Wartość muzyki jako formy sztuki. Muzyka jako sposób na relaks. Wpływ muzyki na sztuki plastyczne wzbogacił światową kulturę artystyczną z nie mniej ciekawymi skutkami. Oddziaływanie to odbywało się w trzech głównych kierunkach.

24.03.2019

WYPOWIEDZI NA TEMAT MUZYKI

Aforyzmy kompozytorów zagranicznych:

Celem muzyki jest poruszenie sercJana Sebastiana Bacha)
Muzyka pośrednikiem między życiem umysłu a życiem zmysłów. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka powinien rozpalić ogień w ludzkich sercach. (Ludwiga van Beethovena)
Dziękuj, gdzie tylko możesz

Przede wszystkim kochaj wolność

A nawet na królewskim tronie

Nie wyrzekaj się prawdy. (Ludwiga van Beethovena)

Opisywanie to sprawa malarstwa, poezja też może się uważać za szczęśliwą pod tym względem w porównaniu z muzyką, jej pole nie jest tak ograniczone jak moje. Ale z drugiej strony, moje rozciągają się znacznie dalej, do innych królestw, a moje posiadłości nie są tak łatwo wkraczane. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka jest wyższym objawieniem niż mądrość i filozofia. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka jest potrzebą ludzi. (Ludwiga van Beethovena)
Dla osoby z talentem i zamiłowaniem do pracy nie ma barier. (Ludwiga van Beethovena)
Najwyższym wyróżnieniem człowieka jest wytrwałość w pokonywaniu najokrutniejszych przeszkód. (Ludwiga van Beethovena)
... każdy, kto postępuje moralnie i szlachetnie, może dzięki temu znieść nieszczęście. (Ludwiga van Beethovena)
Prawdziwy artysta, który przede wszystkim kocha sztukę, nigdy nie jest z siebie zadowolony i stara się iść dalej i dalej. (Ludwiga van Beethovena)
Nie ma reguły, której nie można złamać w imię czegoś piękniejszego. (Ludwiga van Beethovena)
Nie powstały jeszcze takie placówki, które mówiłyby rodzącemu się talentowi: tak daleko i nie dalej. (Ludwiga van Beethovena)
pisać muzykę nie jest trudne, najtrudniejsze jest wykreślenie dodatkowych nut. ( Johannesa Brahmsa)
Muzyka nie może myśleć, ale może ucieleśniać myśl. ( Richarda Wagnera)
Melodia jest jedyną formą muzyki; bez melodii muzyka jest nie do pomyślenia, a muzyka i melodia są nierozłączne. ( Richarda Wagnera)
Trzeba tylko chcieć, a będzie sztuka! ( Richarda Wagnera)
Błąd w artystycznym gatunku opery polegał na tym, że środek wyrazu (muzyka) stał się celem, a cel wyrazu (dramat) środkiem. ( Richarda Wagnera)
Prawdziwa sztuka może wznieść się ze swojego stanu cywilizowanego barbarzyństwa na swój godny wyżyn tylko na barkach naszego wielkiego ruchu społecznego; on i on mają wspólny cel i mogą go osiągnąć tylko pod warunkiem, że obaj go uznają. Tym celem jest piękny i silny mężczyzna; niech Rewolucja da mu Siłę, Sztuka - Piękno. ( Richarda Wagnera)
...poza życiem wartościowa sztuka musi zginąć... ( Richarda Wagnera)
Muzyka jest prawdziwie uniwersalną ludzką mową. (Karola Marii von Webera)
Aby komponować muzykę, trzeba ją przede wszystkim mieć w duszy! ( Giuseppe Verdiego)
Muzyka nie powinna nas odgradzać od życia. Przecież wszystko, czym żyjemy: nasze cierpienia, nasze radości – wszystko to musi pełnym głosem dźwięk w muzyce. My w nim, podobnie jak w życiu, musimy być szczerzy. ( Giuseppe Verdiego)
Melodia, harmonia, recytacja, namiętny śpiew, efekty orkiestrowe i kolory to nic innego jak środki. ( Giuseppe Verdiego)
Twórz dobrą muzykę za pomocą tych narzędzi. ( Giuseppe Verdiego)
Dobre instrumentarium nie polega na różnorodności i nadzwyczajnych efektach - jest dobre. kiedy coś wyrażasz ( Giuseppe Verdiego)
Piękno muzyki tkwi w melodii. ( Józefa Haydna)
Byłoby mi bardzo przykro. gdyby moja muzyka tylko bawiła moich słuchaczy: dążyłem do tego, aby byli lepsi. (Georga Friedricha Haendla)
Prostota, prawda i naturalność - to trzy wielkie zasady piękna we wszystkich dziełach sztuki. (Christopha Wellibalda Glucka)
Słowa czasami potrzebują muzyki, ale muzyka nic nie potrzebuje. ( Edwarda Griega)
Sztuka to serce zdolne do myślenia. ( Charlesa Gounoda)
udało mi się zobaczyć duże światło, ale wszędzie i zawsze pozostałem tym, kim byłem, prostym czeskim muzykiem. ( Antonin Dvorak)
Muzyka jest arytmetyką dźwięków, podobnie jak optyka jest geometrią światła. ( Claude'a Debussy'ego)
Muzyka artystyczna wyrasta z muzyki ludowej. Jest to jego bliska kontynuacja, elegancki stopień zaawansowany. ( Zoltan Kodaly)
Muzyka jest językiem otaczającego nas niewidzialnego świata i jak wszystko, co tajemnicze, głęboko porusza całą moją istotę. ( Lubica Marich)
Muzyka dominuje autokratycznie i sprawia, że zapominasz o wszystkim innym. (Wolfgang Amadeusz Mozart)
Poezja jest posłuszną córką muzyki. (Wolfgang Amadeusz Mozart)
Muzyka, nawet w najstraszniejszych dramatycznych sytuacjach, musi zawsze wpadać w ucho, zawsze musi pozostać muzyką! (Wolfgang Amadeusz Mozart)
Muzyka to architektura dźwięków; jest to sztuka plastyczna, która zamiast gliny tworzy wibracje powietrza... ( Camille'a Saint-Saensa)
Muzyka nie ma ojczyzny; ojczyzna jest jej wszechświatem. ( Fryderyka Chopina)
Wyrażanie myśli tonami, odkrywanie uczuć poprzez te tony, sztuka wyrażania się tonami – jest muzyka! ( Fryderyka Chopina)
Muzyka jest jak dramat. Królowa (melodia) ma większą moc, ale decyzja należy zawsze do króla. ( Roberta Schumanna)
Z kim się nie bawi fortepian , też na nim nie gra. (Roberta Schumanna )
To palce powinny tworzyć na fortepianie to, czego chce głowa – a nie odwrotnie. (Roberta Schumanna )
Zawsze graj tak, jakby artysta cię słuchał. ( Roberta Schumanna)
... Muzyka w najwyższym znaczeniu jest w stanie ucieleśnić całą wieloaspektową konkretność prawdziwego życia: najbardziej subtelne i szczególne stany duszy, życie jednostki i życie narodów, narodowy charakter kraju i jego przyroda ! ( Roberta Schumanna)
Program poetycki to dla mnie nic innego jak twórcza okazja zarówno do stworzenia wyrazistej formy, jak i muzycznego rozwinięcia moich doznań, a nie tylko muzyczny opis słynnych wydarzeń życiowych. ( Richarda Straussa)
Rysuję... rysuję sonatę... Jaka to radość pracować ciężko, wściekle, bez wytchnienia, prawie do utraty przytomności, zapominając o wszystkim. (Mikołaja Ciurlionisa)
Muzyka musi pochodzić z serca, aby dotrzeć do serca. ( George'a Enescu)

Aforyzmy wybitnych postaci zagranicznych:

MUZYKA TO NAJWIĘKSZA MOC. MOŻE SPRAWIĆ, ŻE CZŁOWIEK POKOCHA I NIENAWIDZI, WYBACZY I ZABIJE.Z nauk starożytnych greckich filozofów)
Kiedy postrzegamy uchem rytm i melodia zmienia się nasz stan psychiczny. (Arystoteles )
Muzyka zmywa z duszy kurz codziennego życia. (Bertholda Averbacha )
Sama muzyka jest językiem świata i nie potrzebuje tłumaczenia, ponieważ mówi dusza. (Bertholda Averbacha )
Muzyka jest jedynym językiem świata, nie trzeba jej tłumaczyć, w niej dusza przemawia do duszy. ( Awerbach)
Nie my słuchamy muzyki, ale muzyka słucha nas. ( Teodora Adorna)
Czym jest muzyka, jeśli nie dźwiękami, które zmieniają się i poruszają w czasie. (Leonarda Bernsteina)
Czym jest muzyka ? Zajmuje miejsce pomiędzy myślą a wyglądem; jak pośrednik przed świtem, stoi między duchem a materią; związany z obydwoma, różni się od nich; to duch potrzebuje odmierzonego czasu; jest materią, która obywa się bez przestrzeni ( Henryka Heinego)
Muzyka to ostatnie słowo sztuki... ( Henryka Heinego)
Wielkość sztuki najlepiej widać w muzyka. ( Johanna Wolfganga Goethego )
Muzyka jest najwyższą sztuką.(Johanna Wolfganga Goethego )
Muzyka „przyjemna dla ucha” jest jak książka „przyjemna dla oka”. ( Józefa Hoffmana)
Tajemnica muzyki polega na tym, że znajduje niewyczerpane źródło tam, gdzie milknie mowa. (Ernsta Teodora Amadeusza Hoffmanna)
Ze wszystkich dźwięków znanych człowiekowi muzyka jest najdroższym dźwiękiem. ( Teofil Gauthier)
pisać o muzyce To jak taniec o architekturze. ( Franka Zappy)
Muzyka ze swoją melodią doprowadza nas na skraj wieczności i daje nam możliwość na kilka minut pojąć jej wielkość ( Thomasa Carlyle'a)
Zniszczenie każdego państwa zaczyna się od zniszczenia jego muzyki. Naród bez czystej i jasnej muzyki jest skazany na degenerację. (chińskie przysłowie)
Muzyka jednoczy narody, jej język jest zrozumiały dla wszystkich, pomaga zrozumieć duchowy magazyn narodu. ( Van Cliburna)
Muzyka to sztuka smutku i radości bez powodu. (Tadeusza Kotarbińskiego)
Nie ma na świecie słodszej muzyki niż dźwięk twojego ulubionego głosu. ( Jean de La Bruyère)
Muzyka jest uniwersalnym językiem ludzkości. (Henry'ego Wadswortha Longfellowa)
Muzyka jest najlepszą pociechą dla smutnej osoby. ( Marcin Luther)
Bez muzyki życie byłoby pomyłką. ( Fryderyk Nietzsche )
Bóg dał nam muzykę, abyśmy przede wszystkim szli w górę... ( Fryderyk Nietzsche )
Muzyka inspiruje cały świat, dodaje skrzydeł duszy, sprzyja ucieczce wyobraźni. ( Platon)
... największym z cudów muzyki, która wpływa tylko na ruch, jest jej zdolność do przekazywania im nawet obrazu pokoju. Sen, bezruch nocy, samotność, a nawet bezruch są wśród nich obrazy muzyczne. Malarstwo, które nie ma takiej mocy, nie jest w stanie naśladować muzyki w taki sposób, w jaki ta ostatnia ją naśladuje... ( Jean-Jacques Rousseau)
Ekspresyjność to cecha, dzięki której muzyk odczuwa i przekazuje z siłą wszystkie idee, które musi przekazać, i wszystkie te uczucia, które musi wyrazić ... ( Jean-Jacques Rousseau)
Dziedziną muzyki jest duchowy niepokój. Celem muzyki jest wzbudzenie tych zaburzeń emocjonalnych, a ona sama też się nimi inspiruje. ( George Sand)
Muzyka ożywia w nas świadomość naszych władz umysłowych; jego dźwięki inspirują nas do najszlachetniejszych wysiłków. (Anne-Louise Germaine de Stael)
Nic nie przywołuje przeszłości z taką siłą jak muzyka; osiąga więcej: kiedy ją przywołuje, wydaje się, jakby ona sama przechodziła przed nami, okryta, jak cienie tych, którzy są nam drodzy, tajemniczą i smutną zasłoną. (Anne-Louise Germaine de Stael)
... Muzyka, gdy jest doskonała, niewątpliwie daje najjaśniejsze szczęście. ( Stendhala)
Muzyka była chyba moją najsilniejszą i najbardziej kosztowną pasją… Przeszedłbym setki mil, zgodziłbym się tygodniami siedzieć w więzieniu, żeby tylko posłuchać Don Giovanniego (opera Mozarta) czy Sekretnego małżeństwa (opera Cimarosy) , i nie mogę sobie wyobrazić, dlaczego inaczej miałbym dokonywać takich poświęceń. ( Stendhala)
Używając magiczny język muzyki, możesz natychmiast znaleźć się w niesamowicie tajemniczym i cudownym świecie piękna i inspiracji. (Leopolda Stokowskiego)
Muzyka - źródłem radości dla mądrych ludzi. ( Xun Tzu)
Nie można wyhodować pełnoprawnej osoby bez kultywowania w niej poczucia piękna. (Rabindranath Tagore)
Muzyka zachęca nas do elokwentnego myślenia. (Ralph Waldo Emerson)

Aforyzmy kompozytorów rosyjskich:

