Il ruolo dell'arte nella vita umana: cosa ci riserva il mondo della bellezza

26.03.2019

L'arte è una delle forme principali della cultura spirituale dell'umanità, che è nata in tempi antichi. Quindi, già nell'era del Paleolitico superiore, 40mila anni fa, esisteva l '"arte rupestre" - meravigliose incisioni rupestri e dipinti in cui i nostri lontani antenati raffiguravano animali e scene di caccia.

Più tardi sorsero la scultura, la musica, l'architettura, il teatro e la finzione. Questo vedute classiche arte millenaria. Lo sviluppo di forme e tipi di arte continua nel nostro tempo. IN mondo moderno, grazie allo sviluppo della tecnologia, sono apparsi alcuni nuovi tipi di arte, ad esempio l'arte del cinema, la fotografia d'arte e ora sta emergendo l'arte della computer grafica.

Tutto ciò suggerisce che la vita di una persona è impossibile senza l'arte, che soddisfa alcuni dei suoi bisogni più profondi. Per spiegarne il carattere, dobbiamo ricordare che l'uomo è un essere attivo. Attraverso le loro attività, le persone imparano il mondo e trasformarlo.

Esistono tre forme principali di esplorazione umana del mondo:

pratico-attivo- è governato da bisogni e obiettivi generali come beneficio e bene;

cognitivo - il suo scopo è VERO;

artistico- funge da valore bellezza.

Pertanto, è possibile determinare arte come un modo sviluppo e trasformazione del mondo secondo le leggi della bellezza.

Le specificità dell'artè rappresentare la realtà attraverso immagini artistiche, cioè in uno specifico forma sensuale, e non con l'aiuto di concetti e teorie, come in conoscenza scientifica. Ciò è evidente nella pittura o nella scultura. Ma anche la letteratura, sebbene in essa non colpisca il lato figurativo, differisce essenzialmente dalla conoscenza. Ad esempio, storici o sociologi, studiando la società nobile in Russia XIX, descrivilo e spiegalo con l'aiuto di concetti come "proprietà", "servitù", "autocrazia", ecc. Al contrario, Pushkin e Gogol hanno rappresentato brillantemente l'essenza di questa società immagini Onegin e Tatyana, Chichikov e una serie di proprietari terrieri di Dead Souls. Sono due modi diversi ma complementari di conoscere. E riflessi della realtà. Il primo è scoprire generale, regolare nella realtà studiata, il secondo - sull'espressione della realtà attraverso immagini personali, attraverso la coscienza e le esperienze dei singoli personaggi.

Il ruolo dell'arte nella vita umanaE società è determinato dal fatto che si rivolge alla coscienza umana nella sua interezza. La creatività artistica e la percezione delle opere d'arte danno una persona più profonda comprensione e conoscenza della vita. Ma allo stesso tempo l'arte lo colpisce sentimenti, esperienze, svilupparlo sfera emotiva. Abbiamo già notato il grande ruolo dell'arte nella formazione idee morali persona. E, naturalmente, la percezione delle opere d'arte dà alle persone godimento estetico, esperienza Bellissimo, e li rende anche complici creatività artista.

Sotto tutti questi aspetti l'arte ha un grande potere, non senza ragione Dostoevskij ha detto: "La bellezza salverà il mondo".

Le idee sul ruolo dell'arte sono cambiate nel corso della storia. L'importante ruolo dell'arte era già riconosciuto nella società antica. Ad esempio, Platone e Aristotele credevano che l'arte dovesse purificare l'anima dalle passioni basse ed elevarla. Hanno assegnato un ruolo speciale in questo alla musica e alla tragedia.

Nel Medioevo il ruolo principale dell'arte era visto nella subordinazione ai compiti del culto. L'arte ha svolto, ad esempio, un ruolo molto significativo nella progettazione di templi e in Cerimonie religiose Ortodossia.

Durante il Rinascimento, l'arte, in particolare la pittura, era al centro della cultura spirituale. Leonardo da Vinci considerava l'arte uno "specchio" del mondo e metteva persino la pittura al di sopra della scienza. Molti pensatori di quest'epoca vedevano nell'arte l'attività più libera e creativa dell'uomo.

Nell'età dei lumi si sottolinea soprattutto la funzione morale ed educativa dell'arte.

Nel XX secolo. molti pensatori hanno cominciato a parlare della crisi dell'arte, del fatto che l'arte contemporanea sta perdendo le sue funzioni nella società. Ad esempio, il filosofo tedesco della cultura dell'inizio del XX secolo. O. Spengler lo credeva moderno cultura occidentale entra nel periodo di declino. alto arte classica lascia il posto alle arti tecniche, agli spettacoli di massa, allo sport. L'arte contemporanea sta perdendo la sua armonia e figuratività, pittura astratta in cui l'intera immagine di una persona scompare.

Tipi d'arte. Lo studio dell'arte, la classificazione dei suoi vari tipi è impegnata in una speciale scienza filosofica - estetica. I tipi di arte possono essere distinti dal materiale in cui sono incarnate le immagini artistiche. Questi sono il suono nella musica, le linee e i colori nella grafica e nella pittura, la pietra e la forma nella scultura e nell'architettura, il movimento nella danza, ecc. Ogni materiale richiede i propri mezzi, il proprio "linguaggio". Ciò è dimostrato dal fatto che il contenuto delle opere di un tipo d'arte non può essere adeguatamente trasmesso nella lingua di un altro tipo.

Il famoso filosofo ed estetista tedesco F. Schelling in inizio XIX v. ha proposto una classificazione dei principali tipi di arte, che rimane importante oggi. Schelling considerava l'arte l'attività umana più alta e creativa. Ha sostenuto che tutti i tipi

le arti hanno un unico fondamento - mitologia, e che tutte le arti sono interconnesse ed esprimono un'unica idea di bellezza.

Schelling divideva le arti in vero E ideale. Reale - musica, pittura, plastica (architettura e scultura). Ideale: letteratura e poesia. La musica è un'espressione del ritmo e dell'armonia del mondo. La pittura è la prima forma d'arte che riproduce immagini. Arte, sintetizzando musica e pittura, Schelling vede nella plastica. Chiamava poeticamente l'architettura "musica congelata".

La letteratura e la poesia usano la parola, il mezzo di espressione più libero e ricco. Pertanto, sono al di sopra delle arti che vengono utilizzate per esprimere idee artistiche suono, pietra o colore. Schelling considerava la poesia la più alta forma di creatività artistica, esprimendo l'essenza dell'arte in generale.

Arte d'élite, popolare e di massa. L'arte, e in un certo senso la cultura spirituale nel suo insieme, possono anche essere suddivise secondo un diverso principio sociologico. Da questo punto di vista l'arte si divide in alta (elitaria), popolare e di massa.

Nei secoli alta arte era principalmente prodotto e consumato da un'élite piuttosto ristretta della società: le sue classi privilegiate.

arte popolare - canzoni folk, balli, carnevali, folklore, stampe popolari, artigianato decorativo per la casa, ecc. - sviluppato nell'ambito di costumi e rituali ed esisteva in forma non scritta. Questo tipo di arte esprime i profondi bisogni estetici delle persone, spesso nell'ambito dell'arte popolare nascono veri e propri capolavori. L'arte popolare è caratteristica principalmente per società tradizionale, v società moderna non gli resta molto spazio.

L'emergere della cultura di massa e dell'arte correlata è associata all'istituzione della civiltà industriale, alla crescita delle città, progresso tecnico, che ha portato alla nascita della fotografia, della radio, del cinema, della televisione. Ciò ha portato alla nascita di nuovi modi di produrre e consumare arte. I generi principali dell'arte di massa sono il melodramma, il giallo, la fantascienza, l'arte di varietà, il circo, il musical, la musica rock, ecc. Lo scopo principale di quest'arte è dare intrattenimento, provocare brividi.

La qualità dell'arte di massa, di regola, è bassa. A differenza dell'arte popolare, l'arte di massa non è creata dalle persone, ma per le persone. È creato da professionisti che spesso agiscono non tanto come artisti, ma come uomini d'affari. La loro merce è spesso "kitsch", una vistosa produzione di massa di infinite soap opera. Ora esiste un'intera industria della cultura di massa per la produzione di tale arte. Allo stesso tempo, alcuni teorici dell'arte notano che nella società moderna, con il suo " cultura postmoderna"la linea tra alto e arte di massa inizia a sbiadire.

Non importa quanto sia complessa e imprevedibile la nostra vita, ci sono sempre momenti ed eventi che la decorano e la rendono bella. Cerchiamo sempre di lottare per il meglio, per qualcosa di buono. Vivere, amare, fare qualcosa di utile per se stessi e per la società è meraviglioso. Il ruolo dell'arte è importante quanto la vita stessa. Tutto ciò che ci circonda è una specie di arte.

Anche nei tempi antichi, i nostri antenati cercavano di raffigurare sui muri pezzi di cuoio, pietre, alcune immagini, eventi della loro vita, battaglie, caccia. A quel tempo, non sospettavano nemmeno che i loro tentativi avrebbero portato molte nuove conoscenze per l'umanità in futuro. Le loro sculture, utensili, armi, vestiti sono di grande importanza, grazie a questi reperti conosciamo la storia dello sviluppo dei nostri antenati. Quindi non avevano idea che tutto ciò che fanno è arte e che il ruolo dell'arte nella vita umana sarà molto grande.

