Historia świata plastyków pamięta wiele niesamowitych przypadków związanych z tworzeniem i dalszymi przygodami znane obrazy. Dzieje się tak dlatego, że dla prawdziwych artystów życie i praca są ze sobą zbyt ściśle powiązane.
Krzyk Edvarda Muncha
Rok powstania: 1893
Materiały: karton, olej, tempera, pastel
Gdzie jest: Galeria Narodowa,
Słynny obraz „Krzyk” norweskiego artysty ekspresjonistycznego Edvarda Muncha jest ulubionym tematem dyskusji mistyków na całym świecie. Niektórym wydaje się, że płótno przepowiadało straszne wydarzenia XX wieku z jego wojnami, katastrofami ekologicznymi i Holokaustem. Inni są pewni, że obraz przynosi nieszczęście i chorobę sprawcom.
Życie samego Muncha trudno nazwać pomyślnym: stracił wielu krewnych, był wielokrotnie leczony w klinice psychiatrycznej i nigdy nie był żonaty.
Nawiasem mówiąc, artysta czterokrotnie reprodukował obraz „Krzyk”.
Istnieje opinia, że \u200b\u200bjest wynikiem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał Munch. Jakoś widok zdesperowanego człowieka z wielką głową, otwarte usta i ręce przyklejone do twarzy, a dziś szokuje każdego, kto obejrzy płótno.
„Wielki Masturbator” Salvadora Dali
Rok powstania: 1929
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Centrum Sztuki Reina Sofia,
Opinia publiczna zobaczyła obraz „Wielki masturbator” dopiero po śmierci szokującego mistrza i najsłynniejszego surrealisty Salvadora Dali. Artysta trzymał go we własnej kolekcji w Dali Theatre Museum w Figueres. Uważa się, że niezwykłe płótno może wiele powiedzieć o osobowości autora, w szczególności o jego bolesnym stosunku do seksu. Jednak możemy tylko zgadywać, jakie motywy faktycznie kryją się w obrazie.
Przypomina to układanie rebusu: pośrodku obrazu znajduje się kanciasty profil skierowany w dół, podobny albo do samego Dali, albo do skały na wybrzeżu katalońskiego miasta, a w dolnej części wznosi się naga kobieca postać. głowa - kopia kochanki artysty Gala. Na obrazie pojawiają się także szarańcza, która wywołała u Dali niewytłumaczalny strach, oraz mrówki – symbol rozkładu.
„Rodzina” Egona Schielego
Rok założenia: 1918
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Galeria Belvedere,
Kiedyś piękny obraz austriackiego artysty Egona Schiele nazwano pornografią, a artysta trafił do więzienia za rzekome uwodzenie nieletniej.
Za taką cenę otrzymał miłość do wzoru swojego nauczyciela. Obrazy Schiele są jednymi z najlepsze przykłady ekspresjonizmu, podczas gdy są one naturalistyczne i pełne przerażającej rozpaczy.
Modelkami Schiele były często nastolatki i prostytutki. Ponadto artysta był zafascynowany sobą - jego spuścizna obejmuje szeroką gamę autoportretów. Płótno „Rodzina” Schiele napisał trzy dni wcześniej własną śmierć, przedstawiający jego ciężarną żonę, która zmarła na grypę, oraz ich nienarodzone dziecko. Być może nie jest to najdziwniejsze, ale zdecydowanie najbardziej tragiczne dzieło malarza.
„Portret Adele Bloch-Bauer” Gustava Klimta
Rok założenia: 1907
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Nowa Galeria,
Historię powstania słynnego obrazu austriackiego artysty Gustava Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer” można słusznie nazwać szokującym. Żona austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera została muzą i kochanką artysty. Chcąc zemścić się na nich obojgu, zraniony mąż zdecydował się na oryginalną metodę: zamówił u Klimta portret swojej żony i nękał go niekończącymi się docinkami, zmuszając do wykonania setek szkiców. Ostatecznie doprowadziło to do tego, że Klimt stracił dawne zainteresowanie swoim modelem.
Prace nad obrazem trwały kilka lat, a Adele patrzyła, jak zanikają uczucia jej kochanka. Podstępny plan Ferdynanda nigdy nie został ujawniony. Dzisiaj " mona austriacka Lisa” jest uważana za narodowy skarb Austrii.
Czarny supermatyczny kwadrat Kazimierza Malewicza
Rok założenia: 1915
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Stan Galerii Trietiakowskiej,
Minęło prawie sto lat, odkąd rosyjski artysta awangardowy Kazimierz Malewicz stworzył swoje słynne stworzenie, a spory i dyskusje nie ustają aż do teraz. Pojawiając się w 1915 roku na futurystycznej wystawie „0,10” w „czerwonym rogu” sali przeznaczonej na ikonę, obraz zaszokował publiczność i na zawsze wychwalał artystę. To prawda, że dziś niewiele osób wie, że obrazy supermatyczne to malarstwo nieobiektywne, w którym kolor rządzi piłką, a „Czarny kwadrat” w rzeczywistości nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy.
Nawiasem mówiąc, jedna z wersji historii powstania płótna mówi: artysta nie miał czasu dokończyć pracy nad obrazem, więc był zmuszony pokryć dzieło czarną farbą, w tym momencie jego przyjaciel wszedł do warsztatu i wykrzyknął: „Wspaniale!”.
„Pochodzenie świata” Gustave'a Courbeta
Rok powstania: 1866
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Musee d'Orsay,
Obraz francuskiego malarza realisty Gustave'a Courbeta przez bardzo długi czas uważany był za niezwykle prowokacyjny i przez ponad 120 lat nie był znany szerszej publiczności. Naga kobieta leżąca na łóżku z wyciągniętymi nogami, a dziś wywołuje niejednoznaczną reakcję publiczności. Z tego powodu w Musee d'Orsay jeden z pracowników pilnuje obrazu.
W 2013 roku francuski kolekcjoner ogłosił, że w jednym z paryskich antykwariatów natknął się na fragment obrazu, na którym widoczna jest głowa modelki. Eksperci potwierdzili przypuszczenie, że dla artysty pozowała Joanna Hiffernan (Joe). Podczas pracy nad obrazem była w środku romans z uczniem Courbeta, artystą Jamesem Whistlerem. Zdjęcie sprowokowało ich rozstanie.
„Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów” Joana Miro
Rok założenia: 1935
Materiały: olej, miedź
Miejsce: Fundacja Joana Miro,
Rzadki widz patrzący na zdjęcie Hiszpański artysta a rzeźbiarz Joan Miro byłby kojarzony z horrorem wojna domowa. Ale to właśnie okres przedwojennych niepokojów w Hiszpanii w 1935 roku stał się tematem obrazu o obiecującym tytule „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”. To zdjęcie to zapowiedź.
