Jak rozwijał się rodzaj muzyki na przełomie XIX i XX wieku. w wyniku syntezy elementów dwóch kultur muzycznych – europejskiej i afrykańskiej. Z elementów afrykańskich można zauważyć polirytmiczność, wielokrotne powtarzanie głównego motywu, ekspresję wokalną, improwizację, która przeniknęła do jazzu wraz z powszechnymi formami murzyńskiego folkloru muzycznego - tańcami rytualnymi, pieśniami pracy, duchowością i bluesem.
Słowo "jazz", pierwotnie "zespół jazzowy", zaczęto stosować w połowie I dekady XX wieku. w południowych stanach nawiązać do muzyki tworzonej przez małe nowoorleańskie zespoły (złożone z trąbki, klarnetu, puzonu, banjo, tuby lub kontrabasu, perkusji i fortepianu) w procesie zbiorowej improwizacji na tematy bluesa, ragtime'u i popularnego europejskiego pieśni i tańce.
Aby się zapoznać, możesz słuchać i Cesaria Evora, i , oraz wiele innych.
Więc co to jest Kwaśny jazz? To funkowy styl muzyczny z wbudowanymi elementami jazzu, funku z lat 70., hip-hopu, soulu i innych stylów. Może być samplowany, może być na żywo i może być mieszanką tych dwóch ostatnich.
Głównie, Kwaśny jazz kładzie nacisk na muzykę, a nie na tekst/słowa. To muzyka klubowa, która ma na celu wprawić Cię w ruch.
Pierwszy singiel w dobrym stylu Kwaśny jazz był „Fryderyk leży nieruchomo”, autor Galliano. To była okładka dzieła Curtis Mayfield „Freddie nie żyje” z filmu „Superlot”.
Wielki wkład w promocję i wspieranie stylu Kwaśny jazz przyczynił się Gillesa Petersona, który był DJ-em w KISS FM. Znalazł się jako jeden z pierwszych Kwaśny jazz etykieta Na przełomie lat 80. i 90. pojawiło się wielu wykonawców Kwaśny jazz, które były jak zespoły „na żywo” - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry i projekty studyjne - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Na zewnątrz, I Zjednoczona Organizacja Przyszłości.
Oczywiście nie jest to styl jazzowy, ale rodzaj jazzowego zespołu instrumentalnego, ale mimo to został uwzględniony w tabeli, ponieważ każdy jazz wykonywany przez „big band” bardzo wyróżnia się na tle poszczególnych wykonawców jazzowych i małe grupy.
Liczba muzyków w big bandach waha się zwykle od dziesięciu do siedemnastu osób.
Powstał pod koniec lat dwudziestych XX wieku i składa się z trzy grupy orkiestrowe: saksofony - klarnety(Bębny) instrumenty dęte blaszane(Mosiądz, później pojawiły się grupy trąbek i puzonów), sekcja rytmiczna(Sekcja rytmiczna – fortepian, kontrabas, gitara, instrumenty perkusyjne). Powstanie muzyki duże zespoły, który rozpoczął się w USA w latach trzydziestych XX wieku, wiąże się z okresem masowego entuzjazmu dla swingu.
Później, aż do dnia dzisiejszego, występowały i nadal wykonują muzykę z najróżniejszych stylów. W istocie jednak era big bandów zaczyna się znacznie wcześniej i sięga czasów amerykańskich teatrów minstreli z drugiej połowy XIX wieku, które często powiększały obsadę sceniczną do kilkuset aktorów i muzyków. Słuchać Oryginalny zespół jazzowy Dixieland, zespół jazzowy King Oliver's Creole, orkiestra Glenna Millera i jego orkiestra i docenisz cały urok jazzu w wykonaniu wielkich zespołów.
Styl jazzowy, który rozwinął się na początku i połowie lat 40. XX wieku i zapoczątkował erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii.
Parker i Gillespie wprowadzili ultraszybkie tempo wykonania, aby odciągnąć nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Charakterystyczną cechą wszystkich bebopistów było między innymi ich szokujące zachowanie. Zakrzywiona trąbka „Dizzy'ego” Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp.
Powstały jako reakcja na powszechne rozprzestrzenianie się swingu, bebop w dalszym ciągu rozwijał swoje zasady użycia środków ekspresyjnych, ale jednocześnie ujawnił szereg przeciwstawnych trendów.
W przeciwieństwie do swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych orkiestr tanecznych, bebop jest eksperymentalnym ruchem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z praktyką małych zespołów (combo) i mającym antykomercyjny charakter.
Faza bebopu oznaczała znaczącą zmianę akcentu w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej masowo produkowaną „muzykę dla muzyków”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.
Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista, trębacz, pianiści Buda Powella I Theloniousa Monka, perkusista Maks Roach. Jeśli chcesz Bądź Bopem, Słuchać , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.
Jeden ze stylów współczesnego jazzu, powstały na przełomie lat 40. i 50. XX wieku w oparciu o rozwój osiągnięć swingu i bopu. Pochodzenie tego stylu wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem murzyńskiego saksofonisty swingowego L. Młody, który wypracował „zimny” styl realizacji dźwięku, przeciwstawny dźwiękowemu ideałowi gorącego jazzu (tzw. brzmienie Lestera); To on jako pierwszy wprowadził do języka codziennego termin „kul”. Poza tym przesłanki cool jazzu odnajdujemy w twórczości wielu muzyków bebopowych – m.in C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson i inni.
W tym samym czasie fajny jazz ma istotne różnice od bopa. Przejawem tego było odejście od tradycji gorącego jazzu, za którym podążał bop, odrzucenie nadmiernej wyrazistości rytmicznej i niestabilności intonacyjnej oraz świadome podkreślenie specyficznie czarnego smaku. Grałem w tym stylu: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.
Wraz ze stopniowym spadkiem aktywności w muzyce rockowej od początku lat 70. i spadkiem przepływu idei ze świata rocka, muzyka fusion stała się prostsza. Jednocześnie wielu zaczęło zdawać sobie sprawę, że jazz elektryczny może stać się bardziej komercyjny, producenci i niektórzy muzycy zaczęli szukać takich kombinacji stylów, aby zwiększyć sprzedaż. Naprawdę udało im się stworzyć rodzaj jazzu bardziej przystępnego dla przeciętnego słuchacza. Na przestrzeni ostatnich dwudziestu lat pojawiło się wiele różnych kombinacji, dla których promotorzy i publicyści lubią używać określenia „Modern Jazz”, używanego do opisania „fuzji” jazzu z elementami popu, rytmu i bluesa oraz „world music”.
Jednak słowo „crossover” trafniej oddaje istotę sprawy. Crossover i fusion osiągnęły swój cel, jakim było zwiększenie publiczności jazzu, zwłaszcza wśród tych, którzy mieli dość innych stylów. W niektórych przypadkach jest to muzyka warta uwagi, choć generalnie zawartość jazzowa w niej zredukowana jest do zera. Przykłady stylu crossover obejmują nagrania wokalne (Al Jarreau) (George Benson) do (Kenny G), „Spyro Gyra” I " " . W tym wszystkim widać wpływy jazzu, niemniej jednak muzyka ta wpisuje się w dziedzinę pop-artu, którą reprezentują Geralda Albrighta, George’a Duke’a, saksofonista Billa Evansa, Dave’a Grusina,.
Dixieland to najszersze określenie stylu muzycznego pierwszych muzyków jazzowych z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty w latach 1917–1923. Koncepcja ta rozciąga się także na okres późniejszego rozwoju i odrodzenia nowoorleańskiego jazzu – Odrodzenie Nowego Orleanu, która trwała po latach 30. Niektórzy historycy przypisują Dixieland wyłącznie przy muzyce białych zespołów grających w stylu jazzowym Nowego Orleanu.
W odróżnieniu od innych form jazzu, repertuar muzyków obejmuje utwory Dixieland pozostawał dość ograniczony, oferując nieskończone wariacje tematów w ramach tych samych utworów komponowanych przez pierwszą dekadę XX wieku i obejmowały ragtime, blues, one-step, two-step, marsze i popularne melodie. Dla stylu wydajności Dixieland cechą charakterystyczną było skomplikowane wplatanie się poszczególnych głosów w zbiorową improwizację całego zespołu. Początkowy solista i pozostali soliści, którzy kontynuowali jego grę, zdawali się sprzeciwiać „riffowaniu” reszty instrumentów dętych aż do końcowych fraz, zwykle wykonywanych przez perkusję w formie czterotaktowych refrenów, do których po kolei odpowiedział cały zespół.
