เมื่อมองดูภาพวาด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอดไม่ได้ที่จะชื่นชมความชัดเจนของเส้น จานสีอันสวยงาม และที่สำคัญที่สุดคือความสมจริงอันเหลือเชื่อของภาพที่ถ่ายทอดออกมา นักวิทยาศาสตร์สมัยใหม่สับสนมานานแล้วว่าปรมาจารย์ในยุคนั้นสามารถสร้างผลงานชิ้นเอกดังกล่าวได้อย่างไรเนื่องจากไม่มีหลักฐานเป็นลายลักษณ์อักษรเหลืออยู่เกี่ยวกับความซับซ้อนและความลับของเทคนิคนี้ ศิลปินและช่างภาพชาวอังกฤษ David Hockney อ้างว่าเขาได้ไขความลับของศิลปินยุคเรอเนซองส์ที่รู้วิธีวาดภาพเขียนที่ "มีชีวิต"

หากเราเปรียบเทียบช่วงเวลาต่างๆ ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ จะเห็นได้ชัดว่าในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15) ภาพวาด "ทันใดนั้น" มีความสมจริงมากกว่าเมื่อก่อนมาก เมื่อมองดูพวกเขา ดูเหมือนว่าตัวละครกำลังจะถอนหายใจ และแสงตะวันจะส่องประกายไปที่วัตถุ

คำถามแนะนำตัวเอง: ทันใดนั้นศิลปินในยุคเรอเนซองส์เรียนรู้ที่จะวาดได้ดีขึ้นหรือไม่และภาพวาดก็เริ่มมีขนาดใหญ่ขึ้นหรือไม่? ศิลปินชื่อดัง ศิลปินกราฟิก และช่างภาพ David Hockney พยายามตอบคำถามนี้ ( เดวิด ฮ็อคนีย์).

ภาพวาดของ Jan van Eyck ช่วยเขาในการวิจัยนี้ "ภาพเหมือนของคู่รักอาร์โนลฟินี". คุณสามารถพบรายละเอียดที่น่าสนใจมากมายบนผืนผ้าใบ แต่มันถูกวาดในปี 1434 ความสนใจเป็นพิเศษไปที่กระจกบนผนังและเชิงเทียนใต้เพดานซึ่งดูสมจริงอย่างน่าประหลาดใจ David Hockney พยายามจับเชิงเทียนที่คล้ายกันและพยายามทาสีมัน สิ่งที่ทำให้ศิลปินประหลาดใจมากคือ การพรรณนาวัตถุนี้ในมุมมองเป็นเรื่องยากทีเดียว และแม้แต่การสะท้อนของแสงก็ยังต้องถ่ายทอดในลักษณะที่ชัดเจนว่านี่คือความแวววาวของโลหะ อย่างไรก็ตาม ก่อนยุคเรอเนซองส์ ไม่มีใครทำหน้าที่วาดภาพแสงสะท้อนบนพื้นผิวโลหะ

เมื่อแบบจำลองสามมิติของเชิงเทียนถูกสร้างขึ้นใหม่ Hockney ตรวจสอบให้แน่ใจว่าภาพวาดของ Van Eyck พรรณนาเชิงเทียนในมุมมองด้วยจุดที่หายไปเพียงจุดเดียว แต่สิ่งที่จับได้ก็คือในศตวรรษที่ 15 ไม่มีกล้อง obscura พร้อมเลนส์ (อุปกรณ์เกี่ยวกับแสงที่คุณสามารถสร้างภาพฉายได้)

David Hockney สงสัยว่า Van Eyck สามารถบรรลุความสมจริงในภาพวาดของเขาได้อย่างไร แต่วันหนึ่งเขาสังเกตเห็นภาพกระจกในภาพวาด มันนูนออกมา เป็นที่น่าสังเกตว่าในสมัยนั้นกระจกมีส่วนเว้าเพราะช่างฝีมือยังไม่รู้ว่าจะ "ติด" แผ่นดีบุกลงบนพื้นผิวเรียบของกระจกได้อย่างไร ในการทำกระจกในศตวรรษที่ 15 ดีบุกหลอมเหลวถูกเทลงในขวดแก้ว จากนั้นส่วนบนก็ถูกตัดออก เหลือแต่ก้นที่เว้าและเป็นมันเงา David Hockney ตระหนักว่า Van Eyck ใช้กระจกเว้าซึ่งเขามองเพื่อวาดภาพวัตถุให้สมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

ในช่วงทศวรรษที่ 1500 ช่างฝีมือได้เรียนรู้ที่จะสร้างเลนส์ขนาดใหญ่และมีคุณภาพสูง พวกมันถูกสอดเข้าไปในกล้อง obscura ซึ่งทำให้สามารถฉายภาพได้ทุกขนาด นี่เป็นการปฏิวัติเทคโนโลยีภาพที่สมจริงอย่างแท้จริง แต่คนส่วนใหญ่ในภาพเขียน "กลายเป็น" คนถนัดซ้าย ประเด็นก็คือการฉายภาพโดยตรงของเลนส์เมื่อใช้กล้องรูเข็มนั้นจะถูกมิเรอร์ ในภาพวาดของ Pieter Gerritsz van Roestraten เรื่อง “Declaration of Love (The Wild Cook)” วาดราวปี 1665-1670 ตัวละครทั้งหมดเป็นคนถนัดซ้าย มือซ้ายชายและหญิงถือแก้วและขวด ส่วนชายชราที่อยู่ด้านหลังก็สั่นนิ้วซ้ายใส่พวกเขาเช่นกัน แม้แต่ลิงก็ใช้อุ้งเท้าซ้ายมองใต้ชุดของผู้หญิง

เพื่อให้ได้ภาพที่มีสัดส่วนถูกต้อง จำเป็นต้องวางตำแหน่งกระจกที่เล็งเลนส์ไว้อย่างแม่นยำ แต่ไม่ใช่ว่าศิลปินทุกคนจะทำสิ่งนี้ได้อย่างสมบูรณ์แบบ และในตอนนั้นก็มีกระจกคุณภาพสูงเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้น ด้วยเหตุนี้ ในภาพเขียนบางภาพ คุณสามารถเห็นได้ว่าสัดส่วนไม่ได้รับการเคารพอย่างไร เช่น หัวเล็ก ไหล่ใหญ่ หรือขาใหญ่

การใช้อุปกรณ์ออพติคอลของศิลปินไม่ได้ทำให้ความสามารถของพวกเขาลดลงแต่อย่างใด ด้วยความสมจริงของภาพวาดยุคเรอเนซองส์ทำให้ผู้อยู่อาศัยสมัยใหม่รู้ว่าผู้คนและของใช้ในครัวเรือนในยุคนั้นมีลักษณะอย่างไร