Przedstawia absurdalną parę „jaskiniową”, która jest do siebie przyciągana, ale nie może się ruszyć. Powiększone genitalia, jadowite kolory, porozrzucane postacie ciemne tło- wszystko to zapowiadało, zdaniem artysty, zbliżające się tragiczne wydarzenia.
Większość obrazów Joana Miro to abstrakcje i surrealistyczne dzieła, a nastrój, który przekazują, jest radosny.
„Lilie wodne” Claude’a Moneta
Rok założenia: 1906
Materiały: olej, płótno
Miejsce: zbiory prywatne
Kultowy obraz francuskiego impresjonisty Claude'a Moneta „Lilie wodne” cieszy się złą sławą – nieprzypadkowo nazywa się go „niebezpiecznym ogniem”. Ten ciąg podejrzanych zbiegów okoliczności wciąż zaskakuje wielu sceptyków. Pierwszy przypadek miał miejsce właśnie w pracowni artysty: Monet i jego przyjaciele świętowali zakończenie pracy nad obrazem, gdy nagle wybuchł mały pożar.
Obraz udało się uratować, wkrótce kupili go właściciele kabaretu na Montmartre, ale niecały miesiąc później instytucja również ucierpiała z powodu silnego pożaru. Kolejną „ofiarą” płótna był paryski filantrop Oscar Schmitz, którego biuro spłonęło rok po zawieszeniu tam „Lilii wodnych”. I znowu zdjęcie udało się przetrwać. W tym roku prywatny kolekcjoner kupił lilie wodne za 54 miliony dolarów.
Dziewczyny z Awinionu – Pablo Picasso
Rok założenia: 1907
Materiały: olej, płótno
Gdzie jest Muzeum Sztuka współczesna,
„Wygląda na to, że chciałeś nas nakarmić holownikiem lub benzyną do picia” — powiedział Georges Braque, przyjaciel Picassa, o obrazie „Dziewczyny z Awinionu”. Płótno naprawdę stało się skandaliczne: publiczność uwielbiała stare, delikatne i smutne dzieła artysty, a gwałtowne przejście do kubizmu spowodowało wyobcowanie.
Kobiece postacie z szorstką męskie twarze a kanciaste ręce i nogi były zbyt daleko od wdzięcznej „Dziewczyny na balu”.
Przyjaciele odwrócili się od Picassa, Matisse był bardzo niezadowolony z obrazu. Jednak to „Dziewczyny z Awinionu” wyznaczyły nie tylko kierunek rozwoju twórczości Picassa, ale w ogóle przyszłość sztuki pięknej. Oryginalny tytuł płótna to „Filozoficzny burdel”.
„Portret syna artysty” Michaiła Wrubela
Rok powstania: 1902
Materiały: akwarela, gwasz, ołówek grafitowy, papier
Miejsce: Państwowe Muzeum Rosyjskie,
Genialny rosyjski artysta przełomu XIX i XX wieku, Michaił Wrubel, odnosił sukcesy w prawie wszystkich rodzajach sztuk pięknych. Jego pierworodna Savva urodziła się z „rozszczepem wargi”, co głęboko zdenerwowało artystę. Vrubel szczerze przedstawił chłopca na jednym ze swoich płócien, nie próbując ukryć swojej wrodzonej deformacji.
Delikatna tonacja portretu nie czyni go pogodnym - czyta się w nim szok. Samo dziecko jest przedstawione z uderzająco mądrym, niedziecięcym spojrzeniem. Wkrótce po ukończeniu malowania dziecko zmarło. Od tego momentu w życiu artysty, który przeżywał tragedię, rozpoczął się „czarny” okres choroby i szaleństwa.
Zdjęcie: thinkstockphotos.com, flickr.com
Gatunki malarstwa pojawiały się, zyskiwały na popularności, zanikały, powstawały nowe, w obrębie istniejących zaczęto wyodrębniać podgatunki. Proces ten nie ustanie, dopóki człowiek istnieje i próbuje uchwycić otaczający go świat, czy to przyrodę, budynki, czy innych ludzi.
Wcześniej (przed XIX w.) istniał podział gatunków malarstwa na tzw. gatunki „wysokie” (francuski gatunek grand) i „niskie” (francuski gatunek petit). Taki podział powstał w XVII wieku. i opierał się na tym, jaki temat i fabuła zostały przedstawione. Do gatunków wysokich pod tym względem zaliczano: batalistyczny, alegoryczny, religijny i mitologiczny, a do gatunków niskich portret, pejzaż, martwa natura, animalizm.
Podział na gatunki jest raczej arbitralny, bo. na obrazie mogą być jednocześnie obecne elementy dwóch lub więcej gatunków.
Animalizm lub gatunek zwierzęcy
Animalizm, czyli gatunek zwierzęcy (z łac. zwierzę – zwierzę) – gatunek, w którym głównym motywem jest wizerunek zwierzęcia. Można powiedzieć, że jest to jeden z najstarszych gatunków, ponieważ. rysunki i postacie ptaków i zwierząt były już obecne w życiu prymitywni ludzie. Na przykład na szerokim sławny obraz I.I. Shishkin „Rano w Las sosnowy» Przyrodę przedstawia sam artysta, a niedźwiedzie przedstawia zupełnie inny artysta, który specjalizuje się w przedstawianiu zwierząt.
I.I. Shishkin „Poranek w sosnowym lesie” Jak odróżnić podgatunek Gatunek ipijski(od greckich hipopotamów - koń) - gatunek, w którym wizerunek konia działa jako środek obrazu.
NIE. Sverchkov „Koń w stajni” Portret
Portret (od francuskiego słowa portret) to obraz, w którym obraz osoby lub grupy osób jest centralny. Portret przekazuje nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także odzwierciedla wewnętrzny świat i oddaje uczucia artysty w stosunku do osoby, której portret maluje.
TJ. Repin Portret Mikołaja II Gatunek portretowy dzieli się na indywidualny(zdjęcie jednej osoby) Grupa(obraz kilku osób), z natury obrazu - do przodu kiedy osoba jest przedstawiona w pełna wysokość na rzucającym się w oczy tle architektonicznym lub krajobrazowym oraz izba gdy osoba jest przedstawiona do klatki piersiowej lub do pasa na neutralnym tle. Grupa portretów, zjednoczonych według jakiegoś atrybutu, tworzy zespół, czyli galerię portretów. Przykładem są portrety członków rodziny królewskiej.