Głównymi przedstawicielami tej epoki byli The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver i jego słynna orkiestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke i Jimmy McPartland. Muzycy Dixielandu zasadniczo poszukiwali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu z przeszłości. Próby te zakończyły się sukcesem i dzięki kolejnym pokoleniom trwają do dziś. Pierwsze odrodzenie Dixielandu miało miejsce w latach czterdziestych XX wieku.
Oto tylko niektórzy jazzmani, którzy grali w Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.
Od początku lat 70. niemiecka firma zajmuje odrębną niszę w środowisku jazzowym ECM (Wydanie Muzyki Współczesnej- Wydawnictwo Muzyki Współczesnej), które stopniowo stało się ośrodkiem stowarzyszenia muzyków, którzy wyznawali nie tyle przywiązanie do afroamerykańskiego pochodzenia jazzu, ile raczej umiejętność rozwiązywania szerokiej gamy problemów artystycznych, nie ograniczając się do określonym stylu, ale zgodnym z procesem twórczej improwizacji.
Z biegiem czasu rozwinęła się jednak pewna osobowość firmy, co doprowadziło do wyodrębnienia się artystów tej wytwórni w zakrojonym na szeroką skalę i jasno określonym kierunku stylistycznym. Założyciel wytwórni, Manfred Eicher, skupił się na łączeniu różnych idiomów jazzowych, światowego folkloru i nowej muzyki akademickiej w jedno impresjonistyczne brzmienie, umożliwiło wykorzystanie tych środków do ugruntowania głębi i filozoficznego zrozumienia wartości życiowych.
Główne studio nagraniowe firmy, mieszczące się w Oslo, wyraźnie koreluje z dominującą rolą w katalogu muzyków skandynawskich. Przede wszystkim są Norwegami Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Jednak geografia ECM obejmuje cały świat. Europejczycy też tu są Dave Holland, Tomasz Stańko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Michaił Alperin i przedstawiciele kultur pozaeuropejskich Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem i wiele innych. Legion Amerykański jest nie mniej reprezentatywny - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. Początkowy rewolucyjny impuls wydawnictw firmy przerodził się z czasem w medytacyjne i zdystansowane brzmienie otwartych form ze starannie dopracowanymi warstwami dźwiękowymi.
Część zwolenników głównego nurtu zaprzecza drodze obranej przez muzyków tego nurtu; jednakże jazz jako kultura światowa rozwija się pomimo tych zastrzeżeń i daje bardzo imponujące rezultaty.
W przeciwieństwie do wyrafinowania i chłodu stylu cool, racjonalności progresywnej na wschodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych, młodzi muzycy początku lat 50. kontynuowali rozwój pozornie wyczerpanego stylu bebopowego. Charakterystyczny dla lat 50. wzrost samoświadomości Afroamerykanów odegrał w tym trendzie znaczącą rolę. Ponownie położono nacisk na pozostanie wiernym afroamerykańskim tradycjom improwizacji. Jednocześnie zachowano wszystkie osiągnięcia bebopu, ale dodano do nich wiele ciekawych rozwiązań zarówno w dziedzinie harmonii, jak i struktur rytmicznych. Nowe pokolenie muzyków z reguły miało dobre wykształcenie muzyczne. Prąd ten, tzw „twardy”, okazało się całkiem liczne. Przyłączyli się trębacze Milesa Davisa, Fatsa Navarro, Clifforda Browna i Donalda Byrda, pianiści Theloniousa Monka i Horacego Silvera, perkusista Arta Blake’a, saksofoniści Sonny’ego Rollinsa i Hanka Mobleya, Cannonball Adderley, kontrabasista Pawła Chambersa i wiele innych.
Dla rozwoju nowego stylu istotna okazała się kolejna innowacja techniczna: pojawienie się płyt długogrających. Stało się możliwe nagrywanie długich solówek. Dla muzyków stało się to pokusą i trudnym sprawdzianem, ponieważ nie każdy jest w stanie przez długi czas wypowiadać się w pełni i zwięźle. Trębacze jako pierwsi wykorzystali te zalety, modyfikując styl Dizzy'ego Gillespiego na spokojniejszą, ale głębszą grę. Najbardziej wpływowi byli Gruby Navarro I Clifforda Browna. Muzycy ci zwracali główną uwagę nie na wirtuozowskie, szybkie pasaże w górnym rejestrze, ale na przemyślane i logiczne linie melodyczne.
Hot jazz uważany jest za muzykę nowoorleańskich pionierów drugiej fali, których największa aktywność twórcza zbiegła się z masowym exodusem nowoorleańskich muzyków jazzowych na północ, głównie do Chicago. Proces ten, który rozpoczął się wkrótce po zamknięciu Storyville w związku z przystąpieniem Stanów Zjednoczonych do I wojny światowej i ogłoszeniem z tego powodu Nowego Orleanu jako portu wojskowego, zapoczątkował tzw. erę Chicago w historii jazzu. Głównym przedstawicielem tej szkoły był Louis Armstrong. Armstrong nadal występując w zespole King Oliver dokonał rewolucyjnych zmian w ówczesnej koncepcji improwizacji jazzowej, odchodząc od tradycyjnych schematów improwizacji zbiorowej na rzecz wykonywania pojedynczych partii solowych.
Już sama nazwa tego gatunku jazzu wiąże się z intensywnością emocjonalną charakterystyczną dla sposobu wykonywania tych partii solowych. Termin Hot był pierwotnie synonimem jazzowej improwizacji solowej, aby podkreślić różnice w podejściu do solówki, które miały miejsce na początku lat dwudziestych. Później, wraz z zanikiem improwizacji zbiorowej, pojęcie to zaczęto kojarzyć ze sposobem wykonania materiału jazzowego, w szczególności ze szczególnym brzmieniem, które wyznacza instrumentalny i wokalny styl wykonania, tzw. gorącą intonacją: zestawem specjalnych sposoby rytmizacji i specyficzne cechy intonacyjne.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu powstał wraz z pojawieniem się „free jazzu”. Chociaż elementy „Wolny jazz” istniały na długo przed pojawieniem się samego terminu, w „eksperymentach” Colemana Hawkinsa, Pee Wee Russella i Lenny’ego Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych, dzięki staraniom takich pionierów jak saksofonista i pianista Cecila Taylora, kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny.
To, co ci dwaj muzycy stworzyli wspólnie z innymi, m.in Johna Coltrane’a, Alberta Eulera i społeczności takie jak Orkiestra Sun Ra oraz grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, składała się z różnych zmian w strukturze i klimacie muzyki.
Wśród innowacji, które wprowadzono z wyobraźnią i wielką muzykalnością, była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna zasadnicza zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo zrewidowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, puls, metrum i rytm nie były już istotnymi elementami w tym odczytaniu jazzu. Kolejny kluczowy element był związany z atonalnością. Teraz ekspresja muzyczna nie opierała się już na zwykłym systemie tonalnym.
Przeszywające, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już stylem tak kontrowersyjnym, jak na początku.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu powstał wraz z pojawieniem się „free jazzu”.
Nowoczesny kierunek stylistyczny, który wyłonił się w latach 70. na gruncie jazz-rocka, będącego syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru.
Najciekawsze kompozycje jazz-rocka charakteryzują się improwizacją połączoną z rozwiązaniami kompozycyjnymi, wykorzystaniem harmonicznych i rytmicznych zasad muzyki rockowej, aktywnym ucieleśnieniem melodii i rytmu Wschodu oraz wprowadzeniem elektronicznych środków przetwarzania dźwięku i syntezę w muzykę.
W tym stylu rozszerzył się zakres stosowania zasad modalnych i poszerzył się zakres różnych modów, w tym egzotycznych. W latach 70. jazz-rock stał się niezwykle popularny, dołączyli do niego najaktywniejsi muzycy. Jazz-rock, bardziej rozwinięty pod względem syntezy różnych środków muzycznych, nazywany jest „fusion” (fusion, łączenie). Dodatkowym impulsem do „fusion” był kolejny (nie pierwszy w historii jazzu) ukłon w stronę europejskiej muzyki akademickiej.
W wielu przypadkach fusion staje się właściwie połączeniem jazzu z konwencjonalną muzyką pop i lekkim rytmem i bluesem; krzyżowanie. Ambicje muzyki fusion w zakresie muzycznej głębi i wzmocnienia pozostają niespełnione, chociaż w rzadkich przypadkach poszukiwania są kontynuowane, na przykład w takich grupach jak Tribal Tech i zespoły Chick Corea. Słuchać: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, z nowego Niacin, Tunnels, CAB.