ศิลปินยุคกลางไม่เพียงพยายามบรรลุความสมจริงในภาพวาดเท่านั้น แต่ยังพยายามเข้ารหัสสัญลักษณ์พิเศษในภาพวาดด้วย ใช่ ผลงานชิ้นเอกอันงดงามของทิเชียน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เรามีงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมมากมาย นี่เป็นช่วงเวลาที่ดีสำหรับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่หลายคนมีความเกี่ยวข้องกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio - นี่เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของชื่อผู้สร้างในยุคนั้น

การเกิดขึ้นของรูปแบบและภาพวาดใหม่มีความเกี่ยวข้องกับช่วงเวลานี้ วิธีการวาดภาพร่างกายมนุษย์ได้กลายเป็นแนวทางทางวิทยาศาสตร์ไปแล้ว ศิลปินมุ่งมั่นเพื่อความเป็นจริง - พวกเขาทำงานทุกรายละเอียด ผู้คนและเหตุการณ์ต่างๆ ในภาพเขียนในยุคนั้นดูสมจริงอย่างยิ่ง

นักประวัติศาสตร์แยกแยะช่วงเวลาต่างๆ ในการพัฒนาภาพวาดในยุคเรอเนซองส์ได้

โกธิค - 1200. สไตล์ยอดนิยมที่ศาล เขาโดดเด่นด้วยความโอ่อ่าอวดดีและมีสีสันมากเกินไป ใช้เป็นสี ภาพวาดเป็นหัวข้อของฉากแท่นบูชา ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของเทรนด์นี้คือศิลปินชาวอิตาลี Vittore Carpaccio และ Sandro Botticelli

ซานโดร บอตติเชลลี

โปรโตเรอเนซองส์ - 1300. ในเวลานี้มีการปรับโครงสร้างศีลธรรมในการวาดภาพ หัวข้อทางศาสนากำลังถอยห่างออกไป และหัวข้อทางโลกกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ภาพวาดเกิดขึ้นแทนที่ไอคอน ผู้คนถูกถ่ายทอดออกมาได้อย่างสมจริงยิ่งขึ้น การแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางกลายเป็นสิ่งสำคัญสำหรับศิลปิน ศิลปกรรมแนวใหม่กำลังเกิดขึ้น - ตัวแทนในครั้งนี้ ได้แก่ Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคต้น - คริสต์ทศวรรษ 1400. การเพิ่มขึ้นของภาพวาดที่ไม่ใช่ศาสนา แม้แต่ใบหน้าบนไอคอนก็ดูมีชีวิตชีวามากขึ้น - พวกมันได้รับลักษณะใบหน้าของมนุษย์ ศิลปินในยุคก่อนหน้านี้พยายามวาดภาพทิวทัศน์ แต่เป็นเพียงส่วนเสริมของพื้นหลังของภาพหลักเท่านั้น ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น มันก็กลายเป็นแนวเพลงอิสระ ภาพบุคคลยังคงพัฒนาต่อไป นักวิทยาศาสตร์ค้นพบกฎของเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้น และศิลปินก็สร้างภาพวาดของตนบนพื้นฐานนี้ บนผืนผ้าใบคุณสามารถเห็นพื้นที่สามมิติที่ถูกต้อง ตัวแทนที่โดดเด่นในช่วงเวลานี้คือ Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - ยุคทอง. ขอบเขตของศิลปินกว้างขึ้น - ความสนใจของพวกเขาขยายไปสู่อวกาศ พวกเขาถือว่ามนุษย์เป็นศูนย์กลางของจักรวาล

ในเวลานี้ "ไททันส์" ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏขึ้น - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi และคนอื่น ๆ คนเหล่านี้คือคนที่มีความสนใจไม่ จำกัด เฉพาะการวาดภาพ ความรู้ของพวกเขาขยายออกไปอีกมาก ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือเลโอนาร์โด ดาวินชี ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังเป็นนักวิทยาศาสตร์ ประติมากร และนักเขียนบทละครอีกด้วย เขาสร้างเทคนิคที่ยอดเยี่ยมในการวาดภาพ เช่น "smuffato" - ภาพลวงตาของหมอกควัน ซึ่งใช้ในการสร้าง "La Gioconda" อันโด่งดัง

เลโอนาร์โด ดาวินชี

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย- การเสื่อมถอยของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (กลางปี ​​1500 ถึงปลายปี 1600) คราวนี้เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลง วิกฤติทางศาสนา ยุครุ่งเรืองกำลังจะสิ้นสุดลง เส้นบนผืนผ้าใบเริ่มวิตกกังวลมากขึ้น ความเป็นปัจเจกบุคคลกำลังหายไป ฝูงชนกลายเป็นภาพลักษณ์ของภาพวาดมากขึ้นเรื่อยๆ ผลงานที่มีพรสวรรค์ในสมัยนั้นเขียนโดย Paolo Veronese และ Jacopo Tinoretto

เปาโล เวโรเนเซ่

อิตาลีมอบศิลปินที่มีความสามารถมากที่สุดในโลกในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและถูกกล่าวถึงมากที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพ ขณะเดียวกันในประเทศอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ การวาดภาพก็พัฒนาและมีอิทธิพลต่อการพัฒนางานศิลปะนี้เช่นกัน การวาดภาพในประเทศอื่นในช่วงนี้เรียกว่ายุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 15 - 16 ถือเป็นการพัฒนางานศิลปะรอบใหม่โดยเฉพาะการวาดภาพ มีชื่อภาษาฝรั่งเศสสำหรับยุคนี้ด้วย - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา. ซานโดร บอตติเชลลี, ราฟาเอล, เลโอนาร์โด ดา วินชี, ทิเชียน, มีเกลันเจโล คือชื่อที่มีชื่อเสียงบางส่วนที่แสดงถึงช่วงเวลานั้น

ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบรรยายตัวละครในภาพวาดของตนอย่างถูกต้องและชัดเจนที่สุด

บริบททางจิตวิทยาเดิมทีไม่ได้รวมอยู่ในภาพ จิตรกรตั้งเป้าหมายที่จะบรรลุถึงความสดใสในสิ่งที่พวกเขาวาดภาพ ไม่ว่าความมีชีวิตชีวาของใบหน้ามนุษย์หรือรายละเอียดของธรรมชาติโดยรอบจะต้องถ่ายทอดออกมาเป็นสีอย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป แง่มุมทางจิตวิทยาจะปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เช่น จากการถ่ายภาพบุคคล เราสามารถสรุปเกี่ยวกับลักษณะนิสัยของบุคคลที่ปรากฎได้

