Gelsomino, Cantante pop russa, conduttore televisivo:
Tutto dipende dall'approccio e dall'atteggiamento di una persona nei confronti di ciò che crea. Un mestiere può essere elevato al rango di arte alta se ogni opera è creata con anima e amore. Arte e artigianato: è la stessa cosa processo creativo, solo scale diverse. E ciò che accade alla fine, un'opera d'arte o qualcosa di ordinario, dipende interamente da chi la crea. L'artigianato e l'arte possono avere scale diverse, colori etnici diversi e carico semantico, ma la comprensione della bellezza è ciò che, secondo me, unisce entrambi questi concetti.
Irena Ponaroshku, presentatore televisivo, VJ:
Molte persone stanno facendo arte in questo momento. Ma non troverai un buon artigiano di giorno col fuoco. Quelli che si riescono a trovare vengono presi molto per il loro lavoro. Pertanto, consiglierei a tutti di dedicarsi all'artigianato e di stare lontani dall'arte, poiché la situazione ora lì è più o meno come la metropolitana nelle ore di punta. C'è molta gente e non c'è niente da respirare per tutti. Le folle marciano sotto la bandiera dell’arte contemporanea, completamente ignare di dove stanno andando. E questo accade in un momento in cui l'imbarcazione è più affidabile e richiesta.
Vladimir Kapaev, capo dell'ensemble di canzoni cosacche "Krinitsa":
L'arte è quando corre la pelle d'oca. Magari qualcosa non è compiuto, stonato, stonato, ma ci vuole l'anima e basta. Ora il confine tra questi due concetti, ahimè, è sfumato e spesso non vanno di pari passo, ma perseguono lo stesso obiettivo: fare soldi. L'arte è piena di sentimento ed emotiva, ti cattura nel midollo delle tue ossa. L'imbarcazione è più banale e, di regola, pratica.
Aleksandr Rodnjanskij, produttore cinematografico:
Innanzitutto la somma delle competenze. A proposito di artigianato sfera culturale Qui le capacità di comunicazione sono importanti. E l'arte è la traduzione dei significati attraverso il prisma della comprensione individuale. Diciamo solo che l'arte è impossibile senza l'uso dell'artigianato, ma non è necessario il contrario: la presenza dell'artigianato non garantisce la presenza dell'arte.
Semyon Leskov, formatore aziendale:
In generale, si tratta di due facce della stessa medaglia. Sebbene negli ultimi cento anni si siano notevolmente allontanati l'uno dall'altro. L'artigianato implica una sorta di risultato, l'arte è più astratta. Gli artigiani sono difficili da nominare persone creative. Anche se succede diversamente. Arrivo in una concessionaria per riparare la mia macchina e il meccanico mi guarda con occhi spaventati. Avvia la macchina e devi vedere la sua faccia quando inizia ad ascoltare il motore. Il Maestro lo ascolta occhi chiusi, come se fosse la quinta sinfonia di Beethoven. Quindi, aggiungendo gas, il suo udito diventa così acuto che il suo orecchio comincia addirittura a muoversi. Dopo aver finito di ascoltare, l'addetto alla concessionaria di automobili diagnostica accuratamente i problemi dell'auto. Alto livello l’artigianato è in grado di rendere arte qualsiasi impresa.
L'arte nel sistema culturale
“L'arte è una forma di cultura associata alla capacità del soggetto di sviluppare esteticamente il mondo della vita, la sua riproduzione in modo figurativo e simbolico, facendo affidamento sulle risorse immaginazione creativa» .
Ma è possibile affermare che questa definizione sia sufficiente per rappresentare l'intera varietà di significati contenuti nell'arte, per catturare le specificità uniche di questo fenomeno... Naturalmente, la risposta sarà negativa. Nessuna definizione può soddisfare tutti, in linea di principio, poiché ogni persona ha la propria idea di arte, il suo valore e il suo scopo. Ogni tentativo di parlare di cosa sia l'arte sarà espressione di un punto di vista estremamente soggettivo. E questa è una delle differenze più significative tra l'arte e gli altri fenomeni culturali. L'arte, nonostante l'apparente incertezza e soggettività della percezione, una volta è entrata nella vita di una persona e non la lascia più. Di secolo in secolo, nonostante il crescente pragmatismo dell'uomo, la bellezza disinteressata della pittura o della musica emoziona ancora.
Oggi è impossibile rispondere in modo inequivocabile alla domanda perché una persona ha bisogno dell'arte. Alcuni sostengono che l'arte esiste per decorare la vita: queste persone si sforzano ostinatamente di scoprire la Bellezza come legge eterna dell'essere. In effetti, la bellezza ha entusiasmato una persona: ha cercato di coglierla nella natura, nelle persone che lo circondavano, per identificare eventuali criteri e poi fissarlo. Nella storia dell'arte si possono trovare miliardi di "testimoni" (dipinti, sculture, miniature, poesie, canzoni) di tali incontri con la Bellezza. Altri credono che l'arte dovrebbe educare una persona: cercano il bene, il beneficio, la giustizia nelle opere. E altri ancora sono convinti che l'arte sia un modo di conoscere il mondo, quindi il loro obiettivo nell'arte è la scoperta e la fissazione della Verità. Si scopre che l'arte è in grado di soddisfare interessi molto diversi.
Qual è la differenza tra l'arte e altri fenomeni culturali, che offrono anche a una persona l'opportunità di realizzare i propri bisogni? La risposta a questa domanda va ricercata nel legame inscindibile tra arte e realtà. La vita umana è piena di variabilità: una persona è attratta da questo eterno cambiamento della realtà esterna e del mondo interiore. Una persona può cercare modi per adattare o superare questa variabilità: accumulando e applicando la conoscenza, costruisce attorno a sé un mondo culturale che lo protegge dall'imprevedibilità della natura. Pertanto, l'attività umana si trasforma in una lotta per la sopravvivenza. Ma l'uomo ha scoperto da solo un modo diverso di esistere: non adattarsi e combattere con la realtà circostante, ma giocare con essa. La capacità di giocare, che è insita anche negli animali, una persona inizia a utilizzare non solo come un modo per imparare qualcosa o trasferire conoscenza, ecc., Ma come un modo universale di convivenza di una persona con il mondo e altre persone.
