Da diversi secoli l’arte è considerata uno dei beni più preziosi. cultura umana. Dipinti artisti famosi diventano un tesoro di stato, attentamente monitorato da migliaia di specialisti, e costano centinaia di milioni di dollari. Nel nostro Paese l'arte è valutata molto meno, ma probabilmente tutti conoscono quanto segue più dipinti famosi Artisti russi. Qualsiasi persona istruita ne sarà sicuramente a conoscenza.
L'apparizione di Cristo al popoloAleksandr Ivanov
"L'apparizione di Cristo al popolo" apre degnamente la cima dei dipinti più famosi di artisti russi. L'artista russo Alexander Ivanov è diventato famoso per il suo dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo", che ha dipinto per vent'anni. Le dimensioni del dipinto sono sorprendenti, così come i suoi dettagli. L'autore, ovviamente, è stato ispirato da scene della Bibbia, e non era il primo lavoro dell'artista su temi religiosi - Ivanov sapeva cosa piaceva a tutti nella prima immagine e lo ha incarnato di nuovo - in ultima volta. I contemporanei hanno definito l'immagine non solo sbalorditiva, ma soprattutto Evento importante nelle loro vite. Ironicamente, lo stesso Ivanov morì lo stesso giorno e lo zar acquistò il dipinto subito dopo la morte dell’autore.
Vasily Pukirev
Uno dei dipinti più famosi degli artisti russi è considerato una tela incredibilmente profonda di Vasily Pukirev. Pukirev è un insignificante abitante del villaggio diventato famoso per un solo dipinto: tutte le altre opere dell'autore sono rimaste dimenticate. Perché esattamente" Matrimonio ineguale"? Il dipinto descrive una trama della vita dello stesso Pukirev: è persino raffigurato nel dipinto stesso. Il giovane Pukirev sta sullo sfondo con le braccia incrociate, incapace di fare nulla, perché la sua sposa sta per sposare un vecchio generale. Lo stesso Kostomarov, dopo aver visto il dipinto, prese in moglie una giovane ragazza.
I Rook sono arrivati Aleksej Savrasov
"Le torri sono arrivate"- il dipinto più famoso dell'artista russo Alexei Savrasov. Il dipinto ha guadagnato popolarità già durante la sua prima mostra, dove ne sono stati apprezzati il realismo e la sincerità. "Tali paesaggi possono essere trovati solo in The Rooks", hanno detto del dipinto di Savrasov. È interessante notare che la chiesa mostrata sullo sfondo esiste e si trova ancora oggi nella stessa forma. Nello stesso villaggio compì la sua impresa il famoso Susanin.
Cacciatori a riposo Vasilij Perov
L'autore della foto "Cacciatori a riposo"È famoso autore Vasily Grigorievich Perov. Ora tutti conoscono questo uno dei dipinti più famosi degli artisti russi, ma nel XIX secolo molti lo descrissero come un insuccesso. C'erano anche quelli che ammiravano il lavoro di Perov. Innanzitutto ho ammirato il lavoro grande classico Dostoevskij. Alcuni hanno criticato l'immagine per la sua inaffidabilità, perché Perov ha dipinto i cacciatori basandosi sui suoi amici che non avevano familiarità con questo tipo di attività.
Tre eroi Viktor Vasnetsov
Viktor Vasnetsov ha creato uno dei dipinti più famosi tra gli autori russi - "Tre eroi". Vasnetsov ha detto di essere stato ispirato dalle fitte querce: è rimasto stupito dal loro potere e poco dopo gli eroi gli sono semplicemente apparsi in sogno. Il dipinto mostra personaggi famosi Russi racconti popolari. Al centro c'è Ilya Muromets, nella cui mano c'è una lancia, a sinistra c'è Dobrynya Nikitich, che estrae una spada dal fodero, e a destra c'è Alyosha Popovich con arco e frecce. È noto che l’artista trasse Alyosha dal figlio di Mamontov, nella cui tenuta era appeso il dipinto. E il resto degli eroi sono simili ai membri della stessa famiglia di Vasnetsov.
Ragazza con le pesche Valentino Serov
Valentin Aleksandrovich Serov, a differenza degli autori precedenti, dopo aver dipinto "Ragazza con le pesche", è diventato uno dei più artisti importanti nell'impero. L'immagine ha così stupito il pubblico e persino famiglia reale che si è rivolta all'autore con l'ordine di molti altri dipinti per decorare i palazzi reali. “La ragazza con le pesche” è meritatamente inclusa nella top dei dipinti più famosi di artisti russi grazie alla gioia che irradia la ragazza. I critici definiscono l’immagine “viva”. Ma immagina com'è stato per la ragazza che ha dovuto posare per Serov, e non è l'unico a incarnare questa giovane donna sulle sue tele.
