(มาจากคำภาษาลาตินที่แปลว่า “อนุสาวรีย์”)
จิตรกรรมที่เกี่ยวข้องกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่เรียกว่าอนุสาวรีย์ ประเภทนี้ผลิตขึ้นบนโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมและโครงสร้างที่อยู่นิ่งอื่นๆ และเป็นที่ต้องการในสภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรมที่เฉพาะเจาะจง ภาพวาดอนุสาวรีย์มีความโดดเด่นด้วยขนาดที่ใหญ่และรูปแบบทั่วไป รวมถึงงานที่วางบนผนัง เพดาน ห้องใต้ดิน บางครั้งบนพื้น ภาพวาดบนปูนปลาสเตอร์หลากหลายรูปแบบ (ภาพเขียนปูนเปียก ภาพเขียนสีน้ำมัน หรือสีฝุ่น) ภาพเขียนบนผืนผ้าใบ ภาพโมเสก ภาพมาจอลิกา กระจกสี และการตกแต่งภาพนูนในรูปแบบอื่น ๆ สถาปัตยกรรม.
ตามเนื้อหาและลักษณะของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง งานจิตรกรรมแบ่งออกเป็นประเภทที่มีลักษณะเป็นอนุสาวรีย์ซึ่งเป็นสำเนียงที่สำคัญที่สุดของชุดสถาปัตยกรรมและตกแต่งแบบอนุสาวรีย์ซึ่งเป็นภาพวาดที่ตกแต่งพื้นผิวผนังส่วนหน้า เพดานซึ่งพบได้ในสถาปัตยกรรม การวาดภาพแบบอนุสรณ์สถานเรียกอีกอย่างว่า "การตกแต่งแบบอนุสาวรีย์" หรืออีกนัยหนึ่งว่า "งดงาม" ซึ่งเน้นลักษณะการตกแต่งของภาพเขียน ได้ผล จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ถูกนำไปใช้ในโซลูชันการตกแต่งเชิงปริมาตรหรือเชิงระนาบขึ้นอยู่กับหน้าที่ของมัน ภาพวาดอนุสาวรีย์ถือเป็นภาพเขียนสีเดียวร่วมกับองค์ประกอบอื่นๆ ของชุดสถาปัตยกรรม
เรื่องราว.
ประเภทภาพวาดที่เก่าแก่ที่สุดคือภาพวาดในถ้ำตั้งแต่ยุคหินเก่า (ถ้ำ Altamira, Lascaux) ภาพวาดอนุสาวรีย์รวมอยู่ในการตกแต่งผนังที่เก่าแก่ที่สุด - ภาพสัตว์ต่างๆ (Pyrenees, สเปน; ถ้ำ Dordogne, ฝรั่งเศส) สันนิษฐานว่านี่เป็นผลงานของ Cro-Magnons ที่สร้างขึ้นระหว่าง 25 ถึง 16,000 ปีก่อนคริสตกาล ประวัติศาสตร์จดจำภาพวาดในถ้ำของอัลตามิราในสเปนและตัวอย่างงานศิลปะขั้นสูงอื่นๆ ในช่วงปลายยุคหินเก่าในฝรั่งเศส (ถ้ำลามาดเลน) ภาพวาดอนุสาวรีย์นี้ครอบคลุมช่วงเวลาของสมัยโบราณตอนต้นและดำเนินต่อไปจนถึงปลายยุคเรอเนซองส์ ภาพวาดอนุสาวรีย์พัฒนาควบคู่ไปกับประติมากรรมอนุสาวรีย์ และเป็นวิธีชั้นนำในการตกแต่งอาคารที่ทำด้วยหิน คอนกรีต และอิฐ ภาพวาดอนุสรณ์สถานถูกนำมาใช้ในสถาปัตยกรรมของวัดวาอารามและโครงสร้างงานศพของอียิปต์โบราณ ในอาคารของอารยธรรมครีต-ไมซีเนียน
ภาพวาดฝาผนังเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยก่อนราชวงศ์อียิปต์ ตัวอย่างคือสุสานของเฮียราคอนโปลิส ภาพวาดเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงความชื่นชอบของปรมาจารย์ชาวอียิปต์ในการออกแบบรูปร่างของมนุษย์ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 3 ถึงศตวรรษที่ 2 พ.ศ. ภาพวาดอียิปต์ปรากฏขึ้นพร้อมกับลักษณะเฉพาะที่แสดงออกมาเป็นภาพวาดฝาผนังอันเป็นเอกลักษณ์ ในเมโสโปเตเมีย เนื่องจากวัสดุก่อสร้างที่ใช้มีความแข็งแรงต่ำ ภาพเขียนฝาผนังจึงเหลือน้อยมาก มีภาพร่างที่รู้จักกันดีซึ่งสะท้อนถึงแนวคิดเรื่องลัทธินิยมนิยม แต่ศิลปะเมโสโปเตเมียนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยเครื่องประดับมากกว่า
ภาพวาดอนุสาวรีย์แพร่หลายในโรมโบราณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังการปฏิวัติสถาปัตยกรรมโรมันโบราณ มีการใช้ภาพวาดโรมันโบราณสี่รูปแบบในการออกแบบบ้านส่วนตัว จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสคได้รับความนิยมในสถาปัตยกรรมของวิหารไบแซนเทียม ซึ่งมีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่องานศิลปะอนุสาวรีย์รัสเซียโบราณ
ผลงานที่สวยงามของโรมันโบราณ จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่มองเห็นได้ภายใต้ชั้นขี้เถ้าบนผนังของอาคารในเมืองปอมเปอี เฮอร์คิวเลเนียม และสตาเบีย ซึ่งถูกทำลายโดยวิสุเวียสในปี 79 และยังพบได้ในโรมด้วย ภาพวาดเป็นองค์ประกอบหลากสีที่แสดงถึงหัวข้อต่างๆ ลวดลายทางสถาปัตยกรรมตลอดจนเหตุการณ์ในตำนาน ภาพปูนเปียก "Odysseus ในดินแดนแห่ง Laestrygonians" พบได้ที่ Esquiline ในกรุงโรม องค์ประกอบดังกล่าวยืนยันความรู้อันยอดเยี่ยมเกี่ยวกับธรรมชาติและความสามารถในการสืบพันธุ์
ศิลปะของยุคกลางของยุโรปดึงดูดความสนใจด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีกระจกสีอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ปรมาจารย์ยุคเรอเนซองส์ที่โดดเด่นได้สร้างสรรค์จิตรกรรมฝาผนังอันสง่างามและมีทักษะที่น่าประทับใจจำนวนมาก ในช่วงเวลานี้ จิตรกรพยายามที่จะเพิ่มเอกลักษณ์ของความคิดสร้างสรรค์ให้สูงสุดด้วยความเป็นจริง ประการแรก พวกเขาถูกดึงดูดโดยการสร้างรูปแบบและพื้นที่ขึ้นมาใหม่ ศิลปินในยุคเรอเนซองส์ยังได้ทดลองเทคนิคการวาดภาพด้วย ผลงานของ Leonardo da Vinci เรื่อง "The Last Supper" ในอารามซานตามาเรียแห่งมิลานนั้นทำด้วยน้ำมันบนพื้นผิวที่ไม่ได้เตรียมไว้ องค์ประกอบนี้ผ่านกาลเวลามาอย่างยาวนาน แต่ยังคงแทบไม่มีการเปลี่ยนแปลงภายใต้การบูรณะครั้งล่าสุด ในศตวรรษที่ 16-18 จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ของอิตาลีมุ่งสู่ความเอิกเกริก การตกแต่ง และภาพลวงตา
ผลงานที่มีชื่อเสียง จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่เก็บรักษาไว้จากการตั้งถิ่นฐานก่อนโคลัมเบียนของทวีปอเมริกา (มายาและอื่น ๆ ) ศิลปะแห่งอารยธรรมตะวันออกไกลเป็นอันดับหนึ่ง จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ขนานไปกับภาพวาดตกแต่ง (ศิลปะญี่ปุ่น) ตลอดศตวรรษที่ 19 จิตรกรรมฝาผนังถูกนำมาใช้ในยุโรปและสหรัฐอเมริกาในการตกแต่งอาคารสาธารณะ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ต้องขอบคุณความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินชาวเม็กซิกันค่ะ จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่การเพิ่มขึ้นกลับมาดำเนินต่อไป D. Siqueiros, D. Rivera, J. Orozco มีความโดดเด่นเป็นพิเศษ การวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ในยุคปัจจุบันกำลังเรียนรู้วัสดุใหม่อย่างรวดเร็วในกระเบื้องโมเสคและกระจกสี ภาพปูนเปียกซึ่งต้องใช้ความอุตสาหะและทักษะทางเทคนิคนั้นด้อยกว่าเทคนิคการทาสีแบบ "a secco" (การทาสีบนฐานปูนปลาสเตอร์แห้ง) ซึ่งได้รับการพิสูจน์แล้วว่ามีความทนทานมากกว่าในสภาพเมืองสมัยใหม่
ใช้ประดับผนังและเพดานอาคารสาธารณะ ในอดีตพวกเขาวาดภาพวัดเป็นหลัก ปัจจุบันคือ พระราชวังแห่งวัฒนธรรม สถานีรถไฟ โรงแรม และสนามกีฬา การทาสีดังกล่าวจะต้องทำจากวัสดุที่ทนทานจึงจะคงอยู่ร่วมกับตัวอาคารได้นานหลายศตวรรษ ผู้สร้างจิตรกรรมฝาผนังที่พรรณนาเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์หรือฉากจากชีวิตร่วมสมัยมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดความคิดเกี่ยวกับโลกความคิดขั้นสูงในยุคของพวกเขา การวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ช่วยปลูกฝังรสนิยมทางศิลปะในหมู่ผู้ชมในวงกว้าง
จิตรกรรมอนุสาวรีย์ตั้งอยู่บนผนัง เพดาน ห้องใต้ดิน มักจะเคลื่อนจากผนังด้านหนึ่งไปอีกผนังหนึ่ง พวกเขาดูภาพวาดขณะเคลื่อนที่ไปรอบๆ อาคาร บางครั้งก็มองจากถนนผ่านหน้าต่างกระจกบานใหญ่ของอาคารสมัยใหม่ กล่าวอีกนัยหนึ่ง - จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ถูกรับรู้ในการเคลื่อนไหวจากมุมมองที่แตกต่างกัน และไม่ควรสูญเสียผลกระทบต่อผู้ชม
นักจิตรกรรมฝาผนังสามารถเปิดเผยเรื่องราว-การเล่าเรื่องที่ซับซ้อนในการวาดภาพ สามารถเชื่อมโยงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในสถานที่และเวลาที่ต่างกันได้ ใช่แล้ว ผู้ยิ่งใหญ่ชาวอิตาลี ศิลปิน ไมเคิลแองเจโลบนเพดาน โบสถ์ซิสตินในกรุงโรมพรรณนาถึงฉากต่างๆ ในพระคัมภีร์ รวมเป็นองค์ประกอบที่ซับซ้อนเพียงชิ้นเดียว
| ภาพปูนเปียกอันโด่งดัง "The Creation of Adam" |
ภาพวาดขนาดมหึมาปรากฏเมื่อนานมาแล้วในฐานะที่อยู่อาศัยของมนุษย์ บนผนังถ้ำที่มนุษย์ดึกดำบรรพ์ซ่อนตัวอยู่ เราสามารถเห็นฉากการล่าสัตว์ที่เกิดจากการสังเกตที่น่าทึ่งหรือเพียงภาพสัตว์แต่ละตัว (ดูข้อความ. “ศิลปะยุคแรกเริ่ม”) .
เมื่อศึกษาประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโบราณ เราพบอนุสาวรีย์ภาพวาดอนุสาวรีย์อยู่ทุกหนทุกแห่ง พวกเขาไม่เพียงแต่ให้ความสุขทางศิลปะแก่เราเท่านั้น แต่ยังบอกเราเกี่ยวกับชีวิต ชีวิตประจำวัน งาน สงครามของผู้คนอีกด้วย อียิปต์โบราณ, อินเดีย, จีน, เม็กซิโกและประเทศอื่นๆ
การปะทุของภูเขาไฟวิสุเวียสในปี ค.ศ. 79ปกคลุมไปด้วยขี้เถ้า เมืองอันอุดมสมบูรณ์ของจักรวรรดิโรมัน ปอมเปอี. สิ่งนี้ทำให้ภาพวาดจำนวนมากไม่เสียหายสำหรับเรา ปัจจุบันบางส่วนที่ถอดออกจากผนังได้รับการตกแต่งแล้ว พิพิธภัณฑ์ในเนเปิลส์.
 |
| ปูนเปียกจากเมืองปอมเปอี อะโฟรไดท์ แอรีส และอีรอส |
วัฒนธรรมศิลปะ มาตุภูมิโบราณยังพบการแสดงออกในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่อีกด้วย จิตรกรรมอนุสาวรีย์มาจากมาตุภูมิ ไบแซนเทียมหลังจากการรับเอาศาสนาคริสต์มาใช้ แต่ได้รับคุณลักษณะประจำชาติของรัสเซียอย่างรวดเร็ว แม้ว่าเนื้อหาของภาพเขียนจะมีลักษณะทางศาสนา แต่ศิลปินชาวรัสเซียก็วาดภาพผู้คนที่พวกเขาเห็นรอบตัวพวกเขา นักบุญของพวกเขาเป็นผู้ชายรัสเซียธรรมดาๆ และผู้หญิงรัสเซียธรรมดาๆ นี่คือชาวรัสเซียทั้งหมดที่มีหน้าตาสูงส่งที่สุด ศูนย์กลางหลักของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ในรัสเซียคือเคียฟ นอฟโกรอด ปัสคอฟ วลาดิมีร์ มอสโก และต่อมาคือยาโรสลาฟล์ (ดูข้อความ. "ศิลปะรัสเซียเก่า") . แต่แม้จะอยู่นอกเมืองโบราณขนาดใหญ่เหล่านี้ ในอารามอันเงียบสงบและห่างไกล ก็มีการสร้างภาพวาดที่น่าสนใจเช่นกัน
ในที่ห่างไกล อารามเฟราปอนโตวาตั้งอยู่บนทะเลสาบของอดีตจังหวัด Vologda ซึ่งเป็นศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ ไดโอนิซิอัสสร้างสรรค์ผลงานจิตรกรรมที่ทำให้เราพอใจด้วยรูปแบบดนตรี ความอ่อนโยน และการเลือกสีอันวิจิตรงดงาม สีสำหรับภาพวาด ไดโอนิซิอัสจัดทำขึ้นจากหินหลากสีซึ่งมีชายฝั่งทะเลสาบใกล้อารามเกลื่อนกลาด
 |
| ไดโอนิซิอัส ภาพปูนเปียกของอาสนวิหารการประสูติของพระแม่มารีในอาราม Feropontov |
ภาพวาดจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับเทคนิคในการดำเนินการ: ปูนเปียก, ภาพวาดอุบาทว์, โมเสก, กระจกสี.