L'arte è una forma universale di percezione del mondo, che è inerente solo all'uomo. Pertanto, possiamo dire che l'arte è un modo unico di esprimere l'esistenza umana. Qual è la specificità di questo modo di realizzare una persona, cercheremo di scoprirlo.
I criteri per definire l'arte sono diversi: dipendono dalle specificità della cultura in cui l'artista crea, dal luogo e dal tempo della creazione e dalla percezione dell'opera.
Nel senso più ampio, il concetto di "arte" è usato in due sensi:
1. L'arte è abilità, maestria, abilità, destrezza, un alto apprezzamento della capacità di eseguire qualsiasi lavoro. Spesso è così che valutano una persona che non solo svolge il suo lavoro in modo professionale, ma lo fa magnificamente, facilmente o in qualche modo particolarmente ispirato. Pertanto, il custode, spazzando le foglie, può sentirsi o essere percepito dagli altri come un poeta.
2. L'arte è un'attività creativa finalizzata alla creazione di opere d'arte, forme esteticamente espressive.
Se combini questi due valori, ottieni la seguente definizione:
L'arte è un'attività artistica basata su abilità e abilità.
La tradizione di intendere l'arte come artigianato e abilità si è sviluppata già nell'Antichità, quando furono formulati concetti fondamentali come Poesis, Mimesis, Techne.
Il primo concetto, Poesis, significa un atto di azione creativa basato sull'ispirazione. La condizione più importante per la creazione o la percezione di un'opera d'arte è condizione speciale. Non è un caso che nella cultura artistica mondiale sia così comune la trama della visita del poeta o dell'artista alla Musa, immagine simbolica di ispirazione:
Ho ascoltato diligentemente le lezioni della vergine nel mistero;
E, deliziandomi con una ricompensa casuale,
Gettando indietro i riccioli dalla dolce fronte,
Lei stessa mi prese il flauto dalle mani:
La canna era animata dal soffio divino
E ha riempito il mio cuore di santo fascino.
A. S. Pushkin “Musa” Pertanto, lo stato di ispirazione, vissuto come l'apparizione di qualcosa di nuovo “dal nulla”, è caratterizzato da una speciale apertura verso il mondo e dalla disponibilità al dialogo creativo, sia con la realtà che con il proprio senso di questa realtà.
La natura dialogica dell'arte ha trovato espressione anche nel secondo concetto. Mimesis significa "imitazione della natura". Secondo gli antichi greci, una persona non può inventare nulla che non esisterebbe in natura, quindi nell'arte può solo imitarlo.
Il terzo concetto, Techne, è artigianato, scienza, destrezza, cottura, completezza. L'idea trova espressione, incarnazione, solo quando il maestro l'ha incarnata nel materiale, ha applicato lo sforzo fisico per creare un'opera d'arte.
L’arte è quindi percepita come un costante ritorno alla natura, un dialogo con il mondo in cui vive l’artista:
Successivamente, l'arte cominciò a essere intesa come attività creativa volta a comprendere e trasformare il mondo circostante secondo le leggi della bellezza. Sembrerebbe che le parole “secondo le leggi della bellezza” distinguano l'arte da altri tipi di creatività: ad esempio, nella scienza, la creatività avviene secondo le leggi della logica e della ragione. Ma nelle diverse tradizioni culturali, il concetto di bellezza è definito diversamente: ciò che sembrava bello a una persona del XVII secolo, sembra brutto a una persona moderna. Inoltre, sempre più spesso gli artisti non si rivolgono deliberatamente a qualcosa di “bello”, ma esprimono il loro atteggiamento nei confronti del mondo attraverso il “brutto”. Pertanto, se percepiamo l'arte come un mezzo per fissare proprio la bellezza, l'arte perde ogni significato.
È inoltre impossibile definire l'arte solo come espressione del rapporto individuo-personale dell'artista. Dopotutto, ci sono state epoche in cui l'artista era portavoce di una visione del mondo non personale, ma pubblica: basti ricordare i bellissimi templi medievali costruiti secondo certi canoni, icone che venivano e sono ancora dipinte secondo canoni iconografici , o tipici “ritratti” dei faraoni dell'antico Egitto. Tale arte è, prima di tutto, l'arte della tradizione e, in secondo luogo, l'arte dell'iniziativa creativa individuale. Tutti i metodi e le tecniche dell'antica arte russa o dell'antico Egitto sono progettati per esprimere l'eternità e l'immutabilità di ciò che sta accadendo e raffigurato. Erano le epoche dei grandi canoni! Epoche che non hanno portato a noi quasi un solo nome di artista o di architetto. Un architetto che metteva il suo nome da qualche parte sul tetto di una cattedrale rischiava di essere bruciato dall'Inquisizione. I tempi sono cambiati, oggi nessuno manda al rogo un artista per la firma. Tuttavia, questa tradizione è preservata ancora oggi: non saremo in grado di scoprire il nome, né l'epoca di creazione dell'icona uscita dal laboratorio di pittura di icone del Monastero Novotikhvinsky a Ekaterinburg o di qualsiasi altro monastero in Russia - dopotutto, l'icona non è creata da una persona, ma da Dio con mani umane. I canoni, passati attraverso la comprensione individuale, non frenano, ma guidano l'artista lungo il percorso per esprimere l'ideale universale o la conoscenza eterna, le idee sul mondo e sull'uomo.
Proprio per l'efficacia di questo modo di trasmettere le idee come arte, in tempi diversi qualcuno ha cercato di mettere l'arte al proprio servizio, di usarla. Per molto tempo l'arte ha dimostrato il suo diritto all'indipendenza dalla politica, dalla moralità, dalla letteratura e così via. Tuttavia, nessuno dei fenomeni culturali elencati potrebbe subordinare completamente l'arte a se stessa: la natura stessa dell'arte non consente di utilizzare il suo linguaggio per trasmettere idee filosofiche, religiose o già pronte. idee politiche. Tuttavia, in un modo o nell'altro, queste idee si trasformano nel campo dell'arte, vengono interpretate, colorate emotivamente a seconda dell'artista.