Istotą harmonii jest wydobycie tych cech, których nie ma i być nie może w melodii. (Michaił Iwanowicz Glinka)
Unikaj śpiewania w towarzystwie złych amatorów, bo albo zostaniesz rozpieszczony nadmiernymi pochwałami, które zawsze są szkodliwe, albo usłyszysz uwagi, które cię zrażą. W towarzystwie prawdziwych muzyków śpiewaj śmiało, bo od nich poza przydatnymi wskazówkami nie usłyszysz nic więcej. (Michaił Iwanowicz Glinka)
Można łączyć wymagania sztuki z wymaganiami epoki i korzystając z doskonalenia instrumentarium i wykonawstwa, pisać sztuki, które w równym stopniu są znane koneserom, jak i zwykłej publiczności. (Michaił Iwanowicz Glinka)
Chcę, aby dźwięk bezpośrednio wyrażał słowo. Chcę prawdy. (Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski)
Muzyka nie tylko sprawia nam przyjemność. Ona dużo uczy. Ona, jak książka, czyni nas lepszymi, mądrzejszymi, milszymi. ()
Bagaż duchowy, w przeciwieństwie do zwykłego bagażu, ma niesamowitą właściwość: im jest większy, tym łatwiej jest człowiekowi podążać ścieżkami życia. (Dmitrij Borysowicz Kabalewski)
Muzyka jest sztuką, która ma ogromną siłę oddziaływania emocjonalnego na człowieka, dlatego może odgrywać ogromną rolę w edukacji. osoba duchowa dzieci i młodzież. (Dmitrij Borysowicz Kabalewski)
Sztuka jest chyba najbardziej niesamowitym cudem ze wszystkich cudów. tworzonych przez ludzkość na przestrzeni dziejów jej istnienia, a uczucie, myśl i piękno są w tym cudzie nierozerwalnie złączone. Po co oszukiwać ludzi, po co zubażać ich świat duchowy, przedstawiając mierne deformacje, pozbawione uczuć, myśli i piękna, jako najwyższe osiągnięcia sztuki? (Dmitrij Borysowicz Kabalewski)
Muzyka jest najbardziej zdolna do wyrażania i przekazywania duchowych nastrojów. ( Cezar Cui)
Rozumiem ludzi jako wielką osobowość, ożywioną jedną ideą. To jest moje zadanie! Próbowałem rozwiązać to w mojej operze. (Modest Pietrowicz Musorgski)
... Dla mnie ważnym artykułem jest wierne odwzorowanie fantazji ludowej, bez względu na to, jak się objawia.
Co za rozległy, bogaty świat sztuki, jeśli za cel wzięto osobę!(Modest Pietrowicz Musorgski)
Wymagania stawiane sztuce przez współczesnego artystę są tak ogromne, że mogą pochłonąć całą osobę.(Modest Pietrowicz Musorgski)
Sztuka jest środkiem do rozmowy z ludźmi, a nie celem... Niezależnie od tego, jaką mowę słyszę, nieważne, kto mówi (co jest najważniejsze, nieważne, co mówi), muzyczna prezentacja takiej przemowy pracuje w moim mózgu. .(Modest Pietrowicz Musorgski)
Chcę sprawić, żeby ludzie: śpię i widzę, jem i myślę o tym, piję - wydaje mi się, że to jest jedna całość, wielka, niebarwiona i bez liścia. A jakie to straszne (naprawdę) bogactwo mowy ludowej. Co za niewyczerpana ruda do uchwycenia wszystkiego, co prawdziwe - życia narodu rosyjskiego!(Modest Pietrowicz Musorgski)
W masach ludzkich, podobnie jak w jednostkach, są zawsze najwspanialsze rysy, które wymykają się uchwyceniu, rysy, których nikt jeszcze nie dotknął: dostrzegać i badać je czytając, obserwując, domysłami, badając wszystkimi ich wnętrzności i nakarmić nimi ludzkość, jako zdrową potrawę, której jeszcze nie próbowałem – oto zadanie! Zachwyt i czysta rozkosz!(Modest Pietrowicz Musorgski)
Położyłem na sobie krzyż i z podniesioną głową radośnie i wesoło pójdę przeciw wszystkim ku jasnemu, mocnemu, słusznemu celowi, ku prawdziwej sztuce, kochaniu człowieka, przeżywaniu jego radości, smutku i cierpienia.(Modest Pietrowicz Musorgski)
Życie, gdziekolwiek wpływa; prawda, nieważne jak słona; odważna, szczera mowa do ludzi wprost, to jest mój zaczyn, tego chcę i tego bałbym się przegapić.(Modest Pietrowicz Musorgski)
Życie wzywa do nowego dzieła muzycznego, szerokiego dzieła muzycznego; dalej, jeszcze dalej na dobrej drodze, z wielką gorliwością ku nowym brzegom nieograniczonej jeszcze sztuki! Szukać tych brzegów, szukać niestrudzenie, bez strachu i wstydu, i twardo stanąć na ziemi obiecanej – to wielkie, fascynujące zadanie!(Modest Pietrowicz Musorgski)
Skończył się czas wolnego pisania. Oddawać się ludziom całym sobą - tego teraz potrzeba w sztuce.(Modest Pietrowicz Musorgski)
Kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi. Musi ozdobić życie człowieka i chroń ją. Przede wszystkim musi być obywatelem w swojej sztuce, śpiewać o ludzkim życiu i prowadzić człowieka do lepszej przyszłości. Taki jest, z mojego punktu widzenia, niewzruszony kodeks sztuki. (Siergiej Siergiejewicz Prokofiew)
To nie czas, kiedy muzykę pisano dla wąskiego grona estetów. Teraz ogromne rzesze ludzi stanęły oko w oko z poważną muzyką i czekają pytająco. Kompozytorzy, zwróćcie uwagę na ten moment; jeśli odepchniesz te tłumy, pójdą na jazz lub tam, gdzie „Marusya odszedł i leży martwy”. jeśli je zachowasz, zdobędziesz widownię, jakiej nie było nigdzie i nigdy, ale nie wynika z tego, że musisz się do tej publiczności dostosowywać. Rozpieszczanie ma w sobie element nieszczerości, a nic dobrego nigdy nie wynikło z łatania. Masy chcą świetnej muzyki, wspaniałych imprez, wielkiej miłości, wesołych tańców. Rozumieją o wiele więcej niż niektórym kompozytorom się wydaje i chcą się poprawić. (Siergiej Siergiejewicz Prokofiew)
Muzykę należy przede wszystkim kochać; powinna pochodzić z serca i być adresowana do serca. W przeciwnym razie trzeba pozbawić muzyki nadziei bycia sztuką wieczną i niezniszczalną (Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow)
Komponowanie muzyki jest integralną częścią mojej egzystencji, tak jak oddychanie czy jedzenie są niezbędnymi funkcjami życia. (Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow)
Najwyższą cechą każdej sztuki jest jej szczerość! (Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow)
Muzyka jest najszlachetniejszym, najserdeczniejszym, najszczerszym, najbardziej czarującym, najsubtelniejszym ze wszystkiego, co wymyślił ludzki duch! (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)

Spektakl jest drugą kreacją kompozycji muzycznej. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)

Możesz mówić dużo i pięknie, nie mówiąc nic cudownego; W muzyce będzie to niezwykłe i piękne instrumentarium błahych myśli, w malarstwie wielka zabita deskami rama na mały, nic nie znaczący obrazek. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Artysta nie powinien rodzić się w bogactwie. Zmartwienia o chleb powszedni są mu na początku nawet przydatne: dodają dramatyzmu jego pracy. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Myśliciele i naukowcy trzymają głowy spuszczone i przeważnie do przodu; artyści i poeci trzymają głowy odrzucone do tyłu i zwykle patrzą w górę. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Narodowość kraju, w którym pisarz się urodził i wychował, zawsze będzie widoczna w jego twórczości, nawet jeśli mieszka w obcym kraju i pisze w obcym języku. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Piękne kobiety nie wiedzą, jak się zestarzeć, artyści nie wiedzą, jak zejść ze sceny na czas: obaj się mylą. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Czego człowiek nie może zrobić, jeśli chce! Musi być w stanie uczynić niemożliwe możliwym. Wybieram to jako moje motto! (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Muzyka jest najszlachetniejszym, najserdeczniejszym, najszczerszym, najbardziej uroczym, najbardziej subtelnym ze wszystkiego, co wymyślił ludzki duch. (Anton Grigoriewicz Rubinsztejn)
Głównymi i integralnymi cechami nowości w sztuce muzycznej są nowoczesność i prostota. (Gieorgij Wasiljewicz Swiridow)
Prawdziwa sztuka, oprócz czysto estetycznej przyjemności, przyjemności i piękna (a wielka sztuka kształci poczucie prawdziwego piękna), niesie ze sobą ogromne korzyści: kształci człowieka! (Gieorgij Wasiljewicz Swiridow)
O życiu, o twórczy impulsie,

Wszechstwarzające pragnienie:

Jesteś wszystkim. Jesteś oceanem namiętności, a potem szalejących. potem spokój.

Kocham twoje mury, kocham twoją radość (nie kocham tylko rozpaczy). (Aleksander Nikołajewicz Skriabin)

Nie da się w pełni wyjaśnić kreatywności słowami. wszystko jest moim dziełem. Ale samo istnieje tylko w swoich tworach, jest z nimi całkowicie tożsame. Jestem niczym. Jestem tylko tym, co tworzę. (Aleksander Nikołajewicz Skriabin)
Nie wolno nam zapominać, że tylko to, co jest zakorzenione wśród ludzi, jest trwałe. (Siergiej Iwanowicz Tanejew)
Osobiście mam wielkie zaufanie do muzycznych zdolności narodu rosyjskiego. Musimy zadbać o to, aby uśpione siły twórcze naszego ludu przebiły się i objawiły w twórczości na poziomie tych nieśmiertelnych ludowych melodii, które stanowią dla nas, uczonych muzyków, próbki nieosiągalne. (Siergiej Iwanowicz Tanejew)
Chwała sprawia, że ludzie czują, że jest w nich moc, w nich samych, a nie ma nic przyjemniejszego niż czuć moc w sobie. (Siergiej Iwanowicz Tanejew)
Tylko poprzez opanowanie doświadczenia wielkich muzyków z przeszłości, poprzez rozwijanie realistycznych tradycji, możliwe jest tworzenie dzieł godnych treścią i poziomem naszej epoki. (Tichon Nikołajewicz Chrennikow)
Śpiewność jest, jak sądzę, zasadą melodyczną, która powinna być obecna w każdym utworze każdego kompozytora, nabierając swoich specyficznych, indywidualnych cech w każdym gatunku muzycznym. (Tichon Nikołajewicz Chrennikow)
Piękno w muzycepolega nie na natłoku efektów i harmonicznych ciekawostek, ale na prostocie i naturalności. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Muzyka istnieje skarbiec, do którego każda narodowość wnosi swój wkład dla wspólnego dobra. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Tylko ta muzyka może dotknąć, zszokować i zranić, co wylało się z głębi duszy pobudzonej natchnieniem. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Pragnę z całych sił duszy, aby moja muzyka się rozprzestrzeniała, aby zwiększała się liczba osób, które ją kochają, znajdując w niej pociechę i wsparcie. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Wychowałem się w dziczy, od najwcześniejszego dzieciństwa byłem przepojony niewytłumaczalnym pięknem charakterystycznych cech rosyjskiej muzyki ludowej. Z pasją kocham element rosyjski we wszystkich jego przejawach. Jestem Rosjaninem w pełnym tego słowa znaczeniu. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Najcenniejszym przykładem jest rosyjska pieśń ludowa Sztuka ludowa. Piękno w muzyce nie tkwi w natłoku efektów i ciekawostek harmonicznych, ale w prostocie i naturalności. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Dysonans jest największą siłą muzyki. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Inspiracją jest taki gość, który nie lubi odwiedzać leniwych. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Tam, gdzie serce nie jest poruszone, nie może być muzyki. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Nawet osoba obdarzona pieczęcią geniusza nie stworzy niczego nie tylko wielkiego, ale i przeciętnego, jeśli nie pracuje piekielnie... (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Każdy na swój sposób służy dobru wspólnemu – a przecież sztuka jest, moim zdaniem, konieczną potrzebą ludzkości. Poza twoim sfera muzyczna Nie jestem w stanie służyć dobru bliźniego. (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
To, co obce ludzkiemu sercu, nie może być źródłem muzycznej inspiracji! (Piotra Iljicza Czajkowskiego)
Kochaj i ucz się wielkiej sztuki muzyka . To cię otworzy cały świat wysokie uczucia, pasje, myśli. Dzięki temu będziesz bogatszy duchowo. Dzięki muzyce odkryjesz nowe, nieznane Ci dotąd moce. Zobaczysz życie w nowych tonach i kolorach. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
miłośników i znawców muzyka nie rodzi się, lecz się staje... Aby zakochać się w muzyce, trzeba jej przede wszystkim słuchać. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Melodia - to jest myśl, to jest ruch, to jest dusza utworu muzycznego. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Muzyka towarzyszy człowiekowi przez całe życie... Trudno wyobrazić sobie życie człowieka bez muzyki. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Bez dźwięków muzyki byłby niepełny, głuchy, biedny. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Ludzie potrzebują wszelkiego rodzaju muzyki - od prostej melodii fletu po brzmienie wielkiej orkiestry symfonicznej, od prostej popularnej piosenki po sonaty Beethovena. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Skarby muzyki są niewyczerpane, podobnie jak jej możliwości w przyszłości. Będzie stale rosnąć i rozwijać się, tak jak ludzki duch będzie zawsze wzrastał i rozszerzał się. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Prawdziwa muzyka jest w stanie wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko postępowe, ludzkie idee… Nie znamy ani jednego utworu muzycznego, który gloryfikowałby złośliwość, nienawiść, rabunek. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Talent artysty nie jest jego własnością osobistą, należy do ludzi. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )
Tylko aby sztuka żyła, rozkwitała, była głęboko zakorzeniona w życiu, które swoje powołanie upatruje w służbie wielkiemu twórcy historii – ludowi. (Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz )

Aforyzmy wybitnych postaci rosyjskich:

Muzyka jest żywą mową, wrażliwie odzwierciedlającą rzeczywistość, podobnie jak mowa werbalna. (Borys Władimirowicz Asafiew)
... muzyka staje się jednością treści-formy w twórczości kompozytora ... jako ucieleśnienie zaintonowanej przez niego myśli-idei. (Borys Władimirowicz Asafiew)
... melodia była i pozostaje najbardziej dominującym przejawem muzyki oraz jej najbardziej zrozumiałym i wyrazistym elementem. (Borys Władimirowicz Asafiew)
Kompozytorzy powinni dążyć do takiego języka muzyki, który byłby słyszany przez miliony serc - od pieśni masowych po opery, kantaty i symfonie jako wysokie intelektualne uogólnienia. To tam powinny być kierowane idee i formy, które te idee wydobywają. Nie mówimy tu o taniej sielskości dla „niezrozumiałych” i rzekomo ociężałych słuchaczy, ale o majestatycznej prostocie, zawsze zrozumiałej dla ludzi szczerze spragnionych wrażeń z rodzimej sztuki i zawsze tkwiącej w ogólnie znaczących dziełach wielkich demokratów muzyki. (Borys Władimirowicz Asafiew)
Wpływ muzyki na dzieci jest korzystny, a im szybciej zaczną tego doświadczać na sobie, tym lepiej dla nich. (Wissarion Grigoriewicz Bieliński)
Ze wszystkich sztuk podległych człowiekowi tylko muzyka jest poza nim, ponad nim. Poza życiem i poza życiem. ( Paweł Wieżinow)
Rola muzyki w kształtowaniu osobowości człowieka jest naprawdę nieoceniona. Posiadając zdolność dotykania najgłębszych strun duszy, budzenia w człowieku jasnych, szlachetnych impulsów, obejmowania mas jednym nastrojem, muzyka jest słusznie uważana za jeden z najwyższych przejawów ludzkiej kultury. ()
Sztuka muzyczna jest jednym z najpotężniejszych środków jednoczenia szerokich mas w jednym uczuciu, w jednym impulsie. (Aleksander Borysowicz Goldenweiser)
Tylko największa sztuka - muzyka - w stanie dotknąć głębi duszy. (Maksym Gorki )
Nie znam innej sztuki, której można by tak bezgranicznie zaufać jak muzyce… nawet literaturze, która ponad 30 lat temu stała się moim upragnionym zawodem i podporządkowała sobie całe moje istnienie, nawet najmądrzejsza książka wielkiego pisarza czy najbardziej pasjonująca wiersze najlepszych poetów, bez względu na to, jak bardzo je kocham, nie przekonują mnie, że mają rację, a jednocześnie nie dają mi takiej niezależności poglądów. jak to się dzieje, gdy słucham muzyki! ( Lew Kassil)
Muzyka to kompozycja akustyczna, która budzi w nas apetyt na życie, tak jak znane kompozycje farmaceutyczne budzą apetyt na jedzenie. (Wasilij Osipowicz Klyuchevsky)
Radosna muzyka czyni jeszcze szczęśliwszym, nieszczęśliwym - jeszcze bardziej nieszczęśliwym. ( V. Kraczkowskiego)
Muzyka... ma niezwykle ożywczą i oczyszczającą moc. Słowo i czyn nabierają ogromnego znaczenia, gdy muzyka unosi je na skrzydłach. ()
Muzyka to dźwięki, ale muzyka to też cała masa uczuć, które otwierają się w tych dźwiękach dla wrażliwych ludzi.(Anatolij Wasiljewicz Łunaczarski)
Nie wiem, czy jest choć jeden wielki muzyk, o którym można powiedzieć, że jest przestarzały. Najprostsza pieśń pochodząca z głębi tysiącleci jest żywa. (Anatolij Wasiljewicz Łunaczarski)
Muzyka to dziedzina, w której ludzka sztuka stała się niepomiernie wyższa od natury. (Ilja Iljicz Miecznikow)
Muzyka ma więcej wspólnego z moralnymi działaniami człowieka, niż się powszechnie uważa. (Władimir Fiodorowicz Odojewski)
Nie wierz, że człowiek może od razu zrozumieć muzykę. To jest niemożliwe. Najpierw musisz się do tego przyzwyczaić. (Władimir Fiodorowicz Odojewski)
Od przyjemności życia

Muzyka ustępuje jednej miłości,

Ale miłość to melodia... (Aleksander Siergiejewicz Puszkin „Kamienny gość”)

