้ใหม่ ภาพวาดตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่ใช้ในศตวรรษที่ 19 กาวหรือสีน้ำมันเกือบทั้งหมดตกอยู่ในสภาพทรุดโทรม ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีความพยายามที่จะฟื้นคืนชีพ ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่และการผสานงานจิตรกรรมประเภทต่างๆ เข้ากับผลงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และสถาปัตยกรรมเข้าด้วยกันเป็นชุดเดียว (โดยเฉพาะในงานศิลปะ "สมัยใหม่") วิธีการทางเทคนิคกำลังได้รับการปรับปรุงอย่างยิ่งใหญ่ ภาพวาดตกแต่งกำลังพัฒนาเทคนิคการพ่นสีซิลิเกต

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX - XX พัฒนาการของการวาดภาพมีความซับซ้อนและขัดแย้งกันเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่าง ๆ อยู่ร่วมกันและต่อสู้ดิ้นรน แรงบันดาลใจจากอุดมคติ การปฏิวัติเดือนตุลาคมพ.ศ.2460 ติดอาวุธด้วยวิธีการ สัจนิยมสังคมนิยมการวาดภาพมีการพัฒนาอย่างเข้มข้นในสหภาพโซเวียตและอื่นๆ ประเทศสังคมนิยม. สำนักจิตรกรรมแห่งใหม่กำลังเกิดขึ้นในประเทศต่างๆ ในเอเชีย แอฟริกา ออสเตรเลีย และละตินอเมริกา

ภาพวาดที่สมจริง ปลาย XIX- ศตวรรษที่ XX โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและแสดงให้โลกเห็นถึงความขัดแย้งทั้งหมดเพื่อเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการลึก ๆ ที่เกิดขึ้นในความเป็นจริงทางสังคมซึ่งบางครั้งก็ไม่มีลักษณะที่มองเห็นได้เพียงพอ การสะท้อนและการตีความปรากฏการณ์ต่างๆ ของความเป็นจริงมักจะมีลักษณะเชิงอัตวิสัยและเป็นสัญลักษณ์ จิตรกรรมแห่งศตวรรษที่ 20 นอกเหนือจากวิธีการพรรณนาเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มองเห็นได้ด้วยตาเปล่าแล้ว เขายังใช้หลักการตีความโลกที่มองเห็นแบบเดิมๆ (เช่นเดียวกับที่ย้อนหลังไปถึงสมัยโบราณ) อย่างกว้างขวาง มีอยู่ในภาพวาดหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) และส่วนหนึ่งในภาพวาด "สมัยใหม่" มีคุณลักษณะปรากฏออกมาซึ่งกำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวบางอย่างของวันที่ 20 ศตวรรษ. (การแสดงออกอย่างกระตือรือร้นของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกอารมณ์และความเชื่อมโยงของสีซึ่งมีความสัมพันธ์เพียงเล็กน้อยกับความสัมพันธ์ที่มีสีสันตามธรรมชาติรูปแบบที่เกินจริงการตกแต่ง) โลกถูกตีความในรูปแบบใหม่ในงานศิลปะของจิตรกรชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 - ในภาพวาดของ V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin

ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นจริงนั้นขัดแย้งกัน และมักจะรับรู้อย่างลึกซึ้งและแปลเป็นภาพวาด ศิลปินหลักประเทศทุนนิยม: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain ในฝรั่งเศส; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros ในเม็กซิโก; อาร์. กัตตูโซในอิตาลี; เจ. เบลโลว์ส, อาร์. เคนท์ ในสหรัฐอเมริกา ในภาพวาดนั้น ภาพวาดฝาผนังแผงที่งดงามแสดงความเข้าใจอย่างจริงใจเกี่ยวกับความขัดแย้งที่น่าเศร้าของความเป็นจริงซึ่งมักจะกลายเป็นการเปิดเผยถึงความผิดปกติของระบบทุนนิยม ที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจด้านสุนทรียะของยุค "เทคนิค" ใหม่คือการสะท้อนของความน่าสมเพชของความเป็นอุตสาหกรรมของชีวิตการแทรกซึมเข้าไปในการวาดภาพของรูปทรงเรขาคณิตรูปแบบ "เครื่องจักร" ซึ่งรูปแบบอินทรีย์มักจะลดลงการค้นหาผู้ที่ สอดคล้องกับโลกทัศน์ คนทันสมัยรูปแบบใหม่ๆ ที่สามารถนำไปใช้ในงานมัณฑนศิลป์ สถาปัตยกรรม และอุตสาหกรรมได้ แพร่หลายในการวาดภาพ ส่วนใหญ่ในประเทศทุนนิยมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ได้รับการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ต่าง ๆ สะท้อนให้เห็นถึงวิกฤตทั่วไปของวัฒนธรรมของสังคมชนชั้นกลาง อย่างไรก็ตาม การวาดภาพสมัยใหม่ยังสะท้อนปัญหา "ป่วย" ในยุคของเราทางอ้อมอีกด้วย ในภาพวาดของขบวนการสมัยใหม่จำนวนมาก (ลัทธิโฟวิสม์ ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิดาดานิยม และลัทธิเหนือจริงในภายหลัง) องค์ประกอบส่วนบุคคลของโลกที่มองเห็นได้ไม่มากก็น้อยจะกระจัดกระจายหรือถูกเรขาคณิต ปรากฏในการผสมผสานที่ไม่คาดคิด และบางครั้งก็ไร้เหตุผล ก่อให้เกิดการเชื่อมโยงมากมาย ผสานกับความบริสุทธิ์ รูปแบบนามธรรม. วิวัฒนาการเพิ่มเติมของการเคลื่อนไหวหลายอย่างนำไปสู่การละทิ้งการนำเสนอโดยสิ้นเชิง ไปสู่การเกิดขึ้นของจิตรกรรมนามธรรม (ดูศิลปะนามธรรม) ซึ่งถือเป็นการล่มสลายของการวาดภาพในฐานะวิธีการสะท้อนและทำความเข้าใจความเป็นจริง ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 60 ในยุโรปตะวันตกและอเมริกา บางครั้งการวาดภาพก็กลายเป็นองค์ประกอบหนึ่งของศิลปะป๊อปอาร์ต

ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของการวาดภาพอนุสาวรีย์และการตกแต่งทั้งเป็นรูปเป็นร่าง (เช่น การวาดภาพอนุสาวรีย์ประชาธิปไตยที่ปฏิวัติวงการในเม็กซิโก) และภาพวาดที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมักจะแบนราบซึ่งสอดคล้องกับรูปแบบทางเรขาคณิตของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่กำลังเพิ่มขึ้น

ในศตวรรษที่ 20 มีความสนใจเพิ่มขึ้นในการวิจัยในสาขาเทคนิคการทาสี (รวมถึงขี้ผึ้งและเทมเพอรา กำลังคิดค้นสีใหม่สำหรับการทาสีขนาดใหญ่ เช่น ซิลิโคน บนเรซินซิลิโคน ฯลฯ) แต่ยังคงมีชัยเหนือ ภาพวาดสีน้ำมัน.