Quindi, l'unico criterio universale che determina la specificità dell'arte come forma di cultura è che qualsiasi idea, indipendentemente dal suo contenuto, è espressa attraverso un'immagine artistica e attraverso mezzi artistici. Proprio per questo l'arte risulta essere un'attività specifica, diversa dalle altre forme di attività culturale.
L'arte, da chi e ovunque venga creata o percepita, crea uno spazio speciale. In effetti, una delle versioni più comuni dell'aspetto e dell'esistenza dell'arte è la versione dell'arte come decorazione della vita: la grigia realtà quotidiana cambia non appena ascoltiamo la nostra canzone preferita, e non meno il grigio recinto di cemento piace alla vista quando su di esso appare un vero e proprio dipinto di graffiti al posto di un tappetino. Il libro di Lewis Carroll "Alice nel Paese delle Meraviglie" è una sorta di conferma di questa versione: l'eroina entra in un mondo meraviglioso dove gli oggetti cambiano le loro solite dimensioni e funzioni attraverso tana del coniglio, avendo superato qualche confine che separa le due realtà.
Lo spazio artistico è permeato da vari confini: può essere la rampa di un teatro, una cornice, uno schermo televisivo, la prima pagina di un libro e così via - tutto questo diverse varianti confini dell'immaginario e mondo reale. Si può quindi parlare della presenza di diversi significati del concetto di “delimitazione” del luogo in cui esiste l'arte. Consideriamo questi confini sull'esempio del teatro come uno spazio speciale in cui si intreccia il massimo numero possibile di confini.
La prima è una vera e propria “delimitazione”: il teatro come edificio, come insieme di oggetti scenografici, uffici e sala, è un luogo che ha dei confini reali che separano questo luogo dagli altri.
La seconda è la “delimitazione” culturale: una persona viene a teatro, percependolo come un'istituzione culturale, in cui operano determinate leggi, stereotipi di comportamento e tradizioni. Tutte queste norme e stereotipi di comportamento hanno lo scopo di proteggere la realtà artistica dalla realtà dei "maleducati" auditorium, da uno spettatore che parla al telefono, fruscia involucri di caramelle, commenta ciò che sta accadendo e così via. Teatro dentro questo caso agisce come uno speciale spazio culturale chiuso con un sistema di regole di condotta che opera in esso. Nel processo educativo, una persona impara ad adattare il suo comportamento a seconda di dove si trova in un concerto rock o in uno spettacolo di varietà, in un circo o in un teatro.
Il terzo è la “delimitazione” artistica: il teatro come luogo in cui la vita “nasce” sotto forma di rappresentazione, per tutta la durata della rappresentazione risulta essere “delimitato dal resto del mondo” a causa della esperienza del pubblico e degli attori delle immagini artistiche nello spazio artistico. Pertanto, la delimitazione del teatro gli consente di funzionare sia come spazio architettonico reale, sia come spazio culturale costruito gerarchicamente, sia come spazio artistico - ma in generale come uno spazio che struttura essere umano nella cultura.
Tutti i confini esistenti che una persona supera prima di incontrare un'opera d'arte (sia essa una performance, un dipinto, una struttura architettonica o un libro) sono progettati non solo per distinguere la pratica artistica di una persona come separata dalla sua attività quotidiana, ma anche per prepararlo per questo particolare tipo di attività. Ma se non è così difficile per una persona con sufficiente esperienza di frequentazione del teatro venire a teatro e seguire tutte le regole per esservi presenti, allora la penetrazione nella “realtà” dello spettacolo, e in effetti di qualsiasi opera d'arte, è la cosa più difficile per una persona, indipendentemente dalla sua età o esperienza. Spesso anni di esperienza possono anche interferire quando una persona non è in grado di percepire direttamente questa o quell'opera d'arte, come un bambino, il che influisce sulla quantità di piacere ricevuto.
La capacità di superare questo confine tra la propria percezione del mondo e la percezione dell'artista è direttamente correlata alla mobilità del mondo interiore di una persona, con la sua capacità di rispondere alle influenze e ai cambiamenti esterni. Cambiare non solo in relazione a qualsiasi opera, autore o stile, ma anche in relazione alla cultura nel suo insieme. Pertanto, la “delimitazione” è strettamente connessa al processo di superamento dei confini: una persona, entrando nello spazio dell'esistenza dell'arte, apporta modifiche alle sue pratiche spirituali e fisiche quotidiane, che sono assolutamente necessarie per padroneggiare nuove aree e livelli di cultura, e, di conseguenza, per il miglioramento personale.
Tuttavia, il confine che separa il mondo immaginario da quello reale non può essere completamente superato, altrimenti ciò porta alla violazione dello spazio artistico e alla scomparsa dell’arte. È molto importante che il consumatore di un prodotto della cultura artistica comprenda che questo prodotto non è una realtà, ma solo la visione della realtà dell'autore. Uno spettatore che non sa come lavorare con questo confine può prendere il gioco per la realtà e reagire in modo inadeguato all'arte: ad esempio, lanciare qualcosa a un attore che interpreta un personaggio negativo o spruzzare acido nell'immagine.
La capacità di lavorare con competenza con tutti i tipi di confini descritti è un indicatore del livello cultura artistica personalità, la sua capacità di entrare in un dialogo artistico. E questo è molto aspetto importante questo argomento, poiché l'arte è di natura comunicativa; le opere create sono sempre indirizzate alla persona, lo spettatore. E anche se l’artista può deliberatamente assumere la posa “Non ho bisogno di un pubblico, creo per me stesso”, c’è sempre la speranza che le sue opere vedano la luce. Pertanto, una tale posa non è altro che astuzia. Un'opera d'arte che una persona non può vedere è morta.