Lo sviluppo culturale, la moralità sono promossi da diverse aree dell'arte (la cui essenza è mostrare e insegnare il vero e mondo meraviglioso). Con l'aiuto della musica, della poesia di professionisti e dilettanti, possiamo apprendere la percezione estetica del nostro mondo. Pertanto, il ruolo dell'arte nella vita umana è semplicemente enorme!

Artisti, scultori, poeti, musicisti, e ogni persona che cerca di trasmettere con il suo lavoro la percezione e la sua visione di qualcosa di speciale che ci circonda, prende luogo importante v sviluppo culturale umanità. Anche un bambino piccolo, avendo realizzato il suo primo disegno, appliqué o artigianato, ha già toccato in una certa misura il mondo dell'arte. In età avanzata, essendo un adolescente, si formano i suoi gusti nella scelta di uno stile di abbigliamento, le preferenze nella musica, nei libri e la sua percezione della vita. prospettiva e gusto estetico allinearsi in una catena logica in comunicazione diretta con le opere d'arte, ma solo la valutazione personale influisce sulla scelta e sulla formazione del gusto. Pertanto, è necessario incontrare più spesso il mondo dell'arte e dei veri capolavori.

Il ruolo dell'arte nella vita umana è così grande che, una volta acquisita l'abitudine di visitare musei e gallerie d'arte, leggere libri interessanti, poesie, vorrai toccare il mondo spirituale e storico, incontrare persone nuove e interessanti, imparare l'arte creazioni di altri popoli, conoscere la loro storia e cultura. Tutto ciò porta diversità e colori luminosi nelle nostre vite, contribuisce al desiderio di vivere meglio, più interessante. C'è molta ricchezza spirituale intorno a noi e il ruolo dell'arte nel mondo moderno non è l'ultimo. Dopo aver toccato il bello, una persona cerca di portare nella sua vita quante più cose belle possibili, cerca la perfezione del suo corpo e della sua parola, il comportamento corretto e la comunicazione con le altre persone. Studiando e comunicando con l'arte, c'è voglia di inventare qualcosa di nuovo e originale, voglio creare e inventare.

Introduzione 3
1. L'essenza dell'arte e il suo posto nella vita umana e nella società 4
2. L'emergere dell'arte e la sua necessità per l'uomo 8
3. Il ruolo dell'arte nello sviluppo della società e della vita umana 13
Conclusione 24
Riferimenti 25

introduzione

L'uomo entra in contatto con l'arte ogni giorno. E di solito non nei musei. Dalla nascita e per tutta la vita, le persone sono immerse nell'arte.
La costruzione dell'hotel, della stazione, del negozio, dell'interno dell'appartamento, dell'abbigliamento e Gioielleria possono essere opere d'arte Ma potrebbero non esserlo. Non ogni dipinto, statua, canzone o servizio di porcellana è considerato un capolavoro. Non c'è ricetta in cui si indichi con precisione cosa e in quali proporzioni debbano essere combinati per fare un'opera d'arte. Tuttavia, puoi sviluppare la tua capacità di sentire e apprezzare il bello, che spesso chiamiamo gusto.
Cos'è l'arte? Perché ha un potere così magico su una persona? Perché le persone percorrono migliaia di chilometri per vedere con i propri occhi le grandi opere d'arte mondiale: palazzi, mosaici, dipinti? Perché gli artisti creano le loro creazioni, anche se sembra che nessuno ne abbia bisogno? Perché sono disposti a rischiare il proprio benessere per realizzare il loro piano?
L'arte è spesso definita una fonte di piacere. Di secolo in secolo, milioni di persone godono delle immagini di bellissimi corpi umani sulle tele di Raffaello. Ma l'immagine di Cristo, crocifisso e sofferente, non è destinata al godimento, eppure questa trama è stata comune a migliaia di pittori per molti secoli...
Si dice spesso che l'arte rifletta la vita. Certo, questo è in gran parte vero: spesso l'accuratezza, la riconoscibilità di ciò che l'artista ritrae è sorprendente. Ma è improbabile che un semplice riflesso della vita, la sua copia, susciti un così forte interesse per l'arte e ammirazione per essa.
In questo saggio considereremo il posto e il ruolo dell'arte nella vita umana.

1. L'essenza dell'arte e il suo posto nella vita dell'uomo e della società

La parola "arte" in russo e in molte altre lingue è usata in due sensi - in senso stretto (una forma specifica di esplorazione pratico-spirituale del mondo), e in senso ampio - come il più alto livello di abilità, abilità, indipendentemente dalla sfera in cui si manifestano (arte militare, abilità di chirurgo, calzolaio, ecc.) (2, p. 9).
In questo saggio, siamo interessati all'analisi dell'arte nel primo, stretto senso della parola, sebbene entrambi i sensi siano storicamente interconnessi.
Arte come forma indipendente coscienza pubblica e poiché un ramo della produzione spirituale è nato dalla produzione materiale, è stato inizialmente intessuto in essa come momento estetico, puramente utilitaristico. Una persona, ha sottolineato A.M. Gorky, è un artista per natura e si sforza di portare la bellezza ovunque in un modo o nell'altro (1, p. 92). L'attività estetica di una persona si manifesta costantemente nel suo lavoro, nella vita di tutti i giorni, in vita pubblica e non solo nell'arte. C'è un'assimilazione estetica del mondo da parte di una persona sociale.
L'arte implementa una serie di funzioni sociali.
Innanzitutto, è la sua funzione cognitiva. Le opere d'arte sono una preziosa fonte di informazioni sui complessi processi pubblici, a volte su quelli, l'essenza e la dinamica di cui la scienza coglie molto più difficile e tardiva (ad esempio, svolte e fratture nella coscienza pubblica).
Certo, non tutti nel mondo circostante sono interessati all'arte, e se lo sono, allora dentro vari gradi, e l'approccio stesso dell'arte all'oggetto della sua conoscenza, l'angolo della sua visione è molto specifico rispetto ad altre forme di coscienza sociale. L'uomo è sempre stato e rimane l'oggetto generale della conoscenza nell'arte. Ecco perché l'arte in generale e, in particolare, la narrativa sono chiamate studi umani, un libro di testo della vita e così via. Ciò sottolinea un'altra importante funzione dell'arte: quella educativa, ovvero la sua capacità di avere un impatto indelebile sullo sviluppo ideologico e morale di una persona, sul suo auto-miglioramento o, al contrario, sulla sua caduta.
Eppure, le funzioni cognitive ed educative non sono specifiche dell'arte: queste funzioni sono svolte da tutte le altre forme di coscienza sociale. La funzione specifica dell'arte, che la rende arte nel vero senso della parola, è la sua funzione estetica. Percependo e comprendendo un'opera d'arte, non ci limitiamo ad assimilarne il contenuto (come il contenuto di fisica, biologia, matematica), trasmettiamo questo contenuto attraverso il nostro cuore, le nostre emozioni, diamo alle immagini sensualmente concrete create dall'artista una valutazione estetica come bello o brutto, sublime o vile, tragico o comico. L'arte forma in noi la capacità stessa di dare tali valutazioni estetiche, di distinguere il veramente bello e sublime da tutti i tipi di surrogato.
Cognitivo, educativo ed estetico nell'arte si fondono insieme. Grazie al momento estetico, godiamo del contenuto di un'opera d'arte, ed è nel processo di godimento che siamo illuminati ed educati. A questo proposito, a volte parlano della funzione edonistica dell'arte (dal greco "hedone" - piacere).
Per molti secoli nel socio-filosofico e letteratura estetica continua il dibattito sul rapporto tra bellezza nell'arte e realtà. Ciò rivela due posizioni principali. Secondo uno di loro (in Russia, N.G. Chernyshevsky ne ha proceduto nella sua dissertazione "Sulle relazioni estetiche dell'arte con la realtà"), il bello nella vita è sempre e sotto tutti gli aspetti superiore al bello nell'arte (1, p. 94). In questo caso l'arte appare come una copia dei personaggi e degli oggetti tipici della realtà stessa e un surrogato della realtà. Ovviamente è preferibile un concetto alternativo (Hegel, A.I. Herzen, ecc.): il bello nell'arte è più alto del bello nella vita, perché l'artista vede in modo più nitido, più lontano, più profondo, si sente più potente e più colorato dei suoi futuri spettatori , lettori, ascoltatori, ed è per questo che può accenderli, ispirarli, raddrizzarli con la sua arte. Altrimenti, in funzione di surrogato o addirittura di duplicato, la società non avrebbe bisogno dell'arte (4, p. 156).
Ogni forma di coscienza sociale riflette la realtà oggettiva in un modo specifico, inerente solo ad essa.
Un risultato specifico della riflessione teorica del mondo è un concetto scientifico. È un'astrazione: in nome della conoscenza dell'essenza profonda di un oggetto, astraiamo non solo dalla sua percezione sensuale diretta, ma anche da molte caratteristiche logicamente dedotte, se non sono di fondamentale importanza. Un'altra cosa è il risultato di un riflesso estetico della realtà. In quanto tale, esiste un'immagine artistica, concreto-sensuale, in cui un certo grado di astrazione (tipizzazione) è combinato con la conservazione delle caratteristiche concrete-sensuali, individuali, spesso uniche dell'oggetto riflesso.
Hegel ha scritto che " immagini sensuali e i segni compaiono nell'arte non solo per se stessi e per la loro manifestazione diretta, ma per soddisfare i più alti interessi spirituali in questa forma, poiché hanno la capacità di risvegliare e toccare tutte le profondità della coscienza ed evocare la loro risposta nel spirito" (4, p. 157) Rivelare le specificità pensiero artistico rispetto ad altre forme di coscienza sociale, questa definizione è in pieno accordo con il paradigma principale dell'hegeliano sistema filosofico porta alla conclusione sull'immagine artistica come espressione di un'idea astratta in una forma concreto-sensuale. In realtà, l'immagine artistica non coglie in sé un'idea astratta, ma il suo portatore concreto, dotato di tali caratteristiche individuali che rendono l'immagine viva e impressionante, non riducibile alle immagini dello stesso ordine già a noi note. Ricordiamo, ad esempio, gli Artamonov di M. Gorky ei Forsytes di D. Galsworthy (5).
Così, a differenza del concetto scientifico, l'immagine artistica rivela il generale nell'individuo. Mostrando l'individuo, l'artista rivela in esso il tipico, cioè il più caratteristico dell'intero tipo di fenomeni sociali o naturali raffigurati.
L'individuo nell'immagine artistica non è solo inframmezzato dal generale, ma lo "ravviva". È l'individuo in una vera opera d'arte che cresce fino al concetto di tipo, immagine. E più dettagli luminosi, più accuratamente piccoli, individuali e specifici vengono notati, più ampia è l'immagine, più ampia è la generalizzazione che contiene. L'immagine del cavaliere avaro di Pushkin non è solo un'immagine specifica di un vecchio avido, ma anche una denuncia della stessa avidità e crudeltà. Nella scultura di Rodin "The Thinker" lo spettatore vede qualcosa di più di un'immagine specifica ricreata dall'autore.
In relazione alla fusione del razionale e del concreto-sensuale nell'immagine e all'impatto emotivo dell'arte che ne deriva, la forma artistica acquista un significato speciale. Nell'arte, come in tutte le sfere del mondo che ci circonda, la forma dipende dal contenuto, gli è subordinata, lo serve. Tuttavia, questa ben nota affermazione deve essere sottolineata, tenendo presente la tesi dei rappresentanti dell'estetica formalista e dell'arte formalista su un'opera d'arte come "forma pura", un "gioco di forme" autosufficiente, ecc. Allo stesso tempo, la comprensione scientifica dell'arte è sempre stata estranea a un atteggiamento nichilista nei confronti della forma, e persino a qualsiasi sminuimento del suo ruolo attivo nel sistema dell'immagine artistica e dell'opera d'arte nel suo insieme. È impossibile immaginare un'opera d'arte in cui il contenuto non sarebbe espresso in una forma artistica.
In diversi tipi di arte, l'artista ha diversi mezzi per esprimere il contenuto. In pittura, scultura, grafica: questo è colore, linea, chiaroscuro; in - musica - ritmo, armonia; in letteratura - la parola, ecc. Tutti questi mezzi di rappresentazione ne costituiscono gli elementi forma d'arte, con l'aiuto del quale l'artista incarna il suo design ideologico e artistico. La forma d'arte è una formazione molto complessa, i cui elementi sono naturalmente interconnessi. Nella pittura di Raffaello, nel dramma di Shakespeare, nella sinfonia di Čajkovskij, nel romanzo di Hemingway, non si può cambiare arbitrariamente la costruzione della trama, del personaggio, del dialogo, della composizione, non si può trovare un'altra soluzione all'armonia, al colore, al ritmo, per non violare l'integrità del intero lavoro.