คำ ปูนเปียกมักใช้อย่างไม่ถูกต้องเพื่อกำหนดจิตรกรรมฝาผนังทั้งหมด คำนี้มาจากภาษาอิตาลี " กลางแจ้ง” ซึ่งหมายถึง “สด”, “ดิบ” และจริงๆ แล้วจิตรกรรมฝาผนังนั้นถูกทาสีบนปูนปลาสเตอร์เปียก สี - เม็ดสีแห้ง เช่น สีย้อมในผง - เจือจางในน้ำสะอาด เมื่อปูนปลาสเตอร์แห้ง มะนาวที่บรรจุอยู่จะปล่อยเปลือกแคลเซียมบางๆ ออก เปลือกนี้มีความโปร่งใส ช่วยยึดสีที่อยู่ด้านล่าง ทำให้ภาพวาดลบไม่ออกและทนทานมาก จิตรกรรมฝาผนังดังกล่าวมาถึงเราตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมามีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย
บางครั้งเขียนบนปูนเปียกที่แห้งแล้ว อุบาทว์- สีเจือจางด้วยกาวไข่หรือเคซีน เทมเพอรา- ยังเป็นจิตรกรรมฝาผนังประเภทอิสระและธรรมดามาก
โมเสกเรียกว่า จิตรกรรมวางจากหินสีเล็กๆ น้อยๆ หรือ สมอลท์- กระจกสีทึบแสง เชื่อมสำหรับงานโมเสกโดยเฉพาะ กระเบื้องขนาดเล็กถูกตัดเป็นลูกบาศก์ตามขนาดที่ศิลปินต้องการและจากลูกบาศก์เหล่านี้ตามแบบร่างและภาพวาดขนาดเท่าจริง (ขึ้นอยู่กับสิ่งที่เรียกว่ากระดาษแข็ง) รูปภาพจะถูกวาด ก่อนหน้านี้ลูกบาศก์ถูกวางในปูนปลาสเตอร์มะนาวเปียก แต่ตอนนี้วางในซีเมนต์ผสมกับทราย ซีเมนต์แข็งตัวและมีก้อนหินหรือเศษเล็กเศษน้อยติดอยู่อย่างแน่นหนา ชาวกรีกและโรมันโบราณรู้จักกระเบื้องโมเสกอยู่แล้ว นอกจากนี้ยังพบเห็นได้ทั่วไปในไบแซนเทียม ประเทศบอลข่าน และอิตาลี เมืองราเวนนาของอิตาลีมีชื่อเสียงเป็นพิเศษในด้านกระเบื้องโมเสค (ดูบทความ “
การเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดจากเก่าไปเป็นกระบวนการใหม่ซึ่งเป็นกระบวนการที่ยากที่สุดในการเรียนรู้ "ภาษา" ของยุโรปในเวลาที่สั้นที่สุดที่เป็นไปได้และการทำความคุ้นเคยกับประสบการณ์ของวัฒนธรรมโลกนั้นสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพวาดสมัยของปีเตอร์มหาราช ความอ่อนแอของระบบศิลปะของการวาดภาพรัสเซียโบราณเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 สถานที่หลักในการวาดภาพเริ่มถูกครอบครองโดยภาพเขียนสีน้ำมันในเรื่องฆราวาส เทคโนโลยีใหม่และเนื้อหาใหม่ทำให้เทคนิคเฉพาะของระบบการแสดงออกของพวกเขามีชีวิตขึ้นมา แต่เทคนิคใหม่ในสีน้ำมันบนผ้าใบนั้นไม่เพียงมีลักษณะเฉพาะของการวาดภาพด้วยขาตั้งเท่านั้น แต่ยังได้เจาะลึกเข้าไปในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่และการตกแต่งอีกด้วย
ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการก่อสร้างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและที่อยู่อาศัยในชนบทของราชวงศ์และบุคคลสำคัญใกล้กับราชสำนัก ภาพวาดขนาดใหญ่ของโป๊ะโคมและแผ่นผนังได้รับการพัฒนาตามธรรมชาติ ภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่งยังใช้กันอย่างแพร่หลายในการเฉลิมฉลองมวลชน, การแสดงละคร, ขบวนพาเหรด, "ขบวน" อันศักดิ์สิทธิ์ของกองทหาร, การส่องสว่างเพื่อเป็นเกียรติแก่ "ชัยชนะ" ซึ่งมีการสร้างประตูชัยและปิรามิดที่ถูกสร้างขึ้น ตกแต่งอย่างหรูหราไม่เพียง แต่ด้วยประติมากรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึง ด้วยการทาสี
น่าเสียดายที่มันเป็นภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ของศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะในช่วงครึ่งแรกและเวลาส่วนใหญ่ของปีเตอร์ที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้แย่กว่าการวาดภาพด้วยขาตั้ง: โครงสร้างไม้ชั่วคราวในรูปแบบของประตูชัยหรือปิรามิดหายไปเอง อาคารต่างๆ สร้างใหม่มากกว่าหนึ่งครั้ง ภาพวาดได้รับการต่ออายุ เปลี่ยนภาพลักษณ์ หรือพินาศไปโดยสิ้นเชิงตามความประสงค์ของเวลาและผู้คน นั่นคือสาเหตุที่ปัญหาการวาดภาพขนาดใหญ่และการตกแต่งในสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชอาจเป็นหนึ่งในปัญหาที่ยังไม่ได้รับการพัฒนามากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ผ่านมามีงานทั่วไปจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้นในหัวข้อนี้ โดยหลักแล้วผลงานที่กล่าวถึงแล้วของ B. Borzin "Murals of the Time of Peter the Great" และ N.V. Kalyazina, G.N. Komelova “ ศิลปะรัสเซียแห่งยุคปีเตอร์มหาราช” ซึ่งนอกเหนือจากวัสดุภาพและสถาปัตยกรรมที่กว้างขวางแล้วผู้เขียนยังใช้ผลการวิจัยและการค้นพบที่เกี่ยวข้องกับงานบูรณะในทศวรรษที่ผ่านมา
ภาพวาดที่ตกแต่งอย่างยิ่งใหญ่และตกแต่งในสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชถือเป็นงานศิลปะรัสเซียที่คงอยู่เพียงชั่วคราวที่สุดช่วงศตวรรษที่ 18 เพราะเรารู้มากขึ้นจากคำอธิบาย ภาพวาด ตลอดจนงานแกะสลักและสีน้ำที่ยังมีชีวิตรอดมากกว่าตัวอย่างที่ได้มา ลงมาหาเรา สิ่งนี้ใช้กับการทาสีประตูชัยเป็นหลัก น่าเสียดายที่พวกเขาทำจากไม้มาไม่ถึงเราและเราสร้างความประทับใจให้กับรูปลักษณ์ของพวกเขาจากแหล่งวรรณกรรมที่ยังมีชีวิตรอด - เอกสารบันทึกความทรงจำภาพวาดภาพร่างภาพแกะสลัก ดังนั้นด้วยการแกะสลักจากปี 1710 เราจึงจินตนาการว่ากองทหารรัสเซียเข้าสู่มอสโกได้อย่างไรหลังจากชัยชนะในยุทธการที่ Poltava (ประตูชัยของ A.D. Menshikov ในมอสโกเพื่อเป็นเกียรติแก่ชัยชนะ Poltava สถาปนิก N. Zarudny) เมื่อเร็ว ๆ นี้ มีการค้นพบภาพวาดบางส่วนสำหรับภาพวาดประตูชัย (ตัวอย่างเช่น ภาพวาดของ A. Matveev สำหรับประตู Anichkovsky, 1732, BAN)
เป็นเรื่องปกติที่จะสร้างประตูชัยเพื่อเป็นเกียรติแก่เหตุการณ์ที่โดดเด่น: ในสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชชัยชนะหลักได้รับการเฉลิมฉลองในลักษณะนี้ (Poltava, Nystadt Peace ฯลฯ ); ในช่วงรัชสมัยของ Anna Ioannovna และ Elizaveta Petrovna พวกเขาถูกสร้างขึ้นส่วนใหญ่สำหรับพิธีราชาภิเษกคนชื่อซ้ำ ฯลฯ ภายใต้ Anna Ioannovna - เพื่อเป็นเกียรติแก่การเข้าสู่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1732 หลังพิธีราชาภิเษก - แม้แต่ประตูหลายบานก็ถูกสร้างขึ้น: กองทัพเรือ (ที่ จุดตัดของแม่น้ำ Neva Perspektiva และแม่น้ำ Myi ตามที่เรียก Moika ในตอนนั้น) และ Anichkovskie (ผ่าน "Nevskaya Perspektiva" ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากพระราชวัง Anichkov แต่อยู่อีกด้านหนึ่งของสะพาน) (ทั้งหมดโดยสถาปนิก D. Trezzini ).
ในระหว่างการก่อสร้างประตู ได้มีการร่างโปรแกรมพิเศษและพัฒนาอย่างระมัดระวัง โดยมีการหารือกันในสมัชชาใหญ่ จากนั้นจึงทำการวาดภาพและภาพร่างซึ่งได้รับการควบคุมเช่นกัน ในสมัยของปีเตอร์ วรรณกรรมฉบับสุดท้ายลงนามโดยรองประธานสมัชชา Feofan Prokopovich และได้รับอนุมัติจาก Peter (เช่นเดียวกับภาพร่าง) ยิ่งไปกว่านั้น ชนชั้นต่างๆ ไม่เพียงแต่รัฐเท่านั้นที่สามารถสั่งประตูได้ ตัวอย่างเช่น “ประตูครูโรงเรียน” ดำเนินการตามคำสั่งของโรงเรียนสลาฟ-กรีก-ลาติน อาจมีลูกค้ารายเดียว: ประตู AD Menshikov (1709) กล่าวถึงข้างต้น G.D. Stroganov (1709, สถาปนิก G. Ustinov?), "บุคคลที่มีชื่อเสียงของ Stroganovs" (1721, สถาปนิก I. Ustinov) - ทั้งหมดในมอสโก ประตูชัยมักจะสร้างโดยสถาปนิกชั้นนำ (Zarudny, Trezzini, Zemtsov) พวกเขาตกแต่งโดยประติมากรที่มีชื่อเสียง (K. Osner, N. Pino) ศิลปินเป็นปรมาจารย์ชาวรัสเซียหลายคน จิตรกรไอคอนของ Armory Chamber จิตรกรของ Gr . Adolsky, R. Nikitin, A. Matveev จากชาวต่างชาติ - L. Caravaque
ประตูชัยเป็นการผสมผสานที่ยอดเยี่ยมของงานศิลปะเกือบทุกประเภท: สถาปัตยกรรม ประติมากรรม (บางครั้งก็มีรูปปั้นหลายสิบชิ้น) ภาพวาด และเอฟเฟกต์แสงและสีทุกประเภท ตามกฎแล้ว "โคมไฟ" ที่ประดับยอดซุ้มโค้งได้รับการตกแต่งตามด้านหน้าอาคารหลักโดยมีรูปเหมือนของผู้ครองราชย์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบเชิงประติมากรรมและรูปภาพยกย่องเชิดชูผู้เผด็จการหรือเหตุการณ์เพื่อเป็นเกียรติแก่การสร้างซุ้มประตู ความประทับใจโดยทั่วไปของความเคร่งขรึมและการเฉลิมฉลองได้รับการปรับปรุงด้วยสี: ประติมากรรมถูกทาสีโดยแต่งกายด้วย "เสื้อคลุมโบราณ" ภาพวาดนี้มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างจุดสีขนาดใหญ่โดยคาดหวังว่าจะถูก "มอง" จากระยะไกล
ภาษาภาพของการตกแต่งประตูชัยเป็นภาษาของสัญลักษณ์เปรียบเทียบและสัญลักษณ์ (ส่วนใหญ่มาจากหนังสือ "สัญลักษณ์และสัญลักษณ์" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1705) ซึ่งเชิดชูชัยชนะของรัสเซียและรัฐรัสเซีย สัญลักษณ์นี้ค่อนข้างไร้เดียงสาและตรงไปตรงมา ดังนั้นที่ประตู Menshikov Menshikov จึงเสนอหัวใจอันลุกเป็นไฟให้กับปีเตอร์ หรือ: ดาวเนปจูนห้ามไม่ให้ลมพัดใส่ครอนสตัดท์ ในภาพของ Phaeton ที่ชนเราสามารถอ่านคำพาดพิงถึง Charles XII ได้อย่างง่ายดาย ฯลฯ ไปที่ประตูสะพาน Bolshoi Kamenny ในมอสโกในปี 1696 เพื่อเป็นเกียรติแก่การยึด Azov (รู้จักจากการแกะสลักของ P. Picart) นอกจากรูปปั้นเฮอร์คิวลิสและดาวอังคารที่แกะสลักไว้ขนาดใหญ่แล้ว ยังมีแผงที่งดงามอีกสองแผงที่แสดงถึงการต่อสู้ทางเรือและจารึก คำจารึกหนึ่งอ่านว่า: "พวกเติร์กพ่ายแพ้ในทะเลทิ้งมอสโกไว้ริบเรือของพวกเขาถูกเผา" อีกด้านหนึ่ง: "มอสโกเอาชนะชาวโอการีนขับไล่ผู้กล้าหาญไปหลายไมล์"
สัญลักษณ์เปรียบเทียบซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 อยู่ร่วมกันได้ดีในภาพวาดประตูชัยพร้อมกับเทพเจ้าและเทพธิดาโบราณมากมาย และเฮอร์คิวลีสหรือเบลเลโรฟอนหรือเพอร์ซีอุสและแอนโดรเมดาอยู่ร่วมกับนักบุญจอร์จผู้มีชัยหรืออัครเทวดาไมเคิล ในสมัยของปีเตอร์วีรบุรุษคนโปรดคืออเล็กซานเดอร์มหาราช (ปีเตอร์ถูกเปรียบเทียบกับเขาอย่างชัดเจน), ซุส, ดาวอังคาร, เฮอร์คิวลีสและจากพระคัมภีร์ - เดวิด (ชาร์ลส์ที่ 12 ดังนั้นโกลิอัท) ในประวัติศาสตร์รัสเซีย Alexander Nevsky ได้รับความสนใจเป็นพิเศษ สิงโตที่พ่ายแพ้เป็นสัญลักษณ์ของสวีเดนที่พ่ายแพ้
ควรสังเกตว่าอยู่บนประตูชัยที่องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์และการต่อสู้ปรากฏขึ้นครั้งแรก และตามกฎแล้วที่นี่ตัวละครในประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ (Peter, Charles XII, Menshikov) แสดงในเสื้อผ้าสมัยใหม่และยังมีลักษณะทางจิตวิทยาบางอย่างในสภาพแวดล้อมจริงบางอย่าง - ในทะเลในสนามรบภายใต้ กำแพงป้อมปราการ - ซึ่งทำให้ภาพดังกล่าวเป็นภาพวาดประวัติศาสตร์ชิ้นแรก
ภาพวาดและการตกแต่งประติมากรรมของประตูชัยเนื่องในโอกาสพิธีราชาภิเษกและชื่อซ้ำในช่วงกลางศตวรรษมีความซับซ้อนและสมบูรณ์ยิ่งขึ้นตามสถาปัตยกรรมบาโรกและการตกแต่ง แต่การเขียนโปรแกรมและการสั่งสอนของพลเมืองลักษณะความยับยั้งชั่งใจที่มีเหตุผลของ สไตล์ที่เราเรียกตามอัตภาพว่า “เพทริน บาโรก” สูญหายไป”
ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว เรารู้เกี่ยวกับภาพวาดมากมายจากภาพวาดและสีน้ำเท่านั้น ดังนั้นเกี่ยวกับการตกแต่งห้องโถงกลางของพระราชวัง F.M. Apraksin (“Admiral’s House”) ซึ่งเป็นการตกแต่งสำหรับงานแต่งงานของ Anna Petrovna ลูกสาวคนโตของซาร์ พร้อมด้วย Duke of Holstein เราเรียนรู้จากภาพวาดของ H.-L. Berner (กระดาษ รถยนต์ น้ำ 1725; พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติสตอกโฮล์ม) (ดู N.V. Kalyazina, G.N. Komelova ใน op. cit., p. 67, No. 48-49) Rastrelli พ่อและลูกชายมีส่วนร่วมในการตกแต่ง ภาพวาดที่นี่อยู่ร่วมกับการสร้างแบบจำลองและภาพวาดหินอ่อน โดยหักเหด้วยโคมไฟระย้าคริสตัลและกระจกอย่างน่าอัศจรรย์ คู่บ่าวสาวอาศัยอยู่ในวังแห่งนี้หลังงานแต่งงานและในปี 1732 ก็กลายเป็นส่วนหนึ่งของอาคารที่ซับซ้อนของพระราชวังฤดูหนาวแห่งใหม่ของ Anna Ioannovna นอกจากนี้จากเอกสารเราทราบเกี่ยวกับการทาสีบ้านโดย U.A. Senyavin และเจ้าชาย Repnin บนเกาะ Vasilyevsky, Feofan Prokopovich บน Karpovka ฯลฯ
อะไรที่ได้รับการเก็บรักษาไว้จากผลงานภาพวาดขนาดใหญ่และการตกแต่งของสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบ เพียงเล็กน้อย น้อยมาก และยิ่งไปกว่านั้น เพียงเล็กน้อยนี้ได้รับความเสียหายในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติและปรากฏต่อหน้าเราในรูปแบบที่ได้รับการบูรณะอันเป็นผลมาจากความสำเร็จที่ไม่เคยมีมาก่อนของทีมศิลปินบูรณะ สถาปนิก และนักประวัติศาสตร์ศิลป์จำนวนมาก นี่คือภาพวาดของ Meshshtkovsky และพระราชวังฤดูร้อนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและ Monplaisir, Aviary และ Grand Palace ใน Peterhof ไม่ต้องสงสัยเลยว่าหากไม่ใช่องค์ประกอบทางโลกโดยเฉพาะ วิญญาณทางโลกบางอย่างก็แทรกซึมเข้าไปในสถาปัตยกรรมทางศาสนาและภาพวาดด้วย และในความเป็นจริงแล้ว ป้ายซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของนวัตกรรมในยุคปีเตอร์มหาราชคือศาลเจ้าหลัก - มหาวิหารปีเตอร์และพอลและการตกแต่ง แม้ว่าภาพวาดของวิหารจะดำเนินการหลังจากการสิ้นพระชนม์ของปีเตอร์ที่ 1 (1728) -1732)
