ปีเตอร์ คีล

ภาพวาดรัสเซีย กลางวันที่ 19ศตวรรษ (Peredvizhniki)

ความพ่ายแพ้ของการจลาจลของ Decembrist ด้วยการประหารชีวิตห้าคนและการเนรเทศนักโทษทางอาญามากกว่าหนึ่งร้อยยี่สิบคนถือเป็นจุดเริ่มต้นของการสิ้นสุดของยุคอันสูงส่งของประวัติศาสตร์รัสเซียและศิลปะรัสเซียซึ่งเกิดขึ้นที่ยอดของ ความสำเร็จสูงสุดของวัฒนธรรมรัสเซียในยุคทองเมื่อระบบศักดินาศักดินาทำให้ตัวเองรู้สึกเป็นครั้งแรก ปฏิกิริยาของคริสตจักรที่เล็ดลอดออกมาจากรัฐบาลซาร์ซึ่งอุดมการณ์ได้รับสูตร "เผด็จการ, ออร์โธดอกซ์, สัญชาติ" อันที่จริงมันสร้างอุดมการณ์ของยุคกลางขึ้นมาใหม่ Rus 'ด้วยการปฏิเสธปรากฏการณ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของชีวิตชาวรัสเซียตั้งแต่เริ่มการปฏิรูปของ Peter I.

ไอ.เค. ไอวาซอฟสกี้ ช่องแคบทะเลพร้อมประภาคาร 1841

นั่นคือเหตุผลที่พุชกินกวีผู้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวถูกข่มเหงเพราะแรงจูงใจที่รักอิสระในบทกวีของเขาและบรรทัดหนึ่งในจดหมายส่วนตัว "เกี่ยวกับความต่ำช้า" และตลอดชีวิตที่เหลือเขาต้องสร้างภายใต้การจ้องมองที่ระมัดระวังไม่เพียง การเซ็นเซอร์ แต่การเซ็นเซอร์ซาร์ นอกจากนี้ Nicholas I ยังจัดตั้งการกำกับดูแลโดยตรงในงานของ Karl Bryullov, Mikhail Glinka และ Lermontov ไม่ต้องพูดถึงการเซ็นเซอร์ทั่วไปที่ครอบงำการแสดงความคิดอิสระทั้งหมด เมื่ออยู่ในสภาพเช่นนี้เป็นเรื่องยากที่จะเข้าใจการฟื้นฟูปรากฏการณ์ในศิลปะรัสเซียซึ่งสะท้อนให้เห็นในการพัฒนาความคิดทางสังคมในยุค 40 - 70 ที่ถูกเซ็นเซอร์บดขยี้และทรมานราวกับแส้
ป.ล. Fedotov ภาพเหมือนของ N.P. Zhdanovich ที่เปียโน 1849
แต่เมื่อคุณพิจารณาปรากฏการณ์ของชีวิตและศิลปะรัสเซียในวงกว้างและครอบคลุมมากขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ก็ชัดเจนว่าแรงกระตุ้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งก่อให้เกิดยุคทองของบทกวีและวัฒนธรรมรัสเซียไม่ได้หายไป แต่เผยตัวออกมาในสภาพแวดล้อมใหม่ คือ ปัญญาชนทั่วไปและพ่อค้าที่เป็นวัฒนธรรมเมืองซึ่งโดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์ในประเทศต่างๆ ยุโรปตะวันตกและตะวันออก
ป.ล. Fedotov การจับคู่ของผู้พัน พ.ศ. 2391-2392
มีการทำให้งานศิลปะเป็นประชาธิปไตยซึ่งปรากฏอยู่ในผลงานของพุชกินแล้ว หากในบทกวีแรกและในนวนิยายเรื่อง "Eugene Onegin" กวีกล่าวถึงแวดวงปัญญาชนผู้สูงศักดิ์ของเขาจากนั้นใน "นิทานของ Belkin" ใน " ลูกสาวกัปตัน” ใน "The Queen of Spades" ใน "The Bronze Horseman" ผู้รับของมันคือปัญญาชนขนาดเล็กหรือทั่วไปซึ่งตามมาด้วย Gogol จากนั้น Dostoevsky, Herzen, Turgenev, Ostrovsky และแม้แต่ Leo Tolstoy
.
และนี่คือช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยมีพัฒนาการด้านสื่อสารมวลชนในรัสเซียอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนแม้ว่าจะอยู่ภายใต้เงาของการเซ็นเซอร์ที่รุนแรงที่สุดซึ่งข่มเหงความคิดที่ปลุกปั่น แต่ถอยกลับไปก่อน "ผู้ตรวจราชการ" และ "วิญญาณที่ตายแล้ว" โดยโกกอลนั่นคือต่อหน้าทุกคนล้วนๆ การสร้างสรรค์ทางศิลปะนักเขียนชาวรัสเซีย - จากเรื่องราวและนวนิยายของ Turgenev, Goncharov, Dostoevsky, Leo Tolstoy
ป.ล. Fedotov สมอ สมอเพิ่มเติม! พ.ศ. 2394-2395.
จากการคร่ำครวญของ Chaadaev และ Belinsky ในยุคแรก พวกเขากล่าวว่าเราไม่มีวรรณกรรม ผ่านไปไม่ถึงสองทศวรรษก่อนที่จะมีการเขียนร้อยแก้วคลาสสิกในรัสเซีย ซึ่งถูกอ่านด้วยความประหลาดใจในโลกตะวันตกในศตวรรษที่ 19 และได้กระตุ้นการพัฒนาของ วรรณกรรมโลกในศตวรรษที่ 20

แต่การตระหนักว่านี่คือปรากฏการณ์ยุคเรอเนซองส์ถูกขัดขวางโดยการขาดเสรีภาพและปฏิกิริยาศักดินาเดียวกันที่เล็ดลอดออกมาจากรัฐบาลซาร์ การขาดเสรีภาพในการคิดในหมู่ชาวตะวันตก ชาวสลาฟฟีล และนักปฏิวัติ ด้วยเหตุผลหลายประการ ความสำเร็จของการวาดภาพรัสเซียในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในธรรมชาติยังไม่เป็นที่เข้าใจเช่นกัน
ไอ.เค. ไอวาซอฟสกี้ อ่าวเนเปิลส์ 1841.
และนักวิจัยยังคงพูดถึง "ความสมจริงแบบประชาธิปไตย", "ความสมจริงเชิงวิพากษ์" หรือเพียงแค่เกี่ยวกับความสมจริงและแนวโรแมนติกเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะในตะวันตกโดยไม่ได้สังเกตว่าในรัสเซียทั้งแนวโรแมนติกและความสมจริงนั้นมีธรรมชาติที่แตกต่างกัน กล่าวคือ แนวโรแมนติกทำหน้าที่เป็น โลกทัศน์และเนื้อหา และความสมจริง - ในรูปแบบคลาสสิก นั่นคือ ในรูปแบบคลาสสิกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แน่นอนว่านี่เป็นเพียงเท่านั้น ตัวแทนอาวุโสดังเช่นกรณีในสมัยเรอเนซองส์ในอิตาลี มีเพียงนักเขียนและศิลปินรุ่นเยาว์เท่านั้นที่ยังคงความโรแมนติกและสัจนิยม ในขณะที่นักเขียนและศิลปินที่เก่งกาจซึ่งเอาชนะแนวโรแมนติกในวัยเยาว์ได้เติบโตเป็นผลงานคลาสสิกยุคเรอเนซองส์
.
ช่วงเวลาใหม่ในการพัฒนาภาพวาดของรัสเซียด้วยการทำให้เนื้อหาเป็นประชาธิปไตยปรากฏขึ้นแล้วในผลงานของ Sylvester Shchedrin ซึ่งถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งภูมิทัศน์ของรัสเซียแม้ว่าในภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาเราจะเห็นมุมของอิตาลีก็ตาม ภูมิภาคตอนเที่ยงเช่นเดียวกับในบทกวีและบทกวีทางใต้ของพุชกิน ภูมิทัศน์ของ Shchedrin เต็มไปด้วยผู้คนในเมืองซึ่งไม่โอ้อวดที่สุดและทาสีอยู่เสมอเหมือนธรรมชาติจากชีวิต Alexander Ivanov ยึดมั่นในสุนทรียศาสตร์แบบเดียวกัน ธรรมชาติคืออัลฟ่าและโอเมกาของสุนทรียศาสตร์ยุคเรอเนซองส์
ไอ.เค. ไอวาซอฟสกี้ โอเดสซาในเวลากลางคืน 2389.
ในรัสเซียทุกอย่างเป็นครั้งแรกเช่นเดียวกับในยุคเรอเนซองส์ในอิตาลี แน่นอนว่าการวาดภาพบุคคล ภูมิทัศน์ และประเภทต่างๆ ถือกำเนิดขึ้น โดยคำนึงถึงความสำเร็จของศิลปะยุโรป แต่ก่อนอื่นคือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด ศิลปินชาวรัสเซียโดยไม่ต้องกังวลใจอีกต่อไปด้วยสัญชาตญาณทางศิลปะที่ไม่ผิดเพี้ยนถูกดึงดูดเข้าสู่ความสำเร็จสูงสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลีอย่างแม่นยำโดยตระหนักว่าพวกเขากำลังทำแบบเดียวกันในรัสเซียเท่านั้น

ประเภทการวาดภาพเช่นเดียวกับทิวทัศน์ถูกวาดครั้งแรกโดยศิลปินชาวรัสเซียในอิตาลีนี่คือประเภทที่เรียกว่าอิตาลีของ Orest Kiprensky, Karl Bryullov และคนอื่น ๆ ซึ่งไม่น่าแปลกใจเลยอิตาลีเป็นโรงเรียนสำหรับศิลปินชาวยุโรปทุกคนและโดยเฉพาะศิลปินชาวรัสเซีย ที่พวกเขาตรงไปยังแหล่งดั้งเดิม ได้รับการฟื้นฟูในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ไอ.เค. ไอวาซอฟสกี้ เชสเม่ สู้ๆ 1848.
การเปลี่ยนแปลงของรุ่นในการวาดภาพเกิดขึ้นโดยหยุดชั่วคราวเมื่อเราเห็น Tropinin, Venetsianov, Fedotov ทีละคนพร้อมการปรากฏตัวของศิลปินทั้งกาแล็กซี่ในไม่ช้า - หลังจากการก่อจลาจลของผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts นำโดย Kramskoy กับองค์กรของ Artel of Artists - รวมเป็นหนึ่งเดียวในสมาคมนิทรรศการศิลปะการท่องเที่ยวในปี พ.ศ. 2413

Peredvizhniki แม้จะได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางโดยเฉพาะในยุคโซเวียต แต่ก็ยังไม่ค่อยมีใครเข้าใจในประเทศของเราเนื่องจากความมุ่งมั่นของนักวิจัยบางคนในเรื่อง "ความสมจริง" และคนอื่น ๆ ที่จะปฏิเสธมันด้วยเหตุผลหลายประการ ในเวลาเดียวกันแนวคิดเรื่องความสมจริงนั้นสามารถนำมาประกอบกับศิลปินรุ่นเยาว์ได้อย่างง่ายดายและเมื่อเทียบกับศิลปินหลักพวกเขามองหาคำจำกัดความ "บทกวี" "อารมณ์" "มหัศจรรย์" แนวคิดเรื่อง "ความสมจริง" เหมือนครั้งหนึ่ง "ลัทธิคลาสสิก" ในวรรณคดีและในภาพวาดในฐานะ "นักวิชาการ" กลายเป็นป้ายกำกับเชิงบวกสำหรับบางคนและเป็นเชิงลบสำหรับคนอื่น ๆ ซึ่งนำไปใช้กับศิลปินรุ่นเยาว์เป็นหลักอีกครั้ง
วี.จี.เปรอฟ โรงเตี๊ยมแห่งสุดท้ายที่ด่านหน้า พ.ศ. 2412
อันดับต้น ๆ - Perov, Kramskoy, Ge, Vereshchagin, Savrasov, Vasiliev, Shishkin, Aivazovsky, Repin - มีสไตล์ของตัวเองที่สมบูรณ์จนไม่มีเหตุผลที่จะพูดถึงความสมจริง ในขณะเดียวกันโดยพื้นฐานแล้วพวกเขายึดมั่นในสุนทรียศาสตร์แบบเดียวกันซึ่งรวมพวกเขาเข้าด้วยกันแม้จะมีลักษณะเฉพาะตัวทั้งหมดก็ตาม และ P.M. Tretyakov ซึ่งเป็นบุคคลใหม่ในชีวิตศิลปะของรัสเซียก็ยึดมั่นในสุนทรียศาสตร์แบบเดียวกัน เขาไม่ได้เป็นเพียงนักสะสมงานศิลปะและเป็นลูกค้าเช่นกษัตริย์และขุนนางเท่านั้น แต่ยังเป็นบุคคลสาธารณะ นักมนุษยนิยมในรูปแบบใหม่ ซึ่งเขาพิสูจน์โดยการสร้างแกลเลอรีศิลปะรัสเซีย
วี.จี.เปรอฟ ภาพเหมือนของ F.M. Dostoevsky พ.ศ. 2415
สุนทรียศาสตร์ของศิลปินที่รวมตัวกันในสมาคมนิทรรศการศิลปะการท่องเที่ยวคืออะไร? เมื่อพิจารณาจากเป้าหมายที่พวกเขาตั้งไว้สำหรับงานศิลปะ ด้วยการจัดนิทรรศการ ยกเว้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก และในเมืองอื่น ๆ ของรัสเซีย ด้วยธีมของผลงานของพวกเขา มันชัดเจน: นี่คือสุนทรียภาพของมนุษยนิยมแบบใหม่ที่ ก็เหมือนกับในวรรณคดีที่ยืนยันถึงศักดิ์ศรีความเป็นบุคคลและโดยเฉพาะ บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์, - ภาพวาดของนักเขียน นักแต่งเพลง นักแสดง และจิตรกรที่โดดเด่นจำนวนมากถูกวาดตามคำสั่งโดยตรงจาก Tretyakov
วี.จี.เปรอฟ ภาพเหมือนของ A.N. Ostrovsky พ.ศ. 2414
การยืนยันถึงศักดิ์ศรีของมนุษย์และเหนือสิ่งอื่นใดคือบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์คืออัลฟ่าและโอเมกาของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเวลาเดียวกันการค้นพบธรรมชาติซึ่งศิลปินดำเนินการผ่านภูมิทัศน์ซึ่งในรัสเซียได้รับคุณภาพใหม่อย่างสมบูรณ์เหมือนภาพบุคคล

ความจริงใจและความใกล้ชิดของภาพวาดชาวรัสเซียดังที่แต่เดิมปรากฏในหมู่ศิลปินชาวรัสเซียกลุ่มแรกๆ ตอนนี้เราพบในภูมิทัศน์ของรัสเซีย ซึ่งธรรมชาติในความเรียบง่ายหรือความยิ่งใหญ่ของมันดูเหมือนจะเผยให้เห็นจิตวิญญาณของมัน ส่องสว่างจักรวาลและมนุษย์ ชีวิตที่บางครั้งก็มืดมน บางครั้งก็สดใสน่าอัศจรรย์

Kramskoy Ivan Nikolaevich (1837 - 1887) เกิดมาในครอบครัวชนชั้นกลางที่ยากจน เรารับรู้ในตัวเขาว่าเป็นสามัญชนประเภทหนึ่งตั้งแต่เบลินสกี้ไปจนถึงเชคอฟซึ่งเริ่มต้นชีวิตด้วยการเป็นเสมียน - อาลักษณ์ด้วยความอยากสร้างสรรค์อย่างคลุมเครือดังนั้นเขาจึงได้ฝึกงานกับจิตรกรไอคอนพบอาชีพที่ทันสมัยกว่า - ช่างตกแต่งภาพด้วย ช่างภาพเดินทางพร้อมชี้แจงอาชีพของเขาและในความสามารถของเขาก็ไม่ขาดแคลนและที่นี่เขาอยู่ภายในกำแพงของ Academy of Arts (พ.ศ. 2400 - พ.ศ. 2406) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในรัสเซีย - ด้วยความพ่ายแพ้ในไครเมีย สงครามและการยกเลิกความเป็นทาส - ก สถานการณ์การปฏิวัติและขบวนการปลดปล่อยก็จะเติบโตขึ้นนับจากนั้นเป็นต้นไป โดยมีอิทธิพลโดยตรงหรือแฝงต่อการพัฒนาความคิดและศิลปะทางสังคม

ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts ในปี พ.ศ. 2406 นำโดย Kramskoy (ผู้ดีที่สุดที่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อชิงเหรียญทองใหญ่) ประกาศสิทธิ์ของนักเรียนในการเลือกวิชาสำหรับงานวิทยานิพนธ์ของตนโดยละทิ้งหัวข้อที่เหมือนกันสำหรับทุกคน - มัน เป็นการก่อจลาจล "การก่อจลาจลสิบสี่" - และโดยไม่ได้รับความยินยอมจากเจ้าหน้าที่พวกเขาก็ทิ้งเธอไป Kramskoy ได้จัดตั้ง Artel of Artists ซึ่งเป็นต้นแบบของสมาคมที่กว้างขึ้นของศิลปินเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก - สมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง (พ.ศ. 2413 - 2466)
ไอ.เอ็น. ครามสคอย ภาพเหมือนของ I.I. Shishkin พ.ศ. 2412
Kramskoy ยังทำหน้าที่เป็นนักวิจารณ์ศิลปะร่วมกับ Stasov โดยเทศนาเรื่อง "ความโน้มเอียง" นั่นคือความสามารถในการสัมผัสกับ "ความรักและความเกลียดชัง" ต่อความเป็นจริงโดยสมบูรณ์ด้วยจิตวิญญาณแห่งกาลเวลาและสุนทรียศาสตร์ของ Nekrasov และ Chernyshevsky ตำแหน่งพลเมืองที่กระตือรือร้นสันนิษฐานว่ามีอุดมคติของบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ที่น่าภาคภูมิใจซึ่งปรากฏในภาพเหมือนตนเองในปี 1867 และศิลปินได้รวบรวมลัทธิความเชื่อของเขาไว้ในแกลเลอรี่ภาพบุคคลของนักเขียน กวี ศิลปินที่มีชื่อเสียงและ บุคคลสาธารณะซึ่งยุคหลังการปฏิรูปมีความร่ำรวยเป็นพิเศษ

การถ่ายภาพบุคคลของ L. N. Tolstoy (2416), P. M. Tretyakov (2419); N. A. Nekrasova (2420-2421), M. E. Saltykova-Shchedrin (2422); I. I. Shishkina (2423); กวีและนักคิด V.S. Solovyov (1885) มีความเรียบง่ายและพูดน้อยในการดำเนินการโดยไม่มีพื้นฐานใด ๆ ในเรื่องนี้มันยังน้อยและน่าเบื่อหน่าย - ภาพระยะใกล้เช่นเดียวกับในโรงภาพยนตร์เป็นเพียงบุคลิกภาพที่ไม่มีเงาของอุดมคติ

ภาพวาดของสำนักพิมพ์ Suvorin ศิลปิน Kuindzhi, Griboyedov อาจอิงจากภาพถ่ายตลอดชีวิต เช่นเดียวกับภาพในพิธีของ Alexander III และจักรพรรดินี Maria Feodorovna ที่เต็มไปด้วยความฉลาด...

“Christ in the Desert” (1872) ก็เป็นภาพบุคคลเช่นกัน มีเพียงทิวทัศน์เท่านั้นที่ดื่มด่ำไปกับ ครั้งในตำนานจากปัจจุบันด้วยความคิดและการค้นหาของคนยุคใหม่อาจกล่าวได้ว่าตัวศิลปินเอง นักวิจัยเขียนเกี่ยวกับการปฏิรูปภาพทางศาสนา เช่นเดียวกับของ N.N. Ge เมื่อตัวละครและเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ถูกตีความว่าเป็นประวัติศาสตร์ซึ่งอยู่บนพื้นผิว

แต่ที่นี่ ที่สำคัญกว่านั้นมากคือ มีสุนทรียศาสตร์แบบเดียวกันเกิดขึ้น เช่นในภาพวาดของซานโดร บอตติเชลลีเรื่อง "The Adoration of the Magi" ซึ่งดูเหมือนจะเป็นเรื่องเกี่ยวกับศาสนาล้วนๆ แต่อย่างไรก็ตาม แสดงถึงภาพกลุ่มของครอบครัวเมดิชิที่มี ภาพเหมือนตนเองของศิลปิน นี่คือคุณลักษณะที่โดดเด่นของสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อตำนานและชีวิตในปัจจุบันผสานเข้าด้วยกันและ Alexander Ivanov, Ge และ Kramskoy ยึดมั่นในสุนทรียศาสตร์แบบเดียวกับศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Kramskoy ในฐานะจิตรกรภาพบุคคล แสดงให้เห็นถึงแนวทางที่ดูเหมือนจะสมจริงอย่างแท้จริง แต่เขาไม่เหลือความรู้สึกลึกลับของบุคลิกภาพ ชีวิต และความตาย ซึ่งแสดงออกมาในภาพวาดเชิงสัญลักษณ์ "คืนเดือนหงาย" พร้อมภาพเหมือนของ E.A. Tretyakova (1880), “ ความเศร้าโศกที่ไม่อาจปลอบใจได้" (1884)

สัญลักษณ์ลึกลับปรากฏอยู่ใน “ช่อดอกไม้” ใน “ผู้หญิงกับร่ม” ใน “ไม่ทราบ” (พ.ศ. 2426) ในคนแปลกหน้าที่มีความงามและศักดิ์ศรีในบุคลิกภาพของเธอซึ่งถือได้ว่าเป็นศูนย์รวมของสิ่งใหม่ รุ่นที่เข้ามาในชีวิตในช่วงทศวรรษที่ 80 ศตวรรษที่ 19 ในไม่ช้าก็จะเปล่งประกายด้วยกาแล็กซีมากมายของนักเขียน กวี ศิลปิน นักแสดง สถาปนิก และบุคคลสำคัญด้านละครเวที และ “ภาพเหมือนของสุภาพสตรี” ซึ่งเราจะเห็นหญิงสาวผู้เปี่ยมไปด้วยชีวิตชีวาด้วยความงดงามทางศิลปะและความสง่างาม

ภูมิทัศน์ของรัสเซียในผลงานของ A.K. Savrasov (1830 - 1897) หลังจากการค้นหาในกระแสหลักเป็นเวลานาน ยวนใจยุโรปและทันใดนั้น F.A. Vasiliev (1850 - 1873) จาก I.I. Shishkin (1832 - 1898) จาก I.K. Aivazovsky (1817 - 1900) จาก A.I. Kuindzhi (1842? - 1910) มาถึงจุดสูงสุดของความเชี่ยวชาญด้านภาพ ด้วยการค้นพบที่ไม่ใช่แค่ธรรมชาติใน ความเรียบง่ายหรือความยิ่งใหญ่ แต่ธรรมชาติก็แทรกซึมเข้าไปในโลกทัศน์ของศิลปิน ไม่ใช่แค่อารมณ์พิเศษของเขา เช่น ความโรแมนติก แต่เป็นความรู้สึกพื้นบ้าน เมื่อทิวทัศน์ถูกมองว่าเป็นภาพเหมือน ที่ดินพื้นเมืองมาตุภูมิเล็กหรือใหญ่

บทประพันธ์หรือมหากาพย์ของภูมิทัศน์ของรัสเซียนั้นมีความพิเศษอย่างยิ่ง และไม่สามารถพิจารณาให้สอดคล้องกับแนวโรแมนติกหรือความสมจริงได้ โดยเฉพาะลัทธิยุโรปตะวันตกซึ่งปรากฏอยู่ที่นี่ ความงามพื้นเมืองธรรมชาติที่เต็มไปด้วยมนุษยนิยมแบบใหม่นั่นคือโลกทัศน์และสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในรัสเซีย นี่คือความเป็นเอกลักษณ์ของภูมิทัศน์ของรัสเซีย นี่คือปรากฏการณ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เนื้อหาโรแมนติกในการรับรู้ของธรรมชาติมีรูปแบบคลาสสิก เช่นเดียวกับในบทกวีของพุชกินหรือร้อยแก้วของลีโอ ตอลสตอย และที่นี่เรากำลังพูดถึงเรื่องแนวโรแมนติกมากขึ้นเรื่อย ๆ และที่ดีที่สุดคือเกี่ยวกับ “ ภูมิทัศน์คลาสสิกชนิดใหม่” และเวลาแห่งความโรแมนติกจะมาถึง - ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20

ผลงานของ N. N. Ge (1831 - 1894) ก็ไม่สอดคล้องกับแนวคิดยอดนิยมเกี่ยวกับผู้พเนจร Ge เกิดที่ Voronezh และใช้ชีวิตวัยเด็กและวัยเยาว์ในยูเครน ตอนอายุสิบหกเขาเข้ามหาวิทยาลัยเคียฟ (ในภาควิชาคณิตศาสตร์ของคณะปรัชญา) หนึ่งปีต่อมาเขามาถึงเมืองหลวงและศึกษาต่อในช่วงเวลาสั้น ๆ ที่มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กถัดจาก Academy of Arts ซึ่งเขาย้ายไปโดยตัดสินใจเลือกอาชีพของเขาในปี พ.ศ. 2393

หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts Ge อาศัยและทำงานในโรมและฟลอเรนซ์ (พ.ศ. 2401-2412) โดยมุ่งเน้นไปที่งานของ Karl Bryullov และ Alexander Ivanov และเช่นเดียวกับงานหลังได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดของ A.I. Herzen Ge ถือว่า "ภาพวาดอิสระ" ภาพแรกของเขาคือ "ภาพกระยาหารมื้อสุดท้าย" (พ.ศ. 2404-2406) ซึ่งโดดเด่นด้วยความแปลกใหม่ของทั้งการจัดองค์ประกอบและการตีความภาพพระกิตติคุณ และบางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพนี้ถึงฟังดูมีเนื้อหาเกี่ยวกับการละทิ้งความเชื่อ ที่เกี่ยวข้องกับรัสเซียโดยมีความแตกแยกในฝ่ายค้านทางการเมืองในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ยูดาส เหรัญญิกของชุมชน ทรยศต่อพระคริสต์โดยเลือกเส้นทางแห่งผลกำไร และนี่คือเส้นทางของอารยธรรมยุโรป ซึ่งชัดเจนอย่างสมบูรณ์กับการพัฒนาของระบบทุนนิยมในรัสเซีย และสิ่งที่โกกอลและดอสโตเยฟสกีเรียกว่า "ความผิดปกติ"

ในปีเดียวกันนั้น Ge ได้สร้างภาพเหมือนของ A.I. Herzen ซึ่งนักวิจัยเรียกว่า "Rembrandt"; ความเฉียบแหลมที่หนาแน่นและความเฉียบคมของการจ้องมองของตัวละครบ่งบอกถึงดราม่าแห่งความคิด

เมื่อกลับมารัสเซีย Ge จะมีส่วนร่วมในการจัดตั้งสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง (ร่วมกับ G.G. Myasoedov) ในนิทรรศการครั้งแรกมีการนำเสนอภาพวาดของเขา "Peter I สอบปากคำ Tsarevich Alexei Petrovich ใน Peterhof" (1871) เนื้อหาถูกตีความในรูปแบบต่างๆ พวกเขาพูดคุยเกี่ยวกับ "การต่อสู้ของความคิดและความตั้งใจ" เกี่ยวกับ "ละครของซาร์ - หม้อแปลงไฟฟ้า" เกี่ยวกับ "ความขัดแย้งอันน่าสลดใจไม่เพียง แต่สำหรับตัวละครสองตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสองยุคที่เป็นปฏิปักษ์ของประวัติศาสตร์รัสเซียด้วย" และธีมก็เหมือนกับในภาพยนตร์เรื่อง “The Last Supper” ธีมของการละทิ้งความเชื่อและการทรยศ

