Dipinto di paesaggi di artisti russi. "paesaggio nella pittura russa"

I primi paesaggi pittoreschi apparvero in Russia nella seconda metà del XVIII secolo - dopo che l'Accademia Imperiale delle Arti fu aperta a San Pietroburgo nel 1757, sul modello delle accademie europee, dove, tra le altre classi di genere, c'era una classe di pittura di paesaggio . C’è anche la richiesta di “prendere vedute” di luoghi memorabili e architettonicamente significativi. Il classicismo - e questo è il momento del suo dominio - sintonizza l'occhio per percepire solo ciò che evoca associazioni elevate: edifici maestosi, alberi possenti, panorami che ricordano antichi atti eroici. Sia la natura che i vedati urbani Il genere della veduta (dall'italiano veduta) era l'immagine di una città da un punto di vista particolarmente vantaggioso. devono essere presentati in una forma ideale, come dovrebbero essere.

Veduta del Palazzo Gatchina dall'isola di Dlinny. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1796

Mulino e torre Pil a Pavlovsk. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1792Museo d'arte regionale di Samara

Piazza Rossa a Mosca. Dipinto di Fëdor Alekseev. 1801Stato Galleria Tretyakov

Veduta della Borsa e dell'Ammiragliato dalla Fortezza di Pietro e Paolo. Dipinto di Fëdor Alekseev. 1810Galleria statale Tretyakov

I paesaggi sono dipinti dal vero, ma sono certamente finalizzati in studio: lo spazio è diviso in tre piani distinti, la prospettiva è ravvivata da figure umane - le cosiddette staffage - e l'ordine compositivo è rafforzato dal colore convenzionale. Così, Semyon Shchedrin raffigura Gatchina e Pavlovsk, e Fyodor Alekseev raffigura le piazze di Mosca e gli argini di San Pietroburgo; Entrambi hanno completato la loro formazione artistica in Italia.

2. Perché gli artisti russi dipingono paesaggi italiani?

Ancora In misura maggiore La fase successiva nello sviluppo del paesaggio russo - romantica - sarà associata all'Italia. Andando lì come pensionati, cioè per uno stage dopo essersi diplomati con successo all'Accademia, gli artisti della prima metà del XIX secolo, di regola, non avevano fretta di tornare. Lo stesso clima meridionale sembra loro un segno di libertà assente nella loro terra d'origine, e l'attenzione al clima è anche il desiderio di rappresentarlo: la luce concreta e l'aria di una regione calda e libera, dove l'estate dura sempre. Ciò apre la possibilità di padroneggiare la pittura all'aria aperta: la capacità di costruire una combinazione di colori in base all'illuminazione e all'atmosfera reali. Il vecchio paesaggio classico richiedeva uno scenario eroico e si concentrava sul significativo, sull'eterno. Ora la natura diventa l'ambiente in cui vivono le persone. Naturalmente anche un paesaggio romantico (come qualsiasi altro) presuppone la selezione: entra nell'inquadratura solo ciò che sembra bello: solo che questa è un'altra cosa bella. Paesaggi che esistono indipendentemente dall'uomo, ma gli sono favorevoli: questa idea della natura “corretta” coincide con la realtà italiana.

Notte al chiaro di luna a Napoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria statale Tretyakov

Grotta Matromanio sull'isola di Capri. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1827Galleria statale Tretyakov

Cascate a Tivoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. Primi anni 1820Galleria statale Tretyakov

Veranda intrecciata con l'uva. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria statale Tretyakov

Sylvester Shchedrin ha vissuto in Italia per 12 anni e durante questo periodo è riuscito a creare una sorta di dizionario tematico di motivi paesaggistici romantici: una notte di luna, il mare e una grotta da dove il mare si apre alla vista, cascate e terrazze. La sua natura unisce l'universale e l'intimo, lo spazio e la possibilità di nascondersi all'ombra di un pergolato d'uva. Questi pergolati o terrazze sono come recinti interni nell'infinito, dove i vagabondi Lazzaroni si abbandonano al beato ozio con vista sul Golfo di Napoli. Sembrano far parte del paesaggio stesso: figli liberi della natura selvaggia. Shchedrin, come previsto, ha finalizzato i suoi dipinti in studio, ma il suo stile pittorico dimostra emozione romantica: una pennellata aperta scolpisce le forme e le trame delle cose, come al ritmo della loro comprensione istantanea e risposta emotiva.

L'apparizione del Messia (L'apparizione di Cristo al popolo). Dipinto di Alexander Ivanov. 1837–1857Galleria statale Tretyakov

L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo iniziale. 1834

L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo scritto dopo un viaggio a Venezia. 1839Galleria statale Tretyakov

L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo "Stroganov". 1830Galleria statale Tretyakov

Ma Alexander Ivanov, il più giovane contemporaneo di Shchedrin, scopre una natura diversa, non correlata ai sentimenti umani. Per più di 20 anni lavorò al dipinto “L'apparizione del Messia” e i paesaggi, come tutto il resto, furono realizzati in connessione indiretta con esso: infatti, spesso venivano pensati dall'autore come schizzi, ma erano eseguito con cura artistica. Da un lato si tratta di panorami deserti delle pianure e delle paludi italiane (un mondo non ancora umanizzato dal cristianesimo), dall'altro - primi piani elementi della natura: un ramo, sassi in un ruscello e anche solo terra secca, data anche in maniera panoramica, un fregio orizzontale infinito Ad esempio, nel dipinto “Terreno vicino alle porte della Chiesa di San Paolo ad Albano”, dipinto negli anni Quaranta dell'Ottocento.. L'attenzione ai dettagli è carica di attenzione agli effetti plein air: al modo in cui il cielo si riflette nell'acqua, e il terreno grumoso cattura i riflessi del sole - ma tutta questa precisione si trasforma in qualcosa di fondamentale, un'immagine della natura eterna nei suoi fondamenti . Si presume che Ivanov abbia utilizzato una camera-lucida, un dispositivo che aiuta a frammentare il visibile. Probabilmente lo usò anche Shchedrin, ma con un risultato diverso.