ข้ามชาติ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับอุดมการณ์คอมมิวนิสต์กับหลักการของการเป็นสมาชิกพรรคและศิลปะแห่งชาติ แสดงให้เห็นขั้นตอนใหม่ในเชิงคุณภาพในการพัฒนาการวาดภาพ ซึ่งถูกกำหนดโดยชัยชนะของวิธีการสัจนิยมสังคมนิยม ในสหภาพโซเวียต การวาดภาพกำลังพัฒนาในทุกสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเอง และมีโรงเรียนการวาดภาพแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น ภาพวาดของโซเวียตมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความรู้สึกเฉียบแหลมของความเป็นจริง ความเป็นวัตถุของโลก และความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณของภาพ ความปรารถนาที่จะยอมรับความเป็นจริงของสังคมนิยมในความซับซ้อนและครบถ้วนทั้งหมดนำไปสู่การใช้หลายสิ่งหลายอย่าง แบบฟอร์มประเภทซึ่งเต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ แล้วตั้งแต่อายุ 20 ธีมการปฏิวัติประวัติศาสตร์ได้รับความสำคัญเป็นพิเศษ (ผืนผ้าใบโดย M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov) จากนั้นภาพวาดแสดงความรักชาติก็ปรากฏขึ้นโดยเล่าถึงอดีตที่กล้าหาญของรัสเซีย ละครประวัติศาสตร์ยอดเยี่ยม สงครามรักชาติพ.ศ. 2484-45 ความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณ คนโซเวียต.

ภาพบุคคลมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดของสหภาพโซเวียต: ภาพโดยรวมผู้คนจากประชาชนผู้เข้าร่วมในการปฏิรูปชีวิต (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky ฯลฯ ); ภาพบุคคลทางจิตวิทยา, แสดงโลกภายใน, การแต่งหน้าทางจิตวิญญาณของบุคคลโซเวียต (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin ฯลฯ )

วิถีชีวิตทั่วไป คนโซเวียตสะท้อนให้เห็นในการวาดภาพประเภทต่างๆ ซึ่งให้ภาพลักษณ์ที่สดใสของบทกวีของผู้คนใหม่ ๆ และวิถีชีวิตใหม่ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตโดดเด่นด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการก่อสร้างสังคมนิยม (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya ฯลฯ ) การยืนยันสุนทรียศาสตร์ของรูปแบบชีวิตที่เป็นเอกลักษณ์ของสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเองเป็นรากฐานของโรงเรียนแห่งชาติที่พัฒนาขึ้นในภาพวาดของสหภาพโซเวียต (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev ฯลฯ ) ซึ่งเป็นตัวแทนของส่วนประกอบของหนึ่งเดียว วัฒนธรรมทางศิลปะสังคมสังคมนิยมโซเวียต

ใน จิตรกรรมภูมิทัศน์ เช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ระดับชาติ ประเพณีทางศิลปะบวกกับการค้นหาสิ่งใหม่ๆด้วย ความรู้สึกที่ทันสมัยธรรมชาติ. แนวโคลงสั้น ๆ ของการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin ฯลฯ ) ได้รับการเสริมด้วยการพัฒนา ภูมิทัศน์อุตสาหกรรมด้วยจังหวะที่รวดเร็วพร้อมลวดลายของธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลง (B. N. Yakovlev, G. G. Nissky) ระดับสูงประสบความสำเร็จในการวาดภาพหุ่นนิ่ง (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan)

วิวัฒนาการของหน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพนั้นมาพร้อมกับ การพัฒนาทั่วไปวัฒนธรรมที่งดงาม ภายในขอบเขตของวิธีการเหมือนจริงเพียงวิธีเดียว การวาดภาพของโซเวียตทำให้เกิดความหลากหลาย รูปแบบศิลปะ, เทคนิค, สไตล์ของแต่ละบุคคล. ขอบเขตการก่อสร้างที่กว้าง การสร้างขนาดใหญ่ อาคารสาธารณะและวงดนตรีที่ระลึกมีส่วนในการพัฒนาภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ผลงานของ V. A. Favoritesky, E. E. Lansere, P. D. Korin) การฟื้นฟูเทคนิคการวาดภาพอุบาทว์ จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสค ในยุค 60 - ต้นยุค 80 อิทธิพลร่วมกันของการวาดภาพแบบอนุสาวรีย์และขาตั้งมีความเข้มข้นมากขึ้น ความปรารถนาที่จะใช้ประโยชน์สูงสุดและเสริมสร้างวิธีการวาดภาพที่แสดงออกเพิ่มขึ้น (ดูสหภาพสาธารณรัฐสังคมนิยมโซเวียต และบทความเกี่ยวกับสาธารณรัฐสหภาพโซเวียต)

วรรณกรรมแปล: VII, เล่ม 1-6, ม., 1956-66; ไออาร์ไอ เล่ม 1-13 ม. 2496-69; K. Yuon เกี่ยวกับการวาดภาพ [M.-L.], 1937; D. I. Kiplik เทคนิคการวาดภาพ M.-L. , 1950; A. Kamensky ถึงผู้ชมเกี่ยวกับการวาดภาพ M. , 1959; B. Slansky เทคนิคการวาดภาพ ทรานส์ จากเช็ก, ม., 2505; G. A. Nedoshivin บทสนทนาเกี่ยวกับการวาดภาพ M. , 1964; B. R. Vipper, บทความเกี่ยวกับศิลปะ, M. , 1970; Ward J. ประวัติศาสตร์และวิธีการวาดภาพสีโบราณและสมัยใหม่ v. 1-4, ล., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L. จิตรกรรมและจิตรกร คลีฟแลนด์ 2506; Cogniat R., Histoire de la peinture, ที. 1-2, ป., 2507; บาร์รอน เจ. เอ็น. ภาษาแห่งการวาดภาพ คลีฟแลนด์ ; Nicolaus K. Handbuch der Gemaldekunde ของ DuMont, Köln, 1979

จิตรกรรมมีความโดดเด่นด้วยประเภทและประเภทที่หลากหลาย แต่ละประเภทจะถูกจำกัดตามช่วงของหัวข้อ: รูปภาพของบุคคล (ภาพบุคคล) โลกโดยรอบ (ทิวทัศน์) ฯลฯ
พันธุ์ (ประเภท) ของการวาดภาพแตกต่างกันไปตามวัตถุประสงค์