Oddzielnie przydzielone autoportret na którym artysta przedstawia siebie.
K. Bryullov Autoportret Portret to jeden z najstarszych gatunków – pierwsze portrety (rzeźbiarskie) obecne były już w starożytnym Egipcie. Taki portret działał w ramach kultu życie pozagrobowe i był „sobowtórem” człowieka.
Sceneria
Krajobraz (z francuskiego paysage - kraj, obszar) to gatunek, w którym obraz natury jest centralny - rzeki, lasy, pola, morze, góry. W pejzażu głównym punktem jest oczywiście fabuła, ale równie ważne jest oddanie ruchu, życia otaczającej przyrody. Z jednej strony przyroda jest piękna, podziwiana, az drugiej raczej trudno oddać to na zdjęciu.
C. Monet „Pole maków w Argenteuil” Podgatunek krajobrazu to pejzaż morski lub przystań(z francuskiego marine, włoski marina, z łac. marinus - morze) - obraz bitwy morskiej, morza lub innych wydarzeń rozgrywających się na morzu. Jasny przedstawiciel malarze morscy - K.A. Aiwazowski. Warto zauważyć, że artysta napisał wiele szczegółów tego obrazu z pamięci.
I.I. Aivazovsky „Dziewiąta fala” Jednak często artyści również starają się narysować morze z natury, na przykład W. Turner maluje obraz „Śnieżyca. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie, uderzając w płyciznę „spędził 4 godziny uwiązany na mostku kapitańskim statku płynącego w sztormie.
W. Turner „Śnieżyca. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie, uderzając w płytką wodę. Element wody jest również przedstawiony w krajobrazie rzecznym.
Oddzielnie przydziel pejzaż miejski, w którym głównym tematem obrazu są miejskie ulice i budynki. Krajobraz miejski jest Weduta- obraz krajobrazu miejskiego w formie panoramy, gdzie skala i proporcje są z pewnością zachowane.
A. Canaletto „Piazza św. Marka”Istnieją inne rodzaje krajobrazu - wiejskich, przemysłowych i architektonicznych. W malarstwo architektoniczne głównym tematem jest obraz krajobrazu architektonicznego, tj. budynki, konstrukcje; zawiera obraz wnętrz ( dekoracja wnętrz lokal). Czasami Wnętrze(z francuskiego intérieur - wewnętrzny) wyróżnia się jako odrębny gatunek. W malarstwie architektonicznym wyróżnia się inny gatunek — Kaprys(z włoskiego capriccio, kaprys, kaprys) - architektoniczny pejzaż fantasy.
Martwa natura
Martwa natura (z francuskiej natury morte - martwa natura) - gatunek poświęcony obrazowi przedmioty nieożywione, które są umieszczone we wspólnym środowisku i tworzą grupę. Martwa natura pojawiła się w XV-XVI wieku, ale jako odrębny gatunek ukształtowała się w wieku XVII.
Pomimo tego, że słowo „martwa natura” tłumaczone jest jako martwa natura, na zdjęciach pojawiają się bukiety kwiatów, owoców, ryb, dziczyzny, potraw – wszystko wygląda „jak żywa istota”, tj. jak prawdziwy. Od samego początku po dzień dzisiejszy martwa natura była ważnym gatunkiem w malarstwie.
C. Monet „Wazon z kwiatami” Jak można wyróżnić osobny podgatunek Vanitas(z łac. Vanitas – próżność, próżność) – gatunek malarstwa, w którym centralne miejsce na obrazie zajmuje ludzka czaszka, której wizerunek ma przypominać o marności i kruchości ludzkiego życia.
Obraz F. de Champagne przedstawia trzy symbole kruchości bytu – Życie, Śmierć, Czas poprzez wizerunki tulipana, czaszki, klepsydry.
gatunek historyczny
Gatunek historyczny – gatunek, w którym obrazy przedstawiają ważne wydarzenia i wydarzenia społeczne istotne zdarzenia przeszłość lub teraźniejszość. Warto zauważyć, że obraz może być poświęcony nie tylko prawdziwym wydarzeniom, ale także wydarzeniom z mitologii lub np. Opisanym w Biblii. Ten gatunek jest bardzo ważna dla historii, zarówno dla dziejów poszczególnych ludów i państw, jak i dla całej ludzkości. na obrazach gatunek historyczny może być nierozerwalnie związany z innymi rodzajami gatunków - portretem, pejzażem, gatunkiem bitewnym.
TJ. Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” 
K. Bryullov „Ostatni dzień Pompei” Gatunek bitewny
Gatunek bitewny (z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek, w którym obrazy przedstawiają kulminację bitwy, operacje wojskowe, moment zwycięstwa, sceny z życia wojskowego. Malarstwo batalistyczne charakteryzuje się obrazem na obrazie dużej liczby osób.
AA Deineka „Obrona Sewastopola” Gatunek religijny
Gatunek religijny - gatunek, w którym główny fabuła- biblijne (sceny z Biblii i Ewangelii). Zgodnie z tematyką ikonografia również należy do religijnych, ich różnica polega na tym, że obrazy o treści religijnej nie uczestniczą w odprawianych nabożeństwach, a dla ikony jest to główny cel. ikonografia przetłumaczony z greckiego. oznacza „obraz modlitewny”. Gatunek ten był ograniczony ścisłymi granicami i prawami malarstwa, ponieważ. zaprojektowany, aby nie odzwierciedlać rzeczywistości, ale przekazać ideę Bożego początku, w której artyści poszukują ideału. Na Rusi malarstwo ikonowe osiągnęło swój szczyt w XII-XVI wieku. Bardzo znane nazwiska malarze ikon - Grek Teofan (freski), Andriej Rublow, Dionizy.
A. Rublow „Trójca” Jak wyróżnia się etap przejściowy od malowania ikon do portretu Parsuna(zniekształcone z łac. persona - osobowość, osoba).
Parsuna Iwana Groźnego. Autor nieznany gatunek domowy
Sceny przedstawione na obrazach Życie codzienne. Artysta często pisze o tych chwilach życia, którym jest współczesny. Cechy charakterystyczne tego gatunku - realizm obrazów i prostota fabuły. Obraz może odzwierciedlać zwyczaje, tradycje, strukturę codziennego życia określonego ludu.
Malarstwo domowe obejmuje znane obrazy jak „Wozy barkowe na Wołdze” I. Repina, „Trojka” V. Perowa, „ Nierówne małżeństwo» W. Pukirewa.