3. Come è apparso il primo paesaggio russo

Per ora la natura è bella e quindi estranea: la sua bellezza è negata. Gli “italiani russi” non si ispirano alla fredda Russia: il suo clima è associato alla mancanza di libertà, al torpore della vita. Ma in altri ambienti tali associazioni non esistono. Nikifor Krylov, uno studente di Alexei Gavrilovich Venetsianov, che non aveva viaggiato fuori dal paese ed era lontano da una visione del mondo romantica, probabilmente non conosceva le parole di Karl Bryullov sull'impossibilità di scrivere neve e inverno ("il latte versato verrà fuori") . E nel 1827 creò il primo paesaggio nazionale, solo invernale.

Paesaggio invernale (inverno russo). Dipinto di Nikifor Krylov. 1827 Museo statale russo

Alla scuola che ha aperto nel villaggio di Safonko-vo Ora Venetsianovo., Venetsianov insegnò a “non rappresentare nulla di diverso da come appare in natura, e ad obbedirle solo” (all'Accademia, al contrario, insegnavano a concentrarsi sui modelli, sul testato e sull'ideale). Dall'alta sponda del Tosny la natura si apriva panoramicamente - in un'ampia prospettiva. Il panorama è ritmicamente vissuto e le figure delle persone non si perdono nello spazio, gli sono naturali. Molto più tardi, proprio questi tipi di “persone felici” - un uomo che conduce un cavallo, una contadina con un giogo - acquisiranno nella pittura un accento un po' souvenir, ma per ora questa è la loro prima apparizione e sono disegnati con la cura della visione da vicino. La luce uniforme della neve e del cielo, le ombre blu e gli alberi trasparenti presentano il mondo come un idillio, come un centro di pace e di giusto ordine. Questa percezione del mondo sarà incarnata ancora più acutamente nei paesaggi di un altro studente di Venetsianov, Grigory Soroka.

Servo artista (Venetsianov, amico del suo “proprietario”, non riuscì mai a ottenere la libertà per il suo amato allievo) Soroka è il rappresentante di maggior talento del cosiddetto Biedermeier russo (come è l'arte degli alunni della scuola di Venetsianov chiamato). Per tutta la vita dipinse gli interni e i dintorni della tenuta, e dopo la riforma del 1861 divenne un attivista contadino, per cui fu sottoposto a breve arresto e forse punizioni corporali, dopodiché si è impiccato. Altri dettagli della sua biografia sono sconosciuti; poche opere sono sopravvissute.

Pescatori. Vista a Spasskij. Dipinto di Gregory Soroka. Seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento Museo statale russo

I suoi “Pescatori” sembrano essere il dipinto più “tranquillo” dell’intero corpus della pittura russa. E il più “equilibrato”. Tutto si riflette in ogni cosa e fa rima con tutto: il lago, il cielo, gli edifici e gli alberi, le ombre e le luci, le persone in abiti bianchi tessuti in casa. Un remo calato in acqua non provoca schizzi e nemmeno un'increspatura sulla superficie dell'acqua. Le sfumature perlate nei bianchi tela e nei verdi scuri trasformano il colore in luce - forse prima serata, ma più trascendentale, paradisiaco: in uno splendore diffuso e calmo. Sembra che la pesca implichi azione, ma non ce n'è: le figure immobili non introducono nello spazio un elemento di genere. E queste stesse figure nei portage e nelle camicie contadine non sembrano contadini, ma personaggi racconto epico o canzoni. Un paesaggio specifico con un lago nel villaggio di Spasskoye si trasforma in un'immagine ideale della natura, silenziosa e leggermente onirica.

4. Come il paesaggio russo cattura la vita russa

I dipinti dei veneziani occupavano un posto modesto nel campo generale dell'arte russa e non entravano nel mainstream. Fino all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento il paesaggio si sviluppava lungo le linee tradizione romantica, aumentando effetti e splendore; era dominato da monumenti e rovine italiani, vedute del mare al tramonto e notti illuminate dalla luna (tali paesaggi possono essere trovati, ad esempio, ad Aivazovsky e successivamente a Kuindzhi). E a cavallo tra il 1860 e il 1870 ci fu un brusco cambiamento. In primo luogo, è associato all'apparizione della natura russa sul palco e, in secondo luogo, al fatto che questa natura è dichiaratamente priva di ogni segno di bellezza romantica. Nel 1871 Fyodor Vasiliev scrisse “Il disgelo”, che Pavel Mikhailovich Tretyakov acquistò immediatamente per la collezione; nello stesso anno, Alexei Savrasov mostrò alla prima mostra itinerante i suoi successivamente famosi “Rooks” (a quel tempo il dipinto si chiamava “Here the Rooks Have Arrived”).

Scongelare. Dipinto di Fëdor Vasiliev. 1871 Galleria statale Tretyakov

Sia in “The Thaw” che in “The Rooks” la stagione non è definita: non è più inverno, non ancora primavera. Il critico Stasov ammirava il modo in cui Savrasov “sentiva l'inverno”, mentre gli altri telespettatori “sentivano” la primavera. Lo stato di natura transitorio e fluttuante ha permesso di saturare la pittura con sottili riflessi atmosferici e renderla dinamica. Ma per il resto, questi paesaggi riguardano cose diverse.