2. L'emergere dell'arte e la sua necessità per l'uomo

L'arte come area speciale dell'attività umana, con i propri compiti indipendenti, qualità speciali, servite da artisti professionisti, è diventata possibile solo sulla base della divisione del lavoro. La creazione delle arti e delle scienze - tutto ciò è stato possibile solo con l'aiuto di un'intensificata divisione del lavoro, che aveva come base un'ampia divisione del lavoro tra le masse impegnate nel semplice lavoro fisico e pochi privilegiati che gestiscono il lavoro, sono impegnato nel commercio, negli affari di stato e in seguito anche nella scienza e nell'arte. . La forma più semplice, del tutto spontanea, di questa divisione del lavoro era proprio la schiavitù» (2, p. 13).
Ma poiché l'attività artistica è una forma peculiare di cognizione e lavoro creativo, le sue origini sono molto più antiche, poiché le persone lavoravano e nel processo di questo lavoro conoscevano il mondo che li circondava molto prima della divisione della società in classi. Le scoperte archeologiche degli ultimi cento anni hanno portato alla luce numerose opere d'arte uomo primitivo che hanno decine di migliaia di anni. Queste sono pitture rupestri; figurine in pietra e osso; immagini e motivi ornamentali scolpiti su pezzi di corna di cervo o su lastre di pietra. Si trovano in Europa, in Asia e in Africa, sono opere apparse molto prima che potesse sorgere un'idea consapevole di creatività artistica. Moltissimi di loro, che riproducono principalmente figure di animali - cervi, bisonti, cavalli selvaggi, mammut - sono così vitali, così espressivi e fedeli alla natura da essere non solo preziosi monumenti storici, ma conservano anche i loro potere artistico fino ai giorni nostri (2, p. 14).
La natura materiale e oggettiva delle opere d'arte determina condizioni particolarmente favorevoli per un ricercatore dell'origine delle belle arti rispetto agli storici che studiano l'origine di altri tipi di arte. Se le fasi iniziali dell'epopea, della musica, della danza devono essere giudicate principalmente da dati indiretti e per analogia con il lavoro delle tribù moderne che sono nelle prime fasi dello sviluppo sociale (l'analogia è molto relativa, su cui si può fare affidamento solo con grande cura), poi l'infanzia della pittura, della scultura e della grafica sorgono davanti ai nostri occhi.
Non coincide con l'infanzia della società umana, cioè epoche antiche la sua formazione. Secondo scienza moderna, il processo di umanizzazione degli antenati umani simili a scimmie iniziò anche prima della prima glaciazione dell'era quaternaria e, quindi, l '"età" dell'umanità è di circa un milione di anni. Le prime tracce di arte primitiva risalgono al Paleolitico superiore, iniziato intorno a poche decine di millenni a.C. e. Era un periodo di relativa maturità del primitivo sistema comunale: l'uomo di quest'epoca nella sua costituzione fisica non era diverso dall'uomo moderno, parlava già e sapeva realizzare strumenti piuttosto complessi di pietra, osso e corno. Condusse una caccia collettiva per un grosso animale con lancia e freccette. I clan si unirono in tribù, sorse il matriarcato.
Più di 900mila bambini sono dovuti passare, separandosi gli antichi da una persona tipo moderno prima che la mano e il cervello fossero maturi per la creazione artistica.
Nel frattempo, la fabbricazione del primitivo utensili di pietra risale a tempi molto più antichi del Paleolitico inferiore e medio. Già i sinantropo (i cui resti sono stati trovati vicino a Pechino) hanno raggiunto un livello abbastanza alto nella fabbricazione di strumenti di pietra e sapevano usare il fuoco. Le persone di un tipo successivo, di tipo Neanderthal, elaboravano gli strumenti con maggiore attenzione, adattandoli a scopi speciali. Solo grazie a tale “scuola”, durata molti millenni, la necessaria flessibilità della mano, la fedeltà dell'occhio e la capacità di generalizzare il visibile, evidenziando in esso il più essenziale e tratti caratteriali, - cioè tutte quelle qualità che si sono manifestate nei meravigliosi disegni della grotta di Altamira. Se una persona non esercitasse e affinasse la sua mano, elaborando un materiale così difficile da lavorare come la pietra per il cibo, non sarebbe in grado di imparare a disegnare: senza padroneggiare la creazione di forme utilitarie, non potrebbe creare una forma artistica. Se molte e molte generazioni non avessero concentrato la capacità di pensare sulla cattura della bestia - la principale fonte di vita per l'uomo primitivo - non sarebbe venuto loro in mente di raffigurare questa bestia.
Quindi, in primo luogo, "lavoro - più antica dell'arte e, in secondo luogo, l'arte deve la sua origine al lavoro. Ma cosa ha determinato il passaggio dalla produzione di strumenti eccezionalmente utili, praticamente necessari, alla produzione di immagini “inutili” insieme ad essi? Fu questa la questione più dibattuta e più confusa dagli studiosi borghesi, che si sforzarono a tutti i costi di applicare all'arte primitiva la tesi di I. Kant sull'"inutilità", il "disinteresse", il "valore intrinseco" dell'atteggiamento estetico nei confronti del mondo .
K. Bucher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Breuil, W. Gausenstein e altri che hanno scritto sull'arte primitiva hanno sostenuto che popoli primitivi impegnato in "arte per l'arte", che il primo e determinante stimolo per la creatività artistica era l'innato desiderio umano per il gioco (2, p. 15).
Le teorie del "gioco" nelle loro varie varietà si basavano sull'estetica di Kant e Schiller, secondo la quale il segno principale dell'esperienza estetica, artistica è proprio il desiderio di "gioco libero delle apparenze" - libero da qualsiasi obiettivo pratico, da logica e valutazione morale.
"L'impulso creativo estetico", ha scritto Schiller, "impercettibilmente costruisce in mezzo al terribile regno delle forze e in mezzo al sacro regno delle leggi un terzo, allegro regno del gioco e dell'apparenza, in cui rimuove le catene di tutte le relazioni da una persona e la libera da tutto ciò che si chiama coercizione sia in senso fisico che in senso morale» (2, p. 16).
Schiller applicò questa posizione fondamentale della sua estetica alla questione dell'emergere dell'arte (molto prima della scoperta di autentici monumenti della creatività paleolitica), credendo che il "regno allegro del gioco" fosse già in costruzione agli albori della società umana: “ ... Ora tedesco antico cerca pelli di animali più brillanti, corna più magnifiche, vasi più eleganti, e il caledoniano cerca le conchiglie più belle per i suoi festeggiamenti. Ma, contento del fatto che un'eccedenza dell'estetica è stata introdotta nel necessario, il libero impulso al gioco rompe finalmente completamente con le catene del bisogno e la bellezza stessa diventa l'oggetto delle aspirazioni umane. Si decora. Il libero godimento viene accreditato al suo bisogno, e l'inutile diventa presto meglio condividere le sue gioie». Tuttavia, questa visione è confutata dai fatti.
Non si può negare che i colori, le linee, così come i suoni e gli odori, influenzino anche il corpo umano, alcuni in modo irritante, repellente, altri, al contrario, rafforzano e contribuiscono al suo corretto e attivo funzionamento. In un modo o nell'altro, questo viene preso in considerazione da una persona nella sua attività artistica, ma non ne sta in alcun modo alla base. Gli impulsi che hanno costretto l'uomo paleolitico a disegnare e scolpire figure di animali sulle pareti delle caverne, ovviamente, non hanno nulla a che fare con gli impulsi istintivi: questo è un atto creativo consapevole e mirato di un essere che ha da tempo spezzato le catene di ciechi istinto e ha intrapreso il percorso per padroneggiare le forze della natura, e quindi, e comprendere queste forze.
L'uomo disegna la bestia: così sintetizza le sue osservazioni su di essa; riproduce sempre più con sicurezza la sua figura, le abitudini, i movimenti, i suoi vari stati. Formula la sua conoscenza in questo disegno e la rafforza. Allo stesso tempo, impara a generalizzare: in un'immagine di un cervo vengono trasmesse le caratteristiche osservate in un certo numero di cervi. Questo di per sé dà un enorme impulso allo sviluppo del pensiero. È difficile sopravvalutare il ruolo progressivo della creatività artistica nel cambiare la coscienza dell'uomo e il suo rapporto con la natura. Quest'ultimo ora non è così oscuro per lui, non così crittografato - a poco a poco, ancora a tentoni, lo studia.