ความสำเร็จของวัฒนธรรมทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ความสำเร็จที่ไม่อาจปฏิเสธได้ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ การออกแบบภาพที่ถูกต้องทางเรขาคณิต. ศิลปินสร้างภาพโดยใช้เทคนิคที่เขาพัฒนาขึ้น สิ่งสำคัญสำหรับจิตรกรในยุคนั้นคือการรักษาสัดส่วนของวัตถุ แม้แต่ธรรมชาติก็ยังตกอยู่ภายใต้เทคนิคทางคณิตศาสตร์ในการคำนวณสัดส่วนของภาพกับวัตถุอื่น ๆ ในภาพ

กล่าวอีกนัยหนึ่ง ศิลปินในยุคเรอเนซองส์พยายามถ่ายทอด ภาพที่แม่นยำเช่น บุคคลที่อยู่ท่ามกลางธรรมชาติ หากเราเปรียบเทียบกับเทคนิคสมัยใหม่ในการสร้างภาพที่มองเห็นบนผืนผ้าใบบางส่วน การถ่ายภาพที่มีการปรับเปลี่ยนในภายหลังน่าจะเป็นไปได้มากว่าจะช่วยให้เข้าใจว่าศิลปินยุคเรอเนซองส์กำลังดิ้นรนเพื่ออะไร

จิตรกรยุคเรอเนซองส์เชื่อว่าพวกเขามีสิทธิ์ที่จะแก้ไข ข้อบกพร่องของธรรมชาตินั่นคือถ้าบุคคลนั้นมีใบหน้าที่น่าเกลียด ศิลปินก็แก้ไขให้ถูกต้องเพื่อให้ใบหน้าดูอ่อนหวานและน่าดึงดูด

วิธีการทางเรขาคณิตในภาพนำไปสู่วิธีการใหม่ในการแสดงภาพเชิงพื้นที่ ก่อนที่จะสร้างภาพบนผืนผ้าใบขึ้นมาใหม่ ศิลปินได้ทำเครื่องหมายตำแหน่งเชิงพื้นที่ของตนไว้ กฎข้อนี้เริ่มเป็นที่ยอมรับในหมู่จิตรกรในยุคนั้นเมื่อเวลาผ่านไป

ผู้ชมควรจะประทับใจกับภาพในภาพวาด ตัวอย่างเช่น, ราฟาเอลบรรลุการปฏิบัติตามกฎนี้โดยสมบูรณ์ด้วยการสร้างภาพวาด "The School of Athens" ห้องใต้ดินของอาคารมีความสูงโดดเด่นมาก มีพื้นที่มากมายที่คุณเริ่มเข้าใจขนาดของโครงสร้างนี้ และภาพนักคิดสมัยโบราณที่มีเพลโตและอริสโตเติลอยู่ตรงกลางบ่งบอกว่าในโลกยุคโบราณมีความสามัคคีของแนวคิดทางปรัชญาต่างๆ

วิชาจิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

หากคุณเริ่มคุ้นเคยกับการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคุณสามารถสรุปข้อสรุปที่น่าสนใจได้ หัวข้อของภาพเขียนอิงจากเหตุการณ์ที่บรรยายไว้ในพระคัมภีร์เป็นหลัก บ่อยครั้งที่จิตรกรในสมัยนั้นบรรยายเรื่องราวจากพันธสัญญาใหม่ ภาพที่ได้รับความนิยมมากที่สุดก็คือ เวอร์จินและเด็ก- พระเยซูคริสต์ตัวน้อย

ตัวละครมีชีวิตชีวามากจนผู้คนบูชารูปเหล่านี้ แม้ว่าผู้คนจะเข้าใจว่าสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ไอคอน แต่พวกเขาก็อธิษฐานต่อพวกเขาและขอความช่วยเหลือและการปกป้อง นอกจากพระแม่มารีแล้ว จิตรกรยุคเรอเนซองส์ยังชื่นชอบการสร้างภาพขึ้นมาใหม่อีกด้วย พระเยซูอัครสาวก ยอห์นผู้ให้บัพติศมา ตลอดจนตอนข่าวประเสริฐ ตัวอย่างเช่น, เลโอนาร์โด ดา วินชีสร้างสรรค์ผลงานจิตรกรรมชื่อดังระดับโลก “The Last Supper”

เหตุใดศิลปินยุคเรอเนซองส์จึงใช้วิชา? จากพระคัมภีร์? ทำไมพวกเขาไม่พยายามแสดงออกด้วยการสร้างภาพเหมือนของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน? บางทีพวกเขาอาจจะพยายามวาดภาพคนธรรมดาที่มีลักษณะนิสัยโดยธรรมชาติในลักษณะนี้? ใช่แล้ว จิตรกรในสมัยนั้นพยายามแสดงให้ผู้คนเห็นว่ามนุษย์เป็นพระเจ้า

ศิลปินยุคเรอเนซองส์พยายามทำให้ชัดเจนว่าการสำแดงของมนุษย์ทางโลกสามารถพรรณนาได้ชัดเจนยิ่งขึ้นหากใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์ด้วยการแสดงภาพฉากในพระคัมภีร์ คุณจะเข้าใจได้ว่าฤดูใบไม้ร่วง สิ่งล่อใจ นรกหรือสวรรค์คืออะไร หากคุณเริ่มคุ้นเคยกับผลงานของศิลปินในยุคนั้น เดียวกัน ภาพของมาดอนน่าสื่อถึงความงามของผู้หญิงคนหนึ่งและยังนำความเข้าใจความรักทางโลกของมนุษย์อีกด้วย

เลโอนาร์โด ดา วินชี

ยุคเรอเนซองส์กลายเป็นเรื่องต้องขอบคุณบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์มากมายที่อาศัยอยู่ในขณะนั้น มีชื่อเสียงไปทั่วโลก เลโอนาร์โด ดา วินชี (ค.ศ. 1452 - 1519)สร้างผลงานชิ้นเอกจำนวนมากซึ่งมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์และผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะของเขาพร้อมที่จะพิจารณาภาพวาดของเขามาเป็นเวลานาน

เลโอนาร์โดเริ่มเรียนที่ฟลอเรนซ์ ภาพวาดชิ้นแรกของเขาซึ่งวาดราวปี ค.ศ. 1478 คือ "มาดอนน่า เบอนัวต์". จากนั้นก็มีการสร้างสรรค์เช่น "มาดอนน่าในถ้ำ" "Mona Lisa"“พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” ที่กล่าวมาข้างต้น และผลงานชิ้นเอกอื่นๆ อีกมากมายที่เขียนด้วยมือของไททันแห่งยุคเรอเนซองส์

ความเข้มงวดของสัดส่วนทางเรขาคณิตและการสร้างโครงสร้างทางกายวิภาคของบุคคลที่แม่นยำ - นี่คือลักษณะเฉพาะของภาพวาดของ Leonard da Vinci ตามความเชื่อของเขา ศิลปะในการวาดภาพบางภาพบนผืนผ้าใบเป็นศาสตร์ ไม่ใช่เพียงงานอดิเรกบางประเภทเท่านั้น