Trasportatori di chiatte sul Volga Ilya Efimovich
Ilya Efimovich - originaria dell'Ucraina, non ha mai visto grandi navi, trasportatori di chiatte e ancor di più il Volga. Per la prima volta, Efimovich vide trasportatori di chiatte sulla Neva, dove sviluppò la trama per il suo futuro capolavoro. Ora "Trasportatori di chiatte sul Volga" uno dei dipinti più rappresentativi degli artisti russi, meritatamente inserito nella top 10. L'immagine è stata descritta più di una volta da grandi figure letterarie, compreso lo stesso Dostoevskij. Per dipingere il dipinto “Barge Haulers on the Volga”, l'autore aveva bisogno solo di 200 rubli per il viaggio. Poi fu venduto per soli 3.000 rubli a Vladimir Alexandrovich, il Granduca di Russia. Ora il dipinto è un patrimonio della cultura russa e il suo valore non può essere stimato.
Boyarina Morozova Vasilij Surikov
"Boyaryna Morozova" L'autore russo Vasily Surikov è una delle opere più importanti della Galleria Tretyakov e, allo stesso tempo, uno dei dipinti più famosi degli artisti russi. Il dipinto è di grandi dimensioni e i visitatori rimangono stupiti da quanto sia ben dettagliata la vita su una tela così grande. Galleria Tretyakov Ho acquistato il dipinto per soli 25mila rubli: un sacco di soldi, ovviamente, per il XIX secolo, ma ora il suo valore non può essere sopravvalutato. È interessante notare che l'acquisto del dipinto è stato un rischio per la galleria, perché la maggioranza non ha accettato il dipinto.
Lo sconosciuto Ivan Kramskoy
Il secondo dipinto più famoso degli artisti russi è giustamente misterioso "Sconosciuto" Ivan Kramskoj. La piccola tela raffigura una giovane donna vestita negli abiti più costosi e vestiti alla moda fine XIX secolo. Alcuni sostengono che il dipinto raffigura Anna Karenina, e alcuni credono addirittura che "Lo Straniero" porti grandi disgrazie a chiunque la guardi negli occhi. “Sconosciuto” è il dipinto più famoso di tutte le opere di Kramskoy, e il mondo non sa ancora su chi l’artista abbia basato l’immagine. L'autore stesso non ha menzionato nulla.
Mattina dentro pineta Ivan Shishkin
"Mattina in una pineta." Ivan Shishkin, un artista che all’Accademia rispose che sarebbe diventato un paesaggista, dipinse il famoso dipinto “Mattina in una foresta di pini”. Anche i bambini piccoli conoscono il dipinto, anche se lo chiamano “orsi”, poiché sono raffigurati cioccolatini con lo stesso nome. Tra gli artisti russi, il dipinto “Morning in a Pine Forest” di Shishkin è il più riconoscibile e spesso criticato per la sua mancanza di realismo. I più persistenti si oppongono al motivo per cui ci sono tre cuccioli, dal momento che una femmina di orso raramente ha una tale prole. Il dipinto ha guadagnato popolarità grazie al paesaggio forestale favolosamente bello con l'aggiunta dell'animalismo nella trama, cioè una famiglia di orsi.
). Tuttavia ai fini del presente articolo prenderemo in considerazione esclusivamente l'oggetto dell'art.
Storicamente, tutti i generi erano divisi in alti e bassi. A genere elevato o la pittura storica includeva opere di natura monumentale, portatrici di una sorta di moralità, idea significativa, dimostrando eventi storici e militari associati alla religione, alla mitologia o alla finzione.
A genere basso incluso tutto ciò che riguarda la vita di tutti i giorni. Queste sono nature morte, ritratti, pittura domestica, paesaggi, animalismo, immagini di persone nude, ecc.
Animalismo (lat. animale - animale)
Il genere animalesco è nato nell'antichità, quando le prime persone dipingevano animali predatori sulle rocce. A poco a poco questa direzione è cresciuta genere indipendente, implicando un'immagine espressiva di qualsiasi animale. Gli animalisti di solito hanno un grande interesse per il mondo animale, ad esempio possono essere ottimi cavalieri, tenere animali domestici o semplicemente studiare a lungo le loro abitudini. Secondo le intenzioni dell'artista, gli animali possono apparire realistici o sotto forma di immagini artistiche.
Tra gli artisti russi, molti erano esperti di cavalli, ad esempio. Quindi, nel famoso dipinto di Vasnetsov “Bogatyrs” cavalli eroici raffigurato con la massima abilità: i colori, il comportamento degli animali, le briglie e il loro legame con i cavalieri sono attentamente studiati. A Serov non piacevano le persone e considerava i cavalli in molti modi migliore dell'uomo, motivo per cui la ritrasse spesso in una varietà di scene. sebbene dipingesse animali, non si considerava un animalista, quindi gli orsi erano suoi famoso dipinto"Mattinata pineta" è stato creato dall'animalista K. Savitsky.
In epoca zarista, i ritratti con animali domestici, cari all'uomo, divennero particolarmente popolari. Ad esempio, nel dipinto l'imperatrice Caterina II appariva con il suo amato cane. Gli animali erano presenti anche nei ritratti di altri artisti russi.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere quotidiano
Pittura storica
Questo genere coinvolge dipinti monumentali che hanno lo scopo di trasmettere alla società grande visione, qualsiasi verità, moralità o dimostrare eventi significativi. Comprende opere su temi storici, mitologici, religiosi, folcloristici e scene militari.