ในเรื่องนี้ภาพวาดมีหลายประเภทซึ่งเราจะพูดถึงในวันนี้

การวาดภาพขาตั้ง

ประเภทของการวาดภาพที่ได้รับความนิยมและมีชื่อเสียงที่สุดคือการวาดภาพขาตั้ง มันถูกเรียกเช่นนี้เพราะมันทำบนเครื่อง - ขาตั้ง ฐานเป็นไม้ กระดาษแข็ง กระดาษ แต่ส่วนใหญ่มักขึงผ้าใบไว้บนเปล การวาดภาพขาตั้งเป็นงานอิสระที่สร้างขึ้นในประเภทเฉพาะ มันมีสีสันมากมาย

สีน้ำมัน

ส่วนใหญ่แล้วการวาดภาพขาตั้งมักทำด้วยสีน้ำมัน คุณสามารถใช้สีน้ำมันบนผ้าใบ ไม้ กระดาษแข็ง กระดาษ และโลหะได้

สีน้ำมัน
สีน้ำมันเป็นสารแขวนลอยของเม็ดสีอนินทรีย์และสารตัวเติมในการทำให้แห้ง น้ำมันพืชหรือน้ำมันอบแห้งหรือขึ้นอยู่กับอัลคิดเรซิน บางครั้งมีการเติมสารเสริม ใช้ในการทาสีหรือทาสีไม้ โลหะ และพื้นผิวอื่นๆ

V. Perov "ภาพเหมือนของ Dostoevsky" (2415) ผ้าใบ, สีน้ำมัน
แต่ภาพที่งดงามก็สามารถสร้างได้โดยใช้สีเทมเพอรา สีกวอช สีพาสเทล และสีน้ำ

สีน้ำ

สีน้ำ

สีน้ำ (French Aquarelle - watery; Italian acquarello) เป็นเทคนิคการวาดภาพที่ใช้ความพิเศษ สีน้ำ. เมื่อละลายในน้ำจะก่อตัวเป็นเม็ดสีละเอียดที่แขวนลอยอย่างโปร่งใส ซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ของความสว่าง ความโปร่งสบาย และการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อน

เจ. เทิร์นเนอร์ “Firvaldstät Lake” (1802) สีน้ำ. เทต บริเทน (ลอนดอน)

สีโกวเช่

Gouache (French Gouache, สีน้ำกัวซโซของอิตาลี, สแปลช) เป็นสีที่ละลายน้ำได้และมีกาวซึ่งมีความหนาแน่นมากกว่าและเคลือบด้านมากกว่าสีน้ำ

สี Gouache
สี Gouache ทำจากเม็ดสีและกาวโดยเติมสีขาว ส่วนผสมของสีขาวทำให้ gouache มีคุณภาพที่นุ่มนวล แต่เมื่อแห้งสีจะค่อนข้างขาวขึ้น (จางลง) ซึ่งศิลปินจะต้องคำนึงถึงในระหว่างขั้นตอนการวาดภาพ การใช้สี gouache คุณสามารถปกปิดโทนสีเข้มด้วยสีอ่อนได้

Vincent Van Gogh "ทางเดินที่ Asulum" (ชอล์กสีดำและ gouache บนกระดาษสีชมพู)

สีพาสเทล [e]

สีพาสเทล (จากละตินพาสต้า – แป้ง) – วัสดุศิลปะใช้ในกราฟิกและการวาดภาพ ส่วนใหญ่มักมาในรูปแบบดินสอสีหรือดินสอไม่มีขอบ มีรูปร่างคล้ายแท่งที่มีหน้าตัดกลมหรือสี่เหลี่ยม สีพาสมีสามประเภท: แห้ง สีน้ำมัน และแว็กซ์

I. Levitan “หุบเขาแม่น้ำ” (สีพาสเทล)

เทมเพอรา

Tempera (อุบาทว์ของอิตาลีจาก Temperare ละติน - เพื่อผสมสี) - สีน้ำที่เตรียมจากเม็ดสีผงแห้ง สารยึดเกาะสำหรับสีอุบาทว์คือไข่แดงที่เจือจางด้วยน้ำ ไข่ไก่หรือไข่ทั้งฟอง
สีเทมเพอราเป็นหนึ่งในสีที่เก่าแก่ที่สุด ก่อนการประดิษฐ์และเผยแพร่สีน้ำมันจนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 15-17 สีฝุ่นเป็นวัสดุหลักในการวาดภาพขาตั้ง พวกมันถูกใช้มานานกว่า 3 พันปี ภาพวาดโลงศพที่มีชื่อเสียงของฟาโรห์อียิปต์โบราณทำด้วยสีอุบาทว์ การวาดภาพเทมเพอราทำโดยปรมาจารย์ชาวไบแซนไทน์เป็นหลัก ในรัสเซียเทคนิคการวาดภาพอุบาทว์มีความโดดเด่นจนกระทั่ง ปลาย XVIIวี.

R. Streltsov “ ดอกคาโมไมล์และไวโอเล็ต” (อุณหภูมิ)

ฉุนเฉียว

Encaustic (มาจากภาษากรีกโบราณ ἐγκαυστική - ศิลปะแห่งการเผาไหม้) เป็นเทคนิคการวาดภาพที่ใช้ขี้ผึ้งเป็นตัวประสานสี การทาสีเสร็จสิ้นด้วยสีที่หลอมละลาย ไอคอนคริสเตียนยุคแรกจำนวนมากถูกทาสีโดยใช้เทคนิคนี้ มีต้นกำเนิดในสมัยกรีกโบราณ

"นางฟ้า". เทคนิค Encaustic

เราดึงความสนใจของคุณไปที่ความจริงที่ว่าคุณสามารถค้นหาการจำแนกประเภทอื่นได้ ตามสีน้ำ gouache และเทคนิคอื่น ๆ ที่ใช้กระดาษและสีน้ำจัดอยู่ในประเภทกราฟิก พวกเขารวมคุณสมบัติของการวาดภาพ (ความมีชีวิตชีวาของโทนสีการสร้างรูปแบบและพื้นที่ด้วยสี) และกราฟิก (บทบาทที่ใช้งานของกระดาษในการสร้างภาพการขาดลักษณะเฉพาะของพู่กันของพื้นผิวการวาดภาพ)

จิตรกรรมอนุสาวรีย์

จิตรกรรมอนุสรณ์สถาน – จิตรกรรมบน โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมหรือเหตุผลอื่นๆ นี้ สายพันธุ์ที่เก่าแก่ที่สุดจิตรกรรมที่รู้จักตั้งแต่ยุคหินเก่า ด้วยความคงตัวและความทนทาน ทำให้มีตัวอย่างมากมายที่ยังคงอยู่ในเกือบทุกวัฒนธรรมที่สร้างสถาปัตยกรรมที่พัฒนาแล้ว เทคนิคหลักของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ ได้แก่ จิตรกรรมฝาผนัง, เซคโก, โมเสก, กระจกสี