ราฟาเอล สันติ

ราฟาเอล สันติ (1483 - 1520)เป็นที่รู้จักในโลกศิลปะในชื่อราฟาเอลสร้างสรรค์ผลงานของเขา ในอิตาลี. ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยบทกวีและความสง่างาม ราฟาเอลเป็นตัวแทนของยุคเรอเนซองส์ ซึ่งพรรณนาถึงมนุษย์และการดำรงอยู่ของเขาบนโลก และชอบวาดภาพผนังของอาสนวิหารวาติกัน

ภาพวาดเหล่านี้ทรยศต่อความสามัคคีของตัวเลข ความสอดคล้องกันของพื้นที่และรูปภาพ และความไพเราะของสี ความบริสุทธิ์ของพระแม่มารีเป็นพื้นฐานสำหรับภาพวาดหลายชิ้นของราฟาเอล ครั้งแรกของเขา ภาพแม่พระ- นี่คือ Sistine Madonna ซึ่งวาดโดยศิลปินชื่อดังในปี 1513 ภาพวาดที่ราฟาเอลสร้างขึ้นสะท้อนถึงภาพลักษณ์ของมนุษย์ในอุดมคติ

ซานโดร บอตติเชลลี

ซานโดร บอตติเชลลี (1445 - 1510)ยังเป็นศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผลงานชิ้นแรกของเขาคือภาพวาด "Adoration of the Magi" บทกวีที่ละเอียดอ่อนและความฝันเป็นมารยาทเริ่มแรกของเขาในด้านการถ่ายทอดภาพศิลปะ

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 15 ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ได้วาดภาพ ผนังของโบสถ์วาติกัน. จิตรกรรมฝาผนังที่ทำด้วยมือของเขายังคงน่าทึ่ง

เมื่อเวลาผ่านไป ภาพวาดของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสงบของอาคารในสมัยโบราณ ความมีชีวิตชีวาของตัวละครที่บรรยาย และความกลมกลืนของภาพ นอกจากนี้ บอตติเชลลีมีความหลงใหลในการวาดภาพสำหรับงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งยังเพิ่มชื่อเสียงให้กับงานของเขาอีกด้วย

มิเกลันเจโล บูโอนารอตติ

มีเกลันเจโล บูโอนารอตติ (1475 - 1564)- ศิลปินชาวอิตาลีที่ทำงานในยุคเรอเนซองส์ด้วย ชายคนนี้ซึ่งพวกเราหลายคนรู้จัก ทำทุกอย่างที่ทำได้ ประติมากรรม จิตรกรรม สถาปัตยกรรม และบทกวีด้วย

Michelangelo เช่น Raphael และ Botticelli วาดภาพผนังโบสถ์วาติกัน ท้ายที่สุดแล้ว มีเพียงจิตรกรที่มีความสามารถมากที่สุดในสมัยนั้นเท่านั้นที่มีส่วนร่วมในงานสำคัญเช่นการวาดภาพบนผนังอาสนวิหารคาทอลิก

โบสถ์ซิสทีนที่มีพื้นที่มากกว่า 600 ตารางเมตรเขาต้องคลุมด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่แสดงฉากต่างๆ ในพระคัมภีร์

ผลงานที่โด่งดังที่สุดในสไตล์นี้เรารู้จักกันในชื่อ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย". ความหมายของเรื่องราวในพระคัมภีร์แสดงออกมาอย่างเต็มที่และชัดเจน ความแม่นยำในการถ่ายโอนภาพดังกล่าวเป็นลักษณะเฉพาะของงานทั้งหมดของ Michelangelo

ความสนใจ!สำหรับการใช้งานเนื้อหาใดๆ ของไซต์ จำเป็นต้องมีลิงก์ที่ใช้งานอยู่!

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จุดเริ่มต้นของการวาดภาพยุคเรอเนซองส์ถือเป็นยุคของ Ducento กล่าวคือ ศตวรรษที่สิบสาม ยุคโปรโต-เรอเนซองส์ยังคงเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีโรมาเนสก์ กอทิก และไบแซนไทน์ในยุคกลาง ศิลปินในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 - ต้นศตวรรษที่ 14 ยังห่างไกลจากการศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับความเป็นจริงโดยรอบ พวกเขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับเรื่องนี้ รวมถึงใช้ภาพทั่วไปของระบบภาพไบแซนไทน์ - เนินเขาหิน ต้นไม้สัญลักษณ์ ป้อมปืนธรรมดา แต่บางครั้งรูปลักษณ์ของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมนั้นได้รับการทำซ้ำอย่างแม่นยำมากจนบ่งบอกถึงการมีอยู่ของภาพร่างจากชีวิต ตัวละครทางศาสนาแบบดั้งเดิมเริ่มปรากฏให้เห็นในโลกที่เต็มไปด้วยคุณสมบัติของความเป็นจริง - ปริมาตร, ความลึกเชิงพื้นที่, สสารทางวัตถุ การค้นหาเริ่มต้นสำหรับวิธีการส่งสัญญาณบนระนาบปริมาตรและพื้นที่สามมิติ ปรมาจารย์ในยุคนี้ได้รื้อฟื้นหลักการของการสร้างแบบจำลองแสงและเงาที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ ด้วยเหตุนี้ ตัวเลขและอาคารจึงได้รับความหนาแน่นและปริมาตร

เห็นได้ชัดว่าคนกลุ่มแรกที่ใช้มุมมองโบราณคือ Florentine Cenni di Pepo (ข้อมูลระหว่างปี 1272 ถึง 1302) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Cimabue น่าเสียดายที่งานที่สำคัญที่สุดของเขา - ชุดภาพวาดในหัวข้อ Apocalypse ชีวิตของ Mary และอัครสาวกเปโตรในโบสถ์ซานฟรานเชสโกในอัสซีซีมาถึงเราในสภาพที่เกือบจะถูกทำลาย องค์ประกอบแท่นบูชาของเขาซึ่งตั้งอยู่ในฟลอเรนซ์และในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ได้รับการเก็บรักษาไว้ดีกว่า พวกเขายังย้อนกลับไปที่ต้นแบบไบแซนไทน์ด้วย แต่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณลักษณะของแนวทางใหม่ในการวาดภาพทางศาสนา Cimabue กลับมาจากการวาดภาพภาษาอิตาลี

ศตวรรษที่ 13 ซึ่งนำประเพณีไบแซนไทน์มาใช้กับต้นกำเนิดทันที เขารู้สึกถึงสิ่งที่ยังคงไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับคนรุ่นราวคราวเดียวกับเขา - จุดเริ่มต้นที่กลมกลืนกันของความงามอันงดงามของภาพสไตล์กรีก