Negli stati antichi, miti e leggende per molto tempo erano considerati eventi del passato, quindi venivano spesso raffigurati su affreschi o vasi. Successivamente, gli artisti iniziarono a separare gli eventi accaduti dalla finzione, che si esprimeva principalmente nell'immagine scene di battaglia. IN Antica Roma, Egitto e Grecia, scene di battaglie eroiche venivano spesso raffigurate sugli scudi dei guerrieri vittoriosi per dimostrare il loro trionfo sul nemico.
Nel Medioevo, a causa del predominio dei dogmi ecclesiastici, prevalevano i temi religiosi; nel Rinascimento, la società si rivolgeva al passato principalmente con lo scopo di glorificare i suoi stati e governanti, e dal XVIII secolo questo genere è stato spesso rivolto a con lo scopo di educare i giovani. In Russia, il genere si diffuse nel XIX secolo, quando gli artisti spesso cercavano di analizzare la vita della società russa.
Nelle opere degli artisti russi è stata presentata, ad esempio, la pittura di battaglia e. Ha toccato soggetti mitologici e religiosi nei suoi dipinti. Pittura storica dominato da, folklore-da.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della pittura storica
Natura morta (natura francese - natura e morte - morta)
Questo genere di pittura è associato all'immagine oggetti inanimati. Possono essere fiori, frutta, piatti, selvaggina, utensili da cucina e altri oggetti, dai quali l'artista spesso crea una composizione secondo il suo progetto.
Le prime nature morte apparvero nei paesi antichi. IN Antico Egitto Era consuetudine raffigurare le offerte agli dei sotto forma di vari piatti. Allo stesso tempo, il riconoscimento dell'oggetto veniva prima, quindi gli artisti antichi non si preoccupavano particolarmente del chiaroscuro o della trama degli oggetti della natura morta. IN Grecia antica e a Roma fiori e frutti furono trovati nei dipinti e nelle case per la decorazione degli interni, così che furono raffigurati in modo più autentico e pittoresco. La formazione e la fioritura di questo genere avvennero nei secoli XVI e XVII, quando le nature morte iniziarono a contenere significati religiosi e di altro tipo nascosti. Allo stesso tempo, sono apparse molte varietà a seconda del soggetto dell'immagine (floreale, frutta, scienziato, ecc.).
In Russia, la pittura di natura morta fiorì solo nel XX secolo, poiché prima veniva utilizzata principalmente in scopi educativi. Ma questo sviluppo è stato rapido e catturato, inclusa l'arte astratta con tutte le sue direzioni. Ad esempio, creava bellissime composizioni di fiori, preferiva, lavorava e spesso “rivitalizzava” le sue nature morte, dando allo spettatore l'impressione che i piatti stessero per cadere dal tavolo o che tutti gli oggetti stessero per iniziare a ruotare. .
Gli oggetti raffigurati dagli artisti erano, ovviamente, influenzati dalle loro visioni teoriche o dalla visione del mondo e dallo stato d'animo. Si trattava quindi di oggetti raffigurati secondo il principio della prospettiva sferica da lui scoperto, e di nature morte espressioniste stupite dalla loro drammaticità.
Molti artisti russi utilizzavano la natura morta principalmente per scopi educativi. Quindi, non solo affinato abilità artistica, ma ha anche condotto molti esperimenti, disponendo gli oggetti in modi diversi, lavorando con la luce e il colore. ha sperimentato la forma e il colore della linea, a volte allontanandosi dal realismo per passare al puro primitivismo, a volte mescolando entrambi gli stili.
Altri artisti hanno combinato nelle nature morte ciò che avevano precedentemente raffigurato con le loro cose preferite. Ad esempio, nei dipinti puoi trovare il suo vaso preferito, spartiti e un ritratto di sua moglie che aveva realizzato in precedenza, e ha raffigurato i suoi fiori preferiti fin dall'infanzia.
Molti altri artisti russi hanno lavorato nello stesso genere, ad esempio, e altri.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della natura morta
Nudo (nudi francese - nudità, abbreviato in nu)
Questo genere ha lo scopo di rappresentare la bellezza del corpo nudo ed è apparso prima della nostra era. IN mondo antico grande attenzione pagato sviluppo fisico, poiché da questo dipendeva la sopravvivenza di tutto razza umana. Pertanto, nell'antica Grecia, gli atleti gareggiavano tradizionalmente nudi in modo che ragazzi e giovani potessero vedere i loro corpi ben sviluppati e lottare per la stessa perfezione fisica. Intorno al VII-VI secolo. AVANTI CRISTO e. Apparvero anche statue maschili nude, che personificavano il potere fisico di un uomo. Le figure femminili, al contrario, si presentavano sempre davanti al pubblico in vesti, poiché per esporsi corpo femminile non è stato accettato.
Nelle epoche successive, l'atteggiamento nei confronti della nudità è cambiato. Così, durante l'ellenismo (dalla fine del VI secolo aC), la sopportazione passò in secondo piano, lasciando il posto all'ammirazione per la figura maschile. Nello stesso periodo cominciarono ad apparire le prime figure femminili nude. In epoca barocca, le donne dalle figure sinuose erano considerate ideali; in epoca rococò, la sensualità divenne fondamentale, e in Secoli XIX-XX dipinti o sculture di corpi nudi (soprattutto maschili) erano spesso vietati.