Zawsze kochałem muzykę. Gdybym nie musiał tego słuchać przez długi czas, brakowałoby mi tego. (Ilja Efimowicz Repin)
O muzyka! Echo odległego harmonijnego świata! Westchnienie anioła w naszej duszy! ( Jeana Paula Richtera)
Sztuka jest niewyczerpana, jak życie. A nic nie pozwala nam poczuć tego lepiej niż niewyczerpana muzyka. niż ocean muzyki, który wypełnia wieki. ( Romain Rolland)
Muzyka jest wyższym objawieniem niż mądrość. ( Romain Rolland)
Muzyka jest nam droga, ponieważ jest najgłębszym wyrazem duszy, harmonijnym echem jej radości i smutków. ( Romain Rolland)
Muzyka, jak deszcz, kropla po kropli sączy się do serca i ożywia je. ( Romain Rolland)
Nie możesz żyć bez muzyki. To, moim zdaniem, jest najsilniejsza, najpotężniejsza sztuka, która ma niesamowitą moc nad duszami ludzi. (Martiros Siergiejewicz Saryan)
Dla mnie wyrażenie „człowiek i śpiew” brzmi jak „człowiek i powietrze”. Jeśli nie ma wystarczającej ilości powietrza, osoba się dusi. (Michaił Arkadjewicz Swietłow)
Muzyka jest językiem duszy; to sfera uczuć i nastrojów; to życie duszy wyrażone w dźwiękach. (Aleksander Nikołajewicz Serow)
Nigdzie pieśń ludowa nie grała i nie odgrywa takiej roli jak u nas, nigdzie nie zachowała się w takim bogactwie, sile i różnorodności jak u nas. Dało to muzyce rosyjskiej szczególny magazyn i fizjonomię i powołało ją do własnych zadań specjalnych. (Władimir Wasiljewicz Stasow)
...bez myśli nie ma poezji, bez melodii nie ma muzyki. (Władimir Wasiljewicz Stasow)
Muzyka jak każda inna ludzki język, powinno być nierozerwalnie związane z ludem, z ziemią tego ludu, z jego rozwój historyczny. (Władimir Wasiljewicz Stasow)
Muzyka, melodia, piękno dźwięki muzyczne- ważny środek moralnego i umysłowego wychowania człowieka, źródło szlachetności serca i czystości duszy. Muzyka otwiera ludziom oczy na piękno przyrody, relacje moralne, pracę. Dzięki muzyce człowiek budzi wyobrażenia o wzniosłości, majestacie, pięknie nie tylko w otaczającym go świecie, ale także w sobie. Muzyka jest potężnym środkiem samokształcenia. ()
Muzyka jest potężnym źródłem myśli. Bez edukacji muzycznej pełny rozwój umysłowy jest niemożliwy. (Wasilij Aleksandrowicz Suchomliński)
Muzyka łączy sferę moralną, emocjonalną i estetyczną człowieka. Muzyka jest językiem uczuć. (Wasilij Aleksandrowicz Suchomliński)
Geniusz, otwierając wieko fortepianu, otwiera dusze szeroko otwarte dla wszystkich! (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Prawdziwe muzy grają na strunach swojej duszy. (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Muse przyjaźni się z tymi, którzy są z nią w najlepszej harmonii. (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Muzyka duszy jest niewyśpiewaną pieśnią życia. (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Pianista wyszedł... Ale jego pianino gra pod prysznicem! (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Im wyższa dobra nuta, tym bardziej wyrafinowana powinna być jej harmonia. (Leonid Semenowicz Suchorukow)
Muzyka jest skrótem od uczućLew Nikołajewicz Tołstoj )
Muzyka to umysł ucieleśniony w pięknych dźwiękach. (Iwan Siergiejewicz Turgieniew)
Melodia to muzyka główna baza cała muzyka... (Antoni Pawłowicz Czechow)
Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę w muzyce. Melodia jest muzyką, głównym fundamentem całej muzyki, ponieważ doskonała melodia implikuje i ożywia jej harmonijny układ. (Antoni Pawłowicz Czechow)

Myślenie muzyczne to specyficzny intelektualny proces rozumienia oryginalności, wzorców kultury muzycznej i rozumienia dzieł sztuki muzycznej.

Specyfika, oryginalność myślenia muzycznego zależą od stopnia rozwoju zdolność muzyczna, a także warunki tego środowisko muzyczne w którym człowiek żyje i wychowuje się.

Zwróćmy szczególną uwagę na te różnice między kulturami muzycznymi Wschodu i Zachodu.

Muzykę orientalną cechuje myślenie monodyczne.: horyzontalny rozwój myśli muzycznej z wykorzystaniem licznych inklinacji modalnych /ponad osiemdziesiąt/, ćwierćton, jeden-ósemka, płynne zwroty melodyczne, bogactwo struktur rytmicznych, nietemperowane proporcje dźwiękowe, barwa i różnorodność melodyczna.

Europejska kultura muzyczna charakteryzuje się myśleniem homofoniczno-harmonicznym: rozwój myśli muzycznej wzdłuż pionu, związany z logiką ruchu sekwencji harmonicznych i rozwój na tej podstawie gatunków chóralnych i orkiestrowych.

Myślenie muzyczne badano od czasów starożytnych. Można więc powiedzieć, że system korelacji tonów muzycznych, odkryty przez Pitagorasa w trakcie jego eksperymentów z monochordem, położył podwaliny pod rozwój nauki o myśleniu muzycznym.

2. Rodzaje myślenia. Cechy indywidulane myślący

W sztuce muzycznej myślenie wizualno-realistyczne można przypisać działaniom wykonawcy, nauczyciela, wychowawcy.

Myślenie wizualno-figuratywne związany z konkretnym percepcja słuchacza.

Myślenie abstrakcyjne/teoretyczne, abstrakcyjno-logiczne/ związane jest z działalnością kompozytora, muzykologa. W związku ze specyfiką sztuki muzycznej można wyróżnić jeszcze jeden rodzaj myślenia, który jest charakterystyczny dla wszystkich rodzajów działalności muzycznej - jest to myślenie twórcze.

Wszystkie te typy myślenia muzycznego mają też charakter społeczno-historyczny, tj. należeć do pewnego epoka historyczna. Tak powstaje styl różnych epok.: stary styl polifonisty, styl Klasyka wiedeńska, styl romantyzmu, impresjonizmu itp. Jeszcze większą indywidualizację myślenia muzycznego obserwujemy w twórczości, w sposobie wyrażania myśli muzycznej, charakterystycznym dla konkretnego kompozytora czy wykonawcy. Każdy wspaniały artysta, nawet jeśli działa w ramach proponowanego przez społeczeństwo kierunku stylistycznego, jest niepowtarzalną indywidualnością /osobowością/.

Myślenie muzyczne jest bezpośrednio związane z narodzinami obrazu artystycznego. We współczesnej psychologii muzycznej artystyczny obraz utworu muzycznego jest uważany za jedność trzech zasad - materialnej, duchowej i logicznej. Element materialny obejmuje:

- tekst muzyczny

parametry akustyczne,

Melodia

Harmonia

metrorytmia,

dynamika,

Rejestr,

Faktura;

Do duchowość:

- sentymenty,

wspomnienia,

Wyrażenie,

Uczucia;

do logicznego początku:

Kiedy w umyśle kompozytora, wykonawcy, słuchacza panuje zrozumienie wszystkich tych zasad obrazu muzycznego, dopiero wtedy można mówić o obecności autentycznego myślenia muzycznego.

W działalności muzycznej myślenie koncentruje się głównie na następujących aspektach:

Przemyślenie figuratywnej struktury dzieła – możliwe stojące nad nimi skojarzenia, nastroje i myśli;

Myślenie o tkance muzycznej utworu - logika rozwoju myśli w konstrukcji harmonicznej, cechy melodii, rytm, faktura, dynamika, agogika, kształtowanie;

Znalezienie najdoskonalszych sposobów, metod i środków ucieleśnienia myśli i uczuć na instrumencie lub papierze nutowym.

Zdaniem wielu muzyków-pedagogów we współczesnej edukacji muzycznej często dominuje kształcenie zawodowych umiejętności gry uczniów, w którym uzupełnianie wiedzy o charakterze wzbogacającym i teoretycznym następuje powoli.

Wniosek: Poszerzenie światopoglądu muzycznego i ogólnointelektualnego, aktywnie przyczyniające się do rozwoju myślenia muzycznego, powinno być stałą troską młodego muzyka, gdyż zwiększa to jego możliwości zawodowe.

3. Logika rozwoju myśli muzycznej

W najbardziej ogólnej postaci logiczny rozwój myśli muzycznej zawiera, zgodnie ze znaną formułą B.V. Asafiewa, - impuls początkowy, ruch i zakończenie.

Początkowy impuls jest podawany we wstępnej prezentacji tematu lub dwóch tematów, co nazywa się ekspozycją lub ekspozycją.

Po przedstawieniu rozpoczyna się rozwój myśli muzycznej, a jednym z prostych przykładów jest tutaj powtórzenie i porównanie.

Innym przykładem rozwoju myśli muzycznej jest zasada wariacji i przemienności.

Awans- jest to rodzaj porównania, w którym każdy z sąsiednich odcinków zachowuje element poprzedniego i dołącza do niego nową kontynuację według wzoru ab-bc-cd.

progresywna kompresja- wtedy następuje wzrost dynamiki, przyspieszenie tempa, częstsza zmiana harmonii pod koniec części lub całości utworu.

Odszkodowanie- gdy jedna część utworu kompensuje, równoważy drugą pod względem charakteru, tempa i dynamiki.

4. Rozwój myślenia muzycznego

Zgodnie z ogólną koncepcją pedagogiczną słynny nauczyciel MI Makhmutowa, dla rozwoju umiejętności myślenia uczniów ważne jest wykorzystywanie sytuacji problemowych. PS można modelować poprzez:

Zderzenie uczniów ze zjawiskami życiowymi, faktami wymagającymi teoretycznego wyjaśnienia;

Organizacja pracy praktycznej;

Przedstawianie studentom zjawisk życiowych, które są sprzeczne z dotychczasowymi światowymi wyobrażeniami na temat tych zjawisk;

Formułowanie hipotez;

Zachęcanie uczniów do porównywania, porównywania i porównywania swojej wiedzy;

Zachęcanie studentów do wstępnego uogólniania nowych faktów;

Zadania badawcze.

W odniesieniu do zadań edukacji muzycznej sytuacje problemowe można sformułować w następujący sposób.

Aby rozwinąć umiejętności myślenia w procesie odbioru muzyki, zaleca się:

Ujawnij główne intonacyjne ziarno w utworze;

Określ ze słuchu kierunki stylistyczne utworu muzycznego;

Znajdź między innymi utwór muzyczny określonego kompozytora;

Ujawnij cechy stylu wykonawczego;

Zidentyfikuj sekwencje harmoniczne ze słuchu;

Dopasuj smak, zapach, kolor, literaturę, malarstwo itp. do muzyki.

Aby rozwinąć umiejętność myślenia w trakcie wykonywania, należy:

Porównaj plan wydajności różnych wydań;

Znajdź wiodące intonacje i twierdze, wzdłuż których rozwija się myśl muzyczna;

Sporządź kilka planów wykonania pracy;

Wykonaj pracę z różnymi wyimaginowanymi orkiestracjami;

Wykonaj pracę w innym wyobrażonym kolorze.

Rozwijanie umiejętności myślenia w procesie komponowania muzyki:

Rozwijaj melodycznie sekwencje harmoniczne w oparciu o ogólny bas, bourdon, rytmiczne ostinato;

Podnieś znajome piosenki ze słuchu;

improwizować utwory o charakterze tonalnym i atonalnym dla danego stanu emocjonalnego lub obrazu artystycznego;

Ucieleśnienie mowy, codzienne dialogi w materiale muzycznym;

Improwizacja na różne epoki, style, postacie;

Stylistyczne, gatunkowe zróżnicowanie tego samego dzieła.

5. Pedagogiczne przesłanki kształtowania myślenia muzycznego uczniów adolescencja(w zakresie lekcji muzyki)

Myślenie muzyczne jest ważnym elementem kultury muzycznej. Dlatego poziom jej rozwoju w dużej mierze determinuje kulturę muzyczną i młodzież szkolną. Zadania stawiane przez program muzyczny:

Wykorzystywać muzykę w rozwoju kultury emocjonalnej uczniów;

Kształtowanie w nich umiejętności świadomego postrzegania utworów muzycznych;

Pomyśl kreatywnie o ich treści;

Wpływać na temat poprzez muzykę;

Rozwijaj umiejętności uczniów.

Zgodnie z tym formułowane są również wymagania dotyczące lekcji muzyki (w szkoła ogólnokształcąca, W Szkoła Muzyczna itp.), która powinna być holistyczna, mająca na celu emocjonalne komunikowanie uczniów z muzyką.

Percepcja utworów muzycznych przez młodzież dorastającą obejmuje:

- ich świadomość swoich emocjonalnych obserwacji, doświadczeń;

- wyjaśnienie stopnia ich zgodności z treścią utworu muzycznego, tj. jej rozumienie, ocena oparta na przyswojeniu pewnego systemu wiedzy i wyobrażeń o muzyce jako sztuce.

Na podstawie analizy programów muzycznych, uwzględniającej psychologiczne i pedagogiczne aspekty aktywności muzycznej dorastających uczniów, można zidentyfikować szereg czynników, które w pewien sposób determinują poziom kształtowania się ich umiejętności myślenia muzycznego.

1. Czynniki psychologiczne i pedagogiczne:

Zdolności wrodzone (reagowanie emocjonalne na muzykę, zdolności sensoryczne: słuch melodyczny, harmoniczny i inne rodzaje słuchu muzycznego, poczucie rytmu muzycznego, pozwalające z powodzeniem angażować się w działania muzyczne;

Cechy indywidualno-charakterologiczne dziecka, przyczyniające się do określenia jakości jego sfery emocjonalnej i wolicjonalnej (zdolność koncentracji, umiejętność logicznego i abstrakcyjnego myślenia, receptywność, wrażliwość, rozwój idei, fantazja, pamięć muzyczna);

Cechy motywacji aktywności muzycznej (zadowolenie z obcowania z muzyką, identyfikacja zainteresowań muzycznych, potrzeb);

2. Czynniki analityczne i technologiczne:

Student posiada pewien zasób wiedzy muzyczno-teoretycznej i historycznej, umiejętności rozumienia cech język muzyczny, umiejętność operowania nimi w procesie aktywności muzycznej.

3. Czynniki artystyczne i estetyczne:

Obecność pewnego doświadczenia artystycznego, poziom rozwój estetyczny, wystarczająca formacja gust muzyczny, umiejętność analizy i oceny dzieł muzycznych z punktu widzenia ich wartości i znaczenia artystycznego i estetycznego.

Obecność pewnych elementów myślenia muzycznego u dorastających uczniów, poziomy jego powstawania można ustalić za pomocą następujących kryteriów w procesie badawczej działalności pedagogicznej.

1. Charakterystyka reprodukcyjnego komponentu myślenia muzycznego:

Zainteresowanie działalnością muzyczną;

Znajomość specyfiki elementów języka muzycznego, ich możliwości ekspresyjnych, umiejętność operowania wiedzą muzyczną w procesie percepcji i wykonania utworów muzycznych (według wskazań nauczyciela).

2. Charakterystyka reprodukcyjnego i produkcyjnego komponentu myślenia muzycznego:

Obecność zainteresowania wykonawstwem utworów ludowych i klasycznych gatunków pieśni;

Umiejętność adekwatnego postrzegania i interpretowania obrazu artystycznego utworu;

Umiejętność tworzenia własny plan jej występy, aranżacje;

Umiejętność obiektywnej oceny własny występ piosenki;

Umiejętność całościowej analizy dzieła muzycznego z punktu widzenia jego dramaturgii, cech gatunkowych i stylistycznych, wartości artystycznych i estetycznych.

3. Charakterystyka produktywnego komponentu myślenia muzycznego:

Potrzeba kreatywności w różnych rodzajach działalności muzycznej;

Opracowanie systemu reprezentacji muzycznych i słuchowych, umiejętność ich wykorzystania w praktycznych działaniach muzycznych;

Specjalny zdolności artystyczne(wizja artystyczna i figuratywna itp.);

Umiejętność operowania środkami języka muzycznego (mowy) w procesie tworzenia własnych sampli muzycznych.