I Rook sono arrivati. Dipinto di Alexey Savrasov. 1871 Galleria statale Tretyakov

Vasiliev concettualizza il disgelo, lo proietta nella vita sociale moderna: la stessa atemporalità, noiosa e senza speranza. Tutta la letteratura russa, dagli scritti democratico-rivoluzionari di Vasily Sleptsov ai romanzi antinachilisti di Nikolai Leskov (il titolo di uno di questi romanzi - “Nowhere” - potrebbe diventare il titolo di un dipinto), ha registrato l'impossibilità del cammino - l'impasse in cui un uomo e un ragazzo si ritrovano persi nel paesaggio. Ed è nel paesaggio? Lo spazio è privo di coordinate paesaggistiche, fatta eccezione per le miserabili capanne coperte di neve, i rifiuti legnosi bloccati nella fanghiglia e gli alberi sbilenchi all'orizzonte. È panoramico, ma schiacciato dal cielo grigio, non degno di luce e colore, uno spazio in cui non c'è ordine. Savrasov ha qualcos'altro. Sembra anche sottolineare la natura prosaica del motivo: la chiesa, che avrebbe potuto diventare oggetto di un “video dipinto”, ha lasciato il posto a betulle storte, neve fitta e pozzanghere di acqua disciolta. "Russo" significa "povero", sgradevole: "natura misera", come in Tyutchev. Ma lo stesso Tyutchev, glorificando "la terra natale del canto longanime", scrisse: "Non capirà e non noterà / Lo sguardo orgoglioso di uno straniero, / Che traspare e risplende segretamente / Nella tua umile nudità", - e in “Rooks” questa luce segreta è . Il cielo occupa metà della tela, e da qui un “raggio celeste” del tutto romantico arriva a terra, illuminando il muro del tempio, il recinto, l'acqua dello stagno - segna i primi passi della primavera e dona al paesaggio la sua colorazione emotiva e lirica. Tuttavia, il disgelo di Vasiliev promette anche la primavera, e questa sfumatura di significato può essere vista anche qui, se lo si desidera, o letta qui.

5. Come si è sviluppata la scuola russa del paesaggio

Strada di campagna. Dipinto di Alexey Savrasov. 1873Galleria statale Tretyakov

Sera. Migrazione degli uccelli. Dipinto di Alexey Savrasov. 1874Museo d'arte di Odessa

Savrasov è uno dei migliori coloristi russi e uno dei più “multilingue”: poteva ugualmente dipingere lo sterrato stradale (“Country Road”) con colori intensi e festosi o costruire la migliore armonia minimalista in un paesaggio costituito solo da terra e cielo ( “ Sera. Migrazione degli uccelli"). Insegnante alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, ha influenzato molti; il suo stile pittorico virtuosistico e aperto continuerà con Polenov e Levitan, e i suoi motivi echeggeranno con Serov, Korovin e persino Shishkin (grandi querce). Ma è Shishkin che incarna una diversa ideologia del panorama russo. Questa è un'idea di eroismo (di tipo leggermente epico), di solenne grandezza, forza e gloria del "nazionale" e del "popolo". Una sorta di pathos patriottico: possenti pini, gli stessi in ogni periodo dell'anno (la variabilità dell'aria aperta era decisamente estranea a Shishkin, e preferiva dipingere alberi di conifere), si riuniscono in una foresta, ed erbe, dipinte con ogni cura, formano anche un insieme di erbe simili che non rappresentano la diversità botanica. È caratteristico che, ad esempio, nel dipinto “Rye”, gli alberi sullo sfondo, diminuendo di dimensioni secondo la prospettiva lineare, non perdono la nitidezza dei loro contorni, cosa che sarebbe inevitabile se si prendesse in considerazione la prospettiva aerea, ma l'inviolabilità delle forme è importante per l'artista. Non sorprende che il suo primo tentativo di rappresentare un ambiente luminoso nel dipinto “Mattina in una foresta di pini” (scritto in collaborazione con Konstantin Savitsky - porta con il pennello) abbia causato un epigramma sul giornale: “Ivan Ivanovich, sei tu ? Che nebbia hanno lasciato entrare, mia cara.

Segale. Dipinto di Ivan Shishkin. 1878Galleria statale Tretyakov

Mattina in una pineta. Dipinto di Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. 1889Galleria statale Tretyakov

Shishkin non ebbe seguaci e in generale la scuola paesaggistica russa si sviluppò, relativamente parlando, sulla linea di Savrasov. Cioè, avere interesse per le dinamiche atmosferiche e coltivare una freschezza abbozzata e un modo di scrivere aperto. A ciò si sovrapponeva anche una passione per l'impressionismo, quasi universale negli anni Novanta dell'Ottocento, e in generale una sete di liberazione - almeno la liberazione del colore e della tecnica della pennellata. Ad esempio, in Polenov - e non solo in lui - non c'è quasi nessuna differenza tra uno schizzo e un dipinto. Gli studenti di Savrasov, e poi di Levitan, che sostituì Savrasov nella direzione della classe di paesaggio della Scuola di Mosca, reagirono in modo impressionistico agli stati momentanei della natura, alla luce casuale e a un improvviso cambiamento del tempo - e questa nitidezza e la velocità di reazione si esprimevano nella rivelazione delle tecniche, nel modo in cui il processo di creazione di un'immagine e la volontà dell'artista di scegliere determinati mezzi espressivi diventavano chiari attraverso il motivo e sopra il motivo. Il paesaggio non è più completamente oggettivo, la personalità dell'autore rivendica la propria posizione indipendente, per ora in equilibrio con la specie data. Spettava a Levitan definire pienamente questa posizione.

6. Come si è concluso il secolo del paesaggio?

Isaac Levitan è considerato il creatore del “mood landscape”, cioè un artista che proietta in gran parte i propri sentimenti sulla natura. E in effetti, nelle opere di Levitan questo grado è elevato e la gamma delle emozioni è suonata su tutta la tastiera, dalla quieta tristezza alla gioia trionfante.