Nowoczesny boj nawiązuje do popularnych stylów jazzu lat 70. i 80., w których akompaniatorzy grają w czarnym stylu pop-soul, natomiast improwizacje solowe mają bardziej twórczy i jazzowy charakter. Większość saksofonistów tego stylu używa własnego zestawu prostych fraz, na które składają się bluesowe krzyki i jęki. Opierają się na tradycji przejętej z solówek na saksofonie w nagraniach wokalnych rytmicznych i bluesowych, takich jak nagrania Coasters Kinga Curtisa. Młody Walker z grupami wokalnymi wytwórni Motown, Dawid Sanborn z „Blues Band” Paula Butterfielda. Wybitna postać tego gatunku - często grająca solówki w tym stylu Hanka Crawforda używając funkowego akompaniamentu. Większość muzyki , i ich uczniowie korzystają z tego podejścia. , działają także w stylu „modern funk”.
Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest to środek wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na ciągłych odchyleniach rytmu od uderzeń pomocniczych. Dzięki temu powstaje wrażenie dużej energii wewnętrznej, która znajduje się w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który powstał na przełomie lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.
Wstępna definicja „jazz-rock” była najczystsza: połączenie jazzowej improwizacji z energią i rytmami muzyki rockowej. Do 1967 roku światy jazzu i rocka istniały praktycznie oddzielnie. Ale do tego czasu rock staje się bardziej kreatywny i bardziej złożony, pojawia się psychodeliczny rock i muzyka soul. W tym samym czasie część muzyków jazzowych zaczęła mieć dość czystego hardbopu, ale nie chcieli grać trudnej muzyki awangardowej. W rezultacie dwa różne idiomy zaczęły wymieniać się pomysłami i łączyć siły.
Od 1967 gitarzysta Larry'ego Coryella, wibrafonista Gary'ego Burtona, w 1969 perkusista Billy'ego Cobhama wraz z grupą „Dreams”, w której grali bracia Brecker, zaczęli eksplorować nowe przestrzenie stylu.
Pod koniec lat 60. Miles Davis miał potencjał niezbędny do przejścia na jazz rock. Był jednym z twórców jazzu modalnego, w oparciu o który wykorzystując rytm 8/8 i instrumenty elektroniczne zrobił nowy krok nagrywając płyty „Bitches Brew”, „In a Silent Way”. Wraz z nim w tym czasie jest genialna plejada muzyków, z których wielu stało się później fundamentalnymi postaciami tego ruchu – (John McLaughlin), Joe Zawinula(Joe Zawinul) Herbiego Hancocka. Charakterystyczna dla Davisa asceza, zwięzłość i filozoficzna kontemplacja okazały się właśnie tym, co było w nowym stylu.
Na początku lat 70 jazz-rocka miał swoją odrębną tożsamość jako twórczy styl jazzowy, choć był wyśmiewany przez wielu jazzowych purystów. Głównymi grupami nowego kierunku były „Powrót do wieczności”, „Raport pogodowy”, „Orkiestra Mahavishnu”, różne zespoły Milesa Davisa. Grali wysokiej jakości jazz-rock, który łączył ogromną gamę technik zarówno jazzowych, jak i rockowych. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- zdecydowanie warto jej posłuchać, żeby zrozumieć, jak różnorodna jest muzyka progresywna i jazz-rockowa.
Styl jazz-rap była próbą połączenia muzyki afroamerykańskiej minionych dekad z nową dominującą formą teraźniejszości, która oddałaby hołd i tchnęła nowe życie w pierwszy element tego – fusion – jednocześnie poszerzając horyzonty drugiego. Rytmy jazz-rapu zostały w całości zapożyczone z hip-hopu, a próbki i faktura dźwiękowa pochodziły głównie z takich gatunków muzyki jak cool jazz, soul-jazz i hard bop.
Styl ten był najfajniejszym i najsłynniejszym ze wszystkich stylów hiphopowych, a wielu artystów wykazało się afrocentryczną świadomością polityczną, dodając temu stylowi historycznej autentyczności. Biorąc pod uwagę intelektualny charakter tej muzyki, nie jest zaskakujące, że jazz-rap nigdy nie stał się ulubieńcem ulicznych imprez; ale wtedy nikt o tym nie myślał.
Przedstawiciele jazz-rapu sami nazywali siebie zwolennikami bardziej pozytywnej alternatywy dla ruchu hardcorowego/gangsta, który na początku lat 90. wyparł rap z jego wiodącej pozycji. Starali się szerzyć hip-hop wśród słuchaczy, którzy nie mogli zaakceptować ani zrozumieć rosnącej agresji miejskiej kultury muzycznej. Tym samym jazz-rap znalazł większość swoich fanów w akademikach, a także zyskał wsparcie szeregu krytyków i fanów białego rocka alternatywnego.
Zespół Języki ojczyste (Afrika Bambaataa)– ten nowojorski kolektyw, składający się z afroamerykańskich grup rapowych, stał się potężną siłą reprezentującą ten styl jazz-rap i obejmuje takie grupy jak A Tribe Called Quest, De La Soul i Bracia z dżungli. Wkrótce rozpoczęła się ich twórczość Planety nadające się do kopania I Gwiazda gangu również zyskał sławę. Od połowy do końca lat 90. rap alternatywny zaczął dzielić się na dużą liczbę podstylów, a jazz-rap nie stawał się już często elementem nowego brzmienia.
Jako jedna z najbardziej szanowanych form sztuki muzycznej w Ameryce, jazz położył podwaliny pod całą branżę, przedstawiając światu wielu znakomitych kompozytorów, instrumentalistów i wokalistów oraz dając początek szerokiej gamie gatunków. Za globalne zjawisko, które miało miejsce na przestrzeni ostatniego stulecia w historii gatunku, odpowiada 15 najbardziej wpływowych muzyków jazzowych.
Jazz rozwinął się na przełomie XIX i XX wieku jako ruch łączący klasyczne brzmienia europejskie i amerykańskie z afrykańskimi motywami ludowymi. Pieśni wykonywane były w rytmie synkopowanym, co dało impuls do rozwoju, a następnie powstania dużych orkiestr do ich wykonywania. Muzyka poczyniła ogromne postępy od czasów ragtime'u po nowoczesny jazz.
Wpływ kultury muzycznej Afryki Zachodniej jest oczywisty w rodzaju pisanej muzyki i sposobie jej wykonywania. Polirytm, improwizacja i synkopa to cechy charakterystyczne jazzu. Na przestrzeni ostatniego stulecia styl ten ulegał zmianom pod wpływem współczesnych temu gatunkowi, którzy swoje idee sprowadzili do istoty improwizacji. Zaczęły pojawiać się nowe kierunki - bebop, fusion, jazz latynoamerykański, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz i tak dalej.
15 Art Tatum
Art Tatum był pianistą jazzowym i wirtuozem, który był praktycznie niewidomy. Zasłynął jako jeden z najwybitniejszych pianistów wszechczasów, który zmienił rolę fortepianu w zespole jazzowym. Tatum zwrócił się w stronę stylu stride, aby stworzyć swój własny, niepowtarzalny styl gry, dodając swingowe rytmy i fantastyczne improwizacje. Jego stosunek do muzyki jazzowej radykalnie zmienił znaczenie fortepianu w jazzie jako instrumentu muzycznego w porównaniu z jego wcześniejszymi cechami.
Tatum eksperymentował z harmonią melodii, wpływając na strukturę akordów i rozszerzając ją. Wszystko to charakteryzowało styl bebopowy, który, jak wiemy, stał się popularny dziesięć lat później, kiedy pojawiły się pierwsze nagrania tego gatunku. Krytycy zwracali także uwagę na jego nienaganną technikę gry – Art Tatum potrafił grać najtrudniejsze fragmenty z taką łatwością i szybkością, że wydawało się, że jego palce ledwo dotykają czarno-białych klawiszy.
14 Theloniousa Monka
Jedne z najbardziej złożonych i różnorodnych dźwięków można znaleźć w repertuarze pianisty i kompozytora, jednego z najważniejszych przedstawicieli epoki powstania bebopu i jego późniejszego rozwoju. Już sama jego osobowość jako ekscentrycznego muzyka pomogła w spopularyzowaniu jazzu. Monk, zawsze ubrany w garnitur, kapelusz i okulary przeciwsłoneczne, otwarcie wyrażał swoje swobodne podejście do muzyki improwizowanej. Nie akceptował sztywnych zasad i wypracował własne podejście do tworzenia esejów. Do jego najbardziej błyskotliwych i znanych dzieł należą Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You i Well, You Need’t.