ความแข็งแกร่งและแผนผังทำให้เส้นดนตรีมีความนุ่มนวล ร่างของมาดอนน่าดูไม่มีตัวตนอีกต่อไป ในภาพวาดในยุคกลาง ทูตสวรรค์ถูกตีความว่าเป็นสัญญาณซึ่งเป็นคุณลักษณะของพระมารดาของพระเจ้า โดยพรรณนาเป็นรูปสัญลักษณ์เล็กๆ ใน Cimabue พวกเขาได้รับความหมายใหม่โดยสิ้นเชิง พวกเขารวมอยู่ในฉาก เหล่านี้เป็นสิ่งมีชีวิตที่สวยงาม รอคอยเหล่าเทวดาผู้สง่างามที่จะปรากฏตัวในหมู่ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 15

งานของ Cimabue เป็นจุดเริ่มต้นของกระบวนการใหม่ๆ ที่กำหนดการพัฒนาจิตรกรรมต่อไป แต่ประวัติศาสตร์ศิลปะไม่สามารถอธิบายได้เฉพาะในแง่วิวัฒนาการเท่านั้น บางครั้งก็มีการกระโดดที่แหลมคมอยู่ในนั้น ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ปรากฏว่าเป็นนักสร้างสรรค์นวัตกรรมที่กล้าหาญและปฏิเสธระบบดั้งเดิม Giotto di Bondone (1266-1337) ควรได้รับการยอมรับว่าเป็นนักปฏิรูปในการวาดภาพชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 14 นี่คืออัจฉริยะที่อยู่เหนือคนรุ่นราวคราวเดียวกันและผู้ติดตามของเขาอีกหลายคน

ชาวฟลอเรนซ์โดยกำเนิดเขาทำงานในหลายเมืองในอิตาลี ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Giotto ที่มาหาเราคือวงจรของภาพวาดในโบสถ์ Arena ในปาดัวซึ่งอุทิศให้กับเรื่องราวพระกิตติคุณเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การแสดงภาพอันเป็นเอกลักษณ์นี้ถือเป็นผลงานชิ้นสำคัญชิ้นหนึ่งในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป แทนที่จะสร้างฉากและลักษณะเฉพาะของภาพวาดในยุคกลางที่แตกต่างกันออกไป Giotto ได้สร้างวัฏจักรอันยิ่งใหญ่เพียงวงจรเดียว 38 ฉากจากชีวิตของพระคริสต์และแมรี ("การพบกันของแมรี่และเอลิซาเบธ", "จูบของยูดาส", "คร่ำครวญ" ฯลฯ ) เชื่อมโยงกันเป็นการเล่าเรื่องเดียวโดยใช้ภาษาของการวาดภาพ แทนที่จะเป็นพื้นหลังไบเซนไทน์สีทองตามปกติ Giotto เลือกใช้พื้นหลังแนวนอน ร่างเหล่านี้ไม่ลอยอยู่ในอวกาศอีกต่อไป แต่พบพื้นแข็งอยู่ใต้ฝ่าเท้า และถึงแม้จะไม่ได้ใช้งาน แต่ก็แสดงความปรารถนาที่จะถ่ายทอดกายวิภาคของร่างกายมนุษย์และความเป็นธรรมชาติของการเคลื่อนไหว จอตโตทำให้รูปแบบต่างๆ มีลักษณะที่ชัดเจน ความหนักแน่น และความหนาแน่นจนแทบจะเป็นประติมากรรมได้ โดยจะจำลองภาพนูนขึ้นมา โดยค่อยๆ ทำให้พื้นหลังที่มีสีสันสดใสหลักๆ สว่างขึ้น หลักการของการสร้างแบบจำลอง Chiaroscuro ซึ่งทำให้สามารถทำงานกับสีที่สะอาดและสดใสโดยไม่มีเงาดำได้กลายมาโดดเด่นในการวาดภาพของอิตาลีจนถึงศตวรรษที่ 16

การปฏิรูปที่ดำเนินการในภาพวาดของ Giotto สร้างความประทับใจอย่างลึกซึ้งแก่คนรุ่นเดียวกันทั้งหมดของเขา

อิทธิพลของ Giotto ได้รับความเข้มแข็งและประสิทธิผลในอีกหนึ่งศตวรรษต่อมา ศิลปิน Quattrocento ทำงานที่ Giotto กำหนดไว้สำเร็จ ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นเรียกว่ายุคแห่งชัยชนะในประวัติศาสตร์ศิลปะ ความเอื้ออาทรและขอบเขตของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในอิตาลีในศตวรรษที่ 15 สร้างความประทับใจให้กับกิจกรรมสร้างสรรค์ที่ไม่เคยมีมาก่อนของประติมากรและจิตรกร

ชื่อเสียงของผู้ก่อตั้งภาพวาด Quattrocento เป็นของ Masaccio ศิลปินชาวฟลอเรนซ์ซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็กมาก (1401-1428) ในจิตรกรรมฝาผนังของเขา ตัวเลขที่วาดตามกฎของกายวิภาคศาสตร์เชื่อมโยงถึงกันและกับภูมิทัศน์ เนินเขาและต้นไม้ทอดยาวออกไป ก่อให้เกิดสภาพแวดล้อมที่มีอากาศเป็นธรรมชาติ ชีวิตของผู้คนและธรรมชาติเชื่อมโยงกันเป็นองค์รวมเป็นการกระทำที่น่าทึ่ง นี่คือคำใหม่ในโลกศิลปะการวาดภาพ

โรงเรียนฟลอเรนซ์ยังคงเป็นผู้นำด้านศิลปะอิตาลีมาเป็นเวลานาน นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวแบบอนุรักษ์นิยมมากขึ้นอีกด้วย ศิลปินของขบวนการนี้คือพระภิกษุ ซึ่งเป็นเหตุให้ในประวัติศาสตร์ศิลปะพวกเขาถูกเรียกว่าสงฆ์ หนึ่งในผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดในหมู่พวกเขาคือ Angelico da Fiesole น้องชายของ Giovanni Beato (1387-1455)

ลักษณะพิเศษของการวาดภาพ Quattrocento ช่วงปลายคือความหลากหลายของโรงเรียนและทิศทาง ในเวลานี้ โรงเรียน Florentine, Umbian (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), ภาษาอิตาลีตอนเหนือ (Mantegni), โรงเรียน Venetian (Giovanni Bellini) เป็นรูปเป็นร่างขึ้น

หนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นที่สุดของ Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - ตัวแทนของอุดมคติทางสุนทรีย์ของศาลของเผด็จการนักการเมืองผู้ใจบุญกวีและนักปรัชญา Lorenzo Medici ที่มีชื่อเสียงชื่อเล่นว่า Magnificent ราชสำนักของกษัตริย์ที่ไม่สวมมงกุฎนี้เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะที่รวบรวมนักปรัชญา นักวิทยาศาสตร์ และศิลปินชื่อดังเข้าด้วยกัน