ปูนเปียก

Fresco (จากอิตาลี fresco - สด) - จิตรกรรมบน ปูนปลาสเตอร์เปียกสีน้ำ หนึ่งในเทคนิคการทาสีผนัง เมื่อแห้ง ปูนขาวที่อยู่ในปูนปลาสเตอร์จะเกิดเป็นฟิล์มแคลเซียมใสบางๆ ทำให้ปูนเปียกมีความคงทน
ปูนเปียกมีพื้นผิวด้านที่สวยงามและทนทานในสภาพภายในอาคาร

อาราม Gelati (จอร์เจีย) คริสตจักร พระมารดาศักดิ์สิทธิ์ของพระเจ้า. ภาพปูนเปียกที่ด้านบนและด้านใต้ของ Arc de Triomphe

เซ็กโก้

และ secco (จากภาษาอิตาลีว่า secco - dry) คือการทาสีผนังซึ่งดำเนินการต่างจากจิตรกรรมฝาผนังบนปูนปลาสเตอร์ที่แข็งและแห้งแล้วชุบใหม่ ใช้สีทากาวผัก ไข่ หรือผสมกับมะนาว Secco ช่วยให้คุณสามารถทาสีพื้นที่ผิวต่อวันได้มากขึ้นกว่าปกติ จิตรกรรมฝาผนังแต่ไม่ใช่เทคนิคที่คงทนขนาดนั้น
เทคนิค secco พัฒนาขึ้นในการวาดภาพยุคกลางร่วมกับจิตรกรรมฝาผนัง และแพร่หลายโดยเฉพาะในยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 17-18

เลโอนาร์โด ดา วินชี” พระกระยาหารมื้อสุดท้าย(1498) เทคนิค a secco

โมเสก

โมเสก (โมเสกฝรั่งเศส, โมเสกอิตาลีจากภาษาละติน (บทประพันธ์) musivum – (งาน) อุทิศให้กับรำพึง) - ศิลปะและงานฝีมือและ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ประเภทที่แตกต่างกัน ภาพในโมเสกเกิดขึ้นจากการจัดเรียง ติดตั้ง และติดหินหลากสี กระเบื้องเซรามิค และวัสดุอื่นๆ บนพื้นผิว

แผงโมเสค "แมว"

กระจกสี

กระจกสี (French vitre - กระจกหน้าต่างจากภาษาละติน vitrum - แก้ว) เป็นงานกระจกสี กระจกสีถูกนำมาใช้ในโบสถ์มาเป็นเวลานาน ในช่วงยุคเรอเนซองส์ กระจกสีมีอยู่เป็นภาพวาดบนกระจก

หน้าต่างกระจกสีของ Mezhsoyuzny Palace of Culture (Murmansk)
ประเภทของการวาดภาพยังรวมถึงภาพสามมิติและภาพพาโนรามาด้วย

ภาพสามมิติ

การสร้างภาพสามมิติ "พายุแห่งภูเขาสะปันเมื่อวันที่ 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2487" ในเซวาสโทพอล
ภาพสามมิติ - รูปทรงริบบิ้นโค้งเป็นครึ่งวงกลม จิตรกรรมทิวทัศน์กับวัตถุเบื้องหน้า ภาพลวงตาของการมีอยู่ของผู้ชมในพื้นที่ธรรมชาติถูกสร้างขึ้น ซึ่งเกิดขึ้นได้จากการสังเคราะห์ทางศิลปะและ วิธีการทางเทคนิค.
ภาพสามมิติได้รับการออกแบบสำหรับแสงประดิษฐ์และส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในศาลาพิเศษ ภาพสามมิติส่วนใหญ่จะเน้นไปที่การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ
ไดโอราม่าที่มีชื่อเสียงที่สุด: "พายุแห่งภูเขาซาปัน" (เซวาสโทพอล), "การป้องกันเซวาสโทพอล" (เซวาสโทพอล), "การต่อสู้เพื่อ Rzhev" (Rzhev), "การบุกโจมตีเลนินกราด" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก), "พายุแห่งเบอร์ลิน ” (มอสโก) ฯลฯ

พาโนรามา

ในการวาดภาพ ภาพพาโนรามาคือภาพที่มีมุมมองเป็นวงกลม โดยที่พื้นหลังภาพเรียบจะรวมเข้ากับวัตถุสามมิติเบื้องหน้า พาโนรามาสร้างภาพลวงตาของพื้นที่จริงที่ล้อมรอบผู้ชมเป็นวงกลมเต็มขอบฟ้า ภาพพาโนรามาใช้เพื่อบรรยายเหตุการณ์ต่างๆ ที่ครอบคลุมพื้นที่ขนาดใหญ่เป็นหลัก จำนวนมากผู้เข้าร่วม.

พิพิธภัณฑ์พาโนรามา "ยุทธการโบโรดิโน" (อาคารพิพิธภัณฑ์)
ในรัสเซีย ภาพพาโนรามาที่มีชื่อเสียงที่สุดคือพิพิธภัณฑ์พาโนรามา "Battle of Borodino", "Battle of Volochaev", "ความพ่ายแพ้ของกองทหารนาซีที่สตาลินกราด" ในพิพิธภัณฑ์พาโนรามา "Battle of Stalingrad", "Defense of Sevastopol" ภาพพาโนรามาของ รถไฟทรานส์ไซบีเรีย

ฟรานซ์ รูโบ. ผ้าใบพาโนรามา “Battle of Borodino”

จิตรกรรมละครและการตกแต่ง

ทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า อุปกรณ์ประกอบฉาก ช่วยในการเปิดเผยเนื้อหาของการแสดง (ภาพยนตร์) เพิ่มเติม ทิวทัศน์ช่วยให้เข้าใจสถานที่และเวลาของการแสดง และกระตุ้นการรับรู้ของผู้ชมถึงสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ศิลปินละครมุ่งมั่นในการสเก็ตช์เครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าเพื่อแสดงลักษณะเฉพาะตัวของตัวละครอย่างชัดเจน สถานะทางสังคมสไตล์แห่งยุค และอื่นๆ อีกมากมาย
ในรัสเซีย ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ในเวลานี้งานเริ่มขึ้นในโรงละคร ศิลปินที่โดดเด่นศศ.ม. วรูเบล, วี.เอ็ม. Vasnetsov, A.Y. โกโลวิน, แอล.เอส. บาสท์, เอ็น.เค. โรริช.