Styl gry Monka opierał się na nowatorskim podejściu do improwizacji. Jego prace wyróżniają się szokowymi fragmentami i ostrymi pauzami. Dość często podczas swoich występów podskakiwał zza fortepianu i tańczył, podczas gdy pozostali członkowie zespołu nadal grali melodię. Thelonious Monk pozostaje jednym z najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku.
13 Karola Mingusa
Uznany wirtuoz kontrabasu, kompozytor i lider zespołu był jednym z najwybitniejszych muzyków sceny jazzowej. Rozwinął nowy styl muzyczny, łączący gospel, hard bop, free jazz i muzykę klasyczną. Współcześni nazywali Mingusa „spadkobiercą Duke’a Ellingtona” ze względu na jego fantastyczną umiejętność pisania utworów dla małych zespołów jazzowych. Jego kompozycje świadczyły o umiejętnościach gry wszystkich członków grupy, z których każdy był nie tylko utalentowany, ale charakteryzował się niepowtarzalnym stylem gry.
Mingus starannie dobierał muzyków, którzy tworzyli jego zespół. Legendarny kontrabasista wpadł w złość i raz nawet uderzył puzonistę Jimmy'ego Kneppera w twarz, wybijając mu ząb. Mingus cierpiał na depresję, ale nie był gotowy, aby wpłynęła ona w jakiś sposób na jego twórczość. Pomimo tej niepełnosprawności Charles Mingus jest jedną z najbardziej wpływowych postaci w historii jazzu.
12 Arta Blakeya
Art Blakey był słynnym amerykańskim perkusistą i liderem zespołu, który zrobił furorę swoim stylem i techniką gry na perkusji. Łączył swing, blues, funk i hard bop – styl, który można dziś usłyszeć w każdej współczesnej kompozycji jazzowej. Razem z Maxem Roachem i Kennym Clarkiem wymyślił nowy sposób grania bebopu na perkusji. Przez ponad 30 lat jego zespół The Jazz Messengers dał początek wielkiemu jazzowi wielu artystów jazzowych: Benny’emu Golsonowi, Wayne’owi Shorterowi, Cliffordowi Brownowi, Curtisowi Fullerowi, Horace’owi Silverowi, Freddiemu Hubbardowi, Keithowi Jarrettowi i in.
Ambasadorzy Jazzu nie tylko tworzyli fenomenalną muzykę, byli swego rodzaju „muzycznym poligonem doświadczalnym” dla młodych utalentowanych muzyków, niczym grupa Milesa Davisa. Styl Arta Blakeya zmienił samo brzmienie jazzu, stając się nowym muzycznym kamieniem milowym.
11 Zawroty głowy Gillespie
Trębacz jazzowy, wokalista, kompozytor i lider zespołu stał się wybitną postacią epoki bebopu i współczesnego jazzu. Jego gra na trąbce wpłynęła na styl Milesa Davisa, Clifforda Browna i Fatsa Navarro. Po pobycie na Kubie i powrocie do Stanów Zjednoczonych Gillespie był jednym z tych muzyków, którzy aktywnie promowali jazz afro-kubański. Oprócz niepowtarzalnej gry na charakterystycznie zakrzywionej trąbce Gillespiego można było rozpoznać po okularach w rogowych oprawkach i niewiarygodnie dużych policzkach podczas gry.
Wielki improwizator jazzowy Dizzy Gillespie i Art Tatum wprowadzili innowacje w zakresie harmonii. Kompozycje Salt Peanuts i Goovin' High rytmicznie całkowicie odbiegały od poprzednich dzieł. Pozostając wierny bebopowi przez całą swoją karierę, Gillespie jest pamiętany jako jeden z najbardziej wpływowych trębaczy jazzowych.
10 Maks Roach
W pierwszej dziesiątce piętnastki najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku znalazł się Max Roach, perkusista uznawany za jednego z pionierów bebopu. On, jak niewielu innych, wywarł wpływ na współczesną perkusję. Roach był działaczem na rzecz praw obywatelskich, a nawet nagrał album We Insist! z Oscarem Brownem Jr. i Colemanem Hawkinsem. – Teraz Wolność („Nalegamy! – Wolność teraz”), poświęcony 100. rocznicy podpisania Proklamacji Wyzwolenia. Max Roach ma nienaganny styl gry, jest w stanie wykonywać rozbudowane solówki przez cały koncert. Absolutnie każda publiczność była zachwycona jego niezrównanymi umiejętnościami.
9 Billie Holiday
Lady Day jest ulubieńcem milionów. Billie Holiday napisała tylko kilka piosenek, ale kiedy zaśpiewała, urzekła swoim głosem od pierwszych nut. Jej występy są głębokie, osobiste, a nawet intymne. Jej styl i intonacja inspirowana jest dźwiękami instrumentów muzycznych, które słyszała. Jak niemal wszyscy opisani powyżej muzycy, stała się twórczynią nowego, choć już wokalnego stylu, opartego na długich frazach muzycznych i tempie ich śpiewu.
Słynny Strange Fruit jest najlepszy nie tylko w karierze Billie Holiday, ale w całej historii jazzu ze względu na uduchowiony występ piosenkarki. Została pośmiertnie uhonorowana prestiżowymi nagrodami i wprowadzona do Grammy Hall of Fame.
8 Johna Coltrane’a
Nazwisko Johna Coltrane'a kojarzone jest z wirtuozowską techniką gry, doskonałym talentem do komponowania muzyki i pasją odkrywania nowych odsłon gatunku. U progu początków hard bopu saksofonista odniósł ogromny sukces i stał się jednym z najbardziej wpływowych muzyków w historii gatunku. Muzyka Coltrane’a miała ostre brzmienie, a on grał z wielką intensywnością i oddaniem. Potrafił zarówno grać samodzielnie, jak i improwizować w zespole, tworząc partie solowe o niesamowitej długości. Grając na saksofonie tenorowym i sopranowym, Coltrane potrafił także tworzyć kompozycje melodyczne w stylu smooth jazz.
Johnowi Coltrane’owi przypisuje się ponowne uruchomienie bebopu poprzez wprowadzenie harmonii modalnych. Pozostając główną postacią awangardy, był bardzo płodnym kompozytorem i nadal wydawał płyty, nagrywając około 50 albumów jako lider zespołu przez całą swoją karierę.
7 Hrabia Basie
Rewolucyjny pianista, organista, kompozytor i lider zespołu, Count Basie, przewodził jednemu z zespołów, które odniosły największy sukces w historii jazzu. Przez 50 lat Count Basie Orchestra, w skład której wchodzą niezwykle popularni muzycy, tacy jak Sweets Edison, Buck Clayton i Joe Williams, zyskała reputację jednego z najbardziej rozchwytywanych big bandów w Ameryce. Zdobywca dziewięciu nagród Grammy, Count Basie, zaszczepił miłość do brzmień orkiestrowych w więcej niż jednym pokoleniu słuchaczy.
Basie napisał wiele kompozycji, które stały się standardami jazzowymi, m.in. April in Paris i One O'Clock Jump. Koledzy opisywali go jako taktownego, skromnego i pełnego entuzjazmu. Bez orkiestry Counta Basiego w historii jazzu era big bandu brzmiałaby inaczej i prawdopodobnie nie byłaby tak wpływowa, jak w przypadku tego wybitnego lidera zespołu.
6 Colemana Hawkinsa
Saksofon tenorowy jest symbolem bebopu i w ogóle całej muzyki jazzowej. I za to możemy podziękować Colemanowi Hawkinsowi. Innowacje wprowadzone przez Hawkinsa odegrały kluczową rolę w rozwoju bebopu w połowie lat czterdziestych. Jego wkład w popularność instrumentu mógł ukształtować przyszłe kariery Johna Coltrane'a i Dextera Gordona.
Kompozycja Body and Soul (1939) stała się dla wielu saksofonistów standardem gry na saksofonie tenorowym. Hawkins inspirował się także innymi instrumentalistami: pianista Thelonious Monk, trębacz Miles Davis, perkusista Max Roach. Jego zdolność do niezwykłych improwizacji doprowadziła do odkrycia nowych, jazzowych stron gatunku, które nie były poruszane przez jego współczesnych. To częściowo wyjaśnia, dlaczego saksofon tenorowy stał się integralną częścią współczesnego zespołu jazzowego.