ภาพวาดของ Ge ในธีมพระคัมภีร์และประวัติศาสตร์เต็มไปด้วยอารมณ์ในการรับรู้และประสบการณ์ของเหตุการณ์และบุคคลให้ใกล้ชิดกับผู้ชมมากที่สุด - ไม่มีระยะทางทุกอย่างเกิดขึ้นในความเป็นจริงและตอนนี้ สิ่งที่อยู่ตรงหน้าเราไม่ใช่ภาพทางศาสนาหรือประวัติศาสตร์ในความหมายปกติ แต่เป็นภาพที่ทันสมัยทั้งในด้านบทกวีและจิตวิทยาบนเวทีแห่งการดำรงอยู่ สอดคล้องกับสุนทรียภาพแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างสมบูรณ์

นั่นคือภาพวาด "Pushkin in Mikhailovsky" (1875) หรือ "ความจริงคืออะไร" (พ.ศ. 2433) ไม่ว่ารูปแบบและการดำเนินการจะแตกต่างกันเพียงใด ด้วยการเปลี่ยนของศิลปินไปเป็นรูปแบบการเขียนที่แสดงออกถึงการสเก็ตช์ภาพ ซึ่งได้รับความเข้มแข็งถึงขีด จำกัด ในภาพวาด "คัลวารี" (พ.ศ. 2436) วิถีแห่งไม้กางเขนของพระคริสต์เกิดขึ้นจากส่วนลึกนับพันปีในฐานะการจับกุมและประหารชีวิตผู้ที่ถูกข่มเหงโดยเจ้าหน้าที่

“ภาพเหมือนของลีโอ ตอลสตอยที่โต๊ะของเขา” (1884) เป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปินที่คู่ควรกับผู้แต่ง “สงครามและสันติภาพ”

ไอวาซอฟสกี้ ไอ.เค. (พ.ศ. 2360 - พ.ศ. 2443) เกิดที่ Feodosia ในครอบครัวของนักธุรกิจชาวอาร์เมเนียเรียนที่โรงยิมใน Simferopol และในปี พ.ศ. 2376 ได้เข้าเรียนที่ Academy of Arts ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาในปี พ.ศ. 2382 แม้แต่ในผลงานของนักเรียน ศิลปินหนุ่มก็ค้นพบรูปแบบพิเศษในการสร้างองค์ประกอบอากาศและน้ำของทะเล ซึ่งจะกลายเป็นลักษณะเด่นของภาพวาดของเขา ภาพวาดชิ้นแรกของ Aivazovsky ที่แสดงในนิทรรศการวิชาการในปี พ.ศ. 2378 มีชื่อที่ไม่ธรรมดาว่า "Study of Air over the Sea"

หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts แล้ว Aivazovsky ก็เดินทางไปอิตาลีตามปกติเพื่อพัฒนาตัวเอง แต่ทักษะของศิลปินชาวรัสเซียนั้นชัดเจนมากจนในไม่ช้าก็มีการจัดนิทรรศการภาพวาดของเขาด้วย ความสำเร็จที่ดี. เมื่อเขากลับมารัสเซีย ศิลปินชาวยุโรปผู้โด่งดังถูกส่งไปยังกองบัญชาการทหารเรือหลักซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับ Nicholas I อย่างไรก็ตามสิ่งนี้อาจสอดคล้องกับความสนใจของ Aivazovsky: เขาออกเดินทางร่วมเป็นสักขีพยานในการปฏิบัติการทางทหารหลายครั้ง สร้างภาพวาดที่มีฉากการต่อสู้เช่น "Chesmensky battle" (1848)

ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Aivazovsky เป็นจิตรกรทางทะเลระดับปรมาจารย์ที่ไม่มีใครเทียบได้เขาสร้างองค์ประกอบที่มีชีวิตของทะเลขึ้นมาใหม่ใกล้กับปาฏิหาริย์และความลึกลับและทั้งหมดเป็นเพราะทะเลสำหรับเขาคือศูนย์รวมของความงามเหมือนท้องฟ้าทรงพลังตระหง่านน่ากลัว มันคือความงามของธรรมชาติ เช่นเดียวกับป่าไม้สำหรับ Shishkin ความงามของจักรวาล นี่ไม่ใช่แค่แนวโรแมนติกหรือความสมจริง แต่เป็นคลาสสิกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของรัสเซีย

ภาพวาด "The Ninth Wave" (1850) ซึ่งจำลองเหตุการณ์เวรกรรมนั้นน่าทึ่งในความงามของน้ำซึ่งเป็นพื้นฐานของสิ่งมีชีวิตบนโลกราวกับแสงที่กระทบกับผู้ชมหลงใหลในปรากฏการณ์อันน่าสยดสยองของ ซากเรืออัปปางเหมือนท้องทะเล นั่นคือสุนทรียภาพของความคลาสสิกซึ่งปรากฏในภาพวาดของ Karl Bryullov เรื่อง "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี"

เรารู้วิธีดูถูกดูแคลนอัจฉริยะ พวกเขาเขียนว่า:“ Aivazovsky ทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ไม่เพียง แต่เป็นจิตรกรที่มีความสามารถเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้ใจบุญด้วย” Aivazovsky เป็นจิตรกรทางทะเลที่เก่งกาจ ใช่แล้ว เขาเป็นคนเดียวในโลกที่วาดภาพ เหมือน Shishkin คนเดียว เช่นเดียวกับเลวีตัน คำว่า "ผู้ใจบุญ" ใช้ไม่ได้กับ Aivazovsky ปัญญาชนชาวรัสเซียเป็นนักมนุษยนิยม ไม่เพียงแต่ในด้านสุนทรียภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจริยธรรมด้วย นั่นคือ Kuindzhi ลูกศิษย์ของ Aivazovsky

Shishkin Ivan Ivanovich (1832 - 1898) เกิดที่ Yelabuga จังหวัดเวียตกาในครอบครัวของพ่อค้าเขาเรียนที่โรงยิมในคาซานตั้งแต่อายุสิบสองปี แต่เมื่อไม่จบเขาก็เข้าโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมในมอสโกจากนั้น (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2400) ก็ศึกษาต่อที่ Academy ของศิลปะในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างขยันขันแข็งในการวาดภาพและร่างภาพร่างจากชีวิตในบริเวณใกล้เคียงเมืองหลวงและบนเกาะวาลาอัมและได้รับเหรียญเงินขนาดเล็กและใหญ่เหรียญทองขนาดเล็กและสุดท้ายเหรียญทองขนาดใหญ่ในปี พ.ศ. 2403 โดยมี สิทธิในการเดินทางไปต่างประเทศในฐานะลูกสมุนของ Academy of Arts

Shishkin ไม่ได้ไปอิตาลี แต่ไปที่มิวนิกจากนั้นย้ายไปซูริกเยี่ยมชมเจนีวาและตั้งรกรากที่ดุสเซลดอร์ฟเรียนรู้ทุกสิ่งที่เขารู้สึกว่าต้องการโดยเฉพาะเทคนิคการแกะสลักด้วยวอดก้าที่แข็งแกร่ง นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว Shishkin ยังวาดภาพด้วยปากกาอีกมากมาย โดยทั่วไปแล้วเขาเป็นช่างเขียนแบบที่น่าทึ่งเหมือนกับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียอยู่ในพิพิธภัณฑ์ดึสเซลดอร์ฟแล้ว

เมื่อกลับมารัสเซียในปี พ.ศ. 2409 Shishkin เดินทางไปทั่วประเทศอย่างต่อเนื่องเพื่อค้นพบธรรมชาติของตัวเองและผู้ชมด้วยการศึกษา "กายวิภาค" ของต้นไม้และป่าไม้อย่างรอบคอบซึ่งเป็นพื้นฐานของความงามของธรรมชาติดั้งเดิมของเขา เขายังมีส่วนร่วมในการแกะสลักด้วยวอดก้าที่แข็งแกร่งด้วยตั้งแต่ปี พ.ศ. 2413 มีนักเพาะเลี้ยงสัตว์น้ำจำนวนมากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การวาดภาพและการแกะสลักเป็นรูปแบบพิเศษของการศึกษาธรรมชาติ ซึ่งแสดงให้เห็นครั้งแรกโดยศิลปินยุคเรอเนซองส์ตั้งแต่เลโอนาร์โด ดา วินชี ไปจนถึงอัลเบรชท์ ดูเรอร์ และเป็นศิลปะประเภทพิเศษที่ใครๆ ก็พูดได้ว่าเป็นงานคลาสสิกในบทกวี

สิ่งนี้อธิบายได้ว่าทำไมศิลปินถึงแม้จะประสบความสำเร็จอย่างมากในการวาดภาพทิวทัศน์ที่งดงามของเขา แต่เขาก็ยังคงวาดภาพและแกะสลักแบบเอกรงค์อยู่ตลอดเวลา ในขณะเดียวกันภาพวาดและภาพวาดของ Shishkin นั้นมีมากมายจนพวกเขาพูดถึงประสิทธิภาพของอัจฉริยะ

Vasiliev Fedor Aleksandrovich (1850-1873) มีชีวิตที่สั้น แต่ก็สามารถมีส่วนร่วมในการทำให้ภูมิทัศน์ของรัสเซียเจริญรุ่งเรือง เขาเกิดในครอบครัวของเจ้าหน้าที่ไปรษณีย์รายย่อยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เมื่ออายุสิบสองปีเขาเคยทำงานที่ที่ทำการไปรษณีย์หลักแล้วโดยได้รับเงินเดือนสามรูเบิลต่อเดือน เมื่อแสดงความสามารถในการวาดแล้ว เขาจึงเข้าเรียนในโรงเรียนสอนวาดภาพของ Society for the Encouragement of the Arts ซึ่งในไม่ช้าเขาก็สังเกตเห็นโดย I.N. ครามสคอย, I.I. Shishkin และ I.E. Repin เขาจะเดินทางไปตามแม่น้ำโวลก้าในปี พ.ศ. 2413 ภาพวาดที่วาดในเวลานี้: "The Thaw", "View on the Volga" และ "Winter Landscape" สร้างชื่อเสียงให้กับศิลปินหนุ่ม

ขณะเดียวกันก็พัฒนาการบริโภค ลงทะเบียนเป็นนักเรียนอาสาสมัครที่ Academy of Arts และแม้จะได้รับตำแหน่งศิลปินระดับ 1 โดยมีเงื่อนไขในการผ่านการสอบจากหลักสูตรวิทยาศาสตร์ Vasiliev ก็ถูกบังคับให้ออกจากไครเมีย สมาคมส่งเสริมศิลปะ จัดสรรเงินทุน เพื่อการรักษาและการปรับปรุง Vasiliev วาดภาพเขียนสองภาพ "Swamp" และ "Crimean View" ซึ่งได้รับรางวัลจาก Society for the Encouragement of Arts ในปี พ.ศ. 2415 นอกจากความเจ็บป่วยแล้วชีวิตของศิลปินหนุ่มใน ปีที่ผ่านมาและวันเวลาก็มืดมนลงด้วยความพยายามที่ไม่ประสบผลสำเร็จในการได้รับเอกสารเกี่ยวกับการเกิดของเขา การกำหนดสถานะทางสังคมของเขา (เขาได้รับการพิจารณาหรือผิดกฎหมาย)

ภาพวาดที่ศิลปินมือใหม่ที่ดูเหมือนเป็นมือใหม่สามารถวาดได้นั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยตราประทับแห่งอัจฉริยะ

การวาดภาพในรัสเซียในศตวรรษที่ 19 นั้นสมบูรณ์และน่าสนใจ

โดยปกติแล้วศตวรรษที่ 19 จะถูกเรียกว่า "ยุคทองของวัฒนธรรมรัสเซีย" ภาพวาดของรัสเซียมีความเจริญรุ่งเรืองเป็นพิเศษ

ดวงดาวดั้งเดิมดวงใหม่สว่างไสวเปล่งประกายบนท้องฟ้าเป็นครั้งคราว ก่อตัวเป็นกลุ่มดาวของศิลปินที่มีความสามารถ แต่ละคนมีลายมือของตัวเองซึ่งเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่จดจำหรือสับสน

ศิลปินจาก "หมีรัสเซีย"

Orest Adamovich Kiprensky (24 มีนาคม พ.ศ. 2325 - 17 ตุลาคม พ.ศ. 2379) อาจารย์ด้านการวาดภาพชาวอิตาลีผู้มีชื่อเสียงในตอนแรกไม่เชื่อว่าภาพบุคคลที่สร้างขึ้นด้วยเทคนิคที่ยอดเยี่ยมถ่ายทอดลักษณะอารมณ์และสภาพจิตใจของบุคคลที่ปรากฎเป็นของ ศิลปินที่ไม่รู้จัก Orest Kiprensky จากรัสเซีย

ภาพเหมือนของ O. Kiprensky ของภาพ A. S. Pushkin

ความเชี่ยวชาญในการวาดภาพของ Kiprensky ซึ่งเป็นลูกชายนอกกฎหมายของเจ้าของที่ดินและหญิงชาวนาที่เป็นทาสนั้นไม่ด้อยไปกว่าปรมาจารย์เช่น Rubens หรือ Van Dyck แต่อย่างใด จิตรกรคนนี้ถือเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ดีที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 อย่างถูกต้อง น่าเสียดายที่ในประเทศของเขาเองเขาไม่ได้รับการชื่นชมเท่าที่ควร ภาพเหมือนของ A.S. Pushkin โดย Kiprensky ถูกพิมพ์ในฉบับที่อาจไม่มีศิลปินคนอื่น

จิตรกรแห่งชีวิตพื้นบ้าน

Aleksey Gavrilovich Venetsianov (18 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2323 - 16 ธันวาคม พ.ศ. 2390) เบื่อหน่ายกับการคัดลอกภาพวาดเชิงวิชาการสิบสองปีในอาศรมออกจากหมู่บ้าน Safonkovo ​​จังหวัดตเวียร์ เขาเริ่มเขียนชีวิตชาวนาในลักษณะที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของเขาเอง ความอุดมสมบูรณ์ แสงแดด, การไหลของอากาศ, ความเบาเป็นพิเศษบนผืนผ้าใบของผู้ก่อตั้งประเภทรัสเซียและการวาดภาพทิวทัศน์

เวเนทเซียนอฟ. จิตรกรรมบนที่ดินทำกิน ภาพถ่ายฤดูใบไม้ผลิ

พื้นที่เปิดโล่งของรัสเซียและความสงบสุขในภาพวาดชื่อดัง” บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ” และ “เมื่อถึงฤดูเก็บเกี่ยว” ฤดูร้อน". “ ชาร์ลมาญ” นี่คือชื่อที่มอบให้กับนักเรียนและศิลปินร่วมสมัยชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่หลายคนซึ่งเป็นตัวแทนของภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ Karl Pavlovich Bryullov (23 ธันวาคม พ.ศ. 2342 - 23 มิถุนายน พ.ศ. 2395) ภาพวาดของเขาถูกเรียกว่าเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในภาพวาด ของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขา "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" กลายเป็นชัยชนะของศิลปะรัสเซีย และขุนนาง “นักขี่ม้า” หรือสาวหมู่บ้านทั้งหมู่บ้านก็เต็มไปด้วยแสงแดดในภาพวาด” เที่ยงอิตาลี” ปลุกเร้าและปลุกความรู้สึกโรแมนติก

"สันโดษโรมัน"

Alexander Andreevich Ivanov (28 กรกฎาคม พ.ศ. 2349 - 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2401) เป็นปรากฏการณ์ที่ถกเถียงกันในภาพวาดของรัสเซีย เขาเขียนในลักษณะวิชาการอย่างเคร่งครัด หัวข้อของภาพวาดของเขาเป็นตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลและโบราณ สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน" ผืนผ้าใบขนาดใหญ่นี้ยังคงดึงดูดผู้ชมและไม่อนุญาตให้เขามองและขยับออกไป

A. Ivanov วาดภาพการปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน

นี่คืออัจฉริยะของจิตรกรคนนี้ซึ่งไม่ได้ออกจากเวิร์คช็อปของชาวโรมันเป็นเวลาถึงหนึ่งในสี่ของศตวรรษโดยกลัวว่าจะสูญเสียอิสรภาพส่วนบุคคลและความเป็นอิสระของศิลปินเนื่องจากการกลับมายังบ้านเกิดของเขา เขาก้าวนำหน้าไม่เพียงแต่คนรุ่นราวคราวเดียวกันเท่านั้น แต่ยังนำหน้าคนรุ่นต่อๆ ไปด้วยความสามารถของเขาในการถ่ายทอดเนื้อหาไม่เพียงแต่ภายนอกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาภายในด้วย จาก Ivanov เส้นด้ายแห่งความต่อเนื่องทอดยาวไปจนถึง Surikov, Ge, Vrubel, Korin

ผู้คนอยู่บนโลกได้อย่างไร...

นักร้องแนวเพลงในชีวิตประจำวัน - นี่คือวิธีที่เราสามารถกำหนดผลงานของศิลปิน Pavel Andreevich Fedotov (4 กรกฎาคม พ.ศ. 2358 - 26 พฤศจิกายน พ.ศ. 2395) ซึ่งมีชีวิตที่สั้นมาก แต่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมาก หัวข้อของภาพวาดไม่กี่ภาพของเขาทั้งหมดเป็นเหตุการณ์เดียวอย่างแท้จริง ซึ่งมักจะใช้เวลาค่อนข้างสั้น แต่คุณสามารถใช้มันเพื่อเขียนเรื่องราวทั้งหมดได้ ไม่เพียงแต่เกี่ยวกับปัจจุบัน แต่ยังเกี่ยวกับอดีตและอนาคตด้วย

ภาพวาดของ P. Fedotov การจับคู่ภาพถ่ายหลัก

และแม้ว่าภาพวาดของ Fedotov จะไม่เคยมีรายละเอียดมากเกินไปก็ตาม ความลึกลับของศิลปินที่มีพรสวรรค์อย่างแท้จริง! และเศร้า ชะตากรรมที่น่าเศร้าเมื่อการรับรู้ที่แท้จริงเกิดขึ้นหลังความตายเท่านั้น

ถึงเวลาสำหรับการเปลี่ยนแปลง

การเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในสังคมรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางการเมืองใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระแสทางศิลปะด้วย ความสมจริงกำลังเข้ามาแทนที่วิชาการ เมื่อซึมซับประเพณีที่ดีที่สุดจากรุ่นก่อน ๆ จิตรกรรุ่นใหม่จึงชอบทำงานในรูปแบบของความสมจริง

พวกกบฏ

เมื่อวันที่ 9 พฤศจิกายน พ.ศ. 2406 นักศึกษาที่สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts จำนวน 14 คน ออกมาประท้วงต่อต้านการปฏิเสธที่จะให้เขียน ผลงานการแข่งขันบน หัวข้อฟรีออกจากอคาเดมี ผู้ริเริ่มการปฏิวัติทางวิชาการคือ (8 มิถุนายน พ.ศ. 2380 - 5 เมษายน พ.ศ. 2430) เป็นจิตรกรวาดภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมและเป็นผู้เขียนผืนผ้าใบที่มีปรัชญาและศีลธรรมที่ลึกซึ้งอย่างผิดปกติ "พระคริสต์ในทะเลทราย" กลุ่มกบฏได้จัดตั้ง "สมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง" ของตนเอง

Ivan Kramskoy วาดภาพพระคริสต์ในทะเลทราย

องค์ประกอบทางสังคมของ "Peredvizhniki" มีความหลากหลายมาก - สามัญชน, บุตรชายของชาวนาและช่างฝีมือ, ทหารเกษียณอายุ, เพศในชนบทและเจ้าหน้าที่ผู้เยาว์ พวกเขาพยายามรับใช้ผู้คนด้วยพลังแห่งพรสวรรค์ของพวกเขา Vasily Grigorievich Perov (21 ธันวาคม พ.ศ. 2376 - 29 พฤษภาคม พ.ศ. 2425) นักอุดมการณ์และผู้ให้คำปรึกษาทางจิตวิญญาณของ Peredvizhniki

ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมจากผู้คนจำนวนมาก “การเห็นคนตาย” และในขณะเดียวกัน เขาก็สร้างสรรค์ผืนผ้าใบที่เต็มไปด้วยอารมณ์ขันและความรักต่อธรรมชาติ (“ Hunters at a Rest”) Alexey Kondratievich Savrasov ในปี 1871 วาดภาพขนาดเล็ก“ The Rooks Have Arrival” และกลายเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย ภาพวาดที่มีชื่อเสียงแขวนอยู่ในห้องโถงแห่งหนึ่งของ Tretyakov Gallery และถือเป็นสัญลักษณ์ทางภาพของรัสเซีย

ยุคใหม่ของการวาดภาพรัสเซีย

โลกแห่งความต้องการความไร้กฎหมายและการกดขี่ปรากฏต่อหน้าผู้ชมในภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ (5 สิงหาคม พ.ศ. 2387 - 29 กันยายน พ.ศ. 2473) “ Barge Haulers on the Volga” อันโด่งดังของเขาไม่เพียง แต่เป็นภาพของการทำงานหนักที่พังทลายเท่านั้น แต่ยังเป็นการเฉลิมฉลองความแข็งแกร่งและอำนาจของประชาชนซึ่งเป็นลักษณะที่กบฏของเขา Isaac Ilyich Levitan (30 สิงหาคม พ.ศ. 2403 - 4 สิงหาคม พ.ศ. 2443) ยังคงเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์รัสเซียที่ไม่มีใครเทียบได้

Ilya Repin วาดภาพ Barge Haulers บนภาพถ่าย Volga

ในฐานะลูกศิษย์ของ Savrasov เขารับรู้และพรรณนาธรรมชาติในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ความอุดมสมบูรณ์ของแสงแดด อากาศ พื้นที่เปิดโล่งที่ไม่มีที่สิ้นสุดตลอดเวลาของปีบนผืนผ้าใบสร้างอารมณ์แห่งความสงบ ความเงียบสงบ และความสุขอันเงียบสงบ ดวงวิญญาณได้หยุดพักจากโค้งแม่น้ำรัสเซียที่สวยงาม ทุ่งหญ้าน้ำ และป่าในฤดูใบไม้ร่วง

นักประวัติศาสตร์

วิชาประวัติศาสตร์ดึงดูดจิตรกรด้วยละคร ความหลงใหลที่เข้มข้น และความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงชื่อเสียง ตัวเลขทางประวัติศาสตร์. Nikolai Nikolaevich Ge (27 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2374 - 13 มิถุนายน พ.ศ. 2437) จิตรกรที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวจริงใจอย่างยิ่งศิลปินนักคิดและนักปรัชญาซับซ้อนขัดแย้งและมีอารมณ์มาก

ภาพวาดของ Nikolai Ge ของ Peter 1 ซักถามภาพถ่ายของ Tsarevich Alexei

เขามองว่าการวาดภาพเป็นภารกิจทางศีลธรรมอันสูงส่งในการเปิดทางสู่ความรู้และประวัติศาสตร์ เขาเชื่อว่าศิลปินไม่จำเป็นต้องให้ความสุขแก่ผู้ชมเท่านั้น แต่ต้องสามารถทำให้พวกเขาร้องไห้ได้ ช่างแข็งแกร่ง ช่างโศกนาฏกรรม ช่างพลังแห่งความหลงใหลบนผืนผ้าใบที่โด่งดังที่สุดของเขา บรรยายถึงฉากที่ Peter I สอบปากคำ Alexei ลูกชายของเขา!

V. Surikov วาดภาพการข้ามเทือกเขาแอลป์ของ Suvorov

(24 มกราคม พ.ศ. 2391 - 19 มีนาคม พ.ศ. 2459) คอซแซคทางพันธุกรรมไซบีเรีย เขาศึกษาที่ Academy of Arts โดยเสียค่าใช้จ่ายเป็นพ่อค้าและผู้ใจบุญในครัสโนยาสค์ ความสามารถอันยอดเยี่ยมของเขาในฐานะจิตรกรได้รับแรงหนุนจากความรักชาติอันลึกซึ้งและความเป็นพลเมืองสูง ดังนั้นผืนผ้าใบของเขาในธีมประวัติศาสตร์ไม่เพียงสร้างความพึงพอใจให้กับทักษะและเทคนิคชั้นสูงเท่านั้น แต่ยังทำให้ผู้ชมรู้สึกภาคภูมิใจในความกล้าหาญและความกล้าหาญของชาวรัสเซียอีกด้วย

V. Vasnetsov วาดภาพ Knight at the Crossroads

(15 พฤษภาคม พ.ศ. 2391 - 23 กรกฎาคม พ.ศ. 2469) จิตรกรชื่อดัง แสวงหาผลงานของเขาเพื่อผสมผสานเทพนิยาย ตำนาน เข้ากับ ลักษณะประจำชาติคนรัสเซีย. เขาเรียกตัวเองว่านักเล่าเรื่อง นักเขียนผู้ยิ่งใหญ่ และกัสลาร์ที่งดงาม ดังนั้นทั้ง "Alyonushka" และ "Three Heroes" จึงกลายเป็นสัญลักษณ์ของชาวรัสเซียและรัสเซียมายาวนาน

ศิลปิน Viktor Vasnetsov เป็นผู้ประดิษฐ์ Budenovka ในตำนานและเสื้อคลุมปีกยาวของนักสู้แห่งกองทัพม้าที่ 1 ของ Budyonny ผ้าโพกศีรษะมีลักษณะคล้ายหมวกของนักรบรัสเซียโบราณ และเสื้อคลุม "พร้อมบทสนทนา" (เย็บลายขวางที่หน้าอก) ก็คล้ายกับ Caftan Streltsy

สิ่งที่ปรากฎในภาพวาดรัสเซียที่มีชื่อเสียง

นิโคไล เนฟเรฟ. "ต่อรอง. ฉากหนึ่งจากชีวิตทาส” พ.ศ. 2409

เจ้าของที่ดินคนหนึ่งขายสาวเสิร์ฟให้กับอีกคนหนึ่ง ผู้ซื้อแสดงห้านิ้วอย่างสง่างาม - ห้าร้อยรูเบิล 500 รูเบิล - ราคาเฉลี่ยข้ารับใช้รัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ผู้ขายของหญิงสาวเป็นขุนนางที่มีการศึกษาในยุโรป รูปภาพบนผนังหนังสือ หญิงสาวรอคอยชะตากรรมของเธออย่างถ่อมตัว ทาสคนอื่น ๆ รวมตัวกันที่ประตูและดูว่าการเจรจาต่อรองจะจบลงอย่างไร ความปรารถนา

วาซิลี เปรอฟ “ขบวนแห่ทางศาสนาในชนบทในวันอีสเตอร์” พ.ศ. 2404

หมู่บ้านรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ออร์โธดอกซ์อีสเตอร์ ทุกคนเมาแทบบ้า รวมทั้งนักบวชด้วย คนที่อยู่ตรงกลางถือไอคอนกลับหัวและกำลังจะล้มลง บางส่วนได้ล้มลงแล้ว ตลก! สาระสำคัญของภาพคือความมุ่งมั่นของชาวรัสเซียต่อออร์โธดอกซ์นั้นเกินจริง การติดแอลกอฮอล์รุนแรงขึ้นอย่างเห็นได้ชัด Perov เป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับ จิตรกรรมประเภทและภาพเหมือน แต่รูปนี้ของเขา. ซาร์รัสเซียถูกห้ามไม่ให้แสดงหรือทำซ้ำ เซ็นเซอร์!

กริกอรี มาโซเอดอฟ. “เซมสโวกำลังรับประทานอาหารกลางวัน” พ.ศ. 2415

สมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ความเป็นทาสถูกยกเลิก แนะนำตัว รัฐบาลท้องถิ่น- เซมสวอส ชาวนาก็ถูกเลือกที่นั่นเช่นกัน แต่ระหว่างพวกเขากับชนชั้นที่สูงกว่านั้นยังมีเหวอยู่ ดังนั้น - การรับประทานอาหารการแบ่งแยกสีผิว สุภาพบุรุษอยู่ในบ้าน โดยมีบริกร ชาวนาอยู่ที่ประตู

เฟดอร์ วาซิลีฟ. "หมู่บ้าน". พ.ศ. 2412

พ.ศ. 2412 ภูมิทัศน์นั้นสวยงาม แต่หากมองใกล้ ๆ หมู่บ้านนั้นยากจน บ้านยากจน หลังคารั่ว ถนนเต็มไปด้วยโคลน

ยาน เฮนดริก เวอร์เฮเยน "หมู่บ้านชาวดัตช์ที่มีรูปปั้นผู้คน" ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19.