Gli artisti russi si sono ripetutamente rivolti al genere del nudo nelle loro opere. Quindi, questi sono ballerini con attributi teatrali, mettono in posa ragazze o donne al centro di scene monumentali. Questo ha molte donne sensuali, anche in coppia, questo ha tutta una serie di dipinti raffiguranti donne nude dietro attività differenti, e siete ragazze piene di innocenza. Alcuni, ad esempio, raffiguravano uomini completamente nudi, sebbene tali dipinti non fossero accolti favorevolmente dalla società del loro tempo.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere del nudo
Paesaggio (francese Paysage, da pays - terreno)
In questo genere, la priorità è la rappresentazione di elementi naturali o artificiali ambiente: aree naturali, scorci di città, borghi, monumenti, ecc. A seconda dell'oggetto scelto, si distinguono paesaggi naturali, industriali, marini, rurali, lirici e altri.
I primi paesaggi di artisti antichi furono scoperti in arte rock Era neolitica ed erano immagini di alberi, fiumi o laghi. Successivamente il motivo naturale venne utilizzato per decorare la casa. Nel Medioevo il paesaggio fu quasi completamente sostituito da temi religiosi, mentre nel Rinascimento, al contrario, vennero alla ribalta relazioni armoniose uomo e natura.
In Russia, la pittura di paesaggio si è sviluppata a partire dal XVIII secolo ed era inizialmente limitata (i paesaggi, ad esempio, venivano creati in questo stile), ma in seguito un'intera galassia di talentuosi artisti russi ha arricchito questo genere con tecniche provenienti da stili diversi e indicazioni. creato un cosiddetto paesaggio low-key, cioè invece di inseguire vedute spettacolari ha raffigurato i momenti più intimi della natura russa. e arrivò a un paesaggio lirico che stupì il pubblico con il suo stato d'animo sottilmente trasmesso.
E questo è un paesaggio epico, quando allo spettatore viene mostrata tutta la grandiosità del mondo circostante. rivolto all'infinito all'antichità, E. Volkov sapeva come trasformare qualsiasi paesaggio discreto in un'immagine poetica, stupiva lo spettatore con la sua meravigliosa luce nei paesaggi e poteva ammirare all'infinito angoli di foresta, parchi, tramonti e trasmettere questo amore allo spettatore.
Ciascuno dei paesaggisti ha concentrato la sua attenzione sul paesaggio che lo ha affascinato in modo particolarmente forte. Molti artisti non potevano ignorare progetti di costruzione su larga scala e dipinsero molti paesaggi industriali e urbani. Tra questi ci sono opere
Se pensi che tutti i grandi artisti appartengano al passato, non hai idea di quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai a conoscere i più famosi e artisti di talento modernità. E, credimi, le loro opere rimarranno nella tua memoria non meno profondamente delle opere dei maestri delle epoche passate.
Wojciech Babski
Wojciech Babski – moderno Artista polacco. Ha terminato i suoi studi in Slesia Istituto Politecnico, ma si associò a . IN Ultimamente attira principalmente donne. Si concentra sull'espressione delle emozioni, si sforza di ottenere il massimo effetto possibile utilizzando mezzi semplici.
Ama il colore, ma spesso usa sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare diverse nuove tecniche. Recentemente sta guadagnando sempre più popolarità all'estero, soprattutto nel Regno Unito, dove vende con successo le sue opere, che si trovano già in molte collezioni private. Oltre all'arte, si interessa di cosmologia e filosofia. Ascolta il jazz. Attualmente vive e lavora a Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moderno Artista americano. Nato nel 1957 e cresciuto a Monterey, in California, si è laureato con lode all'Art Center College of Design di Pasadena nel 1981, dove ha conseguito un BFA. Nel corso dei due decenni successivi, ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York prima di intraprendere la carriera di artista professionista nel 2009.
I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: dipinti di interni biografici e dipinti raffiguranti persone al lavoro. Il suo interesse per questo stile di pittura risale al lavoro dell'artista del XVI secolo Johannes Vermeer e si estende a soggetti, autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, interni di studi, aule e case. Il suo obiettivo è dipinti realistici creare atmosfera ed emozione attraverso la manipolazione della luce e l'uso di colori tenui.
Chang divenne famoso dopo essere passato alle belle arti tradizionali. Negli ultimi 12 anni ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, il più prestigioso dei quali è la Master Signature degli Oil Painters of America, la più grande comunità di pittori a olio negli Stati Uniti. Solo una persona su 50 ha la possibilità di ricevere questo premio. Warren attualmente vive a Monterey e lavora nel suo studio, e insegna anche (noto come insegnante di talento) alla San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni – Artista italiano. Nato a Blair il 15 ottobre 1955. Ha conseguito il diploma di scenografia presso l'Istituto d'Arte di Spoleto. Come artista è un autodidatta, poiché ha “costruito una casa della conoscenza” autonomamente sulle fondamenta gettate a scuola. Ha iniziato a dipingere ad olio all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.