I. Repin „Wozidła barkowe na Wołdze” Gatunek epicko-mitologiczny
Gatunek epicko-mitologiczny. Słowo mit pochodzi z języka greckiego. „mythos”, co oznacza tradycję. Obrazy przedstawiają wydarzenia z legend, eposów, legend, mitów starożytnej Grecji, starożytnych legend, wątków folklorystycznych.
P. Veronese „Apollo i Marsjasz” gatunek alegoryczny
Gatunek alegoryczny (z greckiej alegorii - alegoria). Obrazy są malowane w taki sposób, że mają ukryte znaczenie. Niematerialne idee i koncepcje, niewidoczne dla oczu (moc, dobro, zło, miłość), są przekazywane poprzez obrazy zwierząt, ludzi, innych żywych istot o takich nieodłącznych cechach, które mają już utrwaloną symbolikę w umysłach ludzi i pomagają zrozumieć ogólny sens pracy.
L. Giordano „Miłość i wady rozbrajają sprawiedliwość” Pastoralny (z francuskiego pastorale - pasterski, wiejski)
Gatunek malarstwa, który gloryfikuje i poetyzuje proste i spokojne życie na wsi.
F. Boucher „Jesienna sielanka” Karykatura (z włoskiego caricare - przesadzać)
Gatunek, w którym celowo wykorzystuje się kreację obrazu komiczny efekt poprzez wyolbrzymianie i wyostrzanie rysów twarzy, zachowania, ubioru itp. Celem karykatury jest obrażanie, w przeciwieństwie do np. Ściśle związane z terminem „karykatura” są takie pojęcia jak szyna, groteska.
Nude (z francuskiego nu - nagi, rozebrany)
Gatunek, w którym przedstawiany jest akt Ludzkie ciało najczęściej samica.
Tycjan Vecellio „Wenus z Urbino” Oszustwo, czyli trompley (od fr. trompe-l'oeil - złudzenie optyczne)
Gatunek, którego cechą charakterystyczną są specjalne techniki tworzące złudzenie optyczne i pozwalające na zatarcie granicy między rzeczywistością a obrazem, tj. złudne wrażenie, że przedmiot jest trójwymiarowy, podczas gdy jest dwuwymiarowy. Czasami szkopuł jest wyróżniany jako podgatunek martwej natury, ale czasami ludzie są również przedstawiani w tym gatunku.
Per Borrell del Caso „Ucieczka przed krytyką” Dla kompletności postrzegania sztuczek pożądane jest rozważenie ich w oryginale, ponieważ. reprodukcja nie jest w stanie w pełni oddać efektu, jaki przedstawia artysta.
Jacopo de Barberi „Kuropatwa i żelazne rękawice” Obraz fabularny
Mieszanka tradycyjnych gatunków malarstwa (codziennego, historycznego, batalistycznego, pejzażowego itp.). W inny sposób ten gatunek nazywa się kompozycją figur, jego charakterystycznymi cechami są: Wiodącą rolę osoba gra, obecność akcji i społecznie istotna idea, relacje (konflikt interesów / postaci) i akcenty psychologiczne są koniecznie pokazane.
W. Surikow „Bojar Morozowa” W sztuce istnieją odwieczne motywy. Jednym z nich jest temat kobiety, temat macierzyństwa. Każda epoka ma swój ideał kobiety, cała historia ludzkości odzwierciedla się w tym, jak ludzie postrzegali kobietę, jakie mity ją otaczały i pomagały jej tworzyć. Dokładnie jedno - we wszystkich epokach i czasach Kobiecy charakter przyciągał, przyciąga i będzie przyciągał szczególną uwagę artystów.
Wizerunki kobiet stworzone w portrecie niosą poetycki ideał w jego harmonijnej jedności. cechy duchowe i wygląd zewnętrzny. Z portretów możemy ocenić, jak na wygląd kobiety, jej magazyn mentalny wpływają wydarzenia towarzyskie, moda, literatura, sztuka i samo malarstwo.
Przedstawiamy różnorodne obrazy kobiet w malarstwie w różnych kierunkach
REALIZM
Istotą kierunku jest jak najdokładniejsze i obiektywne utrwalenie rzeczywistości. Narodziny realizmu w malarstwie kojarzone są najczęściej z twórczością francuskiego artysty Gustave'a Courbeta, który w 1855 roku otworzył własną w Paryżu. wystawa indywidualna Pawilon Realizmu. Sprzeciwia się romantyzmowi i akademizmowi. W latach 70. XIX wieku realizm podzielił się na dwa główne obszary - naturalizm i impresjonizm. Przyrodników nazywano artystami, którzy starali się jak najdokładniej uchwycić rzeczywistość fotograficznie.
Iwan Kramskoj „Nieznany”
Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”
AKADEMIZM
Akademizm rósł w ślad za nim formy zewnętrzne sztuka klasyczna. Akademizm ucieleśniał tradycje sztuki antycznej, w której idealizowano obraz natury. Rosyjski akademizm pierwszej połowy XIX wieku charakteryzuje się wzniosłą tematyką, wysokim stylem metaforycznym, wszechstronnością, wielofigurowością i pompatycznością. były popularne historie biblijne, pejzaże salonowe i portrety ceremonialne. Mimo ograniczonej tematyki obrazów prace akademików wyróżniały się wysokimi umiejętnościami technicznymi.
Bouguereau „Plejady”
Bouguereau „Nastrój”
Cabanel „Narodziny Wenus”
IMPRESJONIZM
Przedstawiciele stylu starali się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności w sposób jak najbardziej naturalny i bezstronny, przekazać swoje ulotne wrażenia. Francuski impresjonizm nie powstał problemy filozoficzne. Zamiast tego impresjonizm koncentruje się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne aspekty życia, nie naruszały problemów społecznych, omijały problemy takie jak głód, choroby, śmierć. Odrzucono biblijne, literackie, mitologiczne i historyczne wątki właściwe oficjalnemu akademizmowi. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, rejsów statkiem, plaż i ogrodów. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.
Boldiniego „Moulin Rouge”
Renoir „Portret Joanny Samary”
Manet „Śniadanie na trawie”
Mayo „RosaBrava”
Lautreca „Kobieta z parasolką”
SYMBOLIZM
Symboliści radykalnie zmienili nie tylko różne rodzaje sztuki, ale także sam stosunek do niej. Ich eksperymentalny charakter, dążenie do innowacji, kosmopolityzm stały się wzorem dla większości współczesnych ruchów artystycznych. Używali symboli, niedopowiedzeń, aluzji, tajemniczości, tajemniczości. Dominującym nastrojem był często pesymizm, pogrążający się w rozpaczy.W przeciwieństwie do innych nurtów w sztuce, symbolika sugeruje wyrażanie „nieosiągalnych”, czasem mistycznych idei, obrazów Wieczności i Piękna.