5 Benny'ego Goodmana
Otwiera listę pięciu najlepszych 15 najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku. Słynny King of Swing prowadził niemal najpopularniejszą orkiestrę początku XX wieku. Jego koncert w Carnegie Hall w 1938 roku uznawany jest za jeden z najważniejszych koncertów na żywo w historii muzyki amerykańskiej. Spektakl ten ukazuje nadejście ery jazzu, uznanie tego gatunku za niezależną formę sztuki.
Pomimo tego, że Benny Goodman był wokalistą dużej orkiestry swingowej, brał także udział w rozwoju bebopu. Jego orkiestra jako jedna z pierwszych połączyła muzyków różnych ras. Goodman był zdeklarowanym przeciwnikiem ustawy Jima Crowa. Odwołał nawet tournée po południowych stanach w ramach wsparcia równości rasowej. Benny Goodman był aktywną postacią i reformatorem nie tylko jazzu, ale także muzyki popularnej.
4 Milesa Davisa
Jedna z czołowych postaci jazzu XX wieku, Miles Davis, stał u początków wielu wydarzeń muzycznych i nadzorował ich rozwój. Przypisuje mu się innowację w takich gatunkach jak bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk i techno. Nieustannie poszukując nowego stylu muzycznego, zawsze odnosił sukcesy i otaczali go znakomici muzycy, m.in. John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter czy Chick Corea. W ciągu swojego życia Davis otrzymał 8 nagród Grammy i został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis był jednym z najbardziej aktywnych i wpływowych muzyków jazzowych ubiegłego wieku.
3 Charliego Parkera
Kiedy myślisz o jazzie, pamiętasz nazwę. Znany również jako Bird Parker, był pionierem jazzowego saksofonu altowego, muzykiem bebopowym i kompozytorem. Jego szybka gra, czyste brzmienie i talent improwizatora wywarły znaczący wpływ na muzyków tamtych czasów i naszych współczesnych. Jako kompozytor zmienił standardy pisania muzyki jazzowej. Charlie Parker stał się muzykiem, który kultywował ideę, że jazzmani to artyści i intelektualiści, a nie tylko showmani. Wielu artystów próbowało naśladować styl Parkera. Jego słynne techniki gry można prześledzić także w stylu wielu współczesnych początkujących muzyków, dla których podstawą jest kompozycja Bird, zgodna z pseudonimem alt-sakkosofisty.
2 Duke'a Ellingtona
Był znakomitym pianistą, kompozytorem i jednym z najwybitniejszych dyrygentów orkiestrowych. Chociaż jest znany jako pionier jazzu, wyróżniał się w innych gatunkach, w tym w muzyce gospel, blues, klasycznej i popularnej. To Ellingtonowi przypisuje się wyniesienie jazzu do rangi własnej formy artystycznej. Mając na swoim koncie niezliczone nagrody i wyróżnienia, ten pierwszy wielki kompozytor jazzowy nigdy nie przestał się doskonalić. Był inspiracją dla kolejnych pokoleń muzyków, w tym Sonny'ego Stitta, Oscara Petersona, Earla Hinesa i Joe Passa. Duke Ellington pozostaje uznanym geniuszem fortepianu jazzowego – instrumentalistą i kompozytorem.
1 Louis Armstrong
Bez wątpienia najbardziej wpływowy muzyk jazzowy w historii gatunku, Satchmo to trębacz i piosenkarz pochodzący z Nowego Orleanu. Jest znany jako twórca jazzu i odegrał kluczową rolę w jego rozwoju. Niezwykłe umiejętności tego wykonawcy pozwoliły wynieść trąbkę do rangi solowego instrumentu jazzowego. Jest pierwszym muzykiem, który śpiewał w stylu scat i spopularyzował go. Nie sposób było nie rozpoznać jego niskiego, „grzmiącego” głosu.
Przywiązanie Armstronga do własnych ideałów wpłynęło na twórczość Franka Sinatry i Binga Crosby'ego, Milesa Davisa i Dizzy'ego Gillespiego. Louis Armstrong wpłynął nie tylko na jazz, ale także na całą kulturę muzyczną, dając światu nowy gatunek, niepowtarzalny styl śpiewu i styl gry na trąbce.
Jazz to rodzaj sztuki muzycznej, który powstał w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej z udziałem folkloru afroamerykańskiego. Rytm i improwizację zapożyczono z muzyki afrykańskiej, a harmonię z muzyki europejskiej.
Ogólne informacje o początkach formacji
Historia jazzu sięga 1910 roku w USA. Szybko rozprzestrzeniło się na cały świat. W XX wieku ten kierunek w muzyce przeszedł szereg zmian. Jeśli porozmawiamy krótko o historii jazzu, należy zauważyć, że przez proces formowania przeszło kilka etapów rozwoju. W latach 30-40 XX wieku duży wpływ na niego miały ruchy swingowe i bebopowe. Po 1950 roku jazz zaczęto postrzegać jako gatunek muzyczny obejmujący wszystkie style, przez które ewoluował.
Obecnie jazz zajął miejsce w obszarze sztuki wysokiej. Uważany jest za dość prestiżowy, wpływający na rozwój światowej kultury muzycznej.
Historia jazzu
Trend ten powstał w USA w wyniku połączenia kilku kultur muzycznych. Historia początków jazzu rozpoczyna się w Ameryce Północnej, której większość zamieszkiwali angielscy i francuscy protestanci. Misjonarze religijni starali się nawrócić Czarnych na wiarę, dbając o zbawienie ich dusz.
Efektem syntezy kultur jest pojawienie się duchowości i bluesa.
Muzykę afrykańską charakteryzuje improwizacja, polirytm, polimetria i linearność. Zasada rytmiczna odgrywa tutaj ogromną rolę. Znaczenie melodii i harmonii nie jest tak istotne. Wyjaśnia to fakt, że muzyka wśród Afrykanów ma znaczenie praktyczne. Towarzyszy pracy i rytuałom. Muzyka afrykańska nie jest samodzielna i kojarzona jest z ruchem, tańcem i recytacją. Jego intonacja jest dość dowolna, gdyż zależy od stanu emocjonalnego wykonawców.
Z muzyki europejskiej, która była bardziej racjonalna, jazz został wzbogacony o układ modalny dur-moll, struktury melodyczne i harmonię.
Proces unifikacji kultur rozpoczął się w XVIII wieku i doprowadził do powstania jazzu w XX wieku.
Okres szkoły nowoorleańskiej
W historii jazzu uważa się, że pierwszy styl instrumentalny powstał w Luizjanie. Muzyka ta pojawiła się po raz pierwszy w występach ulicznych orkiestr dętych, które cieszyły się wówczas dużą popularnością. Storyville, obszar miasta specjalnie wyznaczony na miejsca rozrywki, odegrał ogromne znaczenie w historii powstania jazzu w tym portowym mieście. To tu, wśród muzyków kreolskich pochodzenia murzyńsko-francuskiego, narodził się jazz. Znali lekką muzykę klasyczną, byli wykształceni, opanowali europejskie techniki gry, grali na europejskich instrumentach i czytali nuty. Ich wysoki poziom wykonawczy i wychowanie w tradycji europejskiej wzbogaciły wczesny jazz o elementy niepodlegające wpływom afrykańskim.
Fortepian był także powszechnym instrumentem w placówkach w Storyville. Brzmienie tutaj opierało się głównie na improwizacji, a instrument był używany bardziej jako instrument perkusyjny.
Przykładem wczesnego stylu nowoorleańskiego jest zespół Buddy Bolden (kornet), który istniał w latach 1895-1907. Muzyka tej orkiestry opierała się na kolektywnej improwizacji o strukturze polifonicznej. Początkowo rytm wczesnych kompozycji jazzowych Nowego Orleanu był marszowy, gdyż zespoły wywodziły się z orkiestr wojskowych. Z biegiem czasu ze standardowego składu orkiestr dętych usunięto instrumenty wtórne. Zespoły takie często organizowały konkursy. Brały w nich udział także drużyny „białych”, które wyróżniały się grą techniczną, ale były mniej emocjonalne.
Było wiele orkiestr grających marsze, bluesa, ragtime itp.
Oprócz czarnych orkiestr pojawiły się także orkiestry składające się z białych muzyków. Początkowo wykonywali tę samą muzykę, ale nazywali się „Dixieland”. Później w tych kompozycjach wykorzystano więcej elementów europejskiej technologii, zmienił się ich styl realizacji dźwięku.