I primi dipinti di Bruni affondano le loro radici nel surrealismo, ma col tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo lirico e del simbolismo, esaltando questa combinazione con la squisita raffinatezza e purezza dei suoi personaggi. Gli oggetti animati e inanimati acquisiscono pari dignità e sembrano quasi iperrealistici, ma allo stesso tempo non si nascondono dietro una tenda, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Versatilità e raffinatezza, sensualità e solitudine, premurosità e fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, nutrito dallo splendore dell'arte e dall'armonia della musica.
Alessandro Balos
Alkasander Balos è un artista polacco contemporaneo specializzato nella pittura a olio. Nato nel 1970 a Gliwice, Polonia, ma dal 1989 vive e lavora negli USA, a Shasta, California.
Da bambino ha studiato arte sotto la guida del padre Jan, artista e scultore autodidatta gioventù, attività artistica ha ricevuto il pieno sostegno da entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos lasciò la Polonia per gli Stati Uniti, dove insegnante di scuola e l'artista part-time Katie Gaggliardi ha incoraggiato Alkasander a iscriversi scuola d'arte. Balos ha poi ricevuto una borsa di studio completa presso l'Università di Milwaukee, nel Wisconsin, dove ha studiato pittura con il professore di filosofia Harry Rosin.
Dopo essersi laureato nel 1995, Balos si è trasferito a Chicago per frequentare la scuola arti visive i cui metodi si basano sulla creatività Jacques-Louis David. Realismo figurativo e pittura di ritratto erano maggior parte Le opere di Balos negli anni '90 e nei primi anni 2000. Oggi Balos utilizza figura umana al fine di evidenziare caratteristiche e mostrare carenze esistenza umana senza offrire alcuna soluzione.
Le composizioni dei soggetti dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora i dipinti acquisiranno il loro vero significato temporale e soggettivo. Nel 2005, l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora l'oggetto del suo lavoro si è ampliato in modo significativo e ora include metodi di pittura più liberi, tra cui l'astrazione e vari stili multimediali che aiutano a esprimere idee e ideali di esistenza attraverso la pittura.
Alyssa Monks
Alyssa Monks è un'artista americana contemporanea. Nato nel 1977 a Ridgewood, nel New Jersey. Ho cominciato ad interessarmi alla pittura quando ero ancora bambino. Ha studiato alla New School di New York e Università Statale Montclair e si è laureato al Boston College nel 1999 con un B.A. Allo stesso tempo ha studiato pittura all'Accademia Lorenzo Medici a Firenze.
Ha poi proseguito gli studi nel programma di master presso la New York Academy of Art, nel dipartimento di Arti Figurative, laureandosi nel 2001. Si è laureata al Fullerton College nel 2006. Per qualche tempo ha tenuto conferenze nelle università e istituzioni educative in tutto il paese, ha insegnato pittura alla New York Academy of Art, alla Montclair State University e al Lyme Academy of Art College.
“Utilizzando filtri come vetro, vinile, acqua e vapore, distorco corpo umano. Questi filtri ti consentono di creare grandi aree disegno astratto, con isole di colore che fanno capolino - parti del corpo umano.
I miei quadri cambiano aspetto moderno alle pose e ai gesti tradizionali già stabiliti delle donne che fanno il bagno. Potrebbero dire molto a uno spettatore attento su cose apparentemente ovvie come i benefici del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi sono premuti contro il vetro della finestra della doccia, distorcendosi proprio corpo, rendendosi conto che in tal modo influenzano il famigerato sguardo maschile su una donna nuda. Spessi strati di vernice vengono mescolati per imitare da lontano vetro, vapore, acqua e carne. Tuttavia, da vicino, è sorprendente Proprietà fisiche pittura a olio. Sperimentando strati di vernice e colore, trovo un punto in cui le pennellate astratte diventano qualcos'altro.
Quando ho iniziato a dipingere il corpo umano, ne sono rimasto immediatamente affascinato e persino ossessionato e ho creduto che dovevo rendere i miei dipinti il più realistici possibile. Ho “professato” il realismo finché non ha cominciato a svelarsi e a rivelare contraddizioni in sé. Ora sto esplorando le possibilità e il potenziale di uno stile di pittura in cui pittura rappresentativa e astrazione si incontrano: se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso momento, lo farò”.
Antonio Finelli
Artista italiano – “ Osservatore del tempo” – Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, e si trovano anche in collezioni private e pubbliche.
Disegni a matita" Osservatore del tempo"Antonio Finelli ci accompagna in un viaggio eterno mondo interiore temporalità umana e la connessa analisi scrupolosa di questo mondo, il cui elemento principale è il passaggio nel tempo e le tracce che lascia sulla pelle.
Finelli dipinge ritratti di persone di ogni età, sesso e nazionalità, le cui espressioni facciali indicano il passaggio nel tempo, e l'artista spera anche di trovare prove della spietatezza del tempo sui corpi dei suoi personaggi. Antonio definisce le sue opere con un titolo, generale: “Autoritratto”, perché nei suoi disegni a matita non solo raffigura una persona, ma permette allo spettatore di contemplare i risultati reali dello scorrere del tempo all'interno di una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni è un'artista italiana di 37 anni, figlia di un diplomatico. Ha tre figli. Visse a Roma per dodici anni e per tre anni in Inghilterra e Francia. Ha conseguito una laurea in storia dell'arte presso la BD School of Art. Successivamente ha conseguito il diploma di restauratrice d'arte. Prima di trovare la sua vocazione e dedicarsi interamente alla pittura, ha lavorato come giornalista, colorista, designer e attrice.