La percezione di un'opera d'arte è sempre un dialogo, non una comunicazione. Se nel processo di comunicazione le informazioni si muovono unidirezionalmente dall'autore allo spettatore, e nel dialogo entrambe le parti partecipano allo scambio di idee.
Il dialogo artistico è la relazione che nasce tra i partecipanti al processo di co-creazione artistica e percezione artistica, una sorta di dialogo in cui vengono trasmesse le informazioni artistiche. In questo caso l'opera d'arte diventa intermediaria tra l'autore e lo spettatore, che è anche coautore.
La comunicazione artistica può essere “diretta”: quando l'autore e lo spettatore “comunicano” direttamente, e il momento della creazione e quello della percezione dell'opera coincidono. Ad esempio, il teatro è un'arte che nasce solo davanti agli occhi dello spettatore, che ogni secondo dipende dall'umore degli attori e dalla reazione momentanea del pubblico, che garantisce “l'immediatezza” della comunicazione artistica. Tra l'attore e lo spettatore non può esserci che una rampa e diverse file di persone sedute davanti; e nelle condizioni del teatro piccolo palco la rampa viene distrutta e lo spettatore ha l'opportunità di avvicinarsi il più possibile realtà artistica performance e persino esserci dentro. Il momento della creazione e della percezione dell'opera si combinano anche nel circo, in un concerto, in spettacoli di vario genere, quando il pubblico è direttamente presente al momento della nascita di qualcosa di nuovo e può influenzare il processo.
Ma anche la comunicazione artistica può essere più indiretta: l'autore e lo spettatore sono separati dal tempo e dallo spazio. Ad esempio, non importa quanto noi, vivendo nel 21 ° secolo, vorremmo comunicare con il grande pazzo Vincent van Gogh, questo è impossibile!
Come puoi vedere, la comunicazione artistica è determinata non solo dal tempo e dallo spazio, ma anche dalle specificità dei vari tipi di arte, ognuno dei quali implica il proprio linguaggio, il proprio modo di organizzare il dialogo e lo spazio.
Nell'ambito di tipi di arte come l'architettura, la scultura, la cinematografia, la pittura, l'immagine artistica è rigidamente fissata nel materiale. E qui puoi osservare sia i pro che i contro di un tale attaccamento al materiale. Da un lato, più un’opera d’arte dipende dal materiale, meno cambia. È impossibile offrire al regista Andrei Tarkovsky di cambiare qualcosa nel suo film, di discutere con lui, non solo perché questo regista non è più vivo, ma anche perché il film è già stato montato e sonoro. Inoltre, non possiamo pretendere di modificare le proporzioni della figura di Venere di Milo "in connessione con i mutati standard di bellezza corpo femminile sarebbe assurdo. Ma d'altra parte, la distruzione del materiale porta alla morte del immagine artistica. Quante culture mondiali hanno perdite irreparabili: dipinti morti in conflitti militari e per mano di persone mentalmente squilibrate, templi distrutti, sculture distrutte. In questo senso la frase "I manoscritti non bruciano!" diventa molto condizionale.
Ci sono opere d'arte in cui l'attaccamento a un particolare materiale è praticamente ridotto al minimo, possono cambiare a seconda dello spettatore. Ma sono anche vulnerabili al tempo. Quindi, ad esempio, è possibile dare un nuovo significato all'opera di Shakespeare "Amleto": e, di regola, ogni regista che abbia mai intrapreso la produzione di questa opera ha espresso idee moderne e rilevanti per lui, il suo tempo e il suo paese . Poteva vestire Amleto con i jeans, fargli suonare il sassofono, ma allo stesso tempo non è cambiata una sola riga del testo di Shakespeare per lui. Come un'opera teatrale, Amleto può esistere come testo scritto o parlato che può essere incarnato in un'opera teatrale o in un film.
Una delle arti più "immateriali" è la musica. Il suono - suonava, e non c'è più! Pertanto la musica che non viene trascritta in note rischia di non conservarsi nel tempo. Ma la musica presenta anche dei vantaggi rispetto alla stessa scultura. Quindi lo scultore nel materiale "una volta per tutte" fissa la propria interpretazione dell'immagine. Lo spettatore, contemplando questa scultura, si confronta con un'immagine visibile già pronta e la sua fantasia è subordinata alla visione dello scultore. Nello stesso brano musicale due ascoltatori possono sentire idee o stati d'animo completamente diversi, la loro immaginazione è limitata solo dalla loro personalità. Pertanto, la musica astratta spesso tocca una persona più di un'immagine scultorea visibile già pronta. Si può anche fare un esempio del genere: una persona va al cinema per vedere la versione cinematografica di un libro che ha letto di recente e si rende conto che non immaginava tutto in quel modo. Il fatto è che più un'opera d'arte consente allo spettatore di riflettere, maggiore sarà il piacere che lo spettatore riceverà.
Torniamo però alla considerazione delle specificità del dialogo artistico. Schematicamente può essere rappresentato come segue:
L'immagine artistica catturata nell'opera è, per così dire, la dichiarazione dell'autore destinata allo spettatore. Pertanto, il problema della comprensione della lingua è uno dei più importanti. Nella comunicazione interpersonale sorge spesso il problema dell'incomprensione dell'Altro: sebbene le persone siano vicine e abbiano condizioni favorevoli per capirsi, la comprensione potrebbe ancora non verificarsi. Nell'ambito di un dialogo artistico, lo Spettatore può cercare di comprendere l'Autore solo attraverso l'opera da lui lasciata, quindi il percorso verso la comprensione diventa più complicato. Una persona che ha poca esperienza con l'arte, quando si confronta con qualcosa di nuovo linguaggio artistico inizia a percepire l'opera come il suo avversario. Il rifiuto di qualcosa di sconosciuto è una reazione psicologica naturale. "Difendendo" una persona inizia a "combattere" con il lavoro, assumendo la posizione di "incomprensione e riluttanza a capire". Oltre al fattore di inesperienza dello spettatore, c'è anche il fattore di abitudine a un certo linguaggio artistico. Quindi, ad esempio, negli anni '60 e '70. Nel 19 ° secolo apparvero artisti che non erano più soddisfatti del linguaggio realistico, svilupparono il proprio stile e ricevettero il nome di "impressionisti" - C. Monet, P. Renoir, P. Signac, E. Degas e altri. Tuttavia, il pubblico non è ancora abituato alla loro pittura, le critiche ricadono sulle loro mostre. Passeranno alcuni anni e gli impressionisti venderanno con successo le loro opere, e nuovi artisti prenderanno il posto degli "emarginati": V. Van Gogh, J. Seurat, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec e altri.