Orkiestry parowe
Orkiestry Nowego Orleanu pracujące na statkach parowych pływających po rzece Mississippi odegrały rolę w historii początków jazzu. Dla pasażerów podróżujących statkami rekreacyjnymi jedną z najatrakcyjniejszych rozrywek były występy takich orkiestr. Wykonali zabawną muzykę taneczną. W przypadku wykonawców obowiązkowym wymogiem była znajomość muzyki i umiejętność czytania nut z kartki. Dlatego też kompozycje te charakteryzowały się dość wysokim poziomem merytorycznym. W takiej orkiestrze swoją karierę rozpoczęła pianistka jazzowa Lil Hardin, późniejsza żona Louisa Armstronga.
Na stacjach, na których zatrzymywały się statki, orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej ludności.
Niektóre zespoły pozostały w miastach położonych wzdłuż lub daleko od rzek Mississippi i Missouri. Jednym z takich miast było Chicago, gdzie Czarni czuli się bardziej komfortowo niż w Ameryce Południowej.
Duży zespół
Na początku lat 20. XX w. w historii muzyki jazzowej pojawiła się forma big bandu, która pozostawała aktualna aż do końca lat 40. XX wieku. Wykonawcy takich orkiestr grali wyuczone partie. Orkiestracja obejmowała jasne brzmienie bogatych harmonii jazzowych, które wykonywały instrumenty dęte blaszane i najsłynniejsze orkiestry jazzowe to orkiestry Glenna Millera, Benny'ego Goodmana, Counta Basiego i Jimmy'ego Lunsforda. Nagrali autentyczne hity o swingowych melodiach, które stały się źródłem pasji do swingu w szerokim gronie słuchaczy. Podczas odbywających się wówczas „bitew zespołów” improwizujący soliści big bandów doprowadzali publiczność do histerii.
Po latach pięćdziesiątych, kiedy popularność big bandów spadła, słynne orkiestry przez kilka dziesięcioleci nadal koncertowały i nagrywały. Wykonywana przez nich muzyka zmieniała się pod wpływem nowych kierunków. Dziś big band to standard edukacji jazzowej.
Chicagowski jazz
W 1917 roku Stany Zjednoczone przystępują do I wojny światowej. Pod tym względem uznano je za miasto o znaczeniu strategicznym. Wszystkie lokale rozrywkowe, w których pracowała duża liczba muzyków, zostały zamknięte. Pozostając bez pracy, masowo wyemigrowali na północ, do Chicago. W tym okresie pojawiają się tam wszyscy najlepsi muzycy zarówno z Nowego Orleanu, jak i innych miast. Jednym z najwybitniejszych wykonawców był Joe Oliver, który zasłynął w Nowym Orleanie. W okresie chicagowskim w skład jego zespołu wchodzili znani muzycy: Louis Armstrong (drugi kornet), Johnny Dodds (klarnet), jego brat „Babby” Dodds (perkusja) oraz młody i wykształcony chicagowski pianista Lil Hardin. Ta orkiestra grała improwizowany, pełnoteksturowy jazz nowoorleański.
Analizując historię rozwoju jazzu, należy zauważyć, że w okresie chicagowskim brzmienie orkiestr zmieniło się stylistycznie. Niektóre narzędzia są wymieniane. W występach stacjonarnych możliwe jest wykorzystanie zespołów, które stały się członkami obowiązkowymi. Zamiast basu dętego używa się kontrabasu, zamiast banjo gitary, a zamiast kornetu trąbki. Zmiany zachodzą także w grupie perkusyjnej. Teraz perkusista gra na zestawie perkusyjnym, gdzie jego możliwości stają się szersze.
W tym samym czasie zaczęto używać saksofonu w orkiestrach.
Historia jazzu w Chicago uzupełnia się nowymi nazwiskami młodych wykonawców, wykształconych muzycznie, potrafiących czytać i aranżować. Muzycy ci (w większości biali) nie znali prawdziwego nowoorleańskiego brzmienia jazzu, ale nauczyli się go od czarnych wykonawców, którzy wyemigrowali do Chicago. Naśladowała ich muzyczna młodzież, ale ponieważ nie zawsze to wychodziło, powstał nowy styl.
W tym okresie umiejętności Louisa Armstronga osiągnęły swój szczyt, dając przykład chicagowskiemu jazzowi i ugruntowując rolę solisty najwyższej klasy.
Blues odradza się w Chicago, wypuszczając nowych artystów.
Następuje fuzja jazzu i popu, dlatego na pierwszy plan zaczynają pojawiać się wokaliści. Tworzą własne kompozycje orkiestrowe z akompaniamentem jazzowym.
Okres chicagowski charakteryzuje się powstaniem nowego stylu śpiewania instrumentalistów jazzowych. Jednym z przedstawicieli tego stylu jest Louis Armstrong.
Huśtać się
W historii powstania jazzu termin „swing” (przetłumaczony z angielskiego jako „swinging”) używany jest w dwóch znaczeniach. Po pierwsze, swing jest w tej muzyce środkiem wyrazu. Charakteryzuje się niestabilną pulsacją rytmiczną, stwarzającą iluzję przyspieszonego tempa. Pod tym względem wydaje się, że muzyka ma wielką energię wewnętrzną. Wykonawców i słuchaczy łączy wspólny stan psychofizyczny. Efekt ten osiąga się poprzez zastosowanie technik rytmicznych, frazowania, artykulacji i barwy. Każdy muzyk jazzowy stara się wypracować swój własny, oryginalny sposób na „swingującą” muzykę. To samo dotyczy zespołów i orkiestr.
Po drugie, jest to jeden ze stylów jazzu orkiestrowego, który pojawił się pod koniec lat 20. XX wieku.
Cechą charakterystyczną stylu swingowego jest improwizacja solowa na tle dość złożonego akompaniamentu. W tym stylu mogliby pracować muzycy z dobrą techniką, znajomością harmonii i opanowaniem technik rozwoju muzycznego. Do takiego muzykowania stworzono duże orkiestry lub big bandy, które stały się popularne w latach 30. XX wieku. Standardowy skład orkiestry obejmował tradycyjnie 10-20 muzyków. Spośród nich - od 3 do 5 trąbek, tyle samo puzonów, grupa saksofonowa, w skład której wchodził klarnet, a także sekcja rytmiczna, na którą składały się fortepian, bas smyczkowy, gitara i instrumenty perkusyjne.
Bop
W połowie lat 40. XX wieku wyłonił się nowy styl jazzowy, którego pojawienie się zapoczątkowało historię współczesnego jazzu. Styl ten powstał jako kontrast do swingu. Miał bardzo szybkie tempo, które wprowadzili Dizzy Gillespie i Charlie Parker. Dokonano tego w konkretnym celu – aby ograniczyć krąg wykonawców wyłącznie do profesjonalistów.
Muzycy zastosowali zupełnie nowe schematy rytmiczne i zwroty melodyczne. Język harmoniczny stał się bardziej złożony. Baza rytmiczna z bębna basowego (w swingu) przeniosła się na talerze. Wszelka taneczność w muzyce całkowicie zniknęła.
W historii stylów jazzowych bebop jako pierwszy opuścił sferę muzyki popularnej w stronę twórczości eksperymentalnej, w sferę sztuki w jej „czystej” postaci. Stało się tak ze względu na zainteresowanie przedstawicieli tego stylu akademizmem.
Boppersy wyróżniały się szokującym wyglądem i zachowaniem, podkreślając tym samym ich indywidualność.
Muzykę bebopową wykonywały małe zespoły. Na pierwszym planie solista ze swoim indywidualnym stylem, wirtuozowską techniką, twórczym myśleniem i mistrzostwem swobodnej improwizacji.
W porównaniu ze swingiem kierunek ten był bardziej artystyczny i intelektualny, ale mniej rozpowszechniony. To było antykomercyjne. Niemniej jednak bebop zaczął się szybko rozprzestrzeniać i miał swoją szeroką publiczność słuchaczy.
Terytorium jazzu
W historii jazzu nie sposób odnotować nieustanne zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od kraju, w którym żyją. Wyjaśnia to fakt, że wykonawcy jazzowi, tacy jak Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington i wielu innych, budowali swoje kompozycje na syntezie różnych kultur muzycznych. Fakt ten sugeruje, że jazz jest muzyką rozumianą na całym świecie.
Dziś historia jazzu ma swój ciąg dalszy, gdyż potencjał rozwoju tej muzyki jest dość duży.