Quindi, il primitivo arte- questo è allo stesso tempo i germi della scienza, più precisamente - la conoscenza primitiva. È chiaro che in quella fase infantile e primitiva dello sviluppo sociale queste forme di cognizione non potevano ancora essere sezionate, poiché furono smembrate in tempi successivi; all'inizio si sono esibiti insieme, non era ancora arte in toto questo concetto non era conoscenza nel senso proprio della parola, ma qualcosa in cui gli elementi primari di entrambi erano inseparabilmente combinati (3, p. 72).
A questo proposito, diventa comprensibile perché l'arte antica presti così tanta attenzione alla bestia e relativamente poca all'uomo. È finalizzato principalmente alla conoscenza della natura esterna. Proprio nel momento in cui gli animali hanno già imparato a rappresentare in modo straordinariamente realistico e vivido, le figure umane sono quasi sempre raffigurate in modo molto primitivo, semplicemente goffo, ad eccezione di alcune rare eccezioni, come, ad esempio, i rilievi di Lossel. Nell'arte paleolitica non c'è ancora quell'interesse predominante per il mondo delle relazioni umane, che distingue l'arte, che delimitava la sua sfera dalla sfera della scienza. Secondo i monumenti di arte primitiva (almeno di belle arti), è difficile apprendere qualcosa sulla vita della comunità tribale oltre alla sua caccia e ai relativi riti magici; il posto principale è occupato dall'oggetto stesso della caccia: la bestia. Era il suo studio il principale interesse pratico, poiché era la principale fonte di esistenza - e l'approccio utilitaristico-cognitivo alla pittura e alla scultura si rifletteva nel fatto che raffiguravano principalmente animali e tali razze, la cui estrazione era particolarmente importante e allo stesso tempo difficile e pericoloso, e quindi richiedeva uno studio particolarmente attento. Uccelli e piante erano raramente raffigurati.
Disegnare la figura di un animale, una persona dentro in un certo senso veramente "dominava" l'animale, perché lo conosceva, e la conoscenza è la fonte del dominio sulla natura. La necessità vitale della conoscenza figurativa è stata la ragione dell'emergere dell'arte. Ma il nostro antenato ha inteso questa "maestria" in senso letterale e ha eseguito riti magici attorno al disegno che ha realizzato per garantire il successo della caccia. Ha ripensato in modo fantastico ai motivi veri e razionali delle sue azioni. È vero, è molto probabile che non sempre belle Arti aveva uno scopo rituale; qui, ovviamente, hanno partecipato anche altri motivi, già menzionati sopra: la necessità dello scambio di informazioni, ecc. Ma, in ogni caso, difficilmente si può negare che la maggior parte dei dipinti e delle sculture servissero anche a scopi magici.
Le persone hanno iniziato a dedicarsi all'arte molto prima di avere un concetto di arte, e molto prima di poter comprendere da sole il suo vero significato, la sua reale utilità.
Padroneggiare l'arte della rappresentazione mondo visibile, anche le persone non si rendevano conto del vero interesse pubblico questa abilità. Avvenne qualcosa di simile alla successiva formazione delle scienze, anch'esse gradualmente liberate dalla prigionia di ingenue idee fantastiche: gli alchimisti medievali cercarono di trovare la "pietra filosofale" e vi dedicarono anni di duro lavoro. Non hanno mai trovato la Pietra Filosofale, ma hanno acquisito una preziosa esperienza nello studio delle proprietà di metalli, acidi, sali, ecc., Che hanno aperto la strada al successivo sviluppo della chimica.
Parlando del fatto che l'arte primitiva era una delle forme originali di conoscenza, lo studio del mondo circostante, non dovremmo presumere che, di conseguenza, non ci fosse nulla in essa nel senso proprio della parola estetica. L'estetica non è qualcosa di fondamentalmente opposto all'utile.
Contenuto arte antica povero, i suoi orizzonti sono chiusi, la sua stessa interezza poggia sul sottosviluppo della coscienza sociale. L'ulteriore progresso dell'arte potrebbe essere realizzato solo a costo della perdita di questa integrità originaria, che già vediamo nelle fasi successive della primitiva formazione comunitaria. Rispetto all'arte del Paleolitico superiore, segnano un certo declino dell'attività artistica, ma questo declino è solo relativo. Schematizzando l'immagine, l'artista primitivo impara a generalizzare, astrarre i concetti di linea retta o curva, cerchio, ecc., Acquisisce le capacità di costruzione consapevole, distribuzione razionale degli elementi di disegno su un piano. Senza queste abilità accumulate in modo latente, il passaggio a quei nuovi valori artistici che si creano nell'arte delle antiche società di schiavi sarebbe stato impossibile. Possiamo dire che nel periodo dell'arte primitiva si formano finalmente i concetti di ritmo e composizione. Pertanto, la creatività artistica del sistema tribale mostra chiaramente la necessità dell'arte nella vita umana.

3. Il ruolo dell'arte nello sviluppo della società e della vita umana

Ci sono state e ci sono molte polemiche sul ruolo dell'arte nello sviluppo della società e nella vita di un individuo, gli storici dell'arte hanno avanzato una varietà di concetti, ma il livello della cultura artistica di massa nella Federazione Russa è diminuito man mano che basso come, forse, in qualsiasi paese civile.
Siamo probabilmente l'unico stato da cui l'arte e la musica sono effettivamente obsolete educazione generale. Anche la prossima umanizzazione prevede, immutato, il ruolo "residuale" delle arti. Sfortunatamente, il principio del carattere scientifico ha dominato a lungo e indiviso nell'educazione. Ovunque, in tutti i documenti pedagogici, solo la padronanza di metodo scientifico conoscenza, l'assimilazione di conoscenze e abilità scientifiche, la formazione di una visione scientifica del mondo. E così in tutti i documenti, dai più tradizionali ai più innovativi. Inoltre, anche nell'analisi dell'arte, non solo nella scuola secondaria, ma anche nell'istruzione superiore, si è stabilito un approccio puramente scientifico (6, p. 12).
L'errore ha messo radici; un'idea distorta dell'assenza di una seria connessione tra lo sviluppo artistico, in primo luogo, con la moralità dell'uomo e della società, e in secondo luogo, con lo sviluppo stesso del pensiero umano.
Tuttavia, il pensiero umano è inizialmente duplice: è costituito da un lato razionale-logico ed emotivo-immaginativo in parti uguali. L'attività scientifica e artistica umana si basa su diverse forme di pensiero che hanno causato il loro sviluppo, oggetti di cognizione completamente non identici e il requisito che ne deriva in linea di principio. diverse forme trasferimento di esperienza. Queste posizioni, che naturalmente discendono dalla formula “l'arte non è scienza”, possono suscitare dubbi e respingimenti. E si baseranno su un atteggiamento del tutto non scientifico, ma banale, quotidiano nei confronti delle arti; una comprensione del loro ruolo solo come sfera di ricreazione, intrattenimento creativo, piacere estetico e non una sfera di conoscenza speciale, uguale scientifica e indispensabile.
È opinione diffusa che il pensiero emotivo-figurativo, che storicamente fiorì davvero prima, sia più primitivo che razionale, qualcosa di non del tutto umano, semi-animale. Su tale illusione si basa oggi il rifiuto di questo percorso di conoscenza come non sufficientemente sviluppato e "insufficientemente scientifico" e si dimentica che si è sviluppato e migliorato allo stesso modo dall'emergere dell'umanità (6, p. 13).
Non c'è pensiero umano, costituito solo da coscienza razionale-logica, teorica. Questo tipo di pensiero è inventato. Una persona olistica prende parte al pensiero - con tutti i suoi sentimenti, sensazioni "irrazionali", ecc. E, sviluppando il pensiero, è necessario formarlo in modo olistico. In effetti, nello sviluppo dell'umanità, si sono sviluppati due dei più importanti sistemi di cognizione del mondo. Pensiamo nella loro costante interazione, che ci piaccia o no. È così che è successo storicamente.
Se confrontiamo questi due lati del pensiero in un diagramma, otteniamo quanto segue:

Forme di pensiero Campo di attività e risultato del lavoro Oggetto della conoscenza (cosa si sa) Modi di padroneggiare l'esperienza (come si sa) Risultati della padronanza dell'esperienza
Attività scientifica logico-razionale. Risultato - concetto Oggetto reale (soggetto) Studio del contenuto della Conoscenza. Comprendere i modelli dei processi naturali e sociali
Attività artistica emotivamente figurativa. Il risultato è un'immagine artistica Atteggiamento verso l'oggetto (soggetto) Esperienza del contenuto (accomodazione) Criteri emotivi e di valore della vita, espressi in stimoli per azioni, desideri e aspirazioni

La tabella mostra che tutto in queste due file è diverso: sia l'argomento della conoscenza, sia i modi e i risultati del suo sviluppo. Naturalmente, le sfere di attività qui indicate sono quelle in cui queste forme si manifestano solo più chiaramente. In tutti i settori dell'attività lavorativa "lavorano" insieme, anche in ambito scientifico, industriale e artistico.
L'attività scientifica (e la cognizione) sviluppa la sfera del pensiero teorico più attivamente di qualsiasi altra.
Ma anche l'attività artistica sviluppa prioritariamente la propria sfera di pensiero. Quello scientifico è piuttosto in grado di sfruttarlo e usarlo per aiutarsi (6, p. 14).
Quando si studia una pianta: i suoi fiori, frutti o foglie, uno scienziato russo o messicano è interessato a dati completamente oggettivi: genere e specie, forma, peso, composizione chimica, sistema di sviluppo - ciò che non dipende dall'osservatore. Più accurati, più indipendenti dallo studente sono i dati e le conclusioni dell'osservazione, più sono preziosi, più scientifici. L'osservazione artistica ei suoi risultati sono fondamentalmente diversi. Non possono e non devono essere affatto obiettivi. Sono necessariamente personali, i miei. Il risultato è il mio atteggiamento personale nei confronti di questa pianta, fiore, foglia, sia che mi causino piacere, tenerezza, tristezza, amarezza, sorpresa. Certo, tutta l'umanità sta guardando questo oggetto attraverso di me, ma anche la mia gente, la mia storia. Costruiscono i percorsi della mia percezione. Percepirò un ramoscello di betulla in modo diverso rispetto a un messicano. Non c'è fuori di me percezione artistica, non può aver luogo. Le emozioni non possono essere impersonali.
Ecco perché è impossibile trasmettere alle nuove generazioni l'esperienza del pensiero emotivo-figurativo attraverso la conoscenza teorica (come abbiamo tentato fino ad ora con insistenza). Questa esperienza è inutile solo per studiare. In uno studio del genere, ad esempio, sentimenti morali, come sentimenti di tenerezza, odio, amore, si trasformano in regole morali, in leggi sociali che non hanno nulla a che fare con i sentimenti.Siamo sinceri: tutte le leggi morali della società, se non sono vissute dall'individuo, non sono contenute nei sentimenti, ma solo nella conoscenza, non solo non sono durevoli, ma sono spesso oggetto di manipolazioni antimorali.
L. N. Tolstoy ha giustamente affermato che l'arte non convince nessuno, semplicemente contagia con le idee. E gli "infetti" non possono più vivere diversamente. Consapevolezza di appartenenza, assimilazione, empatia: questo è il potere del pensiero umano. La tecnocratizzazione globale è disastrosa. Lo psicologo Zinchenko ha scritto molto correttamente su questo: "Per il pensiero tecnocratico, non ci sono categorie di moralità, coscienza, esperienza umana e dignità". Detto duro, ma vero.
BM Nemensky chiarisce perché: il pensiero tecnocratico è sempre il primato dei mezzi sul significato (6, p. 16). Per il significato vita umana- è il miglioramento umano del rapporto di una persona con il mondo, l'armonizzazione di questi rapporti. Con l'integrità dei due modi di conoscere, quello scientifico fornisce i mezzi per l'armonizzazione, mentre quello artistico include l'introduzione di questi mezzi nel sistema delle azioni e determina la formazione dei desideri umani come incentivi all'azione. Quando i criteri emotivi e di valore sono distorti, la conoscenza è diretta a obiettivi antiumani.
Con l'oppressione, il sottosviluppo della sfera emotivo-figurativa, nella nostra società si verifica la distorsione odierna: il primato dei mezzi, la confusione degli obiettivi. E questo è pericoloso, perché che lo vogliamo o no, che lo capiamo o no, sono i nostri sentimenti che determinano i “primi movimenti dell'anima”, determinano i desideri. E i desideri, anche contrari alle credenze, formano azioni.
Due modi di cognizione sono sorti proprio perché ci sono due oggetti, o oggetti, di cognizione. E l'oggetto (soggetto) della cognizione per la sfera emotivo-figurativa del pensiero non è la realtà della vita stessa, ma il nostro atteggiamento emotivo-personale umano nei suoi confronti. In questo caso (la forma scientifica) si conosce l'oggetto, nell'altro (artistico) si conosce il filo del legame affettivo-valoriale tra l'oggetto e il soggetto - il rapporto del soggetto con l'oggetto (oggetto). Ed ecco la radice dell'intero problema.
E poi il filo della comprensione dell'attività della sfera emotivo-figurativa del pensiero si estende a quei tipi di lavoro dove questa forma si manifesta maggiormente, all'arte. L'arte è polifunzionale, ma il suo ruolo principale nella vita della società è proprio questo: analisi, formulazione, fissazione in una forma figurativa e trasferimento alle generazioni successive dell'esperienza delle relazioni emotive e di valore a determinati fenomeni delle relazioni delle persone tra loro e con la natura. Naturalmente, come nella forma scientifica, c'è una lotta di idee, tendenze in relazione ai fenomeni della vita. Idee non solo utili, ma anche dannose per la società, vivono e si oppongono. E la società seleziona e consolida intuitivamente da loro ciò di cui ha bisogno oggi per prosperare o per declinare.
Non è il momento di cercare modi sviluppo armonioso ma non tra le generazioni più anziane, che è troppo tardi, ma tra la generazione che entra nella vita? Devi solo renderti conto che offriamo più di un flusso di sviluppo invece di un altro. È necessario raggiungere precisamente l'armonia nello sviluppo del pensiero. Ma per questo è necessario accettare come realtà oggettiva la duplicità del nostro pensiero: la presenza del pensiero razionale-logico ed emotivo-figurativo, la presenza di diversi circoli di conoscenza ad essi corrispondenti - un oggetto reale e la relazione di il soggetto all'oggetto. E se accettiamo questi due lati, allora è facile accettare due modi di padroneggiare l'esperienza: studiare il contenuto dell'esperienza e vivere, sperimentare il contenuto. Qui, è qui che si pongono le basi della didattica artistica - non si dà altro (6, p. 17).
Tuttavia, dopo un'attenta analisi, si possono sentire i diversi ruoli delle tre forme di pensiero plastico-artistico nel comportamento e nella comunicazione delle persone.
Decorazione. Solo i cittadini romani nati liberamente avevano il diritto di indossare un abito. Decreti speciali sul costume in Europa furono emanati già nel XIII secolo. Nella maggior parte di essi venivano definite regole rigide per quale classe potevano essere indossati gli abiti. Ad esempio, a Colonia nel XV secolo. giudici e dottori dovevano camminare in rosso, avvocati - in viola, altri esperti - in nero. Per molto tempo solo in Europa uomo libero potrebbe indossare un cappello. In Russia, sotto Elisabetta, le persone senza rango non avevano il diritto di indossare seta, velluto. Nella Germania medievale, i servi erano temuti pena di morte era vietato indossare stivali: questo era privilegio esclusivo dei nobili. E in Sudan c'è l'usanza di infilare il filo di ottone attraverso il labbro inferiore. Ciò significa che la persona è sposata. Lo stesso vale per la sua acconciatura. E oggi, scegliendo per sé questo o quel tipo di abbigliamento o il suo taglio, una persona che si riferisce a un certo gruppo sociale li usa come simboli sociali che fungono da regolatore dei rapporti tra le persone. L'attività di decorare se stessi, armi, vestiti, abitazioni non lo era evento di intrattenimento sin dalla formazione della società umana. Attraverso la decorazione, una persona si distingueva dall'ambiente delle persone, designando il suo posto in esso (eroe, capo, aristocratico, sposa, ecc.) E presentandosi a una certa comunità di persone (guerriero, membro della tribù, membro della casta o uomo d'affari, hippie, ecc.). d.). Nonostante il gioco più sfaccettato sull'arredamento, il suo ruolo fondamentale rimane lo stesso oggi: un segno di comunione e isolamento; segno di un messaggio che afferma il posto di una data persona, di un dato gruppo di persone nell'ambiente delle relazioni umane - è qui che si trova la base per l'esistenza della decorazione come fenomeno estetico (6, p. 18).
Il fatto che le masse di russi siano analfabete in quest'area porta a molti crolli sociali e crolli morali personali. Gli esperti sottolineano giustamente che la società non ha ancora sviluppato un sistema sistematico di insegnamento delle lingue. arte decorativa. Ognuno passa attraverso la scuola della lingua di tale comunicazione in modo completamente indipendente e spontaneo.
La linea costruttiva del pensiero artistico e plastico svolge una diversa funzione sociale e risponde a una diversa esigenza. È possibile rintracciare il ruolo di questa linea di pensiero in quell'arte, dove si rivela più chiaramente e appare apertamente come quella principale. La costruzione di qualsiasi oggetto è direttamente correlata alla comunicazione umana, ma diversa dall'arredamento. L'architettura (così come il design) esprime nel modo più completo questa linea di pensiero artistico. Costruisce case, villaggi e città con le loro strade, parchi, fabbriche, teatri, club - e non solo per comodità della vita di tutti i giorni. Il tempio egizio per il suo design esprimeva certi rapporti umani. Il tempio gotico e la stessa città medievale, il suo design, il carattere delle case sono completamente diversi. Rocca, castello del feudatario e tenuta nobiliare del XIII secolo. erano una risposta a varie relazioni sociali ed economiche, modellavano in modo diverso l'ambiente in cui le persone potevano comunicare. Non per niente l'architettura è chiamata la cronaca di pietra dell'umanità, possiamo usarla per studiare la natura mutevole delle relazioni umane.
L'influenza delle forme architettoniche sulle nostre vite non è difficile da sentire oggi. Ad esempio, quanto è cambiata la distruzione dei cortili di Mosca nello sviluppo dei giochi per bambini. Finora non esistono forme organiche di autorganizzazione dell'ambiente infantile in questi enormi edifici indivisi. Sì, e le relazioni tra adulti e vicini si costruiscono diversamente, o meglio, quasi non si costruiscono. A proposito, c'è qualcosa a cui pensare. In che misura la nostra architettura quotidiana esprime correttamente il tipo di relazioni umane che desideriamo? Abbiamo bisogno di un ambiente per la comunicazione, per creare forti legami umani. Ora i vicini, anche sullo stesso piano, potrebbero non conoscersi affatto, non avere rapporti. E l'architettura contribuisce a questo in ogni modo possibile, non ha un ambiente per la comunicazione. Anche nelle facoltà umanistiche dell'Università statale di Mosca, le persone non hanno un posto dove sedersi e parlare. Ci sono solo aule e aule per riunioni di massa. Non esiste un ambiente pianificato in cui un individuo possa comunicare con un individuo, discutere, parlare, riflettere. Anche se, forse, nei periodi precedenti della storia della nostra società, ciò non era necessario. E al di fuori dell'architettura e nonostante ciò, è estremamente difficile creare le condizioni per la comunicazione, quindi, oltre a una funzione strettamente utilitaristica (protezione dal freddo, dalla pioggia e fornitura delle condizioni per il lavoro), l'architettura svolge un ruolo sociale significativo, " ruolo spirituale-utilitaristico” nel plasmare le relazioni umane. Svolge la funzione di elemento costruttivo del pensiero artistico: forma un ambiente reale che determina il carattere, lo stile di vita e le relazioni nella società. In questo modo, per così dire, stabilisce i parametri e pone le pietre miliari per un certo ideale estetico e morale, crea un ambiente per il suo sviluppo. La formazione di un ideale estetico inizia con la costruzione delle sue basi e proprietà fondamentali. La sfera costruttiva realizza il suo scopo attraverso tutte le arti.
La base pittorica del pensiero plastico-artistico si manifesta in tutte le arti, ma diventa la linea guida nelle belle arti vere e proprie e ancor più nettamente nelle arti da cavalletto - nella pittura, nella grafica, nella scultura. Per amore di quali bisogni della società si sono sviluppate queste forme di pensiero? Le possibilità di queste forme, a nostro avviso, sono le più sottili e complesse. Sono in gran parte ricerca e per certi versi simili alle attività scientifiche. Ecco un'analisi di tutti i lati vita reale. Ma l'analisi è emotiva-figurativa, e non le leggi oggettive della natura e della società, ma la natura delle relazioni personali ed emotive di una persona con il suo intero ambiente: natura e società. È attraverso la personalità di ognuno di noi che il nostro umano - comune - non può che manifestarsi. Una società senza individui è un gregge. Quindi, se nella scienza la conclusione è: "Lo so, capisco", allora qui: "Amo, odio", "Mi diverto, fa schifo". Questo è il criterio del valore emotivo di una persona.
La forma pittorica del pensiero amplia le possibilità dei sistemi figurativi, riempiendoli del sangue vivo della realtà. È qui che si svolge il pensiero in immagini visibili reali (e non solo un'immagine della realtà). È pensare con immagini reali che consente di analizzare tutti gli aspetti più complessi e sottili della realtà, realizzarli, costruire un atteggiamento nei loro confronti, confrontare in modo variabile e sensuale (spesso intuitivamente) i propri ideali morali ed estetici con essa e fissare questo atteggiamento nelle immagini artistiche. Allega e condividi con altre persone.
È proprio per questo che l'arte è una potente e sottile scuola di cultura emotiva e la sua cronaca. È questo lato del pensiero artistico che consente alle belle arti di sollevare e risolvere i problemi spirituali più complessi della società.
Elementi del pensiero artistico, come tre cuori, tre motori del processo artistico, partecipano alla formazione del carattere della società umana, influenzano a modo loro le sue forme, i suoi metodi e il suo sviluppo.
Cambiare le attività artistiche in diversi stadi la formazione dell'ideale morale ed estetico di ogni tempo si manifesta nel pulsare di queste tre tendenze. L'ascesa e la caduta di ciascuna di esse è una risposta ai cambiamenti nelle richieste della società per l'arte come strumento che la aiuta non solo a formare l'ideale morale ed estetico del tempo, ma anche a stabilirlo in Vita di ogni giorno. Dalla pratica attraverso il suo sviluppo spirituale, emotivo, morale ed estetico di nuovo alla pratica quotidiana della vita: questo è il modo per implementare queste basi. E ogni base (sfera) ha una sua funzione, unica e insostituibile, generata dalle specificità, dalla natura delle sue capacità.
L'arte appare nel suo vero significato come una delle più importanti forme di autocoscienza e di autorganizzazione della collettività umana, come manifestazione di una forma insostituibile del pensiero sviluppatasi in milioni di anni di esistenza umana, senza la quale la società umana non potrebbe hanno avuto luogo affatto.