Quindi, la visione del singolo autore potrebbe non coincidere con la nostra visione del mondo, tanto più attraente è per noi l'arte. A sua volta, la cultura artistica non fa altro che aiutare una persona a imparare a comprendere i vari linguaggi dell’arte. Accumulando esperienza con l'arte, una persona padroneggia gradualmente il linguaggio del colore, delle linee, della musica, dei gesti e così via, che lo aiuta a percepire più profondamente le nuove opere d'arte. Pertanto, puoi imparare linguaggio musicale e lingua pittura astratta, puoi imparare il processo di percezione della lingua di qualsiasi autore. Padroneggiando i linguaggi artistici, una persona entra nel percorso della comprensione reciproca e non si allontana dalle altre persone e, di conseguenza, il suo essere nella cultura diventa più diversificato e l'autorealizzazione è più sfaccettata.
Nell'ambito della cultura artistica, una persona padroneggia vari metodi di comunicazione artistica. E allo stesso tempo si forma:
1. La necessità di comunicazione artistica, una sorta di abitudine che costituisce il motivo della comunicazione. Il motivo può essere il desiderio di provare qualsiasi emozione: come risultato della realizzazione di questo desiderio, una persona sviluppa "attaccamenti", preferenze nell'arte, una persona raccoglie i suoi film preferiti nella sua videoteca domestica o raccoglie registrazioni musicali dei suoi preferiti gruppo e va a ogni nuovo concerto di questo gruppo. Il motivo può essere non solo il desiderio di ottenere qualcosa (emozioni, nuove idee), ma anche il desiderio di esprimersi creando una sorta di oggetto artistico con idee o sentimenti incarnati in esso, e quindi fissarsi nella cultura. Entrambi i motivi descritti attualizzano il potenziale creativo insito in ogni persona;
2. Atteggiamento verso la comunicazione, che si sviluppa prima dell'inizio del contatto artistico. Nel processo di dialogo artistico, l'installazione può svolgere un ruolo positivo introducendo lo spettatore in un determinato linguaggio artistico e modo di comunicazione, ma può anche interferire. Basta immaginare la seguente situazione condizionale: un anziano amante della musica classica va a un concerto, nel cui programma è promessa l'esecuzione delle composizioni di Wagner. Ma per caso arriva al concerto del gruppo "The Untouchables". Forse, se fosse stata preparata a un simile cambiamento, sarebbe stata in grado di percepire questa musica, ma a causa di un certo atteggiamento nei confronti di Wagner, molto probabilmente la nostra eroina sarebbe rimasta scioccata;
3. Abilità comunicative, che si basano sulla padronanza dei linguaggi dell'arte: capacità di utilizzare il linguaggio a seconda del genere e del tipo di arte + comprensione della motivazione dell'autore;
4. Flessibilità della coscienza e memoria artistica;
5. Formazione di un atteggiamento valore-semantico nei confronti di un'opera d'arte;
6. La capacità di stabilire la comunanza del proprio mondo spirituale e del mondo dell'autore.
Pertanto, quanto più alto è il livello della cultura artistica, tanto più una persona è capace di attività creativa e co-creativa, tanto più si apre al contatto dialogico con il mondo di un'altra persona, espresso in opera d'arte e più la vita umana diventa diversificata. Sulla base di quanto sopra, è necessario determinare le funzioni dell'arte nella vita umana e il processo di esistenza della cultura nel suo insieme.
L'arte in tutta la storia della cultura mondiale è un sistema specifico di accumulazione
e trasferimento di esperienza in uno speciale sistema linguistico che utilizza colore, ritmo,
forme, volumi, suoni, ecc. Le informazioni sono immagazzinate in immagini, segni, simboli, testi e cose
eccetera. Ci sono istituzioni coinvolte nell'accumulazione e nella conservazione delle informazioni culturali:
museo, galleria, teatro. La cultura artistica è cioè la memoria naturale della società umana,
memoria collettiva e impressioni individuali.
In primo luogo, introducendo una persona a questo ricordo, si realizza anche una funzione educativa. L'educazione artistica avviene indirettamente, poiché l'educazione non è l'obiettivo dell'arte, è meno importante del processo. L'educazione e l'educazione artistica sono sottosistemi della cultura artistica.
In secondo luogo, la funzione di accumulazione e trasferimento di esperienze comprende una funzione unificante, che implica l'integrazione della società attraverso l'arte.
E, in terzo luogo, oltre all'accumulo e al trasferimento dell'esperienza, l'arte la aggiorna anche. Ciò è dovuto al fatto che l'arte ha sempre carattere autoriale (anche se l'autore agisce deliberatamente come persona anonima). Ogni volta l'artista apre di nuovo il mondo, aggiornando costantemente la realtà. L'innovazione e la novità agiscono qui come un modo speciale di autoaffermazione. Attraverso l'uso dell'arte, il modello di realtà proposto dall'artista viene presentato in immagini vivide ed emozionali, che hanno un forte effetto sullo spettatore. Pertanto, il produttore è sempre responsabile di ciò che ha creato, di quali idee ha espresso e di come la sua creazione ha influenzato le persone.
La specificità dell'arte come mezzo di trasmissione delle informazioni risiede nel fatto che l'art
dialogicamente. La funzione dialogica è quindi una di quelle centrali. Se consideriamo l'art
come mezzo di comunicazione si può dire che consolida il legame tra l'uomo e la cultura;
grazie all'arte, una persona non solo può entrare in dialogo con i suoi contemporanei, ma anche lasciarsi trasportare
in altre epoche e paesi, comunicare con altre generazioni, persone (anche immaginarie).