M. Vrubel “เมืองอมยิ้ม” ออกแบบฉากโอเปร่าโดย N.A. "The Tale of Tsar Saltan" ของ Rimsky-Korsakov สำหรับโรงอุปรากรส่วนตัวของรัสเซียในมอสโก (1900)

จิ๋ว

งานจิ๋วคืองานภาพในรูปแบบขนาดเล็ก สิ่งที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษคือแนวตั้งขนาดเล็ก - แนวตั้งในรูปแบบขนาดเล็ก (จาก 1.5 ถึง 20 ซม.) โดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนในการเขียนพิเศษเทคนิคการดำเนินการที่เป็นเอกลักษณ์และการใช้วิธีการที่มีอยู่ในรูปแบบภาพนี้เท่านั้น
ประเภทและรูปแบบของเพชรประดับนั้นมีความหลากหลายมาก: เขียนด้วยกระดาษ parchment, กระดาษ, กระดาษแข็ง, งาช้างบนโลหะและเครื่องเคลือบดินเผาโดยใช้สีน้ำ gouache สีเคลือบศิลปะพิเศษหรือสีน้ำมัน ผู้เขียนสามารถจารึกภาพลงในวงกลม, วงรี, สี่เหลี่ยมขนมเปียกปูน, แปดเหลี่ยม ฯลฯ ตามการตัดสินใจของเขาหรือตามคำขอของลูกค้า ภาพบุคคลจิ๋วแบบคลาสสิกถือเป็นภาพย่อส่วนที่สร้างขึ้นบนแผ่นงาช้างบาง ๆ

จักรพรรดินิโคลัสที่ 1 ชิ้นส่วนของจิ๋ว โดย G. Morselli
มีเทคนิคเล็กๆ น้อยๆ หลายประการ

แล็กเกอร์จิ๋ว (Fedoskino)

ภาพย่อส่วนพร้อมรูปเหมือนของเจ้าหญิง Zinaida Nikolaevna (เครื่องประดับ Jusupov)

จิตรกรรม

(จากภาษารัสเซียที่มีชีวิตชีวาและเขียน) - ศิลปกรรมประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ภาพวาด ภาพวาดสะท้อนความเป็นจริงได้อย่างเต็มที่และสมจริงที่สุด

งานศิลปะที่ทำด้วยสี (น้ำมัน เทมเพอรา สีน้ำ gouache ฯลฯ) ที่ทาบนพื้นผิวแข็งใดๆ เรียกว่าจิตรกรรม หลัก วิธีการแสดงออกการวาดภาพ - สีความสามารถในการกระตุ้นความรู้สึกต่างๆการเชื่อมโยงช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ โดยปกติแล้วศิลปินจะวาดสีที่จำเป็นสำหรับการวาดภาพบนจานสี จากนั้นเปลี่ยนสีให้เป็นสีบนระนาบการวาดภาพ โดยสร้างลำดับสี - การระบายสี ตามลักษณะของการผสมสี อาจเป็นสีที่อบอุ่นและเย็น ร่าเริงและเศร้า สงบและตึงเครียด สว่างและมืดมน

ภาพในภาพวาดนั้นมองเห็นได้ชัดเจนและน่าเชื่อถือมาก จิตรกรรมสามารถสื่อถึงปริมาตรและพื้นที่ ธรรมชาติ และการเปิดเผยได้ โลกที่ซับซ้อน ความรู้สึกของมนุษย์และตัวละคร รวบรวมความคิดของมนุษย์สากล เหตุการณ์ในอดีต ประวัติศาสตร์ ภาพในตำนานและเที่ยวบินแห่งจินตนาการ

การวาดภาพแบ่งออกเป็นขาตั้งและอนุสาวรีย์ ศิลปินวาดภาพบนผืนผ้าใบที่ขึงบนเปลหามและติดตั้งบนขาตั้งซึ่งอาจเรียกได้ว่าเป็นเครื่องจักรก็ได้ จึงเป็นที่มาของชื่อ “ภาพวาดขาตั้ง”

และคำว่า "อนุสาวรีย์" เองก็พูดถึงบางสิ่งที่ยิ่งใหญ่และสำคัญ จิตรกรรมอนุสาวรีย์คือ ภาพวาดขนาดใหญ่บนผนังภายในหรือภายนอกอาคาร (จิตรกรรมฝาผนัง แผง ฯลฯ ) ไม่สามารถแยกงานจิตรกรรมขนาดใหญ่ออกจากฐานได้ (ผนัง ส่วนรองรับ เพดาน ฯลฯ) ธีมที่เลือกสำหรับภาพวาดอนุสาวรีย์ก็มีความสำคัญเช่นกัน: เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์, การกระทำที่กล้าหาญ, นิทานพื้นบ้านฯลฯ ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการวาดภาพอนุสาวรีย์คือกระเบื้องโมเสคและกระจกสีซึ่งสามารถจำแนกได้เป็น ศิลปะการตกแต่ง. สิ่งสำคัญที่นี่คือความสำเร็จของความสามัคคีทางโวหารและเป็นรูปเป็นร่างของจิตรกรรมและสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นการสังเคราะห์ศิลปะ

จำเป็นต้องแยกแยะระหว่างจิตรกรรมประเภทต่างๆ เช่น ภาพวาดตกแต่ง ภาพวาดไอคอน ภาพวาดขนาดจิ๋ว และภาพวาดละครและการตกแต่ง ภาพวาดแต่ละประเภทมีความโดดเด่นด้วยการดำเนินการทางเทคนิคเฉพาะและการแก้ปัญหาทางศิลปะและเป็นรูปเป็นร่าง

ต่างจากการวาดภาพในฐานะวิจิตรศิลป์ประเภทอิสระ วิธีการวาดภาพ (วิธีการ) สามารถนำไปใช้ในประเภทอื่นๆ ได้ เช่น ในการวาดภาพ กราฟิก และแม้แต่ในประติมากรรม แก่นแท้ของแนวทางการถ่ายภาพคือการพรรณนาวัตถุที่มีความสัมพันธ์กับสภาพแวดล้อมแสงและอากาศเชิงพื้นที่โดยรอบ ด้วยการไล่ระดับการเปลี่ยนโทนสีที่ละเอียดอ่อน

วัตถุและเหตุการณ์ที่หลากหลายของโลกโดยรอบความสนใจอย่างแรงกล้าของศิลปินในตัวสิ่งเหล่านี้นำไปสู่การเกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 17-20 ประเภทของจิตรกรรม: ภาพเหมือน, ภาพหุ่นนิ่ง, ทิวทัศน์, สัตว์, ในชีวิตประจำวัน ( จิตรกรรมประเภท) ประเภทตำนาน ประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ในงานศิลปะอาจมีการผสมผสานประเภทหรือองค์ประกอบต่างๆ ตัวอย่างเช่น หุ่นนิ่งหรือทิวทัศน์สามารถเสริมภาพแนวตั้งได้สำเร็จ

ตามเทคนิคทางเทคนิคและวัสดุที่ใช้ การทาสี สามารถแบ่งได้เป็นประเภทต่างๆ ดังนี้ น้ำมัน เทมเพอรา แว็กซ์ (encaustic) เคลือบฟัน กาว สีน้ำบนปูนปลาสเตอร์เปียก (ปูนเปียก) เป็นต้น ในบางกรณีอาจทำได้ยาก แยกภาพวาดออกจากกราฟิก ผลงานที่ทำด้วยสีน้ำ สี gouache และสีพาสเทลสามารถเกี่ยวข้องกับทั้งการวาดภาพและกราฟิก