Redon „Ofelia”
Franz von Stuck „Salome”
Watts „Nadzieja”
Rossetiego „Persefona”
NOWOCZESNY
Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. W efekcie zainteresowanie sztuki stosowane: projektowanie wnętrz, ceramika, grafika książkowa. Artyści secesyjni czerpali inspirację ze sztuki Starożytny Egipt i starożytne cywilizacje. Najbardziej zauważalną cechą secesji było odrzucenie kątów prostych i linii na rzecz gładszych, zakrzywionych linii. Często współcześni artyści opierali swoje rysunki na ornamentach ze świata roślin.
Klimt „Portret Adele Bloch-Bauer I”
Klimt „Danae”
Klimt „Trzy wieki kobiety”
Mucha „Owoce”
EKSPRESJONIZM
Ekspresjonizm jest jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku. Ekspresjonizm powstał jako reakcja na najostrzejszy kryzys pierwszej ćwierci XX wieku, pierwszą wojnę światową i późniejsze ruchy rewolucyjne, brzydotę cywilizacji burżuazyjnej, która zaowocowała pragnieniem irracjonalności. Wykorzystano motywy bólu, krzyku, nad obrazem zaczęła dominować zasada ekspresji.
Modiglianiego. Za pomocą ciał i twarzy kobiet próbuje przeniknąć dusze swoich bohaterów. „Interesuje mnie człowiek. Twarz jest najwspanialszym tworem natury. Używam go niestrudzenie – powtórzył.
Modigliani „Śpiący akt”
Schiele „Kobieta w czarnych pończochach”
KUBIZM
Kubizm to ruch modernistyczny w sztuki piękne(głównie w malarstwie) 1. ćwierci XX wieku, które wysunęły na pierwszy plan formalne zadanie konstruowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie, minimalizując wizualne i poznawcze funkcje sztuki. Powstanie kubizmu tradycyjnie datuje się na lata 1906-1907 i wiąże się z twórczością Pabla Picassa i Georgesa Braque'a. Ogólnie rzecz biorąc, kubizm był zerwaniem z tradycją sztuki realistycznej, która rozwinęła się w okresie renesansu, w tym kreacji iluzja wizualna spokój w samolocie. Twórczość kubistów była wyzwaniem dla standardowej urody sztuki salonowej, dla niejasnych alegorii symbolizmu i kruchości malarstwa impresjonistycznego. Wchodząc w krąg ruchów buntowniczych, anarchistycznych, indywidualistycznych, kubizm wyróżniał się wśród nich swoim ciążeniem ku ascetyczności koloru, ku prostym, ciężkim, namacalnym formom i elementarnym motywom.
Picasso „Płacząca kobieta”
Picasso „Gra na mandolinie”
Picasso „Dziewczyny z Awinionu”
SURREALIZM
Podstawowa koncepcja surrealizmu, surrealizm- połączenie snu i rzeczywistości. W tym celu surrealiści zaproponowali absurdalne, sprzeczne zestawienie naturalistycznych obrazów poprzez kolaż i przeniesienie obiektu z przestrzeni pozaartystycznej do przestrzeni artystycznej, dzięki czemu obiekt otwiera się na nieoczekiwana strona pojawiają się w nim właściwości, które nie zostały dostrzeżone poza kontekstem artystycznym. Surrealiści inspirowali się ideologią radykalnej lewicy, ale proponowali rozpocząć rewolucję od własnej świadomości. Sztuka została przez nich pomyślana jako główne narzędzie wyzwolenia. Ten kierunek się rozwinął duży wpływ Teoria psychoanalizy Freuda. Surrealizm był zakorzeniony w symbolizmie i początkowo był pod wpływem symbolistycznych artystów, takich jak Gustave Moreau i Odilon Redon. Wielu popularnych artystów było surrealistami, w tym Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.
Gil Elvgren (1914-1980) był głównym artystą pin-up XX wieku. Za wszystkie moje działalność zawodowa która rozpoczęła się w połowie lat trzydziestych i trwała przez ponad czterdzieści lat, stała się zdecydowanym faworytem wśród kolekcjonerów i fanów pin-up na całym świecie. I choć Gil Elvgren uważany jest głównie za artystę pin-up, zasługuje na miano klasycznego amerykańskiego ilustratora, który potrafił objąć różne dziedziny sztuki komercyjnej.
25 lat pracy w reklamie Coca-Coli pomogło mu ugruntować swoją pozycję jednego z największych ilustratorów w tej dziedzinie. Reklamy Coca-Coli zawierały zdjęcia dziewczyn Elvgrena w stylu pin-up, z których większość przedstawiała typowe amerykańskie rodziny, dzieci, młodzież - zwykli ludzie wykonując codzienne czynności. Podczas II wojny światowej i wojny koreańskiej Elvgren nawet rysował ilustracje motyw militarny dla Coca-Coli, z których niektóre stały się „ikonami” w Ameryce.
Praca Elvgrena dla Coca-Coli przedstawiała amerykańskie marzenie o bezpiecznym, wygodnym życiu, a niektóre ilustracje w magazynach przedstawiały nadzieje, lęki i radości ich czytelników. Obrazy te zostały opublikowane w latach 1940-1950 w wielu znanych amerykańskich magazynach, takich jak McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping i Woman's Home Companion. Oprócz Coca-Coli Elvgren współpracował również z Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania i Napa Auto Parts.
Elvgren wyróżniał się nie tylko malarstwem i grafiką reklamową - był też profesjonalny fotograf, który władał aparatem równie sprawnie jak pędzlem. Ale jego energia i talent nie poprzestały na tym: był ponadto nauczycielem, którego uczniowie stali się później sławnymi artystami.
Także w wczesne dzieciństwo Elvgren inspirował się obrazami znani ilustratorzy. Co tydzień wyrywał strony i okładki z magazynów z obrazami, które mu się podobały, w wyniku czego kolekcjonował ogromna kolekcja, która odcisnęła swoje piętno na twórczości młodego artysty.
Na twórczość Elvgrena miało wpływ wielu artystów, takich jak Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), pierwszy artysta, któremu udało się obalić wyższość angielskich i europejskich szkół ilustracji nad amerykańską sztuką komercyjną; Normana Rockwella (1877-1978), którego Elvgren poznał w 1947 roku i to spotkanie zapoczątkowało długą przyjaźń; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), z którego pędzla wyszedł ideał dziewczyny, będący połączeniem „sąsiada” (dziewczyna z sąsiedztwa) i „dziewczyny marzeń” (dziewczyna z twoich marzeń) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) i inni.