La passione di Flaminia per la pittura nasce nell'infanzia. Il suo mezzo principale è l'olio perché ama "coiffer la pate" e anche giocare con il materiale. Ha riconosciuto una tecnica simile nelle opere dell'artista Pascal Torua. Flaminia si ispira a grandi maestri della pittura come Balthus, Hopper e François Legrand, oltre che a vari movimenti artistici: street art, realismo cinese, surrealismo e realismo rinascimentale. Il suo preferito artista Caravaggio. Il suo sogno è scoprire il potere terapeutico dell'arte.
Denis Cernov
Denis Chernov è un talentuoso artista ucraino, nato nel 1978 a Sambir, nella regione di Lviv, Ucraina. Dopo la laurea a Kharkov scuola d'arte nel 1998 è rimasto a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha studiato anche a Kharkov Accademia di Stato design e arti, dipartimento di grafica, laureata nel 2004.
Partecipa regolarmente a mostre d'arte, questo momento ne hanno svolti più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, Stati Uniti, Canada e Giappone. Alcune delle opere sono state vendute da Christie's.
Denis lavora in una vasta gamma di grafica e tecniche pittoriche. I disegni a matita sono uno dei suoi metodi di pittura preferiti, un elenco dei suoi argomenti disegni a matitaè anche molto vario, dipinge paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, letterari e ricostruzioni storiche e fantasie.
Parlando del genere del paesaggio, è impossibile non fare riferimento all'opera di grandi paesaggisti. Ora è difficile immaginare che duecento anni fa non esistesse ancora un paesaggio. Tradizioni russe dipinto di paesaggio cominciò a formarsi solo alla fine XVIII secolo. Prima di allora, gli artisti dipingevano sotto l'influenza di maestri italiani e francesi, nobilitando la natura secondo le leggi costruttive accademiche, considerate obbligatorie nella pittura di quel tempo.
Il partenariato ha dato un enorme contributo allo sviluppo del paesaggio russo mostre itineranti(Itinerante) sotto la guida di I. N. Kramskoy. Gli artisti hanno cantato la bellezza della discreta natura russa, la semplicità paesaggi rurali, le vaste distese della Rus'.
I più grandi maestri del paesaggio:
- Aleksej Kondratyevich Savrasov (1830-1897)
- Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)
Ivan Ivanovic Shishkin (1832-1898)
Arte I.I. Shishkina è sorprendentemente chiara e trasparente. I suoi dipinti sono un inno alla natura viva e alla sua bellezza. Ha creato arte paesaggistica con boschetti di conifere, con vaste distese, con tutta la semplicità del paesaggio settentrionale.
All'età di 12 anni, su insistenza di suo padre, fu assegnato al 1° Ginnasio di Kazan. Corso completo mai finito. Nel 1852 si trasferì a Mosca ed entrò alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura. Qui A. N. Mokritsky divenne il mentore di Shishkin. Dopo aver completato il corso (1856), allo studente di talento fu consigliato di continuare la sua formazione a San Pietroburgo presso l'Accademia delle arti. La sua formazione è stata supervisionata da S. M. Vorobyov.
Gli insegnanti hanno immediatamente notato la passione di Shishkin per la pittura di paesaggio. Già nel suo primo anno di Accademia gli fu assegnata una piccola medaglia d’argento per “Vista nei dintorni di San Pietroburgo”. Nel 1858, l’artista ricevette una grande medaglia d’argento per il dipinto “Vista sull’isola di Valaam”.
I successi ottenuti hanno permesso a Shishkin di realizzarlo viaggio all'estero come membro dell'Accademia. Il viaggio iniziò a Monaco (1861), dove Ivan Ivanovich visitò i laboratori dei famosi artisti di animali B. e F. Adam. Nel 1863 Shishkin si trasferì a Zurigo, poi a Ginevra, Praga e Dusseldorf. Sentendo nostalgia della sua patria, tornò a San Pietroburgo nel 1866, prima della scadenza della sua borsa di studio.
In Russia, l'artista ricevette il titolo di accademico (1865). Da questo momento in poi il massimo periodo fruttuoso creatività del pittore. Sono stati creati i dipinti “Cutting Wood” (1867), “Rye” (1878), “Pines Illuminated by the Sun” (1886), “Morning in a Pine Forest” (1889; orsi dipinti da K. A. Savitsky) , " Boschetto della nave"(1898) e molti altri.
Shishkin ha lavorato attivamente all'aria aperta, spesso intraprendendo scopo artistico viaggiare per la Russia. Esponeva le sue opere quasi ogni anno: prima all'Accademia e poi, dopo la fondazione dell'Associazione degli artisti viaggianti. esibizione artistica(1870), a queste esposizioni.