Literatura

1. Belyaeva-Instance S.N. O psychologii percepcji muzyki - M .: Wydawnictwo rosyjski knizhnik, 1923. - 115 s.

2. Berkhin NB Częste problemy psychologia sztuki. - M.: Wiedza, 1981. - 64 s. - (Nowość w życiu, nauce, technologii; Seria „Estetyka”; nr 10)

3. Bludova V.V. Dwa rodzaje percepcji i cechy percepcji dzieł sztuki // Problemy etyki i estetyki. - L., 1975. - Wyd. 2. - S. 147-154.

4. Vilyunas V.K. Psychologia zjawisk emocjonalnych / wyd. OV Owczinnikowa. - M .: Wydawnictwo Moskwy. un-ta, 1976. - 142 s.

5. Witt N.V. O emocjach i ich wyrażaniu // Zagadnienia psychologii. - 1964. - Nr 3. - S. 140-154.

6. Vojvodina L.P., Szewczenko O.O. Pedagogiczne przemyślenie na nowo kształtowania się myśli muzycznej wśród młodszych uczniów // Biuletyn Państwowego Uniwersytetu Pedagogicznego w Ługańsku im. T. Szewczenko Czasopismo naukowe nr 8 (18) (Według materiałów Ogólnoukraińskiej Konferencji Naukowo-Metodologicznej „Kultura artystyczna w systemie szkolnictwa wyższego” 20-23 stycznia 1999 r.). - Ługańsk, 1999. - S. 97-98.

7. Galperin P.Ya. Psychologia myślenia i doktryna stopniowego formowania działań umysłowych // Studia nad myśleniem w psychologii sowieckiej - M., 1966.

8. Golovinsky G. O wariancji percepcji obrazu muzycznego // Percepcja muzyki. - M., 1980. - S.

9. Dneprov V.D. O emocjach muzycznych: refleksje estetyczne // Kryzys kultury i muzyki mieszczańskiej. - L., 1972. - Wydanie. 5. - S.99-174.

10. Keczchuaszwili G.N. O roli postawy w ocenie utworów muzycznych // Pytania psychologii. - 1975. - Nr 5. - S. 63-70.

11. Kostiuk A.G. Teoria percepcji muzycznej a problem muzycznej i estetycznej rzeczywistości muzycznej // Sztuka muzyczna społeczeństwa socjalistycznego: Problemy duchowego wzbogacenia jednostki. - Kijów, 1982. - S. 18-20.

12. Meduszewski V.V. Jak aranżowane są artystyczne środki muzyczne // Eseje estetyczne. - M., 1977. - Wyd. 4. - S. 79-113.

13. Meduszewski V.V. O prawidłowościach i środkach artystycznego oddziaływania muzyki. - M.: Muzyka, 1976. - 354 s.

14. Meduszewski V.V. O treści pojęcia „odpowiedniej percepcji” // Percepcja muzyki. sob. artykuły. / Komp. W. Maksimow. - M., 1980. - S. 178-194.

15. Nazaikinsky E.V. O psychologii percepcji muzycznej. - M.: Muzyka, 1972. - 383 s.: piekło. i notatki. chory.

16. Sokołow O.V. O zasadach myślenia strukturalnego w muzyce // Problemy myślenia muzycznego. sob. artykuły. - M., 1974.

17. Tepłow B.M. Psychologia zdolności muzycznych. - M., 1947.

18. Yuzbashan Yu.A., Weiss P.F. Rozwój myślenia muzycznego młodszych uczniów. M., 1983.

Specyfika sztuki muzycznej. Podobnie jak inne rodzaje duchowej aktywności człowieka, muzyka jest środkiem poznania świata, danym człowiekowi, aby nauczył się rozumieć siebie, dostrzegać piękno Wszechświata i rozumieć sens życia.

Muzyka jest językiem uczuć, powiedział Robert Schumann. Ale muzyka zaczęła uczyć się wyrażania uczuć dopiero pod koniec renesansu, na przełomie XVI-XVII wieku. Był to czas, kiedy człowiek uświadomił sobie, że jest zdolny do myślenia, odczuwania i tworzenia, kiedy rozkwitła sztuka świecka i narodziła się opera.

Ekspresja ludzkich namiętności-afektów stała się naczelnym zadaniem sztuki muzycznej w XVIII wieku, a w dobie romantyzmu świat emocji i doznań staje się głównym obszarem, do którego zwracają się kompozytorzy w poszukiwaniu tematów, obrazów, a nawet środków. ekspresji. Uczucia, dźwięki, szkice otaczającego życia, ruch Ale czy świat idei nie podlega muzyce? Każde prawdziwie muzyczne dzieło ma swój pomysł, argumentował Beethoven.

Ideę, wyrażoną w słynnej V Symfonii, sam autor sformułował następująco: Od ciemności do światła, przez walkę do zwycięstwa. Wcale nie jest konieczne, aby słowo pomagało muzyce w ucieleśnieniu idei - czy to będzie program literacki, libretto operowe, poetycki epigraf lub wyjaśnienia autora. Nie znamy programu VI Symfonii Czajkowskiego, który według samego kompozytora istniał w jego wyobraźni, bardzo nieliczni znają fragmentaryczne wypowiedzi Czajkowskiego, konkretyzujące figuratywną i ideową treść dzieła.

Jednak mało prawdopodobne jest, aby ktokolwiek miał wątpliwości, że jest to muzyka o życiu i śmierci, o pomieszaniu ludzkiego ducha, zrozumieniu tragicznej nieuchronności odejścia. Kabalevsky D. Edukacja umysłu i serca Moskwa, Oświecenie, 1981 Emocje i doznania, ruch i zmiana, idee i przedstawienia, życie i natura, realne i fantastyczne, najsubtelniejsze niuanse kolorów i wielkie uogólnienia - wszystko jest dostępne dla muzyki, choć nie w takim samym stopniu.

Co oznacza sztuka muzyczna, jakie wzorce leżą u jego podstaw, w jakich formach wyraża tak różnorodną treść? Muzyka istnieje w specjalnym układzie współrzędnych, którego najważniejszymi wymiarami są przestrzeń dźwiękowa i czas.

Oba wymiary składają się na podstawowe, gatunkowe właściwości muzyki, choć tylko pierwszy jest jej specyficzny – wysokość. Spośród tysięcy dźwięków otaczającego świata tylko dźwięki muzyczne mogą stać się muzyką.Noise i efekty perkusyjne są stosowane bardzo wybiórczo nawet w utworach współczesnych kompozytorów awangardowych. Ale sam dźwięk muzyczny nie może być odbierany ani emocjonalnie, ani estetycznie. Jeszcze nie muzyka, ale zestaw muzycznych dźwięków, który można porównać do palety artysty lub zestawu słów, którymi dysponuje poeta.

Uważa się, że głównymi środkami wyrazu muzyki są melodia, harmonia i rytm. Nośnikiem znaczenia i najmniejszą jednostką strukturalną języka muzycznego jest intonacja, której istnienie ponownie potwierdza głęboki związek między dwoma światami – słownym i dźwiękowym – i dowodzi, że na początku muzyki było też słowo. Jednak tutaj pojęcie intonacji nabiera innego, znacznie głębszego i bardziej wszechstronnego znaczenia.

Bardzo trafnie powiedział to akademik B. Asafiew: Muzyka jest sztuką intonowanego znaczenia. Stąd niektórzy terminy muzyczne- tonika, tonacja, intonacja, intonacja. Przodkami wielu intonacji muzycznych były intonacje mowy ludzkiej, ale nie zwykłe, ale takie, które pojawiają się w momentach najżywszej ekspresji namiętności czy emocji.

Intonacje płaczu, skargi, okrzyki czy pytania przywędrowały do muzyki z życia i nawet nie kojarzone ze słowem, np. w gatunkach instrumentalnych, zachowują swoje pierwotne znaczenie emocjonalne i psychologiczne. Lament Dydony z opery Dydona i Eneasz G. Purcella, lament świętego błazna z opery M. Musorgskiego Borys Godunow wyrażają żałobne wzruszenie równie wyraziście, jak czwarta część VI Symfonii Czajkowskiego czy Marsz żałobny z II sonaty F. Chopina. Rosnąca seksta – tak zwany motyw pytania – rzeczywiście doskonale oddaje pytającą intonację ludzkiej mowy. Nieprzypadkowo był on tak często używany przez kompozytorów romantycznych i znalazł szerokie zastosowanie w utworach o charakterze emocjonalno-lirycznym, jak słynna miniatura Schumanna Dlaczego? z cykl fortepianowy Fantastyczne zagrania. Obowiązkowym atrybutem heroicznej zasady w muzyce są intonacje rozkazujące, inwokacyjne - w szczególności kwarta wstępująca, na której ostatni dźwięk pada akcent metryczny.

To prawda, że jego geneza związana jest nie tylko z mową, ale także z wojskową i sygnałową muzyką miejską, która została napisana głównie na instrumenty dęte. Wkraczając w profesjonalną twórczość muzyczną i tracąc swoją funkcję użytkową, te elementy intonacyjne uległy istotnym zmianom, jednak sama istota ich wyrazistości pozostała ta sama – to energetyczna kwarta i trisoniczne motywy decydują o charakterze głównego obrazu afektu w heroicznych ariach włoskiej opery seria, w rewolucyjnych pieśniach i uroczystych hymnach, w Eroica Symphony Beethovena i poemacie symfonicznym Don Giovanni Richarda Straussa. Nie każda muzyka wykazuje bezpośredni związek z intonacją mowy. Gdyby tak było, zakres jego możliwości ekspresyjnych nie byłby tak szeroki.

Na przykład w tematach składu pieśni elementy mowy okazują się jakby rozpuszczone, wygładzone, a często w ogóle ich nie ma – wówczas uwagę słuchacza przykuwa przede wszystkim sama linia melodyczna, piękno jego wzoru, giętkość, a czasem dziwaczna plastyczność form dźwiękowych. Taka jest włoska kantylena operowa, klasycznym przykładem jest cavatina Normy z opery V. Belliniego pod tym samym tytułem, liryczne tematy Czajkowskiego czy Rachmaninowa, przypomnijmy wolną część jego II koncertu fortepianowego. Intonacja w muzyce ma pewne znaczenie ekspresyjne, ale nie odsłania wszystkich aspektów obrazu artystycznego i nie może pełnić roli konstruktywnej, formacyjnej. Funkcje te przejmuje temat muzyczny – główna jednostka semantyczno-konstrukcyjna każdego utworu muzycznego, nie utożsamiana z melodią.

Melodia, jakkolwiek ważna, to tylko jedna strona tematu. Są też utwory bez melodii w zwykłym tego słowa znaczeniu, preludia i toccaty z epoki baroku, wstęp do opery Wagnera Złoto Renu, symfoniczny obraz Ladowa Czarodziejskie jezioro, preludia Debussy'ego czy dzieła kompozytorów współczesnych - O. Messiaena, K. Stockhausena, A. Schnittke i wielu innych. Nie ma jednak muzyki bez tematu.

Tematem w najgłębszym i najbardziej uniwersalnym znaczeniu jest rodzaj muzycznej jedności, w której współgrają ze sobą wszystkie środki wyrazu muzycznego - melodia, tryb i harmonia, metrum i rytm, faktura, barwa, rejestr i składowe budujące formę.

Każdy z tych elementów ma specyficzne właściwości właściwe tylko jemu i ma swój własny obszar działania, to znaczy wykonuje określone zadania figuratywne i kompozycyjne. Kabalevsky D. Edukacja umysłu i serca Moskwa, Oświecenie, 1981 Melodia.

To nie przypadek, że znalazła się na szczycie naszej listy.

Monofoniczny ciąg dźwięków, monofoniczna myśl muzyczna — oto teoretyczne definicje melodii. Ale są też inne interpretacje. Melodia to myśl, to ruch, to dusza utworu muzycznego – powiedział Szostakowicz. Jego słowa doskonale uzupełnił Asafiew Melodia była i pozostaje najbardziej dominującym przejawem muzyki oraz jej najbardziej zrozumiałym i wyrazistym elementem. Rzeczywiście, przez cały czas nic nie było tak cenione wśród muzyków, jak umiejętność komponowania melodii ze wszystkich elementów języka muzycznego; tak bezpośrednio oddziałuje na zmysł estetyczny człowieka i nic pełniej niż melodia nie może przywrócić w naszych umysłach holistycznego obrazu utworu muzycznego.

Ale melodia nie może istnieć sama z siebie. Dźwięki, z których składa się melodia, muszą być zorganizowane w pewien system, który nazywa się trybem; przypomnijmy sobie inne znaczenia rosyjskiego słowa lad - porządek, zgoda, rozsądny, poprawny układ. Działania wszystkich elementów trybu są skoordynowane, każdy z nich jest funkcjonalnie połączony z pozostałymi; istnieje element centralny - tonik i elementy mu podporządkowane. Dzięki temu w muzyce powstaje grawitacja – pewne pole przyciągania i odpychania, które sprawia, że niektóre dźwięki słyszymy jako stabilne, spokojne, zrównoważone, a inne jako niestabilne, dynamicznie dążące i wymagające przyzwolenia, analogii do tej właściwości nie znajdziemy muzyka w jakiejkolwiek innej sztuce, można ją porównać tylko do siły powaga. Dźwięki muzyczne mają jeszcze jedną właściwość.

Można je łączyć ze sobą nie tylko sekwencyjnie, ale także jednocześnie i tworzyć przeróżne kombinacje - interwały, akordy.

Przeciwnie, kombinacje dźwiękowe i zdolność naszego ucha do uchwycenia ich jako czegoś integralnego, dają muzyce dodatkowe właściwości ekspresyjne, z których najważniejszą jest harmonia. Kombinacje dźwięków są przez nas postrzegane na różne sposoby, albo jako eufoniczne - współbrzmiące z lat - zgodność, konsonans, harmonia, albo jako dysonansowe, wewnętrznie sprzeczne - dysonanse.

Żywym przykładem organizacji harmonicznej jest klasyczna dur lub moll, która stała się podstawą muzyki wielu epok i stylów. W tych siedmiostopniowych trybach centrum przyciągania i głównym stabilnym elementem, który ujarzmia niestabilne kroki, interwały i akordy, jest akord triady tonicznej, który znajduje się na pierwszym stopniu trybu. Każdy amator, który umie grać na gitarze trzy charakterystyczne akordy - tonik T, subdominant S i dominujący triad D, zna podstawy klasycznego systemu tonalnego.

Oprócz dur i moll istnieje wiele innych trybów – znajdziemy je w systemach muzycznych. świat starożytny, W muzyka dawna w folklorze ich spektrum znacznie poszerzyła twórczość kompozytorów XX wieku. Kabalevsky D. Edukacja umysłu i serca Moskwa, Oświecenie, 1981 Harmonia powstaje w warunkach harmonii, czyli w pewien sposób zorganizowanej przestrzeni dźwiękowej.

Harmonia w potocznym tego słowa znaczeniu narodziła się dopiero w epoce baroku, nabrała wyraźnych form w utworach klasyków wiedeńskich i doprowadzona została do najwyższej złożoności, wyrafinowania i różnorodności w muzyce romantycznej, która zachwiała czołowymi pozycjami melodii. W muzyce XX wieku powstało wiele nowych systemów organizacji harmonicznej, na przykład u impresjonistów Debussy'ego i Ravela, Messiaena czy Strawińskiego. Niektórzy kompozytorzy – wśród nich Rachmaninow i Miaskowski – pozostali wierni zasadom klasyczno-romantycznym, a tacy artyści jak Prokofiew czy Szostakowicz w dziedzinie środków harmonicznych potrafili organicznie łączyć tradycję z nowatorstwem.

Funkcje harmonii są bardzo różnorodne i odpowiedzialne. Po pierwsze, zapewnia poziome połączenie współbrzmień w utworze muzycznym, czyli jest jednym z głównych dyrygentów czasu muzycznego. Dzięki przemianie harmonii stabilnych i niestabilnych, spółgłoskowych i dysonansowych odczuwamy momenty spiętrzenia napięć, wzlotów i upadków – tak manifestują się ekspresyjne i dynamiczne właściwości harmonii.