Chiudendo la storia del paesaggio russo del XIX secolo, Levitan sembra sintetizzare tutti i suoi movimenti, rivelandoli alla fine con tutta chiarezza. Nei suoi dipinti si possono trovare schizzi veloci e panorami epici scritti magistralmente. Era ugualmente abile sia nella tecnica impressionista di scolpire il volume con singoli tratti colorati (a volte superando la "norma" impressionista nel dettaglio delle trame) sia nel metodo post-impressionista dell'impasto di ampi strati di muratura colorata. Sapeva vedere angoli intimi, natura intima - ma scoprì anche l'amore per gli spazi aperti (forse così compensava il ricordo delle Zone di residenza - l'umiliante possibilità di essere sfrattato da Mosca come una spada di Damocle appesa sull’artista anche nel momento della fama, costringendolo per ben due volte ad una precipitosa fuga corporale dalla città).

Sulla pace eterna. Dipinto di Isaac Levitan. 1894Galleria statale Tretyakov

Chiamata serale, campana serale. Dipinto di Isaac Levitan. 1892Galleria statale Tretyakov

Le "vedute lontane" potrebbero essere associate sia a un sentimento di libertà dai colori patriottici ("Vento fresco. Volga"), sia ad esprimere una triste malinconia - come nel dipinto "Vladimirka", dove il drammatico ricordo del luogo (su questa strada dei detenuti conduceva ai convogli della Siberia) può essere letto senza ulteriori contorni nell'immagine stessa della strada, allentata dalla pioggia o da precedenti cortei, sotto un cielo cupo. E, infine, una sorta di scoperta di Levitan - elegie paesaggistiche di natura filosofica, dove la natura diventa motivo di riflessione sul cerchio dell'esistenza e sulla ricerca di un'armonia irraggiungibile: “A Quiet Abode”, “Above Eternal Peace”, “ Campane della sera”.

Probabilmente il suo ultimo dipinto, “Lago. Rus'” potrebbe appartenere a questa serie. È stato concepito come un'immagine olistica della natura russa Levitan avrebbe voluto chiamarlo “Rus”, ma scelse un’opzione più neutrale; il doppio nome è rimasto più tardi., però, è rimasto incompiuto e forse anche per questo unisce posizioni contraddittorie: il paesaggio russo nella sua eterna esistenza e la tecnica impressionista, attenta alle “cose fugaci”.

Lago. Rus. Dipinto di Isaac Levitan. 1899-1900 Museo statale russo

Non possiamo sapere se saremmo rimasti versione finale questa forza romantica del colore e della pennellata. Ma questo stato intermedio rivela una sintesi in un'unica immagine. Un panorama epico, una realtà naturale eterna e incrollabile, ma al suo interno tutto si muove: nuvole, vento, increspature, ombre e riflessi. I tratti ampi catturano ciò che non è diventato, ma ciò che sta diventando, cambiando, come se cercasse di tenere il passo. Da un lato la pienezza della fioritura estiva, la solenne tromba maggiore, dall'altro l'intensità della vita pronta al cambiamento. Estate 1900; Sta arrivando un nuovo secolo in cui la pittura di paesaggio - e non solo la pittura di paesaggio - avrà un aspetto completamente diverso.

Fonti

• Bohemskaja K. Storia dei generi. Scenario.
• Fedorov-Davydov A. A. Paesaggio russo dal XVIII all'inizio del XX secolo.

MK Klodt. Sui seminativi. 1871

Dipinto di paesaggi di artisti russi del XIX secolo

All'inizio degli anni venti dell'Ottocento Venetsianov si interessò ai problemi dell'illuminazione nella pittura. L’artista fu spinto a risolvere questi problemi dalla conoscenza nel 1820 del dipinto di F. Granet “ Vista interna Convento dei Cappuccini a Roma." Per più di un mese, ogni giorno, l'artista si è seduto davanti a lei all'Ermitage, comprendendo come si otteneva l'effetto dell'illusione nel dipinto. Successivamente, Venetsianov ha ricordato che tutti erano rimasti colpiti dalla sensazione della materialità degli oggetti.

Nel villaggio, Venetsianov dipinse due straordinari dipinti: "L'aia" (1821-1823) e "La mattina del proprietario terriero" (1823). Per la prima volta nella pittura russa, le immagini e la vita dei contadini furono trasmesse con impressionante autenticità. Per la prima volta, l'artista ha cercato di ricreare l'atmosfera dell'ambiente in cui operano le persone. Venetsianov fu forse uno dei primi a riconoscere nel dipinto una sintesi di generi. In futuro, una tale combinazione di generi diversi in un tutto diventerà il risultato più importante dipinti del 19° secolo secolo.
In "The Threshing Barn", come in "The Morning of the Landowner", la luce aiuta non solo a rivelare il rilievo degli oggetti - "animati" e "materiali", come diceva Venetsianov, ma, agendo in reale interazione con essi, serve come mezzo per incarnare contenuti figurativi. In “Il mattino del proprietario terriero” l’artista ha sentito la complessità del rapporto tra luce e colore, ma finora l’ha solo sentita. Il suo rapporto con il colore non va ancora oltre le idee tradizionali, almeno in considerazioni teoriche. Anche Vorobyov aveva opinioni simili. Ha spiegato ai suoi studenti: "Per vedere meglio la superiorità di un idealista su un naturalista, bisogna vedere le incisioni di Poussin e Ruizdael, quando entrambi appaiono davanti a noi senza vernice".