แค่นั้นแหละเพื่อการเปรียบเทียบ

อเล็กเซย์ คอร์ซูคิน. "กลับจากเมือง" พ.ศ. 2413

สถานการณ์ในบ้านย่ำแย่ เด็กคลานอยู่บนพื้นโทรม และสำหรับลูกสาวคนโต พ่อของเธอนำของขวัญเล็กๆ น้อยๆ จากเมืองมาให้ - เบเกิลพวงหนึ่ง จริงอยู่ที่มีลูกหลายคนในครอบครัว - เฉพาะในภาพเท่านั้นที่มีสามคนและอาจมีอีกคนหนึ่งอยู่ในเปลแบบโฮมเมด

เซอร์เกย์ โคโรวิน. "บนโลก." พ.ศ. 2436

นี่เป็นหมู่บ้านของปลายศตวรรษที่ 19 แล้ว ไม่มีข้าแผ่นดินอีกต่อไปแล้ว แต่มีการแบ่งแยกเกิดขึ้น - หมัด ในการรวมตัวของหมู่บ้าน มีความขัดแย้งบางอย่างระหว่างชายยากจนกับกุลลักษณ์ สำหรับผู้ชายที่ยากจน หัวข้อนี้ดูเหมือนจะสำคัญอย่างยิ่ง เขาแทบจะร้องไห้สะอึกสะอื้น หมัดที่ร่ำรวยหัวเราะเยาะเขา หมัดอื่นๆ ที่อยู่ด้านหลังก็หัวเราะคิกคักใส่ขอทานผู้แพ้เช่นกัน แต่สหายที่อยู่ทางด้านขวาของชายผู้น่าสงสารนั้นตื้นตันใจกับคำพูดของเขา มีสมาชิกคณะกรรมการสำเร็จรูปสองคนแล้ว สิ่งที่เหลืออยู่คือรอจนถึงปี 1917

วาซิลี มักซิมอฟ. "การประมูลค้างชำระ" พ.ศ. 2424-2525

กรมสรรพากรโกรธมาก เจ้าหน้าที่ซาร์ประมูลกาโลหะ หม้อเหล็กหล่อ และข้าวของของชาวนาอื่นๆ ภาษีที่หนักที่สุดสำหรับชาวนาคือการจ่ายเงินไถ่ถอน อเล็กซานเดอร์ที่ 2 "ผู้ปลดปล่อย" ปลดปล่อยชาวนาด้วยเงินจริง ๆ แล้วพวกเขาจำเป็นต้องจ่ายเงินให้รัฐบ้านเกิดเป็นเวลาหลายปีสำหรับที่ดินที่มอบให้พวกเขาตามความประสงค์ของพวกเขา ที่จริงแล้ว ชาวนาเคยมีที่ดินนี้มาก่อนและใช้เป็นทาสมาหลายชั่วอายุคน แต่เมื่อพวกเขาเป็นอิสระ พวกเขาถูกบังคับให้ชดใช้ที่ดินนี้ ต้องชำระเงินเป็นงวดจนถึงปี 1932 ในปี 1907 ท่ามกลางการปฏิวัติ เจ้าหน้าที่ได้ยกเลิกภาษีเหล่านี้

วลาดิเมียร์ มาคอฟสกี้. "บนถนน" พ.ศ. 2429-2430

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 การพัฒนาอุตสาหกรรมมาถึงรัสเซีย คนหนุ่มสาวไปในเมือง เธอจะบ้าไปแล้วที่นั่น ชีวิตที่ผ่านมาพวกเขาไม่สนใจอีกต่อไป และชายหนุ่มผู้ทำงานหนักคนนี้ไม่สนใจแม้แต่ภรรยาชาวนาที่มาหาเขาจากหมู่บ้าน เธอไม่ก้าวหน้า หญิงสาวรู้สึกหวาดกลัว ชนชั้นกรรมาชีพที่มีหีบเพลงไม่สนใจ

วลาดิเมียร์ มาคอฟสกี้. "วันที่". พ.ศ. 2426

มีความยากจนในหมู่บ้าน เด็กชายถูกมอบให้กับสาธารณชน เหล่านั้น. ส่งเข้าเมืองไปทำงานให้เจ้าของที่แสวงหาผลประโยชน์จากแรงงานเด็ก แม่มาเยี่ยมลูกชายของเธอ เห็นได้ชัดว่าทอมมีชีวิตที่ยากลำบาก แม่ของเขามองเห็นทุกอย่าง เด็กชายกินขนมปังที่เขานำมาอย่างตะกละตะกลาม

และวลาดิมีร์ มาคอฟสกี้ด้วย "ธนาคารล่มสลาย" พ.ศ. 2424

กลุ่มผู้ฝากเงินที่ถูกฉ้อโกงในสำนักงานธนาคาร ทุกคนตกตะลึง นายธนาคารอันธพาล (ทางขวา) กำลังเอาแป้งออกไปอย่างเงียบ ๆ ตำรวจมองไปอีกทางเหมือนไม่เห็นเขา

พาเวล เฟโดตอฟ. “คาวาเลียร์สด” 2389

เจ้าหน้าที่หนุ่มได้รับคำสั่งแรก พวกเขาล้างมันทั้งคืน เช้าวันรุ่งขึ้น พระองค์ทรงวางไม้กางเขนบนเสื้อคลุมของพระองค์โดยตรง แล้วนำไปให้แม่ครัวดู รูปลักษณ์ที่บ้าคลั่งเต็มไปด้วยความเย่อหยิ่ง พ่อครัวที่สวมบทบาทเป็นผู้คนมองเขาด้วยความประชด Fedotov เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภาพวาดทางจิตวิทยาเช่นนี้ ความหมายของสิ่งนี้: ไฟกระพริบไม่ได้อยู่บนรถ แต่อยู่ที่หัว

พาเวล เฟโดตอฟด้วย “อาหารเช้าของขุนนาง” พ.ศ. 2392-2393

ในตอนเช้า ขุนนางผู้ยากจนถูกแขกที่ไม่คาดคิดพาไปด้วยความประหลาดใจ เขารีบเก็บอาหารเช้าของเขา (ขนมปังดำชิ้นหนึ่ง) นวนิยายฝรั่งเศส. ขุนนาง (3% ของประชากร) เป็นชนชั้นพิเศษในรัสเซียเก่า พวกเขาเป็นเจ้าของที่ดินจำนวนมหาศาลทั่วประเทศ แต่แทบจะไม่สามารถสร้างเกษตรกรที่ดีได้ ไม่ใช่ธุระของเจ้านาย ผลลัพธ์คือความยากจน หนี้สิน ทุกอย่างถูกจำนองและจำนองใหม่ในธนาคาร ในสวนเชอร์รี่ออร์ชาร์ดของเชคอฟ ที่ดินของเจ้าของที่ดิน Ranevskaya ถูกขายเพื่อชำระหนี้ ผู้ซื้อ (พ่อค้าที่ร่ำรวย) กำลังทำลายที่ดินและต้องการสวนเชอร์รี่ของลอร์ดจริงๆ (เพื่อขายต่อในชื่อเดชา) สาเหตุของปัญหาของตระกูล Ranevsky คือความเกียจคร้านมาหลายชั่วอายุคน ไม่มีใครดูแลที่ดิน และเจ้าของเองก็ไปอยู่ต่างประเทศมา 5 ปีแล้วและเปลืองเงิน

บอริส คุสโตดีเยฟ. "พ่อค้า". พ.ศ. 2461

พ่อค้าประจำจังหวัดเป็นหัวข้อโปรดของ Kustodiev ในขณะที่ขุนนางในปารีสถลุงที่ดินของตนอย่างสุรุ่ยสุร่าย ผู้คนเหล่านี้ลุกขึ้นจากจุดต่ำสุดและสร้างรายได้ในประเทศที่กว้างใหญ่ ซึ่งมีพื้นที่เหลือเฟือสำหรับลงทุนทั้งมือและเงินทุน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้วาดในปี 1918 เมื่อพ่อค้า Kustodiev และพ่อค้าหญิงทั่วประเทศถูกนักสู้ต่อต้านชนชั้นกลางผลักไปที่กำแพงแล้ว

อิลยา เรปิน. “ขบวนแห่เข้า. จังหวัดเคิร์สค์" พ.ศ. 2423-2426

สังคมชั้นต่างๆ มาที่ขบวนแห่ทางศาสนา และ Repin ก็พรรณนาถึงพวกเขาทั้งหมด จะมีการถือตะเกียงพร้อมเทียนไปข้างหน้า ตามด้วยไอคอน จากนั้นบุคคลที่ดีที่สุดจะไป - เจ้าหน้าที่ในเครื่องแบบ นักบวชในชุดทองคำ พ่อค้า ขุนนาง ด้านข้างมียาม (บนหลังม้า) แล้วก็มีคนธรรมดา ผู้คนข้างถนนจะเสาะหาเป็นระยะเพื่อไม่ให้เจ้านายและเข้าไปในเลนของเขา Tretyakov ไม่ชอบเจ้าหน้าที่ตำรวจในภาพ (ทางขวาในชุดขาวทุบตีใครบางคนจากฝูงชนอย่างสุดกำลัง) เขาขอให้ศิลปินขจัดความวุ่นวายของตำรวจออกจากโครงเรื่อง แต่เรพินปฏิเสธ แต่ Tretyakov ก็ซื้อภาพวาดอยู่ดี สำหรับ 10,000 รูเบิล ซึ่งเป็นเพียงจำนวนมหาศาลในขณะนั้น

อิลยา เรปิน. "การชุมนุม". พ.ศ. 2426

แต่หนุ่มๆ เหล่านี้ในภาพวาดอีกชิ้นของ Repin จะไม่ไปร่วมขบวนแห่ทางศาสนากับฝูงชนอีกต่อไป พวกเขามีทางของตัวเอง - ความหวาดกลัว นี่คือ Narodnaya Volya องค์กรใต้ดินของนักปฏิวัติที่สังหารซาร์อเล็กซานเดอร์ที่ 2

นิโคไล บ็อกดานอฟ-เบลสกี้ “การนับวาจา ที่โรงเรียนรัฐบาลของ S.A. Rachinsky" พ.ศ. 2438

โรงเรียนในชนบท เด็กชาวนาสวมรองเท้าบาส แต่มีความปรารถนาที่จะเรียนรู้ ครูอยู่ในชุดยุโรปผูกโบว์ นี่คือคนจริงๆ - Sergei Rachinsky นักคณิตศาสตร์ศาสตราจารย์แห่งมหาวิทยาลัยมอสโก เขาสอนตามความสมัครใจที่โรงเรียนในชนบทในหมู่บ้าน Tatevo (ปัจจุบันคือภูมิภาคตเวียร์) ซึ่งเขามีที่ดิน มาก. จากการสำรวจสำมะโนประชากร พ.ศ. 2440 อัตราการรู้หนังสือในรัสเซียอยู่ที่เพียง 21%

แจน มาเตโก. "โปแลนด์ถูกล่ามโซ่" พ.ศ. 2406

จากการสำรวจสำมะโนประชากร พ.ศ. 2440 ผู้รู้หนังสือในประเทศอยู่ที่ 21% และชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ - 44% เอ็มไพร์! ความสัมพันธ์ระหว่างชาติพันธุ์ในประเทศไม่เคยราบรื่น ภาพวาดของศิลปินชาวโปแลนด์ Jan Matejko เขียนขึ้นเพื่อรำลึกถึงการลุกฮือต่อต้านรัสเซียในปี 1863 เจ้าหน้าที่รัสเซียที่มีใบหน้าโกรธแค้นผูกมัดหญิงสาว (โปแลนด์) พ่ายแพ้ แต่ก็ไม่แตกหัก ข้างหลังเธอมีผู้หญิงอีกคนหนึ่ง (ผมบลอนด์) ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของลิทัวเนีย เธอถูกรัสเซียอีกคนคลำสกปรก เสาทางด้านขวาซึ่งนั่งหันหน้าไปทางผู้ชมคือภาพที่ถ่มน้ำลายของ Dzerzhinsky

นิโคไล ปิโมเมนโก. เหยื่อของความคลั่งไคล้ พ.ศ. 2442

ภาพวาดแสดงให้เห็น กรณีจริงซึ่งอยู่ในเมือง Kremenets (ยูเครนตะวันตก) เด็กสาวชาวยิวตกหลุมรักช่างตีเหล็กชาวยูเครน คู่บ่าวสาวตัดสินใจแต่งงานกับเจ้าสาวที่เปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์ สิ่งนี้ทำให้ชุมชนชาวยิวในท้องถิ่นกังวล พวกเขาประพฤติตนไม่อดทนอย่างยิ่ง พ่อแม่ (ด้านขวาของภาพ) ปฏิเสธลูกสาวของตน และเด็กหญิงก็ถูกขัดขวาง เหยื่อมีไม้กางเขนที่คอ ด้านหน้าของเธอคือแรบไบที่มีหมัด ด้านหลังเขาเป็นบุคคลสาธารณะที่เกี่ยวข้องกับชมรมต่างๆ

ฟรานซ์ รูโบ. "การโจมตีหมู่บ้านกิมรี" พ.ศ. 2434

สงครามคอเคเชียนในศตวรรษที่ 19 ส่วนผสมที่ชั่วร้ายของ Dags และ Chechens โดยกองทัพซาร์ หมู่บ้าน Gimry (หมู่บ้านบรรพบุรุษของ Shamil) ล่มสลายเมื่อวันที่ 17 ตุลาคม พ.ศ. 2375 อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ปี 2550 ระบอบปฏิบัติการต่อต้านการก่อการร้ายได้มีผลบังคับใช้ในหมู่บ้าน Gimry อีกครั้ง การเคลียร์ครั้งสุดท้าย (ในขณะที่เขียนโพสต์นี้) โดยตำรวจปราบจลาจลคือวันที่ 11 เมษายน 2556 เรื่องแรกอยู่ในภาพด้านล่าง:

วาซิลี เวเรชชากิน "คนกินฝิ่น" พ.ศ. 2411

ภาพวาดนี้วาดโดย Vereshchagin ในทาชเคนต์ระหว่างการรณรงค์ Turkestan ของกองทัพรัสเซีย เอเชียกลางแล้วถูกผนวกเข้ากับรัสเซีย วิธีที่ผู้เข้าร่วมในการรณรงค์เห็นบรรพบุรุษของแขกรับเชิญในปัจจุบัน - Vereshchagin ทิ้งภาพวาดและบันทึกความทรงจำเกี่ยวกับเรื่องนี้ สิ่งสกปรก ความยากจน ยาเสพติด...

ปีเตอร์ เบลูซอฟ. “เราจะไปทางอื่น!” 1951

และสุดท้ายคือเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์รัสเซียในศตวรรษที่ 19 เมื่อวันที่ 22 เมษายน พ.ศ. 2413 Volodya Ulyanov เกิดที่เมือง Simbirsk พี่ชายของเขาซึ่งเป็นสมาชิก Narodnaya Volya พยายามตัวเองในขอบเขตแห่งความหวาดกลัวส่วนบุคคล - เขาเตรียมความพยายามในชีวิตของซาร์ แต่ความพยายามล้มเหลวและน้องชายก็ถูกแขวนคอ นั่นคือตอนที่หนุ่ม Volodya ตามตำนานบอกแม่ของเขาว่า: "เราจะไปทางอื่น!" และไปกันเถอะ

บนพื้นฐานของศูนย์วัฒนธรรม "Pokrovsky Gates" ครูที่ดีที่สุดของมหาวิทยาลัยมนุษยศาสตร์ นักวิทยาศาสตร์ ผู้เผยแพร่วิทยาศาสตร์ และนักวิจัย หลายครั้งต่อเดือนจะเล่าให้ผู้ฟังฟังถึงสิ่งที่ก่อนหน้านี้มีเพียงนักศึกษาระดับปริญญาตรีและบัณฑิตศึกษาในวงแคบเท่านั้นที่ได้ยิน

การบรรยายทั้งหมดจะถูกบันทึกไว้ในวิดีโอและเผยแพร่บน Pravmir เพื่อให้เข้าถึงได้ไม่เพียงแต่สำหรับชาว Muscovites เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้อ่านของเราจากเมืองและประเทศอื่นๆ ด้วย เราหวังว่าการบรรยายของเราจะช่วยคุณเติมเต็มช่องว่างในการศึกษาของคุณและมองโลกนี้ใหม่ แผนของเราประกอบด้วยการบรรยายเกี่ยวกับการศึกษาพระคัมภีร์ ประวัติศาสตร์ของคริสตจักร รัสเซียและโลก สาขาวิชาอักษรศาสตร์ที่หลากหลาย ประวัติศาสตร์ศิลปะ พิธีกรรม และความรู้ด้านอื่นๆ

หัวข้อของเราในวันนี้คือภาพวาดทางศาสนาและประวัติศาสตร์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ทำไมต้อง XIX? เพราะศิลปะต้องเรียนรู้ตั้งแต่พื้นฐาน ภาพวาดของรัสเซียเกิดเมื่อไม่นานมานี้ เธอยังเด็กมาก - เธอปรากฏตัวในศตวรรษที่ 18

ลองนึกภาพว่าโลกนี้มี Leonardo da Vinci, Raphael, Rembrandt อยู่แล้ว มีปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในประเทศอื่น ๆ ไม่มีอะไรในรัสเซีย ไม่มีวิจิตรศิลป์ในความหมายที่แท้จริง ทำไม

ประการแรกมีการห้าม - มีเพียงไอคอนและงานศิลปะในโบสถ์เท่านั้น ในประเภทนี้ รัสเซียมีความสูงอย่างไม่น่าเชื่อ เนื่องจากไม่มีการสร้างสัญลักษณ์รัสเซียในศตวรรษที่ 14-15 ที่ดีไปกว่านี้ในโลกในประเภทนี้ แต่สิ่งนี้มีความเฉพาะเจาะจงมากและไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะ

ประการแรก ไอคอนไม่ใช่งานศิลปะ นี่เป็นภาพศักดิ์สิทธิ์ที่สร้างขึ้นเพื่อการอธิษฐาน และหากมันถูกวาดโดยจิตรกรไอคอนผู้เก่งกาจ นั่นก็คือศิลปะ ถึง ศตวรรษที่ 17เมื่อศิลปะสิ้นสุดลง แสงก็จากเธอไป นี่เป็นหัวข้อที่ซับซ้อน เป็นไปไม่ได้ที่จะอธิบายว่าทำไมถึงมียอดเขาและหุบเขาเช่นนี้ ศิลปะทุกประเภท และเหตุการณ์ใดๆ ที่สร้างความประทับใจให้คนทั้งประเทศได้สัมผัส

คุณรู้ไหมว่าปีเตอร์ฉันตัดหน้าต่างสู่ยุโรป เขาทำถูกต้องแล้ว แม้ว่าเขาจะตัดผ่านมันไปในลักษณะที่โหดร้ายและน่ากลัวก็ตาม เช่นเคย ทุกสิ่งที่นี่เต็มไปด้วยเลือด แต่รัสเซียไม่สามารถอยู่อย่างโดดเดี่ยวได้ แต่ต้องเริ่มต้นเส้นทางการพัฒนาระดับโลก และเขาก็ทำมันสำเร็จ จำเป็นต้องก้าวเข้าสู่เบื้องหน้าพื้นที่โลกซึ่งยืนอยู่ในบริบทของยุโรปเพื่อไล่ตามประเทศอื่น ๆ ในงานศิลปะประเภทนี้ด้วย

การแข่งขันอันเลวร้ายได้เริ่มต้นขึ้นแล้ว ตอนแรกเราตามหลังไปไกลแล้วตามทัน ตลอดสองศตวรรษที่ผ่านมา รัสเซียได้ก้าวไปสู่ระดับศิลปะยุโรปที่ค่อนข้างดีและอยู่ในระดับปานกลาง สไตล์ในงานศิลปะทั้งหมดไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเหมือนกับที่มีคนคิดจะสร้างสไตล์บาโรก โรโกโค หรือเรอเนซองส์ ไม่มีองค์ประกอบที่แตกต่างกันจำนวนมากเชื่อมโยงกันที่นี่ - บริบททางการเมืองและเศรษฐกิจ

มีส่วนประกอบต่าง ๆ มากมาย ซึ่งยังไม่ทราบแน่ชัด ความลับมากมายแม้กระทั่งสิ่งที่อธิบายไม่ได้เกิดขึ้นในหมู่ผู้คนเมื่อมีการสร้างประเภทนี้หรือประเภทนั้น บางครั้งศิลปินสองคนก็อยู่เคียงข้างกัน แต่งานของพวกเขากลับขัดแย้งกัน

และตอนนี้รัสเซียกำลังตามทัน โลกทั้งโลกได้ดำเนินชีวิตไปตามรูปแบบใหม่ๆ ซึ่งใช้เวลามากกว่าหนึ่งศตวรรษ แต่ที่นี่เราจำเป็นต้องตามให้ทันในหลายทศวรรษ ยิ่งกว่านั้นคุณต้องตามให้ทันด้วยการเลียนแบบไม่ใช่การมีชีวิตอยู่ ประเทศไม่ได้มีชีวิตอยู่ผ่านเหตุการณ์เหล่านี้ซึ่งควรจะแสดงบนผืนผ้าใบ ดังนั้นสไตล์มักจะสอดคล้องกันและทับซ้อนกัน - อารมณ์อ่อนไหว, แนวโรแมนติก, คลาสสิค ยุโรปประสบปัญหาทั้งหมดนี้มานานหลายศตวรรษ แต่รัสเซียประสบเหตุการณ์เช่นนี้มาประมาณ 50 ปีเท่านั้น มักจะรู้สึกเหมือนอาหารไม่ย่อย นี่คือการเดาของฉัน แต่บางทีการพัฒนาที่น่าเศร้าของประวัติศาสตร์รัสเซียอาจเนื่องมาจากความจริงที่ว่าไม่ใช่ทุกสิ่งที่มีชีวิตอยู่ที่สามารถเปิดเผยได้ ศตวรรษที่ XIX - เวลาที่ ศิลปะรัสเซียเรียกได้ว่าเป็นศิลปะก็ได้ นี่เป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของรัสเซียเมื่อประเทศเริ่มยอมรับตัวเองว่าเป็นชาติ - เราเป็นใคร เมื่อมีอุปสงค์ อุปทานก็ปรากฏขึ้น

ศตวรรษที่ 19 กระสับกระส่ายในจิตวิญญาณของรัสเซียและ ชีวิตที่สร้างสรรค์ถือได้ว่าเป็นจุดเริ่มต้นของการตื่นรู้ทางปรัชญา การบูชาและการเลียนแบบลักษณะเฉพาะของตะวันตกในศตวรรษที่ 18 ก่อให้เกิดการต่อต้านแรงกระตุ้นที่เป็นธรรมชาติและทรงพลัง ซึ่งแสดงออกในการเพิ่มขึ้น เอกลักษณ์ประจำชาติในความพยายามที่จะเข้าใจเส้นทางพิเศษของรัสเซีย จุดเริ่มต้นของศตวรรษถูกทำเครื่องหมายด้วยการแก้ไข เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่ผ่านมา การพัฒนาความคิดเชิงวิพากษ์ปรัชญา การกำเนิดทฤษฎีสังคมต่างๆ ความหลงใหลในแนวคิดของนักปรัชญาชาวตะวันตก - เชลลิง, เฮเกลและคนอื่น ๆ นั้นไม่ใช่เรื่องที่แท้จริง ความคิดเหล่านี้กลายเป็นตัวเร่งปฏิกิริยาชนิดหนึ่งที่เร่งกระบวนการกำเนิดของความคิดเชิงปรัชญาของรัสเซีย

ตลอดศตวรรษที่ 19 มีการค้นหาการระบุตัวตนของวัฒนธรรมรัสเซียอย่างเจ็บปวด เป็นการค้นหาหนทางทางจิตวิญญาณเพื่อให้รัสเซียหลุดพ้นจากวิกฤตทางสังคมและวัฒนธรรม ความเข้าใจที่แตกต่างกันเกี่ยวกับเส้นทางเหล่านี้กำลังเกิดขึ้น ข้อพิพาทระหว่าง "ชาวตะวันตก" และ "ชาวสลาฟ" กำลังดำเนินอยู่ การเคลื่อนไหวและการเชื่อมโยงประเภทต่างๆ ที่มีลักษณะทางปรัชญาและสังคมและการเมืองปรากฏขึ้น

ข้อพิพาทเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซียและสถานที่ของผู้คนในประวัติศาสตร์สะท้อนให้เห็นในภาพวาดทางศาสนาและประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 19

ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปะรัสเซียรุ่นเยาว์เข้าร่วมกับกระแสทั่วยุโรปที่เรียกว่า "ลัทธิโรแมนติก" โรแมนติกโหยหาวิธีแก้ปัญหา ปัญหาระดับโลกเช่น โชคชะตา ร็อค โชคชะตาของมนุษย์ เพลงพลเมือง

สิ่งที่รัสเซียอาศัยอยู่ด้วยมาก่อนคือศาสนาคริสต์ ศาสนาคริสต์กำลังค่อยๆ จางหายไปในเบื้องหลัง ไม่สามารถพูดได้ว่าจู่ๆ ผู้คนก็กลายเป็นผู้ไม่เชื่อพระเจ้า พวกเขาไปโบสถ์ แต่มีบางอย่างที่ดูจะสำคัญกว่าศรัทธา ออร์โธดอกซ์ ในบริบทของยุโรปตะวันตก เริ่มขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ นี่เป็นการล่าถอยเล็กๆ น้อยๆ ที่อาจมองว่าเป็นการทรยศ นั่นคือพระเจ้าทรงดำรงอยู่ ไม่มีใครสงสัยในการสถิตอยู่ของพระองค์ แต่พระองค์ทรงถูกส่งไปสวรรค์ และบนโลกนี้เราจัดเตรียมชีวิตตามที่เราเห็นสมควร

ศิลปะที่ได้รับ บทบาทใหม่กลายเป็นลัทธิอย่างหนึ่ง แนวคิดเช่น "ศิลปะ" "ความคิดสร้างสรรค์สูง" "อาชีพ" ถูกนำมาใช้ จนถึงขณะนี้ยังไม่มีแนวคิดดังกล่าว

“บริสุทธิ์ ไร้ที่ติ งดงามดั่งเจ้าสาว” นี่คือคำจำกัดความของงานศิลปะที่โกกอลมอบให้ในเรื่อง “ภาพเหมือน” “ด้วยความสุภาพเรียบร้อย ศักดิ์สิทธิ์ และเรียบง่าย เหมือนอัจฉริยะ มันอยู่เหนือทุกสิ่ง” เขากล่าวต่อ คำฉายาดังกล่าวมีลักษณะเฉพาะของศาสนามากกว่า แต่ศิลปะในจิตสำนึกของสังคมผู้รู้แจ้งแห่งศตวรรษที่ 19 เป็นศาสนาใหม่ที่ศิลปินได้รับสถานะเป็นผู้เผยพระวจนะที่นำฝูงชนโดยไม่มีของขวัญ

ศาสนาคริสต์เชื่อว่าทุกคนมีพระเยซูคริสต์อยู่ในตัวเขา ทุกคนมีค่าต่อหน้าพระพักตร์ของพระเจ้า บัดนี้ปรัชญาปรากฏขึ้นซึ่งเชื่อว่ามีฮิวมัสจำนวนหนึ่ง ฝูงชนที่ไม่มีหน้า และมีอัจฉริยะทางศิลปะปรากฏขึ้นซึ่งควรมอบอัจฉริยภาพของเขาให้กับมัน