Muzyka jazzowa w ZSRR i Rosji
Ze względu na to, że jazz w ZSRR uznawany był za przejaw kultury burżuazyjnej, był krytykowany i zakazany przez władze.
Ale 1 października 1922 roku odbył się koncert pierwszej profesjonalnej orkiestry jazzowej w ZSRR. Orkiestra ta wykonywała modne tańce Charleston i Foxtrot.
W historii rosyjskiego jazzu znajdują się nazwiska utalentowanych muzyków: pianisty i kompozytora, a także lidera pierwszej orkiestry jazzowej Aleksandra Tsfasmana, śpiewaka Leonida Utesowa i trębacza Y. Skomorowskiego.
Po latach 50. aktywną działalność twórczą rozpoczęło wiele dużych i małych zespołów jazzowych, w tym istniejąca do dziś orkiestra jazzowa Olega Lundstrema.
Obecnie co roku w Moskwie odbywa się festiwal jazzowy, w którym biorą udział światowej sławy zespoły jazzowe i soliści.
Jazz narodził się w Nowym Orleanie. Większość historii jazzu zaczyna się od podobnego sformułowania, zwykle z obowiązkowym wyjaśnieniem, że podobna muzyka rozwijała się w wielu miastach południa Ameryki – Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.
Muzyczne początki jazzu, zarówno afroamerykańskiego, jak i europejskiego, są liczne i zbyt długie, aby je wymieniać, ale nie sposób nie wspomnieć o jego dwóch głównych afroamerykańskich poprzednikach.
Można słuchać utworów jazzowych
Ragtime i blues
Około dwudziestu lat na przełomie XIX i XX wieku nastąpił krótki rozkwit ragtime’u, który był pierwszym rodzajem muzyki popularnej. Ragtime wykonywano głównie na fortepianie. Samo słowo tłumaczy się jako „nierówny rytm”, a gatunek ten otrzymał swoją nazwę ze względu na synkopowany rytm. Autorem najpopularniejszych sztuk był Scott Joplin, nazywany „Królem Ragtime’u”.
Przykład: Scott Joplin – szmata z liści klonu
Kolejnym równie ważnym poprzednikiem jazzu był blues. Jeśli ragtime nadał jazzowi energiczny, synkopowany rytm, to blues dał mu głos. I w sensie dosłownym, skoro blues jest gatunkiem wokalnym, ale przede wszystkim w sensie przenośnym, ponieważ blues charakteryzuje się użyciem rozmytych nut, których nie ma w europejskim systemie dźwiękowym (zarówno durowym, jak i molowym) - także nuty bluesowe jako potocznie wykrzykiwana i rytmicznie swobodna egzekucja.
Przykład: Ślepa Lemon Jefferson – Jęk Czarnego Węża
Narodziny jazzu
Następnie afroamerykańscy muzycy jazzowi przenieśli ten styl do muzyki instrumentalnej, a instrumenty dęte zaczęły naśladować ludzki głos, jego intonację, a nawet artykulację. W jazzie pojawiły się tzw. „brudne” dźwięki. Każdy dźwięk powinien mieć pieprzną jakość. Muzyk jazzowy tworzy muzykę nie tylko za pomocą różnych nut, tj. dźwięki o różnej wysokości, ale także za pomocą różnych barw, a nawet dźwięków.
Jelly Roll Morton – chodnikowy blues
Scott Joplin mieszkał w Missouri, a pierwszy znany opublikowany blues nosił nazwę „Dallas Blues”. Jednak pierwszy styl jazzowy nazwano „New Orleans Jazz”.
Kornecista Charles „Buddy” Bolden łączył ragtime i blues, grając ze słuchu i improwizując, a jego innowacja wpłynęła na wielu bardziej znanych muzyków z Nowego Orleanu, którzy później rozpowszechnili nową muzykę w całym kraju, zwłaszcza w Chicago, Nowym Jorku i Los Angeles: Joe „King” Oliver, Bunk Johnson, Jelly Roll Morton, Kid Ory i oczywiście król jazzu, Louis Armstrong. W ten sposób jazz przejął Amerykę.
Jednak muzyka ta nie od razu otrzymała swoją historyczną nazwę. Początkowo nazywano to po prostu gorącą muzyką (hot), potem pojawiło się słowo jass, a dopiero potem jazz. Pierwsza płyta jazzowa została nagrana przez kwintet białych wykonawców, Original Dixieland Jass Band, w 1917 roku.
Przykład: Oryginalny zespół jazzowy Dixieland – stabilny blues w barwach
Era swingu – gorączka tańca
Jazz pojawił się i rozprzestrzenił jako muzyka taneczna. Stopniowo gorączka tańca rozprzestrzeniła się po całej Ameryce. Mnożyły się sale taneczne i orkiestry. Rozpoczęła się era big bandów, czyli swingu, która trwała około półtorej dekady od połowy lat dwudziestych do końca lat trzydziestych. Nigdy wcześniej i nigdy później jazz nie był tak popularny.
Szczególną rolę w tworzeniu swingu pełni dwóch muzyków – Fletcher Henderson i Louis Armstrong. Armstrong wywarł wpływ na ogromną liczbę muzyków, ucząc ich rytmicznej swobody i różnorodności. Henderson stworzył format orkiestry jazzowej z jej późniejszym podziałem na sekcję saksofonową i sekcję dętą z apelem pomiędzy nimi.
Fletcher Henderson – Spotkanie w obozie Down South
Nowy skład stał się powszechny. W kraju działało około 300 big bandów. Liderami najpopularniejszych z nich byli Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Chick Webb, Jimmy Lunsford, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Woody Herman. W repertuarze orkiestry znajdują się popularne melodie, zwane standardami jazzowymi, czasami nazywanymi klasyką jazzu. Najpopularniejszy standard w historii jazzu, Body and Soul, został po raz pierwszy nagrany przez Louisa Armstronga.
Od bebopu do post-bopu
W latach 40 Era dużych orkiestr zakończyła się dość gwałtownie, przede wszystkim ze względów komercyjnych. Muzycy zaczęli eksperymentować z małymi kompozycjami, dzięki czemu narodził się nowy styl jazzowy – bebop, czyli po prostu bop, co oznaczało całą rewolucję w jazzie. Była to muzyka przeznaczona nie do tańca, ale do słuchania, nie dla szerokiego grona odbiorców, ale dla węższego kręgu miłośników jazzu. Jednym słowem jazz przestał być muzyką służącą rozrywce publiczności, a stał się dla muzyków formą wyrażania siebie.
Pionierami nowego stylu byli pianista Thelonious Monk, trębacz Dizzy Gillespie, saksofonista Charlie Parker, pianista Bud Powell, trębacz Miles Davis i inni.
Groovin High – Charlie Parker, Dizzy Gillespie
Bop położył podwaliny pod nowoczesny jazz, który nadal jest muzyką głównie małych zespołów. Wreszcie bop zaostrzył nieustanne dążenie jazzu do poszukiwania czegoś nowego. Wybitnym muzykiem nastawionym na ciągłe innowacje był Miles Davis i wielu jego partnerów oraz odkryte przez niego talenty, którzy później stali się sławnymi wykonawcami jazzowymi i gwiazdami jazzu: John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, John McLaughlin, Wynton Marsalis.
Jazz lat 50. i 60. wciąż ewoluuje, z jednej strony pozostając wiernym swoim korzeniom, ale przemyślając na nowo zasady improwizacji. Oto jak hard bop, fajnie...
Miles Davis – I co z tego
...modalny jazz, free jazz, post-bop.
Herbie Hancock – Wyspa Kantalupa
Z drugiej strony jazz zaczyna wchłaniać inne rodzaje muzyki, na przykład afro-kubańską i łacińską. Tak pojawił się jazz afro-kubański i afro-brazylijski (bossanova).
Manteca – Zawroty głowy Gillespie
Jazz i rock = fuzja
Najpotężniejszym impulsem do rozwoju jazzu było odwołanie się muzyków jazzowych do muzyki rockowej, wykorzystanie jej rytmów i instrumentów elektrycznych (gitara elektryczna, gitara basowa, instrumenty klawiszowe, syntezatory). Pionierem był tu ponownie Miles Davis, którego inicjatywę podjęli Joe Zawinul (Weather Report), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (The Headhunters), Chick Corea (Return to Forever). Tak narodził się jazz-rock czy fusion...
Orkiestra Mahavishnu — Spotkanie Duchów
i psychodeliczny jazz.