Conclusione

In questo lavoro, abbiamo esaminato il ruolo dell'arte nella vita della società e di ogni persona e ci siamo concentrati sulle specificità di una delle forme di manifestazione del pensiero emotivo-figurativo: la sfera di attività plastico-artistica.
Questo non è solo un problema teorico. L'attuale riluttanza a vedere la realtà di queste forme di pensiero si traduce nella formazione di un intelletto unilaterale. C'è stata una feticizzazione mondiale del percorso razionale-logico della cognizione.
Il professore del MIT J. Weizenbaum scrive di questo pericolo: “Dal punto di vista del buon senso, la scienza è diventata l'unica forma legittima di conoscenza ... l'attribuzione della certezza da parte del buon senso conoscenza scientifica, l'attribuzione, divenuta ormai il dogma della sanità mentale per la sua pratica pressoché universale, ha di fatto invalidato ogni altra forma di conoscenza. Tali pensieri sono stati espressi anche dai nostri scienziati. Basti ricordare il filosofo E. Ilyenkov. Ma la società non li ascolta affatto.
Perso, non sviluppato e non trasmesso dagli antenati della tradizione della cultura emotiva e del valore. E sono loro che costituiscono la cultura dell'atteggiamento verso il mondo, che è alla base di ogni attività umana, la base dell'azione umana.

Bibliografia

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Nel senso più semplice, l'arte è la capacità di una persona di tradurre in realtà qualcosa di bello e ricevere piacere estetico da tali oggetti. Può anche essere uno dei modi di conoscere, chiamato maestria, ma una cosa è certa: senza l'arte il nostro mondo sarebbe insipido, noioso e per niente entusiasmante.

sosta terminologica

Nel senso più ampio, l'arte è una sorta di abilità, i cui prodotti portano piacere estetico. Secondo le voci dell'Encyclopædia Britannica, il criterio principale per l'arte è la capacità di evocare una risposta da altre persone. A sua volta, Big Enciclopedia sovietica afferma che l'arte è una delle forme di coscienza sociale, che è la componente principale della cultura umana.

