Lanshchikova G.A. 1, Skripnikova E.V. 2
1 Candidato di scienze pedagogiche, 2 Candidato di scienze pedagogiche, Università pedagogica statale di Omsk, Facoltà di lettere
TRASFORMAZIONE E STILIZZAZIONE NELLA FORMA ARTISTICA E COMPOSIZIONALE
annotazione
L'articolo rivela le specificità del principio formale-compositivo di trasformazione e stilizzazione nelle belle arti e nel design, e fornisce un'analisi dettagliata di questi due principi. Vengono descritte le fasi dell'adempimento del compito di trasformare un albero, a partire dalla comprensione teorica dell'oggetto, per finire con la sua incarnazione artistica e figurativa. L'articolo sottolinea l'importanza speciale di questi metodi compositivi nella pratica artistica di varie aree dell'attività creativa umana, la necessità di utilizzarli per creare un'immagine artistica espressiva.
Parole chiave: trasformazione, stilizzazione, composizione, modellatura.
Lanshchikova G.A. 1, Skripnikova E.V. 2
1 PhD in Pedagogia, 2 PhD in Pedagogia, Università Pedagogica Statale di Omsk, Facoltà di Arte
TRASFORMAZIONE E STILIZZAZIONE NELLA CREAZIONE DI FORME COMPOSITIVE ARTISTICHE
Astratto
In questo articolo abbiamo divulgato diverse caratteristiche del principio formale e compositivo di trasformazione e stilizzazione nell'arte e nel design, abbiamo fornito l'analisi dettagliata di questi due aspetti. Abbiamo descritto le fasi di realizzazione dell'esercizio sulla trasformazione del legno, partendo dalla comprensione teorica dell'oggetto, per finire con la sua incarnazione artistica. Qui accentuiamo l'importanza di questi metodi compositivi soprattutto nella pratica di diverse aree dell'attività umana teorica, la necessità della sua applicazione per creare la forma d'arte impressionante.
parole chiave: trasformazione, stilizzazione, composizione, creazione di forme.
Il tema della trasformazione e della stilizzazione nell'educazione artistica è uno dei più importanti e interessanti. Nel corso pratico della composizione formale, svolge uno dei ruoli chiave, poiché esprime più chiaramente i principi artistici dell'organizzazione compositiva del materiale visivo.
Nel mondo moderno, gli strumenti di elaborazione delle immagini nella computer grafica sono ampiamente rappresentati: editor grafici per lavorare con grafica raster e vettoriale. La presenza di strumenti di trasformazione dell'immagine ti consente di ruotare, ridimensionare, deformare e specchiare, puoi anche utilizzare vari filtri. I progettisti ricorrono spesso all'aiuto di mezzi elettronici meccanici. Ma nella fase di apprendimento della trasformazione, il disegno a mano libera è un metodo più accettabile.
Trasformazione (dal tardo latino transformatio - trasformazione) è una trasformazione della forma, dell'aspetto e delle proprietà essenziali di un oggetto.
Nel design e nelle arti e nei mestieri, la trasformazione è definita come cambiamento, trasformazione, elaborazione delle forme naturali. Questo è uno dei metodi di organizzazione visiva dell'espressione figurativa, l'astrazione, in cui vengono rivelati i tratti più caratteristici di un oggetto e vengono scartati mentalmente dettagli insignificanti. Quando si trasforma una forma, vengono utilizzate iperbolizzazione, aumento o diminuzione delle dimensioni di singole parti, elementi, allungamento, arrotondamento, enfasi dell'angolarità, ecc.
L'elaborazione decorativa può consistere nel modificare il contorno di un oggetto, trasformare una forma tridimensionale in una planare, aggiungere dettagli, saturare la forma con un ornamento, semplificare o complicare il disegno, evidenziare la silhouette, presentare la forma in un contesto insolito , cambiando il colore reale, ecc. Di conseguenza, il motivo pittorico può diventare simbolico, ornamentale.
La trasformazione artistica non dovrebbe essere ridotta al semplice abbellimento, la forma dovrebbe essere connessa con l'ambiente, enfatizzata, rivelando lo scopo dell'oggetto, soddisfare il principio di tettonicità, costruendo un sistema di connessioni tra singole parti ed elementi in un'unica integrità del lavoro.
Dovresti tenere conto dei modelli di percezione visiva di forma, proporzioni, planarità o volume, contrasto, sfondo, ecc. Una forma più semplice nella silhouette, ad esempio, viene letta più velocemente; più caratteristica è l'immagine della testa di profilo e delle mani in una prospettiva tale che tutte le dita sono visibili.
Di solito, quando si lavora su una forma, si usano contemporaneamente sia la trasformazione che la stilizzazione, poiché una tecnica completa l'altra e lavora per sviluppare l'idea plastica principale, il tema. A volte questi due concetti sono equiparati. Stilizzazione è una generalizzazione decorativa degli oggetti raffigurati con l'aiuto di una serie di metodi condizionali per modificare la forma, le relazioni volumetriche e cromatiche. Trasformazione, d'altra parte, significa un maggior grado di trasformazione della forma in immagini, esagerazione, come, ad esempio, nei cartoni animati.
Va detto che si usa anche il termine "stilizzazione", definendo l'imitazione di qualsiasi stile, direzione, uso delle sue caratteristiche. In questo caso, la stilizzazione può essere definita esterna, superficiale, non avente carattere individuale.
Puoi stilizzare, trasformare la forma secondo le tue caratteristiche (giraffa dal collo lungo) e secondo la proprietà introdotta (gufo saggio). Nel primo caso, di norma, viene utilizzato il modo "pittorico" di generalizzazione e nel secondo il modo "non pittorico": associativo, basato sull'osservazione e sull'esperienza di vita.
Non solo gli schizzi naturali, ma anche i disegni o le fotografie dei bambini possono fungere da oggetto di trasformazione.
Per lo studio pratico dei principi compositivi formali di trasformazione e stilizzazione, è necessario prendere non un oggetto specifico, ma un concetto generale: un albero, un uccello, una pianta, un animale, ecc. Quindi, se, ad esempio, il tema dell'opera è "albero", allora non si intende un albero specifico: abete rosso, betulla, quercia, ma un albero come concetto che deve essere analizzato nella sua interezza del suo contenuto.
Sulla base di quanto precede, è possibile individuare condizionalmente le fasi di completamento di un'attività per l'elaborazione creativa per gli studenti.
Fase 1. Preparatorio . Analisi del contenuto del soggetto e comprensione teorica dell'oggetto. Individuazione delle caratteristiche sistema-strutturali del concetto analizzato. Dopo aver individuato gli elementi necessari, le loro connessioni di spina dorsale, è necessario descrivere in modo più dettagliato le proprietà e le caratteristiche dell'oggetto nel suo insieme e di ciascun elemento in particolare (secondo la sua o data proprietà). Inizialmente puoi fare questa descrizione oralmente o per iscritto, farti un'idea.