พุชกินคิดในลักษณะเดียวกัน กวี ศาสดา ผู้แสดงสดจาก "Egyptian Nights" ของเขา - เหล่านี้คือผู้สร้างที่แท้จริงซึ่งมีของประทานมาจากพระเจ้า เขาไม่ได้เป็นเจ้าของของขวัญ ของขวัญนั้นเป็นเจ้าของเขา และเขาไม่รับผิดชอบโดยสิ้นเชิง:

“ยังไม่ต้องการนักกวี

เพื่อการบูชาอันศักดิ์สิทธิ์อพอลโล

ในความห่วงใยของโลกอันไร้สาระ

เขาขี้ขลาดแช่ง

. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

แต่เป็นเพียงกริยาศักดิ์สิทธิ์เท่านั้น

มันจะสัมผัสหูที่บอบบาง

จิตวิญญาณของกวีจะปั่นป่วน

เหมือนนกอินทรีที่ตื่นขึ้น"

นอกเหนือจากของขวัญชิ้นนี้ นักกวีหรือศิลปินอาจเป็นคนจิ๊บจ๊อยและไม่มีนัยสำคัญก็ได้ การละเลยความสามารถถือเป็นการทรยศต่อแผนการอันสูงส่ง - และถูกพระเจ้าลงโทษอย่างรุนแรง

ในภาพวาดของรัสเซียในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 อัจฉริยะเช่นนี้ปรากฏให้เห็นได้ไม่นาน มันคือ "คาร์ลที่ยอดเยี่ยม" - Karl Bryullov ซึ่งมีภาพวาด "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" ซึ่งวาดในอิตาลีได้เดินขบวนอย่างมีชัยทั่วยุโรปไปยังรัสเซียและทำให้ผู้เขียนมีชื่อเสียงอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ไม่ใช่เพื่ออะไรที่คนร่วมสมัยพูดถึงเธอ:

“และมี “วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”

วันแรกสำหรับแปรงรัสเซีย”

(อี.เอ. บาราตินสกี)

โดยพื้นฐานแล้วภาพนี้อุทิศให้กับเหตุการณ์ชายขอบในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ กล่าวคือ การตายของเมืองเล็ก ๆ สองแห่งอันเป็นผลมาจากการปะทุของวิสุเวียส

เป็นที่น่าสนใจที่จะทราบว่าแนวโรแมนติกของรัสเซียไม่ได้เน้นย้ำถึงฮีโร่บางตัวที่แสดงความสามารถโดยมีฉากหลังเป็นฝูงชนที่ไม่มีใบหน้าซึ่งขาดความสามารถซึ่งจำเป็นตามหลักการของการเคลื่อนไหวนี้ ความขัดแย้งของภาพวาดของ Bryullov ก็คือไม่มีฮีโร่เลย หรือมากกว่านั้นบทบาทของฮีโร่ถูกครอบครองโดยฝูงชน แต่ไม่ใช่แค่ฝูงชนเท่านั้น คุณธรรมของมนุษย์ทั้งหมดถูกนำเสนอไว้ที่นี่

เมื่อเผชิญกับความตาย ความรักกตัญญู ความเสียสละของมารดา และความโศกเศร้าของคนรักที่สูญเสียเจ้าสาวไป จะถูกนำเสนออย่างมีศักดิ์ศรี นี่คือผู้เขียนเองที่ช่วยรักษาสิ่งล้ำค่าที่สุด - เครื่องมือในการทำงานของเขาและใคร่ครวญถึงความหายนะครั้งใหญ่ด้วยความหลงใหล ที่นี่มีนักบวชคริสเตียนคนหนึ่งซึ่งมองว่าเหตุการณ์นี้เป็นการลงโทษของพระเจ้า และเป็นนักบวชนอกรีต สายฟ้าแลบสว่างจ้าและแสงสีแดงเข้มของลาวาที่กระจาย ตัดกัน ส่องสว่างโลกที่ถูกกำหนดให้จมลงสู่การลืมเลือนไปตลอดกาล

สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือทุกคนยอมรับเหตุการณ์เหล่านี้ด้วยศักดิ์ศรีที่ไม่ธรรมดา พวกเขาตายอย่างมีศักดิ์ศรี แสดงถึงคุณธรรมในระดับต่างๆ และธรรมชาติคือพระเจ้า และสำหรับคนในศตวรรษที่ 19 ไม่มีข้อสงสัยเกี่ยวกับเรื่องนี้ พระเจ้าองค์พระผู้เป็นเจ้าทรงปรากฏในภาพว่าเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไร้วิญญาณและโหดร้ายอย่างยิ่ง นี่คือการพิพากษาครั้งสุดท้าย ชาวเมืองปอมเปอีของ Bryulov เป็นคนที่พระเจ้าเลือกสรรและตายอย่างไร้พ่าย และธรรมชาติ โชคชะตา และโชคชะตานั้นไม่ยุติธรรมเลย

คนในศตวรรษที่ 19 คิดเช่นนี้ นี่เป็นแรงกระตุ้นที่ไม่เชื่อในพระเจ้าซึ่งสังคมได้รับ บางทีโดยไม่สังเกตเห็นด้วยซ้ำ ชายที่อยู่ตรงกลาง - เขาสมควรได้รับทุกสิ่ง ประการแรกคือความยุติธรรม และการพิจารณาคดีที่เขาต้องทำนั้นไม่ยุติธรรมเลย สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าสำหรับพวกเราชาวคริสต์แล้ว นี่เป็นนิมิตแห่งความหายนะของโลก

สาธารณชนชาวรัสเซียเห็นในภาพยนตร์เรื่องนี้ถึงความอัจฉริยะของชาติและละครประจำชาติของพวกเขา มันเป็นการอำลาโลกแห่งภาพคลาสสิก แต่เมื่อแยกจากโลกแห่งภาพคลาสสิกแล้ว วัฒนธรรมดูเหมือนจะต้องการ "ความชอบธรรมของสมัยโบราณ" และเหตุผลทางศาสนา การกลับคืนสู่พระคัมภีร์เฉพาะตอนนี้ไม่ใช่ในพันธสัญญาเดิม แต่สู่พันธสัญญาใหม่เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

คลาสสิกถูกดึงดูดเข้าสู่ขบวนการโลกที่มุ่งสู่การพิพากษา และสิ่งที่สำคัญและมีลักษณะเฉพาะของเวลานี้โดยเฉพาะ– การพิจารณาคดีนี้ไม่ถือว่ายุติธรรม มนุษย์มีศีลธรรมเหนือกว่าธาตุมืดบอด เขาพินาศ แต่พินาศอย่างไร้พ่าย นี่เป็นการตอบสนองต่อการตายของเมืองโสโดมและโกโมราห์ซึ่งติดหล่มอยู่ในความบาป ตามคำกล่าวของ Bryullov และคนรุ่นราวคราวเดียวกัน มนุษย์เผชิญหน้ากับพระเจ้าอย่างคู่ควร ซึ่งไม่ถูกมองว่าเป็นบุคคลอีกต่อไป แต่เป็นเพียงพลังที่ตาบอดและไร้วิญญาณเท่านั้น โกกอลกล่าวอย่างดีที่สุดเมื่อเขากล่าวว่าตัวละครในภาพยนตร์เรื่องนี้ “สวยงามในสถานการณ์ที่เลวร้าย”

ทั้งหมดนี้ทำให้ผู้ชมชื่นชมและทำให้เขาหลงใหลซึ่งแบ่งปันมุมมองของนักคลาสสิกว่าความสมบูรณ์แบบของพลาสติกเป็นภาพสะท้อนของความสมบูรณ์แบบทางศีลธรรม

พวกเรา ผู้คนแห่งศตวรรษที่ 21 ผู้รอดชีวิตจากฝันร้ายของการปกครองแบบเผด็จการของคอมมิวนิสต์ การขาดสิทธิโดยสิ้นเชิงในการเผชิญกับความชั่วร้ายที่เป็นตัวเป็นตน สงครามที่โหดร้าย ความน่าสะพรึงกลัวของค่ายกักกัน ระเบิดปรมาณู โรคเอดส์ ซึ่งรู้จักความตายอันน่าอัปยศอดสู เป็นการปลดปล่อยจากชีวิตที่น่าอับอายยิ่งกว่านี้ - เราทำได้เพียงมองด้วยความประหลาดใจกับการชนกันของภาพวาดของ Bryullov นี่คืออะไร? ความพยายามในการสะกดจิตตัวเองเมื่อเผชิญกับหายนะที่กำลังจะเกิดขึ้นหรือการยืนยันว่าพุชกินถูกต้องและ "ความมืดมนของความจริงอันต่ำต้อยเป็นที่รักของเรามากกว่าการหลอกลวงที่ยกระดับเรา"? สิ่งหนึ่งที่ชัดเจน: มนุษย์ไม่ต้องการเห็นธรรมชาติที่แท้จริงของเขาซึ่งได้รับความเสียหายจากบาปอีกต่อไป การเรียกร้องให้กลับใจไม่เข้าถึงจิตวิญญาณของเขาอีกต่อไป เขาพึ่งตนเองได้

โลกทัศน์ที่โรแมนติกไม่เพียงแต่แทรกซึมอยู่ในงานศิลปะเท่านั้น ดังนั้นในการจลาจลในเดือนธันวาคมปี 1825 เราจะได้เห็นเมืองปอมเปอีแบบรัสเซียซึ่งเป็นความฝันอันไพเราะของวีรบุรุษที่สวยงามซึ่งความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้และคู่ควรถือเป็นตัวอย่างที่สำคัญอย่างยิ่งของแนวคิดทางศิลปะเรื่องแนวโรแมนติก การเสียสละตนเอง ความรู้สึกมีเกียรติและหน้าที่ การไม่เต็มใจที่จะโกหกต่อหน้าศาล และท้ายที่สุด ภรรยาผู้กล้าหาญของพวกเขา (ไม่ว่านักประวัติศาสตร์สมัยใหม่บางคนจะพยายามหักล้างพวกเขาอย่างไร) ทำให้เกิดและ ความเคารพอย่างลึกซึ้งและความชื่นชมโดยตรงจากพวกเราผู้สืบเชื้อสาย

Alexander Ivanov ยังจ่ายส่วยให้กับแนวโรแมนติกซึ่งแสดงออกมาในความปรารถนาของเขาสำหรับหัวข้อ "ระดับสากล" “ จำเป็นต้องเลือกวิชาจากชีวิตของผู้คนซึ่งสูงกว่าที่ไม่เคยมีมาก่อนในประวัติศาสตร์” - นี่คือสิ่งที่เขาคิดและเขียน และศิลปินที่กอปรด้วยความซื่อสัตย์สูงสุดที่มาจากศรัทธาที่แท้จริงก็พบโครงเรื่องเช่นนี้

ควรสังเกตว่า A. Ivanov เป็นผู้ริเริ่มไม่มากนักในการค้นหาโครงเรื่อง แต่เป็นทัศนคติของเขาที่มีต่อตัวละครหลักของภาพ - พระเยซูคริสต์ วิชาและช่วงวิชาลักษณะการวาดภาพเชิงวิชาการ ครั้งที่ 18 – ต้น XIXศตวรรษถูกกำหนดโดยภาพทางประวัติศาสตร์และตำนาน สิ่งเหล่านี้รวมถึงเรื่องราวในพระคัมภีร์ด้วย ภาพลักษณ์ของพระคริสต์มักถูกมองเห็นในหมู่ตัวละครอื่น ๆ ที่เรียกว่า "ประวัติศาสตร์" การสร้างองค์ประกอบที่มีความสามารถและความแม่นยำ ทักษะทางศิลปะให้ความสนใจมากกว่าความหมายของงาน

A. Ivanov ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts ถือว่าโครงเรื่องนี้ดีที่สุด เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญในชีวิตไม่ใช่เพียงคนๆ เดียว แต่รวมถึงมวลมนุษยชาติด้วย ทางเลือกและทัศนคติต่อเธอทำให้เธอประหลาดใจด้วยความกล้าหาญ ในทางกลับกันหลังจากศตวรรษที่ 18 - ศตวรรษแห่งการตรัสรู้ศตวรรษแห่งความต่ำช้าโดยสิ้นเชิงซึ่งก่อให้เกิดการประชดและความสงสัยต่อความศรัทธาและคริสตจักรอย่างต่อเนื่องโดยอ้างว่าลัทธิแห่งความสุข - การเปลี่ยนไปสู่ลัทธิโรแมนติกเป็นไปตามธรรมชาติ แต่มันเป็นไปไม่ได้ที่จะข้ามผ่านอดีตเพื่อลืมการแตกหักกับพระเจ้า

วี.จี. เบลินสกี้เขียนว่า: “...การเพลิดเพลินกับศิลปะไม่เพียงพอสำหรับเรา เราอยากรู้ หากไม่มีความรู้ เราก็ไม่มีความสุขสำหรับเรา” ยุคที่ยอมจำนนต่อสิ่งล่อใจของลัทธิเหตุผลนิยมต้องการ "รู้" และ "เข้าใจ" เขาต้องการที่จะเชื่อความสอดคล้องกับพีชคณิตโดยรักษาธรรมชาติของความสามัคคี

และในช่วงเวลาที่ยากลำบากนี้ในกลางศตวรรษที่ 19 A. Ivanov ได้สร้างภาพยุคเรอเนซองส์อย่างแท้จริงซึ่งเขาอุทิศเกือบทั้งชีวิต เขามอบให้กับการเทศนาอันสง่างามของศาสนาคริสต์โดยพยายามเรียนรู้สิ่งที่ได้รับจากศรัทธาเท่านั้น นักพรตและนักพรตคนนี้สร้างผลงานที่ตรงกันข้ามกับ "การหลอกลวงอันสูงส่ง" ของ "ปอมเปอี" ของ Bryullov ได้รับการต้อนรับอย่างเย็นชาจากคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ทักษะอันยอดเยี่ยม ความซื่อสัตย์อันน่าทึ่ง ความกระหายศรัทธาของเขาถูกทำลายลงด้วยความไม่แยแสของผู้ชม A. Ivanov เองก็ไม่สามารถรอดจากการวาดภาพของเขาได้เป็นเวลานาน และตอนนี้ พวกเราผู้ประสบความยากลำบากมากมายเท่านั้นที่เริ่มเข้าใจความลึกลับของงานนี้ ซึ่งมีการเปิดเผยเกี่ยวกับบทบาทของศิลปิน และเกี่ยวกับคนรุ่นราวคราวเดียวกันของเขา และเกี่ยวกับพวกเรา ผู้สืบเชื้อสายของเรา

อเล็กซานเดอร์ อิวานอฟ. “การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน”

ภาพดูมีองค์ประกอบที่เรียบง่าย เบื้องหน้าคือฝูงชนที่ต้อนรับพระเมสสิยาห์ในรูปแบบต่างๆ ในส่วนลึกคือพระองค์เอง ลองอ่านการเรียบเรียงนี้เป็นข้อความเหมือนคำที่เขียนในภาษาของผู้คนที่พระเมสสิยาห์เสด็จมานั่นคือ จากขวาไปซ้าย ไม่ใช่เรื่องปกติที่จะชมงานศิลปะในลักษณะนี้ แต่ภาพวาดนี้อนุญาตให้มีข้อยกเว้นได้ เนื่องจาก... ในนั้นมันเป็นไปไม่ได้ที่จะแยกพระคำและพระรูปออก และชาวยุโรปก็ไม่สามารถลืมได้ว่า “ในปฐมกาลพระวาทะทรงดำรงอยู่”

ทางด้านขวาคือกลุ่มฟาริสีหันหลังให้พระเยซู ใบหน้าและท่าทางของพวกเขาแสดงถึงการปฏิเสธและการประณาม ดูเหมือนว่ากลุ่มนี้จะเลื่อนลงมาราวกับสะดุดกับสิ่งกีดขวางที่มองไม่เห็น มันแบนเล็กน้อย แบน และดูเหมือนเสาหินแข็ง แสดงถึงการปฏิเสธอย่างรุนแรงต่อพระเมสสิยาห์

กลุ่มที่อยู่เบื้องหน้าของภาพมีลักษณะเหมือนผ้าสักหลาดทางสถาปัตยกรรม ปิดไปทางขวาและซ้าย ทั้งสองเป็นคอลัมน์ เป็นกลุ่มคนสองคน (ทางขวา - ผู้ชายและเด็กผู้ชาย ทางซ้าย - ชายชราและเด็กชาย) คู่รักทั้งสองหันไปทางผู้ชมและสายตาของพวกเขาจับจ้องไปที่ยอห์นผู้ให้บัพติศมา มีความหวังอันขี้อายอยู่บนใบหน้าของพวกเขา ทาสนั่งยอง - บุคคลสำคัญองค์ประกอบฝูงชน ทุกสิ่งที่นี่มีความหมายมากมาย ทั้งท่าทาง แสงที่ส่องสว่างบนใบหน้า รอยยิ้มแห่งความยินดีอย่างไม่มีเงื่อนไข การจ้องมองของเขานำเราไปสู่ร่างที่ทรงพลังและใหญ่โตกว่าชีวิตของยอห์นผู้ให้บัพติศมา ราวกับอ้าแขนเข้าหาพระคริสต์

มีไม้กางเขนในมือซ้ายของยอห์น มือขวาชี้ไปที่ผู้มา แต่โดยพื้นฐานแล้ว - ไปที่กลุ่มฟาริสีซึ่งประณามความไม่เชื่อของพวกเขา อิริยาบถคู่นี้ชวนให้นึกถึงคำทำนายของผู้เบิกทางที่ว่าพระองค์จะเสด็จตามเขามา รองเท้าแตะของใครที่ไม่คู่ควรที่จะแก้ และเมื่อออกจากคุกแล้วพระองค์จะส่งลูกศิษย์ไปถามว่า “เป็นเจ้าหรือเราควรรออีก?” ร่างของยอห์นนักศาสนศาสตร์ตามผู้ให้บัพติศมา มีลักษณะคล้ายนกที่ลุกเป็นไฟสยายปีก เขาผู้เป็นผู้หญิงและสวยงามคือความรักนั่นเอง อัครสาวกอันดรูว์และเปโตรเร่งรีบไปหาผู้เสด็จมาอย่างเด็ดเดี่ยว กลุ่มอัครสาวกจบลงด้วยร่างของสิ่งที่เรียกว่า "ผู้สงสัย" ซึ่งหยุดการเคลื่อนไหวนี้โดยไม่คาดคิด

จำเป็นต้องพูดอะไรบางอย่างเกี่ยวกับภูมิทัศน์ที่เกิดการกระทำ ธรรมชาติยังตอบสนองต่อปาฏิหาริย์ของการปรากฏของพระเมสสิยาห์และศิลปินก็เปิดเผยให้เราทราบถึงความหมายของเหตุการณ์ผ่านภูมิทัศน์ การกระทำเกิดขึ้นที่ริมฝั่งแม่น้ำจอร์แดน พระคริสต์ทรงเดินไปหาฝูงชนราวกับลงมาจากภูเขาปกคลุมไปด้วยหมอกควันสีฟ้าซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของจิตรกรชาวอิตาลี - "สฟูมาโต"

ท้องฟ้าเหนือพระเศียรพระเยซูเป็นเช้า รุ่งเช้า ชัดเจน ส่วนมุมซ้ายบนของภาพค่อนข้างเป็นพระอาทิตย์ตก และไม่เพียงแต่แสดงช่วงเวลาที่แตกต่างกันของวันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฤดูกาลที่แตกต่างกันด้วย ในกลุ่มต้นไม้ทางด้านซ้าย กิ่งมะกอกแห้งดูเหมือนยกมือขึ้นเพื่อกล่าวคำอำลา ในขณะที่กิ่งอ่อนอีกกิ่งหนึ่งซึ่งเต็มไปด้วยชีวิต หันไปหาผู้คนและตัวพระคริสต์เอง - เช่นเดียวกับการเสด็จมาของพระองค์เต็มไปด้วยชีวิต จริงๆ แล้ว นี่ไม่ใช่แค่ฤดูกาลเท่านั้น แต่ยังเป็นเหตุการณ์ทางจิตวิญญาณด้วย สิ่งเก่าผ่านไป สิ่งใหม่เกิดขึ้น

มุมมองของ A. Ivanov ได้รับการวิวัฒนาการที่ซับซ้อนในกระบวนการทำงานบนผืนผ้าใบ ความปรารถนาที่จะ "รู้" และ "เข้าใจ" เป็นลักษณะของ Ivanov ในฐานะลูกชายที่แท้จริงในยุคของเขาเมื่อ Schelling และ Hegel ครอบงำจิตใจและศิลปินเองก็หมกมุ่นอยู่กับสเตราส์ แต่วิวัฒนาการนี้ไปในทิศทางที่แน่นอน: แม้ว่าเหตุผลนิยมบางอย่างในภาพจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน แต่ถึงแม้จะได้รับอิทธิพลของปรัชญาเยอรมันก็ตาม ความคิดแบบคริสเตียนปรัชญาที่แท้จริงได้รับชัยชนะ และสิ่งนี้เห็นได้ชัดในการตีความพื้นที่ของภาพโดย A. Ivanov

การแก้ปัญหาพื้นที่ที่สำคัญอย่างยิ่งในงานศิลปะทุกชิ้นต้องได้รับความเอาใจใส่เป็นพิเศษ จริงๆ แล้วในภาพมีช่องว่างอยู่สองช่อง นักวิจัยผลงานของ A. Ivanov นักวิจารณ์ศิลปะ M. Allenov ตีความหัวข้อของสองช่องว่างอย่างละเอียด เขาแบ่งสิ่งเหล่านี้ออกเป็นส่วนที่ซับซ้อน ถักทอเป็นพื้นที่ทั้งทางความหมายและทางอารมณ์ที่ผู้คนอาศัยอยู่ และอีกแห่งหนึ่งซึ่งเข้าไม่ถึงคือที่ซึ่งพระเมสสิยาห์ประทับอยู่

มัน (ช่องที่สองนี้) มีอยู่แยกจากกัน ราวกับว่าไม่ได้รวมเข้ากับช่องแรก มีสิ่งกีดขวางที่มองไม่เห็นระหว่างพระเมสสิยาห์กับคนอื่นๆ ในกลุ่ม ดูเหมือนพระคริสต์ลอยอยู่เหนือศีรษะฝูงชน พระองค์เสด็จลงมาบนพวกเขา และพวกเขาก็ทำได้แต่เฝ้าดูเท่านั้น สองช่องว่างนี้ไม่สามารถรวมกันได้ “ความหมายของเวทย์มนตร์นี้คือเมื่อมองดูภาพเราจะก้าวจากระยะใกล้ไปสู่ระยะไกลทันที - ธรรมชาติปรากฏขึ้นปรากฏขึ้นปรากฏขึ้นทันทีเป็นภาพที่ห่างไกล เหลืออยู่หลังแนวเวทย์มนตร์ของการไม่สามารถเข้าถึงได้... ร่างของพระคริสต์ ดูเหมือนทั้งใกล้และไกล เขาอยู่ "ที่นี่" และ "ที่นั่น" ในเวลาเดียวกัน เขา“ อยู่บนธรณีประตูของการดำรงอยู่สองเท่า” (Tyutchev)

Allenov เขียนเพิ่มเติมว่า: "ระยะทางที่แยกผู้ชม "ที่นี่" และพระคริสต์ "ที่นั่น" ไม่สามารถวัดทางจิตใจได้ด้วยจำนวนก้าว พื้นที่นี้กว้างใหญ่อย่างแท้จริง” (M. Allenov. Alexander Ivanov. - มอสโก: Trefoil, 1997)

นิมิตเชิงพยากรณ์ของ A. Ivanov อยู่ในความจริงที่ว่ายุคนั้นเป็นที่ต้องการและไม่สามารถรักษาความรู้สึกเป็นหนึ่งเดียวกับพระเจ้าได้ แต่อีวานอฟสามารถถ่ายทอดความรู้สึกศักดิ์สิทธิ์ของงานได้โดยไม่ต้องใช้สัญลักษณ์แบบดั้งเดิม - รัศมี, ปีก, เรืองแสง ฯลฯ

ตามคำพูดที่ถูกต้องอย่างน่าประหลาดใจของ Vipper “พื้นที่ของภาพไม่ใช่สถานที่ของการกระทำ แต่เป็นเวลาของการอยู่” “มนุษยชาติอยู่ที่ทางแยกจากพลังทางกายภาพไปสู่พลังทางจิตวิญญาณ” นี่คือวิธีที่ Ivanov กำหนดวิสัยทัศน์ของเขาเอง และนี่คือธีมของภาพวาดของเขาอย่างชัดเจน A. Ivanov เองเชื่อว่าเขาสูญเสียศรัทธาในระหว่าง 20 ปีของการทำงานบนผืนผ้าใบ แต่ "ภาพร่างในพระคัมภีร์ไบเบิล" ของเขาบอกเราอย่างอื่น Ivanov สูญเสียแบบแผนแห่งศรัทธาของศตวรรษที่ 19 แต่ในความเป็นจริงแล้ว เขาปลดปล่อยตัวเองจากสิ่งเหล่านั้น

ฉันอยากจะจมอยู่กับภาพสำคัญที่ศิลปินวางไว้จนเกือบจะเป็นศูนย์กลางของกลุ่มคน - ภาพเหมือนตนเองที่ Ivanov วางไว้ใต้เงาของร่างของ John the Baptist ผู้เขียนแต่งกายด้วยชุดสไตล์ยุโรปและไม่ใช่ชุดตามพระคัมภีร์ โดยรวมอยู่ในกลุ่มเดียวกับผู้เบิกทางและยอห์นนักศาสนศาสตร์ ก่อให้เกิดกลุ่มสามัคคีธรรมร่วมกับพวกเขา ประการแรกคือผู้เบิกทางผู้เผยพระวจนะคนสุดท้ายของพันธสัญญาเดิมผู้ให้บัพติศมาเรียกร้องให้กลับใจ ประการที่สอง ยอห์นนักศาสนศาสตร์ เป็นสัญลักษณ์ของการยอมรับข่าวดีอันเป็นวิญญาณแห่งพันธสัญญาใหม่ด้วยความยินดี และผู้เขียนเอง” ดวงตาที่มองเห็นทุกสิ่ง" รวบรวมความซื่อสัตย์ ความคิดอันเข้มข้น การตั้งคำถาม เป็นสัญลักษณ์ของยุคใหม่

และได้รับคำตอบในช่วงทศวรรษที่ 50 มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในมุมมองของศิลปิน สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในชุดของสิ่งที่เรียกว่า "ภาพร่างในพระคัมภีร์ไบเบิล" ซึ่งมีจุดประสงค์ตามแผนของ A. Ivanov ที่จะตกแต่งไม่ใช่โบสถ์ แต่เป็นอาคารพิเศษบางอย่างเช่นวิหารแห่งปัญญา ในซีรีส์นี้ Ivanov วางแผนที่จะรวมพันธสัญญาใหม่และต้นแบบในพันธสัญญาเดิมเข้าด้วยกัน ศิลปินสร้างสรรค์และในขณะเดียวกันก็ไตร่ตรองอย่างไม่เห็นแก่ตัวและอิสระ ใน “Biblical Sketches” เรารู้สึกประทับใจกับความสดชื่นที่ไม่ธรรมดา เราสามารถสัมผัสได้ถึงการมีอยู่และความยินดีแบบเดียวกับที่ทำให้เดวิดเต้นรำต่อหน้าหีบพันธสัญญา แต่หัวข้อ “Bible Sketches” เป็นหัวข้อแยกต่างหาก เราจะกลับมาที่การวิเคราะห์ภาพเขียนขนาดใหญ่และบทบาทและสถานที่ในด้านจิตวิญญาณและ ชีวิตทางวัฒนธรรมศตวรรษที่สิบเก้า