Po drugie, harmonia daje poczucie barwy dźwięku, ponieważ jest w stanie wprowadzić do muzyki subtelne przejścia światła i barwy, stworzyć efekt dopasowywania barwnych plam i płynnej zmiany subtelnych niuansów kolorystycznych. W różnych epokach różni kompozytorzy różnie manifestowali pewne właściwości harmonii; klasycy cenili w niej przede wszystkim umiejętność logicznego łączenia współbrzmień, aktywizowania procesu rozwoju muzycznego i budowania kompozycji, co było szczególnie wyraźne w sonatowej formie romantyzm, znacznie wzmocnił rolę ekspresyjno-emocjonalnych walorów harmonii, choć kompozytorzy nieimpresjonistyczni byli obojętni na barwność brzmienia i bez reszty pogrążeni w podziwianiu barw dźwiękowych – nieprzypadkowo sama nazwa tego kierunku wiąże się bezpośrednio z podobnym trend w malarstwie europejskim.

Przejawy właściwości ekspresyjnych trybu są bardzo różnorodne.

Major i minor, znane wszystkim, mają dobrze określoną kolorystykę emocjonalną i kolorystyczną. Major brzmi lekko, optymistycznie i kojarzy się z radosnymi, jasnymi obrazami, muzyka pisana w minorze jest z reguły ponura i kojarzy się z wyrażanie nastrojów smutno-melancholijnych lub żałobnych. Każdy z 24 klawiszy jest przez nas postrzegany na zupełnie inne sposoby. Już w epoce baroku nadano im szczególne znaczenie symboliczne, które zachowało się dla nich do dnia dzisiejszego. Tak więc C-dur kojarzy się ze światłem, czystością, blaskiem boskiego umysłu.D-dur najlepiej nadaje się do wyrażenia uczucia radości i triumfu - to jest tonacja Beethovenowskiej Mszy uroczystej, radosnych, pochwalnych chórów Bacha High Mszy - takich jak Gloria Glory czy Et resurrexit I zmartwychwstały si minor – sfera obrazów żałobno-tragicznych, nie bez powodu Bach użył tej tonacji w tych liczbach mszalnych, gdzie mowa o ofierze i cierpieniu Jezusa.

Tak więc harmonia i harmonia zapewniają istnienie muzyki w przestrzeni dźwiękowej.

Ale muzyka jest nie do pomyślenia poza drugą osią współrzędnych - czasem muzycznym, którego wyrazami są metrum, rytm i tempo. Licznik dzieli czas muzyczny na równe segmenty – udziały metryczne, które okazują się nierówne w znaczeniu, to udziały wspierających silnych i niewspierających słabych. W takiej organizacji łatwo dopatrzyć się analogii do poezji – to po raz kolejny potwierdza głębokie pokrewieństwo obu sztuk. Podobnie jak w poezji, w muzyce występują metrum dwugłosowe i trójgłosowe, które w dużej mierze determinują charakter ruchu, a nawet cechy gatunkowe danego utworu. Tak więc metrum trzytaktowe, w którym pierwszy takt jest akcentowany, pozwala rozpoznać walca, a jednolita zmiana trwania w warunkach dwutaktowych pomaga uchwycić początek marszu.

Jednak przy całym swoim znaczeniu metrum jest tylko podstawą, jest tylko siatką, płótnem, na które nakładany jest rytmiczny wzór. To rytm konkretyzuje ten lub inny gatunek w muzyce i nadaje indywidualności każdej melodii.

Znaczenie rytmu jest szczególnie widoczne w różnych gatunkach tanecznych, z których każdy ma specjalną formułę rytmiczną. Dzięki rytmowi, nawet nie słysząc melodii, można dokładnie odróżnić walca od mazurka, marsza od polki, bolera od poloneza. Duże znaczenie w muzyce ma tempo - czyli szybkość wykonania, która zależy od częstotliwości naprzemiennych uderzeń metrycznych. Wolne, szybkie i umiarkowane stawki kojarzą się nie tylko z różne rodzaje ruchów, ale też z pewnym zakresem ekspresji.

Nie sposób sobie wyobrazić np. elegii-romansu w szybkim tempie czy Krakowiaka w tempie adagia. Tempo ma silny wpływ na nastrój gatunku - to właśnie powolny charakter części pozwala odróżnić marsz żałobny od marsza wojskowego czy marsza scherza, a bardziej radykalne zmiany tempa mogą całkowicie przemyśleć gatunek - z kolei powolny liryczny walc przechodzi w zawrotne scherzo i dzielny menuet w majestatycznie imponującą sarabandę.

Często tempo i metrum odgrywają decydującą rolę w tworzeniu obrazu muzycznego. Porównajmy dwa najsłynniejsze dzieła Mozarta – temat pierwszej części 40. symfonii i arię Paminy z drugiego aktu opery Czarodziejski flet. Oparte są na tej samej intonacji skargi - lamento, utrzymanej w elegijnej tonacji g-moll. Muzyka pierwszej części symfonii przypomina wzburzoną mowę, w której wprost wylewa się uczucie, stwarza wrażenie drżącego, niemal romantycznego impulsu. Tekst arii jest smutny, głęboki, beznadziejny, jakby skuty od wewnątrz łańcuchem, ale pełen ukrytego napięcia.

Jednocześnie decydujący wpływ na charakter obrazu lirycznego ma tempo w pierwszym przypadku szybkie, w drugim wolne, a także wielkość w symfonii dwugłosowej, z motywami jambicznymi dążenie do silnego udziału beatu, w arii Paminy - z pulsacją trzyczęściową, złagodzoną i bardziej płynną. . Środki wyrazu muzycznego – melodia, metrorytmia, tryb i harmonia – muszą być skoordynowane i zorganizowane w określony sposób, muszą znaleźć jakieś materialne wcielenie.

W muzyce odpowiada za to faktura, którą można określić jako rodzaj prezentacji materiał muzyczny, sposób konstruowania tkaniny muzycznej. Istnieje wiele rodzajów tekstur. Wyróżnimy tylko dwie najważniejsze zasady organizacji tkanki muzycznej - polifonię i homofonię. Pierwszy powstaje w wyniku połączenia kilku niezależnych głosów melodycznych. Jeśli ten sam materiał tematyczny jest używany we wszystkich głosach naprzemiennie lub z pewnym nałożeniem, powstaje polifonia imitacyjna - ten typ faktury dominuje w świeckiej i kościelnej muzyce chóralnej renesansu, jest szeroko reprezentowany w dziełach mistrzów polifonii barokowej , zwłaszcza w fugach Bacha i Haendlu.

Jeśli różne melodie zestawione są ze sobą wertykalnie, to mamy do czynienia z kontrastującą polifonią. Nie jest tak rozpowszechniony w muzyce jak imitacja, ale występuje w utworach różnych epok i stylów – od średniowiecza po współczesność. Tak więc w trio Komandora, Don Giovanniego i Leporello z opery Mozarta Don Giovanni, każdego z uczestników ogarnia jego własne uczucie, dlatego partie wokalne bohaterów, łącząc się w polifoniczny zespół, wyraźnie kontrastują ze sobą , ból i cierpienie wyrażone są w lamentujących frazach Dowódcy, litość i mrożący krew w żyłach strach przed śmiercią ucieleśniają serdeczną kantylenową melodię Don Juana, a tchórzliwy Leporello mamrocze półgłosem swój tupot.

Drugi typ faktury – homofonia – implikuje obecność wiodącego głosu melodycznego i akompaniamentu.

Możliwa jest tu także różnorodność wariantów – od prostego magazynu akordów, w którym rolę melodyczną pełni górny głos chóralnego chorału Bacha, po melodię z rozbudowanym, zindywidualizowanym akompaniamentem nokturnów Chopina, preludiów Rachmaninowa. Kabalevsky D. Edukacja umysłu i serca Moskwa, Oświecenie, 1981 Wszystko, co zostało omówione do tej pory, ma fundamentalne znaczenie dla muzyki, ale istnieje tylko na papierze muzycznym, dopóki nie zostanie ucieleśnione w dźwiękach, ponieważ dźwięk jest nieodzownym warunkiem istnienia muzyki. sztuka muzyczna.

Jak materializuje się dźwięk, jak muzyka przekazuje słuchaczowi swoje znaczenie? Ta tajemnica tkwi w szczególnej sferze środków wyrazowych - całym świecie barw. Ludzkie głosy i instrumenty – instrumenty dęte drewniane, blaszane, smyczki i perkusja – nadają muzyce żywiołowego oddechu i niesamowitej różnorodności barw.

Występują zarówno indywidualnie, jak iw niezliczonych kombinacjach, z których każda ma bardzo szczególne cechy wyrazu i koloru. Solówka wokalna ujawnia najsubtelniejsze niuanse emocjonalne, a monumentalne, freskowe brzmienie chóru mieszanego jest w stanie wstrząsnąć sklepieniami katedr i sal koncertowych. Kwartet smyczkowy, zaskakująca ciepłem i jednością barw, stwarza jednocześnie wrażenie plastyczności i graficznej wyrazistości linii; nieharmonijne instrumenty dęte drewniane urzekają akwarelową przejrzystością i wyrazistością barw.

Odrębność głosów i instrumentów była dostrzegana przez kompozytorów od bardzo dawna. Szczere solówki, podobne do tematu powolnej części IV Symfonii Czajkowskiego, często powierzane są obojowi.Błyszczące i chłodno-przejrzyste gracje są doskonałe dla fletu - nie na próżno używa go Rimski-Korsakow, charakteryzujący piękną , ale pozbawiona ludzkiego ciepła Śnieżna Panna, głosem natury tradycyjnie staje się zewem waltorni. że w tłumaczeniu z niemieckiego słowo to oznacza leśny róg - to on wykonuje tematy pasterskie w uwerturach Webera do oper Oberon i Free Gunner; Przypomnijmy słynny temat drugorzędny pierwszej części VI Symfonii Czajkowskiego. Należy pamiętać, że wszystkie środki wyrazu muzycznego są ze sobą ściśle powiązane.

Większość z nich w ogóle nie istnieje sama, więc melodia jest nie do pomyślenia poza rytmem i harmonią, bez harmonii i faktury harmonia nie może powstać, a rytm, choć bardziej niezależny niż wszystkie inne elementy, jest jednowymiarowy i pozbawiony podstawowa istota muzyki – dźwięk. Wzajemne powiązanie wszystkich środków muzycznego wyrazu odnajdujemy dosłownie na każdym kroku. Rzeczywiście, z samej sekwencji dźwięków odtwarzanych w dowolnym tempie i rytmie trudno jest rozpoznać nawet bardzo znajomą melodię.

Porównajmy kilka przykładów – niech to będzie temat Czernomoru z Rusłana i Ludmiły Glinki, motyw przewodni włóczni Wotana z Wagnerowskiego Pierścienia Nibelunga i temat pas de deux z baletu Dziadek do orzechów. Ich melodie są praktycznie takie same - wszystkie reprezentują najprostszą malejącą skalę.

Ale co sprawia, że te tematy są tak różne – do tego stopnia, że jeden z nich ucieleśnia siły zła, drugi symbolizuje zwycięstwo miłości i dobra, a trzeci wyraża całkowicie abstrakcyjną ideę? Rzecz w tym, że te same melodie osadzone są w zupełnie innych warunkach metrum rytmicznych, harmonicznych, fakturalnych i barwowych; rytm marszowy, ascetyczna prezentacja unisono i głucha barwa barw niskich smyczków i instrumentów dętych decydują o charakterze wagnerowskiego motywu przewodniego oświeconej kolorystyce durowej, barwność i lot niestabilnej harmonii na mocnym uderzeniu, plastyczność rytmiczna i ciepłe, pełne brzmienie smyczków czynią z prostej skali jeden z najpiękniejszych tematów lirycznych Czajkowskiego.

Kabalevsky D. Education of the Mind and Heart Moskwa, Prosveshchenie, 1981 Teraz, kiedy zbadaliśmy różne elementy języka muzycznego, zobaczyliśmy złożoność i różnorodność ich powiązań, należy pamiętać, że wszystkie one są tylko środkami wyrażania artystycznego wizerunku.

Ale przecież w sztuce tymczasowej obraz nigdy nie pozostaje niezmieniony, nawet jego wyświetlenie wymaga czasu.

Jeśli obrazów jest kilka, to i one, i percepcja słuchacza tym bardziej potrzebują jakiejś siły, która organizuje cały zespół środków wyrazu w strumieniu czasowym. Zadanie to spełnia w muzyce forma, której złożoność rozumienia potęguje fakt, że jest ona zrozumiała dopiero w momencie wykonania utworu muzycznego.

Z jednej strony forma jest kompozycją, czyli strukturą dzieła, łączącą ze sobą wszystkie jego części. Według harmonii i równowagi kompozycji, według harmonii proporcji części i całości, ocenia się często wartość utworu muzycznego, nie na próżno Glinka powiedział, że Forma znaczy piękno. Jednocześnie forma jest jednym z najwyższych przejawów proceduralnej natury muzyki. Odzwierciedla zmianę muzycznych obrazów, ujawnia ich kontrast lub połączenie, rozwój lub transformację.

Dopiero ujmując całość formy muzycznej, możemy zrozumieć logikę kształtowania się obrazu artystycznego i przebieg myśli twórczej kompozytora. Mówiąc o środkach i formach wyrazu w muzyce, należy pamiętać, że przy znacznej dozie umowności możemy uznać ich całość za jeden język artystyczny. W rzeczywistości każdy kompozytor mówi swoim własnym językiem, a raczej kieruje się własnymi prawami mowa muzyczna. A to pozwala muzyce pozostać wiecznie żywą, bezpośrednią i nieskończenie różnorodną sztuką, jakby wchłaniającą wszystkie nurty życia oraz odzwierciedlającą i przetapiającą doświadczenie innych sfer duchowej aktywności w zmysłowo pojętej formie. To chyba nie przypadek, że niektórzy uważają, że muzyka jest elitarna i wymaga specjalnego treningu, a nawet pewnych naturalnych danych do jej odbioru, podczas gdy inni postrzegają ją jako siłę, która może na nas oddziaływać niezależnie od świadomości i doświadczenia.

Prawdopodobnie obaj mają rację. A znakomity muzykolog i pisarz Romain Rolland ma z pewnością rację, kiedy powiedział, że muzyka jest sztuką intymną, może być też sztuką publiczną, może być owocem wewnętrznej koncentracji i smutku, ale może też być wytworem radości, a nawet frywolności Jeden nazywa to architekturą ruchomą, drugi psychologią poetycką, widzi w tym sztukę czysto plastyczną i formalną, drugi sztukę bezpośredniego oddziaływania etycznego.

Dla jednego teoretyka istotą muzyki jest melodia, dla innego harmonia, muzyka nie mieści się w żadnym schemacie.

To pieśń wieków i kwiat historii, który może pielęgnować zarówno ludzkie smutki, jak i radości. Aristarkhova L. O tym, co i jak mówi muzyka Sztuka 1 września. 1999 7 1.2.

Koniec pracy -

Ten temat należy do:

Muzyka w systemie edukacji artystycznej i wychowania młodzieży szkolnej

Opierając się na swoim doświadczeniu, wzbogaconym o pół wieku rozwoju nauki o nauczaniu i wychowaniu dzieci, najlepsi nauczyciele, na czele ze starszymi - V.N. dążą do przodu, na lepsze, do postępu, do perfekcji i..

Jeśli potrzebujesz dodatkowych materiałów na ten temat lub nie znalazłeś tego, czego szukałeś, polecamy skorzystanie z wyszukiwarki w naszej bazie prac:

Co zrobimy z otrzymanym materiałem:

Jeśli ten materiał okazał się dla Ciebie przydatny, możesz zapisać go na swojej stronie w sieciach społecznościowych:

Podstawowe elementy języka muzycznego

„Nie bójcie się teorii słów, harmonii, polifonii itp. Bądź dla nich przyjazny, a uśmiechną się do ciebie”.
(R. Schumann)

Bogaty i różnorodny środki wyrazu muzyka. Jeśli artysta rysując i malując, rzeźbiarz w drewnie lub marmurze, pisarz i poeta słowem odtwarza obrazy otaczającego życia, to kompozytorzy robią to przy pomocy instrumentów muzycznych. W przeciwieństwie do dźwięków niemuzycznych (szum, grzechotanie, szelest). Dźwięki muzyczne mają określoną wysokość i określony czas trwania. Ponadto mogą mieć inny kolor, brzmieć głośno lub cicho, być wykonywane szybko lub wolno. Melodia, rytm, tryb i harmonia, rejestr i barwa, dynamika i tempo – to wszystko ekspresyjne środki sztuki muzycznej.