Fase 2. Stilizzazione . Astrazione, evitamento dell'imitazione esterna, dello stereotipo associato a questo concetto. Individuazione delle caratteristiche più tipiche dell'oggetto; rifiuto di tutto ciò che è casuale, superficiale, dello stereotipo della forma dovuto alla divulgazione del contenuto di un concetto generale, analisi delle parti semantiche necessarie per la generalizzazione creativa. La scelta dell'inizio della formazione del sistema principale. Individuazione delle principali parti strutturali: chioma, tronco, radici. Inoltre, a seconda del piano, è possibile rifiutare una di queste parti, ad esempio le radici.
Il processo di stilizzazione dovrebbe essere eseguito non solo sulla base di una caratteristica percepita dall'esterno, ma anche su una proprietà interna che potrebbe non essere nemmeno osservata visivamente. Tali proprietà di un albero come armonia, flessibilità, spinosità sono percepite direttamente e, nel processo di stilizzazione, non rappresenteranno un compito difficile per lo studente. Nel caso della creazione di un'immagine basata su proprietà "interne", come arroganza, causticità, dolore, la stilizzazione diventa più difficile.
Dopo aver scelto determinati segni e proprietà per il lavoro, lo studente determina l'insieme necessario di mezzi espressivi per un'immagine formale-figurativa.
Fase 3. Trasformazione . Ulteriore rivelazione dell'immagine attraverso l'affinamento dei tratti più caratteristici, l'introduzione degli elementi necessari. L'interpretazione di motivi naturali può essere effettuata in una soluzione lineare, spot, incluso point, linear-spot. La linea può essere spezzata, dura e forse liscia, arrotondata. La macchia può riempire completamente o parzialmente il modulo.
Puoi usare una varietà di stili di lavoro: folklore, fantasia.
Sulla base della proprietà selezionata dell'oggetto, viene eseguita una trasformazione grafica degli elementi strutturali più importanti, con un inizio formativo, per un albero questo è l'apparato radicale, il tronco, i rami, la chioma. Questa tecnica dovrebbe portare all'integrità dell'immagine composita basata sulla caratteristica dominante.
Il principio generale di modellatura è in grado di subordinare la scala, la plasticità, il ritmo, lo spazio e altre caratteristiche dell'oggetto raffigurato nella composizione finale. Solo a questa condizione si raggiunge il necessario livello di espressione artistica.
La pratica dell'utilizzo del principio della stilizzazione in varie aree dell'attività artistica, come pittura, grafica, scultura, architettura, arti e mestieri, mostra che può basarsi non solo su una determinata proprietà o caratteristica. Lo styling può essere fatto anche sulla base di un singolo elemento. Tale processo di stilizzazione sarà più sintetico, porterà alla creazione di un'immagine quasi convenzionale, quando il soggetto è ancora in fase di lettura, o quando praticamente non viene letto, trasformandosi in segno formale.
È per le immagini di forte trasformazione che è richiesto un sottile senso delle proporzioni in modo che la struttura figurativa sia percepita in modo naturale e organico, senza perdere espressività e distinguibilità.
Letteratura
- Dagldian K.T. Composizione decorativa: libro di testo. indennità per le università. -3a ed. - Rostov n / D: Fenice, 2011. - 312 p.
- Kryuchkova K.K. Composizione nel disegno. Organizzazione aereo. Formazione dei segni: metodo manuale. indennità. - K-n-A.: Zhuk, 2009. - 425 p.
- Starodub K.I., Evdokimova N.A. Disegno e pittura: da un'immagine realistica a una stilizzata condizionalmente: libro di testo. indennità. - Rostov n / D: Fenice, 2009. - 190 p.
- O.L. Golubeva Fondamenti di composizione: libro di testo. indennità. – M.: Arti visive, 2008. – 143 p.
Riferimenti
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- Krjuchkova K.K. Kompozicija v design. Organizacija ploskosti. Formirovanie znakov: metodo ucheb. posobie. – K-n-A.: Zhuk, 2009. – 425 s.
- Starodub K.I., Evdokimova N.A. Risunok i zhivopis’: ot realisticheskogo izobrazhenija k uslovno-stilizovannomu: ucheb. posobie. – Rostov n/D: Feniks, 2009. – 190 s.
- O.L. Golubeva .Osnovy kompozicii: ucheb. posobie. – M.: Izobrazitel’noe iskusstvo, 2008. – 143 s.
Istituto scolastico municipale di istruzione aggiuntiva per bambini
"Scuola d'arte per bambini"
Sviluppo metodico
"Tecniche di stile
forme naturali nella composizione di arti e mestieri"
Docente MOU DOD "DKhSH"
Shabalina T.N.
Kachkanar 2011
1. Nota esplicativa.…………………………..……….…3
2. Compito per la classe preparatoria della scuola d'arte per bambini (9-10 anni)
“Paese triangolare”……………………………………………………………..9
3. Conclusione……………………………………………………………………………… 12
Elenco dei riferimenti………………………………………………………..……13
4 Applicazioni…………………………………………………………………...14
Nota esplicativa.
Un senso di bellezza in una persona si sviluppa e viene allevato fin dall'infanzia. Questa educazione inizia in famiglia, nel processo di comunicazione con la natura, i libri e continua a scuola, dove si forma una percezione più profonda della bellezza.
La conoscenza delle basi dell'alfabetizzazione fine, con la storia delle belle arti inizia per il bambino in classe presso la Children's Art School. L'educazione alle arti visive si svolge per tipo di attività: è disegno dal vero, disegno su temi, lavori decorativi e conversazioni sulle belle arti e la bellezza che ci circonda.
Di grande importanza è la complessità della formazione, ovvero la formazione su basi pratiche e teoriche allo stesso tempo. Nel processo di tale formazione, i bambini acquisiscono conoscenze sui modelli più semplici di struttura, forma, prospettiva lineare e aerea, scienza del colore, composizione, stilizzazione decorativa delle forme, regole del disegno e della modellazione, nonché sui più eccezionali maestri di belle arti, la bellezza della natura e i sentimenti umani.
Il compito principale dell'insegnante è sviluppare le capacità artistiche e creative degli studenti, sviluppare l'immaginazione, la fantasia. È importante che il bambino sia rilassato per il lavoro creativo. L'interesse degli studenti per le belle arti, decorative e popolari avviene in una certa sequenza. Ad ogni lezione, lascia che inventino, giochino, portino le loro immagini e idee al lavoro. L'alta qualità e la forza delle conoscenze, delle abilità e delle abilità acquisite nelle lezioni di belle arti vengono sviluppate, le loro capacità artistiche dipendono in gran parte da come l'insegnante organizza e conduce la lezione.
Le lezioni di belle arti contribuiscono all'espansione degli orizzonti dei bambini, si formano i loro interessi, lo sviluppo del loro pensiero, l'immaginazione creativa, sviluppano la memoria visiva, la concentrazione, l'accuratezza, la diligenza. I bambini imparano tutta una serie di abilità grafiche e pittoriche, imparano ad analizzare gli oggetti e il mondo che li circonda.