Elvgren dokładnie przestudiował twórczość tych klasycznych artystów, w wyniku czego stworzył podstawę, na której opierał się m.in dalszy rozwój sztuka pin up.
Tak więc Gil Elvgren urodził się 15 marca 1914 roku, dorastał w St. Paul Minneapolis. Jego rodzice, Alex i Goldie Elvgren, byli właścicielami sklepu w centrum miasta, w którym sprzedawano tapety i farby.
Po ukończeniu szkoły średniej Gil chciał zostać architektem. Rodzice aprobowali to pragnienie, ponieważ zauważyli jego talent do rysowania, gdy w wieku ośmiu lat chłopiec został usunięty ze szkoły z powodu malowania marginesów podręczników. Elvgren ostatecznie zapisał się na University of Minnesota, aby studiować architekturę i projektowanie, jednocześnie biorąc udział w kursach artystycznych na Uniwersytecie Minnesoty instytut sztuki Minneapolis. Tam zdał sobie sprawę, że rysunek interesuje go znacznie bardziej niż projektowanie budynków.
Jesienią tego samego roku Elvgren poślubił Janet Cummins. A tutaj, dalej Nowy Rok nowożeńcy przeprowadzają się do Chicago, gdzie było wiele możliwości dla artystów. Oczywiście mogli wybrać Nowy Jork, ale Chicago było bliżej i bezpieczniej.
Po przybyciu do Chicago Gil starał się zrobić wszystko, aby rozwijać swoją karierę. Zapisał się do prestiżowej American Academy of Arts w centrum miasta, gdzie zaprzyjaźnił się z Billem Mosbym, doświadczony artysta i nauczyciela, który zawsze był dumny z tego, że Gil dorastał pod jego kierunkiem.
Kiedy Gil Elvgren przyszedł do Akademii, oczywiście był utalentowany, ale nie wyróżniał się spośród większości studentów, którzy tam studiowali. Ale tylko jedna rzecz odróżniała go od innych: dokładnie wiedział, czego chce. Przede wszystkim chciał być dobry artysta. W ciągu dwóch lat nauki opanował kurs przeznaczony dla trzyipółlatka: uczęszczał na zajęcia wieczorowe, latem. W wolnym czasie zawsze malował.
On był dobry student i pracował więcej niż inni. Jill uczęszczał na wszystkie kursy, na których mógł zdobyć przynajmniej trochę wiedzy o malarstwie. W ciągu dwóch lat zrobił fenomenalne postępy i został jednym z najlepszych absolwentów Akademii.
Jill jest niesamowitą artystką, której niewielu może się równać. Mocno zbudowany, wygląda jak piłkarz; jego duże dłonie wcale nie wyglądają jak ręce artysty: ołówek dosłownie „grzebie” w nich, ale dokładność i żmudność jego ruchów można porównać jedynie z umiejętnościami chirurga.
Podczas pobytu w instytucie Gil nigdy nie przestawał pracować. Jego ilustracje zdobiły już broszury i czasopisma akademii, w której studiował.
Gil poznał tam wielu artystów, z którymi zaprzyjaźnił się na całe życie, takich jak: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).
W 1936 roku Jill i jego żona wrócili do rodzinnego miasta, gdzie otworzyli własne studio. Krótko przed tym wykonuje swoją pierwszą płatną pracę na zamówienie: okładkę magazynu o modzie, na której przedstawia przystojny mężczyzna ubrany w dwurzędową marynarkę i jasne letnie spodnie. Natychmiast po tym, jak Elvgren wysłał swoją pracę do klienta, zadzwonił do niego dyrektor firmy, aby mu pogratulować i zamówić jeszcze pół tuzina okładek.
Potem przyszło kolejne ciekawe zlecenie, którym było narysowanie piątki bliźniaków Dionne (Dionne Quintuplets), których narodziny stały się sensacją dla mediów. Klientem był Brown and Biglow, największy wydawca kalendarzy. Dzieło to zostało wydrukowane w kalendarzach z lat 1937-1938, które rozeszły się w milionach egzemplarzy. Od tego czasu Elvgren zaczął rysować najsłynniejsze dziewczyny w Ameryce, co przyniosło mu wielki sukces. Inne firmy zaczęły zapraszać Elvgrena do współpracy, na przykład konkurent Browna i Biglowa, Louis F. Dow Calendar Company. Prace artysty zaczęto drukować na broszurach, grać w karty a nawet pudełka zapałek. Następnie wiele jego obrazów naturalnej wielkości wykonanych dla Royal Crown Soda pojawiło się w sklepach spożywczych. Ten sam rok staje się szczególnie ważny dla Elvgrena, ponieważ on i jego żona mieli swoje pierwsze dziecko, Karen.
Elvgren nadal przyjmuje zamówienia i postanawia wrócić z rodziną do Chicago. Wkrótce poznał Haddona H. Sundbloma (1899-1976), który był jego idolem. Sandblom ma ogromny wpływ na twórczość Elvgrena.
Dzięki Sundblomowi Elvgren został artystą reklamowym dla Coca-Coli. Do tej pory prace te są ikonami w historii amerykańskiej ilustracji.
Natychmiast po zbombardowaniu Pearl Harbor Elvgren został poproszony o namalowanie obrazów do kampanii wojskowej. Jego pierwszy rysunek do tej serii ukazał się w 1942 roku w czasopiśmie Good Housekeeping pod nagłówkiem „Ona wie, czym naprawdę jest „wolność”” i przedstawiał dziewczynę ubraną w mundur oficera Czerwonego Krzyża.
W 1942 roku urodził się Jill Jr., aw 1943 roku jego żona spodziewała się już trzeciego dziecka. Rodzina Elvgrena powiększyła się jednak, podobnie jak jego biznes. Jill zajmuje się projektami reklamowymi, a także sprzedaje swoje stare prace. Cieszył się życiem, ponieważ sam już nim był szanowany artysta i szczęśliwym człowiekiem rodzinnym. Kiedy w jego rodzinie urodziło się trzecie dziecko, Elvgren dostawał już około 1000 dolarów za obraz, czyli około 24 000 dolarów rocznie, co w tamtym czasie było ogromną kwotą. Oznaczało to, że Gil mógł zostać najlepiej opłacanym ilustratorem w USA i oczywiście zająć specjalne miejsce w Brown i Bigelow.