Droga Mleczna – raport pogodowy
Historia jazzu i standardów jazzowych
Historia jazzu to nie tylko style, ruchy i sławni wykonawcy jazzowi, to także wiele pięknych melodii, które żyją w wielu wersjach. Łatwo ich rozpoznać, nawet jeśli nie pamiętają lub nie znają imion. Jazz zawdzięcza swoją popularność i atrakcyjność tak wspaniałym kompozytorom jak George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggy Carmichael, Richard Rodgers, Jerome Kernb i innym. Choć muzykę pisali przede wszystkim do musicali i spektakli, ich tematyka, podejmowana przez przedstawicieli jazzu, stała się najlepszymi kompozycjami jazzowymi XX wieku, które nazwano standardami jazzowymi.
Summertime, Stardust, What Is This Thing Called Love, My Funny Valentine, All the Things You Are – te i wiele innych tematów znanych każdemu muzykowi jazzowemu, a także kompozycje stworzone przez samych jazzmanów: Duke Ellington, Billy Strayhorn, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Paul Desmond i wielu innych (Caravan, Night in Tunesia, „Round Midnight, Take Five). To klasyka jazzu i język, który jednoczy zarówno samych wykonawców, jak i jazzową publiczność.
Nowoczesny jazz
Współczesny jazz to pluralizm stylów i gatunków oraz ciągłe poszukiwanie nowych połączeń na przecięciach kierunków i stylów. A współcześni wykonawcy jazzowi często grają w różnych stylach. Jazz jest podatny na wpływy wielu rodzajów muzyki, od muzyki awangardowej i ludowej po hip-hop i pop. Okazało się, że jest to najbardziej elastyczny rodzaj muzyki.
Uznaniem światowej roli jazzu było ogłoszenie przez UNESCO w 2011 roku Międzynarodowego Dnia Jazzu, który corocznie obchodzony jest 30 kwietnia.
Mała rzeka, której źródło znajdowało się w Nowym Orleanie, w ciągu nieco ponad 100 lat zamieniła się w ocean obmywający cały świat. Amerykański pisarz Francis Scott Fitzgerald nazwał kiedyś lata 20. wiek jazzu. Teraz te słowa można odnieść do całego XX wieku, ponieważ jazz jest muzyką XX wieku. Historia powstania i rozwoju jazzu niemal wpisuje się w ramy chronologiczne ubiegłego stulecia. Ale oczywiście na tym się nie kończy.
1. Louisa Armstronga
2. Duke’a Ellingtona
3. Benny Goodman
4. Hrabia Basie
5. Wakacje Billie
6. Ella Fitzgerald
7. Sztuka Tatuma
8. Zawroty głowy Gillespie
9. Charlie Parker
10. Theloniousa Monka
11. Art Blakey
12. Bud Powell
14. Johna Coltrane’a
15.Bill Evans
16. Charlie Mingus
17. Ornette Coleman
18. Herbiego Hancocka
19. Keitha Jarretta
20. Joe Zawinul
Tekst: Aleksander Judin
Wiadomość „Jazz” w krótkim czasie pomoże Ci przygotować się do zajęć muzycznych i pogłębić wiedzę w tym zakresie. Również raport na temat jazzu powie Ci wiele szczegółowych informacji na temat tej formy sztuki muzycznej.
Wiadomość o jazzie
Co to jest jazz?
Jazz jest formą sztuki muzycznej. Kolebką jazzu są Stany Zjednoczone, gdzie powstał on w XX wieku w procesie syntezy kultur europejskich i afrykańskich. Następnie sztuka ta rozprzestrzeniła się na całą planetę.
Jazz to żywa, niesamowita muzyka, która wchłonęła rytmicznego geniusza afrykańskiego oraz skarby wielu lat grania pieśni ceremonialnych i rytualnych oraz bębnów. Jego historia jest dynamiczna, niezwykła i pełna wspaniałych wydarzeń, które wpłynęły na proces muzycznego świata.
Jazz do Nowego Świata przywieźli niewolnicy – ludy kontynentu afrykańskiego. Często należeli do różnych rodzin i aby lepiej się zrozumieć, stworzyli nowy kierunek muzyczny z motywami bluesowymi. Uważa się, że jazz powstał w Nowym Orleanie. Pierwsza płyta gramofonowa została nagrana 26 lutego 1917 roku w Victor Studios w Nowym Jorku. Jego marsz dookoła świata rozpoczął się od składu Original Dixieland Jazz Band.
Cechy jazzu
Główne cechy tego kierunku muzycznego to:
- Rytm jest regularną pulsacją.
- Polirytm oparty na rytmach synkopowanych.
- Improwizacja.
- Zakres barwy.
- Kolorowa harmonia.
- Swing to zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej.
Kilku wykonawców może improwizować jednocześnie. Członkowie zespołu współdziałają ze sobą artystycznie i „komunikują się” z publicznością.
Style jazzowe
Różnorodność stylistyczna jazzu od chwili jego powstania jest niesamowita. Wymieńmy tylko najpopularniejsze rodzaje jazzu:
- Awangarda. Powstał w 1960 roku. Charakteryzuje się harmonią, rytmem, metrum, tradycyjnymi strukturami i muzyką programową. Przedstawiciele: Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
- Kwaśny jazz. To funkowy styl muzyczny. Nie skupiamy się na słowach, ale na muzyce. Przedstawiciele: James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
- Wielki Zakręt. Powstał w latach dwudziestych XX wieku. W jego skład wchodzą następujące zespoły orkiestrowe – saksofony – klarnety, instrumenty dęte blaszane, sekcja rytmiczna. Przedstawiciele: The Original Dixieland Jazz Band, Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman And His Orchestra.
- Bop. Powstał w latach 40. XX wieku. Charakteryzuje się złożonymi improwizacjami i szybkim tempem, które opierają się nie na zmianie melodii, ale na zmianie harmonii. Wykonawcy jazzowego bebopu - perkusista Max Roach, trębacz Dizzy Gillespie, Charlie Parker, pianiści Thelonious Monk i Bud Powell.
- Boogie Woogie. To instrumentalne solo łączące w sobie elementy jazzu i bluesa. Powstał w latach dwudziestych XX wieku. Przedstawiciele: Alex Moore, Piano Red i David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
- Bossa Nowa. To wyjątkowa synteza rytmów brazylijskiej samby i jazzowej improwizacji w chłodnym stylu. Przedstawiciele: Antonio Carlos Jobim, Stan Goetz i Charlie Bird.
- Klasyczny jazz. Opracowany pod koniec XIX wieku. Przedstawiciele: Chris Barber, Aker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
- Huśtać się. Kształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX wieku. Charakteryzuje się połączeniem form europejskich i murzyńskich. Przedstawiciele: Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
- Główny nurt. To dość nowy rodzaj jazzu, który charakteryzował się pewną interpretacją dzieł muzycznych. Przedstawiciele - do Bena Webstera, Lestera Younga, Roya Eldridge'a, Colemana Hawkinsa, Johnny'ego Hodgesa, Bucka Claytona.
- Jazz północno-wschodni. Powstała na początku XX wieku w Nowym Orleanie. Muzyka jest gorąca i szybka. Przedstawicielami północno-wschodniego jazzu są Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman.
- W stylu Kansas City. Nowomodny styl powstał pod koniec lat dwudziestych XX wieku w Kansas City. Charakteryzuje się przenikaniem utworów o zabarwieniu bluesowym do muzyki jazzowej na żywo i energicznych solówek. Przedstawiciele: Count Basie, Benny Mouthen, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
- Jazz z Zachodniego Wybrzeża. Powstał w latach 50-tych XX wieku w Los Angeles. Przedstawicielami są Shorty Rogers, saksofoniści Bud Schenk i Art Pepper, klarnecista Jimmy Giuffre i perkusista Shelley Mann.
- Fajny. Zaczął się rozwijać w latach 40. XX wieku. To mniej szalony, gładki styl jazzu. Charakteryzuje się oddzielnym, płaskim i jednorodnym dźwiękiem. Przedstawiciele: Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Ted Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
- Progresywny jazz. Charakteryzowała się odważną harmonią, częstymi sekundami i blokami, politonalnością, rytmiczną pulsacją i barwnością.
Dziś jazz
Nowoczesny jazz wchłonął tradycje i dźwięki całej planety. Nastąpiło przemyślenie kultury afrykańskiej, która była jej źródłem. Do przedstawicieli współczesnego jazzu zaliczają się: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman i David Sanchez, Jeff Watts i Billy Stewart.