เมื่อพูดถึงภาพวาดตกแต่งที่ยิ่งใหญ่ เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่สัมผัสถึงการตกแต่งภายในโดยรวมซึ่งภาพวาดนี้เป็นส่วนหนึ่งของมัน สำหรับสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช เรารู้เกี่ยวกับช่วงแรกๆ เช่น เกี่ยวกับการตกแต่งภายในทางโลกของมอสโกและภูมิภาคมอสโก โดยส่วนใหญ่มาจากเอกสารสำคัญในคฤหาสน์ของซาร์ ภาพแกะสลัก หรือบันทึกความทรงจำของผู้ร่วมสมัย นี่เป็นช่วงเวลาสำคัญซึ่งครอบคลุมช่วงสองทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 - ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 18 เนื่องจากดังที่เราทราบการก่อสร้างที่แท้จริงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเริ่มต้นตั้งแต่ปี 1710-1714 และตามคำสั่งของปีเตอร์ การก่อสร้างหินในมอสโกวและเมืองอื่น ๆ ก็หยุดลง
ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 ในมอสโก พระราชวังเก่าหลายแห่งกำลังได้รับการบูรณะและขยาย: Golden Chamber of Teremny, Faceted Chamber ในเครมลิน, พระราชวัง Kolomensky และ Izmailovsky กำลังได้รับการขยาย และ Vorobievsky กำลังถูกสร้างขึ้น แต่เราสามารถตัดสินได้เฉพาะพระราชวัง Lefortovo (ค.ศ. 1697-1699 สถาปนิก D. Aksamitov) ซึ่งน่าสนใจอย่างยิ่งที่การตกแต่งภายในได้ผสมผสานทั้งลักษณะรัสเซียโบราณและลักษณะใหม่ซึ่งต่อมาได้รับการพัฒนาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่ง แสดงออกเป็นหลักในการรวมสถานที่อยู่อาศัยไว้ในโครงสร้างสมมาตรโดยรวมที่ชัดเจน ตามประเพณีห้องหลักสองห้องยังคงเป็นห้องหลักใน Lefortovo - ห้องรับประทานอาหารและห้องนอน (ห้องนอน) ทิวทัศน์ของห้องรับประทานอาหาร (ด้านหน้า) ได้รับการเก็บรักษาไว้ให้เราโดยการแกะสลักจากปี 1702 โดย A Shkhonebek ซึ่งเป็นภาพงานแต่งงานของ Theophylact แห่ง Shan ตัวตลก
มันเป็นห้องรับประทานอาหารที่ให้บริการใน Ancient Rus นอกเหนือจากจุดประสงค์โดยตรงเพื่อเป็นสถานที่รับทูต งานเฉลิมฉลองต่างๆ และแม้กระทั่งการแสดงละคร (ดูเกี่ยวกับเรื่องนี้: Evangulova O. S. การตกแต่งภายในฆราวาสของมอสโกและภูมิภาคมอสโกในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 // เมืองรัสเซีย ภูมิภาคมอสโกและมอสโก M. , 1981. ฉบับที่ 4. หน้า 110-120; Pronina IL Terem . วัง ที่ดิน วิวัฒนาการของวงดนตรีภายในในรัสเซียในช่วงปลายวันที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 M. , 1996) ในภาพแกะสลัก เราเห็นการตกแต่งภายในที่เคร่งขรึม รื่นเริง และ "อลังการ": ผนังที่ปูด้วยผ้า เพดานที่สลับซับซ้อน เตาที่ "หรูหรา" โคมไฟระย้าปิดทอง ผ้าม่าน ไอคอนขนาดใหญ่ (ซึ่งดูเหมือนจะมีบทบาทในการตกแต่งเทียบเท่ากับภาพบุคคลบน ผนัง) The Corner Chamber (งานแกะสลักโดย Schonebeck) มีลักษณะทางโลกมากยิ่งขึ้นด้วยกระจกและผ้าม่านมากมาย อยู่ใน "ยุคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแห่งประวัติศาสตร์รัสเซีย" เมื่อพระราชวัง Lefortovo ได้รับการบริจาคจากซาร์ให้กับ AD Menshikov (และเริ่มถูกเรียกว่า Slobodsky) มันถูกสร้างขึ้นใหม่และการตกแต่งภายในเต็มไปด้วยสิ่งของ "ตะวันออก" อันหรูหราและ "จีน" ที่กำลังเป็นที่นิยม ที่ดินใน Preobrazhenskoye ซึ่งเป็นพระราชวังอันเป็นที่รักของ Peter I ก็เป็นเรื่องจริงกับประเพณีเก่าแก่เช่นกันซึ่งอย่างไรก็ตามหน้าเศร้าของประวัติศาสตร์ของ Peter ก็เกี่ยวข้องเช่นกัน: ที่นี่ Romodanovsky หัวหน้าของคำสั่ง Preobrazhensky ที่น่ากลัวขึ้นศาลที่นี่ “สภาล้อเล่น” ที่ได้รับความเคารพนับถือเล็กน้อยสนุกสนานและออกอาละวาด ด้วยการรวมแหล่งข้อมูลทางวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ทั้งหมดเข้าด้วยกัน นักวิจัยได้ฟื้นฟูภาพการตกแต่งภายในของพระราชวัง: ห้องต่างๆ ที่ดูเหมือนกล่อง ผนังที่ตกแต่งด้วยสีแดงเข้ม ไม่เพียงแต่ "ผ้าม่าน" (ผ้าม่าน) ที่มีอยู่มากมายเท่านั้น แต่ยังมีกระจก ภาพวาดบุคคล และ ของส่วนตัวของปีเตอร์ (เข็มทิศที่เขาชื่นชอบ ดวงดาว ฯลฯ)
ประเพณีการตกแต่งภายในของมอสโกไม่ได้ล้าสมัยในทันที มันยังสะท้อนให้เห็นภายในพระราชวังฤดูหนาวแห่งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วย ในการแกะสลักโดย Alexei Zubov (1712) ซึ่งแสดงถึงงานแต่งงานของ Peter และ Catherine ห้องโถงกลางก็มีลักษณะคล้ายกล่องเช่นกัน ตกแต่งด้วยผ้าทออันงดงาม งานแกะสลักและปูนปั้น กระจกเงา และโคมระย้าที่ซับซ้อนที่ทำจากงาช้างและไม้มะเกลือ ซึ่งแกะสลักโดยปีเตอร์เอง
อย่างไรก็ตาม โปรดทราบว่าการเปลี่ยนเบาะผนังทอและเพดานเพดานทาสีด้วยการฉาบปูนและแม้แต่ปูนปั้นและสิ่งอื่น ๆ เกิดขึ้นในมอสโกหรือในสถาปัตยกรรมภูมิภาคมอสโก (ที่ดินของ Menshikov ใน Alekseevskaya ใกล้มอสโก)
อีกประการหนึ่งการแกะสลักก่อนหน้านี้โดย A Zubov (1711) เป็นภาพงานแต่งงานของ Shuga Volkov ซึ่งเกิดขึ้นใน "Embassy House" ของ Menshikov ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (คฤหาสน์ไม้บนที่ตั้งของพระราชวังหินในอนาคต) ที่เราเห็นในการตกแต่งภายใน ผ้าสีแดงเข้มที่มีลวดลายเดียวกันบนผนัง ผนังมากมายพร้อมเทียน - โคมไฟ (อย่างที่เราจะพูดตอนนี้) - และภาพวาดบุคคลที่มีกรอบจำนวนมากบนผนังด้านข้าง ซึ่งดูเหมือนจะแข่งขันกันในบทบาทการตกแต่งด้วยไอคอนขนาดใหญ่สองอันบน ผนังทางเข้า - "การตรึงกางเขน" และ "การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระคริสต์" ด้วยเหตุนี้ ค่อยๆ ผสมผสานความเก่าและใหม่เข้าด้วยกันอย่างซับซ้อน ภายในพระราชวังของเมืองหลวงที่ปรากฏบนชายฝั่งทะเลบอลติกจึงถูกสร้างขึ้น
ในสถาปัตยกรรมของพระราชวังของปีเตอร์จำเป็นต้องสังเกตลักษณะของห้องที่มีจุดประสงค์ใหม่โดยสิ้นเชิงซึ่งไม่รู้จักมาก่อน: ห้องเต้นรำ, สำนักงาน (สำนักงานไม้โอ๊คของปีเตอร์ในพระราชวัง Great Peterhof, สำนักงานวอลนัท - ใน Menshikovsky, "ตู้ของ โบราณวัตถุหรือ "ห้องหายาก" ตู้เคลือบ - ในงานอดิเรกในยุค "จีน" และ "ญี่ปุ่น" ฯลฯ) ห้องพิเศษ - ห้องนอนของรัฐ แม้แต่ห้องครัวของรัฐ ห้อง "ห้องน้ำ" (ห้องแต่งตัว) ฯลฯ แต่ละคนต้องมีการตกแต่งของตัวเอง
การตกแต่งภายในของพระราชวังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชซึ่งปฏิบัติตามหลักการของความสม่ำเสมอและการปฏิบัติจริงในสถาปัตยกรรมและธีมเฉพาะในการวาดภาพอย่างชัดเจนยังคงยึดมั่นในการตกแต่งและการเฉลิมฉลองแบบดั้งเดิมที่มีอยู่แล้วของการตกแต่งภายในโดยรวม
หันมาโดยเฉพาะกับอนุสรณ์สถานของภาพวาดที่ยิ่งใหญ่และการตกแต่งตั้งแต่สมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชให้เรามาดูสิ่งที่ซับซ้อนที่สุดตามลำดับเวลา - พระราชวังฤดูร้อนของปีเตอร์ในสวนฤดูร้อน ภาพวาดของเขาดูเหมือนจะมีลักษณะเฉพาะมากที่สุดในยุคปีเตอร์มหาราช ธีมของภาพวาดเหมือนกัน: ด้วยความช่วยเหลือของสัญลักษณ์และสัญลักษณ์เปรียบเทียบซึ่งเป็นที่รักในยุคนี้ เวลาที่กล้าหาญ และเหนือสิ่งอื่นใด อำนาจรัฐได้รับการเชิดชู และแนวคิดเรื่องความรักชาติได้รับการปลูกฝัง นับเป็นครั้งแรกที่หัวข้อชัยชนะของรัสเซียในสงครามเหนือและการเชิดชูเกียรติปรากฏขึ้นที่นี่โดยผสมผสานกับภาพลักษณ์ทางสถาปัตยกรรมและศิลปะโดยรวม
พระราชวังฤดูร้อนของปีเตอร์ในสวนฤดูร้อนพร้อมการตกแต่งภายนอกที่สวยงาม ดำเนินการโดย A. Schlüter - ประติมากรรมนูนต่ำนูนสูงระหว่างหน้าต่าง (พวกเขาจะกล่าวถึงในบทที่ 4 ประติมากรรม) ภาพนูนต่ำ "มิเนอร์วาล้อมรอบด้วยถ้วยรางวัล" ทางตอนใต้ ด้านหน้าอาคารและแผงไม้ที่มีภาพ Minerva เป็นผู้พิทักษ์บ้าน โดยมีนกฮูก (สัญลักษณ์แห่งความระแวดระวัง) ในห้องโถง ฯลฯ - ยังคงการตกแต่งภายในดั้งเดิมไว้เฉพาะใน Green Office และ Cook's Room ที่ชั้น 1 เท่านั้น
งานตกแต่งในพระราชวังฤดูร้อนเริ่มต้นขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1713-1714 ปรมาจารย์ชาวรัสเซีย A. Zakharov, P. Zavarzin, F. Matveev ทาสี (บนไม้) ผนังของ Green Cabinet ภาพวาดยังคงอยู่ในสไตล์ของศตวรรษที่ 17 ได้แก่ เครื่องประดับ นกมหัศจรรย์ หน้ากาก รวมถึงลวดลายที่ชื่นชอบของตะกร้าพร้อมดอกไม้ที่แผงเหนือประตู
โคมไฟของพระราชวังฤดูร้อน (7 อัน) สร้างเสร็จในปี 1729 เพดานห้องรับแขกที่ชั้นล่าง "Triumph of Russia" สร้างโดย Georg Gsell ในปี 1719 (G. Gsell ชาวสวิสโดยกำเนิดได้รับการศึกษาที่เวียนนาและทำงานในอัมสเตอร์ดัมซึ่ง Peter เห็นเขา ในรัสเซีย - จาก 1717) “ชัยชนะ” เป็นตัวเป็นตนด้วยร่างผู้หญิงสามคนที่ล้อมรอบด้วยกามเทพและมาพร้อมกับคุณลักษณะที่เชิดชูรัฐ บุคคลสำคัญวางอยู่บนทรงกลมของโลก - นี่คือภาพแห่งพลังของผู้ปกครอง ร่างที่มีไม้กางเขน - ศาสนา มีรวงข้าวโพด - ภาวะเจริญพันธุ์
ตรงกลางเพดานห้องรับประทานอาหารซึ่งเป็นเพลงสรรเสริญอำนาจเผด็จการและชัยชนะทางทหารอย่างแท้จริง มีรูปเหมือนของปีเตอร์อยู่ ในห้องที่เหลือแผนผังของโป๊ะโคมมีดังนี้: ในการศึกษา - "ชัยชนะของมิเนอร์วา" ในห้องบัลลังก์ - "ชัยชนะของแคทเธอรีน" (แสดงโดย Gzel ด้วย) ในห้องนอน - "ชัยชนะ ของ Morpheus” ในห้องเด็ก - "สันติภาพและความเงียบสงบ" (ใกล้กับ Gzel ในรูปแบบและสีสัน) มารยาท. Gzel ยังชวนให้นึกถึงสัญลักษณ์เปรียบเทียบของสี่ส่วนของโลก (ตัวเลขของยุโรป, เอเชีย, แอฟริกา, อเมริกา) ในเหรียญรูปไข่ของคณะรัฐมนตรีสีเขียว
ลักษณะเฉพาะของโป๊ะโคมของพระราชวังฤดูร้อนคือไม่ได้ครอบคลุมเพดานทั้งหมด แต่เป็นเหมือนภาพวาดแทรก พวกเขาดำเนินการโดยใช้วิธีขาตั้ง - ที่ด้านล่างแล้วสอดเข้าไปในเพดาน นอกจากนี้ยังมีเทคนิคที่แตกต่างกันเช่นจากภาพวาดของพระราชวัง Menshikov: นี่ไม่ใช่สีฝุ่นบนปูนปลาสเตอร์ แต่เป็นภาพเขียนสีน้ำมันบนผืนผ้าใบที่ขึงบนเปลหาม
การตีความเรื่องในโป๊ะโคมเป็นเรื่องปกติสำหรับสมัยของเปโตร: ไม่มีอักขระเฉพาะ (มีข้อยกเว้นที่หายาก) ภาษานั้นเป็นเชิงเปรียบเทียบและเป็นสัญลักษณ์ และหากในโป๊ะโคมอันใดอันหนึ่ง (ห้องอาหาร) เราจะเห็นภาพเหมือนของเปโตร จากนั้นจะถูกนำมาใช้ในองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบและสอดคล้องกับภาษานามธรรมโดยทั่วไปอย่างสมบูรณ์
ในอนุสาวรีย์ที่น่าทึ่งอีกแห่งหนึ่ง - พระราชวัง Menshikov - ตัวอย่างแรกสุดของภาพวาดตกแต่งที่ยิ่งใหญ่ตั้งแต่สมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชคือแผงของห้อง Orekhovoy ของสำนักงานของ Menshikov (ห้องตกแต่งด้วยแผงวอลนัทจึงเป็นที่มาของชื่อ) โป๊ะโคมถูกทาสีหลายครั้ง ชั้นแรก (1711-1712) และชั้นที่สอง (1715-1716) เป็นเทคนิคน้ำมันเทมเพอราสำหรับปูนปลาสเตอร์และกริซายล์ การทาสีด้วยโทนสี
ในเลเยอร์แรกตรงกลางขององค์ประกอบภาพพบภาพแรกสุด - กับพื้นหลังของท้องฟ้าสีดำและสีม่วงนักรบที่มีโล่และดาบอาศัย "หนังสือของดาวอังคาร" ที่อุทิศให้กับศิลปะการทหาร แห่งชัยชนะ (เปโตรมีส่วนร่วมในการสร้างมัน) ในบรรดาคุณลักษณะของการต่อสู้ (นักวิจัยบางคนเห็นใน Battle of Poltava และแม้แต่ลักษณะของ Peter เองก็เห็นในรูปของนักรบ) ได้แก่ ลูกกระสุนปืนใหญ่, ปืนใหญ่, ธงกองทหาร, ธงศัตรูที่ถูกเหยียบย่ำ, กลอง, ท่อ, ผง ถัง ทั้งหมดนี้ทำให้เกิดกลิ่นอายความโรแมนติก ดาวอังคารซึ่งบางครั้งเรียกว่านักรบขาดความก้าวร้าวใบหน้าที่กล้าหาญของเขาดูค่อนข้างเหนื่อย V. Borzin พบความคล้ายคลึงกับภาพนี้ไม่ใช่ในศิลปะโบราณ แต่เป็นศิลปะรัสเซียโบราณและเปรียบเทียบนักรบกับเทวทูตไมเคิลในภาพวาดฝาผนังของวิหาร Smolensk ของอาราม Novodevichy ในมอสโกและในอาสนวิหารอัสสัมชัญแห่งทรินิตี้- เซอร์จิอุส ลาฟรา. ไม่ทราบผู้เขียนภาพ เอกสารสำคัญบอกเราถึงชื่อของนักแสดง: A. Zakharov, พี่น้อง Adolsky, D. Solovyov และปรมาจารย์คนอื่น ๆ แต่ไม่ได้ตั้งชื่อผู้นำและผู้แต่ง "สิ่งประดิษฐ์" โดยมีร่างของนักรบอยู่ตรงกลาง เพดานและตามมุมมีตราสัญลักษณ์ที่ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 18 คุ้นเคย ตามหนังสือ "สัญลักษณ์และตราสัญลักษณ์" และคติประจำใจของความรู้สึกสั่งสอนและการศึกษาซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับยุคปีเตอร์มหาราช ("ฉันตกลงที่จะนำชัยชนะมาให้" "คาดการณ์" "ความมืดช่วย" "ที่ใด มีความจริงและศรัทธาก็จะมีพลัง”) นักวิจัยเชื่อว่าภาพวาดนี้ทำโดยปรมาจารย์ในประเทศ - G. Adolsky "และสหายของเขา" ในปี 1711-1712
ชั้นที่สอง (grisaille) เป็นองค์ประกอบที่มีกามเทพมาลัยดอกไม้และพระปรมาภิไธยย่อตกแต่งซึ่งปรมาจารย์ชาวรัสเซีย A. Zakharov และ L. Fedorov ทำงานซึ่งอาจอยู่ภายใต้การดูแลของ Caravaque: ลายเส้นกว้าง ๆ เบา ๆ ชวนให้นึกถึงภาพวาดของเขาใน กรงนกขนาดใหญ่และ Monplaisir ใน Peterhof