Non importa cosa si dica, ma il dibattito sul termine "arte" va avanti da molto tempo. Ad esempio, nell'era del romanticismo, l'arte era considerata una caratteristica mente umana. Cioè, hanno inteso questo termine allo stesso modo della religione e della scienza.

Mestiere speciale

Nel primo e più comune senso, il concetto di arte è stato decifrato come "artigianato" o "composizione" (è anche creazione). In poche parole, l'arte potrebbe essere chiamata tutto ciò che è stato creato da una persona nel processo di invenzione e comprensione di una certa composizione.

Fino al XIX secolo, arte era il nome dato alla capacità di un artista o di un cantante di esprimere il proprio talento, affascinare il pubblico e farlo sentire.

Il concetto di "arte" può essere utilizzato in una varietà di aree dell'attività umana:

il processo di esprimere un vocale, coreografico o talento recitativo;
opere, oggetti fisici creati da maestri del loro mestiere;
il processo di consumo delle opere d'arte da parte del pubblico.

Riassumendo, possiamo dire quanto segue: l'arte è una sorta di sottosistema della sfera spirituale della vita, che è una riproduzione creativa della realtà nelle immagini artistiche. Questa è un'abilità unica che può suscitare ammirazione da parte del pubblico.

Un po' di storia

L'arte è stata discussa nella cultura mondiale fin dai tempi antichi. L'arte primitiva (vale a dire, belle arti, è anche un disegno rupestre) apparve insieme all'uomo nell'era del Paleolitico medio. I primi oggetti identificabili con l'arte in quanto tale compaiono nel Paleolitico superiore. Le opere d'arte più antiche, come le collane di conchiglie, risalgono al 75.000 a.C.

Nell'età della pietra chiamavano arte riti primitivi, musica, balli, decorazioni. In generale, l'arte moderna ha origine da antichi rituali, tradizioni, giochi, che erano condizionati da idee e credenze mitologiche e magiche.

Dall'uomo primitivo

Nell'arte mondiale, è consuetudine individuare diverse epoche del suo sviluppo. Ciascuno di loro ha adottato qualcosa dai propri antenati, ha aggiunto qualcosa di proprio e lo ha lasciato ai propri discendenti. Di secolo in secolo, l'arte ha acquisito una forma sempre più complessa.

L'arte della società primitiva consisteva in musica, canti, rituali, danze e immagini che venivano applicate a pelli di animali, terra e altri oggetti naturali. Nel mondo dell'antichità, l'arte ha assunto una forma più complessa. Si è sviluppato nelle civiltà egizia, mesopotamica, persiana, indiana, cinese e altre. Ciascuno di questi centri ha avuto il proprio stile artistico unico, che ha resistito per più di un millennio e ancora oggi ha un impatto sulla cultura. A proposito, gli antichi artisti greci erano considerati i migliori (anche migliori dei maestri moderni) nell'immagine corpo umano. Solo loro sono riusciti in un modo incredibile a rappresentare a fondo i muscoli, la postura, scegliere le giuste proporzioni e trasmettere la naturale bellezza della natura.

Medioevo

Durante il Medioevo, le religioni hanno avuto un'influenza significativa sullo sviluppo dell'arte. Ciò è particolarmente vero per l'Europa. Gotico e arte bizantina basato su verità spirituali e storie bibliche. A quel tempo, in Oriente e nei paesi dell'Islam, si credeva che il disegno di una persona non fosse altro che la creazione di un idolo, che era vietato. Pertanto, l'architettura, gli ornamenti erano presenti nelle arti visive, ma non c'era persona. Calligrafia e gioielli sviluppati. In India e Tibet, la danza religiosa era l'arte principale, seguita dalla scultura.

Un'ampia varietà di arti fiorì in Cina, non furono influenzate e sottoposte a pressioni da nessuna religione. Ogni epoca aveva i suoi maestri, ognuno di loro aveva il proprio stile, che perfezionavano. Pertanto, ogni opera d'arte porta il nome dell'epoca in cui è stata creata. Ad esempio, un vaso dell'era Ming o un dipinto dell'era Tang. In Giappone, la situazione è la stessa della Cina. Lo sviluppo della cultura e dell'arte in questi paesi è stato piuttosto originale.

Rinascimento

Durante il Rinascimento, l'arte ritorna a valori materiali e umanesimo. figure umane acquisiscono la fisicità perduta, la prospettiva appare nello spazio e gli artisti si sforzano di riflettere la certezza fisica e razionale.

Nell'era del romanticismo, le emozioni compaiono nell'arte. I maestri cercano di mostrare l'individualità umana e la profondità delle esperienze. Cominciano ad apparire i multipli. stili artistici come accademismo, simbolismo, fauvismo, ecc. È vero, il loro secolo è stato breve e si può dire che le precedenti direzioni, spinte dall'orrore delle guerre vissute, siano rinate dalle ceneri.

In cammino verso la modernità

Nel XX secolo, i maestri cercavano nuove possibilità visive e standard di bellezza. A causa della crescente globalizzazione, le culture hanno cominciato a compenetrarsi e ad influenzarsi a vicenda. Ad esempio, gli impressionisti sono stati ispirati da incisioni giapponesi, Il lavoro di Picasso è stato notevolmente influenzato dalle belle arti dell'India. Nella seconda metà del XX secolo, lo sviluppo di vari settori dell'arte è stato influenzato dal modernismo, con la sua inesorabile ricerca idealistica della verità e delle norme rigide. Il periodo dell'arte moderna è arrivato quando si è deciso che i valori sono relativi.

Funzioni e Proprietà

In ogni momento, i teorici della storia dell'arte e degli studi culturali hanno affermato che l'arte, come qualsiasi altro fenomeno sociale, è caratterizzata da funzioni e proprietà diverse. Tutte le funzioni dell'arte sono suddivise condizionatamente in motivate e immotivate.

Le caratteristiche immotivate sono proprietà che sono parte integrante di natura umana. In poche parole, l'arte è qualcosa a cui l'istinto spinge una persona e che va oltre il pratico e l'utile. Queste funzioni includono:

Istinto di base per l'armonia, il ritmo e l'equilibrio. Qui l'arte non si manifesta in una forma materiale, ma in un sensuale desiderio interiore di armonia e bellezza.
Sensazione di mistero. Si ritiene che l'arte sia uno dei modi per sentire la connessione con l'Universo. Questa sensazione sorge inaspettatamente quando si contemplano immagini, si ascolta musica, ecc.
Immaginazione. Grazie all'arte, una persona ha l'opportunità di usare l'immaginazione senza restrizioni.
Rivolgendosi a molti. L'arte consente al creatore di rivolgersi al mondo intero.
rituali e simboli. Alcune culture moderne hanno rituali, balli e spettacoli colorati. Sono una specie di simboli e talvolta solo modi per diversificare l'evento. Di per sé, non perseguono alcun obiettivo, ma gli antropologi vedono in ogni movimento il significato stabilito nel processo di sviluppo della cultura nazionale.

Funzioni motivate

Le funzioni motivate dell'arte sono gli obiettivi che il creatore si pone consapevolmente quando inizia a creare un'opera d'arte.

In questo caso, l'arte può essere:

Un mezzo di comunicazione. Nel suo stesso versione semplice l'arte è un mezzo di comunicazione tra le persone, attraverso il quale si possono trasmettere informazioni.
Divertimento. L'arte può creare uno stato d'animo appropriato, aiuta a rilassarsi e distrarre dai problemi.
Per cambiare. All'inizio del XX secolo furono realizzate molte opere che provocarono cambiamenti politici.
Per la psicoterapia. Gli psicologi usano spesso l'arte per scopi medicinali. La tecnica basata sull'analisi del modello consente di condurre una diagnosi più accurata.
Per motivi di protesta. L'arte era spesso usata per protestare contro qualcosa o qualcuno.
Propaganda. L'arte può essere anche un mezzo di propaganda, attraverso il quale si può tranquillamente influenzare la formazione di nuovi gusti e stati d'animo nel pubblico.

Come si può vedere dalle funzioni, l'arte nella vita della società gioca tutt'altro ultimo ruolo che interessano tutti gli ambiti della vita umana.

Tipi e forme

Inizialmente, l'arte era considerata indivisa, cioè il complesso generale dell'attività creativa. Per l'uomo primitivo non esistevano esempi separati di arte come il teatro, la musica o la letteratura. Tutto è stato fuso in uno. Solo dopo un po' iniziarono ad apparire diversi tipi di arte. Questo è il nome delle forme storicamente stabilite di riflessione artistica del mondo, che vengono utilizzate per creare mezzi diversi.

A seconda dei mezzi utilizzati, si distinguono le seguenti forme d'arte:

Letteratura. Utilizza mezzi verbali e scritti per creare esempi artistici. Esistono tre generi principali: drammatico, epico e testi.
Musica.È diviso in vocale e strumentale, al fine di creare campioni d'arte, vengono utilizzati mezzi sonori.
Danza. Per creare nuovi modelli, vengono utilizzati movimenti plastici. Assegna balletto, rituale, sala da ballo, moderno e arte popolare danza.
Pittura. Con l'aiuto del colore, la realtà viene visualizzata su un piano.
Architettura. L'arte si manifesta nella trasformazione dell'ambiente spaziale con strutture ed edifici.
Scultura.È un'opera d'arte che ha volume e forma tridimensionale.
Arte decorativa e applicata. Questa forma è direttamente correlata alle esigenze applicate, si tratta di oggetti artistici che possono essere utilizzati nella vita di tutti i giorni. Ad esempio, piatti dipinti, mobili, ecc.
Teatro. Con l'aiuto della recitazione, sul palco si svolge un'azione scenica di un tema e di un personaggio specifici.
Circo. Una sorta di azione spettacolare e divertente con numeri divertenti, insoliti e rischiosi.
Film. Possiamo dire che questa è l'evoluzione dell'azione teatrale, quando sono ancora utilizzati i moderni mezzi audiovisivi.
Foto. Consiste nel fissare immagini visive con mezzi tecnici.