Un ciclo di compiti di stilizzazione può essere di grande aiuto nel plasmare la visione artistica del mondo degli studenti. Il termine "stilizzazione" è ampiamente utilizzato non solo in letteratura, drammaturgia, ma è praticamente equiparato al concetto di "decoratività" nelle arti visive. Stilizzazione – questa è un'imitazione deliberata o una libera interpretazione del linguaggio artistico di qualsiasi stile caratteristico di un particolare autore, tendenza, direzione, scuola nazionale, ecc. in un senso diverso, applicabile solo alle arti plastiche, la stilizzazione è una generalizzazione decorativa del raffigurato figure e oggetti utilizzando una serie di tecniche convenzionali, semplificazione del motivo e della forma, rapporti volumetrici e cromatici. Nell'arte decorativa, la stilizzazione è un metodo naturale di organizzazione ritmica dell'insieme; la stilizzazione più tipica per l'ornamento, in cui l'oggetto dell'immagine diventa il motivo del disegno.
Le lezioni di stilizzazione sono una delle più importanti nel processo di formazione del pensiero figurativo artistico degli studenti. Come ha dimostrato la pratica, le lezioni di stilizzazione devono essere svolte in stretta collaborazione con il disegno e la pittura accademici, nonché collegamenti interdisciplinari, ad esempio con la composizione, la scienza del colore.
Gli insegnanti affrontano un compito importante: il bambino deve guardare le cose, i fenomeni che ci circondano, analizzare la struttura interna, lo stato dell'oggetto, per poterlo trasformare, modificare, semplificare, renderlo più conveniente e infine creare un nuovo, modello dell'autore. Pertanto, gli studenti hanno bisogno di essere aiutati a sviluppare una visione planare-ornamentale della natura e un pensiero figurativo-associativo.
Le lezioni di stilizzazione devono essere svolte per fasi, seguendo chiaramente la metodologia, partendo dai compiti più semplici per composizioni di uno o tre soggetti e portando gradualmente a quelli non oggettivi, figurativi-associativi, psicologici. Emerge così un quadro generale del sistema dei compiti.
Il concetto di stilizzazione e stile
In una composizione decorativa, un ruolo importante è svolto dal modo creativo in cui l'artista può rielaborare la realtà circostante e portarvi i suoi pensieri e sentimenti, sfumature individuali. Questo è chiamato messa in piega .
La stilizzazione come processo di lavoro è una generalizzazione decorativa degli oggetti raffigurati (figure, oggetti) con l'aiuto di una serie di metodi condizionali per modificare la forma, le relazioni volumetriche e cromatiche.
Nell'arte decorativa la stilizzazione è un metodo di organizzazione ritmica dell'insieme, grazie al quale l'immagine acquisisce segni di maggiore decoratività ed è percepita come una sorta di motivo a motivi (quindi si parla di stilizzazione decorativa nella composizione).
Lo stile può essere diviso in due tipi:
a) superficie esterna, che non ha carattere individuale, ma implica la presenza di un modello già pronto o di elementi di uno stile già creato (ad esempio, un pannello decorativo realizzato con le tecniche della pittura Khokhloma);
b) decorativo, in cui tutti gli elementi dell'opera sono soggetti alle condizioni di un insieme artistico già esistente (ad esempio, un pannello decorativo subordinato all'ambiente interno che si è sviluppato in precedenza).
La stilizzazione decorativa differisce dalla stilizzazione in generale per la sua connessione con l'ambiente spaziale. Pertanto, per una completa chiarezza del problema, considera il concetto di decoratività. La decoratività è solitamente intesa come la qualità artistica di un'opera, che nasce dalla comprensione da parte dell'autore del rapporto della sua opera con l'ambiente soggetto-spaziale a cui è destinata. In questo caso, un'opera separata è concepita e realizzata come elemento di un insieme compositivo più ampio. Si può dire così stileè un'esperienza artistica del tempo e la stilizzazione decorativa è un'esperienza artistica dello spazio.
L'astrazione è caratteristica della stilizzazione decorativa: una distrazione mentale da segni insignificanti e casuali dal punto di vista dell'artista per focalizzare l'attenzione su dettagli più significativi che riflettono l'essenza dell'oggetto. Quando si decora l'oggetto raffigurato, è necessario sforzarsi in modo che la composizione (pannello) soddisfi il principio dell'architettonicità, ad es. è necessario costruire un sistema di connessioni di singole parti ed elementi in un'unica integrità dell'opera.
Il ruolo della stilizzazione come metodo artistico è recentemente aumentato, poiché è aumentata la necessità per le persone di creare un ambiente stilisticamente integrale ed esteticamente significativo.
Con lo sviluppo dell'interior design, è diventato necessario creare opere d'arte e artigianato che, senza stile, non soddisfacessero i moderni requisiti estetici.
Stilizzazione delle forme naturali
La natura che ci circonda è un oggetto eccellente per la stilizzazione artistica. Lo stesso argomento può essere studiato e visualizzato un numero infinito di volte, scoprendone costantemente nuovi aspetti, a seconda del compito.
Nel programma sulla composizione, viene prestata molta attenzione alla questione della stilizzazione delle forme naturali, poiché questi oggetti sono sempre disponibili e lavorare con essi aiuta a padroneggiare il pensiero analitico e le modalità di espressione originale della natura in forme trasformate, ad es. produrre una rifrazione di ciò che è visto attraverso l'individualità dell'artista. L'immagine stilizzata degli oggetti studiati consente di trovare modi nuovi e originali di visualizzare la realtà, diversi dall'illusoria immagine fotografica.
La stilizzazione delle forme naturali può iniziare con l'immagine delle piante. Può essere fiori, erbe, alberi, muschi, licheni in combinazione con insetti e uccelli.
Nel processo di stilizzazione decorativa di motivi naturali, puoi procedere in due modi: inizialmente disegna oggetti dalla natura, quindi elaborali nella direzione di rivelare qualità decorative, oppure esegui immediatamente uno schizzo decorativo stilizzato, partendo dalle caratteristiche naturali degli oggetti . Entrambi i modi sono possibili, a seconda di quale modo di rappresentazione è vicino all'autore. Nel primo caso è necessario disegnare con cura i dettagli e studiare gradualmente le forme man mano che si lavora. Nel secondo metodo, l'artista studia a lungo e con attenzione i dettagli dell'oggetto e ne evidenzia i più caratteristici. Ad esempio, il "cardo" spinoso si distingue per la presenza di spine e spigolosità sotto forma di foglie, quindi, quando si disegna, è possibile utilizzare angoli acuti, linee rette, una silhouette spezzata, applicare contrasti nell'elaborazione grafica della forma , una linea e un punto, chiaro e scuro, con una combinazione di colori: contrasto e toni diversi. Sarebbe anche opportuno applicare la tecnica dello stile geometrico, utilizzare forme geometriche come modulo (creare un'immagine dai triangoli). Il numero di moduli dovrebbe essere limitato (non più di tre).
Il loach è caratterizzato da una morbida duttilità dei tronchi e da una morbida plasticità delle forme di foglie e fiori, quindi il disegno sarà dominato da forme sinuose e arrotondate e da una delicata elaborazione dei dettagli utilizzando principalmente una linea sottile, morbidi rapporti tonali e cromatici.
Lo stesso motivo può essere trasformato in modi diversi: vicino alla natura o sotto forma di accenno ad essa, associativamente; tuttavia, si dovrebbe evitare un'interpretazione troppo naturalistica o uno schematismo estremo, privando il riconoscimento. Puoi prendere una caratteristica e renderla dominante, mentre la forma dell'oggetto cambia nella direzione della caratteristica in modo che diventi simbolica .