Tuttavia, la funzione dialogica è direttamente correlata alla funzione di rinnovamento culturale. L'arte è un dialogo tra l'autore e lo spettatore come coautori, a seguito del quale appare qualcosa di nuovo (emozione, valore, idea, oggetto). Quindi ogni incontro con l’arte è potenzialmente una sorta di esperimento:
"Esperimento: esperienza, un tentativo di implementare qualcosa in qualsiasi modo." Oltre a questa definizione, dovrebbero esserci significati percepiti come componenti integranti del concetto di esperimento: "ricerca", "tentativo", "scoperta", "novità", "cambiamento delle tradizioni", "rottura degli stereotipi" e così via. SU.
"L'esperimento presuppone la volontà dell'arte di cercare, anche di sbagliare, per amore di ciò che ancora non esiste."
È il dialogo che determina la direzione dell'esperimento: per un cambiamento qualitativo nella cultura artistica (nei suoi contenuti e funzioni), l'esperimento deve essere esteso a tutti i partecipanti, e non solo agli spettatori. L'artista, essendo iniziatore e coordinatore dell'esperimento, rivolge tutti gli sforzi prima di tutto a se stesso - si mette in una situazione di costante autodeterminazione - e solo dopo si rivolge al pubblico. Di conseguenza, l'organizzazione della situazione dialogica è un compito speciale dell'arte, che deve essere risolto affinché l'esperimento artistico abbia successo.
Un esperimento artistico è l'esperienza di creare determinate condizioni per aggiornare i metodi dell'arte, cambiare i partecipanti e il sistema di valori della cultura nel suo insieme, che si realizza attraverso la formazione di un unico spazio semantico artistico (di gioco).
Ancora non sai in cosa differisce il Rinascimento dall'arte dell'Illuminismo? Ti dimentichi costantemente delle peculiarità dell'arte moderna e dell'arte contemporanea? Abbiamo creato per te breve guida nella storia dell'arte da arte rock all'arte contemporanea!Free Sembrerebbe che tutti vedano una netta differenza tra l'arte contemporanea e l'arte dei secoli passati. Lo sentiamo spesso arte Moderna accusati di mancanza di estetismo, gli artisti del nostro tempo - di mancanza di professionalità, e l'intera sfera della cultura viene presentata come in crisi. Ma lo è? Forse questa è la prossima fase di evoluzione nella creatività e nell'interpretazione del mondo? Per rispondere a questa domanda è necessario un breve discorso di storia dell’arte, quindi è bene cominciare arte rock, danze primitive, decorazioni nell'antica età della pietra. Qui tutto è molto semplice e chiaro. La maggior parte delle creazioni sono associate a rituali, rituali, credenze. Anche una piccola parte di ciò che è sopravvissuto permette di toccare l'antichità, di immergersi nella cultura delle nostre origini. antichità. L'arte dell'antichità ha avuto un enorme impatto sulle epoche successive ed è ancora considerata lo standard della bellezza. I primi ad apparire sono i capolavori della cultura micenea e minoica, vale a dire: la ceramica dipinta, risalente al VI secolo a.C. AVANTI CRISTO. I motivi marini e floreali dei dipinti riflettevano il mondo in cui vivevano i maestri, un mondo in cui l'uomo fa parte della natura. Cultura greca, che sostituì il periodo miceneo o minoico, esisteva sotto gli auspici della triade Bellezza-Verità-Buono, era saturo di filosofia e saggezza. Il bello era in armonia matematica, ricco di contenuto e verità. L'attenzione dell'arte si sposta sulla persona. Ad esempio, tutte le sculture raffiguranti personaggi mitologici, divinità, sono create a immagine di una persona. Bello è ciò che piace alla vista e all'orecchio. Allo stesso tempo, gli artisti imitano la natura, cercando di trovare forme ideali. Il maestro si eleva allo status di creatore. Anche il pensiero religioso rimane una componente importante. Medioevo- il tempo sacro nell'arte. Qui funge da visualizzatore Sacra Scrittura. L'iconografia rende la Scrittura più accessibile, poiché il linguaggio della pittura è più comprensibile del linguaggio delle parole. Attraverso l'icona, Dio entra in contatto con i credenti. Anche l'architettura del Medioevo glorifica Dio: templi gotici aspirano al cielo, monasteri e cattedrali Stile romanico sottolineare il ruolo della Chiesa nella vita umana. Una caratteristica importante dell'arte del Medioevo è il simbolismo. L'arte è satura di significati nascosti, segni, immagini. Oltre a ciò, l'autore diventa poco importante, funge da traduttore e l'icona è una finestra attraverso la quale possiamo avvicinarci a Dio.
Rinascimento fa appello anche alla connessione tra il divino e l'umano, ma dona ruolo di primo piano a una persona. Le autorità vengono respinte, comprese quelle filosofiche. C'è interesse per la scienza e l'arte. L'artista è adesso uomo universale, co-creatore. C'è una riabilitazione della sfera del sensuale. L'arte rinascimentale illumina il medioevo oscuro. Difendere il diritto a finzione. Gli artisti fanno una svolta straordinaria nel loro lavoro: appaiono prospettiva, volume, varietà di colori, la bellezza esterna e corporea viene riabilitata. Il Rinascimento è l'era del ritorno all'antichità e del suo miglioramento sul piano emotivo e sensuale. 
L'età dell'Illuminismo- una comprensione ancora più profonda dei classici antichi. Se il Rinascimento è emotività, l’Illuminismo è razionalità. Il mondo sta cambiando, lampi luminosi lampeggiano scoperte scientifiche. Ma l’arte resta una delle chiavi per comprendere e cambiare il mondo. In questo momento, non meno importante, nasce un'infrastruttura artistica: la prima musei d'arte nuovo tipo - a Londra (1753) e Parigi (1793), accademie d'arte e riviste d'arte. Si sollevano problemi di gusto, si sviluppa la critica d'arte. Si postula il fatto della necessaria inclusione dell'artista nel processo. vita pubblica. "L'arte non è solo un'imitazione, un'espressione di sentimenti, è una continuazione della vita e una sfera di libera conoscenza di sé dello spirito." Una vera opera d'arte è possibile solo con una profonda immersione in essa. Quindi l’Illuminismo, con il trionfo della ragione, segna la transizione arte classica ad una nuova fase di sviluppo. 