Melodia

Świat muzyki pełen jest pięknych melodii Bacha, Mozarta, Griega, Chopina, Czajkowskiego...

Znasz już dużo muzyki. Pozostają w Twojej pamięci. Jeśli spróbujesz je zapamiętać, z pewnością zanucisz jakąś melodię. A. S. Puszkin znakomicie śledził pracę pamięci muzycznej w „małej tragedii” „Mozart i Salieri”. Mozart woła do Salieriego:

Tak! Beaumarchais był twoim przyjacielem;
Skomponowałeś dla niego Tararę,
Chwalebna rzecz. Motyw jest jeden...
Powtarzam to, kiedy jestem szczęśliwy...
La-la-la-la...

Tarar to opera włoskiego kompozytora Antonio Salieri na podstawie libretta Pierre'a Beaumarchais.

Przede wszystkim Mozart przywołuje motyw - ekspresyjną cząstkę melodii. Motyw może powodować wyobrażenie o całej melodii, jej charakterze. Ale czym jest melodia? Melodia- rozwinięta i kompletna myśl muzyczna, wyrażona jednym głosem.

Słowo „melodia” pochodzi od dwóch słów – melos – pieśń i oda – śpiew. Ogólnie rzecz biorąc, melodia jest tym, co ty i ja możemy zaśpiewać. Nawet jeśli nie pamiętamy wszystkiego w całości, nucimy niektóre motywy, frazy. Przecież w mowie muzycznej, podobnie jak w mowie werbalnej, są zdania i frazy.

Kilka dźwięków tworzy motyw - małą cząstkę melodii. Kilka motywów tworzy frazę, a frazy tworzą zdania. Melodia jest głównym środkiem muzycznej ekspresji. Jest podstawą każdego dzieła, jest duszą dzieła muzycznego.

Życie melodii jest jak życie kwiatu. Kwiat rodzi się z pąka, kwitnie i w końcu więdnie. Życie kwiatu jest krótkie, ale życie melodii jest jeszcze krótsze. Za Krótki czas udaje mu się wyłonić z motywu, „rozkwitu” i końca. W każdej melodii jest "punkt rozkwitu", najwyższy punkt jej rozwoju, największa intensywność uczuć. To się nazywa punkt kulminacyjny. Melodia kończy się kadencją - stałym obrotem.

Kontynuując porównanie z kwiatem, powinniśmy pamiętać, że kwiaty kwitną o różnych porach dnia. Jedni otwierają swoje filiżanki na pierwsze promienie słońca, inni „budzą się” w upalne popołudnie, a jeszcze inni czekają do zmierzchu, by nadać swój zapach chłodowi nocy.

Melodie też „kwitną” w różnych momentach. Niektóre od razu zaczynają od szczytu – punktu kulminacyjnego. W innych kulminacja jest w środku melodii lub blisko jej końca. Żywym tego przykładem jest piosenka E. Krylatova „Winged Swing” (słowa Y. Entina) z filmu „Adventures of Electronics”. Jej stopniowo rozwijająca się melodia osiąga punkt kulminacyjny, podkreślany dźwięcznymi repetycjami najwyższej nuty.

Łatwo zauważyć, że struktura melodii jest podobna do struktury mowy. Tak jak frazy są tworzone ze słów, tak zdania są tworzone z fraz, tak w melodii małe cząstki ekspresyjne - motywy - są łączone we frazy. Fraza muzyczna z reguły składa się z dwóch lub trzech motywów. Jego czas trwania określany jest na podstawie czasu trwania oddechu wykonawcy śpiewającego lub grającego na instrumencie dętym. (W wykonaniu muzyki na instrumentach smyczkowych i klawiszowych wpływ oddechu na długość frazy nie jest zauważalny, ale jest również brany pod uwagę.)

Zwykle jedna fraza jest wykonywana na jednym oddechu (wydechu). Kilka fraz połączonych wspólną linią rozwoju tworzy zdania, a zdania tworzą integralną melodię.

Kulminacja (od łac. culminis – szczyt) znajduje się zwykle w t. 5-6 okresu 8-taktowego lub w t. 12-13 okresu 16-taktowego (czyli w trzeciej ćwiartce okresu) oraz w przypadki te mieszczą się w tzw. punkcie „złotego podziału”. Znaczenie „Złotego Podziału” tkwi w pięknie ścisłych proporcji, proporcjonalności i harmonijnej równowadze części i całości. „Złota proporcja” tkwi także w strukturze Ludzkie ciało zarówno w architekturze, jak i malarstwie. Zasadę „złotego podziału” stosował wielki włoski naukowiec i artysta XV - początek XVI wieku Leonardo da Vinci, chociaż doktryna proporcji została z powodzeniem opracowana i wprowadzona w życie w starożytnej Grecji.

Ludowa twórczość muzyczna to niewyczerpana skarbnica wspaniałych melodii. Najlepsze piosenki narodów świata wyróżniają się pięknem i wyrazistością. Oni są różni. Czasami wydaje się, że nie ma i nigdy nie będzie końca śpiewu. Jeden dźwięk przechodzi w drugi, piosenka płynie nieprzerwanym strumieniem. Mówią o takiej melodii: „melodia wielkiego oddechu”. Nazywa się to również kantyleną. Kompozytorzy P. Czajkowski, S. Rachmaninow i inni wyróżniali się umiejętnością tworzenia takich melodii.

Posłuchaj rosyjskiej piosenki ludowej „Słowik” w wykonaniu Chóru Dużych Dzieci. Wolno, śpiewnie płynąca szeroka melodia.

Ale dzieje się odwrotnie. W melodii nie ma przeciągłych dźwięków, jest bliższa prostej rozmowie, wyczuwalne są w niej zwroty ludzkiej mowy. Podobne melodie można znaleźć w eposach. Nie bez powodu ludzie mówią, że eposy wpływają, a wykonawców eposów nazywa się gawędziarzami. Te melodie to tzw recytatyw.

Słowo „recytatyw” pochodzi od łacińskiego recitare, co oznacza – głośne czytanie, recytację. Recytatyw - pół-singiel, pół-talk.

Szczególnie często kompozytorzy zwracają się do recytatywu w operze, gdzie służy on jako jeden ze środków muzycznej charakterystyki postaci. Na przykład w niespiesznej i majestatycznej melodii recytatywu Susanin wyłania się odważny obraz bohatera opery M. Glinki.

W utwory instrumentalne melodie czasami znacznie różnią się od wokalnych, czyli przeznaczonych do śpiewania. W przypadku instrumentów muzycznych można tworzyć melodie o bardzo szerokim zakresie i dużych skokach. Niezwykłe obrazy melodii instrumentalnych odnaleźć można w utworach fortepianowych wielkiego polskiego kompozytora F. Chopina. W jego nokturnu Es-dur szeroka melodyjność łączy się ze złożonością schematu melodycznego.

Bogactwo melodyczne muzyki klasycznej jest niewyczerpane. Pieśni F. Schuberta i romanse S. Rachmaninowa, utwory fortepianowe F. Chopina i opery G. Verdiego, kompozycje W. Mozarta, M. Glinki i P. Czajkowskiego oraz wielu innych jasne, ekspresyjne melodie.

Harmonia

To jeden z głównych środków wyrazu. Nadaje muzyce kolorytu, a czasem niesie ze sobą większość ładunku semantycznego i emocjonalnego. Harmonijne akordy tworzą harmonię, pozostawiając wrażenie harmonii, piękna, pełni. A czasami odgrywa nawet większą rolę niż melodia. Posłuchaj słynnego Preludium nr 20 F. Chopina. Praktycznie nie ma w nim rozbudowanej melodii. To harmonia tworzy ogólny nastrój.

Nazywa się ciąg akordów wraz z melodią Harmonia.

Dzięki harmonii zwiększa się wyrazistość melodii, staje się ona jaśniejsza i bogatsza w brzmienie. Akordy, harmonie i ich następstwa tworzą harmonię, ściśle współgrającą z melodią.

W Polonezie A-dur Chopina potężne „orkiestrowe” brzmienie fortepianu uzyskuje się dzięki polifonicznym akordom towarzyszącym melodii o podniosłym, heroicznym charakterze.

W muzyce jest wiele utworów, które brzmią lekko i z gracją. Na przykład taniec. Akordy w brzmieniu symultanicznym byłyby tu odbierane zbyt ciężko i niezgrabnie. Dlatego przy akompaniamencie tańców na mocnym takcie taktów niższy dźwięk akordu (basu) rozbrzmiewa osobno, a następnie pozostałe jego dźwięki w brzmieniu symultanicznym. Ten rodzaj prezentacji harmonii zastosowany został w Walcu As-dur F. Schuberta, co nadaje muzyce lekkość i elegancję brzmienia.

W utworach o melodyjnym charakterze lirycznym, w celu uzyskania miękkiego, „strunowego” brzmienia harmonii, często stosuje się akordy rozłożone dźwiękami. W Sonacie księżycowej L. Beethovena takie brzmienie akompaniamentu w połączeniu z niespiesznym ruchem smutnej melodii nadaje muzyce gładkość i tworzy podniosły i szlachetny nastrój.

Możliwości kombinacji akordów, harmonii są nieskończenie różnorodne. Ich nieoczekiwane i nagłe zmiany sprawiają wrażenie czegoś niezwykłego, tajemniczego. Dlatego gdy kompozytorzy piszą muzykę baśniową, harmonia staje się jednym z najważniejszych elementów języka muzycznego. Na przykład cud magiczna przemianałabędzie w czerwone dziewice w operze N. Rimskiego-Korsakowa „Sadko” następuje za pomocą kolorowej zmiany „magicznych” akordów.

Są utwory, w których dominuje harmonia, która decyduje o charakterze i nastroju utworu. Posłuchaj preludium C-dur z pierwszego tomu Well-Tempered Clavier I. Bacha.

W niespiesznej i płynnej zmianie zdekomponowanych akordów, w przemianie napięć i recesji, w miarowym ruchu ku uroczystej kulminacji iw następującym po niej zakończeniu, powstaje dzieło skończone i harmonijne. Jest przepojona nastrojem wzniosłego spokoju. Zafascynowani magiczną grą harmonicznych barw nie zauważamy, że w tym preludium nie ma melodii. Harmonia w pełni oddaje nastrój spektaklu.

Rytm

Rytm jest organizatorem dźwięków muzycznych w czasie. Rytm oznacza stosunek czasów trwania dźwięków do siebie. Utwór muzyczny nie może istnieć bez rytmu, tak jak człowiek nie może żyć bez pracy serca. W marszach, tańcach, utworach szybkich rytm porządkuje, usprawnia ruch, od tego zależy charakter pracy.

Czy utwór muzyczny może być wyrazisty bez melodii i harmonii? Odpowiedź daje nam oryginalna sztuka „Panika” S. Prokofiewa z muzyki do sztuki „Egipskie noce”. Akcja toczy się w pałacu legendarnej egipskiej królowej Kleopatry.

...Noc. Pałac jest otoczony przez wrogów - wojska Rzymian. Mieszkańcom pałacu grozi niewola lub śmierć. Ogarnięci strachem ludzie wybiegają z odległych komnat pałacu. Pędzą w stronę wyjścia. A oto ostatnie kroki...

Ilustrując ten epizod, kompozytor wykorzystuje ogromną siłę wyrazu rytmu. Oryginalność muzyki polega na tym, że wykonują ją wyłącznie instrumenty perkusyjne: małe i duże bębny, kotły, tom-tamy. Partia każdego instrumentu ma swój własny wzór rytmiczny. W punkcie kulminacyjnym tworzy się skrzep rytmicznej energii Wielka siła i napięcie.

Stopniowo napięcie słabnie: cichnie tam-tom, potem kotły, werbel, bęben basowy też zanika… Tak więc, używając skromnych środków muzycznych, Prokofiew stworzył jasny utwór, Wiodącą rolę w którym rytm gra.

Ekspresyjna rola rytmu jest szczególnie wyraźna w słynnym utworze orkiestrowym francuski kompozytor M. Ravel „Bolero”. Niezmienna formuła rytmiczna tańca hiszpańskiego utrzymana jest tu przez cały utwór (zapisany w formie 12 wariacji). „Iron Rhythm” trzyma melodyjną melodię jak w imadle i stopniowo zwiększa wielkie napięcie w rozwoju powściągliwego i namiętnego tańca hiszpańskiego. Rytmiczną „formułę” bolerka wykonuje perkusista solo.

Przypomnij sobie to w muzyce denerwować oznacza spójność dźwięków, różniących się wysokością. Te dźwięki są połączone wokół głównego dźwięku - toniki. W muzyce europejskiej najpopularniejsze tryby to główny I drobny. Większość utworów, które grasz i które są omawiane w naszej książce, jest również napisana w tych dwóch trybach. Czy zależność charakteru muzyki od trybu jest silna? Posłuchajmy sztuki G. Sviridova „Wiosna i jesień”.

Kompozytor malował dźwiękami ten sam pejzaż w różnych porach roku. W pierwszej części odtwarzają się lekkie przejrzyste akordy, krucha linia melodyczna wiosenny krajobraz. Słuchając muzyki, wyobrażamy sobie delikatne kolory zieleni, która ubrała drzewa, lekkie aromaty kwitnących ogrodów, dźwięczne głosy ptaków. Utwór brzmi w tonacji durowej, optymistycznej, lekkiej.

Ale teraz nastrój się zmienił, tempo zwolniło. Kolory znajomego krajobrazu wyblakły. Wydaje ci się, że widzisz czarne sylwetki nagich drzew przez szarą siatkę deszczu. Światło słoneczne zdawało się znikać z muzyki. wiosenne kolory zgasł próg główny, zastąpiono je mniejszym. W melodii wyraźnie zarysowane zostały intonacje dysonansów-trytonów. Wolne tempo potęgowało ekspresję smutnych akordów mollowych.

Słuchając drugiej części spektaklu łatwo zauważyć, że jest to tylko wariant pierwszej. Ale zmiana trybu stwarza wrażenie, że gra się nowy utwór, odmienny charakterem i nastrojem od pierwszego.

Tempo

Oczywiście dobrze wiesz, że to słowo oznacza szybkość poruszania się. To prawda, że termin ten nie pochodzi od słowa prędkość, ale od słowa czas (łac. tempus). Zarówno charakter, jak i nastrój spektaklu zależą od tempa. Kołysanki nie można grać w szybkim tempie, a galopu w wolnym tempie.

Przypomnijmy sobie podstawowe tempa muzyczne. Są one powszechnie określane w języku włoskim.

Largo (largo) - bardzo powoli i szeroko.
Adagio (adagio) - powoli, spokojnie.
Andante(andante) - w tempie spokojnego kroku.
Allegro (allegro) - szybko.
Presto (presto) - bardzo szybko.

Często występują odmiany tych stawek:

Moderato (umiarkowany) - umiarkowanie, powściągliwy.
Allegretto (allegretto) - dość żywy.
Vivace (vivache) - żywy.

Posłuchajcie fragmentu głównego tematu słynnej Fantazji d-moll wielkiego W. Mozarta. Posłuchajcie, jak dobrze dobrana jest miękka, pulsująca faktura akompaniamentu do tej delikatnej, delikatnej melodii.

A następny przykład także z muzyki W. Mozarta – najpopularniejszego finału jego sonaty fortepianowej, zwanego też Marszem Tureckim lub Rondem Tureckim. Muzyka zapalająca, zupełnie inna. Tutaj W. Mozart nie jest smutny, nie marzy, ale zaraźliwie się bawi.

Wcześniej tempo w muzyce określano w przybliżeniu, w zależności od nastroju. Ale czasami kompozytorzy chcieli bardzo precyzyjnie wskazać tempo. W początek XIX wieku, niemiecki mechanik I. Melzel specjalnie do tego wynalazł metronom. Pożądaną prędkość można łatwo znaleźć za pomocą metronomu.