Lo schizzo preliminare e il lavoro di schizzo sono una fase molto importante nella creazione di un disegno di una composizione stilizzata, poiché, eseguendo schizzi naturali, l'artista studia più a fondo la natura, rivelando la plasticità delle forme, il ritmo, la struttura interna e la trama degli oggetti naturali. La fase di schizzo e schizzo è creativa, ognuno trova ed elabora il proprio stile, il proprio stile individuale nel trasferimento di motivi noti.
Evidenziamo i requisiti di base per disegnare forme naturali:
Iniziando il lavoro, è importante identificare le caratteristiche più pronunciate della forma della pianta, la sua sagoma animale, le svolte scorciate.
Quando si organizzano i motivi, è necessario prestare attenzione al loro orientamento plastico (verticale, orizzontale, diagonale) e posizionare il disegno di conseguenza.
Prestare attenzione alla natura delle linee che compongono il contorno degli elementi raffigurati: lo stato della composizione nel suo insieme (statico o dinamico) può dipendere dal fatto che abbia configurazioni diritte o morbide, filanti.
È importante non solo abbozzare ciò che si vede, ma trovare un ritmo e raggruppamenti di forme interessanti, facendo una selezione dei dettagli visibili nell'ambiente raffigurato sul foglio.
Quando lavora con motivi naturali come la corteccia, l'artista si trova di fronte al compito di trasformare la superficie strutturata del motivo in un decoro, espressivo nel ritmo e nella plasticità, rivelando le caratteristiche dell'oggetto.
Le lezioni di stilizzazione devono essere svolte per fasi, seguendo chiaramente la metodologia, partendo dai compiti più semplici per le composizioni di un soggetto e portando gradualmente a quelle non oggettive, figurative-associative.
Lo sviluppo metodologico è pensato per la classe preparatoria del Liceo Artistico (9-10 anni) per 2 ore accademiche.
Compito per la classe preparatoria della scuola d'arte per bambini (9-10 anni)
"Paese del triangolo"
sul tema "Composizione decorativa e applicata".
Soggetto: Stilizzazione geometrica delle forme naturali (2 ore)
Bersaglio: Introdurre gli studenti al concetto di "stilizzazione"; eseguire una stilizzazione geometrica decorativa dell'oggetto selezionato
(facoltativo: insetti, uccelli, animali).
Compiti:
Introdurre gli studenti al concetto di "stilizzazione";
Migliorare le capacità tecniche e le abilità nella padronanza dei materiali artistici;
Sviluppare le capacità artistiche e creative degli studenti;
Tipo di lezione: imparare nuovo materiale
Modulo di condotta: lavoro individuale di gruppo.
Materiali e attrezzature didattiche: disegni e fotografie raffiguranti forme naturali naturali e analoghi stilizzati, presentazione con immagini di forme naturali stilizzate, esempi di tecniche di stilizzazione sviluppate.
Attrezzatura: proiettore multimediale, computer portatile
Risultato della lezione: esecuzione da parte di ogni studente della composizione, utilizzando la stilizzazione geometrica di oggetti naturali.
Passaggi della lezione:
Preparatorio
1.Controllare la prontezza per la lezione.
2. Messaggio dello scopo e degli obiettivi della lezione
3. Creazione di una situazione di gioco: la motivazione degli studenti a creare la propria composizione.
Di base
Lavoro pratico
Spettacolo dell'insegnante
Implementazione passo passo della ricezione della stilizzazione geometrica:
Selezionare e analizzare la forma naturale (oggetto);
Definizione del modulo (triangolo);
Applicazione del modulo nella stilizzazione dell'oggetto, basata sulla sua naturale bellezza e armonia;
Performance nel materiale (pennarelli);
Lavoro dello studente
Fare un lavoro indipendente
prima, un esercizio per modellare forme semplici, quindi creare la tua composizione.
Consulenze individuali durante il corso.
Finale
Riassumendo la lezione, analisi del lavoro svolto in termini di composizione, colore.
Avanzamento del corso.
Fasi
Attività dell'insegnante
Attività degli studenti
Risultato
Metodi, forme di lavoro
Fase organizzativa
(3 minuti)
Assegni mancanti, disponibilità del materiale necessario (carta A-3, pennarelli, matita, gomma)
Prepararsi per la lezione
Pronto per la lezione
Forma di lavoro di gruppo
palco principale
1. Divulgazione dell'argomento e dello scopo della lezione
(3 minuti)
Introduzione.
L'insegnante evidenzia l'argomento della lezione, riporta i complessi compiti della lezione.
metodo verbale
2. Motivazione
(4 minuti)
L'insegnante crea una situazione di gioco (ci troviamo in un paese triangolare), motivando gli studenti a studiare l'argomento della lezione.
Motivazione positiva degli studenti per le attività di apprendimento
Ricevimento del gioco. Conversazione.
3. Esecuzione di un esercizio con un modulo
(triangolo).
(20 minuti.)
Mostra esempi di stile.
Semplici esercizi con moduli.
Guardano attentamente.
Eseguire esercizi.
Forme di lavoro pratiche e
individuale
4. Lavoro pratico
(50 minuti)
Scelta indipendente di un oggetto naturale e della sua stilizzazione (ricerca di schizzi).
Completamento da parte degli studenti della composizione nel materiale.
Esegui la stilizzazione decorativa dell'oggetto selezionato
Sviluppa l'immaginazione, migliora le abilità pratiche.
Metodo esplicativo e illustrativo.
Forme di lavoro pratiche e
individuale
5. Riassumendo il lavoro
(10 minuti.)
Si offre di trarre conclusioni sul lavoro pratico.
Parla dei risultati del loro lavoro
Composizioni pronte
La fase finale
(10 minuti.)
1. Riflessione
(riassumendo la lezione)
Fare domande.
Riassumendo con gli studenti.
Organizza le discussioni in classe.
Insieme all'insegnante riassumi la lezione.
Esposizione dei lavori finiti
Analisi, confronto.
Conclusione.
Le lezioni di stilizzazione sono una delle più importanti nel processo di formazione del pensiero figurativo artistico degli studenti, consiglio di usarle come esercizi nella fase iniziale del lavoro su qualsiasi composizione decorativa, indipendentemente dall'argomento e dall'età degli studenti.
In questo sviluppo metodologico, ho considerato la "stilizzazione" come un processo creativo che consente di sviluppare e consolidare le capacità di lavorare con materiali artistici, di seguire nella pratica le leggi della composizione, di imparare a lavorare metodicamente sulla composizione decorativa e applicata.
Bibliografia
Kuzin V.S.Psicologia della pittura. Libro di testo per le università. - M : LLC "Casa editrice" ONIX 21vek ", 2005.
Pullman L.G.Metodi di insegnamento della composizione di arti e mestieri presso la Scuola d'arte per bambini. – Minsk.: 1980.
Sokolnikova N. M.belle arti e metodologia del suo insegnamento nella scuola elementare: - M.: Centro editoriale "Academy", 2003.
Tereshchenko T. F.Composizione decorativa e applicata. – M.: 1987.