Arte non classica inizia con (1848-1853), che si opponeva all'accademismo e a tutti i vecchi fondamenti dei classici. I maestri usavano la maniera degli artisti Primo Rinascimento
, credendo che l'arte di questo tempo sia satura vera bellezza e privo di eccessi 
metaforico. All'inizio i preraffaelliti furono trattati come un movimento rivoluzionario, in seguito furono comunque riconosciuti, ma verso la metà del XX secolo l'interesse per il loro lavoro si era nuovamente affievolito. fine XIX secolo, appare una nuova direzione nell'arte - impressionismo, che consolida in modo ancora più rigoroso il passaggio dall'art nuova fase. Il termine "Impressionismo" si basa sul nome del dipinto "Impression. Alba" Claude Monet. L'impressionismo è caratterizzato da una speciale percezione della realtà, il compito principale che è la cattura del mondo reale che cambia, la trasmissione di un'impressione e non un'immagine speculativa. La nuova direzione è l'ideale della transitorietà, dell'empatia, della facilità della nostra percezione. Sulle tele di C. Monet, O. Renoir, E. Degas e altri grandi impressionisti, vediamo la vita in una forma sensuale, vicino al confine della soggettività , ma non attraversandolo. La sfocatura, l'instabilità dell'immagine e le peculiarità della composizione incoraggiano la fantasia a creare immagini familiari a tutti - quelle impressioni che non possono essere fissate chiaramente nella nostra memoria, ma che permettono di conoscere il mondo. Inoltre, l'impressionismo cerca di liberare la conoscenza dalla frammentazione, permettendoti di guardare il mondo nella sua integrità e unità di tutte le parti qui e ora. Quindi l'impressionismo segnò l'inizio del primo periodo dell'arte moderna, vale a dire arte Moderna.Architettura moderno si distingue per nuove forme, il rifiuto di linee rette e angoli, la ricerca del nuovo 
materiali non standard (metallo, vetro). Per pittura e scultura grande influenza simbolismo fornito. E qui possiamo vedere un collegamento diretto tra l'arte moderna e l'arte del Medioevo. Cubisti, dadaisti, futuristi usa l’allegoria, l’ambiguità, proprio come l’iconografia usa simboli e immagini. Il Modernismo conferma così la teoria della ciclicità nello sviluppo dell’arte. La musica d'avanguardia si è rivelata la più sensibile alle ripetizioni. La modernità ha rivisto il suo atteggiamento nei confronti del timbro, del ritmo, del tono. Arte Moderna diventato concettuale, si è verificato un indebolimento del senso estetico. Qui vediamo anche una tendenza da parte delle idee dell'arte moderna a convergere con alcune idee dell'Illuminismo, riguardo all'intellettualizzazione dell'arte. Nella seconda metà del XX secolo inizia il secondo periodo dell'arte moderna, vale a dire arte contemporanea. Si è formato come ricerca di alternative al modernismo. Ciò è stato espresso sotto forma di nuovi materiali, immagini, cambiamenti nei modi di creatività. Significativamente aumentato orientamento sociale nell'arte. L'arte non si limita a imitare il mondo, ma forma una realtà diversa, che riflette il mondo reale. Appaiono nuovi generi: performance, avvenimenti, land art, digitale... L'arte smette di stare dietro le mura di musei e gallerie, entra nelle strade, si radica nella spazio pubblico, distrugge le barriere tra l'idea e la coscienza umana. L’arte contemporanea ci parla, lo ha fatto significati nascosti che vogliono essere aperti e compresi da tutti. 
Riassumendo, evidenziamo le principali differenze tra arte moderna e arte classica:
Perché questo quadro (un libro, un edificio, un film) è considerato un capolavoro, e quello laggiù è merce di consumo, cattivo gusto e schifezza?
Solo di recente sono finalmente riuscito a trovare un buon criterio oggettivo.
Pensavo che la parola "qualità" non fosse generalmente applicabile alle opere d'arte, che fosse una questione di gusto, moda, promozione del marketing, ecc. Pensavo che in questo ambito non ci siano e non possano esserci indicatori oggettivi.
Gli stessi intenditori d'arte hanno sostenuto questa mia illusione con le loro conversazioni del tipo: “basta guardare molto, studiare, confrontare - e capire e assaporare buona arte Arriveranno, col tempo."
E io sono un tecnico, non lo capisco affatto. Sembra: "devi ammirare molto le formule, e poi diventerà chiaro perché vengono usate e come usarle, la comprensione delle leggi fisiche verrà da sola".
Nella tecnologia, di solito esistono criteri chiari (una combinazione di essi) che consentono di misurare la qualità di una cosa con i numeri. Diciamo che il motore viene valutato in base alla potenza specifica, all'efficienza e alla risorsa motoria. E che dire della statua?
Gli storici dell’arte non operano affatto su nulla del genere.
Ebbene, a parte il fatto che esiste un prezzo d'asta, ma in molti settori anche questo è di scarsa o nessuna utilità.
Come si valuta un edificio, ad esempio un'opera d'arte? O opere?
Sfortunatamente, non importa con quanto discuto di questo problema persone diverse dall'arte, nessuno sapeva dirmi come distinguere alta arte dalle stronzate. Cioè, la gente capisce che Raffaello ha scritto capolavori e Glazunov ha scritto pennellate ridicole, ma come si può spiegare questo con le dita?Dopotutto, esiste un'espressione così diffusa - " buon sapore". Ciò significa automaticamente che può essere oggettivato, la sua qualità può essere misurata. Ma come diavolo???