Dynamika

Równie ważna jest dynamika wykonania, czyli siła dźwięku. Z pewnością zwróciłeś uwagę na to, że podczas występu muzycy grają głośno lub cicho. To nie dzieje się dlatego, że muzyk tak chce. Kompozytor wymyślił więc i wskazał, za pomocą jakich dynamicznych odcieni można ujawnić jego pomysł.

Istnieją dwa główne dynamiczne odcienie, które znasz bardzo dobrze: forte - głośno i fortepian - cicho. W muzyce pisane są włoskimi literami: F i R.

Czasami te odcienie są wzmocnione. Na przykład bardzo głośno - FF (fortissimo) lub bardzo cicho - PP (pianissimo). Często podczas pracy siła dźwięku zmienia się więcej niż jeden raz. Przypomnijmy sobie sztukę P. Czajkowskiego „Baba Jaga”. Muzyka zaczyna się ledwo słyszalna, potem jej dźwięczność staje się silniejsza, osiągając bardzo wysoki poziom i stopniowo znów cichnie. Jakby stupa z Babą Jagą pojawiła się z daleka, minęła nas i zniknęła w oddali.

Oto jak dynamiczne barwy mogą pomóc kompozytorowi stworzyć żywy obraz muzyczny.

Tembr

Tę samą melodię można zagrać na fortepianie, na skrzypcach, na flecie i na gitarze. I możesz śpiewać. I nawet jeśli zagrasz to na wszystkich tych instrumentach w tej samej tonacji, w tym samym tempie, z tymi samymi niuansami i akcentami, dźwięk i tak będzie inny. Z czym? Sama kolorystyka dźwięku, jego barwa. Słowo to pochodzi od francuskiego tembru, co oznacza dzwonek, a także etykietę, czyli znak rozpoznawczy.

Tembr- specjalna kolorystyka dźwięku, charakterystyczna dla każdego głosu i instrumentu. Dzięki tej kolorystyce odróżniamy od siebie różne głosy i instrumenty.

Posłuchaj rosyjskiej pieśni ludowej w wykonaniu chóru Im. Piatnickiego „Chodzę z bocjami”.

Różnorodność głosów śpiewaczych jest szczególnie widoczna w operze, gdzie dla każdej postaci kompozytor dobiera barwę głosu, która najlepiej pasuje do jego postaci. W operze N. Rimskiego-Korsakowa Bajka o Caru Sałtanie rola Księżniczki Łabędzia została napisana na sopran, a swatka Babarichy na mezzosopran. Odtwórcą roli carewicza Gwidona jest tenor, a car Saltan – bas.

Rejestr

Wędruj po klawiaturze fortepianu. Posłuchaj, jak najniższe dźwięki różnią się od najwyższych.

Kiedy dopiero zaczynałeś zapoznawać się z instrumentem, zapewne słyszałeś, że na dole „w norze leży niedźwiedź”, a powyżej „ptaki śpiewają”. Ale klawisze, które są pośrodku, brzmią najbardziej melodyjnie. Najczęściej są używane w muzyce. I to nie dlatego, że wygodniej jest do nich dotrzeć, a dlatego, że są bogatsze od innych pod względem muzycznej wyrazistości. Ale jeśli potrzebujemy na przykład zobrazować burzę, to jak możemy obejść się bez grzmotów w basie i błyszczących zygzaków błyskawic w rejestrze „ptaków”?

Co to jest rząd klawiszy fortepianu? Szereg dźwięków. Krótko mówiąc - solidny rząd. Rejestr jest więc częścią skali. To prawda, ale nie mówi nam nic o samych rejestrach – o ich naturze, cechach.

Tutaj, na przykład, jest środkowy rejestr. Ten, w którym śpiewamy i mówimy. Nasze ucho jest najlepiej dostrojone do fali „konwersacyjnej”. A poza tym, czy o tym wiesz, czy nie, muzyki słuchamy nie tylko uszami, ale także strunami głosowymi. Kiedy słuchamy melodii, nasze struny głosowe śpiewają ją po cichu, czy nam się to podoba, czy nie. Dlatego, gdy śpiewakowi zachorują więzadła, nie wolno mu nie tylko śpiewać samemu, ale także słuchać innych śpiewaków.

To nasuwa wniosek: ten, kto śpiewa lepiej i czyściej, lepiej słyszy muzykę i czerpie z niej więcej przyjemności. To nie przypadek, że znany już Państwu R. Schumann napisał w swoich „Zasadach dla młodych muzyków”: „Śpiewaj pilnie w chórze”.

Najbardziej znany jest nam rejestr środkowy. A kiedy słuchamy muzyki zapisanej w tym rejestrze, zwracamy uwagę nie na sam rejestr, ale na inne szczegóły: melodię, harmonię i inne detale ekspresyjne.

A dolne i górne rejestry są ostro rozróżnione dzięki swojej szczególnej wyrazistości rejestru. Dolna obudowa przypomina „szkło powiększające”. On tak obrazy muzyczne większy, większy, większy. Potrafi przestraszyć. I powiedz: „Ćśś, to tajemnica”.

Tajemniczo, nietypowo zaczyna się sztuka E. Griega „W jaskini króla gór”. Ale przerażający temat budzącego grozę króla Shahriara z suita symfoniczna N. Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”.

Wyższy rejestr, wręcz przeciwnie, zdaje się „zmniejszać” to, co w nim brzmi. W „Albumie dziecięcym” P. Czajkowskiego znajduje się „Marsz drewniani żołnierze". Wszystko w nim jest jak w prawdziwym marszu wojskowym, tyle że małe, „zabawkowe”.

Teraz możemy to powiedzieć rejestr- jest to część skali, która ma określoną barwę dźwięku. Istnieją trzy rejestry: górny, środkowy i dolny.

Słuchaliśmy przykładów zapisanych w tym samym rejestrze. Ale taka muzyka jest rzadkością. Często kompozytorzy używają wszystkich rejestrów naraz. Jak na przykład E. Grieg w utworze fortepianowym Nokturn. „Nokturn” oznacza „noc”. W Norwegii, w ojczyźnie E. Griega, latem są takie same białe noce jak w Petersburgu. Muzyka Nokturnu E. Griega jest barwna i malownicza. Istotną rolę w tym dźwiękowym malarstwie odgrywają farby rejestrowe.

Prezentacja

Dołączony:
1. Prezentacja - 30 slajdów, psx;
2. Dźwięki muzyki:
Kawaler. Preludium c-moll (klawesyn w języku hiszpańskim) Beethoven. Sonata "Księżycowa", część I - Adagio sostenuto (fragment), mp3;
Glinka. Recytatyw Susanina „Powąchaj prawdę” z opery „Życie dla cara”, mp3;
Grieg. „W Sali Króla Gór” z suity „Peer Gynt” (fragment), mp3;
Grieg. Nokturn z „Suity lirycznej” (fragment), mp3;
Mozarta. Rondo w stylu tureckim (fragment), mp3;
Mozarta. Fantazja d-moll (fragment), mp3;
Prokofiew. „Panika”, z muzyki do spektaklu „Egipskie noce”, mp3;
Gmatwać. „Bolero” (fragment), mp3;
Rimskiego-Korsakowa. „Cud przemiany łabędzi w czerwone dziewice” z opery „Sadko”, mp3;
Rimskiego-Korsakowa. Temat Shahriara z suity symfonicznej „Szeherezada”, mp3;
Swiridow. „Wiosna i jesień”, mp3;
Czajkowski. „Baba Jaga” z „Albumu dziecięcego”, mp3;
Czajkowski. "Marsz Drewnianych Żołnierzy" z "Albumu dziecięcego", mp3;
Chopina. Nokturn Es-dur op. 9 nr 2 (fragment), mp3;
Chopina. Polonez A-dur op. 40 nr 1 (fragment), mp3;
Chopina. Preludium c-moll op. 28 nr 20, mp3;
Schuberta. Walc As-dur, mp3;
"Chodzę z bocjami", mp3;
Słowik (w języku hiszpańskim BDH), mp3;
3. Artykuł towarzyszący - podsumowanie lekcji, docx.

§ 9. Intonacja jako podstawowa zasada semantyczna muzyki. Podstawowe typy i formy wypowiedzi muzycznych, ich wydźwięk emocjonalny i psychologiczny

Jak już wspomniano, percepcja profesjonalnego muzyka jest wysoce analityczna: jest zróżnicowana, potrafi odnaleźć w tkance muzycznej leżące u jej podstaw zasady strukturalne i postrzegać mowę muzyczną jako wysoce zorganizowaną całość, ukształtowaną zgodnie z prawami piękna. Jednak liczba profesjonalnych muzyków jest stosunkowo niewielka, podobnie jak liczba słuchaczy o wysokiej erudycji. Większość słuchaczy stawia na najbardziej uogólnione i niezróżnicowane parametry dźwięku: tempo, barwę, dynamikę, artykulację i frazowanie. Te właściwości muzycznej całości są w stanie przekazać sens artystyczny i stać się podstawą percepcji muzycznej nawet wtedy, gdy architektura i struktura formy materiału muzycznego są dalekie od pełnego zrozumienia – na tym poziomie niedoświadczony słuchacz nabywa umiejętność, zaczynając od pierwotnych źródeł ekspresji muzycznej, tj. od intonacji, do wzniesienia się na wyższy poziom adekwatności w odbiorze muzyki. w odróżnieniu ucho analityczne dostrzeganie najbardziej zróżnicowanych stron muzycznej całości – wysokości i rytmu, Słyszenie, oparte na właściwościach brzmieniowych, agogicznych i artykulacyjnych muzyki, nazywane jest słyszeniem intonacyjnym. Profesjonalni muzycy, opierając się na zasobach swojego słuchu intonacyjnego, uzyskują bezpośredniość percepcji, która w ten sposób zbliża się do początków sztuki muzycznej jako intonacyjno-ekspresyjnej, znaczącej wypowiedzi.

Słyszenie intonacyjne powstało nawet wtedy, gdy człowiek najstarszy nie potrafił posługiwać się właściwym brzmieniem muzyki, która miała ściśle określoną wysokość i czas trwania. Jednak już w tym czasie, zgodnie z nauką, człowiek postrzegał otaczający go świat dźwiękowy dość znacząco i emocjonalnie. Każdy dźwięk dla starożytnej osoby był przede wszystkim semantyczny, niosąc pewne informacje o „intencjach” lub o stosunku „przedmiotu” do „podmiotu”: czy grzmiał grzmot, czy szemrał strumień, czy gałęzie chrzęściły w ciemności, czy słychać było odgłosy spadającej skały górskiej – wszystko to wymagało odpowiedzi, skłoniło do odpowiedzi, co było logiczną konsekwencją otrzymanych informacji dźwiękowych. Te podstawowe cechy percepcji słuchowej stanowiły podstawę najstarszych sygnałów dźwiękowych, z których później wyrosła sztuka muzyczna. Odbierając takie sygnały i rozszyfrowując ich znaczenie, słuch intonacyjny człowieka ukształtował się (przez miliony lat!)

Być może ze względu na najgłębsze genetyczne zakorzenienie słuchu intonacyjnego jest on bardzo trudny do wykształcenia i dużo bardziej zachowawczy niż słuch analityczny, który bardzo pomyślnie rozwija się pod wpływem systematycznego treningu. Ta cecha słyszenia intonacji ujawniła się w trakcie szeroko zakrojonych badań przeprowadzonych w Rosji i USA. Na przykład, niezależnie od narodowości i doświadczenia muzycznego, dzieci - Afroamerykanie, biali Amerykanie i dzieci z Rosji - wykazały ten sam wynik podczas badania słuchu intonacyjnego: we wszystkich przypadkach z powodzeniem poradziły sobie z bardzo trudnym zadaniem 12 % ; osoby badane - dzieci w wieku 7 - 8 lat. Wynik ten świadczy o dominującej roli czynników wrodzonych w kształtowaniu słuchu intonacyjnego.

Pomimo wielu etapów mediacji, jakie zachodzą między komunikatywnymi sygnałami dźwiękowymi epoki prehistoryczne i wysoko rozwiniętych kultur muzycznych, intencja komunikacyjna autora utworu muzycznego wyłania się przez wiele warstw semantycznych dla współczesnego słuchacza – słuchacz intuicyjnie odbiera mowę muzyczną jako wymowną wypowiedź skierowaną do niego. Jednocześnie komunikatywna orientacja muzyki jest odczuwalna nie tylko poprzez muzyczną intonację, ale także „pokazana”, nabiera widocznych konturów. Komunikacja muzyczna w najstarszych typach muzykowania iw dziecięcej praktyce muzycznej jest nieuchronnie nasycona różnymi gestami, które odzwierciedlają całe emocjonalne bogactwo komunikacji niewerbalnej. Pasywność percepcji muzyki w ramach współczesnej akademickiej kultury muzycznej jedynie z psychologicznego punktu widzenia wydaje się taka: stłumiona w sensie zewnętrznych przejawów aktywność ruchowa jest jednak obecna w ludzkiej świadomości i podświadomości jako organiczny składnik percepcji muzycznej. według B.M. Teplov, „percepcji muzyki absolutnie bezpośrednio towarzyszą pewne reakcje ruchowe, mniej lub bardziej dokładnie oddające przebieg ruchu muzycznego w czasie, lub innymi słowy, percepcja muzyki ma aktywny składnik słuchowo-motoryczny” .

Komponent motor-motor okazuje się według Tepłowa rodzajem odlewu wszystkiego, co jest nieuniknioną konsekwencją dźwięku. Tutaj odczucie pewnego wysiłku mięśniowego lub rozluźnienia, rytm oddechu, krok, pulsacja - to wszystko ekwiwalenty doświadczania muzycznego czasu; lub poczucie gęstości i rzadkości, bliskości lub oddalenia obiektu muzycznego, idea linii muzycznych, ich przecięć - te przestrzenne obrazy mogą być reprezentowane w wyniku przełożenia relacji dźwiękowych na modalność wizualną („zakres wizualny ").

We współczesnej muzykologii sformułowanie „podstawowe formy muzyczne” utrwaliło się. To jest o tu o muzycznym ekwiwalencie, typowym muzycznym „akompaniamencie” sytuacji, w których kiedyś, u zarania dziejów ludzkości, rodziły się i zakorzeniły w życiu codziennym najróżniejsze reakcje dźwiękowe, „wypowiedzi” itp., słowem tak -zwany protointonacja. Protointonacja, jak wynika z etymologii tego słowa - to, co poprzedziło intonację muzyczną we współczesnym tego słowa znaczeniu, poprzedziło ją. Protointonacje ciążą ku najstarszym metazmysłom zakodowanym w „nieświadomości zbiorowej” (K. Jung). Dużą rolę odgrywały tu obrzędy myśliwskie i rycerskie. Rytuały te opierają się na naśladowaniu zwycięstwa nad wrogiem, zapewnieniu własnej siły i stanowczości. Dominuje tu intonacja dominująca, stanowcza, inwokacyjna. Bardzo często w folklorze różne narody zdarzają się również sytuacje prośby lub błagania. Może to być błaganie o prezenty od pana młodego podczas ceremonii ślubnej, błaganie o prezenty od właściciela podczas kolędowania, proszenie o urodzaje, proszenie o powodzenie. Dominuje tu intonacja liryczna, perswazyjna, czasem lamentacyjna. Sytuacje modlitewnego skupienia, uspokojenia, w których dominuje monotonna, wyważona intonacja, sytuacje zabawowe, komiczne – od zabaw weselnych po folklor dziecięcy – również mieszczą się w swego rodzaju „metasłowniku” muzycznej ekspresji, opartym na źródłach folklorystycznych.

Archetypowe formy podstawowe, które są pierwotnymi formacjami psychomuzycznymi, gdzie pewna sytuacja komunikacyjna pociąga za sobą pewien ruchowo-plastyczny i przestrzenno-czasowy obraz, leżą u podstaw uniwersalnego psycho-muzycznego słownika percepcji. Opiekun tego słownika podstawowego znaczeń muzycznych jest intonacja. Istnienie takich znaczeń, zakodowanych w podstawowych formach, jest potwierdzeniem V.V. Meduszewskiego, że „… najwyższe współczesne znaczenia społeczno-duchowe wyrastają z tego, co najprostsze i najstarsze”.