ชั้นที่สามคือภายหลัง -1717-1719 (บางคนถึงกับถือว่าวันที่สร้างเสร็จคือปี 1722) โป๊ะโคมประดับล้วนๆ นี้ มีดอกกุหลาบอยู่ตรงกลางและมีลวดลายพิสดาร สร้างสรรค์โดย F. Pilleman ศิลปินจากครอบครัวช่างตกแต่งระดับปรมาจารย์แห่งลียง ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Claude Gillot ซึ่งเป็นผู้ที่ Antoine Watteau เคยศึกษาด้วยในคราวเดียว Pilman เดินทางมายังรัสเซียด้วยการโทรส่วนตัวจาก Leblon ในปี 1717 ศีรษะของผู้หญิงปรากฏขึ้นท่ามกลางสิ่งแปลกประหลาดและลวดลายพืชบนเพดาน ซึ่งนักวิจัยบางคนเห็นความคล้ายคลึงกับลูกสาวของ Menshikov โป๊ะโคมทำขึ้นด้วยโทนสีแดงปะการังและสีเขียวมะกอกอันวิจิตรงดงามบนพื้นหลังสีทอง (เก็บไว้ในอาศรม) สีแดงและสีน้ำเงินในท้องถิ่นที่มีสีดำและสีเหลืองในชั้นแรกบ่งบอกถึงประเพณีที่ยังคงมีชีวิตอยู่ในศตวรรษที่ 17 เป็นที่น่าแปลกใจที่มีการค้นพบภาพวาดชั้นแรกกับนักรบและกลายเป็นที่รู้จักเฉพาะในระหว่างการบูรณะพระราชวัง Menshikov ในทศวรรษ 1960 เนื่องจากในช่วงชีวิตของทั้ง Peter และ Menshikov ภาพวาดนั้นถูกปกคลุมไปด้วยภาพวาดบนเปลหามดำเนินการ โดย พิลมาน เทคนิคสีน้ำมันบนผ้าใบ ผลจากการเปลี่ยนแปลงทั้งหมด ร่างของนักรบจึงขาวโพลนไปหมด
ในความเห็นของเรา N. Yu. Zharkova เห็นอย่างถูกต้องในลวดลายของเพดานของเลขาธิการว่ามีความคล้ายคลึงกับองค์ประกอบตกแต่งของด้านหน้าของพระราชวัง Menshikov ซึ่งแยกแยะได้จากการแกะสลักโดย A. Zubov "ลงจากทะเลด้วยชัยชนะ" ( (ค.ศ. 1714) และการตกแต่งประตูชัยที่สร้างขึ้นใกล้กับที่ดิน Menshikov บนน้ำแข็งในเดือนมกราคม ค.ศ. 1712 ซึ่งเรามีแนวคิดจากการแกะสลักโดย A. Zubov ในปี 1711 ด้วย [ดู เพิ่มเติมเกี่ยวกับเรื่องนี้: Zharkova N.Yu. โครงเรื่องเพดาน "เลขานุการ" ของพระราชวัง Menshikov และความเชื่อมโยงกับศิลปะของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 // การอ่านของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (สำหรับวันครบรอบของเมือง) บทคัดย่อรายงานการประชุม เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2535 หน้า 116-119]
เมื่อพูดถึงการตกแต่งพระราชวัง Menshikov เราไม่ควรลืมว่าโครงสร้างการตกแต่งนั้นไม่เพียงแต่ประกอบด้วยภาพวาดและประติมากรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระเบื้องที่ทำขึ้นตามแบบจำลองของชาวดัตช์หรือต้นกำเนิดของชาวดัตช์ตลอดจนผ้า การปั้นปูนปั้น หินอ่อนและ ภาพวาดหินอ่อน ชุดเครื่องลายคราม เฟอร์นิเจอร์นำเข้า การตกแต่งนี้คือพระปรมาภิไธยย่อของ Menshikov และ Peter (บนตะแกรงของบันไดชั้นสอง) องค์ประกอบของ Order of St. Andrew the First-Called ฯลฯ ทุกสิ่งมีบทบาทตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้องจนถึง ด้ายสีทองและสีเงินของเครื่องแต่งกาย และหัวตะปูปิดทองบนที่นั่งของเก้าอี้ มันคือ "พงศาวดารทั้งยุคที่มีเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตของผู้คนโดยเฉพาะและประเทศเกี่ยวกับความรุ่งโรจน์และความฝันเกี่ยวกับการต่อสู้ที่ยากลำบากการสถาปนาอุดมคติของชีวิตทางโลกและนโยบายของรัฐเกี่ยวกับมิตรภาพของ Menshikov และ Peter ฉันเกี่ยวกับชัยชนะที่รัสเซียได้รับ ... " ที่นี่รวบรวม " ... หนึ่งในหลักการที่สำคัญที่สุดของการจัดภายในพระราชวังของปีเตอร์มหาราชบาโรกคือหลักการเฉพาะเรื่อง แนวคิดที่สำคัญ " (ดู: Pronina I. A. Terem วัง ที่ดิน หน้า 45-46)
ในบรรดาที่อยู่อาศัยในเขตชานเมือง Monplaisir เป็นตัวแทนของภาพวาดที่เก่าแก่ที่สุด สร้างขึ้นดังที่ได้กล่าวไปแล้วโดย Braunstein, Leblon และ Michetti อย่างต่อเนื่องในช่วงทศวรรษตั้งแต่ปี 1714 ถึง 1723 Monplaisir เริ่มตกแต่งด้วยภาพวาดและงานแกะสลักในระหว่างขั้นตอนการก่อสร้าง ส่วนกลางของ Monplaisir - Dutch House (หรือที่รู้จักในชื่อ Central - Assembly - Hall) ขนาบข้างด้านหนึ่งโดยเลขานุการ ห้องนอน และตู้เดินเรือ อีกด้านหนึ่ง - โดยตู้เคลือบ ห้องครัว และห้องเตรียมอาหาร แกลเลอรี่จบลงด้วยศาลา - lusthouses อพาร์ตเมนต์ทั้งหมดได้รับการตกแต่ง ดังนั้นเพดานของหอประชุมกลางจึงถูกสร้างขึ้นโดย F. Pilman ในปี 1718 ประติมากรรมสี่กลุ่มที่จับคู่กัน - สัญลักษณ์เปรียบเทียบของฤดูกาล - รองรับเพดานทรงโดมอันสวยงามนี้ตกแต่งด้วยโป๊ะโคม ประติมากรรมทำจากเศวตศิลา ยังไม่มีการจัดตั้งผู้ประพันธ์ (Schluter? N. Pino?) การทาสีโป๊ะโคมมีความกลมกลืนกันอย่างลงตัวกับการปั้นตกแต่งและการแกะสลักไม้ นี่คือเพลงสรรเสริญองค์ประกอบ ฤดูกาล ของขวัญทางโลกทั้งหมด - การแสดงออกเชิงเปรียบเทียบของความสุขของการเป็น
บุคคลสำคัญของโป๊ะโคมของพิลมานคืออพอลโล Padtsugs แสดงถึงองค์ประกอบสี่ประการ: ภาคเหนือ - น้ำซึ่งเป็นองค์ประกอบที่มีไดนามิกมากที่สุดกับเนปตุง, แอมฟิไตรต์และเนเรอุส; ทางทิศใต้คือไฟ (“ Forge of Vulcan”) ทางตะวันออกคือโลกทางตะวันตกคืออากาศซึ่งจูโนเป็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ทุกสิ่งแสดงให้เห็นถึงความรู้ที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับเทพนิยายโบราณ แผงที่เหลือเป็นของเอฟ. พิลมานด้วย เพดานกลางห้องเลขานุการคือ "The Triumph of Bacchus"; ห้องนอน - "Merry Carnival" (พร้อมหน้ากากตลก dell'arte) การศึกษาทางทะเล - "Monkey Fun" (เรื่องโปรดของภาพวาดยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17-18 เพียงจำ "Monkeys in the Kitchen" โดย D. Teniers หรือ ภาพร่างของ A. Watteau สำหรับ French Marley); Pantry and Lacquer Cabinet - "The Seasons" (ใน Pantry allegory of Winter ในรูปแบบของร่างผู้หญิงที่มีเตาอั้งโล่และมีกามเทพตัวสั่นจากความหนาวเย็นใน Cabinet Lacquer - ฤดูใบไม้ร่วง ในรูปแบบของผู้หญิงพร้อมพวงองุ่นและแก้วไวน์) ในตู้แล็คเกอร์มี "งานจีนและญี่ปุ่น" ขนาดใหญ่และเล็ก 94 แผงดำเนินการโดยช่างแล็คเกอร์ภายใต้การนำของ Dutchman G. Brumkorst (Brumhorst) ได้รับเชิญเป็นพิเศษให้ไปทำงานในรัสเซีย
ภาพวาดของแกลเลอรี่ที่มี lusthauses เสร็จสมบูรณ์ในภายหลังในปี ค.ศ. 1720-1722 โดยศิลปะของปรมาจารย์ชาวรัสเซีย - M. Zakharov, S. Bushuev, F. Vorobyov, V. Broshevsky, M. Negrubov, L. Fedorov, V. Morozov, ก. อีวานอฟ D. Soloviev, B. Mochenov (Mocheny?) และคนอื่น ๆ - ภายใต้การแนะนำของ F. Pilman (?) และ L. Caravacca (?) ในเทคนิคอุบาทว์ไข่บนปูนปลาสเตอร์ โปรดทราบว่าแกนหลักของอาร์เทลยังคงอยู่มาเป็นเวลานาน ศิลปินคนเดียวกันเหล่านี้จะทำงานในช่วงทศวรรษที่ 1730 ภายใต้การนำของจิตรกรชาวรัสเซีย Andrei Matveev และในช่วงทศวรรษที่ 1740 ภายใต้การนำของ Ivan Vishnyakov ตัวอย่างเช่น สำหรับ Negrubov และ Bushuev Pilman ให้การประเมินสูงสุด: “...นักเรียนเหล่านี้เรียนรู้ศิลปะการวาดภาพ เครื่องประดับที่ใช้ตกแต่งเพดาน ผนัง หรือสิ่งอื่นใดภายในบ้านจากฉัน และพวกเขาสามารถจัดการได้ทั้งหมด งานจิตรกรรมเหล่านั้นไม่มีภาระใด ๆ "(Uspensky A. พจนานุกรมของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 18 ที่วาดภาพในพระราชวังอิมพีเรียล M. , 1913. P. 15-16)
การตกแต่งทั้งหมดคำนึงถึงการจัดแสดงคอลเลกชันภาพวาดเนื่องจากคอลเลกชันภาพวาดชุดแรกในรัสเซียตั้งอยู่ที่ Monplaisir ซึ่งในปี 1725 มีจำนวนผืนผ้าใบประมาณ 200 ผืน
การตกแต่งของแกลเลอรี Monplaisir นั้นดูสว่างและหรูหรา โดยประดับด้วยใบไม้ เปลือกหอย มาลัยและกระเช้าดอกไม้ ดอกกุหลาบ นก หน้ากาก และสัตว์ประหลาดที่มีปีกอย่างเก๋ไก๋ ในแกลเลอรีตะวันตก ฤดูใบไม้ผลิถูกนำเสนอในรูปแบบของเด็กสาวน่ารัก ซึ่งคิวปิดกำลังรีบไปหา ภาพเขียนนี้จัดทำขึ้นตามแบบร่างของคาราวักก้า Caravaque ทาสีเพดานเต็นท์ของ Aviary (Aviary) - ศาลาสิบสองด้านพร้อมโดมและตะเกียง: Diana, Actaeon, Aurora, Apollo ท่ามกลางกามเทพและเครื่องประดับต่างๆ
ภาพวาดของ Monplaisir สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคอุบาทว์บนปูนปลาสเตอร์โดยศิลปินของปรมาจารย์ชาวรัสเซียภายใต้การนำและ "แบบจำลอง" ของ Pilman และ Caravaque เป็นการสังเคราะห์อย่างแท้จริงของคุณสมบัติที่ดีที่สุดของสถาปัตยกรรม ภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง การแกะสลักและการแกะสลัก ของครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างผลงานรวมของสถาปนิก ช่างก่อสร้าง จิตรกร ประติมากร ประติมากร ช่างตกแต่งระดับปรมาจารย์
งานแกะสลักสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษในการตกแต่งพระราชวังปีเตอร์ฮอฟขนาดใหญ่ ในตู้ไม้โอ๊ค (พ.ศ. 2261-2263) ผนังตกแต่งด้วยแผงไม้โอ๊คแนวตั้ง (ดังนั้นชื่อ) (จาก 14, 8 ที่เหลืออยู่) ซึ่งมีการนำเสนอสัญลักษณ์ของพลังทะเลฤดูกาลคุณลักษณะของวิทยาศาสตร์และศิลปะ ในการแกะสลักอันวิจิตรบรรจง ภาพวาดและแบบจำลองสำหรับพวกเขาถูกสร้างขึ้นโดยประติมากรและช่างแกะสลักชาวฝรั่งเศส Nicolas Pinault ซึ่งเข้ามารับราชการในรัสเซียและที่นี่แสดงให้เห็นถึงรูปแบบที่สูงและจินตนาการที่ไม่สิ้นสุดในลวดลายตกแต่ง
นอกจากนี้ ภายในพระราชวัง Leblon ยังเป็นคนแรกที่ใช้เอฟเฟกต์ลวงตาของกระจก ซึ่งต่อมาเป็นเทคนิคบาโรกยอดนิยม ซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในอาคารของ Rastrelli ในช่วงกลางศตวรรษ
เป็นการยากที่จะพูดถึงภาพวาดของพระราชวัง Great Peterhof - อันที่จริงมันสูญหายไปตลอดกาล เรารู้ว่า Caravaque และ Pilman ทำงานกับโป๊ะโคมด้วย (เช่น หลังทาสีเพดานของตู้ไม้โอ๊คที่มีชื่อเสียงด้วยกัน กับปรมาจารย์ชาวรัสเซีย - Negrubov, Bashuev, Skorodumov, Morozov, Semenov ฯลฯ ) B. Tarsia ผู้อนุรักษ์ประเพณีของชาวเวนิสในปี 1726 ได้ทาสีเพดานของ Picture Hall ("ตู้แห่งแฟชั่นและความสง่างาม" อันโด่งดังซึ่งต่อมาตกแต่งด้วยภาพวาด 368 ชิ้นของ P. Rotari) (สีน้ำมัน, ผ้าใบ) ภาพวาดเชิงเปรียบเทียบสี่ภาพบน Paddugs ดำเนินการโดยปรมาจารย์ชาวรัสเซีย Bushuev และ Negrubov (อุณหภูมิบนปูนปลาสเตอร์) บี. ทาร์เซียยังเป็นเจ้าของเพดานห้องโถงกลาง (พ.ศ. 2269-2270)
ดังที่ได้กล่าวไปแล้วองค์ประกอบทางโลกก็แทรกซึมเข้าไปในสถาปัตยกรรมทางศาสนาเช่นกัน เช่นเดียวกับที่ผนังของโบสถ์ Vladimir-Suzdal ได้รับการตกแต่งด้วย "นก" และกริฟฟินซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากจินตนาการพื้นบ้านและหน้าหนังสือพิธีกรรมก็ตกแต่งด้วยผู้ชาย "ผู้ก่อวินาศกรรม" ที่แปลกประหลาดซึ่งมีตัวอย่างมากมายในงานศิลปะของรัสเซียโบราณ หลักการทางโลกบุกรุกภาพวาดฝาผนังในหัวข้อข่าวประเสริฐของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์และพอล ในเวลาเดียวกันแผนการของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ไม่บิดเบี้ยวไม่ขัดแย้งกับ "จดหมาย" และการยึดถือที่เป็นที่ยอมรับ พวกมันมีประสบการณ์ของมนุษย์ล้วนๆ และความเป็นจริงในชีวิตประจำวันมากมายอยู่แล้ว
การตกแต่งอาสนวิหารปีเตอร์และพอลใช้เวลาอย่างน้อยห้าปี (ค.ศ. 1726-1731) ช่างแกะสลักและช่างแกะสลักที่เก่งที่สุดตกแต่งสัญลักษณ์ในมอสโกตามเทมเพลตของ I. Zarudny ในปี ค.ศ. 1726 สัญลักษณ์ดังกล่าวถูกนำมาจากมอสโก จิตรกรไอคอน Andrei Merkuryev “และสหายของเขา” แสดงภาพ 41 ภาพ
เช่นเดียวกับงานอื่น ๆ งานในคริสตจักรของเปโตรและพอลทำ "ด้วยความเร่งรีบ" และ "ด้วยมือเล็ก ๆ " เนื่องจากเป็นเรื่องปกติที่จะเขียนรายงานการประชุมของสถานฑูตจากอาคารมากจนไม่มีและออกไป อีกเมืองหนึ่งถูกบันทึกไว้อย่างเข้มงวด พาสปอร์ตถูกยึดไป ช่างฝีมือกลับไปที่สถานฑูต "ระวัง" สิ่งนี้เกิดขึ้นแม้กระทั่งกับจิตรกรชื่อดัง เช่น กับพี่น้อง Adolsky คนหนึ่งและ Ivan Nikitin "จากอู่ต่อเรือโดยเฉพาะ"
มหาวิหารปีเตอร์และพอลควรจะตกแต่งด้วยภาพวาดหลากสีบนปูนปลาสเตอร์: บนผนัง - ลวดลายดอกไม้เก๋ไก๋และมาลัยที่ตีความได้ค่อนข้างสมจริงในโดม - องค์ประกอบหลายร่างในกลองและห้องใต้ดินเหนือบัว - ภาพวาดบน ธีมของพระเยซู
ภาพวาด “ใต้ห้องใต้ดิน” ของอาสนวิหาร แท้จริงแล้วเป็นภาพเขียนขาตั้งแบบดั้งเดิม ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพเขียนสีน้ำมันบนผ้าใบชิ้นแรกสำหรับวิหาร นับเป็นครั้งแรกใน Rus' เท่าที่เราทราบ "การวาดภาพไอคอน" ที่มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษและภาพวาดใหม่ ทั้งเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ ซึ่งมุ่งมั่นที่จะพรรณนาถึงโลกแห่งความเป็นจริง ถูกรวมเข้าด้วยกันภายในโบสถ์แห่งเดียว ไม่เพียงแต่เทคโนโลยีใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกทัศน์ด้วย ทุกสิ่งทุกอย่างสะท้อนให้เห็นในจุดเปลี่ยนที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ฉากพระกิตติคุณถูกตีความโดยไม่มีแบบแผนในยุคกลาง ร่างมนุษย์สูญเสียความไม่มีตัวตนอันเป็นสัญลักษณ์ โลกโดยรอบถูกบรรยายด้วยรายละเอียดลวงตาที่คล้ายคลึงกันและเอาใจใส่
ข้อมูลที่เกี่ยวข้อง.