Questo atteggiamento nei confronti del colore era tradizionale e proveniva dai maestri del Rinascimento. Nella loro mente il colore occupava un posto intermedio tra la luce e l'ombra. Leonardo da Vinci sosteneva che la bellezza dei colori senza ombre porta fama agli artisti solo tra la folla ignorante. Questi giudizi non indicano affatto che gli artisti del Rinascimento fossero cattivi coloristi o persone poco osservanti. La presenza di riflessi è stata indicata da L.-B. Alberti, Leonardo appartiene famoso teorema sui riflessi. Ma la cosa principale per loro era identificare le qualità costanti della realtà. Questo atteggiamento nei confronti del mondo corrispondeva alle opinioni di quel tempo.
Nello stesso 1827, A.V. Tyranov dipinse un paesaggio estivo “Vista sul fiume Tosno vicino al villaggio di Nikolskoye”. L'immagine è stata creata come se fosse in tandem con "Russian Winter". La vista si apre dall'alta sponda e copre vaste distanze. Proprio come nel dipinto di Krylov, le persone qui non svolgono il ruolo di staff, ma formano un gruppo di genere. Entrambi i dipinti sono, come si suol dire, paesaggi puri.
Il destino di Tyranov è per molti versi vicino al destino di Krylov. Dipinse anche, aiutando il fratello maggiore, pittore di icone. Nel 1824, grazie agli sforzi di Venetsianov, arrivò a San Pietroburgo e un anno dopo ricevette aiuto dalla Società per l'incoraggiamento degli artisti. Il dipinto “Vista sul fiume Tosno vicino al villaggio di Nikolskoye” è stato creato da un ragazzo di diciannove anni che stava solo muovendo i primi passi nel padroneggiare le tecniche di pittura professionale. Sfortunatamente, l'esperienza di dedicarsi alla pittura di paesaggio non è stata sviluppata nel lavoro di entrambi gli artisti. Krylov morì quattro anni dopo durante un'epidemia di colera e Tyranov si dedicò ai generi "nelle stanze", alla pittura prospettica, dipinse con successo ritratti su commissione e guadagnò fama lungo la strada.
Nella seconda metà degli anni venti dell'Ottocento, il talento di Sylvester Shchedrin si rafforzò. Dopo il ciclo “Nuova Roma”, dipinge paesaggi pieni di vita, in cui riesce a trasmettere la naturale esistenza della natura su terrazze e verande. In questi paesaggi, Shchedrin abbandonò finalmente la tradizione della distribuzione delle figure da parte del personale. Le persone vivono in unità inestricabile con la natura, dandole un nuovo significato. Sviluppando coraggiosamente le conquiste dei suoi predecessori, Shchedrin ha poeticizzato la vita quotidiana del popolo italiano.
L'incarnazione di nuovi contenuti artistici, la novità dei compiti figurativi coinvolgono inevitabilmente l'artista nella ricerca di contenuti appropriati mezzi artistici. Nella prima metà degli anni venti dell’Ottocento Shchedrin superò la convenzione di una colorazione “museale” e abbandonò la costruzione dello spazio dietro le quinte. Passa a una cromia fredda e costruisce uno spazio con uno sviluppo graduale in profondità, rifiutando repoussoir e piani. Quando descrive grandi spazi, Shchedrin preferisce tali condizioni atmosferiche quando i piani distanti sono dipinti “con la nebbia”. Questo è stato un passo significativo nell'affrontare i problemi della pittura all'aria aperta, ma c'era molta strada da fare prima della pittura all'aria aperta.
Molto è stato scritto sulla pittura all’aria aperta. Molto spesso, l'aria aperta è associata all'immagine di un ambiente leggero, ma questo è solo uno dei suoi elementi. A. A. Fedorov-Davydov, analizzando il ciclo “Nuova Roma”, ha scritto: “Shchedrin non è interessato alla variabilità dell'illuminazione, ma al problema della luce e dell'aria che ha scoperto per la prima volta. Non trasmette le sue sensazioni, ma la realtà oggettiva e la cerca nella fedeltà dell'illuminazione e della trasmissione dell'aria ambientale. Il lavoro di Shchedrin e Levitan riunisce una certa visione democratica, ma è separato da un periodo di sviluppo dell'arte di mezzo secolo. Durante questo periodo ci fu una significativa espansione delle possibilità della pittura. Oltre a risolvere i problemi dell'ambiente luce-aria, si afferma il valore plastico cromatico degli stessi oggetti raffigurati.
Su questa base V. S. Turchin correla giustamente la pittura paesaggistica del romanticismo con il plein air: “Il romanticismo, avvicinandosi al plein air, ha voluto trovare ed esprimere la colorazione pittoresca dell'aria, ma questa è solo una parte del plein air, se il Lo stesso plein air è inteso come un certo sistema, che comprende il problema del “mezzo ottico”, dove tutto si riflette e si compenetra”.

C'erano osservazioni, ma non c'era conoscenza. F. Engels scrive nella “Dialettica della natura”: “Al nostro occhio non si aggiungono solo altri sensi, ma anche l’attività del nostro pensiero”. Newton pubblicò l'Ottica nel 1704. Riassumendo i risultati di molti anni di ricerca, è giunto alla conclusione che il fenomeno dei colori si verifica quando la normale luce bianca (sole) viene divisa. Qualche tempo prima, nel 1667, Robert Boyle, un famoso fisico, tentò di applicare la teoria ottica della luce alla teoria delle vernici, pubblicando a Londra il libro “Experiments and Reasonings Concerning Colors”, scritto originariamente per caso tra altri esperimenti ad un amico, e poi pubblicato come l'inizio della storia sperimentale delle vernici."
Innanzitutto, i paesaggisti prestavano attenzione ai problemi della costruzione dello spazio. Negli anni 1820-1830 molti artisti studiarono la prospettiva, tra cui Vorobiev e Venetsianov vanno menzionati per primi. L'impressione di naturalezza nel trasmettere lo spazio nelle loro opere assume un'importanza fondamentale. Prima che Vorobyov partisse per il Medio Oriente, il presidente dell'Accademia delle arti A. N. Olenin gli consegnò una lunga "istruzione" datata 14 marzo 1820. Tra le altre istruzioni pratiche si legge quanto segue: “Inizierai sicuramente ad evitare tutto ciò che un talento mediocre è talvolta costretto a inventare per dare più potere alle opere d'arte. Dico questo dei repoussoir che esistono solo nell'immaginazione, e non nella natura, e sono usati dai pittori che non sanno rappresentare la natura così com'è, con quella sorprendente verità che, secondo me, rende affascinanti le opere d'arte. " Olenin ha più volte affermato l'idea di unire l'opera d'arte e la natura. Nel 1831, ad esempio, scriveva: “Se la scelta di un oggetto in natura è fatta con gusto (un sentimento che è difficile definire come il più elegante nelle arti), allora, io dico, l'oggetto sarà elegante”. a modo suo, secondo la vera espressione della natura stessa." Il gusto è una categoria romantica, e trovare l'elegante nella natura stessa, senza introdurlo dall'esterno, è un pensiero che contiene una critica al concetto classicista di imitazione.