Khvorostov A.S.Arti decorative e applicate a scuola. - 22a ed., rivista. E in più. – M.: Illuminismo, 1998.
Applicazione
Allegato 1.
"Cardo".
Appendice 2
"Convolvolo" Un esempio di stilizzazione decorativa (plastica).
Appendice 3
"Rinoceronte", Ruban Polina 9 anni,
Un esempio di stile decorativo (geometrico).
Appendice 4
"Snake", Bogaeva Kira 9 anni,
Un esempio di stile decorativo (geometrico).
Appendice 5
"Bunny", Sintsova Sasha 8 anni,
Un esempio di stile decorativo (geometrico).
Appendice 4
"Lucertola", Elfimova Nastya 9 anni,
Un esempio di stile decorativo (geometrico).
Leggi anche:
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La stilizzazione è una generalizzazione decorativa e l'evidenziazione delle caratteristiche degli oggetti utilizzando una serie di tecniche condizionali. Puoi semplificare o complicare la forma, il colore, i dettagli dell'oggetto e anche rifiutare di trasferire il volume. Tuttavia, semplificare la forma non significa affatto impoverirla, semplificare significa enfatizzare i lati espressivi, omettere dettagli insignificanti. Gli ornamenti popolari vengono creati, di regola, sulla base della stilizzazione delle forme naturali. L'esempio dell'ornamento mostra chiaramente come le forme di piante, animali e persino la figura di una persona possano essere trasformate in elementi geometrici.
Selezionando la cosa principale, il maestro trasforma l'oggetto, ne subordina la forma e il colore alla struttura ritmica dell'ornamento. Al centro del lavoro del maestro popolare c'è la percezione associativa emotiva, la sua soluzione figurativa può differire in modo significativo dalla natura.
Un fiore, una foglia, un ramo possono essere interpretati quasi come si possono conservare forme geometriche o contorni lisci naturali. Gli esercizi di styling delle piante dovrebbero essere preceduti da schizzi dalla natura. Sulla base di immagini reali, l'artista crea qualcosa di nuovo sulla base dell'immaginazione creativa.
Dai disegni è possibile seguire la sequenza di stilizzazione delle piante utilizzando le seguenti tecniche: graduale generalizzazione della forma entro i suoi confini, aggiunta di dettagli, modifica del contorno, saturazione della forma con un ornamento, trasformazione di una forma tridimensionale in una planare uno, semplificando o complicando il disegno, trasformando un fiore o foglie in un altro piano, evidenziando la silhouette, sostituzione del colore reale, diversa combinazione di colori di un motivo, ecc.
Nell'arte decorativa, nel processo di generalizzazione della forma, l'artista, preservandone l'espressività plastica, individua il principale e il tipico, rifiutando i dettagli minori. Tutte le sfumature osservate nella forma reale, di regola, sono ridotte a pochi colori.
8. Mestieri popolari tradizionali deve essere studiato nel contesto ampio delle attività produttive, tradizionali e simboliche.
Per comprendere l'arte popolare come arte vivente, è necessario conoscere le caratteristiche distintive delle arti e dei mestieri tradizionali della Russia. Sfortunatamente, il volume di questo libro di testo non consente di considerare tutto. Vorrei mostrare la bellezza di Yelets e pizzi Mikhailovsky, Abramtsevo-Kudrinsk e sculture in legno del nord, piastrelle Yaroslavl, ceramiche Balkhar, tappeti del Daghestan, giocattoli in argilla Oryol e Kursk e molto altro. In questo capitolo potremo conoscere brevemente solo la pittura di Khokhloma, Gorodets, Severodvinsk e Mezen; ceramiche Gzhel e Skopin; Giocattoli di argilla Dymkovo, Kargopol, Filimonovo; Giocattolo di legno russo; vernici artistiche russe; scialli pavlovoposad.
Il valore delle opere di arte decorativa popolare non risiede solo nel fatto che rappresentano il mondo oggettivo, la cultura materiale, ma anche nel fatto che sono monumenti della cultura spirituale. È il significato spirituale degli oggetti d'arte popolare che sta crescendo particolarmente nel nostro tempo. I giocattoli Dymkovo, i cofanetti con miniature laccate, i vassoi Zhostovo portano festa e bellezza nelle nostre vite. Ceramiche Gzhel, piatti Khokhloma, piatti e tavole Gorodets, mar di corteccia di betulla entrano sempre più nella nostra vita quotidiana non come oggetti utilitaristici, ma come opere d'arte che soddisfano i nostri ideali estetici, preservando la connessione storica dei tempi. L'arte popolare collega il passato con il presente, preservando le tradizioni artistiche nazionali, questa sorgente vivente della cultura artistica moderna.
Le origini della Russia, la sua identità, l'anima russa, risiedono nella cultura popolare, nelle tradizioni, nel patrimonio creativo dei nostri antenati. La canzone tradizionale, la danza, l'artigianato popolare continuano a portare l'originale che ha plasmato la civiltà russa millenni fa. Anche le innovazioni che ci sono pervenute dall'estero sono state ripensate in modo creativo e hanno acquisito le loro caratteristiche tradizionali russe: gli strumenti musicali sono stati ricostruiti nell'atmosfera delle canzoni popolari, i motivi popolari tradizionali, spesso pagani, sono stati introdotti in pizzi e ricami. Tutto potrebbe essere inscritto nella cultura popolare, rielaborato e fatto parte propria, consonante con tutti gli altri aspetti della vita popolare.
Continuando ad esistere nella società moderna, cambiando i tipi e le modalità della loro esistenza, l'artigianato rimane una delle forme di conservazione della cultura tradizionale. Nella vita odierna dell'artigianato, rispetto ai tempi passati, un ruolo speciale è svolto da un esperto, che può essere un etnografo, artista, culturologo o storico, intromettendosi nel processo di conservazione e ulteriore sviluppo delle tradizioni della pesca. Attualmente, molti tipi di artigianato tradizionale continuano ad essere richiesti.
Si presume che all'inizio del 21 ° secolo, in una certa situazione e con il supporto di varie risorse, tipi di attività di pesca come l'artigianato tradizionale, dopo aver superato la fase dell'artigianato, potranno fondersi organicamente nell'economia moderna e cultura, arricchendoli, ei prodotti fabbricati acquisiranno una nuova qualità: l'unicità. È importante che, oltre a ciò, gli oggetti (prodotti) prodotti dai maestri siano i prodotti più rispettosi dell'ambiente dell'attività umana.
I prodotti artistici semplici e belli degli artigiani popolari aiutano a instillare nelle persone l'amore per la loro terra natale, insegnano loro a vedere e amare la natura e ad apprezzare le tradizioni dei loro luoghi nativi. La comprensione del ritmo, l'armonia delle relazioni cromatiche, l'equilibrio visivo di forme e colori, ottenuta dagli studenti nel processo di lavoro decorativo, viene quindi utilizzata in vari lavori nelle lezioni di pittura, creando una composizione decorativa. L'attività di trasformazione dell'arte applicata è ampia, copre un'ampia varietà di oggetti e materiali. Il principale inizio compositivo della decorazione di questi oggetti è l'ornamento, così come i seguenti elementi attivi della composizione decorativa: colore, trama (tema), soluzione plastica planare o volumetrica.