จิตรกรรมอนุสาวรีย์- ประเภทของจิตรกรรมที่เกี่ยวข้องกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่ จิตรกรรมอนุสรณ์สถานรวมถึงงานที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่วางบนผนังเพดานห้องใต้ดินซึ่งไม่ค่อยอยู่บนพื้นรวมถึงภาพวาดทุกประเภทบนปูนปลาสเตอร์ - ปูนเปียก (buon fresco, fresco a secco), encaustic, อุบาทว์, ภาพวาดสีน้ำมัน ( หรือภาพวาดบนแฟ้มอื่น ๆ ) โมเสก แผงภาพที่วาดบนผืนผ้าใบ ดัดแปลงเป็นพิเศษสำหรับสถานที่เฉพาะในสถาปัตยกรรม เช่นเดียวกับกระจกสี สกราฟฟิโต มาจอลิกา และรูปแบบอื่น ๆ ของการตกแต่งที่งดงามในระนาบในสถาปัตยกรรม
ขึ้นอยู่กับลักษณะของเนื้อหาและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง ทำให้เกิดความแตกต่างระหว่างงานจิตรกรรมที่มีคุณสมบัติเป็นอนุสาวรีย์ซึ่งเป็นลักษณะเด่นที่สำคัญที่สุดของชุดสถาปัตยกรรมกับงานเขียนสีอนุสาวรีย์และงานตกแต่งที่ตกแต่งเฉพาะพื้นผิวผนัง เพดาน และส่วนหน้าอาคาร ซึ่งดูเหมือนจะ “ละลาย” ในสถาปัตยกรรม การวาดภาพแบบอนุสาวรีย์เรียกอีกอย่างว่าการวาดภาพตกแต่งแบบอนุสาวรีย์หรือการตกแต่งด้วยภาพซึ่งเน้นจุดประสงค์ในการตกแต่งพิเศษของภาพวาด ผลงานจิตรกรรมอนุสาวรีย์ได้รับการออกแบบในลักษณะการตกแต่งเชิงปริมาตรหรือเชิงระนาบ ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับการใช้งาน
การทาสีแบบอนุสรณ์สถานจะได้รับความสมบูรณ์และความสมบูรณ์เฉพาะเมื่อมีปฏิสัมพันธ์กับส่วนประกอบทั้งหมดของชุดสถาปัตยกรรมเท่านั้น
การตกแต่งผนังที่เก่าแก่ที่สุดที่รู้จักคือภาพสัตว์ต่างๆ ในถ้ำ Dordogne ในฝรั่งเศส และเทือกเขา Pyrenees ทางตอนใต้ในสเปน อาจถูกสร้างขึ้นโดย Cro-Magnons ระหว่าง 25 ถึง 16,000 ปีก่อนคริสตกาล ภาพวาดในถ้ำของ Altamira (สเปน) และตัวอย่างขั้นสูงของงานศิลปะนี้จากยุค Paleolithic ตอนปลายในถ้ำ La Madeleine (ฝรั่งเศส) เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง
ภาพวาดฝาผนังมีอยู่ในอียิปต์ยุคก่อนราชวงศ์ (5-4 สหัสวรรษก่อนคริสต์ศักราช) เช่น ในสุสานของเฮียราคอนโพลิส (Hierakonpolis); ในภาพเขียนเหล่านี้ แนวโน้มของชาวอียิปต์ในการจัดรูปแบบหุ่นมนุษย์เป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจนอยู่แล้ว ในช่วงยุคของอาณาจักรเก่า (3-2 พันปีก่อนคริสต์ศักราช) ลักษณะเฉพาะของศิลปะอียิปต์ได้ก่อตัวขึ้นและมีการสร้างภาพวาดฝาผนังที่สวยงามมากมาย ในเมโสโปเตเมีย ภาพวาดฝาผนังบางส่วนยังคงหลงเหลืออยู่ ซึ่งเนื่องมาจากความเปราะบางของวัสดุก่อสร้างที่ใช้ มีภาพที่เป็นรูปเป็นร่างที่รู้จักกันดีซึ่งสะท้อนถึงแนวโน้มบางประการต่อความสมจริงในการวาดภาพธรรมชาติ แต่เครื่องประดับเป็นเรื่องปกติสำหรับเมโสโปเตเมียมากกว่า
ใน 2 พันปีก่อนคริสต์ศักราช ครีตกลายเป็นตัวกลางทางวัฒนธรรมระหว่างอียิปต์และกรีซ ใน Knossos และพระราชวังอื่นๆ ของเกาะ ชิ้นส่วนจิตรกรรมฝาผนังอันงดงามหลายชิ้นที่ดำเนินการด้วยความสมจริงได้รับการเก็บรักษาไว้ ซึ่งทำให้ศิลปะนี้แตกต่างจากภาพวาดของอียิปต์ที่มีลำดับชั้นอย่างมาก ในกรีซในยุคก่อนโบราณและโบราณ ภาพวาดฝาผนังยังคงมีอยู่ แต่แทบไม่มีอะไรเหลือรอดเลย ความเจริญรุ่งเรืองของประเภทนี้ในยุคคลาสสิกมีหลักฐานอ้างอิงมากมายในแหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษร ภาพวาดของ Polygnotus ใน Propylaea ของ Athenian Acropolis มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ ตัวอย่างที่สวยงามของภาพวาดอนุสาวรีย์โรมันโบราณได้รับการเก็บรักษาไว้ภายใต้ชั้นเถ้าบนผนังบ้านในเมืองปอมเปอี, เฮอร์คิวเลเนียมและสตาเบียซึ่งถูกทำลายโดยการปะทุของวิสุเวียสในปี 79 เช่นเดียวกับในโรม สิ่งเหล่านี้เป็นองค์ประกอบโพลีโครมที่มีหลากหลายหัวข้อ ตั้งแต่ลวดลายทางสถาปัตยกรรมไปจนถึงวัฏจักรในตำนานที่ซับซ้อน เช่น ปูนเปียก โอดิสสิอุ๊สในดินแดนของชาวเลสตรีโกเนียนจากบ้านบน Esquiline ในโรม; ในองค์ประกอบดังกล่าว เราสามารถมองเห็นความรู้อันยอดเยี่ยมของศิลปินเกี่ยวกับธรรมชาติและความสามารถในการถ่ายทอดมัน
ในสมัยคริสเตียนตอนต้น (ศตวรรษที่ 3-6) และในยุคกลาง การวาดภาพขนาดใหญ่ถือเป็นรูปแบบศิลปะชั้นนำรูปแบบหนึ่ง ในช่วงเวลานี้ ภาพจิตรกรรมฝาผนังตกแต่งผนังและห้องใต้ดินของสุสานใต้ดิน จากนั้นภาพเขียนฝาผนังและภาพโมเสกก็กลายเป็นรูปแบบหลักในการตกแต่งวิหารที่ยิ่งใหญ่ทั้งในจักรวรรดิโรมันตะวันตก (จนถึงปี 476) และในไบแซนเทียม (ศตวรรษที่ 4-15) และ ประเทศอื่นๆ ของยุโรปตะวันออก ในยุคกลางของยุโรปตะวันตก โบสถ์ต่างๆ ส่วนใหญ่จะตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังหรือภาพวาดบนปูนปลาสเตอร์แห้ง โมเสกยังคงมีอยู่ในอิตาลี ในภาพวาดสไตล์โรมาเนสก์ (ศตวรรษที่ 11–12) ตรงกันข้ามกับจิตรกรรมคลาสสิกและเรอเนซองส์ ไม่มีความสนใจในการสร้างแบบจำลองปริมาตรและการถ่ายโอนพื้นที่ พวกมันแบน ธรรมดา และไม่มุ่งมั่นที่จะสร้างโลกรอบตัวพวกมันขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำ
การสร้างแบบจำลองพลาสติกปรากฏขึ้นอีกครั้งในผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 และต้นศตวรรษที่ 14 โดยเฉพาะ Giotto ในอิตาลีระหว่างยุคเรอเนซองส์ ภาพปูนเปียกแพร่หลายอย่างผิดปกติ ในผลงานของพวกเขา ศิลปินในยุคนี้พยายามที่จะบรรลุความคล้ายคลึงกับความเป็นจริงสูงสุด พวกเขาสนใจในการถ่ายทอดปริมาตรและพื้นที่เป็นหลัก
ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูงก็เริ่มทดลองเทคนิคการวาดภาพด้วย ใช่แล้ว องค์ประกอบ พระกระยาหารมื้อสุดท้าย Leonardo da Vinci ในห้องโถงของอาราม Santa Maria delle Grazie ในมิลานถูกทาสีด้วยน้ำมันบนพื้นผิวผนังที่เตรียมไว้ไม่ดี อย่างไรก็ตาม มันได้รับความเดือดร้อนอย่างมากเมื่อเวลาผ่านไป และกลายเป็นสิ่งที่แทบจะแยกไม่ออกจากการอัปเดตในภายหลัง ในศตวรรษที่ 16-18 ในการวาดภาพอนุสาวรีย์ของอิตาลีมีความปรารถนาเพิ่มขึ้นในความเอิกเกริกการตกแต่งและภาพลวงตา
6. ภาพวาดอนุสาวรีย์และกระจกสี
ศิลปะที่เกิดในสุสานใต้ดิน
หัวข้อของเราในวันนี้คือภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ของยุคกลาง ผู้ฟังจะจำได้ว่าสิ่งสำคัญสำหรับฉันคือการแสดงศิลปะยุคกลางในรูปแบบ ประเภท และขนาดที่หลากหลาย ฉันยังได้เน้นย้ำถึงความหมายของหนังสือ หนังสือภาพ วัตถุพิธีกรรม และอื่นๆ แต่เช่นเดียวกับในยุคอื่นๆ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ย่อมมีสถานะและความหมายที่พิเศษมากโดยธรรมชาติ ยุคกลางไม่มีข้อยกเว้นที่นี่ ศิลปะยุคกลาง คือ ศิลปะของวัด สำหรับวัด ที่วัด ภายในวัด และแม้ว่าจะอยู่นอกพระวิหารก็ตาม แต่ก็สมส่วนกับพระวิหารแห่งนี้ ซึ่งขณะเดียวกันทำหน้าที่เป็นบ้านแห่งการสวดภาวนา บ้านแห่งการรวมตัวของผู้คน และบ้านที่พระเจ้าทรงประทับอยู่
ตลอดยุคกลาง มีการถกเถียงกันอย่างแน่ชัดว่าพระเจ้าทรงสถิตอยู่ในพิธีอย่างไรในขนมปังแปลงสภาพ ทางตะวันตกในศตวรรษที่ XI-XII ข้อพิพาทเหล่านี้รุนแรงมาก ในท้ายที่สุด ดังที่เราทราบ ความเชื่อเกี่ยวกับการมีอยู่จริงของพระกายของพระเจ้าในขนมปังและเหล้าองุ่นที่ผ่านการพิสูจน์แล้วก็ได้รับการยอมรับ พระวรกายและพระโลหิตของพระคริสต์มีอยู่ ซึ่งหมายความว่าในขณะที่ศีลมหาสนิท “พระเจ้าทรงสถิตกับเรา” นั่นคือ พระเจ้าทรงอยู่ที่นี่และเดี๋ยวนี้ ซึ่งหมายความว่าศิลปะที่ประดับพระวิหารควรสะท้อนความคิดถึงความยิ่งใหญ่ของพระเจ้าและการสถิตอยู่ของพระองค์ที่นี่กับเรา
ในขณะเดียวกัน ภาพวาดอันยิ่งใหญ่ของยุคกลางก็ถือกำเนิดขึ้นในสถานการณ์ที่ไม่เป็นที่จดจำโดยสิ้นเชิง ดังที่คุณทราบ เหล่านี้คือสุสานโรมัน นี่เป็นภาพวาดคริสเตียนรูปแบบแรกที่เรารู้จักโดยทั่วไป แต่ควรระลึกไว้ว่าการวาดภาพซึ่งมีข้อยกเว้นที่หายากนั้นไม่ได้มีขนาดหรือรูปแบบที่ยิ่งใหญ่เลย แม้ว่างานที่กำหนดโดยศิลปินคริสเตียนรุ่นแรกจะยังคงมีความเกี่ยวข้องตลอดยุคกลางของคริสเตียนก็ตาม ตัวอย่างเช่น “เยาวชนสามคนในเตาไฟที่ลุกเป็นไฟ” ในสุสานใต้ดินแห่งพริสซิลลาเป็นภาพของการสวดภาวนาแห่งความรอด
รูปปลาที่มีขนมปังห้าก้อนเป็นภาพสัญลักษณ์ของพระคริสต์และขนมปังศีลมหาสนิท พระคริสต์องค์เดียวกัน แม้ว่าภาพดังกล่าวจะเป็นเรื่องของอดีต แต่ก็ไม่ได้รับความนิยมในยุคกลางหรือยุคกลางคลาสสิกเหมือนในยุคกลางตอนต้น นี่ไม่ได้หมายความว่าคริสเตียนในยุคต่อๆ ไปจะไม่เข้าใจภาพเหล่านั้น
ในทำนองเดียวกัน การวางฉากจากพันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่บนผนังที่อยู่ติดกันก็กลายเป็นภาษาที่มีเอกลักษณ์เฉพาะของศิลปะคริสเตียนเช่นกัน ดังที่เราได้เห็นแล้วในหนังสือย่อส่วน สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำอีกบนผนังของพระวิหาร ควรคำนึงว่าในยุคของสุสานส่วนใหญ่มักจะไม่เรียงกันเป็นแถวในวงจรสัญลักษณ์ - พวกเขาสามารถแยกจากกันและเห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้สอดคล้องกับการจ้องมองของผู้เชื่อ อย่าพูดว่า "การจ้องมองของผู้เชื่อ" แต่เป็น "การจ้องมองของผู้เชื่อ" เราคาดหวังอะไรจากคนที่ดูภาพจิตรกรรมฝาผนังเช่นนี้? ประการแรก ความเข้าใจที่มีชีวิตในพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์และความสามารถในการเชื่อมโยงประวัติศาสตร์ของพันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่กับประวัติชีวิตของตนเอง และดึงบทเรียนสำหรับตนเองจากจิตรกรรมฝาผนังเล็กๆ เรียบง่าย และมักจะหยาบคายเหล่านี้
ในภาษาของอาณาจักรที่ดัดแปลง
เมื่อศิลปะคริสเตียนหลุดออกมาจากที่ซ่อนในความหมายที่แท้จริงของคำ ศิลปะนั้นพูดถึงภาษาของจักรวรรดิที่คอนสแตนตินฟื้นคืนชีพขึ้นมา สิ่งนี้มองเห็นได้ชัดเจนในตัวอย่างงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของยุคพาลีโอคริสตและยุคกลางตอนต้น นี่เป็นยุคเปลี่ยนผ่านซึ่งเราได้พูดถึงไปแล้วมากกว่าหนึ่งครั้ง - ศตวรรษ IV-VI นี่เป็นช่วงเวลาที่ศาสนาคริสต์กลายเป็นศาสนาอย่างเป็นทางการศาสนาหนึ่ง จากนั้นจึงเป็นศาสนาราชการที่สำคัญที่สุด และในที่สุดก็เป็นศาสนาเดียวที่ได้รับอนุญาต ถ้าเราเปรียบเทียบภาพโมเสคของพระคริสต์แห่งโลกาวินาศ พระคริสต์แห่งการเสด็จมาครั้งที่สอง ที่กำลังเดินบนก้อนเมฆ กับพื้นหลังของท้องฟ้าสีครามและไม่มีที่สิ้นสุด กับรูปปั้นของนักปราศรัยชาวโรมันคลาสสิก แล้วความเชื่อมโยงนี้จะชัดเจนอย่างสมบูรณ์ พวกเราเช่นเดียวกับที่นักวิจัยหลักหลายคนในงานศิลปะนี้เห็นได้ชัด - Andre Grabar, Ernst Kantorovich
โมเสกดังกล่าวมีอยู่ทั่วโลกในทะเลเมดิเตอร์เรเนียน ทางตะวันออกของอิตาลี รวมถึงอิตาลีด้วย ในกรุงโรมมีโบสถ์หลายแห่ง แม้ว่ากระเบื้องโมเสกจำนวนมากจะต้องทนทุกข์ทรมานเป็นครั้งแรก แต่จากนั้นก็มาจากการบูรณะอย่างกระตือรือร้นในศตวรรษที่ 19 เช่น Santa Pudenziana โดยทั่วไปแล้ว โมเสกเหล่านี้จะคงไว้ซึ่งการยึดถืออย่างน้อยที่สุด และโดยทั่วไปแล้วจะคงไว้ซึ่งสไตล์ของผู้สร้างสรรค์ แน่นอนว่าเสื้อคลุมสีทองบนไหล่ของพระคริสต์บนบัลลังก์นั้นอดไม่ได้ที่จะแนะนำผู้ชมของจักรวรรดิตอนปลายให้นึกถึงภาพของดาวพฤหัสบดี Capitoline และจักรพรรดิผู้ได้รับชัยชนะ เช่นเดียวกับภาพผู้พลีชีพสวมเสื้อคลุมสีขาวมีเส้นสีม่วงเลือดหมายถึงภาพสมาชิกวุฒิสภาผู้พิพากษาพูดอย่างมีศักดิ์ศรีต่อจักรพรรดิ์แห่งโลก เช่นเดียวกับที่วุฒิสมาชิกทางโลกต้องแสดงความเคารพต่อผู้มีอำนาจทางโลก เช่นเดียวกับผู้พลีชีพจากสวรรค์ซึ่งเป็นเจ้าคณะของเราที่อยู่ต่อหน้าสวรรค์ ก็สวมมงกุฎของเขาขึ้นสู่บัลลังก์ของผู้สูงสุดเช่นกัน
รูปมนุษย์และรูปเทวดา
ในขณะเดียวกัน คริสเตียนยุคแรกก็กลัวภาพลักษณ์ของบุคคล สิ่งนี้ไม่สามารถมีอิทธิพลต่อการวาดภาพขนาดมหึมาได้ เช่นเดียวกับการวาดภาพประเภทอื่นๆ จดหมายของ Pavlinus Nolansky แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความกลัวของชาวโรมันที่มีการศึกษาและเคร่งศาสนาต่อหน้าภาพดังกล่าว เพื่อนของเขา Sulpicius Severus (ซึ่งเป็นนักเขียนคนสำคัญเช่นเขา) ขอให้ส่งภาพของเขาเองไปให้เขาดู เพื่อให้ผู้คนสามารถมองขึ้นไปถึงความร่วมสมัยที่มีคุณธรรมของเขา และเขาก็ตอบเขาว่า:“ คุณต้องการภาพลักษณ์อะไรจากฉัน - บุคคลในสวรรค์หรือบนโลก? อันดับแรก? เรารู้ว่าท่านปรารถนาพระฉายาลักษณ์ซึ่งกษัตริย์แห่งสวรรค์ทรงรักในตัวท่าน คุณไม่จำเป็นต้องมีภาพอื่นใดของเรานอกจากภาพที่คุณสร้างขึ้นเอง” แต่นกยูงรู้สึกละอายใจต่อบาปของตนเองและสภาพปัจจุบันของเขา “และการวาดภาพฉันอย่างที่ฉันเป็น” เขากล่าว “เป็นเรื่องน่าละอาย การแสดงว่าฉันเป็นอะไรที่ฉันไม่กล้า”