Ivan Ilic Levitan (1860-1900)
Nato il 30 agosto 1860 nella città lituana di Kybartai da una famiglia ebrea. Mio padre era un impiegato minore nel governo della città. Subito dopo la nascita del figlio più giovane, la famiglia si trasferì a Mosca. All'età di 13 anni, Isaac fu accettato Scuola di Mosca pittura, scultura e architettura, nella classe di A.K. Savrasov e V.D. Polenov. Fin dall'inizio dei suoi studi, Levitan si guadagnò da vivere dando lezioni e commissionando ritratti. Si è laureato al college a pieni voti, ma a causa del suo background gli è stato conferito un diploma come insegnante di calligrafia.
Primo quadro generale « Dimora tranquilla“scrisse dopo un viaggio nel 1890 nel nord della Russia. La tela è stata acquistata da P. M. Tretyakov per la sua galleria. Nel 1892 l'artista fu costretto a lasciare Mosca, poiché agli ebrei non era permesso vivere nelle capitali. Si stabilì in un villaggio situato lungo il tratto Vladimirsky, lungo il quale i detenuti venivano portati in Siberia. L'artista ha catturato questi luoghi nel dipinto “Vladimirka” (1892). Negli anni '90 Levitan fece un altro viaggio, questa volta lungo il Volga. Lì è nato il dipinto Brezza fresca. Volga" (1891-1895). Un'esacerbazione della tubercolosi costrinse l'artista a partire all'estero, in Francia, poi in Italia, anche se gli sforzi degli amici lo aiutarono a ottenere il permesso di vivere a Mosca.
Tornato a casa, nel 1898 Levitan iniziò a insegnare un corso di paesaggio presso la scuola in cui si diplomò. La sua salute stava peggiorando e nel 1899 l'artista, su invito di A.P. Chekhov, partì per Yalta. Tornato, riprese a insegnare, ma la sua salute continuò a peggiorare e il 4 agosto 1900 Levitan morì.
I paesaggi del cantante della natura russa non sono solo immagine fotografica natura: l'artista è riuscita a trasmettere il suo respiro vitale. Non c'è da stupirsi che il critico V.V. Stasov abbia definito i dipinti di Levitan poesie emotive. Allo stesso tempo, Levitan non era solo un magnifico paesaggista. Il suo patrimonio creativo Realizzano anche disegni, acquerelli e illustrazioni di libri.
La città di Plyos è associata al nome di Isaac Levitan. Levitan venne a Plyos per tre estati consecutive, nel 1888-1890. Non c'è un solo angolo o sentiero nelle vicinanze di Plyos, non importa dove sei stato Grande maestro. Ispirato dalle magiche bellezze di Plyos, dipinge qui quasi 200 dipinti e schizzi! Dipinti ormai famosi: “Sopra la pace eterna”, “Dopo la pioggia. Plyos", "Sera. Golden Reach", "Birch Grove" e molti altri sono diventati decorazioni delle collezioni della Galleria Tretyakov, del Museo Russo e di molte collezioni in Russia e all'estero.
Vasilij Dmitrievich Polenov (1844-1927)
Nato il 1 giugno 1844 nella tenuta Borok (ora Polenovo in Regione di Tula) nella famiglia dell'archeologo e bibliografo D. V. Polenov. Dopo aver ricevuto l'istruzione secondaria, Vasily entrò Accademia di San Pietroburgo arti (1863), e poco dopo iniziò a frequentare le lezioni presso Facoltà di legge nell'università.
Nel 1872 Polenov, che completò entrambi i corsi con lode, ottenne un viaggio all'estero a spese dell'Accademia. Visitò Vienna, Venezia, Firenze, Napoli e visse a lungo a Parigi. La visita a casa fu di breve durata; nel 1876 l'artista si arruolò volontario nella guerra serbo-montenegrino-turca.
Negli anni successivi viaggiò molto in Medio Oriente e Grecia (1881-1882, 1899, 1909), Italia (1883-1884, 1894-1895). Nel 1879 entrò a far parte della Società degli artisti Peredvizhniki. Nel 1882-1895. ha insegnato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca.
In riconoscimento dei suoi meriti, Polenov fu eletto membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti nel 1893. Dal 1910 fu coinvolto nello sviluppo dei teatri provinciali, diventando tre anni dopo il capo di una sezione speciale presso la Società delle università popolari di Mosca.
Polenov è conosciuto come l'autore opere multigenere. Ha affrontato temi storici e religiosi: "Cristo e il peccatore" (1886-1887), "Sul lago di Tiberiade" (1888), "Tra i maestri" (1896); nel 1877 realizzò una serie di studi sulle cattedrali del Cremlino e sulle camere del palazzo; V tempo diverso realizzò scenografie teatrali. Secondo i suoi schizzi, furono costruite chiese ad Abramtsevo (in collaborazione con V.M. Vasnetsov) e a Bekhov vicino a Tarusa (1906). Ma i paesaggi che portarono a Polenov la più grande fama furono: “Cortile di Mosca” (1878), “Giardino della nonna”, “Estate” (entrambi del 1879), “Stagno ricoperto di vegetazione” (1880), “ Autunno dorato"(1893), trasmettendo il fascino poetico degli angoli della vita cittadina e della natura incontaminata russa.