Tak więc początki podstawowych form komunikacji dźwiękowej sięgają najstarszych archetypów komunikacyjnych, utrwalonych w pamięci genetycznej ludzkości. Niezależnie od tego, czy jest to aktywne wezwanie, uporczywa prośba, frywolna gra czy głęboka medytacja, każdy z tych typów interakcji społecznych, pomimo wielu konkretnych przejawów, jest wystarczająco stały jako rodzaj komunikacji, jako rodzaj komunikacji społecznej, a zatem każdy z wymienionych typów interakcji społecznych można przypisać podstawowym archetypom występującym we wszystkich typach cywilizacji i kultur. Podstawowe formy są rodzajem psychologicznych znaków motoryczno-przestrzennych, za pomocą których nasza świadomość rozpoznaje archetypy komunikacyjne, ponieważ zbyt ważne jest, aby osoba od razu zrozumiała, z jaką intencją, w jakim tonie emocjonalnym jest skierowana. Poprawność rozpoznania intencji komunikacyjnej mówiącego (archetyp komunikacyjny) może czasem zależeć zarówno od życia jednostki, jak i całego plemienia.

Występujące w muzyce archetypy komunikacyjne (archetypy „wezwania”, „prośby”, „zabawy” i „medytacji”) zarysowują kontury dźwiękowego ucieleśnienia podstawowych form w formie, w jakiej powstały w najstarszych rodzajach muzyki zrobienie. Forma podstawowa ma pewną treść semantyczną, jest „psycho-emocjonalną motoryczno-przestrzenną ekstrakcją” z procesu komunikacji muzycznej. Archetyp komunikacyjny odnosi się w całości do obszaru interakcji społecznych, tj. interakcje między jednostkami i grupami ludzi; jest motywującą przyczyną, która powołała do życia podstawową formę z jej motoryczno-motorycznymi i protointonacyjnymi właściwościami.

Analiza głównych archetypów wskazuje na podpory, których używa słuch intonacyjny do rozszyfrowania zawartość muzyczna, za interpretację emocjonalną wypowiedź muzyczna. Weźmy na przykład komunikatywny typ „rozmowy”. Wiąże się to z sytuacją motywacji do działania, gdy mówca chce przekazać słuchaczom swoją aktywność. Archetyp ten opiera się na dominującej protointonacji wezwania, odczytywanej w muzyce jako ton napięcia strun głosowych i motoryki ciała. Najważniejszą cechą protointonacji jest jej przestrzenny obraz, jej liniowe ucieleśnienie. Protointonacja wezwania charakteryzuje się ruchem w górę, kiedy zarysowuje się pewna „różnica potencjałów melodycznych”. Motoryczny odpowiednik protointonacji zawołania, uogólniając jego treść artykulacyjno-rytmiczną, mógłby wyglądać jak gest wzywający z „Hej, chodź tu!” do „Cóż, poczekaj chwilę!” Takie gesty wywodzą się ze starożytnych rytuałów wojskowych i myśliwskich, kiedy panowanie nad ofiarą, zwycięstwo nad wrogiem było odbierane jako pojmanie, włączenie w sferę swoich wpływów. W ten sposób ujawnia się jeszcze jeden komunikacyjny odcień archetypu „wezwania”: roszczenie mówcy do przywództwa, intonacja rozkazu, poczucie własnej siły i mocy. Przykładami są Jazda Walkirii Wagnera lub motyw przewodni trzech kart z Damy pikowej Czajkowskiego. Protointonację wezwania można również wykryć w muzyce z groteskowym, gorzkim tonem, który maluje portret brutalnej siły. Takie epizody odnajdujemy w muzyce Szostakowicza. Należą do nich na przykład klimatyczne wariacje „tematu inwazji” z VII Symfonii, Scherzo z VIII Symfonii.

Podstawowy formularz wezwania jest niezwykle bogata w odmiany, gdyż impuls do działania, chęć zarażenia postrzegającego swoją energią jest niezwykle ważna w wielu sytuacjach społecznych. To nie tylko wojna, zmagania, pogoń za zwycięstwem czy ostatecznym triumfem, ale także sytuacje związane ze zbiorową rekreacją, gdzie potrzebny jest pewien zastrzyk energii, aby zachęcić ludzi do wspólnej zabawy. Rekreacja publiczna lub sytuacje jej bliskie (mogą się czasem łączyć, utożsamiać z sytuacjami zwycięskimi, triumfalnymi) kojarzone są z takimi gatunkami, jak pijacka piosenka, w której prowodyr, „mistrz ceremonii”, zaprasza wszystkich do wspólnej radości, czy żołnierz śpiewa podczas zwycięskiego marszu, przeciąga się pieśń, którą wszyscy za nim podchwytują. Z tego punktu widzenia walcowiny stołowe i marszowe marszowe, do których należy rosyjska kantówka (podręcznikowy przykład – „Chwała!” Glinka), zostaną przypisane tej samej podstawowej formie – formie wezwania.

odgrywa ważną rolę w muzyce podstawowa forma wypowiedzi dźwiękowej, który można scharakteryzować jako komunikacyjny archetyp „petycji”. Opiera się na dobrze znanej sytuacji upraszanie, „żebranie”, gdzie zakres emocjonalny rozciąga się od żarliwej modlitwy do świeckiej szarmanckiej uprzejmości. Tutaj etyczny stosunek autora do słuchacza-adresata odznacza się szczególnym szacunkiem, troską, a jednocześnie serdeczną otwartością. W Starożytne kultury sytuacje żebractwa są w naturalny sposób związane z kultem religijnym, kiedy to modlitwy o zesłanie niezbędnych dóbr zajmują ogromne miejsce w życiu społeczeństwa. Okazywanie komuś szacunku w naturalny sposób wiąże się z przypisaniem sobie niższego statusu społecznego w stosunku do osoby szanowanej. Jeśli ta sytuacja przeniknie do muzyki, to proto-intonacja błagalna jest wypowiadana wielokrotnie i na różne sposoby – od panny młodej opłakującej swój niefortunny los po kolędników błagających właściciela o prezenty.

Najbardziej organicznym konturem melodycznym, który tworzy protointonację błagania, jest opadanie, przesuwanie, opadanie melodyczne. Po pierwsze, wynika to z naturalnego opadania głosu, który w mowie potocznej ma również wyrażać niepewność, słabość; po drugie, ten kontur melodyczny zarysowuje charakterystyczny gest błagalny – figurę ukłonu, która kojarzy się ze wszystkimi sytuacjami błagalnymi: od głębokiego ukłonu do ziemi po galanteryjny dyg. Jeśli porównamy metrumrytmiczny wygląd protointonacji petycji z protointonacją apelu, to raczej będzie to przypominało nie energiczne trochee, lecz płynną amfibrach.

Komunikacyjny archetyp „petycji” jest najstarszym w Europie muzyka klasyczna, będąc jednym z pierwszych przejawów europejskiego indywidualizmu, kiedy to przyznano jednostce prawo do narzekania, apelowania o współczucie i proszenia o współczucie. Początków podstawowej formy petycji można dopatrywać się w świeckiej pieśni polifonicznej z XVI wieku. - gatunek "chanson", o dojrzałym madrygale nie wspominając. Rozwijająca się i rozkwitająca w trzewiach opery barokowej zakorzeniła się podstawowa forma petycji szarmancki styl 18 wiek przeniósł się w XIX wiek, wypełniając motyw miłosny muzycznego romantyzmu. W XX wieku. życie komunikacyjnego archetypu „petycji” rozwija się głównie w gatunku pop, w piosence lirycznej. Tak zwana poważna, akademicka muzyka XX wieku. niezwykle rzadko odwoływał się do archetypu „petycji”.

Nie mniej istotne są funkcje podstawowych form, które odzwierciedlają komunikacyjne archetypy „zabawy” i „medytacji”. Pierwszy z nich („gra”) był jednym z niezbędnych składników starożytnych kultur. Sytuacje w grze powstały wokół różnych publicznych rytuałów i świąt, które nie miały wysokiego poziomu status społeczny. (To nie znaczy zwycięstwo militarne lub uczta poświęcona jakiemuś ważnemu wydarzeniu.) Komunikacja w grze powstaje jako spontaniczna radość życia, bezwarunkowa i nic nie wynikająca z jej wyglądu – radość bez powodu i wysoka sens publiczny. Takie są na przykład zabawy dzieci, które poza wszystkim pełnią funkcję czysto relaksacyjną. Sytuacja komunikacyjna gry zakłada równość wszystkich uczestników: nie ma lidera i publiczności, którą musi przykuć uwagę, nie ma „wnioskodawcy” i tego, do kogo kierowana jest petycja – sytuacja w grze zakłada zasadę kolektywności: równi komunikują się z równymi w sytuacji sztucznie odizolowanej od życia z jego nieuchronną hierarchią społeczną.

Obraz przestrzenny Podstawowa forma gry dość zamknięty: energiczna, szybka część, zbudowana za pomocą metrorytmii, koliduje z ostinatowym profilem wysokościowym, uporczywie wracając konturem melodycznym do punktu wyjścia. W rezultacie następuje ruch w kole, ruch-obrót. Mała przestrzeń modelowana przez muzykę tworzy dodatkowy efekt teatralność, celowa sztuczność tego, co się dzieje.

Komunikacja społeczna oparta na „równości uczestników” zrodziła kolejną podstawową formę – forma medytacji. Tutaj również nie ma wyższych i niższych, nie ma potrzeby działania ani prośby, ale jest samopogłębiające się doświadczenie. Znakiem „równości” w ramach podstawowej formy medytacji jest charakterystyczna dominująca protointonacja kołysania, oscylacja, która jest zbliżona do gry protointonacji wirowania i obracania się. Kołysanie i kołysanie w ramach podstawowej formy medytacyjnej, podobnie jak obracanie i wirowanie w ramach formy zabawowej, ma tendencję do skupiania się, grupowania konturu melodycznego wokół pewnego centrum, które skupia wokół siebie cały ruch muzyczny. Cielesno-motoryczne ucieleśnienie medytacji skłania się ku niezmienności, fluktuacji, powtarzalności; przestrzenny obraz ruchu modeluje atmosferę intymnej komunikacji, komfortu, stwarzając wrażenie bezpieczeństwa i oderwania od wszystkiego, co przeszkadza, co jest zbędne. Jednocześnie cisza i spokój, brak zgiełku, towarzyszące sytuacji komunikacyjnej kołysanki, wprowadzają człowieka w stan modlitewnej kontemplacji: w tym przypadku przestrzeń domu jakby się oddala, „ mury się zawalają”, a człowiek zostaje sam na sam ze Wszechświatem, ogarnia go uczucie wyzwolenia i zespolenia z naturą i światem.

Odmianą podstawowej formy medytacji jest w muzyce wysoko rozwinięta sfera - sfera refleksji, która rozciąga się od pieśni religijnych średniowiecza po kosmiczne wglądy duszy w muzykę XX wieku. Obraz ruchu zamienia się w tym przypadku w swoje przeciwieństwo: ruch zastyga, „chwila zatrzymuje się” – ten, kto się modli i zwraca duszę do Boga, nie objawia się żadną zewnętrzną aktywnością. Obraz przestrzenny odpowiadający podstawowej formie – medytacji – to nieskończony Wszechświat, przestrzeń bez granic. Komunikatywna sytuacja modlitwy w tym przypadku nie jest prośbą ani błaganiem, ale inicjacją do wyższej zasady, akceptacją wyższej czystości i pokoju, które są w niej zawarte. Tu zaciera się granica między „mówieniem” a „słyszeniem”, między zwracającym się a zwracanym.

Zakres zastosowania modlitewnej różnorodności medytacyjnej formy podstawowej jest niezwykle szeroki i obejmuje niekiedy nie tylko poszczególne gatunki i rodzaje muzyki, ale całe kultury muzyczne. Taka jest cała duchowa muzyka renesansu i średniowiecznego chorału gregoriańskiego, większość muzyka organowa muzyka barokowa i pokrewna muzyka instrumentalna da chiesa w zwolnionym tempie, który często koncentruje się na chóralnych gatunkach muzyki sakralnej. Przylega tu również znaczna część rosyjskiej muzyki sakralnej - od śpiewu Znamennego do „złotego wieku” rosyjskiej kompozycji duchowej w osobie Czesnokowa, Kastalskiego, Greczaninowa i dalej, aż po dzień dzisiejszy. Ze względu na naturalny intelektualizm tej podstawowej formy, wlewa się do niej znaczną część muzyki XX wieku. - od filozoficznych adagiów Szostakowicza po muzykę Sznittkego, Kanczelego, Pyarta, Gubajduliny. Można powiedzieć, że ta podstawowa forma występuje w muzyce XX wieku. dominująca pozycja.

Należy w tym miejscu zaznaczyć, że formy podstawowe występują w Polsce niezwykle rzadko czysta forma: w prawdziwej twórczości i percepcji muzycznej z reguły mieszają się one ze sobą, a najsubtelniejsza mieszanka „wektorów” muzycznych i komunikacyjnych nadaje każdemu utworowi indywidualny wygląd. Tak więc zasada gry i apel często współistnieją i mają tendencję do łączenia się, łączenia, podobnie jak liryzm, „błaganie” i neutralna kontemplacja mają tendencję do łączenia się ze sobą w gatunku nokturnu i muzyce o podobnym usposobieniu emocjonalnym. W całym rozwoju muzycznym, zwłaszcza w takich „zdarzających się” gatunkach, jak sonata, symfonia, opera, następuje wielokrotne przełączanie, zmiana podstawowych form, zmiana orientacji komunikacyjnej mowy muzycznej. Fluktuacje tego rodzaju występują nie tylko w obrębie dużych form muzycznych, ale także na poziomie małych fragmentów muzycznych.

Dialektyka powstawania i zmiany form podstawowych w ramach utworu stanowi dla słuchacza podstawę odbioru dramaturgii muzycznej, jej „dolnej” warstwy, najogólniejszego zarysu procesu muzyczno-dramatycznego. Tę warstwę treści muzycznych, ze wszystkimi jej niuansami intonacyjnymi, tak ogólnie, jak i szczegółowo, tworzy muzyk wykonujący na podstawie swojego wewnętrznego doświadczenia tekstu muzycznego, skorelowanego z tradycją wykonawczą. To w rękach wykonawcy leży cały zestaw wyrazisty środki muzyczne- dynamika, barwa, tempo, artykulacja itp.; wszystkie te środki stanowią „materiał budulcowy” percepcji podstawowych form. To znaczy, że najbardziej pierwotna i podstawowa warstwa treści muzycznej – podstawowa forma – odbierana jest pod bezpośrednim wpływem grającego muzyka. Zwraca się w imieniu kompozytora do adresata, mając do tego wszystkie niezbędne środki muzyczne.

„Słuch analityczny”, „słyszenie intonacyjne” to w dużej mierze pojęcia metaforyczne. Ponieważ jednak są one dość powszechne wśród specjalistów (muzykologów, nauczycieli muzyki), celowe jest ich wykorzystanie w niniejszej pracy. Pojęcia słuchu intonacyjnego i analitycznego wprowadza się przez analogię do intonacyjnej – nienotowanej i analitycznej – jotyzowanej formy utworu muzycznego, oznaczającej właściwości świadomości percepcyjnej, na których opiera się percepcja form intonacyjnych i analitycznych w muzyce. Autorem koncepcji intonacji i formy analitycznej jest rosyjski muzykolog V.V. Meduszewskiego (patrz: Mieduszewski V.V. forma intonacyjna muzyki. - M., 1993).

Cm.: Kirnarskaya D., Zwycięzca E. Zdolności muzyczne w nowej tonacji: odkrywanie ekspresyjnego ucha do muzyki // Psychotusicology. - 1999. - Cz. 16. - s. 2-16.

ciepły BM Psychologia zdolności muzycznych // Izbr. Pracuje. - M., 1985. - T. 1. - S. 142.