Ministero dell'Istruzione della Repubblica di Sakha (Yakutia)
Istituto scolastico di bilancio comunale
"Scuola secondaria Tomtor intitolata a N.M. Zabolotsky" distretto di Oymyakonsky
Stilizzazione in arti e mestieri
contro Tomtor, 2015
INTRODUZIONE
Il metodo di stilizzazione artistica nella cultura russa fu ampiamente utilizzato per la prima volta dai membri del Mammoth Circle alla fine del XIX secolo. Come disciplina accademica, la materia "Stilizzazione" è stata introdotta alla Scuola Stroganov da un maestro insuperabile di questo metodo - M.A. Vrubel, che nel 1898 fu invitato a insegnare nuove materie: "Stilizzazione delle piante" ed "Esercizi di stilizzazione". Da allora questo corso è stato inserito nei curricula delle scuole d'arte, facendo parte del corso di composizione.
I motivi, gli elementi ornamentali utilizzati per la decorazione sono il soggetto messa in piega . Il termine "stilizzazione", come definito nel BDT, è interpretato come "una generalizzazione decorativa delle forme utilizzando una serie di tecniche convenzionali, semplificazione e generalizzazione del motivo e del contorno, relazioni volumetriche e cromatiche". Nell'arte decorativa, la stilizzazione è un modo naturale di organizzazione ritmica dell'insieme; la stilizzazione è più caratteristica di un ornamento, in cui, grazie ad essa, l'oggetto dell'immagine diventa il motivo del motivo. Nell'arte da cavalletto, la stilizzazione introduce caratteristiche di maggiore decoratività. Un altro significato di stilizzazione - l'imitazione intenzionale di uno stile artistico - è caratteristico dell'arte e della cultura di un certo ambiente sociale, movimento artistico, genere, autore, ecc. La stilizzazione si trova spesso usando forme del passato, stilizzazione di forme moderne in design e arte applicata. Ad esempio, nella seconda metà del XVII e nella prima metà del XVIII secolo. Le stilizzazioni orientali erano popolari in Europa, soprattutto dopo la Cina e il Giappone (pittura di piatti in stile giapponese, riproduzione accurata delle forme, sagome e proporzioni dei vasi caratteristici della Cina e del Giappone). Un esempio lampante di stile orientale nel nostro paese è il palazzo cinese di Oranienbaum, costruito dall'architetto A. Rinaldi per Caterina II nel 1762-1768. Un'altra area di stilizzazione è l'arte del parco: padiglioni, ponti, padiglioni in "stile cinese". In Russia nel 1890-1900. il risultato di una grande attenzione alla cultura popolare è stata la stilizzazione in architettura in stile russo (i più famosi sono il teremok di Talashkino, l'edificio del Museo storico di Mosca), l'aspetto di mobili stilizzati e interi interni in "stile russo ".
L'arte decorativa utilizza motivi o elementi tratti dalla fauna, dalla flora, suggeriti dai contorni di forme geometriche o oggetti circostanti. L'artista seleziona questi motivi secondo un certo sistema decorativo e distribuisce il decoro a seconda della superficie da decorare e dell'effetto desiderato.
La storia delle arti e dei mestieri mostra che i motivi della natura - il mondo animale e vegetale trasformato, li troviamo in vari tipi di arte decorativa: ricami, dipinti, ornamenti tessili e scolpiti. Allo stesso tempo, i motivi della natura, a seconda delle tradizioni nazionali, le caratteristiche dello sviluppo della produzione, le visioni estetiche e artistiche prevalenti, possono cambiare notevolmente.
I motivi ornamentali possono essere realistici o altamente stilizzati.
La prima, iniziale fase di comprensione dei motivi naturali, la prima fissazione creativa sono schizzi naturali, basato su tratti caratteristici già enfatizzati e affilati.
Quando si disegnano forme naturali, non bisogna copiare ciecamente la natura, ma studiare, trovare motivi e forme nella natura che possano risvegliare l'immaginazione creativa e il gioco di fantasia, che serviranno da impulso per la creazione di un'opera d'arte.
Gli psicologi che studiano l'attività creativa nel campo dell'arte attribuiscono particolare importanza al processo preparatorio, seguito da un periodo di gestazione ed elaborazione di idee creative.
Qualsiasi processo creativo è sempre associato a determinate generalizzazioni artistiche, astrazione, identificazione di caratteristiche comuni, proprietà degli oggetti. La generalizzazione artistica, a sua volta, può seguire il percorso pittorici e non pittorici, mediato da associazioni emotive. Il modo pittorico di generalizzazione è tipico di quei casi in cui un'immagine di soggetto concreto di un motivo naturale è conservata in uno schizzo naturale, nonostante la maggiore o minore convenzione dell'immagine. Il modo non pittorico della generalizzazione artistica richiede che l'artista sia in grado di astrarre e pensare in modo associativo.
Molto spesso, le forme naturali vengono elaborate attivamente, il che porta alla perdita delle caratteristiche pittoriche e alla trasformazione in un'immagine ornamentale condizionale, cioè a combinazioni astratte di linee, macchie e forme ritmicamente organizzate. Ma anche in questo caso l'immagine ornamentale dovrebbe avere almeno una lontana somiglianza con la fonte originaria per caratteristiche plastiche e strutturali.
Quando si lavora su schizzi di forme naturali, è necessario selezionare gli oggetti necessari, il punto di vista più riuscito, e in alcuni casi, ad esempio, aprire, tagliare il frutto in due per rivelare le proprietà plastiche più caratteristiche, identificare le principali cosa, scartare tutto ciò che è casuale, secondario, isolare le singole forme e il raggruppamento delle parti. Si verifica così una modifica del motivo naturale, vengono rivelate qualità decorative condizionali, che ne esaltano l'impatto emotivo.
La trasformazione di motivi naturali in motivi ornamentali e decorativi persegue principalmente obiettivi estetici, ma è anche importante che il motivo sia reso conveniente per l'esecuzione in una particolare tecnica e materiale. Quindi, un materiale richiede un decoro con una predominanza di un motivo lineare (ad esempio, un reticolo forgiato decorativo, tecnica della filigrana), un altro - volumetrico (ceramica) o rilievo (intaglio), ecc.
Così, stilizzazione- questa è una modifica, elaborazione di un motivo naturale, che si ottiene mediante generalizzazione artistica, rifiuto dei dettagli, "raddrizzamento" delle linee di contorno, il cui scopo è rendere il motivo più comprensibile allo spettatore e talvolta facilitarne esecuzione per l'artista.
I confini della stilizzazione sono tra l'esatta riproduzione della forma e il grado estremo della sua semplificazione. Ad esempio, i marchi, i segnali stradali, di norma, hanno una forma molto concisa, che consente loro di essere percepiti in modo più nitido e memorizzato a lungo, un'immagine poco attraente di uno nuovo, in cui il principale, caratteristico e le caratteristiche riconoscibili, le proporzioni principali e la silhouette sono accentuate.
Inoltre, l'artista deve fare i conti con il luogo, la cornice, che limita il campo del suo lavoro, costringendolo a volte a modificare qualsiasi elemento del motivo decorativo.