Zanim zaczął pracować wyłącznie dla Browna i Bigelowa, swoje pierwsze (i jedyne) zlecenie przyjął od filadelfijskiej firmy Josepha Hoovera. Aby uniknąć problemów z Brownem i Bigelowem, przyjął ofertę pod warunkiem, że obraz nie będzie podpisany. Za tę pracę, zwaną „Dream Girl”, otrzymał 2500 $, ponieważ. był to największy, jaki kiedykolwiek namalował (101,6 cm x 76,2 cm).
Współpraca z Brownem i Bigelowem pozwoliła Elvgrenowi kontynuować malowanie dla Coca-Coli, chociaż mógł pracować dla każdej innej firmy, która nie miała konfliktów z Brownem i Bigelowem. Tak rozpoczęła się współpraca między Elvgrenem, Brownem i Bigelowem w 1945 roku, która trwała ponad trzydzieści lat.
Reżyser Brown and Bigelow, Charles Ward, sprawił, że nazwisko Elvgren stało się rozpoznawalne. Zaproponował również Gilowi wykonanie nagiego pin-upu, na co artysta zgodził się z wielkim entuzjazmem. Ten obraz przedstawiał nagą jasnowłosą nimfę na plaży w liliowo-niebiesko-fioletowym świetle księżyca. Ta ilustracja została wydana w talii kart, w połączeniu z pracą innego artysty – ZoÎ Mozerta. W następnym roku Ward zlecił Elvgren kolejny nagi pin-up, aby uzyskać więcej map, ale tym razem Elvgren zrobił to całkowicie samodzielnie. Ten projekt pobił rekordy sprzedaży Browna i Bigelowa i został nazwany „Mais Oui autorstwa Gila Elvgrena”.
Pierwsze trzy projekty pin-up dla Browna i Bigelowa stały się bestsellerami firmy już po kilku tygodniach. Te obrazy zostały wkrótce wykorzystane do gry w karty.
Pod koniec dekady Elvgren stał się odnoszącym największe sukcesy artystą Browna i Bigelowa, dzięki mediom jego twórczość była szeroko znana opinii publicznej, nawet w magazynach publikowano o nim artykuły. Firmy, z którymi pracował, to między innymi Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfurt Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance i Pangburn's Chocolates.
W obliczu takiego zapotrzebowania na swoje prace Elvgren myślał o otwarciu własnej pracowni, gdyż było już wielu artystów, którzy podziwiali jego twórczość i tzw. „malarstwo majonezowe” (tzw. prace wyglądały „kremowo” i gładko jak jedwab). Ale po rozważeniu wszystkich za i przeciw, porzucił ten pomysł.
Gil Elvgren dużo podróżował, poznał wielu wpływowych ludzi. Jego pensja w Brown and Bigelow wzrosła z 1000 dolarów za płótno do 2500 dolarów i malował 24 obrazy rocznie, a ponadto otrzymywał procent od czasopism, które drukowały jego ilustracje. Przeprowadził się z rodziną do nowy dom na przedmieściu Winnetka, gdzie zaczął budować swoją pracownię na poddaszu, co pozwoliło mu pracować jeszcze wydajniej.
Gil miał doskonały gust, był też dowcipny. Jego twórczość to zawsze ciekawa kompozycja, schematy kolorów, a starannie przemyślane pozy i gesty sprawiają, że są żywe i ekscytujące. Jego obrazy są szczere. Gil czuł ewolucję kobiecego piękna, co było bardzo ważne. Dlatego Elvgren był zawsze poszukiwany przez klientów.
W 1956 roku Gil przeniósł się z rodziną na Florydę. Był całkowicie zadowolony z nowego miejsca zamieszkania. Tam otworzył doskonałe studio, w którym studiował Bobby'ego Toombsa, który słusznie stał się uznanym artystą. Powiedział, że Elvgren był doskonałym nauczycielem, który nauczył go rozważnego wykorzystywania wszystkich swoich umiejętności.
Na Florydzie Gil namalował ogromną liczbę portretów, wśród jego modeli byli Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. W latach 50. i 60. każda aspirująca modelka lub aktorka chciałaby, żeby Elvgren narysował dziewczynę na jej podobieństwo, które następnie drukowano w kalendarzach i plakatach.
Elvgren zawsze szukał nowych pomysłów na swoje obrazy. Chociaż pomagało mu w tym wielu przyjaciół artystów, polegał przede wszystkim na rodzinie: swoje pomysły omawiał z żoną i dziećmi.
Elvgren pracował w kręgu artystów, których uczył lub odwrotnie, od których się uczył; którzy byli jego przyjaciółmi, z którymi miał wiele wspólnego. Byli wśród nich Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham i inni.
Gil Elvgren żył pełne życie. Jako zapalony piechur uwielbiał łowić ryby i polować. Mógł spędzać godziny w basenie, który lubił samochody wyścigowe, podzielał także pasję swoich dzieci do kolekcjonowania zabytkowej broni.
Przez lata Elvgren miał wielu asystentów w studiu, z których większość została później odnoszący sukcesy artyści. Kiedy Elvgren został zmuszony do odmowy współpracy z firmami z powodu ogromna ilość pracę, dyrektorzy artystyczni zgodzili się poczekać rok, a nawet dłużej, jeśli tylko Jill będzie dla nich pracować.
Ale cały ten sukces Gila w 1966 roku został przyćmiony przez straszliwą tragedię, która ogarnęła jego rodzinę: żona Gila, Janet, zmarła na raka. Potem jeszcze bardziej pogrążył się w pracy. Jego popularność pozostaje niezmieniona, nie musi martwić się o nic poza wynikiem swojej pracy. Był to najlepszy okres w karierze Elvgrena, gdyby nie śmierć jego żony.
Zdolność przenoszenia Elvgrena kobiece piękno był niezrównany. Podczas rysowania zwykle siedział na wózku inwalidzkim, aby móc swobodnie się poruszać i patrzeć na rysunek różne kąty, a duże lustro za nim pozwoliło mu mieć ogólny pogląd na cały obraz. W jego twórczości najważniejsze były dziewczyny: preferował modelki w wieku 15-20 lat, które dopiero zaczynały karierę, ponieważ miały bezpośredniość, która zanika wraz z doświadczeniem. Zapytany o swoją technikę, powiedział, że dodaje swoje akcenty: wydłuża nogi, powiększa klatkę piersiową, zwęża talię, sprawia, że usta są bardziej pulchne, oczy bardziej wyraziste, nos zadarty, co dodaje modelce atrakcyjności. Elvgren zawsze starannie opracowywał swoje pomysły od początku do końca: wybierał modelkę, rekwizyty, oświetlenie, kompozycję, nawet włosy były bardzo ważne. W końcu sfotografował scenę i zaczął malować.