การทาสีอาจเป็นชั้นเดียว เสร็จทันที หรือหลายชั้น รวมถึงการทาสีด้านล่างและการเคลือบ ชั้นสีโปร่งใสและโปร่งแสงที่ใช้กับชั้นสีแห้ง สิ่งนี้ทำให้ได้ความแตกต่างและเฉดสีที่ดีที่สุด

โดยวิธีการที่สำคัญ การแสดงออกทางศิลปะในการวาดภาพ นอกเหนือจากสี [สี] จุดและลักษณะของลายเส้น การรักษาพื้นผิวสี (พื้นผิว) ค่าที่แสดงการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในโทนสีขึ้นอยู่กับแสง การสะท้อนกลับที่ปรากฏจากการโต้ตอบ ของสีที่อยู่ติดกัน

การสร้างปริมาตรและพื้นที่ในการทาสีสัมพันธ์กับเส้นตรงและ มุมมองทางอากาศคุณสมบัติเชิงพื้นที่ของสีโทนอุ่นและสีเย็น การสร้างแบบจำลองแสงและเงา การส่งผ่านโทนสีโดยรวมของผืนผ้าใบ ในการสร้างภาพนอกจากสีแล้วคุณยังต้องมี การวาดภาพที่ดีและองค์ประกอบที่แสดงออก ตามกฎแล้วศิลปินเริ่มทำงานบนผืนผ้าใบโดยค้นหาวิธีแก้ปัญหาที่ประสบความสำเร็จสูงสุดในภาพร่าง จากนั้นในการศึกษาเกี่ยวกับภาพในชีวิตหลายครั้ง เขาได้ค้นหาองค์ประกอบที่จำเป็นขององค์ประกอบภาพ งานจิตรกรรมสามารถเริ่มต้นด้วยการวาดองค์ประกอบด้วยแปรง การทาสีด้านล่าง และการวาดภาพบนผืนผ้าใบโดยตรงโดยใช้วิธีการถ่ายภาพอย่างใดอย่างหนึ่ง ยิ่งกว่านั้นแม้แต่ภาพร่างและภาพร่างขั้นเตรียมการบางครั้งก็มีความเป็นอิสระ คุณค่าทางศิลปะโดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นพู่กันของจิตรกรชื่อดัง

การวาดภาพเป็นศิลปะที่เก่าแก่มากซึ่งมีวิวัฒนาการมาหลายศตวรรษตั้งแต่ภาพเขียนหินยุคหินเก่าไปจนถึงเทรนด์ล่าสุดในการวาดภาพในศตวรรษที่ 20 การวาดภาพมีความเป็นไปได้มากมายในการบรรลุแนวคิดต่างๆ ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงนามธรรม สมบัติทางจิตวิญญาณขนาดมหึมาได้ถูกสะสมไว้ระหว่างการพัฒนา

ในสมัยโบราณ มีความปรารถนาที่จะสร้างโลกแห่งความเป็นจริงตามที่บุคคลมองเห็น สิ่งนี้ทำให้เกิดการเกิดขึ้นของหลักการของไคอาโรสคูโร องค์ประกอบของเปอร์สเปคทีฟ และการเกิดขึ้นของภาพเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ ความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการนำเสนอความเป็นจริงผ่านวิธีการทางภาพได้เปิดกว้างขึ้น ภาพวาดใช้ตกแต่งวัด ที่อยู่อาศัย สุสาน และสิ่งปลูกสร้างอื่นๆ และเป็นศิลปะที่มีเอกภาพทางศิลปะกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม

จิตรกรรมยุคกลางมีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาเป็นส่วนใหญ่ มันโดดเด่นด้วยการแสดงออกของเสียงดังซึ่งส่วนใหญ่เป็นสีท้องถิ่นและการแสดงออกของรูปทรง

ตามกฎแล้วพื้นหลังของจิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดนั้นเป็นแบบธรรมดานามธรรมหรือสีทองซึ่งรวบรวมความคิดอันศักดิ์สิทธิ์ด้วยการริบหรี่อันลึกลับ บทบาทที่สำคัญสัญลักษณ์ของการเล่นสี

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มีความรู้สึกถึงความกลมกลืนของจักรวาล มนุษย์เป็นศูนย์กลางของการผสมสีที่บริสุทธิ์ และผลกระทบของการถ่ายโอนพื้นผิว ศิลปินออกไปวาดภาพเขียนในที่โล่ง

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX-XX พัฒนาการด้านจิตรกรรมมีความซับซ้อนและขัดแย้งเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่างๆ กำลังได้รับสิทธิ์ในการดำรงอยู่

ปรากฏขึ้น จิตรกรรมนามธรรม(ดูเปรี้ยวจี๊ด, ศิลปะนามธรรม, อันเดอร์กราวด์) ซึ่งแสดงถึงการปฏิเสธรูปลักษณ์และการแสดงออกอย่างแข็งขันของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลก อารมณ์และธรรมเนียมของสี การพูดเกินจริงและรูปทรงเรขาคณิตของรูปแบบ การตกแต่งและการเชื่อมโยงของการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบ

ในศตวรรษที่ 20 การค้นหาสีใหม่และวิธีการสร้างสรรค์ทางเทคนิคยังคงดำเนินต่อไป ภาพวาดซึ่งจะนำไปสู่การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ในการวาดภาพอย่างไม่ต้องสงสัย แต่การวาดภาพสีน้ำมันยังคงเป็นหนึ่งในเทคนิคที่ศิลปินชื่นชอบมากที่สุด

กระบวนการพัฒนาจิตรกรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17 - 18 มีความซับซ้อนมากขึ้น โรงเรียนระดับชาติก็ถือกำเนิดขึ้น แต่ละโรงเรียนมีประเพณีและคุณลักษณะเฉพาะของตัวเอง จิตรกรรมประกาศอุดมคติทางสังคมและแพ่งใหม่ ปัญหาทางจิต และความรู้สึกของความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันระหว่างบุคคลกับโลกโดยรอบที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น การดึงดูดความหลากหลายของชีวิตจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของบุคคลนำไปสู่การสร้างระบบประเภทที่ชัดเจน: ภูมิทัศน์, หุ่นนิ่ง, แนวตั้ง, ประเภทประจำวันเป็นต้น ระบบการลงสีต่างๆ เกิดขึ้น เช่น การลงสีแบบบาโรกแบบไดนามิกที่มีลักษณะเป็นองค์ประกอบแบบเกลียวเปิด การวาดภาพโรโคโคด้วยการเล่นสีและโทนสีอ่อนอันงดงาม จิตรกรรมแนวคลาสสิคด้วยการออกแบบที่ชัดเจน เข้มงวด และชัดเจน

ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพมีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตสาธารณะ การวาดภาพแนวยวนใจมีความโดดเด่นด้วยความสนใจอย่างแข็งขันในเหตุการณ์ที่น่าทึ่งของประวัติศาสตร์และความทันสมัย ​​ความแตกต่างของแสงและเงา และความสมบูรณ์ของสี

บทนำ…………………………………………………………………….3

1.การวาดภาพเป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะ…………………………………………….4

2. ประเภทของวิจิตรศิลป์ – กราฟิก……………………………4

3. ศิลปะรูปแบบโบราณ - ประติมากรรม………...6

4.สถาปัตยกรรม - ศิลปะของการออกแบบและการก่อสร้าง………………7

5. ทิศทางหลักและเทคนิคของศิลปะร่วมสมัย…………..9

6. ศิลปะจลนศาสตร์……………………………………………..14

บทสรุป…………………………………………………………….16

รายการอ้างอิง………………………………………………………...17

การแนะนำ

แนวคิดของ “ศิลปะ” คือ ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะโดยทั่วไป ได้แก่ วรรณคดี สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม ภาพกราฟิก ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ดนตรี การเต้นรำ การละคร ภาพยนตร์ และกิจกรรมอื่น ๆ ของมนุษย์ รวมกันเป็นรูปแบบศิลปะและเป็นรูปสะท้อนของ ความเป็นจริง

ในประวัติศาสตร์ของสุนทรียศาสตร์ แก่นแท้ของศิลปะถูกตีความว่าเป็นการเลียนแบบ (การเลียนแบบ) การแสดงออกทางความรู้สึกของประสาทสัมผัสเหนือธรรมชาติ และอื่นๆ ในทำนองเดียวกัน

สุนทรียศาสตร์ถือว่าศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคม ซึ่งเป็นรูปแบบเฉพาะของการดูดซึมทางจิตวิญญาณและการปฏิบัติของโลก เป็นเอกภาพของการสร้างสรรค์ ความรู้ ความชื่นชม และการสื่อสารของมนุษย์ในความหมายที่แคบ - วิจิตรศิลป์ ทักษะระดับสูง ความเชี่ยวชาญในกิจกรรมของมนุษย์ในด้านใด ๆ

ประเภทศิลปะหลัก: จิตรกรรม กราฟิก ประติมากรรม สถาปัตยกรรม วรรณกรรม ภาพยนตร์ ละคร

พิจารณาแนวคิดพื้นฐานของบางประเภท แนวโน้ม และเทคนิคของวิจิตรศิลป์สมัยใหม่

1. การวาดภาพเป็นรูปแบบศิลปะ

จิตรกรรมเป็นศิลปะที่เก่าแก่มากซึ่งมีวิวัฒนาการมาหลายศตวรรษตั้งแต่ภาพวาดหินไปจนถึงเทรนด์ล่าสุดในการวาดภาพในศตวรรษที่ 11 การวาดภาพมีความเป็นไปได้มากมายในการบรรลุแนวคิดต่างๆ ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงนามธรรม สมบัติทางจิตวิญญาณขนาดมหึมาได้ถูกสะสมไว้ระหว่างการพัฒนา

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX-XX พัฒนาการด้านจิตรกรรมมีความซับซ้อนและขัดแย้งเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่างๆ กำลังได้รับสิทธิ์ในการดำรงอยู่

ภาพวาดนามธรรมปรากฏขึ้น (เปรี้ยวจี๊ด, ศิลปะนามธรรม, ใต้ดิน) ซึ่งแสดงถึงการปฏิเสธความเป็นรูปเป็นร่างและการแสดงออกอย่างแข็งขันของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลก, อารมณ์และธรรมเนียมปฏิบัติของสี, การพูดเกินจริงและรูปทรงเรขาคณิตของรูปแบบ, การตกแต่งและ การเชื่อมโยงกันของการแก้ปัญหาเชิงประกอบ

ในศตวรรษที่ 20 การค้นหาสีใหม่และวิธีการทางเทคนิคในการสร้างภาพวาดยังคงดำเนินต่อไปซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่านำไปสู่การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ในการวาดภาพ แต่การวาดภาพสีน้ำมันยังคงเป็นหนึ่งในเทคนิคที่ศิลปินชื่นชอบมากที่สุด

2. ประเภทวิจิตรศิลป์ – กราฟิก

กราฟิก (จาก gr. Grapho - ฉันเขียน วาด) เป็นงานศิลปะประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับรูปภาพบนเครื่องบิน กราฟิกผสมผสานการวาดภาพเป็นพื้นที่อิสระ และกราฟิกสิ่งพิมพ์ประเภทต่างๆ: ภาพพิมพ์แกะไม้ (ภาพพิมพ์แกะ) การแกะสลักโลหะ (การแกะสลัก) การพิมพ์หิน linocut การแกะสลักด้วยกระดาษแข็ง ฯลฯ

ภาพวาดถูกจัดประเภทเป็นกราฟิกที่ไม่ซ้ำใครเพราะแต่ละภาพวาดมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ผลงานกราฟิกที่พิมพ์สามารถทำซ้ำ (จำลอง) ในสำเนาที่เทียบเท่ากันหลายชุด - งานพิมพ์ งานพิมพ์แต่ละชิ้นเป็นต้นฉบับและไม่ใช่สำเนาของงาน

การวาดภาพเป็นพื้นฐานของกราฟิกทุกประเภทและวิจิตรศิลป์ประเภทอื่นๆ ตามกฎแล้วภาพกราฟิกจะถูกสร้างขึ้นบนแผ่นกระดาษ บางครั้งวิธีการง่ายๆ ก็เพียงพอแล้วสำหรับศิลปิน - ดินสอกราไฟท์หรือปากกาลูกลื่นเพื่อวาดภาพกราฟิก ในกรณีอื่นๆ เขาใช้อุปกรณ์ที่ซับซ้อนในการสร้างสรรค์ผลงานของเขา เช่น แท่นพิมพ์ หินพิมพ์หิน เครื่องตัดเสื่อน้ำมันหรือไม้ และอื่นๆ อีกมากมาย

เดิมคำว่า "กราฟิก" เดิมใช้เฉพาะกับการเขียนและการประดิษฐ์ตัวอักษรเท่านั้น ศิลปะประเภทมีความเกี่ยวข้องกับกราฟิกมาตั้งแต่สมัยโบราณ ได้รับความหมายและความเข้าใจใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 เมื่อกราฟิกถูกกำหนดให้เป็นรูปแบบศิลปะอิสระ