Il processo creativo di lavorare su schizzi di motivi naturali è un complesso processo di ripensamento della natura da parte di un artista, un processo di percezione puramente interiore e individuale.
L'artista crea il suo nuovo mondo fantastico, che non esiste nella realtà, ma ogni cosa in esso ha il suo prototipo nella natura che ci circonda.
Pertanto, nel processo di styling è importante:
- selezionare le caratteristiche essenziali;
- utilizzare la tecnica dell'iperbolizzazione (cioè l'esagerazione, evidenziando qualcuno, ma la qualità individuale dell'oggetto) dei singoli elementi;
Rifiuta dettagli minori e insignificanti;
Creare un'unità organica di ornamento e forma plastica.
Lo sviluppo di un motivo ornamentale può basarsi non solo sulle caratteristiche della forma naturale, ma anche in larga misura sull'idea dell'artista, sulla sua intuizione, immaginazione e fantasia.
ISTRUZIONI METODOLOGICHE PER L'ATTUAZIONE
COMPITI PRATICI
La maggior parte delle attività pratiche viene eseguita in grafica, poiché è più favorevole allo sviluppo del pensiero analitico, padroneggiando la metodologia per l'esecuzione di immagini stilizzate.
Compito 1. STRUTTURE NATURALI
I motivi della natura possono avere un valore artistico indipendente, devi solo imparare a vedere l'ornamentazione negli oggetti più semplici. Gli studenti sono invitati a scegliere le forme più accessibili del mondo organico e inorganico per lo studio e il disegno: conchiglie, pietre, cristalli, foglie di piante, cortecce di alberi, piume di uccelli, pelle, ecc. (Se necessario, puoi usare una lente d'ingrandimento o un microscopio).
È importante studiare attentamente e concentrarsi sulle proprietà decorative degli oggetti raffigurati selezionati. Quindi è necessario scegliere per ogni texture le tecniche grafiche più appropriate: puntatore, tratteggio, linea, macchia o combinazioni di queste tecniche. Organizza strutture ornamentali basate su trame naturali. Disporre sul formato AZ in quadrati 7x7 cm quattro immagini di texture e quattro immagini di strutture ornamentali. Medium: inchiostro nero, penna (Fig. 1-3).
Riso. 1. Schizzi di trame naturali
Riso. 2.
Compito 2. STILIZZAZIONE DELLE FORME NATURALI
forme vegetali
Con l'aiuto di mezzi espressivi grafici, crea immagini stilizzate di oggetti della flora di erbe, fiori, bacche, foglie, sezioni trasversali di verdure, frutta, alberi, ecc. Per prima cosa devi fare schizzi dalla natura, scegliendo il punto di vista di maggior successo. Gli schizzi possono anche essere fatti da piante in vaso ed erbe secche. Quando si disegna, prestare attenzione allo studio della struttura del fiore, alla posizione e alla forma dei petali, delle foglie, alla loro decorazione, all'eventuale iperbolizzazione di singoli elementi di particolare interesse in questa pianta, al raggruppamento, alla forma e all'ornamento delle foglie e la decoratività della pianta nel suo insieme, nonché l'identificazione di forme grandi, medie e piccole. È necessario trovare un'interessante struttura ritmica del motivo vegetale selezionato. In questo caso, puoi modificare il numero di elementi raffigurati, le loro dimensioni, le distanze tra loro, le pendenze, le svolte (ad esempio, il numero di foglie, fiori o frutti su un ramo, le loro dimensioni).
Per dare espressività alle proprietà plastiche di un motivo naturale, è possibile modificare le proporzioni dei singoli elementi (allungarli o accorciarli), deformare la forma stessa. Nel processo di lavoro, prestare attenzione alla scelta dei mezzi espressivi grafici per interpretare un motivo naturale. Quindi, con un'interpretazione lineare, l'uso linee sottili lo stesso spessore è possibile nei disegni, sottile negli ornamenti, in scala ridotta. Linee spesse dare all'immagine tensione, attività. Disegnare utilizzando linee di diverso spessore ha grandi possibilità pittoriche ed espressive. Nel caso in cui sia necessario raggiungere l'espressività della silhouette, viene utilizzata un'interpretazione puntuale dei motivi. Nell'interpretazione lineare-macchia, è necessario organizzare le macchie secondo la loro sagoma e ritmo, e collegare le linee con il ritmo delle macchie in un'immagine grafica coerente. Pertanto, le forme vegetali possono essere interpretate in modo abbastanza realistico, condizionale o con sviluppo ornamentale libero. Formato AZ. .Materiale: inchiostro nero, gouache.
Riso. 3. Forme naturali organizzate .
Compito 3. STILIZZAZIONE DEGLI INSETTI
Stilizzazione di immagini di insetti, farfalle, scarafaggi, libellule, ecc. Farfalle, libellule e coleotteri sono molto espressivi nella silhouette, per non parlare della ricchezza di colori e della varietà di ornamenti delle ali e del busto. L'attività viene eseguita in grafica e tecnica applicativa. Per eseguire l'applicazione è possibile utilizzare carta tinta in colori semplici e complessi con vari gradi di saturazione e luminosità. Si pone il compito di limitare la generalizzazione e il laconismo dell'immagine di un insetto, che porta a una soluzione planare. Il rafforzamento dell'effetto decorativo può essere ottenuto attraverso lo sviluppo condizionale di forme con semplici elementi geometrici.
In questa attività, devi prestare particolare attenzione al lavoro con il colore. La combinazione di colori dovrebbe essere condizionale e decorativa. Le immagini stilizzate di farfalle possono essere presentate come uno schizzo di un gioiello, ad esempio una spilla o un ciondolo nella tecnica della filigrana (soluzione grafica) o dello smalto cloisonné (lavoro con il colore), oppure presentate come una struttura ornamentale. Formato AZ. Medium: inchiostro, gouache, carta colorata (Fig. 10-13).
Riso. 4. Schizzi naturali di piante.
Riso. 6.
Riso. 7.
Riso. 8. Utilizzo di linee di diverso spessore.
Compito 4. STILIZZAZIONE DI FORME ANIMALI
La stilizzazione di immagini di animali, uccelli, pesci ha alcune caratteristiche. Puoi trasformare plasticamente i contorni delle forme. È possibile esagerare i dettagli, violare le proporzioni per creare una silhouette espressiva, semplificare la forma rispetto a una semplice geometria (ricezione della geometrizzazione condizionale della forma), a differenza delle forme vegetali, le possibilità di trasformare le forme animali hanno alcuni limiti, ad esempio, nonostante le varie trasformazioni, un uccello deve rimanere un uccello, ma può non essere un uccello specifico (corvo o airone), ma un uccello in generale, con una serie di caratteristiche tipiche: becco, ali, coda.
Un'altra opzione di stile è stilizzazione della decorazione interna, cioè, colorazione e motivo naturali, poiché i contorni delle piume degli uccelli, delle squame dei pesci, della pelle di altri animali presentano ricche opportunità per l'ornamento, è solo necessario essere in grado di identificare la struttura della superficie ornamentale.