Negli anni 1820-1830, tra le mura dell'Accademia delle Arti, l'atteggiamento nei confronti del lavoro dalla vita era più positivo che negativo. F. G. Solntsev, che si diplomò al corso di ritratto nel 1824, ricordò che il Salvatore sulla croce veniva solitamente dipinto da un soggetto: "Dopo 5 minuti, il soggetto cominciò a impallidire e poi lo tolsero, già esausto". Dopo il 1830, al capo della classe di paesaggio, Vorobyov, furono concessi gli stessi diritti dei professori pittura storica e agli studenti del corso di paesaggio è stato permesso di sostituire le lezioni di disegno in classe con lavori sul posto.
Tutto ciò parla di alcuni processi che si svolgono nel sistema didattico dell'Accademia delle arti.
Ad esempio, V.I. Grigorovich scrisse nell'articolo “Scienze e arti” (1823): “Una caratteristica distintiva belle arti consiste nel rappresentare tutto ciò che è aggraziato e piacevole”. E inoltre: "Un ritratto di una persona, dipinto dal vero, è un'immagine, e un quadro storico, organizzato ed eseguito secondo le regole del gusto, è un'imitazione". Se consideriamo che un paesaggio “dovrebbe essere un ritratto”, allora anche il paesaggio dovrebbe essere considerato un’immagine, e non un’imitazione. Questa posizione, formulata da Grigorovich in relazione al ritratto, non si discosta dai pensieri di I. F. Urvanov sul paesaggio, esposti nel trattato “ Guida veloce alla conoscenza del disegno e della pittura di tipo storico, basati su speculazioni ed esperimenti" (1793): "L'arte del paesaggio consiste nella capacità di riunire in una visione più oggetti di un luogo e di disegnarli correttamente per dare piacere allo sguardo occhio e sì che quelli che guardavano tale vista immaginavano di vederlo di persona”. Pertanto, la teoria classicista russa, in un certo senso, richiedeva che i paesaggi e i ritratti somigliassero alla natura. Ciò spiega in parte la vicinanza senza conflitti del classicismo con le ricerche romantiche nei generi del paesaggio e del ritratto. Nell'arte romantica, la questione su come ottenere questa somiglianza era solo più acuta. Il sentimento della natura, colorato dall'atteggiamento umano, si è manifestato nell'opera del fondatore della pittura paesaggistica russa, Semyon Shchedrin. Sebbene le vedute di Gatchina, Pavlovsk, Peterhof, dipinte da lui, portino le caratteristiche di una certa composizione, sono intrise di un sentimento di un rapporto molto definito con la natura.

Nel necrologio di Semyon Shchedrin, I. A. Akimov ha scritto: "Ha dipinto la prima pittura di fondo dei suoi dipinti, in particolare l'aria e la distanza, con grande abilità e successo, il che era desiderabile in modo che la stessa durezza e arte fossero preservate durante la finitura". Più tardi, Sylvester Shchedrin, nei dipinti del maestro del paesaggio classico F. M. Matveev, notò il "vantaggio più importante", che "consiste nell'arte di dipingere piani a lungo raggio".
Alla fine degli anni venti dell'Ottocento, Shchedrin si dedicò alla rappresentazione di paesaggi con la luna. A prima vista, questo può sembrare un appello ai tradizionali motivi romantici. I romantici adoravano la “languida storia della notte”.
Verso la metà degli anni venti dell'Ottocento molti accessori romantici nella poesia erano diventati un modello, mentre nella pittura si stavano appena scoprendo le qualità figurative ed emotive del paesaggio, e in particolare la poetica della notte e della nebbia.
Shchedrin dipinse paesaggi notturni, senza lasciare il lavoro su altre vedute italiane. In questi anni realizza meravigliosi dipinti: “Terrazza in riva al mare” e “Passeggiata di Mergellina a Napoli” (1827), vedute di Vico e Sorrento. Non è un caso che i paesaggi al chiaro di luna siano comparsi contemporaneamente alle famose terrazze. Sono diventati una naturale continuazione della ricerca immagine approfondita la natura, le sue molteplici connessioni con l’uomo. Questo legame si avverte non solo grazie alle persone che Shchedrin spesso e volentieri include nei suoi paesaggi, ma è arricchito anche dai sentimenti dell'artista stesso, che animano ogni tela.