และความขัดแย้งภายในนี้ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อการจากไปของลัทธินิยมนิยมจากงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่และเหนือสิ่งอื่นใดจากภาพลักษณ์ของมนุษย์ หากเราเปรียบเทียบกับกระเบื้องโมเสคจากยุครุ่งเรืองของอำนาจไบแซนไทน์ซึ่งดังที่เราทราบครอบคลุมพื้นที่ส่วนใหญ่ของตะวันตกเราจะเห็นว่าใบหน้าเหล่านี้ทั้งหมดมีความคล้ายคลึงกันมากในบางแง่แม้ว่าจะไม่ได้หมายความว่าพวกมันทั้งหมด คล้ายกันมาก; นี่ไม่ได้หมายความว่าการวาดภาพบุคคลหายไปอย่างสิ้นเชิง แต่ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ไม่ได้ถูกเรียกตามลักษณะเฉพาะของชีวิตอินทรีย์บนโลกนี้ แต่เรียกร้องคุณค่าเหนือธรรมชาติ
ดังนั้น เหล่าทูตสวรรค์จึงเตือนเราถึงพระคริสต์ด้วยดวงตาที่เบิกกว้าง และผู้คนเมื่อเงยหน้าขึ้นมองพวกเขาก็พยายามเลียนแบบใบหน้าของทูตสวรรค์เหล่านี้ด้วย ผู้เชื่อที่เป็นคริสเตียนจะต้องปลูกฝังความเป็นทูตสวรรค์ในตัวเอง แม้ว่ามนุษย์จะไม่มีปีก แต่จริงๆ แล้วผู้อ่านก็รู้ว่าทูตสวรรค์ไม่มีปีกเลย ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะบางคนกล่าวว่าปีกเหล่านี้ Fritz Sachsl โดยทั่วไปแล้วมาในการยึดถือคริสเตียนจากการยึดถือโบราณนั่นคือจริง ๆ แล้วพวกมันถูกถอดออกจากด้านหลังของเทพีแห่งชัยชนะ Nike ทูตสวรรค์ไม่จำเป็นต้องประกาศชัยชนะ แต่เขาเป็นเพียงผู้ส่งสารของพระเจ้าเท่านั้น แต่ดังที่นักเขียนในยุคกลางกล่าวไว้ บางครั้งพวกเขาก็ตระหนักว่าเทวดาไม่มีปีก ศิลปินพรรณนาถึงปีกเหล่านั้นเพราะเทวดาเคลื่อนไหวเร็วมาก และมนุษย์นึกภาพไม่ออกว่าจะเคลื่อนที่อย่างรวดเร็วในอากาศโดยไม่มีปีกได้อย่างไร เพราะทุกสิ่งที่บินต่อหน้าต่อตาเขา (ไม่ว่าจะเป็นแมลง แมลงเต่าทอง หรือนกในอากาศ) ล้วนบินด้วยปีกช่วย ดังนั้น ตรรกะนี้จึงแข็งแกร่งอย่างสมบูรณ์ และศิลปะของตรรกะนี้ก็ดำเนินไปอย่างสมบูรณ์
ตะวันออกในใจกลางตะวันตก
ไบแซนเทียมกลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจที่สำคัญมากตลอดยุคกลาง โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ทั้งในตะวันออกและตะวันตก แม้ว่าตะวันตกจะไม่รวมอยู่ในขอบเขตของชุมชนไบแซนไทน์ - ในแง่ที่ว่าการศึกษาไบแซนไทน์คลาสสิกที่ Dmitry Obolensky ใส่เข้าไป - ในชีวิตของศิลปะอิทธิพลที่คงที่ของโลกกรีกออร์โธดอกซ์กรีก - สลาฟที่บางครั้งเป็นมิตรบางครั้ง ค่อนข้างชัดเจน เห็นได้ชัดว่าเป็นเพราะอนุสรณ์สถานของศิลปะไบแซนไทน์ตั้งอยู่ในอาณาเขตของโลกคาทอลิก นี่คือตัวอย่างราเวนนา
มหาวิหารอันยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 6 ในความเป็นจริงพวกเขาเห็นจักรพรรดิโรมันตะวันตกจำนวนมากภายในกำแพงของพวกเขา - ชาร์ลมาญ, ออตโตที่ 2, ออตโตที่ 3 ซึ่งน่าจะเป็นเฟรดเดอริกที่ 2 บาร์บารอสซา ฯลฯ พวกเขาทั้งหมดอยู่ที่นี่ และแน่นอน ในทางใดทางหนึ่ง แม้ว่าจะไม่ได้บันทึกไว้โดยแหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษรก็ตาม อนุสาวรีย์เหล่านี้ก็ฉายแสงความยิ่งใหญ่สู่จิตใจและจิตใจของผู้คนในศตวรรษต่อ ๆ ไปหากคุณต้องการ ดังนั้น ในการบรรยายของเรา เราอดไม่ได้ที่จะพูดอย่างน้อยสั้นๆ เกี่ยวกับอนุสรณ์สถานเหล่านี้
ดังที่เราเห็น อนุสาวรีย์ในยุคแรกๆ นั้นเป็นมหาวิหาร และในมหาวิหารใดๆ ความหมายโดยนัยที่สำคัญที่สุดคือมุขที่มีแท่นบูชาหลัก ซึ่งมักยกขึ้นเหนือพื้น มันถูกยกขึ้นเพื่อให้ทุกคนสามารถเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นด้านบนได้ และเพื่อบ่งบอกถึงลำดับชั้น นักบวชจะสูงกว่าโลกเสมอ แหกคอกมักพรรณนาถึงพระคริสต์ Pantocrator หรือพระแม่มารี ดังเช่นใน San Vitale ในบางกรณีที่พบไม่บ่อยนัก อาจเป็นนักบุญในท้องถิ่น เช่นเดียวกับในโบสถ์ Sant'Apollinare ใน Classe แต่อาจมีความองอาจในเรื่องนี้ด้วย เห็นได้ชัดว่า Santo Palinare ดูเหมือนจะแข่งขันกับ Basilica of St. Vitali ก่อนหน้านี้
และที่นี่เราเห็นอีกครั้งว่านักบุญไม่ได้แสดงให้เห็นโดยตัวเขาเอง แต่ในสวนเอเดนในสวรรค์บนดินซึ่งในทางกลับกันมีความเกี่ยวข้องกับสวรรค์บนสวรรค์ที่เปิดเผยต่อเราในฉากของการเปลี่ยนแปลง ไม้กางเขนล้อมรอบด้วยลูกแกะสามตัวและร่างของเอลียาห์และโมเสส ซึ่งบ่งบอกว่านี่คือภาพสัญลักษณ์ของการเปลี่ยนแปลงพระกาย นั่นคือฉากเฉพาะของพันธสัญญาใหม่ ตรงกลางตรงทางแยกของไม้กางเขนเราเห็นรูปพระคริสต์ยาวประมาณบ่าซึ่งแทบจะมองไม่เห็นจากระยะไกล นี่คือการจำแลงพระกายซึ่งมีนักบุญประจำท้องถิ่นอยู่ที่นั่น ซึ่งมีพระธาตุอยู่ใต้สังข์นี้ และลูกแกะ 12 ตัวเป็นรูปของอัครสาวก 12 คนและพวกเราทุกคนคนบาปจำนวนมากที่ขึ้นสู่สวรรค์โดยคำอธิษฐานของนักบุญในท้องถิ่น ด้านล่างนี้คือสัตว์เลี้ยงลูกด้วยนมของคริสตจักร
เห็นได้ชัดว่าเรามีโปรแกรมเทววิทยาที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวมาก่อนเรา ไม่ใช่เรื่องง่าย ฉันพิจารณามันเพียงช่วงสั้นๆ มันสามารถตีความได้เป็นเวลานานมากภายใต้กรอบของศิลปะไบแซนไทน์ เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเราในตอนนี้ที่จะต้องเข้าใจว่ามรดกไบแซนไทน์ในรูปแบบของเทคนิคการวาดภาพที่มีชื่อเสียงที่สุด แพงที่สุด และทนทานที่สุดนี้ถูกส่งต่อไปยังยุคกลางตะวันตก
ตัวอย่างทั่วไปของการชื่นชมไบแซนเทียมคืออาณาจักรซิซิลีในสมัยของ Hautvilles และราชวงศ์นอร์มันและวัดที่มีชื่อเสียงของซิซิลี - ปาแลร์โมมอนเรอัลและเซฟาลู เหล่านี้คือวัดที่รอดมาได้ แต่ยังมีอีกมากอย่างไม่ต้องสงสัย แม้ว่าสิ่งเหล่านี้จะเป็นคำสั่งของกษัตริย์ก็ตาม ดังนั้นทั้งระดับของการดำเนินการโมเสกเหล่านี้และความยิ่งใหญ่ของแผนจึงเกี่ยวข้องกับโอกาสทางเศรษฐกิจที่ไม่สามารถจินตนาการได้อย่างสมบูรณ์ในเวลานั้น โอกาสดังกล่าวถูกฝันถึงในศตวรรษที่ 12 อาจมีเพียงคอนสแตนติโนเปิลและศูนย์กลางที่ใหญ่ที่สุดที่มีการค้าขายกับไบแซนเทียมโดยเฉพาะกับเวนิสเป็นหลัก
ในเมืองเวนิส มหาวิหารเซนต์. มาร์กยังรักษาวัฏจักรโมเสกไบแซนไทน์ที่สำคัญที่สุดแห่งหนึ่งไว้ด้วย และเราจะไม่พบการอนุรักษ์วัฏจักรดังกล่าวในอาณาเขตของไบแซนเทียม และในระดับหนึ่ง สิ่งเหล่านี้สะท้อนถึงประสบการณ์ไบเซนไทน์
แต่ในฐานะผู้เชี่ยวชาญที่ดีที่สุดในงานโมเสกเหล่านี้ ออตโต เดมุส นักประวัติศาสตร์ศิลปะชาวออสเตรีย ได้รับการวิเคราะห์อย่างถูกต้อง ระบบนี้แสดงให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงของการวาดภาพอนุสาวรีย์แบบไบแซนไทน์แบบดั้งเดิมไปพร้อมๆ กัน สิ่งสำคัญคือต้องเข้าใจว่าเทคนิคและองค์ประกอบไบแซนไทน์กำลังได้รับการเปลี่ยนแปลงเพื่อแก้ไขปัญหาใหม่ ระบบคลาสสิกของโมเสกไบแซนไทน์ที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 11 มันถูกออกแบบมาสำหรับคริสตจักรที่เหมือนกับมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์แห่งเดียวกัน มาร์กกำลังมุ่งเน้นไปที่โบสถ์อัครสาวกสิบสองในกรุงคอนสแตนติโนเปิล แต่คริสตจักรตะวันตกส่วนใหญ่ยังไม่มีโดม แต่มีธีมของมหาวิหารที่แตกต่างกันออกไป เช่นเดียวกับใน Cefalu
โมเสกไบแซนไทน์บนเครื่องบินไม่ได้มีความน่าสนใจเท่ากับกระเบื้องโมเสคแบบโค้ง หมุนวน หรือกลายเป็นพื้นผิวกันและกัน ดังนั้นในซานมาร์โกในเวนิส ปรมาจารย์ชาวไบแซนไทน์จึงพบพื้นที่มากเกินไป เป็นที่รู้กันว่ามีนักศึกษาชาวตะวันตกคอยช่วยเหลือพวกเขาที่นั่นด้วย แต่เราต้องคำนึงว่าโมเสกเป็นเทคนิคกรีกอย่างแรกเลย และหากลูกค้ารายใดรายหนึ่งต้องการเห็นโมเสกจริง เขาเรียกว่าชาวกรีก แต่ในขณะเดียวกัน ศิลปะนี้ก็เปราะบางในแง่ของประเพณี . ตัวอย่างเช่นหากสถานการณ์ยากลำบากเช่นในปี 1204 สำหรับคอนสแตนติโนเปิลโมเสกก็จะต้องทนทุกข์ทรมานเป็นอันดับแรก แม้แต่ปูนเปียกก็สามารถสอนได้ในราคาที่ถูกกว่ากระเบื้องโมเสค เพียงเพราะกระเบื้องโมเสคเป็นเทคนิคที่ซับซ้อนมากในด้านลอจิสติกส์ซึ่งต้องใช้ทรัพยากรที่น่าทึ่ง
และในเวลาเดียวกัน ดังที่เห็นได้ในตัวอย่างวัฏจักรอันโด่งดังของโบสถ์แห่งพระผู้ช่วยให้รอดใน Chora ในกรุงคอนสแตนติโนเปิล (ปัจจุบันคือ Kahriye Jami) โมเสกเป็นรูปแบบหนึ่งของการวาดภาพที่ออกแบบมาเพื่อสถาปัตยกรรมหมุนวน สำหรับสถาปัตยกรรม ของเส้นโค้งที่ซับซ้อน
ชาวตะวันตกใช้รูปแบบเรียบเป็นหลัก มหาวิหารแห่งนี้สืบทอดมาจากสถาปัตยกรรมยุคกลางจากสถาปัตยกรรมคริสเตียนยุคแรก โดยมีลักษณะเป็นทางเดินยาว ทางเดินกลางโบสถ์ซึ่งสลับกับหน้าต่างและเสา และเมื่อมีกำแพงขนาดใหญ่ในโบสถ์แห่งนี้ ซึ่งสำคัญพอที่จะรองรับวงจรการสอนได้ เมื่อมีเงินทุนสำหรับสิ่งนี้ อนุสาวรีย์ก็เกิดขึ้น
สมัยโรมาเนสก์และก่อนหน้า
นี่คือวิธีที่วงจรการวาดภาพที่น่าทึ่งอย่างยิ่งเกิดขึ้นบนเส้นทางแห่งพลังเหล่านี้ซึ่งรอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ด้วยวิธีที่น่าทึ่งยิ่งกว่าเดิม ตัวอย่างเช่น ภาพจิตรกรรมฝาผนังหลายภาพสร้างขึ้นราวๆ 800 ภาพในวัดเซนต์ปีเตอร์ John ในเมือง Müstair ในเขต Grisons ทางตะวันออกของสวิตเซอร์แลนด์ ที่ซึ่งนักท่องเที่ยวสมัยใหม่ไม่ค่อยได้ก้าวเท้าเข้ามา
หรือวัฏจักรที่ยอดเยี่ยมอีกวงจรหนึ่งที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างดีแม้ว่าจะได้รับการต่ออายุบางส่วนก็ตาม - ในโบสถ์เซนต์ จอร์จบนเกาะ ไรเชอเนา. จิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันโดยปรมาจารย์รุ่นเดียวกันกับที่มีการสร้างต้นฉบับออตโตเนียนที่มีชื่อเสียงซึ่งได้กลายเป็นหัวข้อของการวิเคราะห์ของเราแล้ว
บ่อยครั้งที่โปรแกรมภาพของวัดถูกจำกัดเนื่องจากขาดเงินทุนหรือด้วยเหตุผลอื่นบางประการสำหรับศูนย์กลางเชิงสัญลักษณ์เชิงความหมาย (ไม่ใช่รูปทรงเรขาคณิต แต่เชิงความหมาย) ของวัด - นี่คือแท่นบูชา แอพดังกล่าวจำนวนมากรอดชีวิตมาได้ บางครั้งสามารถชมสิ่งเหล่านี้ได้แม้จะอยู่ในพิพิธภัณฑ์ก็ตาม
จิตรกรรมฝาผนังใน Taula, Catalonia
ก่อนอื่นนี่คือพิพิธภัณฑ์ศิลปะยุคกลางที่ยอดเยี่ยมที่คุณควรพยายามเข้าไป - พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติคาตาโลเนียในบาร์เซโลนา ที่นี่เราจะเห็นและใคร่ครวญอย่างสงบและถ่ายภาพชิ้นส่วนที่เก็บรักษาไว้จากส่วนโค้งของโบสถ์เซนต์ ผ่อนผันใน Taula (คาตาโลเนีย) โดยทั่วไปแล้ว คาตาโลเนียเป็นหนึ่งในโรงเรียนที่ยิ่งใหญ่ ในศตวรรษที่ 12 ส่วนใหญ่เป็นการวาดภาพขนาดใหญ่ จากปริมาณดังกล่าว ไม่มีภาพวาดในช่วงหลายปีที่ผ่านมารอดพ้นจากประเทศใดๆ ในโลก แม้ว่า Novgorod ในยุคกลางคลาสสิกและแม้แต่ในแง่ของการอนุรักษ์ก็แทบจะไม่สามารถหาจำนวนภาพวาดที่ยังมีชีวิตอยู่ได้เท่ากัน
ในคาตาโลเนียมีสถานการณ์พิเศษเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และการคุ้มครองอนุสาวรีย์ได้ตัดสินใจถอดจิตรกรรมฝาผนังออกจากโบสถ์เพื่อรักษาไว้และส่วนใหญ่ถูกนำไปยังเมืองหลวงของภูมิภาคซึ่งพวกเขายังคงอยู่ วันนี้. นี่เป็นวิธีเฉพาะในการอนุรักษ์เนื้อหาทางศิลปะ ซึ่งนักประวัติศาสตร์ศิลปะมีทัศนคติที่แตกต่างกันมาก การแยกส่วนออกจากบริบททางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมถือเป็นอาชญากรรมต่ออนุสาวรีย์แห่งนี้ แต่หากพิจารณาในแง่สละสลวย ความยากลำบากบางประการของสเปนในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ขอบคุณพระเจ้าที่อย่างน้อยก็มีบางสิ่งบางอย่างถูกเก็บรักษาไว้
ดังนั้น ในส่วนที่แหกคอกนี้ เรามักจะเห็นภาพแห่งความยิ่งใหญ่ของพระเจ้า (Majestas Domini) หรือแม้แต่เพียง Majestas ก็ตาม ดังที่เรียกกันในวรรณคดีประวัติศาสตร์ศิลปะ คำนี้ค่อนข้างเป็นยุคกลาง ฉันเสนอให้ถ่ายทอดด้วยคำศัพท์ภาษารัสเซียโบราณว่า "พระเจ้าผู้ทรงอำนาจ" นั่นคือความหมายก็คือพระเจ้าทรงพรรณนาที่นี่ในฐานะกษัตริย์และผู้พิพากษาผู้มีอำนาจทั้งหมด ในที่นี้อาจมีการแสดงภาพพระมารดาของพระเจ้าและพระกุมารไม่บ่อยนัก เหล่านี้เป็นสองวิชาหลักสำหรับแหกคอก
ดูเหมือนว่าทุกอย่างจะเกิดขึ้นซ้ำๆ กัน เราเห็นนักบุญ ผู้ประกาศข่าวประเสริฐทั้งสี่คนมีสัญลักษณ์ของพวกเขา นอกจากนี้เรายังเข้าใจด้วยว่าหากเราอ่านรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะยุคกลางว่าภาพทั้งหมดเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของประเพณีตะวันออกและยุคโรมาเนสก์ไม่ได้ประดิษฐ์สิ่งพิเศษใด ๆ ที่นี่ แต่ในประเพณีไบแซนไทน์ ผู้ทรงอำนาจของผู้สร้างไม่ยอมให้มีรายละเอียดที่ไม่จำเป็นใดๆ เลย แม้แต่รุ้ง (รุ้งธรรมดามาก แต่เป็นรุ้งอย่างแน่นอน) ซึ่งพระเจ้าจาก Apocalypse นั่งอยู่ - นี่อาจดูเหมือนเป็นรายละเอียดที่ไม่จำเป็นอยู่แล้วซึ่งเบี่ยงเบนความสนใจไปจากแก่นแท้ เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับลักษณะที่แปลกประหลาดของรอยพับโรมาเนสก์อันโด่งดัง ซึ่งงานเหล่านี้มักจะสามารถระบุวันที่หรือระบุแหล่งที่มาได้ รอยพับเขียนได้เยี่ยมยอด แต่มีเงื่อนไขมาก พวกเขาปฏิเสธน้ำหนักของร่างกาย ศักดิ์ศรีแบบคลาสสิก ซึ่งศิลปะกรีกยังคงซื่อสัตย์ตลอดประวัติศาสตร์