Quando si trasformano i motivi del mondo animale in ornamentali (o decorativi), è consigliabile trasformare nella maggior parte dei casi la forma spaziale tridimensionale in una planare, per questo si dovrebbero evitare angoli complessi, tagli prospettici e l'animale o l'uccello dovrebbe essere raffigurato nel turno più informativo.
Nella stilizzazione delle forme del mondo animale, il compito è semplificare la forma pittorica nel suo insieme, per avvicinarla a una semplice forma geometrica (geometrizzazione della forma). Naturalmente, alcuni animali hanno una silhouette e un carattere superficiale più decorativi di altri (ad esempio una giraffa o una zebra). È importante trovare tecniche che aiutino ad adattare le loro forme alla struttura compositiva di un'immagine relativamente piatta. Una forma più decorativa e interessante può essere ottenuta esagerando il motivo o i suoi singoli elementi. Negli animali, ad esempio, in un'immagine decorativa, puoi ingrandire singole parti del corpo: testa, occhi, orecchie, zampe, code. Con l'aiuto dell'iperbolizzazione, vengono rivelate le caratteristiche ornamentali più interessanti di un animale, uccello o pesce. È necessario sottolineare la caratteristica plastica della forma.
Un motivo è realizzato con un punto, non diviso in parti, l'enfasi è su una silhouette espressiva (Fig. 14).
Per un altro motivo si può scegliere una soluzione lineare, la linea di contorno può essere dello stesso spessore, oppure può essere più libera, pittoresca, oppure può essere una serie di piccoli punti, tratti, tratti (Fig. 15).
Nel terzo motivo va posto l'accento sullo sviluppo ornamentale della forma (Fig. 16-17). Quando si elabora la sagoma e l'ornamento di un animale o di un uccello, è necessario provare in modo che uno di essi domini. Con una silhouette espressiva, l'ornamento può essere più complesso o l'ornamento stesso può essere letto più chiaramente della sagoma di un animale o di un uccello.
Nell'arte decorativa, la veridicità nell'immagine può essere combinata con elementi mitici. Di conseguenza, i motivi acquisiscono le caratteristiche della favolosità, della fantasia. Eseguire immagini in formato AZ. Medium: inchiostro, gouache.
Riso. 9. Interpretazione lineare e puntuale dei motivi.
Riso. 10. Geometrizzazione delle forme.
Fig.13. Ornamento di motivi stilizzati.
Riso. 14. Sagoma.
Compito 5. STILIZZAZIONE DELLE FORME DEL SOGGETTO
Natura morta decorativa
Non solo le forme della flora e della fauna, ma anche le forme del soggetto possono essere utilizzate come motivi. Nell'esecuzione di questo compito, un ruolo importante è svolto dalla trasformazione dell'ambiente spaziale in uno planare, dal rifiuto consapevole di trasferire caratteristiche spaziali e riduzioni prospettiche e dal trasferimento di volume. Gli oggetti che compongono una natura morta possono essere ripensati e trasformati più attivamente dall'artista, poiché gli oggetti in una natura morta sono psicologicamente più facili da modificare rispetto agli oggetti del mondo vegetale e animale. Gli oggetti in una natura morta decorativa possono cambiare dimensione, quelli grandi possono essere ridotti e viceversa, puoi modificare arbitrariamente la composizione quantitativa degli oggetti, introdurne di nuovi, puoi cambiare la posizione, la forma, il colore, cioè, hai bisogno interpretare e trasformare creativamente gli oggetti. La natura relativamente piatta dell'immagine contribuirà alla decoratività, quindi una delle opzioni per lavorare su una natura morta prevede un'interpretazione applicativa. Un'altra opzione è sviluppare una natura morta in grafica.
Ogni composizione è realizzata in una dimensione non superiore a 15 cm di lato largo. Medium: inchiostro nero, gouache (Fig. 18-20).
Riso. 15. Interpretazione lineare dei motivi.
Riso. 17. Interpretazione lineare e puntuale dei motivi.
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Come illustrazioni, vengono utilizzate le opere degli studenti del Namsky Pedagogical College of Technology and Design della Repubblica di Sakha (Yakutia).
Va detto subito che questo è uno dei compiti più visivi e creativi del nostro programma. Lo studente affronta un compito interessante: sulla base di un oggetto reale, creare un'immagine stilizzata che possa sostituire un'immagine realistica con un simbolo.
Le piante sono state scelte come oggetto per la stilizzazione: fiori, foglie, rami, frutti, singoli frammenti e gruppi.
La flora è oggetto di ispirazione e imitazione per artisti, architetti, designer durante tutta l'esistenza dell'arte decorativa. A partire dall'Antico Egitto, dove fiori di loto, foglie di aloe e rami di palma furono presi come base per molti ornamenti e dettagli architettonici, fino al fiorire dello stile Art Nouveau tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento, dove facilmente riconoscibili orchidee, iris, cardo e altri motivi floreali permeavano tutti i tipi di arte monumentale e da cavalletto.
Ciò dimostra che il tema della flora è inesauribile. In ogni stile artistico che ha dominato un certo periodo storico, c'era posto per ornamenti ed elementi decorativi basati su piante. Ogni epoca creava i propri modelli e tipi di stilizzazioni, a seconda dell'ambiente e del gusto del singolo autore, che, nel processo di elaborazione creativa, si trasformavano in un nuovo stile artistico.
Esercizio stilizzazione delle forme vegetali- questa è un'opportunità per provare in pratica ciò a cui sono arrivati \u200b\u200bmolti grandi artisti, prendere la realtà come base, applicare il talento, le loro capacità artistiche e crearne uno stile.
Il processo di creazione, o nell'analogo moderno di questa parola - creatività, collega, fa funzionare aree di immaginazione e fantasia precedentemente inutilizzate. La ricerca, la creazione di schizzi della futura immagine stilizzata mostra le caratteristiche individuali, le preferenze, forma la propria visione delle opere d'arte.
Il metodo di stilizzazione nell'arte decorativa è un compito eccellente per sviluppare capacità creative. Contiene un intero complesso di processi necessari nella composizione. È necessario analizzare la forma, identificare i tratti caratteristici, generalizzare o enfatizzare i singoli dettagli per ottenere la massima espressività dell'immagine.
Questo articolo informativo fornisce una descrizione generale dell'attività e le foto inviate del lavoro dei nostri studenti mostrano il risultato ottenuto nel processo di apprendimento.
Imparerai informazioni dettagliate sulle regole, la metodologia, le fasi del completamento di questo compito sul nostro, a cui puoi iscriverti telefonicamente: 8 903 669-80-89 E 8 903 669-49-59 o scrivici: [e-mail protetta]
Compiti di questo tipo, in cui è necessario prendere come base un oggetto reale e poi trasformarlo nella propria immaginazione in una nuova immagine stilizzata, sono utilizzati in molti rami dell'arte, dell'architettura e del design.
Grazie a questa formula sono state create innumerevoli opere d'arte, architettura, abbigliamento, accessori e persino tecnologia moderna. Lo sviluppo della società, il progresso tecnico, l'arte si basa sul fatto che una persona osserva, imita la natura, prende un'idea, la passa attraverso se stessa, la scompone in parti e, a seconda del genio, crea qualcosa di nuovo. Così nascono automobili, aerei, computer e grandi opere d'arte!