Molto spesso nei paesaggi notturni Shchedrin utilizza la doppia illuminazione. Il dipinto “Napoli in una notte di luna” (1829), conosciuto in diverse versioni, ha anche due fonti di luce: la luna e il fuoco. In questi casi, la luce stessa porta con sé diverse possibilità coloristiche: luce più fredda proveniente dalla luna e più calda proveniente dal fuoco, mentre il colore locale è notevolmente indebolito poiché avviene di notte. L'immagine di due sorgenti luminose ha attratto molti artisti. Questo motivo è stato sviluppato da A. A. Ivanov nell'acquerello “Ave Maria” (1839), I. K. Aivazovsky nel dipinto “Moonlit Night” (1849), K. I. Rabus nel dipinto “Spassky Gate a Mosca” (1854). Nella risoluzione dei problemi pittorici, il motivo della doppia illuminazione ha posto l'artista di fronte al problema del rapporto diretto tra la luce e il mondo oggettivo.
Tuttavia, per realizzare appieno tutta la ricchezza immagine a colori il mondo, la sua bellezza immediata, i paesaggisti dovettero lasciare le loro botteghe per andare all'aria aperta. Dopo Venetsianov, Krylov fu uno dei primi a fare un simile tentativo nella pittura russa, lavorando al dipinto “Paesaggio invernale” (Inverno russo). Tuttavia, è improbabile che il giovane artista fosse pienamente consapevole del compito che lo attendeva.
Le scoperte più importanti nel genere paesaggistico furono segnate negli anni Trenta dell'Ottocento. Gli artisti si sono sempre più rivolti a motivi quotidiani. Così, nel 1832, M. I. Lebedev e I. D. Skorikov ricevettero medaglie d'argento dall'Accademia delle arti per i dipinti dell'isola Petrovsky, l'anno successivo Lebedev per il dipinto “Vista nelle vicinanze del lago Ladoga” e Skorikov per l'opera “Vista a Pargolovo dal Parco Shuvalovsky" ha ricevuto medaglie d'oro. Nel 1834 ricevettero medaglie d'oro anche A. Ya. Nel 1838, K.V. Krugovikhin ricevette una medaglia d'argento per il dipinto "Notte". Gli studenti di Vorobyov scrivono Pargolovo (dove si trovava la dacia di Vorobyov), i dintorni di Oranienbaum e il Lago Ladoga, l'isola Petrovsky. I programmi di saggio non vengono più offerti ai concorrenti. Gli argomenti vengono scelti da loro in modo indipendente. I campioni per la copia includevano dipinti di Sylvester Shchedrin.

Anche Vorobyov, che ha tenuto un corso di pittura di paesaggio all'Accademia delle arti, continua a lavorare sulla rivelazione del contenuto emotivo e della natura. Sceglie soggetti nello spirito della poetica romantica, associati a un certo stato di atmosfera o illuminazione, ma rimane estraneo all'introduzione nel paesaggio di tratti di meditazione filosofica. L’atmosfera del paesaggio “Tramonto nelle vicinanze di San Pietroburgo” (1832) è creata dalla giustapposizione dello spazio luminoso del cielo settentrionale e del suo riflesso nell’acqua. La sagoma chiara di una scialuppa tirata a riva sottolinea la distanza sconfinata in cui l'elemento acqua si fonde impercettibilmente con “l'aria”. Il paesaggio raffigurante una barca in piedi sulla riva ha un'intonazione poetica: separata dall'elemento acqua, la barca sembra diventare una metafora elegiaca di un viaggio interrotto, simbolo di alcuni speranze non realizzate e intenzioni. Questo motivo si diffuse nella pittura dell'era romantica.
Il paesaggio, che mira a studiare la natura delle condizioni atmosferiche, ha sempre attratto Vorobyov. Per molti anni tenne un diario delle osservazioni meteorologiche. A metà degli anni Trenta dell'Ottocento realizzò una serie di vedute del nuovo molo davanti all'Accademia delle Arti, significative per il suo valore artistico, decorate con sfingi portate dall'antica Tebe. Vorobyov l'ha ritratta tempo diverso giorno e anno.
Il dipinto “L'argine della Neva vicino all'Accademia delle arti” (1835) si basa sul motivo di una mattina di inizio estate. notte Bianca si allontana impercettibilmente e la luce del sole basso, come a contatto con l'aria sopra la Neva, conferisce al paesaggio un'atmosfera di leggerezza. Le lavandaie sciacquano i vestiti sulle zattere al molo. La vicinanza delle antiche sfingi a questa scena prosaica testimonia la freschezza della visione dell’artista dei fenomeni della vita. Vorobyov rimuove deliberatamente la rappresentatività dal carattere dell'immagine, sottolineando la bellezza della naturalezza dell'esistenza. Pertanto, l'attenzione principale è focalizzata sulla soluzione coloristica del paesaggio, sull'espressione di uno stato d'animo unico, ma molto specifico.

A metà degli anni Trenta dell'Ottocento, Vorobyov era all'apice della sua fama, eppure, dopo una serie di vedute del molo con le sfingi, quasi abbandonò il lavoro sui paesaggi di San Pietroburgo - scrisse principalmente opere su commissione che documentavano le fasi di costruzione di La Cattedrale di Sant'Isacco, una veduta di Costantinopoli e per lui una veduta della Neva in una notte d'estate. Dal 1838 al 1842, oltre all'ordine ufficiale “Innalzare colonne sulla cattedrale di Sant'Isacco”, Vorobiev dipinse esclusivamente vedute di Pargolov. Ciò indica che il venerando artista sentiva il bisogno di approfondire le proprie conoscenze lavorando sul posto. Sfortunatamente, i risultati di queste osservazioni non si sono riflessi nel suo lavoro. Nel 1842, sotto l'impressione della morte di sua moglie, Vorobyov dipinse il dipinto simbolico "Una quercia spezzata da un fulmine". Questo dipinto è rimasto l'unico esempio di romanticismo simbolico nella sua opera.
Tra i diplomati del laboratorio di paesaggio, le medaglie d'oro M.I. Lebedev e I.K. Aivazovsky hanno svolto un ruolo significativo nello sviluppo della pittura russa; V.I. Sternberg, morto a ventisette anni, sei anni dopo essersi diplomato all'Accademia delle arti, ha mostrato grande Speranza.
Lebedev, senza dubbio, sarebbe diventato uno dei più importanti paesaggisti del suo tempo. Iscritto all'Accademia delle Arti all'età di diciotto anni, entro sei mesi ricevette una piccola medaglia d'oro e l'anno successivo una grande. Già durante questo periodo Lebedev osservava attentamente la natura e le persone. Il paesaggio “Vasilkovo” (1833) contiene una certa atmosfera della natura e trasmette una sensazione di spaziosità. La piccola tela “In Windy Weather” (1830) è dotata di quelle qualità che sarebbero poi diventate fondamentali nel lavoro dell’artista. Lebedev non è interessato a rappresentare un certo panorama, ma a trasmettere la sensazione di maltempo, una folata di vento tempestoso. Raffigura squarci tra le nuvole e il volo di uccelli disturbati. Gli alberi piegati dal vento sono dati come massa generalizzata. Il primo piano è scritto in impasto, con tratti energici.