Charakterystyczną cechą prac Gila było to, że patrząc na obrazy, wydawało się, że dziewczyny na nich mają ożyć, przywitać się lub zaproponować filiżankę kawy. Wyglądali ładnie i byli pełni entuzjazmu. Zawsze czarujące, uzbrojone w przyjazny uśmiech, nawet w czasie wojny dawały żołnierzom siłę i nadzieję na powrót do domu swoich dziewczynek.
Wielu artystów marzyło o malowaniu tak jak Elvgren i wszyscy podziwiali jego talent i sukcesy.
Każdego roku malował z większą łatwością i profesjonalizmem, a jego wczesne obrazy wydawały się bardziej „twarde” niż późniejsze. Osiągnął szczyt doskonałości w swojej dziedzinie.
29 lutego 1980 roku Gil Elvgren, człowiek, który poświęcił się uszczęśliwianiu ludzi swoją sztuką, zmarł na raka w wieku 65 lat. Jego syn Drake znalazł w pracowni ojca ostatni niedokończony, ale mimo to wspaniały obraz dla Browna i Bigelowa. Od śmierci Elvgrena minęły trzy dekady, ale jego sztuka wciąż żyje. Bez wątpienia Elvgren przejdzie do historii jako artysta, który wniósł wielki wkład w dwudziestowieczną sztukę amerykańską.
Chiński artysta i fotograf Dong Hong-Oai urodził się w 1929 roku i zmarł w 2004 roku w wieku 75 lat. Pozostawił po sobie niesamowite dzieła stworzone w stylu piktorializmu - niesamowite fotografie, podobne do dzieł tradycyjnych chiński obraz.
Dong Hong-Oai urodził się w 1929 roku w mieście Guangzhou w prowincji Guangdong w Chinach. Kraj opuścił w wieku siedmiu lat po niespodziewanej śmierci rodziców.
Jako najmłodszy z 24 dzieci Dong zamieszkał w chińskiej społeczności w Sajgonie w Wietnamie. Później kilkakrotnie odwiedzał Chiny, ale nigdy więcej nie mieszkał w tym kraju.
Po przybyciu do Sajgonu Dong został praktykantem w studiu fotograficznym chińskich imigrantów. Tam nauczył się podstaw fotografii. Rozwinął też pasję do fotografii przyrodniczej, którą często wykonywał jednym z aparatów studyjnych. W 1950 roku, w wieku 21 lat, wstąpił do Wietnamskiego Narodowego Uniwersytetu Sztuki.
W 1979 roku między Republika Socjalistyczna Wietnam i Chińska Republika Ludowa otworzyły krwawą granicę. Rząd wietnamski rozpoczął represyjną politykę wobec etnicznych Chińczyków mieszkających w kraju. W rezultacie Dong stał się jednym z milionów „wioślarzy”, którzy uciekli z Wietnamu na przełomie lat 70. i 80.
W wieku 50 lat, nie mówiący po angielsku i nie mający rodziny ani przyjaciół w USA, Dong przybył do San Francisco. Był nawet w stanie kupić mały pokój do wywoływania swoich fotografii.
Sprzedając swoje zdjęcia na lokalnych targach ulicznych, Dong był w stanie zarobić wystarczająco dużo pieniędzy, aby okresowo wracać do Chin, aby robić zdjęcia.
Ponadto przez pewien czas miał okazję studiować pod kierunkiem Lung Ching-Sana na Tajwanie.
Lung Ching-San, który zmarł w 1995 roku w wieku 104 lat, rozwinął styl fotografii oparty na tradycyjnym chińskim przedstawianiu natury.
Przez wieki chińscy artyści tworzyli majestatyczne monochromatyczne krajobrazy za pomocą prostych pędzli i tuszu.
Obrazy te nie miały dokładnie przedstawiać natury, miały oddawać emocjonalny klimat natury. W ostatnie lata Song i wczesnych imperiów Yuan, artyści zaczęli łączyć trzy różne formy sztuki na jednym płótnie… poezję, kaligrafię i malarstwo.
Uważano, że ta synteza form pozwala artyście w pełni wyrazić siebie.
Lung Chin-San, urodzony w 1891 roku, studiował właśnie tę klasyczną tradycję malarstwa. W pewnym momencie swojej długiej kariery Lun zaczął eksperymentować z przeniesieniem impresjonistycznego stylu sztuki do fotografii.
Zachowując warstwowe podejście do skali, opracował metodę nawarstwiania negatywów, które odpowiadały trzem poziomom dystansu. Długo uczył Donga tej metody.
Próba naśladowania tradycji chiński styl, Dong dodał kaligrafię do zdjęć.
Nowa praca Donga, oparta na starożytnym malarstwie chińskim, zaczęła przyciągać uwagę krytyków w latach 90.
Nie musiał już sprzedawać swoich fotografii na targach ulicznych; teraz był reprezentowany przez agenta, a jego prace zaczęły być sprzedawane w galeriach w całych Stanach Zjednoczonych, Europie i Azji.
Nie musiał już polegać na indywidualnych klientach; jego prace były teraz poszukiwane nie tylko przez prywatnych kolekcjonerów sztuki, ale także przez nabywców korporacyjnych i muzea. Miał około 60 lat, kiedy po raz pierwszy w życiu osiągnął jakikolwiek sukces finansowy.
Piktorializm to ruch w fotografii, który pojawił się około 1885 roku po obszernym przedstawieniu procesu fotograficznego na nienawilżonej płycie drukarskiej. Ruch osiągnął swój szczyt na samym początku XX wieku, a okres upadku przypadł na rok 1914, po pojawieniu się i rozpowszechnieniu modernizmu.
Terminy „piktorializm” i „piktorialista” weszły do powszechnego użytku po 1900 roku.
Piktorializm styka się z ideą, że fotografia artystyczna powinna naśladować malarstwo i rytownictwo tamtego stulecia.
Większość z tych fotografii była czarno-biała lub w odcieniach sepii. Wśród zastosowanych metod znalazły się: niestabilna ostrość, specjalne filtry i powłoki soczewek oraz egzotyczne procesy drukarskie.
Celem takich technik było osiągnięcie „osobistej ekspresji autora”.
Pomimo tego celu, jakim było wyrażanie siebie, najlepsze z tych fotografii przebiegały równolegle ze stylem impresjonistycznym, nie nadążając za współczesnym malarstwem.
Patrząc wstecz, można również dostrzec ścisłą paralelę między kompozycją a obiektem obrazowym. obrazy rodzajowe i fotografii w stylu piktorializmu.