ชีวิตและผลงานของ A. Ivanov เป็นผลงานแห่งศรัทธาอย่างแท้จริงแม้ว่าจะถูกทำลายโดยลัทธิเหตุผลนิยม แต่ภาพวาดของเขาเป็นผู้นำและยังคงทำให้หลายคนมีศรัทธา Ivanov พิสูจน์ให้เห็นว่าทุกยุคสมัยต้องการจากศิลปินไม่เพียง แต่แรงกระตุ้นที่โรแมนติกเท่านั้นไม่เพียง แต่ความจริงทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณอีกด้วย และชายอีกคนหนึ่งสามารถก้าวไปสู่พระเจ้าผู้ทรงพระชนม์ได้ ศิลปินที่โดดเด่นศตวรรษที่ XIX - N.N. จีอี

Nikolai Nikolaevich Ge ยังจ่ายส่วยให้กับแนวโรแมนติกในการแต่งเพลงในยุคแรก ๆ ของเขา แต่ต่อมาก็ละทิ้งทิศทางของวัฒนธรรมนี้ ตามแบบฉบับของความโรแมนติกเขาค้นหาฮีโร่ "ในอุดมคติ" อย่างเจ็บปวดในภาพวาดประวัติศาสตร์ยุคแรกของเขาในภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมของคนร่วมสมัยของเขา แต่ไม่พบมัน

“ฉันพยายามจะเอาแค่คนๆ หนึ่ง... เป็นคนแบบนั้น ฉันเห็นว่าทั้งหมดนี้เป็นเพียงสิ่งเล็กน้อย ใครในบรรดาผู้ที่เคยมีชีวิตอยู่ ผู้ที่ยังมีชีวิตอยู่ สามารถเป็นทุกสิ่ง อุดมคติที่สมบูรณ์ของศตวรรษที่ 19 ได้” - ศิลปินเขียนเกือบจะอ้างอิงถึงสดุดี 115:“ ฉันพูดด้วยความหุนหันพลันแล่น: ทุกคนเป็นคนโกหก”

การแสวงหาด้วยความรักและความซื่อสัตย์นี้จะต้องนำไปสู่พระฉายาของพระคริสต์อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ “กระยาหารมื้อสุดท้าย” ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1863 ถือเป็นผลงานชิ้นสำคัญของผู้เขียนอย่างแท้จริง นี่คือสิ่งที่ศิลปินเขียนเองเกี่ยวกับโศกนาฏกรรมของพระกระยาหารมื้อสุดท้าย: “ ฉันเห็นความโศกเศร้าของพระผู้ช่วยให้รอดที่นั่นโดยสูญเสียสาวกของพระองค์ซึ่งพระองค์ทรงรักไปตลอดกาลซึ่งอยู่เคียงข้างพระองค์ในการพเนจรของพระองค์ มีความขัดแย้งที่นี่และความขัดแย้งภายในที่เกิดขึ้นในจิตวิญญาณของทุกคน”

ไม่มีความถูกต้องทางโบราณคดีหรือประวัติศาสตร์ในภาพ แต่มีความลึกของละครจิตวิทยา และ Ge ในภาพนี้คือลูกชายที่แท้จริงในสมัยของเขา ไม่มีปริศนาที่นี่เช่น Leonardo da Vinci ที่อัครสาวกแบ่งออกเป็นกลุ่มถามกันอย่างใจจดใจจ่อว่า: "ใครคือคนทรยศ" ยูดาสได้รับการตั้งชื่อและได้รับการยอมรับทันที ภาพเงาดำมืดที่แตกหักของเขาในเบื้องหน้าทำให้ไม่ต้องสงสัยเลย เขากำลังจะถึงวาระที่จะจากไป เขากำลังถูกผลักออกจากแสงสว่าง

ศิลปินยังให้คุณลักษณะบางประการของโศกนาฏกรรมที่กล้าหาญด้วย เขาคือบุคคลที่กระทำการในนามของ "ความคิด" นี่คือวิธีที่ Saltykov-Shchedrin เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ในนิตยสาร Sovremennik ในปี 1863:“ เขา (ยูดาส) เห็นยูเดียตกเป็นทาสและปรารถนาเพียงสิ่งเดียวเท่านั้น: เพื่อโค่นล้มแอกต่างประเทศและกลับคืนสู่บ้านเกิดของความเป็นอิสระทางการเมืองและรัศมีภาพ” เป้าหมายของพระคริสต์ตามคำกล่าวของ Saltykov-Shchedrin คือแนวคิดสากลเกี่ยวกับความยุติธรรมและความดีของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม Ge เขียนพระคริสต์เองจาก Herzen ซึ่งน่าทึ่งและพูดถึง "อุดมคติที่ติดดิน" บางอย่างอยู่แล้ว

ในยุค 60 เกยังอยู่ไกล ความลับลึกลับพระกิตติคุณ ความคิดของเขายังค่อนข้างเป็นประชานิยม Saltykov-Shchedrin เขียนเพิ่มเติมว่า: “ ร่างของพระผู้ช่วยให้รอดเอนกายลงที่โต๊ะทำให้ประหลาดใจด้วยความโศกเศร้าอย่างลึกซึ้ง นี่เป็นความเศร้าโศกอันงดงามที่ส่องสว่างด้วยจิตสำนึก ซึ่งเบื้องหลังความยิ่งใหญ่ทั้งหมดของความสำเร็จที่กำลังจะมาถึงจะถูกเปิดเผย”

ความคิดซึ่งดูเหมือนจะเป็นรูปธรรมในภาพของยูดาสถูกตีความโดยคนรุ่นราวคราวเดียวกันในรูปแบบต่างๆ มีผู้สนับสนุนให้เข้าใจแนวคิดของการวาดภาพว่าเป็นสัญลักษณ์ของ "การละทิ้งความเชื่อ" การทรยศทางการเมือง นอกจากนี้ยังมีปัญหาปัจเจกนิยมที่เรียกว่า “แนวคิดนโปเลียน” – การต่อต้านของปัจเจกบุคคลและสังคม Herzen เรียกว่ายุค 60 ช่วงเวลาแห่ง “จุดสิ้นสุดและจุดเริ่มต้น” ที่รอคอยการเปลี่ยนแปลง

นักปรัชญา Carlyle และ Stirner ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในเวลานี้ แย้งว่า "สังคมมีพื้นฐานอยู่บนความเคารพนับถือของวีรบุรุษ" และ "ทุกสิ่งที่ทำในโลกนี้โดยพื้นฐานแล้ว เป็นตัวแทนถึงการนำไปปฏิบัติในทางปฏิบัติและรูปลักษณ์ของความคิดที่เป็นของผู้ยิ่งใหญ่ ” นี่คือความโรแมนติก

แต่ศีลธรรมสาธารณะขัดขวางไม่ให้เขากลายเป็นวีรบุรุษเช่นนี้ จำเป็นต้องทำให้ "ฉัน" เป็นคนมีอำนาจทุกอย่าง นี่คือสิ่งที่สเตอร์เนอร์เสนอ: “ฉันครอบครอง “โลก” ของเขาเพื่อตัวฉันเอง ไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม สิ่งนี้จะเกิดขึ้น: โดยการบังคับ อันเป็นผลมาจากข้อตกลง การร้องขอ ความต้องการอย่างเด็ดขาด หรือแม้แต่ความหน้าซื่อใจคด การหลอกลวง”

ความคิดของรัสเซียไม่ได้ถูกล่อลวงโดย "ข่าวประเสริฐแห่งความเห็นแก่ตัวอันบริสุทธิ์" ดอสโตเยฟสกีหักล้างหลักการนี้ในภาพยนตร์เรื่อง The Humiliated and Insulted ในรูปของเจ้าชายวัลคอฟสกี้ ซึ่งมีสโลแกน: "ทุกสิ่งมีไว้สำหรับฉัน และโลกทั้งใบถูกสร้างขึ้นสำหรับฉัน" ในอาชญากรรมและการลงโทษ Raskolnikov "นโปเลียน" อีกคนล้มเหลว ตอลสตอยในสงครามและสันติภาพทำให้นโปเลียนหักล้างตัวเอง V. Soloviev ให้เหตุผลว่าปัจเจกนิยมเป็นสิ่งที่ทำลาย "การดำรงอยู่ของสังคม" โดยพื้นฐานแล้ว เอ็น.เอ็น. Ge เห็นด้วยกับนักคิดที่เก่งที่สุดในยุคของเขา: “การรับใช้ตัวเองหมายถึงการไม่เห็นอะไรรอบตัวและไม่รู้จักตัวเองด้วยซ้ำ ไม่มีสิ่งใดถูกสร้างขึ้นมาเพื่อตัวมันเองโดยเฉพาะ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ใช่บุคคลซึ่งเป็นสิ่งมีชีวิตแห่งเหตุผล จำเป็นต้องค้นหาความเชื่อมโยงเชิงสาเหตุระหว่างการสร้างสรรค์ทั้งหมดและ "เข้าใจทุกสิ่งที่มีอยู่"

ผู้ร่วมสมัยเห็นความคล้ายคลึงกันระหว่างยูดาสและราสโคลนิคอฟซึ่งก่ออาชญากรรมในนามของชีวิตของ "ผู้คนหลายพันคน" และสภาซันเฮดรินตัดสินใจว่า "เป็นการดีกว่าสำหรับเราที่คน ๆ หนึ่งตายเพื่อผู้คนมากกว่าที่จะให้คนทั้งหมดพินาศ ”

เอ็น.เอ็น. Ge เชื่อว่ายูดาส "ทรยศไม่ใช่เพราะเขาต้องการ 30 โกเปค แต่เพราะเขาไม่รู้ทางออกในตัวเองและคิดที่จะทำ "ความดี" จึงมีผู้คนมากมายติดตามพระองค์ ดูเหมือนว่าความตายอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้รอพวกเขาอยู่ข้างหน้าพวกเขา " เหล่านั้น. ในโศกนาฏกรรมของการทรยศของยูดาส N.N. Ge มองเห็นภาพลวงตาของความเป็นไปได้ที่จะทำความดีผ่านความชั่ว ซึ่งผลที่ตามมาก็คือการล่มสลายของการกบฏแบบปัจเจกชนอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ใน “The Last Supper” จีอีแค่ก่อปัญหา แต่เขาก็แก้ไขมันได้เกือบ 30 ปีต่อมาในภาพยนตร์เรื่อง “Conscience” โดยในนั้นการกระทำของยูดาสจะถือเป็น โรคที่รักษาไม่หายนำไปสู่ความตาย

ภาพวาด "The Departure of Judas" ("The Last Supper") ได้รับความสนใจอย่างมากจากผู้ร่วมสมัยและนักวิจารณ์ Ge เองก็แยกคำพูดของ Saltykov-Shchedrin และให้ความสำคัญกับมันมาก Saltykov-Shchedrin มองว่าภาพยนตร์เรื่องนี้มีความคล้ายคลึงกับประเด็นทางสังคมและจริยธรรมสมัยใหม่ “ศิลปิน... พิสูจน์ให้ฝูงชนเห็นว่าโลกที่เขานำเสนอสามารถเป็นโลกของเขาเองได้” เกิดอะไรขึ้นกับผู้เขียนในการค้นหาทางจิตวิญญาณและอุดมการณ์มากว่า 30 ปี? ความคิดทางสังคมของรัสเซียในเวลานี้ของ "จุดจบและจุดเริ่มต้น" เป็นอย่างไร?

ภาพวาด “มโนธรรม” สร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2434 พรรณนาถึงความเหงาที่กำลังจะตายของยูดาส ผู้เขียนที่นี่แยกตัวออกจากประเพณีที่เป็นที่ยอมรับ เขาสร้างพล็อตของเขาโดยพิสูจน์ว่าความจริงของข่าวประเสริฐนั้นเป็นนิรันดร์และไม่ได้ขึ้นอยู่กับอารมณ์ของวันนี้

สิ่งที่โดดเด่นในภาพคือความลึกของความสิ้นหวังที่เป็นตัวเป็นตน การละทิ้งพระเจ้าที่มองเห็นได้และแทบจะจับต้องได้ องค์ประกอบถูกยืดออกในแนวนอน กลางคืน. บนถนนที่ดูเหมือนไม่มีที่สิ้นสุด มีร่างเดียวดายถูกห่อหุ้มไว้ด้วยเสื้อคลุม ที่สุดถนนมีผู้คน แสงสว่าง ความอบอุ่น แต่นักเดินทางไม่สามารถไปถึงได้ เขาถูกล่ามโซ่ราวกับถูกล่ามโซ่ด้วยความรู้สึกผิดชอบชั่วดีของเขา เขาอยู่อย่างโดดเดี่ยวไร้ขอบเขตในคืนเดือนหงายอันแปลกประหลาดนี้

เขาถูกดึงดูด ทุกคนอาบไปด้วยแสงฟอสฟอรัสที่เป็นพิษของดวงจันทร์ นี่คือภูมิทัศน์หลังภัยพิบัตินิวเคลียร์อย่างแท้จริง แม้ว่าจะมองไม่เห็นการทำลายล้างก็ตาม การทำลายล้างภายใน. และผู้ชมมองเห็นและรู้สึกถึงความแตกสลายของจิตวิญญาณนี้ นี่คือการตอบสนองของ Ge ต่อแนวคิดปัจเจกชนของ Stirner ซึ่งแพร่หลายในเวลานั้น โดยแย้งว่าจำเป็นต้องทำให้ "ฉัน" ของตนเป็นอิสระจาก "เปลือกขี้อาย" ของสิ่งที่ยอมรับกันโดยทั่วไป

ในรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1890 F. Nietzsche มีจิตใจ ในงานของเขา "Beyond Good and Evil" และอื่น ๆ แนวคิดต่อต้านมนุษยนิยมต่อต้านความเห็นอกเห็นใจความรักต่อเพื่อนบ้านและความเท่าเทียมกันต่อพระพักตร์พระเจ้า: "มนุษย์เป็นสิ่งชั่วร้ายโดยธรรมชาติ" "ความเห็นอกเห็นใจเป็นพยาธิวิทยา" "ผลักดันคนที่เป็น ล้มลง” เป็นต้น Nietzsche ยกย่องซูเปอร์แมนที่เลือกคำโกหก ความรุนแรง และความเห็นแก่ตัวที่ไร้ยางอายที่สุดมาเป็นอาวุธของเขา” นักข่าว Minsky หนึ่งในผู้ติดตาม Nietzsche ในรัสเซียแย้งว่ามโนธรรมของบุคคลนั้นเป็นผีที่จับอาวุธต่อต้านความเห็นแก่ตัวซึ่งไม่ใช่ในนามของอุดมคติทางศีลธรรม แต่เป็นเพราะกลัวความตาย “ถ้ามนุษย์เป็นอมตะ เขาจะไม่มีทางมีมโนธรรมที่ห่างไกลที่สุด”

ตามที่ N. Ge กล่าว ยูดาสถูกประณามการทรมานมโนธรรมชั่วนิรันดร์ซึ่งหมายถึงความตาย ดังนั้น Ge จึงเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกในสังคมรัสเซียที่ประเมิน Nietzscheanism และด้วยเหตุนี้จึงแสดงให้เห็นถึงเครือญาติทางจิตวิญญาณของเขากับ V. Solovyov เขาลุกขึ้นโดยแยกตัวออกจากความคิดของคนรุ่นเดียวกันของเขาไปสู่ความเข้าใจแบบคริสเตียนอย่างแท้จริงเกี่ยวกับเหตุการณ์พระกิตติคุณซึ่งเป็นคนต่างด้าว ผู้ร่วมสมัยของเขาในสมัยนั้น

เกิดอะไรขึ้นในจิตวิญญาณของศิลปินระหว่างเหตุการณ์สำคัญทั้งสองนี้: "กระยาหารมื้อสุดท้าย" และ "มโนธรรม" ทั้งหมด สังคมรัสเซียในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ประสบกับ "จุดเปลี่ยนทางศีลธรรม" บางอย่าง ปรัชญาเกิดขึ้นจากการกอบกู้โลกจากความชั่วร้ายด้วยการปรับปรุงคุณธรรม ผู้นำทางจิตวิญญาณชาวรัสเซียมองว่าอะไรเป็นวิธี "แก้ไข" ความเป็นจริง? มีผลกระทบอย่างมากต่อจิตใจย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 1880 การสอนปรัชญาและศีลธรรมของ L.N. ตอลสตอย.

“ศรัทธา” ของเขาทำให้เข้าใจความหมายของชีวิตไม่ใช่โดยทางศีลธรรมที่สมบูรณ์ของพระคริสต์ แต่ผ่านทางพระองค์เอง แต่ได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น ตอลสตอยเชื่อว่าความชั่วร้ายเป็นสิ่งที่มีประสิทธิภาพเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่สามารถเอาชนะได้ด้วยการตักเตือน “ความคิดสร้างสรรค์ทางเทววิทยาของตอลสตอยไม่ได้สร้างความเคลื่อนไหวที่ยั่งยืนในโลก

มีเพียงผู้ทำลายศรัทธาของพระคริสต์และศาสนจักรเท่านั้นที่บริโภคและใช้วิทยานิพนธ์และข้อสรุปบางส่วนของพระองค์ ชาวรัสเซียไม่ตอบสนองต่อลัทธิตอลสตอย ไม่ว่าจะเป็นปรากฏการณ์ทางสังคมหรือข้อเท็จจริงทางศาสนา” แต่ “โดยไม่รู้ตัวเลย สังคมรัสเซียก็เหมือนกับเรือที่กำลังถูกน้ำทะลวงเข้ามา ซึ่งเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งศาสนาของตอลสตอยที่เสื่อมทรามและทำลายล้าง” อาร์คบิชอปแห่งซานฟรานซิสโก จอห์น (ชาคอฟสคอย) เขียน อย่างไรก็ตาม “เสียงพยากรณ์ของผู้เฒ่า Yasnaya Polyana ซึ่งดังสนั่นไปทั่วรัสเซียและทั่วโลกเริ่มได้ยินในจิตสำนึกของรัสเซียและปัญญาชนโลกในฐานะจิตวิญญาณแห่งคำทำนายที่แท้จริง”

นอกจากนี้อาร์คบิชอปจอห์นยังเขียนว่าตอลสตอยสามารถรับใช้ผู้คนได้อย่างเคร่งศาสนาเฉพาะในขอบเขตของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเท่านั้น แต่มีบางอย่างรบกวนจิตใจเขาอยู่ตลอดเวลา John Shakhovskoy เชื่อว่า Tolstoy ไม่รู้จักพระเจ้าส่วนตัว ว่าเขากำลังมองหาพระเจ้านอกเหนือจากประตูของพระคริสต์ (ผ่านอินเดีย จีน) “เขาไม่สามารถแยกจากอิสรภาพทางความคิดและจิตใจในจินตนาการเพื่อมาเป็นผู้รับใช้ของพระคริสต์ได้” อาร์คบิชอป John Shakhovskoy สรุปอย่างถูกต้องว่าหากในนิยายไม่มีปรากฏการณ์ที่แท้จริงมากไปกว่า Tolstoy ดังนั้นในสาขาความคิดทางศาสนาและปรัชญาก็ไม่มีปรากฏการณ์ที่ไร้ชีวิตชีวาอีกต่อไป

ฉบับที่ Soloviev ในงานของเขา "Three Conversations" ได้หักล้างทฤษฎี "การไม่ต้านทานความชั่วร้าย" เขาแย้งว่าความชั่วไม่ใช่การขาดความดีที่หายไปพร้อมกับการเติบโตของสิ่งหลัง โซโลวีฟเชื่อว่าความชั่วร้ายหยั่งรากลึกในชีวิตมนุษย์และพลังแห่งความชั่วร้ายก็ชัดเจน แข็งแกร่งกว่าดี. “ความชั่วมีชัยชนะเสมอ และความดีกลับกลายเป็นสิ่งไม่มีนัยสำคัญ” ดังนั้น Soloviev จึงหักล้างทฤษฎีของ Tolstoy ในเรื่อง "การกำจัดความชั่วร้ายด้วยตนเอง"

เอ็น.เอ็น. Ge ไม่สามารถอยู่ห่างจากกระแสเหล่านี้ในความคิดเชิงปรัชญาของรัสเซียได้ ในปี พ.ศ. 2433 เขาได้วาดภาพเขียนว่า "ความจริงคืออะไร"

มันถูกเขียนอย่างชัดเจนภายใต้อิทธิพลของคำสอนของตอลสตอย แต่ถึงแม้จะมีการสอนของตอลสตอยที่นี่ แต่ภาพลักษณ์ของพระคริสต์ไม่ได้ถูกสร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณของ "ความสงสารและความอ่อนโยน" เห็นได้ชัดว่าแนวคิด "การไม่ต่อต้านความชั่วร้าย" ไม่ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน ใช่แล้ว ความเป็นเอกของวิญญาณนั้นมองเห็นได้ชัดเจนในภาพ ชายผู้สันโดษและผอมแห้งคนนี้แสดงความโกรธและภาพเคลื่อนไหวที่เหมือนสงคราม Ge ละทิ้งความคิดของตอลสตอยเกี่ยวกับการไม่ต่อต้านความชั่วร้ายด้วยความรุนแรง พระคริสต์ของพระองค์ทรงรวบรวมการต่อสู้ที่ "สันติ" แต่เข้ากันไม่ได้กับความชั่วร้าย

นี่คือพระเยซูในสภาซันเฮดริน (1892) Ge เข้าใจที่นี่ถึงสิ่งที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันไม่รู้สึก - ศิลปะนั้นทำให้สามารถแสดงความหมายสูงสุดและให้ความรู้แก่มนุษยชาติได้ พวกฟาริสีทั้งสองกลุ่มเต็มไปด้วยความชั่วร้ายและความเฉยเมย พระคริสต์ถูกเยาะเย้ยอย่างชั่วร้ายถูกโยนลงไปที่ขอบผืนผ้าใบ แต่ยังคงต่อต้านความชั่วร้าย

ภาพวาด "การตรึงกางเขน" (พ.ศ. 2433) ซึ่งถูกทำลายโดยศิลปินตามคำยืนกรานของตอลสตอยเนื่องจากใบหน้าที่น่าเกลียดของพระคริสต์ก็ตื้นตันใจกับแนวคิดเรื่องความดีที่กระตือรือร้นและมีชัยชนะ

และสุดท้าย "โกรธา"

ภาษาของภาพวาดนั้นงดงามราวกับพลาสติกไม่เหมือนกับภาษาของการวาดภาพ Ge สมัยใหม่เลย เขาเป็นคนแสดงออกและหลงใหล องค์ประกอบไม่เป็นชิ้นเป็นอัน กรอบรูปตัดร่างที่ยื่นมือออกไปทางพระคริสต์ สามคนที่ต้องถูกประหารชีวิต - พระคริสต์และพวกโจร - ถูกรวบรวมเป็นภาพเงาเดียว ด้วยเหตุนี้ ศิลปินจึงบอกเราว่าพระผู้ช่วยให้รอดเสด็จมาเพื่อช่วยผู้ที่หลงหายและผู้ที่ตกสู่บาป เขาเป็นหนึ่งเดียวกับคนที่ร้องไห้และหลงทาง แต่สำหรับสหภาพแห่งความรอดนี้ เราจะต้องผ่านความตาย ผ่านการประหารชีวิตที่น่าอับอาย ประสบการณ์ที่พระเจ้าทอดทิ้ง และเมื่อนั้นเท่านั้น - การฟื้นคืนชีพ

ร่างของพระคริสต์ด้วยมือประสานกันเต็มไปด้วยความโศกเศร้า แต่ความโศกเศร้านี้ไม่เกี่ยวกับตัวเขาเอง แต่เกี่ยวกับพวกเราที่ตรึงพระองค์ไว้ที่กางเขน: "ยกโทษให้พวกเขา พวกเขาไม่รู้ว่ากำลังทำอะไรอยู่!" แนวคิดเรื่องการตรึงกางเขนซึ่งเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2435 ได้ถูกรวบรวมไว้ในปี พ.ศ. 2436 และในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในปี พ.ศ. 2437 มีความโดดเด่นในการแยกตัวออกจากการตีความเหตุการณ์แบบคลาสสิก ศิลปินพยายามสะท้อนเหตุการณ์สองเหตุการณ์บนผืนผ้าใบผืนเดียว: การสิ้นพระชนม์ของพระคริสต์ในฐานะหายนะอันน่าสลดใจและการฟื้นคืนชีพของมนุษย์ในฐานะขโมย

ดังนั้นการคงไว้ซึ่งความเป็นมนุษย์ในยุคของเขา เวลาของคนที่พร้อมจะเยาะเย้ยทุกสิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์และโรแมนติก และในขณะเดียวกันก็พร้อมที่จะอุทิศชีวิตให้กับงานศิลปะในนามของการสร้างความศักดิ์สิทธิ์และโรแมนติกนี้ Ge กลายเป็นตัวแทนของเทรนด์ ซึ่งไปไกลเกินขอบเขตของขอบเขตการมองเห็น โดยอุทิศตนให้กับธีมของพันธสัญญาใหม่โดยสิ้นเชิง

สำหรับคนรุ่นราวคราวเดียวกันและสำหรับคนในยุคต่อๆ มา ดูเหมือนเป็นสิ่งโบราณวัตถุแปลกๆ ที่หายไป ความคิดสร้างสรรค์ของ Ge ให้ความหวังและความมั่นใจแก่เราว่าไม่ว่าความชั่วร้ายในชีวิตมนุษย์บนโลกจะเป็นอย่างไร ไม่ว่าความคิดเกี่ยวกับคริสต์ศาสนายุคใหม่จะทำลายล้างเพียงใด ความจริงและแสงสว่างของพระคริสต์จะมีชัย

เชสเตอร์ตันเคยกล่าวไว้ว่า “ศาสนาคริสต์ตกสู่ยมโลกถึงหกครั้ง และทุกครั้งที่ปีศาจพินาศ” Ge อยู่คนเดียวในภารกิจของเขา ผู้ร่วมสมัยใช้เส้นทางที่แตกต่าง แต่พระเจ้าไม่สามารถล้อเลียนได้ ศรัทธาไม่สามารถตายได้ และในช่วงเวลาที่ไม่เชื่อพระเจ้ามากที่สุด ตะเกียงของนักพรตผู้ยิ่งใหญ่จะส่องสว่างเพื่อเรา Nikolai Ge และ Alexander Ivanov ก็อยู่ในหมู่พวกเขาด้วย

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 มีการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว การพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซีย. สำหรับวิจิตรศิลป์ จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 19 ถือเป็นยุคทองอย่างแท้จริง (ตามที่คนรุ่นเดียวกันเรียกมันและเป็นที่ยอมรับอย่างไม่อาจโต้แย้งได้จนถึงทุกวันนี้) ในเวลานี้เองที่ศิลปิน ประติมากร และสถาปนิกชาวรัสเซียได้รับทักษะสูงสุด ซึ่งทำให้พวกเขาสามารถยืนหยัดได้ทัดเทียมกับ ปรมาจารย์ที่ดีที่สุดศิลปะยุโรป

ใน ปลาย XVIII- ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 รูปแบบชั้นนำของวิจิตรศิลป์รัสเซียคือความคลาสสิก คำว่า "คลาสสิก" มาจากคำภาษาละติน "classicus" ซึ่งก็คือ "แบบอย่าง" มรดกทางศิลปะโบราณ - กรีกและโรมันโบราณ - ถือเป็นตัวอย่างในอุดมคติของลัทธิคลาสสิก แก่นหลักของความคลาสสิคคือชัยชนะ อุดมคติทางศีลธรรมความเป็นอันดับหนึ่งของสาธารณะเหนือส่วนบุคคล (“หน้าที่เหนือสิ่งอื่นใด”)

ฐานที่มั่นของลัทธิคลาสสิกในรัสเซียคือ Academy of Arts ซึ่งจำเป็นต้องปฏิบัติตามหลักการที่เข้มงวดของลัทธิคลาสสิกและสนับสนุนการวาดภาพในวิชาประวัติศาสตร์ พระคัมภีร์ และตำนาน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในประวัติศาสตร์การวาดภาพของรัสเซีย ลัทธิคลาสสิกมักถูกเรียกว่า "วิชาการ"