L'artista trascorse gli ultimi anni della sua vita nella tenuta Borok, dove organizzò un museo d'arte e collezioni scientifiche. Il museo-patrimonio di V. D. Polenov opera qui dal 1927.
Aleksej Kondratyevich Savrasov (1830 - 1897)
L'artista è nato il 12 (24) maggio 1830 a Mosca, nella famiglia del commerciante della 3a corporazione, Kondraty Artemyevich Savrasov. Contrariamente ai desideri di suo padre, che sognava di adattare suo figlio agli “affari commerciali”, il ragazzo entrò nel 1844 alla Scuola di pittura e scultura di Mosca, dove studiò nella classe del paesaggista K.I. Rabus. Durante i suoi studi, nel 1850, completò il dipinto “Pietra nella foresta vicino al dislivello”, che i critici d'arte considerano un po' goffo nella composizione. Nello stesso anno, per il dipinto “Veduta del Cremlino di Mosca al chiaro di luna”, gli è stato assegnato il titolo di artista non di classe.
Membro fondatore dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti (vedi Peredvizhniki). IN primi lavori Prevalgono gli effetti romantici ("Vista del Cremlino in caso di maltempo", 1851, Galleria Tretyakov).
Negli anni 1850-60. Savrasov si muove più spesso verso immagini calme e narrative, in alcuni casi contrassegnate dal desiderio di unità cromatica delle opere ("L'isola di Losiny a Sokolniki", 1869, ibid.), per esaltare il suono emotivo del chiaroscuro. Il risultato di queste ricerche fu il dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871, ibid.), in cui Savrasov, raffigurante un motivo esteriormente anonimo e sottolineando nella vita ambiente naturale momento di transizione (esordio inizio primavera), è riuscito a mostrare una profonda sincerità natura nativa. Le opere successive di Savrasov si distinguono anche per la loro spontaneità lirica e l'interesse per l'aria aperta (Country Road, 1873; Courtyard, 1870; Grave over the Volga, 1874, collezione privata, Mosca).
Alexey Savrasov, uno dei maggiori rappresentanti del movimento lirico nel paesaggio russo, ha avuto un'enorme influenza sui pittori paesaggisti russi della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.
A.K. è morto Savrasov 26 settembre 1897, sepolto a Mosca, il Cimitero di Vagankovskoe. Il vicolo dove è sepolto porta il suo nome. Il suo studente preferito era Isaac Levitan
Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910)
Nato nel gennaio 1841 a Mariupol nella famiglia di un calzolaio di origine greca. Rimasto orfano, è cresciuto in una famiglia di parenti. Ha iniziato a disegnare presto e ha imparato a dipingere principalmente da solo.
Nel 1855 andò a piedi a Feodosia per studiare con IK Aivazovsky. L'influenza del famoso pittore marino sul giovane Kuindzhi fu senza dubbio. Alla fine degli anni '60. Kuindzhi è arrivato a San Pietroburgo. L'artista presentò le sue prime opere nel 1868 in una mostra all'Accademia delle Arti e presto si affermò saldamente come maestro del paesaggio: “Disgelo autunnale” (1872); " Villaggio dimenticato"(1874); "Tratto Chumatsky a Mariupol" (1875), ecc.
Nel 1870 visitò per la prima volta l'isola di Valaam, dove successivamente dipinse molto. Come credevano i contemporanei, furono i paesaggi creati lì ad attirare l'attenzione degli spettatori.
Pittura " Notte ucraina"(1876) ha semplicemente sbalordito il pubblico e determinato il percorso speciale dell'autore nell'arte. Con lei, Kuindzhi ha iniziato la sua "ricerca della luce": ha cercato di ottenere la completa illusione dell'illuminazione naturale. Ciò si manifestò al massimo grado nel dipinto “Una notte sul Dnepr” (1880) con uno scintillante sentiero illuminato dalla luna nell'oscurità vellutata.
Il pittore ha rivelato le possibilità del paesaggio in un modo nuovo, trasformando, purificando ed elevando la realtà. Ha raggiunto un'intensità e una luminosità di colori straordinarie, nuove soluzioni di colore. È caratterizzato da numerosi dipinti e schizzi “solari” (tra cui “ Boschetto di betulle", 1879).
L'intenso contrasto di toni ricchi, effetti di luce: tutto ciò era insolito dipinti del 19° secolo V. fenomeno. L'incomprensione tra i suoi colleghi costrinse Kuindzhi a rifiutarsi di partecipare alle mostre nel momento del suo più grande successo. L'ultima volta che espose le sue opere fu nel 1882.
L'artista visse da eremita in Crimea, dove creò una serie di grandi tele e centinaia di schizzi, continuando a sperimentare con vernici e colori. Tra le opere successive di Kuindzhi, questa è l'unica immagine della storia“Cristo nell’orto del Getsemani” (1901) e “La Notte” respirano un’armonia straordinaria (1905-1908)
Nel 1909, Arkhip Ivanovich fondò la Società degli artisti (che in seguito prese il suo nome), che forniva sostegno alle persone d'arte. Il pittore lasciò in eredità a questa Società l'intero suo patrimonio e le opere presenti nel suo studio.