Mi piace pensare che ci sia della verità sia nella scienza che nell’arte. E noi, miserabili piccole persone, finché l'universo non si esaurisce all'inferno, cerchiamo di avvicinarci asintoticamente a questa verità con più o meno successo. Inoltre, questa verità è oggettiva. Tutta questa bufera di neve sul fatto che qualcuno Ukupnik è migliore di Freddie Mercury, il che significa che entrambi sono fantastici, è più o meno lo stesso del ragionamento secondo cui per Vasya due volte cinque e per Petya quattro, il che significa che contiamo in modo diverso ogni volta.
Naturalmente, nella percezione dell'arte c'è una quota di soggettività, ma (!) Non dimenticare l'obiettività, che, in particolare, sta nel fatto che Janusz Leon Wisniewski è uno stronzo e Thomas Mann scrittore di talento(anche se alcuni la pensano diversamente). Tutti hanno il diritto di amare Vishnevskij allo stesso tempo, ma siamo d'accordo nel ritenere che in questo caso la persona non abbia un gusto letterario sviluppato.
Lì, nei commenti, ho cercato di offrire un criterio per la pendenza dell'arte come complessità tecnica. Ma no, continua a non funzionare. Un capolavoro non deve essere complicato. Bonnie ha suggerito che la cosa principale è creare qualcosa di nuovo, cosa che nessuno ha mai fatto prima di te. Sembra essere più caldo, ma non è lo stesso. È facile creare roba del tutto originale.
E recentemente mi è venuta questa idea:
il capolavoro di un oggetto d'arte è determinato dalla sua citazione.
Un criterio simile viene utilizzato per valutare gli scienziati: l'indice delle citazioni. Più altri scienziati fanno riferimento ai tuoi lavori/articoli, meglio sei come scienziato. Naturalmente, anche qui sono possibili tutti i tipi di distorsioni e imbrogli, ma in generale questo è un criterio conveniente e generalmente applicabile. Nell'arte, puoi usare lo stesso!
Dopotutto, i capolavori sono spesso citati da altri artisti.
Inoltre, tale citazione si osserva sia all'interno del soggetto, ad esempio un architetto cita un architetto, sia tra le forme d'arte.
Gli artisti dipingono quadri con edifici. Gli edifici evocano pensieri di compositori. Gli architetti creano edifici ispirati alle sinfonie. I poeti ascoltano bella musica e componi poesie per questo. E così via.
In effetti, aree dell'arte completamente diverse sono permeate da un milione di citazioni, allusioni e prestiti.
Da qui diventa ovvio il motivo per cui è necessario osservare molto, vedere e ascoltare molte opere d'arte e come questa esperienza possa aiutare nella loro valutazione: potrai semplicemente vedere queste connessioni reciproche nel tempo, vedere chi ha sbattuto cosa e cosa li ha ispirati. E da qui sarà ovvio chi ha creato il capolavoro e chi è il pappagallo.
Chi ha creato l'era, la tendenza e chi si limita a intrecciare la tendenza.
Quindi, più un capolavoro è un oggetto d'arte, più tracce si possono trovare in esso e in altre aree dell'arte.
L'identificazione di queste tracce aiuterà a oggettivare tutta questa sfera, a prima vista, puramente soggettiva.
A proposito, non pretendo di essere originale in questa idea, sono solo felice di essere riuscito a sentire tutto e finalmente a formulare queste cose per me stesso.
Tra i concetti legati alla vita della società, i più importanti sono "arte" e "cultura". Quali sono le categorie menzionate, come sono correlate e in che modo l'arte differisce dalla cultura? Questo è discusso ulteriormente.
Definizione
Arte Chiamano la sfera di attività in cui la creatività delle persone si manifesta al massimo grado. In quest'area ci sono aree come la musica, la coreografia, nate con lo sviluppo della tecnologia cinematografica, dell'architettura, della pittura e altre. La specificità dell'arte sta nella sua incarnazione artistica e figurativa.
« cultura" è un termine molto ampio. Spesso viene interpretato come le conquiste dell'arte, dello stile di vita e delle tradizioni di una comunità. In altri significati, la cultura si identifica con l’educazione, l’istruzione ( uomo di cultura) o un determinato modello (cultura della parola, comunicazione, ecc.).
Confronto
Pertanto, se è necessario caratterizzare un determinato paese, nazione o l'umanità nel suo insieme, i due concetti vengono utilizzati in stretta connessione. IN un caso del genere La differenza tra arte e cultura sta nel fatto che la prima categoria è un po' più ristretta ed è una componente della seconda. In altre parole, l’arte è vista come parte di eredità culturale qualche comunità storica.
In generale, l'arte è la realizzazione dell'umano creatività. Si esprime nella creazione di opere che mostrano alcuni aspetti della realtà e colpiscono le persone attraverso i sentimenti. I prodotti d'arte sono sempre estetici ed espressivi, nascono grazie all'abilità di individui di talento.
Nella cultura delle persone, oltre all'arte, si formano anche costumi, idee sulla vita. A questo proposito, ci possono essere marcate differenze tra le comunità. Ad esempio, in una cultura, le allucinazioni sono considerate deliranti, un disturbo mentale. In un altro, un tale fenomeno è considerato un dono speciale di profezia, visione mistica.
C'è anche il concetto di "sottocultura". Si riferisce a un gruppo di persone che si distinguono dalla maggioranza per le loro opinioni sulla vita, i valori riconosciuti e il comportamento. Per quanto riguarda la cultura nel senso di educazione, viene in primo piano l'osservanza delle regole dell'etichetta, la capacità di una persona di comportarsi in modo educato e con tatto con gli altri, di apparire sempre in ordine, di seguire il proprio discorso.
In conclusione, facciamo una piccola conclusione sulla differenza tra arte e cultura. Quindi, l'arte è una sfera speciale della vita, contenente un'elevata creatività. persone di talento. I risultati ottenuti in questo settore, insieme alle tradizioni e ai costumi, costituiscono la cultura della comunità. La parola "cultura" ha anche molti altri significati che non sempre si intersecano con il concetto di "arte".