นอกจากนี้เรายังเห็นว่าสัญลักษณ์ของผู้ประกาศข่าวประเสริฐนั้นมีรูปเทวดาอยู่ด้วย และถ้าคุณมองใกล้ ๆ ทูตสวรรค์ก็จะคว้าสิงโตมีปีกของนักบุญด้วยอุ้งเท้า ยี่ห้อ. แน่นอนว่าเสรีภาพดังกล่าวเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงเลยในประเพณีกรีก มันคงเป็นเพียงงานศิลปะล้อเลียนบางประเภท และจะไม่มีวันได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมโปรแกรมอันยิ่งใหญ่ที่ดำเนินการด้วยความเอาใจใส่และสีสันอันล้ำค่าเช่นนี้
เห็นได้ชัดว่าโบสถ์เซนต์. Clement in Taula เป็นอนุสาวรีย์ชั้นหนึ่ง นี่เป็นผลงานชิ้นเอกที่สมควรได้รับการวิเคราะห์ที่ซับซ้อนของตัวเอง มีความรู้สึกว่ารูปร่างของพระคริสต์นั้นเหนือกว่ารูปร่างอื่นๆ ทั้งหมด ไม่ใช่เพราะมันอยู่เบื้องหน้าสัมพันธ์กับเบื้องหลัง ไม่ว่าในกรณีใดจะมีสิ่งนี้ ขนาดของมันเช่นเดียวกับแก้วหูทางวัฒนธรรมมีความสัมพันธ์กับความสำคัญที่แนบมากับตัวเลขนี้
และหน้าที่ที่สำคัญอีกประการหนึ่งของรูปเคารพอันยิ่งใหญ่ของเทพก็คือมันเรืองแสงและแผ่พลังงาน ซึ่งส่งผ่านไปยังทุกคนที่อยู่ในที่เกิดเหตุ แต่หากตามประเพณีไบแซนไทน์มีแสงภายในเพียงพอที่จะสื่อถึงความว่างเปล่าและในเวลาเดียวกันก็เต็มไปด้วยพื้นหลังสีอ่อนที่ทำจากทองคำ แน่นอนว่าในภาพวาดโรมาเนสก์ไม่มีเงินสำหรับทองคำเพราะไม่สามารถพรรณนาได้ ด้วยความช่วยเหลือของสี แต่สำหรับศิลปินโรมาเนสก์สำหรับฉันแล้วการดูภาพดังกล่าวเป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องเชื่อมโยงองค์ประกอบด้วยทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ตัวอย่างเช่น พื้นหลังที่แบ่งออกเป็นอันดับและระดับประกอบด้วยสามสี และสีเหล่านี้ดูเหมือนไม่มีอำเภอใจเลย ในจำนวนนี้สีน้ำเงินเข้มของแมนดอร์ลาและเสื้อคลุมของพระเจ้าบางส่วนและชั้นล่างนั้นเป็นที่ยอมรับไม่มากก็น้อย ถัดมาเป็นสีเหลืองซึ่งค่อนข้างเข้าใจได้ในประเพณีของสเปน พวกเขาชอบสีเหลือง และสีดำที่เข้าใจยากโดยสิ้นเชิง
ศิลปินพยายามเชื่อมโยงสิ่งศักดิ์สิทธิ์ที่สุดกับโลกของผู้คนโดยใช้ทุกวิถีทางที่มี และความจริงที่ว่าทูตสวรรค์คว้าหางของทั้งสิงโตและวัวมีปีกและถือนกอินทรีของเซนต์จอห์นเหมือนสมบัติ - จากมุมมองสมัยใหม่เท่านั้นที่จะเห็นอารมณ์ขันในเรื่องนี้ สำหรับสายตาของชาวคาตาลันในศตวรรษที่ 12 หากพูดเชิงเปรียบเทียบแล้ว มันคือการเชื่อมโยงในสายโซ่ หากคุณลบตัวเลขเหล่านี้ออก คุณจะได้ตารางลวดลายทางสถาปัตยกรรม ซึ่งก็คือแมนดอร์ลา จากนั้นเราจะเพิ่มตัวเลขหลักที่นี่ วาดท่าทางของพวกเขา และเราจะได้องค์ประกอบที่เชื่อมกันอย่างน่าประหลาดใจ และไม่ว่าเราจะเริ่มต้นจากจุดสิ้นสุดใดจากมุมจากด้านล่างหรือจากด้านบนเพื่ออ่านองค์ประกอบนี้ในที่สุดมันก็จะนำเราไปสู่ภาพหลักและทางด้านซ้ายของพระเจ้าเราจะเห็นคำจารึก: “ ฉันคือแสงสว่างของโลก” นี่คือข้อความที่เชิญชวนให้เราพูดคุยกับเทพ แม้ว่าเขาจะแยกตัวออกจากโลกของเราเป็นลำดับชั้นก็ตาม เขามองอยู่ก็ต้องเน้นย้ำใส่เรา
ในภาพนี้พระแม่มารีอยู่กับพระคริสต์ ดูเหมือนว่ามีอะไรพิเศษมาก? แทบไม่มีอะไรพิเศษ ยกเว้นว่านี่คือโบสถ์ที่ตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ก่อนหน้านี้ ดังนั้นพวกเขาจึงดูเหมือนมีการเจรจากัน มีพระเจ้าแห่งการพิพากษาครั้งสุดท้าย นี่คือพระเจ้าที่ประสูติ แต่เป็นพระเจ้าที่สวมชุดคลุมแล้ว ในมือของเขาเขาถือม้วนข่าวประเสริฐ ต่อหน้าเราไม่ได้เป็นเพียงภาพของพระมารดาของพระเจ้ากับพระบุตรเท่านั้น - ภาพบนบัลลังก์ในแมนดอร์ลาซึ่งเป็นภาพที่แสดงให้เห็นถึงความมีอำนาจทุกอย่างของพระเจ้า แต่ยังเป็นพระเจ้าที่จุติมาด้วย ไม่เพียงเท่านี้ นี่คือฉากการสักการะของพวกโหราจารย์ - พวกโหราจารย์ทั้งหมดลงนามแล้วดาวดวงหนึ่งกำลังลุกไหม้ทั้งสองด้าน (เป็นตรรกะที่มีสองดวงในองค์ประกอบ)
ความไร้สาระดังกล่าวอาจดูไร้สาระสำหรับคุณและฉันเท่านั้นที่มีดาวสองดวงแม้ว่าพระคัมภีร์จะพูดถึงดาวดวงเดียวก็ตาม การวาดภาพมีความสามารถในการเพิ่มเติมเชิงตรรกะได้ค่อนข้างมากตามกฎหมายของตัวเอง ลองนึกภาพว่าหนึ่งในสามของ Magi-kings มีดาว แต่อีกสองดวงไม่มี คำถามเชิงตรรกะเกิดขึ้น แล้วคำถามเหล่านั้นล่ะ? พวกเขามาได้อย่างไร? นั่นคือการวาดภาพมีเหตุผลของตัวเอง และอีกครั้งเช่นเดียวกับในคริสตจักรรัสเซียและในไบแซนไทน์ซึ่งยังคงรักษาภาพวาดไว้เราจะเห็นว่าภายใต้ฉากที่เหนือธรรมชาติมักจะมีร่างของบิชอพนั่นคือนักบุญอยู่เหนือแท่นบูชา บ่อยครั้งคนเหล่านี้เป็นนักบุญในท้องถิ่น และบางครั้งที่นี่คุณยังสามารถพบ ktitors (หรือผู้บริจาค - ชื่อนี้อยู่ในประเพณีตะวันตก) หากบุคคลใดใช้เวลาทั้งฝ่ายวิญญาณ ฝ่ายวัตถุ และฝ่ายกายในการสร้างวัดแห่งนี้จริงๆ เขาก็สามารถอ้างสิทธิ์ในพระราชวังแห่งสวรรค์ได้
Sant'Angelo ใน Formis, กัมปาเนีย
เมื่อถึงศตวรรษที่ 11 ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่เช่นนี้ในยุโรปตะวันตกเติบโตอย่างรวดเร็วอย่างน่าทึ่ง อนุสาวรีย์แห่งหนึ่งคือ Sant'Angelo in Formis ซึ่งเป็นอารามในกัมปาเนียใกล้กับเนเปิลส์ ซึ่งสามารถไปถึงได้โดยรถบัสภายในเวลาประมาณหนึ่งชั่วโมง โบสถ์อารามได้รับการอนุรักษ์ให้อยู่ในสภาพดีมาก โดยเป็นวงจรจิตรกรรมฝาผนังที่สร้างขึ้นในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 11 ด้วยการมีส่วนร่วมโดยตรงของสำนักสงฆ์ที่ใหญ่ที่สุดในยุคนั้น Monte Cassino Monte Cassino ยังไม่ได้รับการอนุรักษ์ไว้จริง ๆ มีเพียงห้องสมุดเท่านั้นที่รอดชีวิต แต่สิ่งที่เป็นยุคกลางยังคงอยู่และสูญหายไปในสงครามโลกครั้งที่สอง ดังนั้น Sant'Angelo ใน Formis จึงแสดงตัวอย่างภาพวาดที่เราเรียกว่าโรมาเนสก์ในรูปแบบคลาสสิก
เราเห็นว่าภาพลักษณ์ของ Pantocrator โดดเด่นด้วยพลังทางอารมณ์อันเหลือเชื่อ แต่เมื่อคุณเข้าไปในวิหาร (ไม่ใช่โดยบังเอิญที่ฉันฉายสไลด์แปลก ๆ ออกมา) คุณจะมีดวงอาทิตย์ Campanian ที่สว่างไสวอย่างไม่น่าเชื่ออยู่ข้างหลังคุณ และวิหารก็อยู่ในยามพลบค่ำ คุณสามารถบอกฉันได้อย่างสมเหตุสมผลว่าไม่มีอะไรปรากฏที่นี่ คุณค่อย ๆ คุ้นเคยกับแสงที่หายากนี้เท่านั้นหน้าต่างก็เล็ก แต่ถ้าดวงอาทิตย์ตกบนจิตรกรรมฝาผนังความชัดเจนในการสอนความสมบูรณ์และในขณะเดียวกันก็มีเนื้อหาที่สมบูรณ์ชัดเจน
ต่อหน้าเราเป็นภาพคู่ขนานของประวัติศาสตร์ของพันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่โดยเน้นที่ชีวิตทางโลกของพระคริสต์โดยธรรมชาติเกี่ยวกับความหลงใหล (ความทุกข์ทรมาน) ความตายบนไม้กางเขนและการพิพากษาครั้งสุดท้าย
แต่ทุกอย่างเริ่มต้นด้วยการสร้างโลก และการพลีพระชนม์ชีพเพื่อการชดใช้ของพระคริสต์จะชัดเจนเมื่ออยู่บนผนังฝั่งตรงข้ามคุณเห็นว่าทุกอย่างเริ่มต้นจากที่ใด ตัวอย่างเช่น เรามีการขับไล่อาดัมและเอวาออกจากสวรรค์ต่อหน้าเรา อดัมมีจอบอยู่แล้ว เพราะเขาต้องหาอาหารให้ตัวเองและภรรยาด้วยเหงื่ออาบหน้า พวกเขาทั้งสองร้องไห้เพราะพวกเขาตระหนักถึงสิ่งที่พวกเขาทำ อีฟเกือบจะเปลือยเปล่าเพราะเหตุนี้ถึงแม้จะมีภาพเปลือยที่แปลกประหลาด แต่หน้าอกที่เปลือยเปล่าของเธอก็แสดงออกมาเพราะเธอต้องเลี้ยงลูกและให้กำเนิดด้วยความเจ็บปวด นี่เป็นสิ่งที่ทูตสวรรค์บอกโดยประมาณโดยไม่ปริปาก แต่ในขณะเดียวกันก็รู้สึกสงสารนางฟ้าต่อคนเหล่านี้ซึ่งดูเหมือนไม่เหมาะสมอย่างยิ่งที่นี่ ใบหน้าของทูตสวรรค์ถูกวาดในลักษณะเดียวกับใบหน้าที่ทนทุกข์เพราะบาปของบรรพบุรุษของเราเอง ต่างกันตรงที่คิ้วของเขาไม่ได้ขมวดเป็นท่าทางแห่งความทุกข์ทรมาน เพราะทูตสวรรค์ไม่ทนทุกข์
และกำแพงและห้องใต้ดิน
ภาพวาดอนุสาวรีย์มักจะตั้งอยู่บนผนัง แต่ในบางกรณีที่หายากมากในสมัยโรมาเนสก์ก็สามารถตั้งอยู่บนห้องนิรภัยได้เช่นกัน เมื่อห้องนิรภัยนี้ปรากฏขึ้นประมาณปี 1100 ห้องนิรภัยแบบถังไม้ได้เข้ามาแทนที่เพดานไม้แบบเดิมๆ
ค่อนข้างเป็นไปได้ที่เพดานไม้สามารถตกแต่งด้วยรูปภาพได้เช่นกัน ในบางกรณีซึ่งพบไม่บ่อยนัก สิ่งเหล่านี้จะถูกเก็บรักษาไว้ เช่น ในเมืองซิลลิสในสวิตเซอร์แลนด์ (ศตวรรษที่ 12) โดยทั่วไปแล้ว เราไม่สามารถตัดสินความปลอดภัยของการทาสีบนไม้จากเวลาที่ห่างไกลเช่นนี้ได้
ในศตวรรษที่ 12 เพดานสามารถตกแต่งด้วยวัฏจักรคล้ายกับที่ใช้ตกแต่งผนัง และมันอาจจะอยู่ในประเภทของบูสโตรฟีดอน นั่นคือเรื่องราวในพันธสัญญาเดิมตามเส้นทางของวัว ที่นี่คุณจะได้เรียนรู้เรือโนอาห์ - นี่คือเรื่องราวแห่งความรอด เรื่องราวนี้อ่านโดย boustrophedon และในท้ายที่สุดก็นำคุณไปสู่ Holy of Holies - ไปที่แท่นบูชา ดังนั้น ห้องนิรภัยทั้งหมดจึงถูกเรียกให้ปรับผู้ดูที่เอาใจใส่ ซึ่งสามารถแยกแยะได้อย่างน้อยบางสิ่งบางอย่างในระดับความสูงดังกล่าว ให้เข้ากับอารมณ์ศีลมหาสนิท นี่คือยุคกลางคลาสสิก
กระจกสีเป็นคำตอบของตะวันตก
ในขณะเดียวกัน ในส่วนลึกของอารยธรรมโรมาเนสก์ สิ่งใหม่และสำคัญมากสำหรับการวาดภาพในยุคกลางได้ถือกำเนิดขึ้น เช่น กระจกสี เป็นที่รู้จักในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งในสมัยโบราณ อย่างน้อยก็ในสมัยโบราณตอนปลาย เขามีชื่อเสียงในไบแซนเทียม อย่างที่ทราบกันดีว่าไบแซนเทียมสามารถทำทุกอย่างได้ แต่ไม่ได้ใช้ทุกอย่าง และด้วยความรักของสถาปนิกไบแซนไทน์ในการเล่นแสง โมเสกไบแซนไทน์จึงเข้ามาทำหน้าที่หลักทั้งหมดในการสร้างพื้นที่วิหารที่เป็นรูปเป็นร่างที่ยิ่งใหญ่ หากวิหารไบแซนไทน์ต้องการบอกอะไรบางอย่าง ก็จะบอกเป็นภาพปูนเปียกหรือถ้ามีเงินเพียงพอ ก็บอกเป็นภาพโมเสก
ในโลกตะวันตก บางทีอาจเกิดจากจิตวิญญาณของการแข่งขันกับประเพณีไบแซนไทน์อันน่านับถือในศตวรรษที่ 12 ศิลปะกระจกสีกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน และกระจกสีโดยอนุโลมในประวัติศาสตร์ศิลปะโลกได้กลายมาเป็นการตอบสนองของตะวันตกต่อตะวันออก กระจกสีกลายเป็นภาษาของสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ภายในปี 1200 ยังคงรักษาตำแหน่งไว้จนถึงยุคเรอเนซองส์ในทุกประเทศยกเว้นอิตาลี กระจกสีก็มีอยู่ในอิตาลีเช่นกัน ศิลปะนี้ไม่ได้หายไปไหนและดำรงอยู่จนถึงทุกวันนี้ แม้ว่าจะสูญเสียความเป็นอุปมาอุปไมยและความหมายเชิงอุปมาอุปไมยไปแล้วก็ตาม โดยทั่วไปแล้ว การวาดภาพขนาดมหึมาโดยทั่วไปไม่ใช่กลไกของความก้าวหน้า ไม่เหมือนในยุคกลางหรือยุคเรอเนซองส์ ในช่วงยุคเรอเนซองส์ เรามักเรียกที่นี่ว่าโบสถ์ซิสทีน แต่ทางภาคเหนือ กระจกสีมีชีวิตที่มีสุขภาพดี สมบูรณ์ และสมบูรณ์ตลอดทั้งศตวรรษที่ 16 เป็นอย่างน้อย
ในศตวรรษที่ 12 กระจกสีกำลังพัฒนาโดยเฉพาะในฝรั่งเศส อังกฤษ และดินแดนของจักรวรรดิ โดยเฉพาะในเยอรมนี สามารถตรวจสอบรายละเอียดได้ดังที่เราเห็นในสไลด์นี้ โดยเน้นในพิพิธภัณฑ์เป็นหลัก มันมีประโยชน์มาก 3 ที่นี่เราเห็นเศษกระจกสีจากอารามคลอสเตนอบวร์กในออสเตรีย สว่างจากภายในด้วยแสงไฟฟ้า เราเห็นหน้าต่างกระจกสีนี้ราวๆ ที่นักบวชในศตวรรษที่ 13 เคยเห็นเมื่ออยู่ใกล้เท่านั้น ขณะเดียวกัน หากคุณมองดูรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ของหน้าต่างกระจกสี ก็ไม่สามารถมองเห็นทุกสิ่งได้จากระยะไกล
ตัวอย่างเช่น นี่คือปีกด้านทิศใต้ของอาสนวิหารชาตร์ ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษปี 1220 ข้างหน้าเราที่ด้านบนสุดคือดอกกุหลาบสไตล์โกธิคอันโด่งดัง ใจกลางดอกกุหลาบนี้ เราเห็นพระเจ้ารายล้อมไปด้วยผู้อาวุโส 24 คนของวันสิ้นโลก ในทะเบียนด้านล่าง เราเห็นพระแม่มารีและพระกุมาร ในหอกกลาง ล้อมรอบด้วยผู้เผยพระวจนะผู้ยิ่งใหญ่สี่คนและผู้ประกาศข่าวประเสริฐสี่คน เบื้องหน้าเราคือภาพแห่งความกลมกลืนระหว่างพันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่ พันธสัญญาใหม่รวบรวมพันธสัญญาเดิม ผู้เผยแพร่ศาสนาพูดถึงความสมหวังของคำพยากรณ์ คุณไม่สามารถมองเห็นได้จากระยะไกล แต่ถ้าคุณมีวิสัยทัศน์เพียงพอ คุณสามารถอ่านข้อความที่จารึกไว้ได้ และพวกเขาแสดงให้เราเห็นว่านี่คือผู้เผยพระวจนะสี่คน และพวกเขามีผู้ประกาศสี่คนบนบ่าของพวกเขา
หน้าต่างกระจกสีถูกสร้างขึ้นในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 13 แต่หนึ่งศตวรรษก่อนหน้านั้นในชาตร์เดียวกัน เบอร์นาร์ดแห่งชาตร์ปรมาจารย์ท้องถิ่นผู้มีชื่อเสียงกล่าวว่า:“ คุณและฉันเป็นดาวแคระบนไหล่ของยักษ์ พวกเขามองเห็นได้ไกล วิสัยทัศน์ของพวกเขาแข็งแกร่งมาก เรามองเห็นได้ไกลยิ่งขึ้น ไม่ใช่เพราะเราฉลาดกว่าและชาญฉลาดกว่า แต่เป็นเพราะเรานั่งบนไหล่ของพวกเขา” วลีนี้บันทึกโดยทายาทฝ่ายวิญญาณของอาจารย์เบอร์นาร์ดแห่งชาตร์
สันนิษฐานได้ว่าผู้สร้างหน้าต่างกระจกสีนี้ดูเหมือนจะจำวลีนี้ได้และตัดสินใจที่จะรวบรวมมันไว้ในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่เช่นนี้ เรื่องนี้ไม่แน่นอน ไม่มีการระบุไว้ชัดเจนที่ใดเลย ยิ่งไปกว่านั้น นักประวัติศาสตร์แนวความคิดยุคกลางบางคนปฏิเสธความเชื่อมโยงดังกล่าว สำหรับฉันดูเหมือนว่าการเชื่อมโยงดังกล่าวค่อนข้างเป็นไปได้เพราะชาตร์ยังคงรักษาความต่อเนื่องทางมนุษยนิยมโดยสัมพันธ์กับปรมาจารย์ในศตวรรษที่ 13 และครอบครัวของเคานต์แห่งดรอยซ์และบริตตานีซึ่งเข้ามาที่หน้าต่างกระจกสีนี้ อาจรู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งกับการสร้างโปรแกรมสัญลักษณ์พิเศษในธีมของสำนวนที่ได้รับความนิยม ทำไมจะไม่ได้ล่ะ