ศิลปะในรัสเซียถือเป็นเรื่องของรัฐมาโดยตลอด สถาบันกระจายคำสั่งของรัฐบาล เงินอุดหนุน และเงินบำนาญที่ได้รับอนุมัติ ดังนั้นจึงเป็นศิลปินเชิงวิชาการที่ได้รับค่าตอบแทนมาโดยตลอด - ผืนผ้าใบของพวกเขามีมูลค่าสูงและได้รับการยกย่องในระดับทางการและด้วยเหตุนี้จึงได้รับค่าตอบแทนอย่างดีและแนวประวัติศาสตร์ซึ่งนักวิชาการทำงานส่วนใหญ่ถือเป็น "สูงสุด ” ประเภทที่ Academy of Arts

อย่างไรก็ตาม ศิลปินส่วนใหญ่ที่ทำงานในแนวเพลง "สูง" ที่ได้รับการยกย่องดังกล่าวไม่ถึงระดับพิเศษ สิ่งนี้อธิบายได้ในขั้นต้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าตามกฎแล้วจิตรกรประวัติศาสตร์ได้ปฏิบัติตามคำสั่งของรัฐบาลอย่างเป็นทางการและทำงานภายใต้กรอบของหลักการซึ่งเป็นผลมาจากการที่ความเป็นปัจเจกของศิลปินมักจะจางหายไปในพื้นหลังหรือแม้กระทั่งหายไปโดยสิ้นเชิง

อย่างไรก็ตาม ผู้สร้างที่แท้จริงแม้จะอยู่ในกรอบที่เข้มงวดของลัทธิคลาสสิก ไม่เพียงแต่สามารถแสดงออกเท่านั้น แต่ยังนำอุดมคติด้านสุนทรียศาสตร์ที่แปลกใหม่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไปใช้ด้วย (ไม่ต้องพูดถึงภาพสะท้อนที่ได้รับแรงบันดาลใจของความน่าสมเพชแห่งความรักชาติในยุคนั้นซึ่งเกิดจาก ชัยชนะในสงครามรักชาติ พ.ศ. 2355)

จิตรกรที่มีพรสวรรค์ที่สุดคนหนึ่งในยุคนั้นคือ Andrei Ivanovich Ivanov (พ.ศ. 2319-2391) - พ่อ อเล็กซานเดอร์ผู้โด่งดังอิวาโนวา. เขาทุ่มเทการสร้างสรรค์ของเขาให้กับฮีโร่เป็นหลัก ประวัติศาสตร์สมัยโบราณรัสเซีย. ภาพวาดที่ประสบความสำเร็จที่สุดของเขาคือ "The Feat of a Young Kyite Between the Siege of Kyiv by the Pechenegs in 968" และ "The Combat of Prince Mstislav Vladimirovich the Udal with the Kosozh Prince Rededey" (น่าสนใจที่ศิลปินสร้างเสร็จในสมัยที่ มอสโกถูกนโปเลียนยึดครอง)

ชื่อของเขา Dmitry Ivanovich Ivanov (1782 - หลังปี 1810) ยังเขียนผลงานตามแบบฉบับของลัทธิคลาสสิก: ตัวเลขในภาพวาดของเขามีลักษณะคล้ายกับประติมากรรมองค์ประกอบได้รับการตรวจสอบทางเรขาคณิต นี่คือผืนผ้าใบ "Martha the Posadnitsa": ฤาษี Theodosius Boretsky มอบดาบให้ Miroslav เพื่อต่อสู้เพื่อเอกราชของ Novgorod นี่เป็นผลงานที่สดใสของความคลาสสิกชั้นสูง

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่สังเกตภาพวาดประวัติศาสตร์ของ Vasily Kondratievich Sazonov (พ.ศ. 2332-2413) "การพบกันครั้งแรกของอิกอร์กับโอลก้า" ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในยุคนั้น ภาพยนตร์เรื่องนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความสนใจในรายละเอียดในชีวิตประจำวันตัวละครถูกนำเสนอในรูปแบบโคลงสั้น ๆ

วาซิลี เชบูเยฟ. การทำนาย ภาพเหมือน. พ.ศ. 2348 สีน้ำมันบนผ้าใบ 91.5×73.5 ซม. หอศิลป์ State Tretyakov

วาซิลี เชบูเยฟ. ความสำเร็จของพ่อค้า Igolkin พ.ศ. 2382 สีน้ำมันบนผ้าใบ 283.5 x 213 ซม. พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ VASILY SHEBUEV ความสำเร็จของพ่อค้า Igolkin พ.ศ. 2382 สีน้ำมันบนผ้าใบ 283.5 x 213 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของศิลปะการศึกษาในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 คือ A.E. Egorov และ V.K. เชบูเยฟ ปรมาจารย์ที่งดงามที่สุดการวาดภาพ (อีกครั้งในสไตล์คลาสสิกล้วนๆ)

Vasily Kuzmich (Kozmich) Shebuev (1777-1855) ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานของ Andrei Ivanov ในการศึกษาของเขาที่ Academy of Arts ดึงดูดความสนใจแม้ในปีที่สำเร็จการศึกษาจาก Academy ด้วยภาพวาด "The Death of Hippolytus" เนื้อเรื่องของ ซึ่งเขายืมมาจากโศกนาฏกรรมของราซีนเรื่อง “เฟดรา” ผลงานในช่วงแรกของเขามีพลังมาก แต่ในไม่ช้าความมีชีวิตชีวาก็ทำให้เกิดความสงบ ตัวอย่างที่โดดเด่นของ "ความเงียบสงบ" ในภาพวาดของ Shebuev คือซีเปีย "การกลับมาของบุตรผู้สุรุ่ยสุร่าย" นอกจากนี้ V.K. Shebuyev แต่งเรียงความหลายเรื่องในหัวข้อประวัติศาสตร์รัสเซีย: "การเลือกตั้งมิคาอิล Fedorovich Romanov สู่ Tsardom", "เจ้าชาย Pozharsky", "Peter I ใน Battle of Poltava" (ภาพสุดท้ายอนิจจาไม่รอดมีเพียงความกระตือรือร้นเท่านั้น ทบทวนจากซากร่วมสมัย: “ ...พรสวรรค์และ เสรีภาพมากขึ้นพู่กันของศิลปินมากประสบการณ์...")

ในปี พ.ศ. 2354 V.K. Shebuev สร้างภาพร่างในหัวข้อ "The Feat of the Merchant Igolkin" จากนั้นเริ่มทำงานกับภาพวาดภายใต้ชื่อเดียวกัน เป็นลักษณะเฉพาะที่ Shebuev พยายามถ่ายทอดรายละเอียดเกี่ยวกับรสชาติของเวลาซึ่งศิลปินในยุคก่อนละเลย ตัวอย่างเช่น ชาวสวีเดนในภาพยนตร์เรื่อง "The Feat of Merchant Igolkin" แต่งกายด้วยเครื่องแบบตามประวัติศาสตร์

Aleksey Egorovich Egorov (1776-1851) มีชื่อเสียงในฐานะนักเขียนแบบร่างชั้นหนึ่งในขณะที่ยังอยู่ที่ Academy ภาพวาดของเขาในธีมโบราณมีความโดดเด่นด้วยความนุ่มนวลและการแต่งบทเพลง ภาพวาดที่ดีที่สุดของศิลปิน ได้แก่ “The Nativity of John” และ “Susanna” ในบรรดาคนรุ่นหลังนี้ “อัครสาวกแอนดรูว์ผู้ได้รับเรียกครั้งแรก” มีความโดดเด่นเป็นพิเศษ ที่สำคัญที่สุด จิตรกรรมเอ.อี. Egorova - "การทรมานของพระผู้ช่วยให้รอด" ภาพวาดนี้นำหน้าด้วยงานเตรียมการมากมาย: ภาพร่างและภาพวาดมากมาย

ในภาพบุคคลที่สร้างขึ้นด้วยพู่กันของปรมาจารย์ ความปรารถนาของเขาที่จะศึกษาธรรมชาติอย่างใกล้ชิดแสดงให้เห็นมากที่สุด มีความหมายและเป็นบทกวีมาก เช่น "ภาพเหมือนของชายหนุ่ม" ที่วาดด้วยสีน้ำมัน

ข้อดีของ Egorov ในฐานะอาจารย์ที่ Academy of Arts ก็มีความสำคัญเช่นกัน Egorov เข้มงวดกับนักเรียนของเขา แต่ยุติธรรม รักใคร่ แต่เรียกร้อง เป้าหมายก็เหมือนกัน - เพื่อปลูกฝังให้นักเรียนรักศิลปะและสอนศิลปะนี้ให้พวกเขา ไม่น่าแปลกใจเลยที่นักเรียนของ Egorov หลายคนกลายเป็นจิตรกรชาวรัสเซียที่มีความโดดเด่นในเวลาต่อมา การตั้งชื่อเพียงชื่อเดียวก็เพียงพอแล้ว - Karl Bryullov และถึงแม้ว่า Bryullov จะใช้ "เส้นทางที่แตกต่าง" แต่เขาก็ให้เกียรติคำสอนของครูมาตลอดชีวิตและไม่ลืมบทเรียนของเขา

Karl Pavlovich Bryullov (พ.ศ. 2342-2395) ในปี พ.ศ. 2365 หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy (และเขาสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญทอง) ไปอิตาลีกับ Alexander น้องชายของเขา (โดยวิธีการนามสกุลที่แท้จริงของพี่น้องคือ Brullo ก่อนที่จะเดินทางไปอิตาลีพวกเขาเปลี่ยนนามสกุลของบรรพบุรุษผู้อพยพจากฝรั่งเศสเป็นสไตล์รัสเซีย) พี่ชายของ "ผู้ยิ่งใหญ่ชาร์ลส์" อเล็กซานเดอร์แม้ว่า เขาไม่ได้ "ยิ่งใหญ่" มากนัก แต่ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนในวิจิตรศิลป์รัสเซีย ความรุ่งเรืองของความคิดสร้างสรรค์ของเขาในฐานะศิลปิน (และนอกเหนือจากนี้ เขายังเป็นสถาปนิกชั้นหนึ่งด้วย) ใกล้เคียงกับความรุ่งเรืองของภาพเหมือนสีน้ำของรัสเซีย ซึ่งมาแทนที่ภาพเหมือนดินสอและภาพย่อส่วนบนกระดูก ภาพเหมือนของ Natalya Nikolaevna ภรรยาของพุชกินเป็นเรื่องปกติสำหรับ Alexander Bryullov สีน้ำจำนวนมากโดย A. Bryullov ถูกประหารชีวิตมากกว่าเชี่ยวชาญ แต่มีสีค่อนข้างเย็น

อเล็กซานเดอร์ บรายลอฟ. ภาพเหมือนของ M.O. Smirnova ต้นทศวรรษที่ 1830 บริสตอลบอร์ด สีน้ำ ดินสอ ขาว วานิช
21.5 x 17 ซม. (ใส) พิพิธภัณฑ์รัฐเช่น. พุชกิน, มอสโก

อเล็กซานเดอร์ บรายลอฟ. ภาพเหมือนของ A.D. บาราตินสกายา 1830 กระดาษสีน้ำ 19.2 x 16 ซม. นิจนีนอฟโกรอดสเตท
พิพิธภัณฑ์ศิลปะ

กลับมาที่งานของ Karl Bryullov ให้เราสังเกตคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของมัน - การอยู่ร่วมกันและคุณลักษณะที่กลมกลืนกัน โรงเรียนวิชาการและคุณลักษณะของแนวโรแมนติกและความปรารถนาในความจริงทางประวัติศาสตร์ ผู้ร่วมสมัยหลายคน (และลูกหลาน) ตำหนิ Bryullov เนื่องจากถูกกล่าวหาว่าประนีประนอม ในความเป็นจริงนี่ไม่ใช่การประนีประนอมเลย แต่เป็นวิสัยทัศน์ทางศิลปะ: Bryullov เข้าใจเส้นทางของเขาในงานศิลปะในลักษณะนี้อย่างแน่นอนและไม่ใช่อย่างอื่น

อาจกล่าวได้ว่า Karl Bryullov โชคดีอย่างน่าอัศจรรย์: เขามีประสบการณ์อย่างเต็มเปี่ยมในช่วงชีวิตของเขา (และไม่ใช่ศิลปินชาวรัสเซียทุกคนที่ประสบความสำเร็จในเรื่องนี้) ภาพวาดประวัติศาสตร์ "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" กลายเป็นเหตุการณ์จริงในชีวิตศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การประเมินงานของ Bryullov และเหนือสิ่งอื่นใด "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" เปลี่ยนไปมากกว่าหนึ่งครั้งหรือสองครั้งเมื่อเวลาผ่านไป - จากความกระตือรือร้นที่รุนแรงไปจนถึงการยิ้มอย่างไม่เชื่อหรือแม้แต่การปฏิเสธโดยสิ้นเชิง แต่สิ่งที่ไม่มีใคร (ทั้งคนรุ่นเดียวกันและลูกหลานของเขา) ไม่เคยสงสัยเลยก็คือพรสวรรค์ของเขาในฐานะจิตรกรภาพเหมือน เพียงพอที่จะระลึกถึง "The Horsewoman" ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่อาจโต้แย้งได้ของจิตรกร

คาร์ล บรายลอฟ. ภาพเหมือนของนักเขียน Nestor Vasilyevich Kukolnik พ.ศ. 2379 สีน้ำมันบนผ้าใบ 117×81.7 ซม. หอศิลป์ State Tretyakov

Karl Bryullov เป็นนักวาดภาพสีน้ำที่เก่งกาจเช่นกัน แต่แตกต่างจากผลงานของนักสีน้ำ "มืออาชีพ" (เช่น P.F. Sokolov ที่กล่าวถึงด้านล่าง) ในสีน้ำของ Bryullov มือของปรมาจารย์ในรูปแบบขนาดใหญ่จะจดจำได้เสมอ ภาพบุคคลสีน้ำของ Bryullov สามารถแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม อย่างแรกคือภาพร่างสีน้ำของภาพสีน้ำมันในอนาคต (หนึ่งในนั้นคือ ภาพเหมือนสีน้ำผู้คลั่งไคล้ I.A. ครีลอฟ) และกลุ่มที่สองคือภาพบุคคลสีน้ำเช่นนี้

กล่าวอีกนัยหนึ่ง Bryullov เป็นศิลปินอย่างที่พวกเขาพูดว่า "มาจากพระเจ้า" ไม่ว่าเขาจะทำอะไรก็ตาม ภาพวาดประวัติศาสตร์ภาพบุคคลหรือสีน้ำ ผลงานทั้งหมดของเขากลายเป็นงานศิลปะในความหมายที่แท้จริงของคำเหล่านี้อย่างไม่ต้องสงสัย

อย่างไรก็ตาม ด้วยพรสวรรค์ ความมีคุณธรรม และโชคทั้งหมดของ Bryullov แผนการหลายอย่างของศิลปินจึงยังไม่เสร็จสิ้น ตัวอย่างเช่นศิลปินสนใจประวัติศาสตร์รัสเซียมาโดยตลอด ปีที่ยาวนานเขาฟักความคิดของภาพวาดมหากาพย์ที่เรียกว่า "The Siege of Pskov โดย King Stefan Batory ของโปแลนด์ในปี 1581" หากแผนนี้เกิดขึ้นจริง ตอนนี้เราคงจะสามารถพูดคุยเกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกระดับประเทศอย่างแท้จริงในแนวประวัติศาสตร์ได้แล้ว แต่น่าเสียดายที่ภาพนั้นไม่ได้ถูกวาดเอาไว้...

เช่นเดียวกับในผลงานของ Karl Bryullov อย่างสงบสุขและมีผลงานศิลปะคลาสสิกและแนวโรแมนติกอยู่ร่วมกันในผลงานของศิลปินที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งรวมถึงประติมากรผู้ชนะเลิศเหรียญช่างแกะสลักที่โดดเด่นไม่แพ้กันผู้แต่งภาพวาดภาพเงาและภาพบุคคลหุ่นขี้ผึ้งขนาดเล็ก Fyodor Petrovich Tolstoy ( พ.ศ. 2326-2416). ). เขาได้รับแรงบันดาลใจจากซากปรักหักพังไม่แพ้กัน เฮลลาสโบราณและกิ่งไลแลค นกคีรีบูน และคืนเดือนหงาย (ความรักในคืนเดือนหงายเป็นหนึ่งในสัญญาณที่พบบ่อยที่สุดของความโรแมนติก ศิลปินโรแมนติกจ่ายส่วยที่ขาดไม่ได้ให้กับแสงไฟยามค่ำคืนอันลึกลับ - มาจำ M. N. Vorobyov และ "คืนฤดูใบไม้ร่วง" ของเขากันเถอะ และอะไรจะโรแมนติกไปมากกว่านั้น คืนเดือนหงาย?)

อย่างไรก็ตามจุดตัด "การประนีประนอม" ของความคลาสสิกและความโรแมนติกในผลงานของ K.P. บริอุลโลวา, F.P. ตอลสตอยไม่ได้เป็นตัวอย่างให้กับศิลปินคนอื่น ในทางตรงกันข้าม จิตรกรที่มีพรสวรรค์หลายคนไม่ตระหนักถึงการประนีประนอมใดๆ เนื่องจากได้รับภาระโดยตรงจากข้อเรียกร้องของศิลปะคลาสสิกชั้นสูง พวกเขาก็มุ่งสู่แนวโรแมนติกโดยตรงเช่นกัน

ยวนใจ (จากแนวโรแมนติกของฝรั่งเศส) ดังที่คุณทราบการเคลื่อนไหวทางศิลปะในวัฒนธรรมยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครั้งแรก ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ. ในวิจิตรศิลป์ แนวโรแมนติกถูกสร้างขึ้นในการต่อสู้กับลัทธิคลาสสิคทางวิชาการอย่างเป็นทางการ และวิจิตรศิลป์ของรัสเซียก็ไม่มีข้อยกเว้นที่นี่ เชื่อกันว่าต้องขอบคุณความโรแมนติกที่การวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียได้ปลดปล่อยตัวเองจากพันธนาการแห่งความคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม จำเป็นต้องมีการชี้แจงบางประการที่นี่

ในงานศิลปะ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวิจิตรศิลป์ ไม่ใช่ทุกอย่างจะเรียบง่ายและไม่คลุมเครืออย่างที่บางครั้งอาจดูเหมือนเมื่อมองแวบแรก โซ่ตรวนเป็นโซ่ตรวน แต่หนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิยวนใจของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 คือการเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับลัทธิคลาสสิก อีกประการหนึ่งคือบทบาทของมรดกคลาสสิกในแนวโรแมนติกนั้นขัดแย้งกันมาก ในอีกด้านหนึ่ง เราเห็นว่าแนวโรแมนติกซึมซับจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก (หรืออีกนัยหนึ่งคือความเชื่อในทุกสิ่งที่สวยงามและมีเกียรติที่มีอยู่ในตัวบุคคล) และ "ยืม" ความเป็นมืออาชีพระดับสูงจากลัทธิคลาสสิก ในทางกลับกัน ความคลาสสิกแบบเดียวกันซึ่งมีขอบเขตที่เข้มงวดได้จำกัดความเป็นไปได้ของศิลปินแนวโรแมนติก

เฟเดอร์ ตอลสตอย. ดาร์ลิ่งชื่นชมตัวเองในกระจก 2364 กระดาษสีน้ำ. หอศิลป์ State TretyakovFEDOR TOLSTOY ดาร์ลิ่งชื่นชมตัวเองในกระจก 2364 กระดาษสีน้ำ. หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ

เฟเดอร์ ตอลสตอย. ช่อดอกไม้ ผีเสื้อ และนก 2363 กระดาษสีน้ำตาล สีน้ำ ปูนขาว 49.8 x 39.1 ซม
พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ในการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย แนวโรแมนติกส่วนใหญ่เป็นแง่ดีและสดใสในธรรมชาติ (ต่างจากการพูดแบบโรแมนติกของฝรั่งเศส) แนวโรแมนติกของรัสเซียนั้นสง่างาม เศร้าโศก ครุ่นคิด... ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้เพิกเฉยต่อภาพวัตถุประสงค์ของโลกเลย ในทางตรงกันข้ามในการวาดภาพทิวทัศน์ที่โรแมนติกความเป็นจริงอันโหดร้ายนั้นมองเห็นได้อย่างผิดปกติ คุณสามารถ "ย้อนกลับ" และพูดว่าภาพวาดเหมือนจริงของรัสเซียมีเสียงหวือหวาโรแมนติกที่เด่นชัด

จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 การวาดภาพทิวทัศน์ส่วนใหญ่ถูกจำกัดอยู่เพียงการวาดภาพทุ่งนาและลำธาร เช่นเดียวกับคนเลี้ยงแกะและคนเลี้ยงแกะที่เฝ้าดูฝูงแพะและแกะ (โดยวิธีการที่ Academy of Arts เหล่าอภิบาลถูกเรียกโดยไม่มีคำใบ้ อารมณ์ขัน "ทิวทัศน์ที่มีวัว" - ด้วยเหตุนี้จึงเป็น Academy) แต่เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 สถานการณ์ก็เกิดขึ้น
ค่อยๆเริ่มเปลี่ยนแปลง ตัวอย่างเช่น ผืนผ้าใบของ F.M. "มุมมองของ Roman Campagna" ของ Matveev ยังคงเขียนตามประเพณีของลัทธิคลาสสิกเชิงวิชาการ แต่ใน "ภูมิทัศน์อิตาลี" ของเขาแล้วมีอารมณ์ที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงที่มองเห็นได้ชัดเจน เข้าด้วย ในระดับที่มากขึ้นสิ่งนี้ใช้กับทิวทัศน์ของ A.A. อิวาโนวา. นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสังเกตภูมิทัศน์ของ N.G. เชอร์เนตโซวา แม้ว่าผลงานของ Chernetsov จะไม่เป็นอิสระและไม่ถูกขัดขวางเหมือนผลงานของ Ivanov แต่ Chernetsov วาดภาพธรรมชาติของรัสเซียอย่างแม่นยำ ในขณะที่ Ivanov ชอบวาดภาพธรรมชาติของอิตาลี

แต่ไม่ใช่ Ivanov ไม่ใช่ Matveev ไม่ใช่ Chernetsov และไม่ใช่ศิลปินที่มีค่าควรคนอื่น ๆ ที่ได้รับเกียรติในการค้นพบแนวทางใหม่ในการพัฒนาภูมิทัศน์ของรัสเซีย เราเรียกเซมยอน เฟโดโรวิช ชเชดริน (1745-1804) ผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์รัสเซียอย่างถูกต้อง เขาเป็นคนแรกในศิลปะรัสเซียที่เปิดเผยคุณค่าที่แท้จริงของลวดลายธรรมดาในภูมิทัศน์ธรรมดา เขาเป็นจิตรกรทิวทัศน์คนแรกที่ Academy ยอมรับ เขาเป็นศาสตราจารย์คนแรกของการวาดภาพทิวทัศน์ซึ่งเป็นหัวหน้าคนแรกของชั้นเรียนภูมิทัศน์พิเศษ กล่าวอีกนัยหนึ่ง Shchedrin เป็นผู้ก่อตั้งและผู้บุกเบิก

ผู้ก่อตั้งประเภทของภูมิทัศน์เมืองรัสเซียถือเป็น Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753(4?) - 1824) ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 เขาวาดภาพทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกว ในช่วงทศวรรษที่ 1810 ศิลปินได้เปลี่ยนงานของเขาให้เป็นภาพลักษณ์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอันเป็นที่รักของเขาอีกครั้ง ด้วยความรักด้วยความเคารพและการแต่งบทเพลงที่ไม่ธรรมดา ศิลปินถ่ายทอดความงามของเนวา เขื่อน พระราชวัง อาคารประวัติศาสตร์... ภาพวาดช่วงปลายของ Fyodor Alekseev ใกล้เคียงกับบทกวีของพุชกิน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ศิลปินได้ย้ายออกจากลัทธิคลาสสิกที่เย็นชาและนำองค์ประกอบแนวเพลงมาสู่ภูมิทัศน์ “ในภาพวาดของ Alekseev เราสัมผัสได้ถึงข้อความที่ไพเราะและจริงใจว่า 20 ปีต่อมา มันได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งกาลเวลาโดยทั่วไป…” Igor Grabar เขียน

ในผลงานของ Alekseev ในครั้งนี้ เสียงของเมืองจะได้ยินชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ ตอนนี้เบื้องหน้าทั้งหมดของผืนผ้าใบของเขาถูกครอบครองโดยผู้คนที่มีกิจวัตรประจำวันและความกังวล ชีวิตประจำวันในเมืองธรรมดาต่อหน้าต่อตาผู้ชม: พ่อค้าและเจ้าหน้าที่กำลังเร่งรีบเกี่ยวกับธุรกิจของพวกเขา... ชาวประมงกำลังตกปลา... เรือบรรทุกน้ำมันกำลังขนส่ง... โปรดจำไว้ว่าเช่นเดียวกับในบทกวีของพุชกิน: “ พ่อค้าลุกขึ้นคนเร่ขายไป .. คนขับแท็กซี่เข้าตลาดหลักทรัพย์…” นั่นคือชีวิตประจำวันที่เกิดขึ้นมากที่สุด ชีวิต. ด้วยวิธีพิเศษ "ในทางของ Alekseev" ดวงอาทิตย์ส่องแสง "ในทางของ Alekseev" อากาศโปร่งใส... เหล่านี้คือ "ทิวทัศน์ของเขื่อนอังกฤษจากเกาะ Vasilyevsky", "ทิวทัศน์ของอาสนวิหารคาซานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" . ปีเตอร์สเบิร์ก”, “ทิวทัศน์ของเกาะ Vasilyevsky จากป้อม Peter และ Paul”

และอย่าหลงกลกับคำว่า "มุมมอง" ในชื่อภาพเขียน ศิลปินไม่ได้เขียน "ประเภท" ของอาคารและวงดนตรี - ในแต่ละภาพจะสะท้อนภาพของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทั้งหมดเหมือนในหยดน้ำ

ความร่วมสมัยรุ่นเยาว์ของ G.R. Derzhavin และ A.S. Pushkin, Alekseev ยกระดับภาพลักษณ์ของเมืองให้อยู่ในอันดับศิลปะที่เต็มเปี่ยม

และการทำให้รูปลักษณ์ของเมืองหลวงของรัสเซียในอุดมคติบางประการนั้นเป็นหนทางสำหรับศิลปินในการแสดงออกถึงความรักในความงามซึ่งศูนย์รวมของ Alekseev คือปีเตอร์สเบิร์กที่ยอดเยี่ยม

เวทีที่ใหญ่ที่สุดในการพัฒนาภูมิทัศน์ของรัสเซียแสดงโดยผลงานของ Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791-1830) ในผลงานช่วงแรกของเขา Shchedrin ได้พัฒนาธีมเดียวกันกับภูมิทัศน์ในเมือง (และแม้แต่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) เช่นเดียวกับ F.Ya. อเล็กซีฟ. อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของเขาในยุคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กยังคงใกล้เคียงกับ S.F. Shchedrin (ซึ่งเป็นลุงของ Sylvester Shchedrin) ซิลเวสเตอร์ ชเชดรินกำหนดงานของเขาไว้อย่างชัดเจนและชัดเจน นั่นคือ การสร้างภาพเหมือนของพื้นที่นั้น ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดลักษณะของธรรมชาติให้ลึกซึ้งที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้คือสิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับเขา การทำซ้ำและรูปแบบต่างๆ มากมายในหัวข้อเดียวกันของเขาพูดถึงความอุตสาหะในการบรรลุเป้าหมาย แปดครั้ง (!) ศิลปินวาดภาพของเขาซ้ำ“ โรมใหม่ Castle of the Holy Angel” และแต่ละเวอร์ชันใหม่ก็ดีกว่าเวอร์ชันก่อนหน้า เสริมด้วยการสังเกตที่ละเอียดอ่อนใหม่ คุณสามารถสุ่มวาดภาพโดย Shchedrin และความแตกต่างระหว่าง Shchedrin กับจิตรกรทิวทัศน์คนอื่น ๆ จะปรากฏชัดเจนทันที ก่อนอื่น นี่คือรูปภาพของผู้คน - ในภาพเขียนของ Shchedrin พวกเขาไม่ใช่สิ่งพิเศษธรรมดา ไม่ใช่ "ประชากร" แต่เป็นภาพที่มีชีวิตอย่างสมบูรณ์: ใบหน้าสีแทน การเคลื่อนไหวตามธรรมชาติ...