Alle forme elencate, si possono anche aggiungere generi artistici come l'arte di varietà, la grafica, la radio, ecc.

Il ruolo dell'arte nella vita umana

È strano, ma per qualche motivo si ritiene che l'arte sia destinata solo agli strati superiori della popolazione, la cosiddetta élite. Per altre persone, questo concetto è presumibilmente alieno.

L'arte è solitamente identificata con ricchezza, influenza e potere. Dopotutto, sono queste persone che possono permettersi di acquistare cose belle, indecentemente costose e assurdamente inutili. Prendi, ad esempio, l'Hermitage o Palazzo di Versailles, che conservava ricche collezioni di monarchi del passato. Oggi i governi, alcune organizzazioni private e i più ricchi possono permettersi tali collezioni.

A volte si ha l'impressione che il ruolo principale dell'arte nella vita di una persona sia mostrare agli altri lo status sociale. In molte culture, le cose costose ed eleganti mostrano la posizione di una persona nella società. D'altra parte, due secoli fa ci furono tentativi di rendere l'arte alta più accessibile al grande pubblico. Ad esempio, nel 1793 il Louvre fu aperto a tutti (fino ad allora era proprietà dei re francesi). Nel tempo, questa idea è stata ripresa in Russia (Galleria Tretyakov), negli Stati Uniti (Metropolitan Museum) e in altri paesi europei. Tuttavia, le persone che hanno una propria collezione d'arte saranno sempre considerate più influenti.

sintetico o reale

Nel mondo di oggi c'è un'ampia varietà di opere d'arte. Acquisiscono vari tipi, forme, mezzi di creazione. L'unica cosa che è rimasta invariata è l'arte popolare, nella sua forma primitiva.

Anche oggi idea semplice considerata arte. Grazie alle idee opinione pubblica e con il plauso della critica, opere come il Black Square, un servizio da tè ricoperto di pelliccia naturale o una fotografia del fiume Reno venduta per 4 milioni di dollari, godono di un successo duraturo. È difficile chiamare questi e oggetti simili vera arte.

Allora qual è la vera arte? Di nell'insieme Sono opere che fanno riflettere, fanno domande, cercano risposte. La vera arte attrae, voglio ottenere questo oggetto ad ogni costo. Anche in letteratura, i classici russi hanno scritto di questa forza attrattiva. Quindi, nella storia di Gogol "Ritratto" personaggio principale spende i suoi ultimi risparmi per acquistare un ritratto.

La vera arte rende sempre una persona più gentile, più forte e più saggia. Possedendo conoscenze ed esperienze inestimabili che sono state raccolte nel corso di molte generazioni ed è ora disponibile in una forma accettabile, una persona ha l'opportunità di svilupparsi e migliorare.

La vera arte è sempre fatta di cuore puro. Non importa cosa sarà: un libro, un'immagine, musica, un'opera teatrale. Lo spettatore si sentirà. Assicurati di sentire ciò che il creatore voleva trasmettere. Senti le sue emozioni, capisci i suoi pensieri, vai con lui alla ricerca di risposte. La vera arte è una conversazione impercettibile tra un autore e una persona, dopo la quale l'ascoltatore/lettore/spettatore non sarà più lo stesso. Ecco cos'è la vera arte. Un vero concentrato di sentimenti. Come ha scritto Pushkin, dovrebbe bruciare il cuore delle persone, e non importa cosa - con un verbo, pennello o strumento musicale. Tale arte dovrebbe servire le persone e ispirarle a cambiare, intrattenere quando sono tristi e ispirare speranza, specialmente quando sembra che non ci sia via d'uscita. È l'unico modo, non può essere altrimenti.

Oggi ci sono molti oggetti strani, a volte persino ridicoli che vengono chiamati opere d'arte. Ma se non sono in grado di "agganciarsi al vivo", allora non possono relazionarsi con l'arte a priori.

Arte- una delle forme principali della cultura spirituale dell'umanità, sorta in tempi antichi. Quindi, già nell'era del Paleolitico superiore, 40mila anni fa, esisteva l '"arte rupestre" - meravigliose incisioni rupestri e dipinti in cui i nostri lontani antenati raffiguravano animali e scene di caccia.

Più tardi sorsero la scultura, la musica, l'architettura, il teatro e la finzione. Queste sono forme d'arte classiche che hanno migliaia di anni. Lo sviluppo di forme e tipi di arte continua nel nostro tempo. Nel mondo moderno, grazie allo sviluppo della tecnologia, sono apparsi alcuni nuovi tipi di arte, ad esempio l'arte del cinema, la fotografia d'arte e ora sta emergendo l'arte della computer grafica.

ESISTONO TRE FORME PRINCIPALI DI SVILUPPO MONDIALE DA PARTE DEGLI UMANI:

pratico-attivo- è regolato da bisogni e obiettivi generali come beneficio e bene;

cognitivo- il suo obiettivo è la verità;

artistico- il suo valore è la bellezza.

Pertanto, l'arte può essere definita come un modo per padroneggiare e trasformare il mondo secondo le leggi della bellezza.

La specificità dell'arte sta nel riflesso della realtà attraverso immagini artistiche, cioè in una specifica forma sensuale, e non con l'ausilio di concetti e teorie, come nella conoscenza scientifica. Ciò è evidente nella pittura o nella scultura. Ma anche la letteratura, sebbene in essa non colpisca il lato figurativo, differisce essenzialmente dalla conoscenza. Ad esempio, storici o sociologi, studiando la società della nobiltà nella XIX Russia, la descrivono e la spiegano con l'aiuto di concetti come "proprietà", "servitù", "autocrazia", ecc. Al contrario, Pushkin e Gogol hanno rappresentato brillantemente l'essenza di questa società è nelle immagini di Onegin e Tatyana, Chichikov e una serie di proprietari terrieri di Dead Souls. Sono due modi diversi, ma complementari, di conoscere e riflettere la realtà. Il primo mira a scoprire il generale, regolare nella realtà in esame, il secondo mira a esprimere la realtà attraverso le singole immagini, attraverso la coscienza e le esperienze dei singoli personaggi.

Il ruolo dell'arte nella vita di una persona e della società è determinato dal fatto che si rivolge alla coscienza di una persona nella sua interezza. La creatività artistica e la percezione delle opere d'arte danno a una persona una comprensione e una conoscenza più profonde della vita. Ma allo stesso tempo l'arte influenza i suoi sentimenti, le sue esperienze, sviluppa la sua sfera emotiva. Abbiamo già notato il grande ruolo dell'arte nel plasmare le idee morali di una persona. E, naturalmente, la percezione delle opere d'arte dà alle persone un piacere estetico, un'esperienza di bellezza e le rende anche coinvolte nel lavoro dell'artista.

Sotto tutti questi aspetti l'arte ha un grande potere, non senza ragione Dostoevskij ha detto: "La bellezza salverà il mondo".

Nel Medioevo il ruolo principale dell'arte era visto in subordinazione ai compiti del culto. L'arte ha svolto, ad esempio, un ruolo molto significativo nella progettazione delle chiese e nei riti religiosi dell'Ortodossia.

Durante il Rinascimento l'arte, in particolare la pittura, occupava un posto centrale nella cultura spirituale. Leonardo da Vinci considerava l'arte uno "specchio" del mondo e metteva persino la pittura al di sopra della scienza. Molti pensatori di quest'epoca vedevano nell'arte l'attività più libera e creativa dell'uomo.

Durante l'età dell'Illuminismo in primo luogo è stata sottolineata la funzione morale ed educativa dell'arte.

Nel XX secolo molti pensatori hanno cominciato a parlare della crisi dell'arte, del fatto che l'arte contemporanea sta perdendo le sue funzioni nella società. Ad esempio, il filosofo tedesco della cultura del primo Novecento. O. Spengler credeva che la moderna cultura occidentale stesse entrando in un periodo di declino. L'alta arte classica lascia il posto alle arti tecniche, agli spettacoli di massa, allo sport. L'arte moderna sta perdendo la sua armonia e figuratività, appare la pittura astratta, in cui scompare l'immagine integrale di una persona.

Sociale struttura(dal lat. struttura- struttura, posizione, ordine) della società - la struttura della società nel suo insieme, la totalità dei gruppi sociali interconnessi e interagenti, nonché la relazione tra di loro.

Al centro struttura sociale sta la divisione sociale del lavoro, la presenza di bisogni e interessi specifici, valori, norme e ruoli, stili di vita e altro gruppi sociali.

Il ruolo della struttura sociale:

1) organizzare la società in un'unica entità;

2) contribuisce alla conservazione dell'integrità e della stabilità della società.

relazioni sociali- questi sono alcuni legami stabili tra le persone come rappresentanti di gruppi sociali.