ภาษาของกราฟิกและวิธีการหลักในการแสดงออก ได้แก่ เส้น เส้นขีด เส้นขอบ จุด และโทน กระดาษขาวมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการสร้างความประทับใจโดยรวมของงานกราฟิก คุณสามารถบรรลุการออกแบบที่แสดงออกได้แม้ว่าจะใช้เฉพาะสีดำก็ตาม นั่นคือเหตุผลว่าทำไมกราฟิกจึงมักถูกเรียกว่าศิลปะแห่งขาวดำ อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ได้ยกเว้นการใช้สีในกราฟิก

ขอบเขตระหว่างกราฟิกและการวาดภาพนั้นลื่นไหลมาก เช่น เทคนิคสีน้ำ สีพาสเทล และบางครั้ง gouache ก็จัดว่าเป็นงานศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง ขึ้นอยู่กับขอบเขตที่ใช้สี สิ่งที่มีอิทธิพลเหนืองาน - ก เส้นหรือจุด มีจุดประสงค์อะไร

หนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นของกราฟิกคือความสัมพันธ์พิเศษของวัตถุที่ปรากฎกับอวกาศ พื้นหลังสีขาวบริสุทธิ์ของแผ่นงานซึ่งไม่ได้ถูกครอบครองโดยรูปภาพ และแม้แต่พื้นหลังของกระดาษที่ปรากฏใต้เลเยอร์สีสันสดใสก็ถูกมองว่าเป็นพื้นที่ตามอัตภาพ สิ่งนี้สามารถเห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในกราฟิกหนังสือ เมื่อภาพที่วางบนหน้าว่างถูกมองว่าอยู่ในพื้นที่ภายใน ถนน ภูมิทัศน์ตามข้อความ และไม่อยู่ในทุ่งที่เต็มไปด้วยหิมะ

ข้อได้เปรียบทางศิลปะของกราฟิกนั้นอยู่ที่ความกระชับ ความจุของภาพ ความเข้มข้น และการเลือกวิธีกราฟิกที่เข้มงวด การกล่าวเกินจริงบางประการซึ่งเป็นการกำหนดตามแบบแผนของวัตถุราวกับเป็นการบอกใบ้นั้น ถือเป็นคุณค่าพิเศษของภาพกราฟิก สิ่งเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อการทำงานที่กระตือรือร้นตามจินตนาการของผู้ชม

ในเรื่องนี้ไม่เพียง แต่วาดแผ่นกราฟิกอย่างระมัดระวังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพร่างอย่างรวดเร็วภาพร่างจากธรรมชาติภาพร่างขององค์ประกอบมีคุณค่าทางศิลปะที่เป็นอิสระ

มีหลายประเภทสำหรับกราฟิก (แนวตั้ง, แนวนอน, ภาพนิ่ง, ประเภทประวัติศาสตร์ฯลฯ) และความเป็นไปได้อันไม่จำกัดในทางปฏิบัติสำหรับการวาดภาพและการตีความโลกตามจินตนาการ

.3. ศิลปะรูปแบบโบราณ - ประติมากรรม

ประติมากรรมเป็นรูปแบบศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่ง ประติมากรรม (ประติมากรรมละตินจากสกัลโป - ตัด, แกะสลัก, ประติมากรรม, พลาสติก) เป็นงานศิลปะประเภทหนึ่งซึ่งมีปริมาตรสามมิติที่เป็นวัสดุ งานเหล่านี้เอง (รูปปั้น รูปปั้นครึ่งตัว ภาพนูนต่ำนูน และอื่นๆ) เรียกอีกอย่างว่างานประติมากรรม

ประติมากรรมแบ่งออกเป็น 2 ประเภท ได้แก่ ทรงกลม วางได้อย่างอิสระในพื้นที่จริง และภาพนูน (นูนต่ำและนูนสูง) ซึ่งภาพสามมิติจะตั้งอยู่บนเครื่องบิน ตามวัตถุประสงค์ของประติมากรรมสามารถเป็นขาตั้งอนุสาวรีย์ตกแต่งอนุสาวรีย์ได้ ประติมากรรมรูปแบบเล็กโดดเด่นแยกจากกัน ตามประเภท ประติมากรรมแบ่งออกเป็นภาพเหมือน ทุกวัน (ประเภท) สัตว์ ประวัติศาสตร์ และอื่นๆ ทิวทัศน์และสิ่งมีชีวิตสามารถสร้างขึ้นใหม่ได้โดยใช้วิธีประติมากรรม แต่วัตถุหลักสำหรับประติมากรคือบุคคลที่สามารถรวบรวมได้หลายรูปแบบ (หัว, หน้าอก, รูปปั้น, กลุ่มประติมากรรม)

เทคโนโลยีในการทำประติมากรรมมักจะซับซ้อนและหลายขั้นตอน และต้องใช้แรงงานคนจำนวนมาก ประติมากรแกะสลักหรือแกะสลักผลงานของเขาจากวัสดุแข็ง (หิน ไม้ ฯลฯ) โดยการกำจัดมวลส่วนเกินออก อีกกระบวนการหนึ่งของการสร้างปริมาตรโดยการเติมมวลพลาสติก (ดินน้ำมัน ดินเหนียว ขี้ผึ้ง ฯลฯ) เรียกว่าการสร้างแบบจำลอง (พลาสติก) ประติมากรรมยังสร้างผลงานโดยใช้การหล่อจากสารที่สามารถผ่านจากของเหลวไปเป็นของแข็งได้ (วัสดุต่างๆ ยิปซั่ม คอนกรีต พลาสติก ฯลฯ) โลหะที่ยังไม่หลอมที่ใช้ในการสร้างประติมากรรมได้รับการประมวลผลโดยการปลอม การนูน การเชื่อม และการตัด

ในศตวรรษที่ 20 โอกาสใหม่ในการพัฒนางานประติมากรรมเกิดขึ้น ดังนั้นในงานประติมากรรมเชิงนามธรรมที่พวกเขาใช้ วิธีการแหวกแนวและวัสดุต่างๆ (ลวด ฟิกเกอร์เป่าลม กระจก ฯลฯ) ศิลปินของขบวนการสมัยใหม่หลายกลุ่มประกาศว่าสิ่งของในชีวิตประจำวันว่าเป็นผลงานประติมากรรม

สีซึ่งใช้กันมานานในประติมากรรม (สมัยโบราณ ยุคกลาง และเรอเนซองส์) ถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันเพื่อเพิ่มการแสดงออกทางศิลปะของประติมากรรมขาตั้งในปัจจุบัน การหันไปใช้โพลีโครมในงานประติมากรรมหรือละทิ้งไป การกลับคืนสู่สีธรรมชาติของวัสดุ (หิน ไม้ ทองแดง ฯลฯ) มีความเกี่ยวข้องกัน ทิศทางทั่วไปการพัฒนาศิลปะในประเทศและยุคสมัยที่กำหนด