งานของ Sylvester Shchedrin นำหน้า (และบางส่วนมาพร้อมกับ) กิจกรรมของศิลปินที่เรียกว่า "แถวที่สอง" ซึ่งคำจำกัดความไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากความสำคัญของงานของพวกเขาในทางใดทางหนึ่ง กระบวนการทางศิลปะและโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ได้พูดถึงความธรรมดาของพวกเขา เหล่านี้เป็นจิตรกรที่มีพรสวรรค์มาก เพียงด้วยเหตุผลส่วนตัวและวัตถุประสงค์หลายประการแนวโน้มของยุคใหม่ไม่ได้แสดงออกมาอย่างทรงพลังในงานของพวกเขาเหมือนกับในผลงานของซิลเวสเตอร์ชเชดริน อย่างไรก็ตาม ศิลปินเหล่านี้มีบทบาทก้าวหน้าในการพัฒนาจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย เนื่องจากด้วยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา พวกเขาจึงเตรียมพื้นที่สำหรับการกำเนิดงานศิลปะ "ใหม่"

ปรมาจารย์เหล่านี้ถูกเรียกว่าศิลปินทัศนศิลป์ แม้ว่าการเรียกพวกเขาว่าศิลปินท่องเที่ยวจะถูกต้องมากกว่า บางคนเดินทางไปทั่วรัสเซีย (A.E. Martynov, T.A. Vasiliev) คนอื่น ๆ - รอบกรีซและอิตาลี (N.F. Alferov, E.M. Korneev) คนอื่น ๆ มีส่วนร่วมในการเดินเรือรอบ (P.N. . Mikhailov) มีคนไปอเมริกา (P.P. Svinin) แต่นั่นไม่ใช่ประเด็นหลัก แม้ว่าพวกเขาจะดึงแรงบันดาลใจจากการเดินทางไปยังประเทศต่าง ๆ และแม้แต่ทวีปต่าง ๆ แต่ศิลปินเหล่านี้ทั้งหมดก็รวมกันเป็นหนึ่งเดียวกันโดยข้อเท็จจริงที่ว่าการสร้างสรรค์ของพวกเขาโดยพื้นฐานแล้วนั้นเป็น "การเขียนวิดีโอ" นั่นคือราวกับเป็นการสังเกตการเดินทาง - และไม่มีอะไรเพิ่มเติม

อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ว่าศิลปินทัศนศิลป์ทุกคนจะสร้างผลงานของตนเองระหว่างการเดินทาง นอกจากนี้ยังมีผู้ที่พอใจกับภาพวาดของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น (ในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 มุมมองทั้งหมดเกี่ยวกับเมืองหลวงของรัสเซียปรากฏขึ้นค่อนข้างสม่ำเสมอ) เมื่อเขียนภาพวาด "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" จิตรกรวิดีโอไม่ได้กำหนดภารกิจอื่นใดให้กับตัวเองนอกจากอธิบายเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างเป็นเรื่องเป็นราว ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ประเภทนี้ที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งคือ M.N. โวโรบีอฟ (1787-1855) เมื่อเขาเพิ่งเริ่มต้นเส้นทางสร้างสรรค์ เขาได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในศิลปินที่ “มีชื่อเสียงจากความสามารถของเขา” และเมื่อชีวิตของ Vorobyov สิ้นสุดลง เขาถูกเรียกว่า "จิตรกรชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุด" และยังเริ่มได้รับการเคารพในฐานะ "บิดาแห่งการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย"

อย่างไรก็ตามทุกอย่างไหลเวียนและทุกอย่างเปลี่ยนไปและนักประวัติศาสตร์ศิลป์รุ่นต่อไปไม่รู้สึกถึงความเคารพต่อ Vorobyov เช่นนี้และงานของเขาได้รับการประเมินอย่างสุภาพมากขึ้น กล่าวคือ: "จิตรกรวิดีโอที่ดีที่สุดของเรา"

เช่นเดียวกับโรแมนติกส่วนใหญ่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 M.N. Vorobiev ชอบเอฟเฟกต์ทางศิลปะภายนอก แต่ในภูมิประเทศที่ดีที่สุดของเขาเขามีอารมณ์ความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในเวลากลางคืน ที่นี่ Vorobiev เดินตามรอยของ Sylvester Shchedrin คนเดียวกันซึ่งในผลงานของปี 1820 ได้ปลูกฝังเอฟเฟกต์โรแมนติกของแสงไฟยามค่ำคืน และจากโรงเรียน F.Ya. Alekseeva Vorobiev พัฒนาความรักต่อภูมิทัศน์ของเมือง ในทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Vorobyov สามารถถ่ายทอดความโรแมนติกที่แท้จริงของเมืองได้

ความสำคัญของ Vorobyov ในฐานะครูก็มีความสำคัญไม่น้อยสำหรับการวาดภาพของรัสเซีย ที่ Academy of Arts เขาเป็นผู้นำ "ชั้นเรียนการวาดภาพทิวทัศน์และมุมมอง" ในบรรดานักเรียนของเขาคือหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ที่มีความสามารถมากที่สุด M.M. Lebedev ซึ่งในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขาได้สร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมมากมาย ภูมิทัศน์ของ Lebedev ซึ่งวาดในอิตาลี (ซึ่งเขาไปในฐานะลูกสมุนของ Academy) ดูเหมือนจะดำเนินภารกิจของ Sylvester Shchedrin ต่อไป เหนือสิ่งอื่นใด Lebedev ชอบวาดภาพชานเมืองโรมด้วยสวนสาธารณะขนาดใหญ่และต้นไม้โบราณ บางครั้งสถาปัตยกรรมก็ปรากฏอยู่ในภาพวาดของ Lebedev บางครั้งก็มีร่างมนุษย์ปรากฏขึ้น อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่เคยได้รับความสำคัญเหมือนที่พวกเขามีในภูมิทัศน์ของ Shchedrin Lebedev ไม่ได้ถูกลิขิตให้เปิดเผยความสามารถของเขาอย่างเต็มที่ - ในปี 1837 อหิวาตกโรคได้พาจิตรกรวัย 26 ปีไปยังอีกโลกหนึ่ง

นอกจากศิลปินที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว ในวิจิตรศิลป์รัสเซียยังมีจิตรกรแนวโรแมนติกอีกกลุ่มหนึ่งซึ่งในงานของพวกเขามุ่งเน้นไปที่ธีมของจังหวัดรัสเซีย และถ้าผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซียคือ S.F. Shchedrin และผู้ก่อตั้งประเภทของภูมิทัศน์เมืองรัสเซียถือเป็น F.Ya. ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Alekseev Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) ถือได้ว่าเป็น "บิดา" ของประเภทชีวิตประจำวันของรัสเซีย มันคือเอ.จี. Venetsianov ยกระดับประเภทชีวิตประจำวันให้อยู่ในอันดับของประเภทจิตรกรรมที่เต็มเปี่ยม ผลงานที่ดีที่สุดศิลปิน (“ The Threshing Barn”, “ On the Plowed Field. Spring”, “ Peasant Woman with Cornflowers” ​​​​และอื่น ๆ ) ถูกสร้างขึ้นในปี 1820 หัวข้อของผืนผ้าใบของเขาดูธรรมดามาก: ชาวนาปอกหัวบีท, ไถ, เก็บเกี่ยว, ทำหญ้าแห้ง... และในกรณีนี้ลัทธิความเชื่อที่สร้างสรรค์ของศิลปินก็แสดงออกมา เขาเชื่อว่าหน้าที่หลักของจิตรกรคือ "ไม่วาดภาพสิ่งอื่นใดนอกจากในธรรมชาติ..." หรืออีกนัยหนึ่งคือ "... โดยปราศจากการผสมผสานท่าทางของศิลปินคนใดเลย"

อเล็กซี่ เวเนตเซียนอฟ. พยาบาลกับลูก. ต้นทศวรรษที่ 1830 ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 66.7 x 53 ซม. State Tretyakovskaya
แกลเลอรี่

เมื่อนิทรรศการผลงานของ A.G. จัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Venetsianova ประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่ง “ในที่สุด เราก็รอคอยศิลปินที่เปลี่ยนความสามารถอันยอดเยี่ยมของเขาให้เป็นภาพลักษณ์ของเราเอง ไปสู่การเป็นตัวแทนของสิ่งของรอบตัวเขา ใกล้เคียงกับหัวใจของเขาและของเรา...” พี.พี. เขียนเกี่ยวกับนิทรรศการครั้งนี้ สวินิน.

อย่างไรก็ตาม แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของ Venetsianov ได้รับการสนับสนุนอย่างอบอุ่นจากสังคมรัสเซียที่ก้าวหน้าโดยเฉพาะ ในแวดวงทางการงานของ Venetsianov ถูกมองว่า "ตรงกันข้าม" - ถูกปฏิเสธอย่างเด็ดขาด Academy of Arts ไม่ได้ซ่อนทัศนคติเชิงลบต่อศิลปินเพราะเขาพรรณนาถึง "คนทั่วไป" เท่านั้น

Venetsianov รู้สึกเสียใจอย่างยิ่งกับทัศนคติต่องานของเขา แต่ไม่ใช่เลยเพราะเขาไม่มีโอกาสได้เป็นคนโปรดของ Academy ท่านอาจารย์ถือเป็นหน้าที่ของเขาที่จะถ่ายทอดความรู้และประสบการณ์ให้กับศิลปินรุ่นเยาว์ “อย่างไรก็ตาม ฉันถูกปฏิเสธโดยสิ้นเชิงในการรับหน้าที่ใด ๆ ที่ Academy of Arts เอง…” Venetsianov เขียนอย่างเศร้า ๆ

ความปรารถนาของ Venetsianov ที่จะสอน "คนกระหายน้ำนับพัน" นั้นเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อเขาสร้างโรงเรียนศิลปะด้วยค่าใช้จ่ายของเขาเองเท่านั้น และที่นี่ไม่มีสถาบันการศึกษาใดสามารถแทรกแซงเขาได้ ในโรงเรียนของเขา เขาสั่งสอนนักเรียนของเขาในขณะที่เขาเห็นว่าจำเป็นและถูกต้อง ปฏิเสธระบบการศึกษาอย่างเด็ดเดี่ยวตาม
ซึ่งก่อนที่จะเริ่มวาดภาพจากชีวิตจริง ศิลปินต้องใช้เวลาหลายชั่วโมงและหลายวันในเวิร์คช็อปของ Academy และเรียนรู้การวาดภาพจาก "ต้นฉบับ" ที่โรงเรียนของ Venetsianov ซึ่งอยู่ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมอาจารย์บังคับให้นักเรียนเขียนจากชีวิต ดังนั้นโรงเรียนของ Venetsianov จึงเป็นสถาบันการศึกษาด้านศิลปะแห่งแรกในรัสเซียที่ตั้งเป้าหมายในการศึกษา ชีวิตจริงและไม่ใช่ตัวอย่างโบราณ นักเรียนของ Venetsianov หลายคน - และมีประมาณเจ็ดสิบคน - ต่อมากลายเป็น ศิลปินที่ยอดเยี่ยมทำให้ครูของเขาพ้นโทษโดยสิ้นเชิง

นักเรียนคนแรกและเป็นที่รักมากที่สุดคนหนึ่งของ Venetsianov คือ A.V. Tyranov ผู้ซึ่งเริ่มต้นเช่นเดียวกับ "Venetianists" ส่วนใหญ่ด้วยการวาดภาพภายใน ภาพบุคคลในการตกแต่งภายใน และภาพวาดประเภท "ชาวนา" ใน วัยรุ่นปี Tyranov มีส่วนร่วมในการวาดภาพไอคอน Venetsianov เห็นงานของเขาโดยบังเอิญและพาเขาไปโรงเรียนเพื่อดู "ความสามารถพิเศษ" ในจิตวิญญาณของชาวเวนิสมีการเขียน "ผู้หญิงชาวนาสองคนเบื้องหลัง Krosny" ("ช่างทอผ้า"), "ภาพเหมือนตนเอง" รวมถึงภูมิทัศน์เดียวในงานของ Tyranov "ทิวทัศน์ของแม่น้ำ Tosna ใกล้หมู่บ้าน Nikolskoye" อย่างน่าประหลาดใจ กลมกลืนกับแสงแดด ในช่วงชีวิตของเขา Tyranov ได้รับชื่อเสียงอย่างมาก ตามความคิดร่วมสมัย ในนิทรรศการของศิลปินคนนี้ “มีผู้คนจำนวนมากอยู่รอบๆ ภาพวาดของเขาจนไม่สามารถผ่านไปได้” เป็นเวลาหลายปีที่ Tyranov เป็นจิตรกรวาดภาพที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

นักเรียนอีกคนของ Venetsianov, S.K. ก็ทำงานด้านการวาดภาพบุคคลมามากเช่นกัน Zaryanko ซึ่งต่อมากลายเป็นนักวิชาการและอาจารย์ที่ Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture เช่นเดียวกับ Tyranov บน ระยะเริ่มต้น Zaryanko ให้ความสนใจอย่างมากกับชีวิตสร้างสรรค์ของเขา ภาพกลุ่มในการตกแต่งภายใน ตัวอย่างคือภาพวาดของเขา “ทิวทัศน์ห้องโถงคณะนิติศาสตร์กับกลุ่มครูและนักเรียน” และ “ภาพเหมือนของ F.P. Tolstoy" เป็นขั้นตอนต่อไปของ Zaryanko ในการพัฒนาหลักการที่โรงเรียนของ Venetsianov เป็นรากฐาน ซึ่งประกาศว่าศิลปะควรยืนหยัดใกล้กับความจริงของชีวิตมากที่สุด

G.V. ยังเป็นลูกศิษย์ของ Venetsianov อีกด้วย Soroka (Soroka เป็นนามแฝงของศิลปินชื่อจริงของเขาคือ Vasilyev) ศิลปินทาสที่ฆ่าตัวตาย มันเป็นพรสวรรค์ดั้งเดิมที่สดใส ภูมิทัศน์ของเขาเรียบง่าย กระชับ และชัดเจน พัฒนาการของ Soroka ในฐานะศิลปินนั้นแทบจะเร็วปานสายฟ้า จดหมายจาก Venetsianov ได้รับการเก็บรักษาไว้ ซึ่งเขาประเมินความสามารถในการสร้างสรรค์ของ Soroka Venetsianov เปรียบเทียบเขากับ Plakhov นักเรียนคนอื่นของเขา Plakhov ซึ่งสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts และสำเร็จการฝึกงานในกรุงเบอร์ลินเป็นอาจารย์ที่ได้รับการยอมรับแล้ว และในเวลาเพียงไม่กี่เดือนของการฝึกอบรมและแม้แต่ในชนบท Soroka ตาม Venetsianov ก็ได้เติบโตเกินกว่าปรมาจารย์ Plakhov ที่เป็นที่ยอมรับ การประเมินนี้เป็นข้อพิสูจน์ถึงพรสวรรค์โดยธรรมชาติอันมหาศาลของ Soroka และการทำงานหนักมหาศาลไม่แพ้กัน ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ผืนแรกของ Soroka คือภาพวาด "The Barn" - ในเนื้อเรื่องและองค์ประกอบมันสะท้อนภาพวาดชื่อเดียวกันของ Venetsianov อย่างชัดเจน แต่ก็ยังมีความแตกต่างที่ชัดเจนเช่นกัน Venetsianov กวีนิพนธ์แรงงานชาวนา รูปภาพของเขาเขียนจากมุมมองของ "ผู้สังเกตการณ์ภายนอก" โซโรคาแตกต่างจากครูของเขาตรงที่เขียนชีวิตชาวนาโดยมีความสัมพันธ์โดยตรงมากที่สุด และสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในวิถีทางของผู้เขียนในการวาดภาพความเป็นจริง (โดยเฉพาะในโทนสีมืดของโลกและกระท่อมชาวนา) เส้นทางสร้างสรรค์ของ Soroka กินเวลาไม่เกินสิบปี รู้จักภาพวาดของเขาเพียงประมาณยี่สิบภาพ และเกือบทั้งหมดมีวันที่โดยประมาณ ขอให้โชคดี Soroka ประสบความสำเร็จในการวาดภาพทิวทัศน์ ภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดของ Soroka ถือเป็น: "ทิวทัศน์ของที่ดิน Spasskoye ในจังหวัด Tambov", "ทิวทัศน์ของเขื่อนในที่ดิน Spasskoye ของจังหวัด Tambov", "ทิวทัศน์ของทะเลสาบ Moldino" ภาพวาดทั้งหมดนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยขอบเขตอันยิ่งใหญ่ในการพรรณนาถึงธรรมชาติ และภูมิทัศน์เช่น "Chapel in the Park" และ "View in the Islands" ตรงกันข้ามนั้นมีความใกล้ชิดและโคลงสั้น ๆ อย่างเน้นย้ำ

ศิลปินเสิร์ฟที่มีความสามารถอีกคนซึ่งชะตากรรมของ Venetsianov มีบทบาทสำคัญคือ F.M. สลาฟ Venetsianov ดึงความสนใจไปที่ ความสามารถทางศิลปะ Fyodor Mikhailov (นี่คือชื่อจริงของศิลปิน) และซื้อเขาจากการเป็นทาส เนื่องจากไม่มีลูกชาย Venetsianov จึงต้องการส่งต่อนามสกุลของเขาให้กับนักเรียนคนหนึ่งของเขา เขาพยายามอีกครั้งกับ Fedor Mikhailov แต่คราวนี้เขาไม่ได้รับการอนุมัติจากทางการ ดังนั้นฟีโอดอร์มิคาอิลอฟเมื่อได้รับอิสรภาพจึงไม่ใช่เวเนเชียนอฟ แต่เป็นสลาฟ แต่ Venetsianov สามารถขออนุญาต Slavyansky ให้เข้าเรียนที่ Academy of Arts ในฐานะนักเรียนที่มาเยี่ยมได้ Slavyansky เรียนกับศาสตราจารย์ Varnek และในเวลาเดียวกันกับ Venetsianov ในบรรดาผลงานของ Slavyansky สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ "Portrait of A.G. Venetsianova", "หญิงชราด้วยไม้เท้า" ในจังหวัดตเวียร์ Slavyansky เขียนว่า "ทิวทัศน์ของที่ดินของ Venetsianov" และยังวาดภาพชาวนาและหญิงชาวนาด้วย แต่ (น่าเสียดายที่มักเกิดขึ้นในงานศิลปะ) แม้จะมีทักษะสูงและความสามารถที่ไม่ต้องสงสัย แต่งานของ Slavyansky ก็ยังไม่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง

N.S. นักเรียนของ Venetsianov แสดงความสามารถของเขาในด้านภูมิทัศน์ ครีลอฟ. “ Russian Winter” โดย Krylov เป็นหนึ่งใน“ ฤดูหนาว” แรก ๆ ในภาพวาดของรัสเซีย: ริมฝั่งแม่น้ำที่ปกคลุมไปด้วยหิมะสีเทาอมฟ้า, แถบป่าอันมืดมิดในระยะไกล, ต้นไม้สีดำเปลือยเปล่าในเบื้องหน้า (โดยวิธีการ, A.V. Tyranov ก็วาดภาพแม่น้ำสายเดียวกันนี้ด้วย)

ตกลง. Plakhov หนึ่งในนักเรียนที่มีความสามารถมากที่สุดของ Venetsianov จัดการในภาพวาดของเขา "การประชุมเชิงปฏิบัติการช่างไม้ของ Academy of Arts" เพื่อรวมคุณลักษณะทั่วไปทั้งหมดของโรงเรียนของ Venetsianov: ความเป็นธรรมชาติ ความเรียบง่าย และความแม่นยำในรายละเอียด อย่างไรก็ตาม Plakhov ไม่ใช่คนเดียวที่ฝึกฝนสิ่งนี้ ภาพวาดประเภทนี้ (รวมภาพบุคคลและภาพภายใน) เป็นเรื่องธรรมดามากในหมู่ศิลปินในแวดวงนี้ สมาชิกในครอบครัว หรือเพื่อน หรือทั้งสองคนกำลังนั่งดื่มชาพูดคุย ตัวอย่างเช่น รูปภาพของ K.A. Zelentsov “การประชุมเชิงปฏิบัติการของศิลปิน P.V. Basin" (จากผลงานอื่น ๆ ของ Zelentsov ภาพร่างที่วาดด้วยสีน้ำมันน่าสนใจมาก: "Boy with a Jug", "Old Man", "Young Peasant Woman", ภาพวาดดินสอ "Sale of Milk and Sbitnya")

ปรมาจารย์อีกคนหนึ่งของแวดวงเวนิส E.F. Krendovsky ทำงานหนักมากในยูเครน ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ “จัตุรัสแห่งเมืองประจำจังหวัด” นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตว่า "ความละเอียดรอบคอบของการกำหนดลักษณะของตัวละครทั้งหมด คล้ายกับการบรรยายลักษณะที่ปรากฏของบุคคลผ่านปากของคนต่างจังหวัด"

ใกล้กับภาพวาดของ “ศิลปินชาวเวนิส” (โดยเฉพาะการตกแต่งภายใน) โดย I.T. ครุตสกี้. บนผืนผ้าใบของเขามีความใส่ใจในรายละเอียดในชีวิตประจำวันและการตกแต่งเหมือนกัน ผลงานของ P.E. ก็เกี่ยวข้องกับงานของ Venetsianov ด้วย Zabolotsky ซึ่งเราเห็นการผสมผสานระหว่างแนวเพลงและการถ่ายภาพบุคคลในชีวิตประจำวันแบบเดียวกัน

ดังนั้นความสำคัญของ Venetsianov, "Venetianovites" รวมถึงศิลปินที่ใกล้ชิดกับพวกเขาด้วยจิตวิญญาณโดยหลักแล้วอยู่ที่ความจริงที่ว่าพวกเขาเริ่มวาดภาพความเป็นจริงรอบตัวพวกเขาตามที่เป็นอยู่ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วขัดแย้งกับหลักสุนทรียศาสตร์ของ ศิลปะเชิงวิชาการ ดังนั้น Venetsianov และ "Venetianovites" จึงดึงความสนใจของทั้งสาธารณชนและศิลปินอื่น ๆ ไปสู่สิ่งที่อยู่ต่อหน้าต่อตาทุกคนในชีวิตประจำวัน แต่ยังไม่ได้เป็นหัวข้อของศิลปะ - ถึงธีมในชีวิตประจำวันชีวิตส่วนตัว ดังนั้นภาพวาดของ Venetsianov และผู้ติดตามของเขาจึงกลายเป็นสิ่งที่ได้รับโดยได้รับสิทธิในการเป็นพลเมืองในงานศิลปะรัสเซีย

นอกจากโรงเรียนของ Venetsianov แล้ว ยังมีโรงเรียนศิลปะอื่นๆ ในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ที่ใหญ่ที่สุดของพวกเขาคือ โรงเรียนศิลปะก่อตั้งเมื่อปี 1802 โดยศิลปิน A.V. Stupin ในเมืองจังหวัด Arzamas ไม่จำเป็นต้องพูดถึงความก้าวหน้าหรือเส้นทางใหม่ๆ ในงานศิลปะ ต่างจากโรงเรียน Venetsianov ระบบการสอนของโรงเรียน Arzamas มีความคล้ายคลึงกันแบบตัวต่อตัวกับระบบวิชาการ อย่างไรก็ตาม แม้กระทั่งที่นี่ ชีวิตก็มีการแก้ไขและปรับเปลี่ยนด้วยตัวมันเอง ผู้ชื่นชอบศิลปะประจำจังหวัดมอบหมายให้ศิลปินวาดภาพตนเองหรือสมาชิกในครอบครัวเป็นหลัก ดังนั้นในทางปฏิบัติของโรงเรียน Arzamas ภาพวาดจึงได้รับการพัฒนาเป็นส่วนใหญ่ ซึ่งในทางกลับกันก็มีส่วนช่วยทางอ้อมต่อการพัฒนาภาพวาดเหมือนจริงในการวาดภาพรัสเซีย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 รูปแบบห้องแสดงภาพวาดบุคคลประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยปลูกฝังเอกลักษณ์และความเฉพาะตัวของโลกฝ่ายวิญญาณของแต่ละคน และผู้สร้างแนวคิดการถ่ายภาพบุคคลขั้นพื้นฐานนี้คือ Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

มีความเห็นว่าหากในระดับประวัติศาสตร์ภาพวาดของจิตรกรประวัติศาสตร์ทั้งหมดถูกจัดวางในระดับเดียวและภาพเหมือนของ Kiprensky ในอีกระดับหนึ่ง ภาพหลังก็จะมีน้ำหนักเกิน เราจะไม่โต้แย้งคำสั่งนี้ ขอให้เราทราบเพียงว่าหากความกะทัดรัดถือเป็นน้องสาวของพรสวรรค์ ความสุดโต่งก็คือน้องสาวของความผิดพลาด แต่อย่างไรก็ตาม เราขอย้ำอีกครั้ง: Kiprensky เป็นผู้สร้างแนวคิดการถ่ายภาพบุคคลแบบใหม่โดยพื้นฐาน

ที่ Academy of Arts O.A. Kiprensky ศึกษาในชั้นเรียนจิตรกรรมประวัติศาสตร์ และในภาพยนตร์เรื่อง "Dmitry Donskoy บนสนาม Kulikovo" เขาแสดงความรู้เกี่ยวกับหลักวิชาการอย่างมั่นใจ จิตรกรรมประวัติศาสตร์. แต่ในการวาดภาพยุคแรกนี้ ความหมายทางศีลธรรมของภาพนั้นลดลงไปบ้างและมีอารมณ์ความรู้สึกอันน่าทึ่งปรากฏขึ้นเบื้องหน้า

แต่ไม่ใช่ประเภทประวัติศาสตร์ แต่ประเภทแนวตั้งตั้งแต่เริ่มแรกกลายเป็นแนวหน้าในผลงานของ Kiprensky ในฐานะจิตรกรภาพบุคคล Kiprensky เริ่มต้นด้วย งานโรแมนติก- ภาพเหมือนของ A.K. ชวาลเบอ พ่อบุญธรรมของเขา ภาพเหมือนถูกวาดในลักษณะที่ค่อนข้าง "แรมแบรนดท์" (การแสดงละคร Chiaroscuro ฯลฯ ) เมื่อดูงานนี้แล้ว เป็นไปไม่ได้ที่จะระบุได้อย่างแม่นยำว่าบุคคลที่ปรากฎบนผืนผ้าใบนั้นอยู่ในแวดวงสังคมใด ความสนใจทั้งหมดของศิลปินมุ่งเน้นไปที่โลกภายในของตัวละคร ซึ่งภาพสะท้อนคือรูปลักษณ์ของบุคคลที่ถูกนำเสนอ กล่าวอีกนัยหนึ่ง บุคคลนั้นมาอยู่เบื้องหน้า ไม่ใช่อาชีพของเขาหรืออยู่ในชั้นเรียนใดชนชั้นหนึ่ง

ครั้งหนึ่งเคยใช้เส้นทางนี้ - สนใจในโลกภายในของบุคคล Kiprensky ไม่เคยหันเหไปจากเส้นทางนี้ สำหรับเขาสิ่งสำคัญในการสร้างสรรค์คือการสร้างภาพที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว โดยเฉพาะสิ่งเหล่านี้คือ “ภาพเหมือนของเอ.เอ. Chelishchev” รูปภาพคู่ของคู่สมรส F.V. และอีพี Rostopchinykh และคนอื่น ๆ Kiprensky ยังทำให้การถ่ายภาพบุคคลในพิธีมีโคลงสั้น ๆ และผ่อนคลายอีกด้วย ตัวอย่างที่โดดเด่นถึงอย่างนั้น - “ ภาพเหมือนของชีวิต Hussar Colonel E.V. ดาวิดอฟ” และต่อมาในชุดภาพวาดดินสอของผู้เข้าร่วมในสงครามปี 1812 แม้ว่าวีรบุรุษจะอยู่เบื้องหน้า แต่ก็มี "ความหมายแฝงทางจิตวิญญาณ" อย่างสมบูรณ์

หลายปีผ่านไประหว่างการสำเร็จการศึกษาจาก Academy และการเดินทางไปต่างประเทศในปี 1816 มีผลอย่างมากสำหรับ Kiprensky ธรรมชาติของภาพที่วาดในเวลานี้มีความโรแมนติก ความสนใจหลักอยู่ที่โลกแห่งความรู้สึกของผู้คนที่ปรากฎ โลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลในภาพบุคคลของ Kiprensky นั้นสดใสและชัดเจน

ในปี 1810 ความรุ่งเรืองของการถ่ายภาพบุคคลด้วยดินสอเริ่มต้นขึ้นในงานของ Kiprensky ในบรรดาภาพวาดของเขา คุณจะพบทั้งภาพร่างสั้นๆ และองค์ประกอบที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ในภาพวาดของเขา ศิลปินถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของแบบจำลองได้โดยตรงมากกว่าในภาพสีน้ำมัน

ภาพบุคคลโรแมนติกที่ดีที่สุดภาพหนึ่งของ Kiprensky คือภาพเหมือนของ A.S. พุชกิน ศิลปินที่ถ่ายทอดรูปลักษณ์ของกวีอย่างซื่อสัตย์ในขณะเดียวกันก็ปฏิเสธทุกสิ่งที่ธรรมดา พุชกินเป็นภาพด้วยมือของเขาประสานกันบนหน้าอกของเขา เขามองไปในระยะไกลอย่างครุ่นคิด ผ่านผู้ชม เสื้อคลุมแสนโรแมนติกคลุมชุดสูทสมัยใหม่ของเขา ในอีกด้านหนึ่งนี่คือพุชกินอย่างไม่ต้องสงสัยและในอีกด้านหนึ่งคือภาพรวมของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์

มีบทวิจารณ์ที่เป็นที่รู้จักสองรายการจาก A.S. เอง พุชกินเกี่ยวกับภาพเหมือนนี้ - บทกวีและน่าเบื่อ การทบทวนบทกวีนี้สามารถกำหนดให้เป็นบทสรุปของงานทั้งหมดของ Kiprensky ซึ่งโดดเด่นด้วยการผสมผสานระหว่างความคล้ายคลึงภาพเหมือนและการทำให้ตัวละครในอุดมคติโรแมนติก:

“ฉันเห็นตัวเองราวกับอยู่ในกระจก แต่กระจกบานนี้ทำให้ฉันแบน...”