ในงานศิลปะของบอตติเชลลีมีการสังเคราะห์ความลึกลับในยุคกลางที่แปลกประหลาดกับประเพณีโบราณอุดมคติของโกธิคและเรอเนซองส์ ในภาพในตำนานของเขามีการฟื้นฟูสัญลักษณ์ เขาพรรณนาถึงเทพธิดาโบราณที่สวยงามซึ่งไม่ได้อยู่ในรูปแบบความงามทางโลกที่ตระการตา แต่อยู่ในภาพที่โรแมนติก มีจิตวิญญาณ และประเสริฐ ภาพวาดที่ทำให้เขาโด่งดังคือ “The Birth of Venus” ที่นี่เราเห็นภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่มีเอกลักษณ์ของบอตติเชลลีซึ่งไม่สับสนกับผลงานของศิลปินคนอื่น บอตติเชลลีผสมผสานความเย้ายวนแบบนอกรีตเข้ากับจิตวิญญาณที่เพิ่มสูงขึ้นอย่างน่าอัศจรรย์ ความเป็นผู้หญิงเชิงประติมากรรมและความเปราะบางที่อ่อนโยน ความซับซ้อน ความแม่นยำเชิงเส้นและอารมณ์ความรู้สึก ความแปรปรวน เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีบทกวีมากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ เขาชอบสัญลักษณ์เชิงเปรียบเทียบชอบฝันและแสดงออกเป็นนัย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นกินเวลาประมาณหนึ่งศตวรรษ ปิดท้ายด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งกินเวลาเพียงประมาณ 30 ปีเท่านั้น โรมกลายเป็นศูนย์กลางหลักของชีวิตทางศิลปะในเวลานี้

หากศิลปะของ Quattrocento คือการวิเคราะห์ การค้นหา การค้นพบ ความสดใหม่ของโลกทัศน์ในวัยเยาว์ ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงก็คือผลลัพธ์ การสังเคราะห์ วุฒิภาวะที่ชาญฉลาด การค้นหาอุดมคติทางศิลปะในช่วงยุค Quattrocento ได้นำศิลปะไปสู่ลักษณะทั่วไป และการค้นพบรูปแบบทั่วไป ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างศิลปะของยุคเรอเนซองส์สูงคือการละทิ้งรายละเอียด รายละเอียด รายละเอียดในชื่อของภาพทั่วไป ประสบการณ์ทั้งหมดและการค้นหารุ่นก่อนทั้งหมดถูกบีบอัดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ของ Cinquecento ในภาพรวมที่ยิ่งใหญ่

ภาพลักษณ์ของบุคคลที่สวยงามและเอาแต่ใจถือเป็นเนื้อหาหลักของศิลปะในยุคนั้น ต่างจากศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 มันมีลักษณะของความปรารถนาที่จะเข้าใจและรวบรวมรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ชีวิต

นี่คือยุคของไททันเรอเนซองส์ซึ่งทำให้งานของ Leonardo, Raphael และ Michelangelo กลายเป็นวัฒนธรรมโลก ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโลก อัจฉริยะทั้งสามคนนี้แม้จะมีความแตกต่างกันทั้งหมด แต่บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ก็แสดงให้เห็นถึงคุณค่าหลักของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี - ความกลมกลืนของความงาม พลัง และสติปัญญา ชีวิตของพวกเขาเป็นหลักฐานของการเปลี่ยนแปลงทัศนคติของสังคมต่อบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ของศิลปินซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ปรมาจารย์ด้านศิลปะกลายเป็นบุคคลที่โดดเด่นและมีคุณค่าในสังคมและได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ที่ได้รับการศึกษามากที่สุดในยุคนั้น

คุณลักษณะนี้อาจจะมากกว่าบุคคลอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ ซึ่งใช้ได้กับ Leonardo da Vinci (1452 - 1519) เขาผสมผสานอัจฉริยะทางศิลปะและวิทยาศาสตร์เข้าด้วยกัน เลโอนาร์โดเป็นนักวิทยาศาสตร์ที่ศึกษาธรรมชาติไม่ใช่เพื่อศิลปะ แต่เพื่อวิทยาศาสตร์ นั่นคือสาเหตุที่ผลงานของ Leonardo ที่เสร็จสมบูรณ์เพียงไม่กี่ชิ้นถึงมาถึงเรา เขาเริ่มวาดภาพและทิ้งมันทันทีที่ปัญหาดูเหมือนชัดเจนสำหรับเขา ข้อสังเกตหลายประการของเขาคาดการณ์ถึงพัฒนาการของวิทยาศาสตร์และการวาดภาพของยุโรปตลอดหลายศตวรรษ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์สมัยใหม่กระตุ้นความสนใจในภาพวาดทางวิศวกรรมไซไฟของเขา

พระแม่มารีในถ้ำของพระองค์เป็นแท่นบูชาชิ้นแรกในยุคเรอเนสซองส์สูง เป็นภาพวาดขนาดใหญ่ในรูปแบบทั่วไปในภาพวาดยุคเรอเนซองส์ มีลักษณะคล้ายหน้าต่าง ด้านบนโค้งมน

เวทีใหม่ในงานศิลปะคือการทาสีผนังโรงอาหารของอารามซานตามาเรียเดลกราซีตามเนื้อเรื่องของ Last Supper ซึ่งวาดโดยศิลปิน Quattrocento หลายคน “พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” เป็นรากฐานสำคัญของศิลปะคลาสสิกซึ่งดำเนินโครงการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง เลโอนาร์โดทำงานในงานนี้มาเป็นเวลา 16 ปี ภาพปูนเปียกขนาดใหญ่ซึ่งมีการทาสีตัวเลขให้ใหญ่กว่าขนาดจริงหนึ่งเท่าครึ่ง กลายเป็นตัวอย่างของความเข้าใจอย่างชาญฉลาดเกี่ยวกับกฎของการวาดภาพขนาดมหึมาที่เกี่ยวข้องกับพื้นที่จริงของการตกแต่งภายใน เป็นการรวบรวมการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ของศิลปินในสาขาฟิสิกส์ ทัศนศาสตร์ คณิตศาสตร์ และกายวิภาคศาสตร์ ซึ่งจำเป็นต่อการแก้ปัญหาสัดส่วนและเปอร์สเปคทีฟในพื้นที่ภาพอันกว้างใหญ่ สิ่งสำคัญที่สุดคือผลงานที่ยอดเยี่ยมของ Leonardo มีพลังทางจิตวิทยามหาศาล ไม่มีศิลปินคนใดที่วาดภาพพระกระยาหารมื้อสุดท้ายก่อนที่เลโอนาร์โดจะสร้างงานที่ยากลำบากเช่นนี้ - เพื่อแสดงความหมายที่เป็นหนึ่งเดียวกันของช่วงเวลาที่ยิ่งใหญ่นี้ผ่านปฏิกิริยาของผู้คน บุคลิก ลักษณะนิสัย และการตอบสนองทางอารมณ์ที่แตกต่างกัน อัครสาวก 12 คน ตัวละคร 12 ตัวที่แตกต่างกันแสดงออกในรูปแบบที่แตกต่างกันในช่วงเวลาแห่งความตกใจทางอารมณ์ ผ่านปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่แสดงออกในการเคลื่อนไหว คำถามนิรันดร์ของมนุษย์ถูกเปิดเผย: เกี่ยวกับความรักและความเกลียดชัง การอุทิศตนและการทรยศ ความสูงส่งและความถ่อมตัว

หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือผลงานของ Leonardo "La Gioconda" ภาพเหมือนของภรรยาของพ่อค้า del Giocondo นี้ดึงดูดความสนใจมานานหลายศตวรรษ มีการเขียนบทวิจารณ์หลายร้อยหน้าเกี่ยวกับภาพนี้ ถูกขโมย ปลอมแปลง คัดลอก และเชื่อกันว่ามีเวทมนตร์คาถา การแสดงออกที่เข้าใจยากบนใบหน้าของ Gioconda ท้าทายคำอธิบายและการทำซ้ำที่แม่นยำ ภาพบุคคลนี้กลายเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะโลกที่ประเภทภาพเหมือนยืนอยู่ในระดับเดียวกับการแต่งเพลงในธีมทางศาสนา

แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่แห่งยุคเรอเนซองส์พบการแสดงออกที่ชัดเจนในผลงานของราฟาเอล สันติ (ค.ศ. 1483-1520) เลโอนาร์โดสร้างสไตล์คลาสสิก ราฟาเอลอนุมัติและเผยแพร่ให้แพร่หลาย ศิลปะของราฟาเอลมักถูกกำหนดให้เป็น "ค่าเฉลี่ยสีทอง"

งานของราฟาเอลโดดเด่นด้วยคุณสมบัติคลาสสิก - ความชัดเจน ความเรียบง่ายอันสูงส่ง ความสามัคคี โดยรวมแล้วมีความเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาอายุน้อยกว่าเลโอนาร์โด 30 ปี และเสียชีวิตเกือบจะพร้อมกันกับเขา โดยประสบความสำเร็จมากมายในประวัติศาสตร์ศิลปะจนเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าคน ๆ เดียวสามารถทำทุกอย่างสำเร็จได้ ศิลปิน สถาปนิก นักอนุสาวรีย์ ผู้มีความสามารถรอบด้าน ผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคลและการจัดองค์ประกอบภาพหลายรูปแบบ ช่างตกแต่งที่มีพรสวรรค์ เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรม จุดสุดยอดของความเชี่ยวชาญของเขาคือ "Sistine Madonna" วาดในปี 1516 สำหรับอารามเบเนดิกตินในปิอาเซนซา (ปัจจุบันภาพวาดอยู่ในเดรสเดิน) สำหรับหลายๆ คน ศิลปะคือการวัดความสวยงามที่สุดที่สร้างสรรค์ได้

การจัดวางแท่นบูชานี้ถือเป็นสูตรสำเร็จแห่งความงามและความกลมกลืนมานานหลายศตวรรษ ความรู้สึกโศกเศร้าเล็ดลอดออกมาจากใบหน้าฝ่ายวิญญาณอันน่าอัศจรรย์ของพระแม่มารีและเทพเบบี้ซึ่งเธอมอบให้เพื่อชดใช้บาปของมนุษย์ การจ้องมองของมาดอนน่ามุ่งตรงราวกับผ่านผู้ชมซึ่งเต็มไปด้วยการมองการณ์ไกลอันโศกเศร้า ภาพนี้รวบรวมเอาการสังเคราะห์อุดมคติแห่งความงามแบบโบราณเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติแบบคริสเตียน

คุณค่าทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของราฟาเอลคือการที่เขาเชื่อมโยงสองโลกเป็นหนึ่งเดียว - โลกคริสเตียนและโลกนอกรีต ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา อุดมคติทางศิลปะใหม่ก็ได้รับการสถาปนาอย่างมั่นคงในศิลปะทางศาสนาของยุโรปตะวันตก

ประติมากรรมยุคเรอเนซองส์

อัจฉริยะที่สดใสของราฟาเอลนั้นยังห่างไกลจากความลึกทางจิตวิทยาสู่โลกภายในของมนุษย์เหมือนกับของเลโอนาร์โด แต่ยิ่งแปลกไปกว่าโลกทัศน์อันน่าเศร้าของมิเกลันเจโล Michelangelo Buonarroti (1475-1564) มีชีวิตที่ยืนยาว ยากลำบาก และเป็นวีรบุรุษ อัจฉริยภาพของพระองค์แสดงออกมาในสถาปัตยกรรม จิตรกรรม กวีนิพนธ์ แต่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในงานประติมากรรม เขามองโลกในแง่พลาสติก ในทุก ๆ ด้านของศิลปะเขาเป็นประติมากรเป็นหลัก ร่างกายมนุษย์ดูเหมือนเป็นเรื่องที่มีค่าที่สุดสำหรับเขาในการพรรณนา แต่นี่คือชายผู้มีสายพันธุ์พิเศษ ทรงพลัง และกล้าหาญ งานศิลปะของ Michelangelo อุทิศให้กับการเชิดชูนักสู้มนุษย์ กิจกรรมที่กล้าหาญ และความทุกข์ทรมานของเขา งานศิลปะของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วย gigantomania ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นอันยิ่งใหญ่ นี่คือศิลปะของจัตุรัส อาคารสาธารณะ ไม่ใช่ห้องโถงในพระราชวัง ศิลปะสำหรับประชาชน ไม่ใช่สำหรับขุนนางในราชสำนัก

ศตวรรษที่ 15 เป็นช่วงรุ่งเรืองของประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ในอิตาลี โดยยื่นออกมาจากด้านในสู่ส่วนหน้าของโบสถ์และอาคารพลเรือน เข้าสู่จัตุรัสกลางเมือง และกลายเป็นส่วนหนึ่งของวงดนตรีของเมือง

ผลงานที่เก่าแก่และมีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของ Michelangelo คือรูปปั้นของ David สูง 5 เมตรในจัตุรัสในฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะของ David ในวัยหนุ่มเหนือโกลิอัทยักษ์ การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองที่ได้รับความนิยม เพราะชาวฟลอเรนซ์เห็นว่าดาวิดเป็นวีรบุรุษที่อยู่ใกล้พวกเขา เป็นพลเมืองและผู้พิทักษ์สาธารณรัฐ

ประติมากรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียงหันไปหาภาพลักษณ์ของคริสเตียนแบบดั้งเดิมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้คนที่มีชีวิตและคนรุ่นเดียวกันด้วย การพัฒนาประเภทของประติมากรรมภาพเหมือน อนุสาวรีย์หลุมฝังศพ เหรียญรูปคน และรูปปั้นคนขี่ม้า มีความเกี่ยวข้องกับความปรารถนาที่จะสานต่อภาพลักษณ์ของคนร่วมสมัยที่แท้จริง ประติมากรรมเหล่านี้ประดับจัตุรัสในเมืองและเปลี่ยนรูปลักษณ์

ประติมากรรมยุคเรอเนซองส์กลับคืนสู่ประเพณีประติมากรรมโบราณ อนุสาวรีย์ของประติมากรรมโบราณกลายเป็นเป้าหมายของการศึกษา ซึ่งเป็นตัวอย่างหนึ่งของภาษาพลาสติก ประติมากรรมซึ่งเร็วกว่าการวาดภาพ ได้แยกตัวออกจากหลักคำสอนในยุคกลาง และใช้เส้นทางใหม่ของการพัฒนา บางทีสิ่งนี้อาจอธิบายได้จากสถานที่ที่อยู่ในโบสถ์ยุคกลาง ในระหว่างการก่อสร้างมหาวิหารขนาดใหญ่ มีการสร้างเวิร์คช็อปเพื่อฝึกอบรมช่างแกะสลักตกแต่งที่ได้รับการฝึกอบรมที่ดีที่นี่ เวิร์คช็อปของประติมากรเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางศิลปะชั้นนำ และมีบทบาทสำคัญในการศึกษาโบราณวัตถุและกายวิภาคศาสตร์ของร่างกายมนุษย์ ความสำเร็จของประติมากรรมในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นมีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรที่รับรู้ถึงบุคคลที่มีชีวิตผ่านปริซึมของความเป็นพลาสติก ประติมากรแห่งยุคเรอเนซองส์บรรลุความหมายที่สมบูรณ์ของร่างกายมนุษย์โดยปลดปล่อยมันออกจากใต้เสื้อผ้าจำนวนมากซึ่งมีร่างของกอธิคยุคกลางซ่อนอยู่ เส้นทางที่เฮลลาสเดินทางในสามศตวรรษนั้นเสร็จสมบูรณ์โดยปรมาจารย์สามรุ่นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อิตาลีเป็นประเทศที่มีชื่อเสียงด้านศิลปินมาโดยตลอด ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่เคยอาศัยอยู่ในอิตาลีได้ยกย่องงานศิลปะไปทั่วโลก เราสามารถพูดได้อย่างแน่นอนว่าถ้าไม่ใช่เพราะศิลปิน ประติมากร และสถาปนิกชาวอิตาลี โลกทุกวันนี้จะดูแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แน่นอนว่าถือเป็นงานศิลปะที่สำคัญที่สุดของอิตาลี อิตาลีในยุคเรอเนซองส์หรือเรอเนซองส์ประสบความสำเร็จในการเติบโตและความเจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ศิลปินที่มีความสามารถ, ประติมากร, นักประดิษฐ์, อัจฉริยะตัวจริงที่ปรากฏตัวในสมัยนั้นยังคงเป็นที่รู้จักของเด็กนักเรียนทุกคน ศิลปะ ความคิดสร้างสรรค์ แนวความคิด และการพัฒนาของพวกเขาในปัจจุบันถือเป็นคลาสสิก ซึ่งเป็นแก่นแท้ของศิลปะและวัฒนธรรมของโลกที่ถูกสร้างขึ้น

แน่นอนว่าหนึ่งในอัจฉริยะที่มีชื่อเสียงที่สุดของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีคือผู้ยิ่งใหญ่ เลโอนาร์โด ดา วินชี(1452-1519) ดาวินชีมีพรสวรรค์มากจนเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในหลายสาขา รวมถึงวิจิตรศิลป์และวิทยาศาสตร์ ศิลปินชื่อดังอีกคนหนึ่งที่เป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับก็คือ ซานโดร บอตติเชลลี(1445-1510) ภาพวาดของบอตติเชลลีเป็นของขวัญที่แท้จริงต่อมนุษยชาติ ปัจจุบัน หลายแห่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกและประเมินค่าไม่ได้อย่างแท้จริง ไม่มีชื่อเสียงไม่น้อยไปกว่า Leonardo da Vinci และ Botticelli ราฟาเอล สันติ(ค.ศ. 1483-1520) ซึ่งมีอายุ 38 ปีและในช่วงเวลานี้สามารถสร้างภาพวาดที่น่าทึ่งทั้งชั้นได้ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น อัจฉริยะที่ยิ่งใหญ่อีกคนหนึ่งของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีอย่างไม่ต้องสงสัยก็คือ มิเกลันเจโล บูโอนารอตติ(1475-1564) นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว Michelangelo ยังมีส่วนร่วมในงานประติมากรรม สถาปัตยกรรม และบทกวี และประสบความสำเร็จอย่างมากในงานศิลปะประเภทนี้ รูปปั้นของ Michelangelo ที่เรียกว่า "David" ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีใครเทียบได้ ซึ่งเป็นตัวอย่างหนึ่งของความสำเร็จสูงสุดของศิลปะประติมากรรม

นอกเหนือจากศิลปินที่กล่าวถึงข้างต้น ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี ยังเป็นผู้เชี่ยวชาญเช่น Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi และคนอื่น ๆ . พวกเขาทั้งหมดเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของโรงเรียนวาดภาพเวนิสอันน่ารื่นรมย์ ศิลปินต่อไปนี้เป็นของโรงเรียนจิตรกรรมอิตาเลียนฟลอเรนซ์: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, อันเดรีย เดล ซาร์โต.

เพื่อรวบรวมรายชื่อศิลปินทั้งหมดที่ทำงานในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตลอดจนช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ และหลายศตวรรษต่อมา ซึ่งมีชื่อเสียงไปทั่วโลกและยกย่องศิลปะการวาดภาพ ได้พัฒนาหลักการพื้นฐานและกฎหมายที่รองรับทุกประเภทและประเภทของ วิจิตรศิลป์ บางทีอาจต้องใช้เวลาเขียนหลายเล่ม แต่รายการนี้เพียงพอที่จะเข้าใจว่าศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่เป็นงานศิลปะที่เรารู้จัก ที่เรารัก และเราจะซาบซึ้งตลอดไป!

ภาพวาดของศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่

Andrea Mantegna - ภาพปูนเปียกใน Camera degli Sposi

Giorgione - นักปรัชญาสามคน

เลโอนาร์โด ดา วินชี - โมนา ลิซ่า

Nicolas Poussin - ความมีน้ำใจของสคิปิโอ

เปาโล เวโรเนเซ - ยุทธการแห่งเลปันโต