นี่คือมหาวิหารน็อทร์-ดามใน Laon เพื่อแสดงให้คุณเห็นว่างานศิลปะที่ยิ่งใหญ่นี้ประสบความสำเร็จไปแล้วเมื่อต้นศตวรรษที่ 13 หน้าต่างกระจกสีถูกสร้างไว้ในตัวของอาสนวิหาร โดยค่อยๆ กินผนังของอาสนวิหารแห่งนี้จนหมด และเปลี่ยนให้กลายเป็นเรือนกระจกที่พูดได้ ตรงนี้เรายังเห็นดอกกุหลาบดอกเดียวกันในคณะนักร้องประสานเสียงหลักของอาสนวิหาร ซึ่งอยู่ในมุขสี่เหลี่ยมของโบสถ์ด้วย และฉันกำลังแสดงให้คุณดูชิ้นส่วนเล็ก ๆ ของมีดหมออันหนึ่ง - นี่คือการพบกันของแมรี่และเอลิซาเบธ นั่นคือเรื่องราวในพันธสัญญาใหม่บนกระจกสีสามารถบอกเล่ารายละเอียดได้ไม่มากก็น้อย
ในเรื่องนี้กระจกสีแม้จะมีราคาสูง แต่ก็กลับกลายเป็นว่าทำกำไรได้มากกว่าจิตรกรรมฝาผนังมาก นี่เป็นครั้งแรก ที่สอง. กระจกสีนั้นน่าแปลกที่ถูกเก็บรักษาไว้มากกว่าจิตรกรรมฝาผนังในภูมิอากาศแบบฝรั่งเศสและเยอรมัน จิตรกรรมฝาผนังก็ถูกสร้างขึ้นที่นี่เช่นกัน แต่มีไม่มากนัก แน่นอนว่ามีผู้เสียชีวิตไปมาก รวมทั้งที่ถูกสร้างขึ้นใหม่แล้วในสมัยนั้นด้วย เพราะลองจินตนาการดูว่าในศตวรรษที่ 13 ภาพปูนเปียกไม่เป็นที่นิยมอีกต่อไปแล้ว และหากเมืองมีเงินทุนกะทันหัน มันก็จะรื้อวัดเก่าหรือย้าย ทำลายและขยายหน้าต่าง เสริมความแข็งแกร่งให้กับตัวหลักด้วยคาน
สมบัติการสอน
แก้วที่บอกเล่าเรื่องราวด้วยสีสันที่สดใสและล้ำค่านั้นถูกมองว่าเป็นสมบัติล้ำค่าทั้งในแง่ตัวอักษรและโดยนัยของคำนี้ อัญมณีแท้มักใช้ทำไมกาสี พวกเขาได้รับการบริจาคจากขุนนางท้องถิ่น และบรรดาพระสังฆราชเองก็ซึ่งมักเป็นญาติสนิทที่สุดของตระกูลศักดินา เราต้องคำนึงว่าคริสตจักรนั้นเป็นศักดินาและเจ้าเมืองที่ร่ำรวย และคริสตจักรเป็นอำนาจที่ไม่เพียงต้องให้ความรู้แก่ฝูงแกะเท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นถึงความยิ่งใหญ่ของคริสตจักรด้วย ตัวอย่างเช่น สัมพันธ์กับเพื่อนบ้าน เมือง หรือหมู่บ้านที่ใกล้ที่สุด
ประวัติความเป็นมาของอาสนวิหารโกธิกที่ยิ่งใหญ่ยังเป็นประวัติศาสตร์ของความภาคภูมิใจของนักบวชสลับกับความภาคภูมิใจทางโลกอีกด้วย มาดูหน้าต่างกระจกสีที่น่าทึ่งที่สุดบานหนึ่งในยุคคลาสสิกของกระจกสี - ชีวิตของนักบุญ Eustathius Placides ในชาตร์ มองเห็นได้ชัดเจนในรายละเอียดและในชั้นล่างโดยไม่ต้องใช้กล้องส่องทางไกล ฉันไม่แนะนำให้สัมผัสมัน แต่คุณสามารถเข้าถึงได้ด้วยมือของคุณ และด้วยกล้องส่องทางไกลคุณสามารถมองเห็นฉากด้านบนได้ เมื่อเรามองดูหน้าต่างกระจกสีทั้งหมดร่วมกัน มันแสดงถึงแผนภาพที่ซับซ้อนอย่างไม่น่าเชื่อ เราไม่สามารถแยกแยะสิ่งใดๆ บนสไลด์ของฉันได้ เราแยกแยะได้เพียงร้อยร่างเท่านั้น นอกจากนี้เรายังเข้าใจด้วยว่ารูปทรงเรขาคณิตสามรูป วงกลมสองวง (ใหญ่และเล็ก) และสี่เหลี่ยมขนมเปียกปูนได้รับการออกแบบมาเพื่อจัดระเบียบเรื่องราวนี้ และเราถือว่าเพชรนั้นจะมีเรื่องราวที่สำคัญที่สุด จากนั้นในเครื่องหมายใหญ่ที่จับคู่กันจะมีเรื่องราวที่สำคัญอื่นๆ และในเครื่องหมายเล็กๆ ก็มีเรื่องราวรองและรายละเอียด เกือบจะเหมือนในงานวรรณกรรม เรามีเนื้อหาหลัก จุดเริ่มต้น จุดสุดยอด และข้อไขเค้าความเรื่อง มันก็จะประมาณเดียวกันที่นี่
เราจะเห็นว่าฉากด้านล่างเป็นภาพการล่า ลองจินตนาการถึงสี่เหลี่ยมขนมเปียกปูนนี้ เมื่อวางความยาวแขนโดยเฉลี่ย เราจะได้ขนาดของหน้าต่างกระจกสีนี้ - กว้างประมาณหนึ่งเมตร นี่เป็นภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ แต่ไม่ใช่สิ่งที่มีสัดส่วนที่ไม่สามารถจินตนาการได้ ในรูปสี่เหลี่ยมขนมเปียกปูนเล็กๆ นี้ เราเห็นร่างนักขี่ม้าสองคน คนหนึ่งถือธนู อีกคนหนึ่งยิงไปแล้วหรือกำลังจะยิง และอีกคนกำลังเป่าแตรล่าสัตว์ พวกเขากำลังไล่ล่ากวางสามตัวและมีสุนัขสี่ตัวช่วยพวกเขาในเรื่องนี้ นั่นคือเรามีตัวเลขจำนวนมากวางไว้ในพื้นที่ขนาดเล็กมาก ในขณะเดียวกัน เราไม่รู้สึกถึงความแออัดยัดเยียดหรือมากเกินไปของฉากนี้ มันเป็นองค์ประกอบที่ค่อนข้างสมเหตุสมผล เรารู้สึกถึงไดนามิกของมันที่น่าเหลือเชื่อ และฉากแรกนี้ได้รับการออกแบบพร้อมกับกรอบประดับเพื่อสร้างอารมณ์ที่มีชีวิตชีวาให้กับเรา
จากนั้นเรื่องราวก็เริ่มต้นขึ้นเกี่ยวกับนักล่าปลาซิดัส ชาวโรมันแห่งศตวรรษที่ 3 ผู้ล่าสัตว์ ม้าของเขาพาเขาไปที่ไหนสักแห่งและเขาได้พบกับกวางตัวหนึ่งในป่าซึ่งมีเขากวางอยู่ด้วย และดูเหมือนว่านี่เป็นช่วงเวลาสำคัญในเรื่องราวของเขา เช่นเดียวกับการรับบัพติศมาของเขา เพราะคนนอกรีตโบราณซึ่งเป็นเพียงนักล่า ได้เปลี่ยนเป็นคนใหม่เป็นคริสเตียน จากมุมมองของการสอนแบบคริสเตียน ชีวิตของนักบุญ ยูสตาธีอุสถูกเรียกร้องให้แสดงให้ฆราวาสในปี 1200 เห็นว่าเขาเป็นคริสเตียนเช่นกัน มักจะไม่มีพฤติกรรมเหมือนคริสเตียนเลย และเขาต้องอธิษฐานขอให้องค์พระผู้เป็นเจ้าทรงเปิดเผยฤทธิ์เดชของพระองค์เอง แม้จะด้วยวิธีอัศจรรย์เช่นนั้น เพื่อพระองค์จะได้สามารถผ่านการทดลองใดๆ ก็ตาม เช่นเดียวกับยูสตาธีอัส เพื่อที่จะได้รับพระคุณจากสวรรค์ พระคุณแห่งสวรรค์แบบเดียวกันนี้เทลงบนศีรษะของเขาในเครื่องหมายทั้งสองนี้ด้วยความช่วยเหลือของไฟสีแดง เราเห็นสิ่งที่คล้ายกันในภาพย่อส่วนของฮิลเดการ์ดแห่งบิงเกน และที่นี่ด้วย เราเห็นว่าทรงกลมของพระเจ้าซึ่งเป็นสถานที่ของพระองค์ถูกระบุในแบรนด์โดยมีรูปแบบแยกกัน - เหลือง - เขียว - ขาว - แดง (ในกรณีแรก) สถานที่ของเทพถูกกำหนดโดยทรงกลมที่แยกจากกัน และในกรณีแรก พระหัตถ์ขวาของพระเจ้ายื่นออกมาจากทรงกลมนี้ บุกรุกทรงกลมของมนุษย์ เนื่องจากมีการเปิดเผยไม้กางเขนที่นี่ และแสงอันศักดิ์สิทธิ์ก็ถูกเทลงบน Placis ราวกับว่าทำลายชื่อเดิมของ Eustathius ในอนาคตออกเป็นสองส่วน
ในเครื่องหมายถัดไปเขารับบัพติศมา แม้จะยากแค่ไหนก็ตามที่จะเดาได้ และควบคู่ไปกับชื่อใหม่ที่มีการลงนาม (ตอนนี้แทบจะสังเกตไม่เห็นแล้ว) คือชื่อ Eustathius, Eustachius, Eustatius ในภาษาละติน จากนั้นเขาก็มีการผจญภัยต่างๆ และในท้ายที่สุด เขาก็ได้รับความรุ่งโรจน์จากสวรรค์ ที่นี่เราจะเห็นว่าหน้าต่างกระจกสี เช่นเดียวกับช่วงเวลาเล็กๆ ของเขา (เราเห็นสิ่งนี้ในการบรรยายครั้งก่อนด้วย) ผสมผสานรสนิยมในการเล่าเรื่อง การเล่าเรื่อง และการจำแนกประเภท นี่เป็นหลักคำสอนทางศาสนศาสตร์ในสมัยนั้นด้วย มันขึ้นอยู่กับเรื่องราวในพระคัมภีร์ทั้งหมด
ความช่วยเหลือด้านการมองเห็นที่ซับซ้อน
แต่ประเด็นของเรื่องราวในพระคัมภีร์คือการให้ระบบความรู้บางอย่างแก่คริสเตียนยุคกลางซึ่งเป็นสมาชิกคริสตจักรที่เชื่อ และในแง่นี้กระจกสีก็ได้รับชัยชนะเหนือจิตรกรรมฝาผนังอีกครั้ง ภาพปูนเปียกสามารถให้ไอคอนแก่เราได้ - ตัวอย่างเช่นภาพของ "พระผู้ช่วยให้รอดในอำนาจ" หรือภาพที่จะตามมา - พระคริสต์ทรงล้างเท้าของอัครสาวก ในทำนองเดียวกัน เราต้องพร้อมที่จะช่วยเหลือเพื่อนบ้านของเรา ทั้งหมดนี้เป็นที่เข้าใจได้ หน้าต่างกระจกสีซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของพื้นที่ทางสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ เนื่องจากมีเยื่อตะกั่ว ดูเหมือนว่าจะถูกตรึงเข้าไปในตัววิหารในลักษณะพิเศษ และหน้าต่างกระจกสียังจัดระเบียบความคิดของมนุษย์ในรูปแบบใหม่ซึ่งไม่เป็นที่รู้จักแม้แต่กับกระเบื้องโมเสค ตรงหน้าเราคือหน้าต่างกระจกสีบานหนึ่งที่ฉันชื่นชอบ - "พันธสัญญาใหม่" แต่ไม่ใช่ในความหมายของพันธสัญญาใหม่ในฐานะหนังสือ แต่ในภาษาฝรั่งเศสเรียกว่า Nouvelle Alience (New Union) แต่เราต้องคำนึงว่าคำว่า "พันธสัญญา" ในประเพณีตามพระคัมภีร์หมายถึงข้อตกลง ซึ่งเป็นการรวมกันระหว่างพระเจ้าและผู้คน และเป็นสิ่งใหม่ที่เกี่ยวข้องกับสิ่งเก่า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ชื่อนี้เกิดขึ้น นี่คือกระจกสีที่เรียกว่า typological ซึ่งตรงกันข้ามกับกระจกสีแบบเล่าเรื่อง
ฉากหลัก - การช่วยความตายของพระคริสต์ - อ่านง่ายแม้ว่าใบหน้าจะต้องทนทุกข์ทรมานมาตามกาลเวลาก็ตาม เราเห็นเอคลีเซีย ซึ่งเป็นคริสตจักร กำลังรับเลือดที่ไหลจากพระอุระของพระคริสต์เข้าไปในถ้วย ธรรมศาลาในมือข้างหนึ่งถือแผ่นพระบัญญัติ 10 ประการและหอกหัก เธอตาบอด ซินาโนกาถูกปิดตาและมงกุฎก็หล่นลงมาจากศีรษะของเธอ นั่นคือครั้งหนึ่งเธอเคยเป็นราชินี แต่เนื่องจากเธอทรยศต่อพระคริสต์ ดูเหมือนว่าเธอจะฆ่าเขา - เราเห็นว่าหอกของเธอเล็งไปที่พระคริสต์ และนี่ไม่ใช่เหตุบังเอิญเลย เรารู้ว่าจริงๆ แล้วฝ่ายของพระคริสต์ถูกแทงโดยชาวโรมัน และคริสเตียนในยุคกลางก็รู้เรื่องนี้เช่นกัน และเป็นการแสดงความเมตตา แต่โดยทั่วไปแล้ว ในบรรยากาศต่อต้านชาวยิวอันตึงเครียดในยุคของสงครามครูเสด สุเหร่ายิวกลายเป็นนามแฝงของผู้กระทำความผิดทุกคนที่ทรยศต่อพระคริสต์ นี่เป็นสัญญาณของศาสนายิวและแม้แต่การต่อต้านชาวยิวในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าทุกคนในบูร์ชต่อต้านกลุ่มเซมิติก
ด้านข้างของฉากนี้เราเห็นโมเสส ทางด้านซ้ายโดยใช้ไม้เท้าช่วยพ่นน้ำจากหินทำให้เกิดปาฏิหาริย์ ทางด้านขวาเขาสร้างงูทองแดงนั่นคือเขาหล่องูจากทองแดงแล้ววางไว้บนเสาแล้วพูดกับชาวยิวของเขาว่า: “ จงกราบลงต่อหน้าเขาแล้วการลงโทษของพระเจ้าจะหมดไปจากคุณ” นี่คือเรื่องราวการเดินทาง 40 ปีของชาวยิวจากอียิปต์สู่อิสราเอล พวกเขาถูกมองว่าเป็นเรื่องราวแห่งความรอดในฐานะลางสังหรณ์แห่งความรอดของชาวคริสเตียน เช่นเดียวกับที่พวกเขาเดินอยู่ในทะเลทรายเป็นเวลา 40 ปี และได้รับการทดลองและการล่อลวง - ในทำนองเดียวกัน พระคริสต์ก็ถูกล่อลวงในทะเลทรายเป็นเวลา 40 วัน และในท้ายที่สุดก็ช่วยมนุษยชาติให้รอด และเช่นเดียวกับพวกเราคริสเตียนในปัจจุบันควรอดอาหารในช่วงเข้าพรรษาโดยเอาใจใส่กับเรื่องราวนี้
ดูเหมือนว่าโมเสสกำลังสร้างรูปเคารพ เป็นรูปเคารพ แต่ศิลปินแสดงให้เราเห็นว่าไอดอลแตกต่างจากไอดอล การตรึงกางเขนของพระคริสต์และไม้กางเขนซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการตรึงกางเขนครั้งนี้เป็น "รูปเคารพ" ที่ช่วยให้รอด แต่ไอดอลที่นี่จะเป็นคำที่ผิดอย่างสิ้นเชิงเนื่องจากในภาษารัสเซียเป็นคำเชิงลบ แต่ในพันธสัญญาเดิม - ศิลปินและนักศาสนศาสตร์ที่อยู่เบื้องหลังคำนี้บอกเรา - มีลางสังหรณ์ของประวัติศาสตร์ของพันธสัญญาใหม่
และดูเหมือนว่าลำดับของเรื่องนี้ทำให้เราสับสน ในความเป็นจริง นักคิดในยุคนั้น (เช่น ฮิวจ์แห่งแซงต์-วิกเตอร์) ค่อนข้างตระหนักดีถึงความไร้เหตุผลของเรื่องราวในพระคัมภีร์ การขาดลำดับเหตุการณ์ที่ชัดเจน แต่พวกเขาให้คำอธิบายที่ชัดเจนถึงความไม่สอดคล้องกันที่ชัดเจนนี้ .
นี่คือวิธีที่ Hugo แห่ง Saint-Victor เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้: “ในเรื่องนี้ เราต้องจำไว้เสมอว่าพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ไม่ได้เป็นไปตามลำดับที่เป็นธรรมชาติและต่อเนื่องเสมอไป มักจะกล่าวถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นภายหลังก่อนเหตุการณ์ก่อนหน้า เมื่อระบุอะไรบางอย่างแล้ว เขาก็กลับไปราวกับว่ามันเป็นลำดับโดยตรง”
หน้าต่างกระจกสีดังกล่าวที่บอกเล่าเรื่องราวหลายเรื่องในเวลาเดียวกัน รวมเข้าด้วยกันเป็นตาราง แผนภาพ หรือแม้แต่เป็นไอคอนที่มีหลายแง่มุม อาจทำให้เกิดความสับสนได้ เรายังมีหลักฐานจากกลางศตวรรษที่ 13 ด้วยซ้ำ หน้าต่างกระจกสีชนชั้นกลางดูเหมือนสำหรับนักบวชว่าเป็นสิ่งประดิษฐ์ของนักบวชที่สามารถเปลี่ยนเรื่องราวที่ง่ายที่สุดให้กลายเป็นเรื่องไร้สาระได้ เราต้องเข้าใจว่ากระจกสีในยุคกลางอย่างทุกวันนี้มีความเข้าใจหลายระดับ นี่เป็นเรื่องปกติอย่างสมบูรณ์สำหรับวัฒนธรรมใด ๆ สิ่งสำคัญคือคนในยุคกลางเข้าใจว่าพระคัมภีร์ของพระเจ้าไม่ได้เป็นไปตามลำดับที่เป็นธรรมชาติและต่อเนื่องเสมอไป มักจะกล่าวถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นภายหลังก่อนเหตุการณ์ก่อนหน้า เมื่อเขียนรายการบางอย่างแล้ว จู่ๆ เขาก็กลับไป ราวกับว่าเรากำลังพูดถึงลำดับเหตุการณ์โดยตรง ดังนั้นฮิวจ์แห่งแซงต์-วิกเตอร์กล่าวในช่วงทศวรรษที่ 1120 ในงานของเขา “ทิดาสกาลิกร”. และนักเทววิทยาในยุครุ่งเรืองของกระจกสี ผู้ร่วมสมัยของปีเตอร์แห่งลอมบาร์ดี หรือต่อมาของโธมัส อไควนัส ก็ให้เหตุผลในลักษณะเดียวกันมาก
กระจกสีกลายเป็นแก่นสารของภาพวาดอนุสาวรีย์ในยุคกลาง ดังนั้นจึงน่าสนใจอย่างไม่น่าเชื่อที่จะดูจนถึงทุกวันนี้
แหล่งที่มา
- เคมป์ ดับเบิลยู. เซอร์โม คอร์พอเรอุส. ตาย Erzählung der mittelalterlichen Glasfenster มิวนิก, 1997.
- Castelnuovo E. Vetrate ยุคกลาง: officine, tecniche, maestri. โตริโน, 2007.
- Caviness M. หน้าต่างกระจกสี. เทิร์นเฮาท์, 1996.
- Caviness M. ภาพวาดในแก้ว: การศึกษาศิลปะอนุสรณ์สถานแบบโรมาเนสก์และกอธิค แอชเกต, 1997.
- Grodecki L., Brisac C. Le vitrail gothique au XIIIe siècle. ป., 1984.