การทบทวนแบบธรรมดานั้นง่ายกว่าและสั้นกว่า (อย่างไรก็ตามสาระสำคัญยังคงเหมือนเดิม) กวีผู้ยิ่งใหญ่กล่าวกับศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ว่า “โอเรสเตส คุณประจบฉันแล้ว”

Alexander Grigorievich Varnek (1782-1843) จิตรกรภาพเหมือนผู้มีชื่อเสียงร่วมสมัยของ Kiprensky ลักษณะเด่นของงานของเขาคือการถ่ายทอดธรรมชาติอย่างซื่อสัตย์ สิ่งนี้ดึงดูดสายตาได้ทันที เช่น ผลงานของศิลปิน เช่น “ภาพเหมือนของชายนิรนามในเก้าอี้” หรือ “ภาพเหมือนตนเองในวัยชรา” เพื่อเป็นการยกย่องผลงานศิลปะของศิลปิน ผู้ร่วมสมัยจึงให้คะแนนผลงานของ Varnek มากพอๆ กับการสร้างสรรค์ของ Kiprensky อย่างไรก็ตามในเวลาต่อมางานของ Varnek ก็ได้รับสถานที่ที่เรียบง่ายในงานศิลปะรัสเซียมากกว่างานของ Kiprensky

และนี่ถูกต้องเนื่องจากผลงานของ Varnek นั้นด้อยกว่าผลงานชิ้นเอกของ Kiprensky อย่างชัดเจนทั้งในด้านความลึกของเนื้อหาและรูปแบบที่สมบูรณ์

ในตอนต้นของศตวรรษการพิมพ์หิน (การพิมพ์แบบเรียบจากหิน) ปรากฏในรัสเซียและแทนที่การแกะสลักสิ่วบนโลหะอย่างรวดเร็ว A.E. ที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้มีความสนใจในการพิมพ์หิน มาร์ตินอฟ (1768-1826) เขายังมีเวิร์คช็อปการพิมพ์หินของเขาเองด้วย Martynov ได้สร้างซีรีส์ภาพพิมพ์หินเรื่อง "ทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบ" ผลงานจากซีรีส์นี้เป็นของความสำเร็จสูงสุดของอาจารย์

ฉันอยากจะพูดบางสิ่งที่พิเศษเกี่ยวกับ Andrei Efimovich Martynov เขาเป็นตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของครอบครัวที่มีความสามารถ (ทั้งลูกชายและน้องชายของเขาเป็นศิลปิน) สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts สาขาจิตรกรรมภูมิทัศน์ ครูของเขาคือ S.F. ชเชดริน. พวกเขาช่วยกันสร้างภาพวาดฝาผนังของพระราชวัง Pavlovsk เมื่อเวลาผ่านไป Martynov เริ่มให้ความสำคัญกับกราฟิก สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกจากการที่ศิลปินเดินทางบ่อยครั้งและในระหว่างการเดินทางเหล่านี้เขาได้ค้นพบธีมใหม่สำหรับผลงานของเขา ในปี 1804 Martynov “สำรวจพื้นที่ทางตอนใต้ทั้งหมดของรัสเซียและตรวจดูเมืองทั้งหมด” และในปี 1805 เขาเป็นหัวหน้าศิลปินของสถานทูตรัสเซียเดินทางจากมอสโกไปยัง Urga ซึ่งเป็นค่ายเร่ร่อนชาวมองโกเลียในทุ่งหญ้าสเตปป์โกบี ในการเดินทางครั้งนี้ เขาได้รวบรวมวัสดุมากมาย ซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับวงจรกราฟิกของเขา

การสิ้นสุดอาชีพสร้างสรรค์ของเขาก็กลายเป็นผลงานที่มีประสิทธิผลมากสำหรับศิลปินเช่นกัน ในช่วงทศวรรษที่ 1820 Martynov ได้สร้างซีรีส์กราฟิกที่ดีที่สุดซึ่งทำให้เขาเป็นหนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย ฉันอยากจะสังเกตความเป็นอันดับหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้ของ Martynov ในการอธิบายภาษารัสเซีย สัตว์ป่า. ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เขาได้สร้างผืนผ้าใบอันงดงาม "วิวไซบีเรียบนแม่น้ำ Selenge" และ "ไบคาล" (ต่อมาประเพณีนี้ยังคงดำเนินต่อไปโดย I.I. Levitan)

จิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในยุค "โรแมนติก" คือ Vasily Andreevich Tropinin (พ.ศ. 2319-2400) แม้แต่ชีวประวัติของ Tropinin ก็ปฏิบัติตามกฎแห่งยุคโรแมนติก นี่คือชีวประวัติของพรสวรรค์ที่แท้จริงซึ่งต้องขอบคุณการทำงานหนัก ความอุตสาหะ และความอุตสาหะของเขา จึงสามารถทะลุทะลวงไปสู่ความสำเร็จได้แม้จะมีสถานการณ์ที่ไม่เอื้ออำนวยในชีวิตก็ตาม และสถานการณ์ที่ไม่เอื้ออำนวยมาพร้อมกับ Tropinin ตั้งแต่แรกเกิด - เขาเกิดในครอบครัวทาส และเหตุการณ์นี้ก็ติดตามเขาไปราวกับเป็นเส้นทางที่น่าเศร้าเกือบตลอดชีวิตของเขา

เสิร์ฟได้รับอนุญาตให้เข้าร่วม Academy of Arts แต่เป็นเพียง "คนนอก" เท่านั้นนั่นคือนักเรียนฟรี Tropinin ผ่านชั้นเรียนวาดภาพได้สำเร็จและเข้าร่วมเวิร์คช็อปการวาดภาพบุคคล ตามที่นักเขียนชีวประวัติคนหนึ่งกล่าวไว้ ศิลปินหนุ่ม“ด้วยความอ่อนโยนของตัวละครของเขาและความรักในศิลปะอย่างต่อเนื่อง ในไม่ช้าเขาก็ได้รับนิสัยที่เป็นมิตรและความเคารพจากนักเรียนที่ดีที่สุดของ Academy ที่อยู่ในสายตาในเวลานั้น: Kiprensky, Varnek, Skotnikov...” Tropinin ศึกษาอย่างชาญฉลาดและในไม่ช้า ได้รับเหรียญเงินและเหรียญทอง

ศิลปินมุ่งมั่นที่จะสร้างตัวละครพื้นบ้านในผลงานยุคแรกของเขา แม้ว่าภาพชาวนาจะเป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 18 แต่ภาพเหล่านี้มีลักษณะเป็นฉากๆ ล้วนๆ และมีความแปลกใหม่มากยิ่งขึ้นไปอีก เฉพาะเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่ธีมชาวนากลายเป็นทิศทางสำคัญของวิจิตรศิลป์รัสเซีย แน่นอนว่าสิ่งนี้เกี่ยวข้องกับงานของ Venetsianov และนักเรียนของเขาเป็นหลัก แต่ควรสังเกตว่า "ชาวนา" ของ Tropinin นำหน้า "ชาวนา" ของ Venetsianov และหากข้อดีของ Venetsianov คือเขาค้นพบชีวิตชาวรัสเซียและลักษณะทางศิลปะประจำชาติของรัสเซีย ก็ถือว่าข้อดีของ Tropinin ก็คือเขาได้ค้นพบผู้คนและธรรมชาติของ Little Russia ให้ผู้ชมได้รับ (“รัสเซียอิตาลี” ตามที่คนรุ่นเดียวกันเรียกมันว่า)

ร่องรอยของการทำงานอย่างแข็งขันในธีมของยูเครนไม่เพียงพบในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังพบในกราฟิกของ Tropinin ด้วย ในสีน้ำและภาพวาดของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1810 ของศตวรรษที่ 19 เราสามารถมองเห็นผู้หญิงในชุดยูเครน คนเลี้ยงแกะ และเด็กหนุ่ม ภาพร่างที่ดีที่สุดของเขา: "Reapers", "At the Justice of the Peace" ก็เชื่อมโยงกับยูเครนเช่นกัน

เราสามารถพูดได้ว่า Tropinin เป็นผู้ก่อตั้งการเคลื่อนไหวทั้งหมดในศิลปะรัสเซียที่เกี่ยวข้องกับการวิเคราะห์ลักษณะพื้นบ้าน “คนรับใช้” “คนพเนจร” และ “ทหารเก่า” ทั้งหมดของเขาในท้ายที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ก็ “อพยพ” มาทำงานของนักเดินทาง

เช่นเดียวกับ Venetsianov และ Venetsianovites Tropinin ฝึกฝน "แนวผสม" อย่างกว้างขวางซึ่งเป็นนวัตกรรมที่ไม่ต้องสงสัยในเวลานั้นนั่นคือเขาสร้างภาพวาดประเภทพิเศษที่ภาพเหมือนถูกรวมเข้ากับสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันอย่างเป็นธรรมชาติ (ในสไตล์นี้เขา ทาสีเช่น "The Lacemaker" และ "The Goldseamstress") ภาพวาดทั้งหมดนี้สื่อถึงความสงบ ความเงียบสงบ ความสะดวกสบายอย่างไร้ข้อยกเว้น... Tropinin เตือนเราถึงคุณค่าของทุกนาทีของการดำรงอยู่เพียงชั่วขณะของเรา Tropinin วาดภาพเขียนที่คล้ายกันค่อนข้างมาก พวกเธอทั้งหมดค่อนข้างคล้ายกัน ในบรรดาพวกเธอทั้งหมด เราเห็นหญิงสาวทำงานเย็บปักถักร้อย ทั้งนักปั่น ช่างปัก และช่างทอง และใบหน้าของพวกเขาก็คล้ายกันมากและนี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ - ศิลปินแสดงให้เห็นถึงอุดมคติของผู้หญิงของเขา: ใบหน้ารูปไข่ที่อ่อนโยน ดวงตาสีเข้ม รอยยิ้มที่เป็นมิตร... ดังนั้นในภาพวาดของ Tropinin จึงมีประเภทอยู่ทุกหนทุกแห่งเมื่อรวมกับบางประเภท การกระทำ มักจะเรียบง่ายและไม่คลุมเครือ

ผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดที่กล่าวมาข้างต้นคือภาพวาด "The Lacemaker": เด็กผู้หญิงคนหนึ่งที่กำลังยุ่งอยู่กับการทอผ้าลูกไม้เงยหน้าขึ้นจากงานของเธอสักครู่แล้วมองไปที่ผู้ชมซึ่งกลายเป็นผู้เข้าร่วมโดยไม่สมัครใจในโครงเรื่อง แต่ที่ ในขณะเดียวกันก็ “อยู่นอกขอบเขตของภาพ”

ภาพวาดของ Tropinin โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายอย่างยิ่ง ศิลปินเชื่อว่าภาพบุคคลควรไร้ศิลปะ เรียบง่าย และใกล้เคียงกับรูปลักษณ์ที่แท้จริงของบุคคลมากที่สุด

ธรรมชาติของพรสวรรค์ของ Tropinin นั้นทำให้เขาสะท้อนชีวิตในเชิงกวีและไม่ใช่เชิงวิพากษ์บนผืนผ้าใบของเขา ทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อความเป็นจริงจะปรากฏขึ้นในภายหลัง ไม่ใช่ใน Tropinin แต่ในภาพวาดของศิลปินคนอื่น ๆ ในขณะเดียวกัน รสนิยมทางสุนทรีย์แห่งยุคนั้นก็สอดคล้องกับรสนิยมทางสุนทรีย์ของศิลปินด้วย แม้แต่งานบนผืนผ้าใบของ Tropinin ก็ไม่เหนื่อย แต่ก็น่าพอใจและง่ายดาย Tropinin ยังสนใจภาพลักษณ์ของเด็ก ๆ ที่สดใสอีกด้วย เขาวาดภาพเด็กๆ ด้วยนก ของเล่น และเครื่องดนตรี ผลงานทั้งหมดนี้แต่งแต้มด้วยอารมณ์อ่อนไหวอย่างชัดเจน

สำหรับการถ่ายภาพบุคคลของผู้ชาย Tropinin ตีความความเป็นจริงค่อนข้างสมจริงมากกว่าในการถ่ายภาพบุคคลของผู้หญิงและเด็ก เหล่านี้คือ "โค้ชพิงแส้" ของเขา "ชายชราขว้างไม้ค้ำยัน" ฯลฯ
Tropinin ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้อง (และถือเป็น) จิตรกรภาพบุคคลที่ดีที่สุดในยุคของเขา และหนึ่งในภาพบุคคลที่ดีที่สุดของเขานั้นถือว่า (และได้รับการพิจารณา) ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงเช่น. พุชกิน พุชกินสั่งภาพวาดจาก Tropinin เป็นของขวัญให้ Sobolevsky เพื่อนของเขา ในภาพบุคคลนี้ศิลปินสามารถแสดงออกถึงอุดมคติของเขาในการเป็นคนที่เป็นอิสระทางจิตวิญญาณได้อย่างชัดเจนที่สุด พุชกินสวมชุดคลุม ปกเสื้อเชิ้ตของเขาถูกปลดกระดุมออก และเน็คไทและผ้าพันคอของเขาถูกผูกแบบสบายๆ ด้วยเหตุนี้ Pushkin ของ Tropinin จึงไม่ได้ติดดินเลย ในทางกลับกัน เขามีความสง่างามและยิ่งใหญ่ ดังที่เห็นได้จากท่าทางอันภาคภูมิใจของเขา และชุดคลุมของเขาเกือบจะเหมือนกับเสื้อคลุมโรมันโบราณ ภาพนี้ค่อนข้างมี ชะตากรรมที่น่าสนใจ. มีการทำสำเนาหลายฉบับ แต่ต้นฉบับนั้นสูญหายไปและพบเพียงไม่กี่ปีต่อมาเท่านั้น ทรอปินินถูกขอให้สร้างภาพเหมือนใหม่ เนื่องจากได้รับความเสียหายอย่างหนัก แต่ศิลปินปฏิเสธอย่างไม่ไยดีโดยกล่าวว่าเขา "ไม่กล้าสัมผัสลักษณะที่ดึงมาจากชีวิตและยิ่งกว่านั้นด้วยมือที่อ่อนเยาว์"

ควรสังเกตคุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งของพรสวรรค์ของ Tropinin: ศิลปินมีความเป็นมิตรกับนางแบบของเขาอยู่เสมอ ภาพบุคคลของ Tropinin สามารถจดจำได้ง่ายจากการแสดงออกทางสีหน้าที่เป็นมิตรของตัวละครของเขา และทรอปินินเองก็เป็นมิตรและใจดีกับทุกคนในชีวิต สิ่งเหล่านี้เป็นมุมมองของเขาเกี่ยวกับงานศิลปะด้วย เพราะท้ายที่สุดแล้ว ภาพบุคคลถูกเขียนขึ้นเพื่อคงอยู่ตลอดไป เหตุใดจึงแสดงให้พวกเขาเห็นข้อบกพร่องของบุคคลในเมื่อคุณสามารถแสดงข้อดีของเขาได้ Tropinin กล่าวว่า: “ ใครชอบมองใบหน้าที่โกรธแค้นและมืดมนในชีวิตบ้าง? เหตุใดจึงถ่ายทอดสิ่งที่ไม่พึงประสงค์บนผืนผ้าใบซึ่งจะไม่เปลี่ยนแปลงทำไมสร้างความประทับใจที่ยากลำบากกระตุ้นความทรงจำที่ยากลำบากในผู้ที่รักบุคคลนี้? ให้พวกเขาได้เห็นและจดจำเขาในยุคแห่งความสุขของชีวิต”

ในตัวเขา ความคิดสร้างสรรค์ล่าช้า Tropinin พยายามทำความเข้าใจบุคลิกภาพของมนุษย์ให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น และในช่วงบั้นปลายของชีวิตศิลปินก็เข้ามาใกล้ ความสมจริงเชิงวิพากษ์ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แต่งานของเขาส่วนนี้อยู่นอกเหนือขอบเขตของระยะเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณา

ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 มีภาพบุคคลสีน้ำปรากฏขึ้น และก่อนอื่นเราควรพูดถึง Pyotr Fedorovich Sokolov (พ.ศ. 2334-2391) ซึ่งทิ้งหนึ่งในภาพบุคคลที่ดีที่สุดของพุชกินให้เราอีกครั้งและนอกจากนี้ แกลเลอรี่ที่กว้างขวางรูปภาพของคนรุ่นราวคราวเดียวกันของพุชกิน ความเบา, การบิน, ความโปร่งสบาย - นี่คือคุณสมบัติเฉพาะของลายเส้นสีน้ำของ Sokolov

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 แนวเพลงดังกล่าวเริ่มพัฒนาเช่นเดียวกับอัลบั้ม แน่นอนว่าไม่สามารถจัดอยู่ในระดับเดียวกับศิลปะชั้นสูงได้ แต่การเพิกเฉยก็ไม่ยุติธรรมเช่นกัน ท้ายที่สุดนี่คือส่วนสำคัญ วัฒนธรรมรัสเซียเวลานั้น.

กราฟิกแนวนอนมาจากชีวิตของขุนนางและดังนั้นจึงเป็นของชีวิตของขุนนางโดยสมบูรณ์ อย่างที่คุณทราบพุชกินดึงอัลบั้มของเพื่อนของเขามามากมาย และวัฒนธรรมกราฟิกของอัลบั้มในสมัยนั้นได้รับการอธิบายโดยผู้ร่วมสมัยของพุชกิน

โดยพื้นฐานแล้ว นี่คืองานศิลปะสมัครเล่นหรืออย่างที่เราพูดกันว่าเป็นศิลปะสมัครเล่น แต่ต้องคำนึงว่ากราฟิกทิวทัศน์ในยุคนั้นมีความโดดเด่นด้วยทักษะระดับสูงมาก คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมในยุคทองคือการ "ไหล" จากแวดวงมืออาชีพไปสู่แวดวงสมัครเล่นของศิลปะต่างๆ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ความสามารถในการใช้ดินสอและแปรง (รวมทั้งความรู้ ภาษาต่างประเทศ) ค่อนข้างจะเป็นเรื่องธรรมดาสำหรับผู้มีการศึกษา ความหลงใหลในการวาดภาพและการวาดภาพอย่างกว้างขวางมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 แต่เมื่อถึงกลางศตวรรษนี้ กราฟิกทิวทัศน์ก็อ่อนแอลงและในที่สุดก็สูญเปล่า

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 สิ่งที่เรียกว่าภาพครอบครัวก็แพร่หลายเช่นกัน ในเวลานี้ มีภาพเด็กและครอบครัวจำนวนมากปรากฏขึ้น ทั้งหมดนี้ล้วนแต่มีข้อยกเว้นน้อยมาก ตามความเป็นจริง ภาพครอบครัวในแง่หนึ่งได้เติมเต็ม (และคาดการณ์ไว้) ฟังก์ชั่นการถ่ายภาพในกรณีที่ไม่มีสิ่งใดเลย โดยปกติแล้วสิ่งเหล่านี้จะเป็นผืนผ้าใบที่เรียบง่ายและไร้ศิลปะซึ่งวาดโดยศิลปินประจำจังหวัด แต่ภาพวาดเหล่านี้มีคุณค่าสำหรับเรา ไม่ใช่จากคุณธรรมทางศิลปะ ซึ่งมีเพียงหนึ่งหรือสองภาพเท่านั้น เราพบรายละเอียดอันมีค่าในชีวิตประจำวันในนั้น ซึ่งทำให้เราสัมผัสถึงกลิ่นอายของยุคสมัยได้ เช่น ขวดหมึก ริบบิ้น รายละเอียดเครื่องแต่งกาย บ้านการ์ด ไข่อีสเตอร์... แม้ว่าภาพครอบครัวจะแพร่หลาย แต่ก็มีเพียงไม่กี่ภาพเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ วันนี้. ปัจจุบันเป็นปรากฏการณ์ ภาพครอบครัวต้นศตวรรษที่แล้วมีการศึกษาไม่ดีนักและยังคงรอนักวิจัยที่รอบคอบและอุตสาหะอยู่

เรามาสรุปผลลัพธ์กัน

การพัฒนาวัฒนธรรมเป็นไปอย่างต่อเนื่อง จากศตวรรษสู่ศตวรรษ "สายใยที่เชื่อมโยง" ทอดยาว และผู้สร้างรุ่นใหม่แต่ละคนเข้าใจและคิดใหม่เกี่ยวกับความสำเร็จของรุ่นก่อน ต่อยอดจากสิ่งที่ประสบความสำเร็จแล้ว และต่อยอดต่อจากนั้นก็เดินหน้าต่อไป นี่คือความก้าวหน้า

ลัทธิคลาสสิกซึ่งเกิดขึ้นในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ได้นำศิลปะโบราณมาเป็นต้นแบบและเริ่มเลียนแบบอย่างขยันขันแข็ง ในรัสเซียลัทธิคลาสสิกได้รับสถานะอย่างเป็นทางการของ "ทิศทางของรัฐ" ในวิจิตรศิลป์ สถาบันการศึกษารัสเซียศิลปะวางรูปแบบคลาสสิกไว้บนแท่น ทำให้เป็นรูปธรรมที่ไม่เปลี่ยนแปลงและไม่เปลี่ยนแปลง

แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ใน "จุดเริ่มต้นที่สวยงามของสมัยของอเล็กซานเดอร์" ทิศทางใหม่กำลังพัฒนาในวิจิตรศิลป์รัสเซีย - แนวโรแมนติก

ยวนใจครอบคลุมทุกสิ่งอย่างรวดเร็ว ประเทศในยุโรปโดยหยั่งรากลึกที่นั่นและให้หน่อมากมาย ซึ่งอย่างไรก็ตามไม่ได้ขัดขวางลัทธิคลาสสิกจากการพัฒนาแนวโน้มคลาสสิกต่อไป ส่วนหนึ่งเป็นเพราะลัทธิโรแมนติกสำหรับนวัตกรรมทั้งหมดไม่ได้ทำลายประเพณีของลัทธิคลาสสิก

ในศิลปกรรมของรัสเซีย แนวโน้มโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ประสบความสำเร็จในทุกประเภทโดยไม่มีข้อยกเว้น แต่ที่สำคัญที่สุดคือประเภทแนวตั้งและแนวนอน ศิลปินชาวรัสเซียชอบภาพธรรมชาติที่แท้จริง ไม่ว่าจะเป็นทุ่งนาและป่าไม้ แม่น้ำและทะเลสาบ เมืองและหมู่บ้าน มากกว่าซากปรักหักพังโบราณ... ภูมิทัศน์ก็ค่อยๆ เป็นอิสระจากศีล จิตรกรรมคลาสสิก. ธรรมชาติเริ่มถูกเข้าใจว่าไม่ใช่ของตกแต่ง แต่เป็นพื้นที่อยู่อาศัยและขอบเขตของการแสดงออกของความรู้สึกส่วนตัวของบุคคล นี่เป็นจุดเริ่มต้นของทิศทางที่โรแมนติกในการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย ในเวลาเดียวกันเราควรสังเกตคุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะซึ่งเป็นลักษณะของยวนใจของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง: การรับรู้ที่โรแมนติกของธรรมชาติไม่ได้ขัดแย้งกับการศึกษาอย่างใกล้ชิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์เฉพาะของมัน แต่อย่างใด

ในงานศิลปะภาพบุคคล เรายังพบพัฒนาการเชิงรุกของการถ่ายทอดความเป็นจริงในรูปแบบต่างๆ มนุษย์ไม่ได้ถูกนำเสนอในรูปแบบโบราณ ชั้นเรียน หรือแบบมืออาชีพอีกต่อไปแล้ว ภาพเหล่านั้นปรากฏต่อหน้าเราด้วยความเป็นเอกลักษณ์ของการแต่งหน้าทางจิต ในรูปลักษณ์ในชีวิตประจำวัน ในสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวัน... ทั้งหมดนี้ ความปรารถนาของศิลปินที่จะใกล้ชิดกับธรรมชาติมากขึ้น เพื่อพรรณนาถึงชีวิตจริงได้โดยตรงมากขึ้น ประจักษ์ ชีวิตไม่เพียงแต่ทันสมัยเท่านั้น แต่ยังห่างไกลจากห้วงลึกของกาลเวลาอีกด้วย

ดังนั้นคุณสมบัติที่โดดเด่นของศิลปะภาพรัสเซียในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ถือได้ว่าเป็นการผสมผสานระหว่างหลักการของความคลาสสิคและแนวโรแมนติก (K.P. Bryullov และคนอื่น ๆ ) การก่อตัวของแนวเพลงในชีวิตประจำวัน (A.G. Venetsianov และอื่น ๆ ) การพัฒนาภาพเหมือนประเภท (V. A. Tropinin และอื่น ๆ ) การผสมผสานระหว่างการรับรู้ความเป็นจริงที่โรแมนติกกับภารกิจที่สมจริง (O.A. Kiprensky และอื่น ๆ )

และในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ทิศทางใหม่ก็เกิดขึ้นในวงการวิจิตรศิลป์รัสเซีย - ความสมจริง