In Italia, Lebedev si è dimostrato un colorista eccezionale e un attento ricercatore della natura. Dall'Italia scrive: “Ho cercato per quanto ho potuto di copiare la natura, prestando attenzione ai commenti che mi facevi sempre: distanza, luce del cielo, sollievo - per smentire i tuoi modi piacevoli e stupidi. Claude Lorrain, Ruisdael, gli esempi rimarranno eterni.
Lebedev era decisamente concentrato nel lavorare dalla vita, non solo nella fase degli schizzi, ma anche nel processo di creazione dei dipinti stessi. Negli anni Trenta dell’Ottocento, la pittura di paesaggio ampliò la gamma dei suoi soggetti e il senso della natura degli artisti si approfondì. Non solo gli eventi del mondo naturale: tramonto, alba, vento, tempesta e simili, ma anche le condizioni quotidiane attirano sempre più l'attenzione dei pittori di paesaggi.
Nell’estratto sopra della lettera si avverte chiaramente lo sguardo intrinseco di Lebedev alla natura e la spontaneità nella sua percezione. I suoi paesaggi sono molto più vicini allo spettatore e raramente coprono ampi spazi. L'artista vede il suo compito creativo nel chiarire la struttura dello spazio, lo stato dell'illuminazione, la loro connessione con il volume del soggetto: "distanza, luce del cielo, rilievo". Questo giudizio di Lebedev risale all'autunno del 1835, quando scrisse “Ariccia”.
Come artista, Lebedev si è sviluppato molto rapidamente ed è difficile immaginare quale successo avrebbe potuto ottenere se non fosse stato per la sua morte prematura. Nei suoi dipinti, ha seguito il percorso della complicazione dei compiti coloristici, dell’armonia dei colori della natura e non ha evitato di dipingere soggetti al “sole aperto”. Lebedev dipingeva con più libertà e audacia di Vorobyov; apparteneva già a una nuova generazione di pittori.

Anche un altro famoso allievo di Vorobyov, Aivazovsky, si sforzò di dipingere dal vero fin dal suo apprendistato. Considerava Sylvester Shchedrin un modello per se stesso. Come studente all'Accademia, fece una copia del dipinto di Shchedrin “Veduta di Amalfi vicino a Napoli”, e quando arrivò in Italia, iniziò due volte a dipingere dalla vita a Sorrento e Amalfi motivi a lui noti dai dipinti di Shchedrin, ma senza molto successo.
Aivazovsky ha basato il suo atteggiamento nei confronti della natura sulla poetica paesaggio romantico. Ma va notato che Aivazovsky aveva un'acuta memoria dei colori e la riempiva costantemente con osservazioni della natura. Il famoso pittore di marine, forse più degli altri studenti di Vorobyov, era vicino al suo maestro. Ma i tempi sono cambiati e se le opere di Vorobyov meritavano elogi costanti in tutte le recensioni, allora Aivazovsky, insieme agli elogi, ha ricevuto anche rimproveri.
Pur ammettendo effetti nella pittura, Gogol non li accetta affatto in letteratura. Ma anche nella pittura il processo di passaggio dagli effetti esterni alla rappresentazione degli stati quotidiani della natura è già iniziato.
VI Sternberg ha lavorato contemporaneamente a Lebedev. Si diplomò nella classe di paesaggio dell'Accademia delle arti nel 1838 con una grande medaglia d'oro per il dipinto “Illuminazione dei giardini di Pasqua in un piccolo villaggio russo”, non composto, ma dipinto dal vero. Sebbene Sternberg abbia dipinto una serie di paesaggi interessanti, nel suo lavoro ha sentito una forte attrazione verso la pittura di genere. Già dentro lavoro di concorrenza ha collegato il paesaggio con pittura di genere. Tale sincretismo lo avvicina sia alla tradizione veneziana che ai problemi risolti nella pittura russa nella seconda metà dell'Ottocento.

Un piccolo schizzo dipinto estremamente attraente di Sternberg “A Kachanovka, la tenuta di G. S. Tarnovsky”. Raffigura il compositore M. I. Glinka, lo storico N. A. Markevich, il proprietario di Kachanovka G. S. Tarnovsky e l'artista stesso al suo cavalletto. Questo composizione di genere“In the Rooms” è scritto in modo libero e vivido, la luce e i colori sono trasmessi in modo netto e convincente. Fuori dalla finestra si apre uno spazio enorme. Nelle sue opere finite, Sternberg è più sobrio; rivelano solo il dono intrinseco dell’artista di visione generalizzata e talento come colorista.
Tra i tanti problemi che erano al centro dell'attenzione di Alexander Ivanov, un posto importante era occupato dalle questioni del rapporto tra i generi, dalle nuove scoperte delle possibilità coloristiche della pittura e, infine, dal metodo stesso di lavorare su un dipinto . Gli schizzi di paesaggi di Alexander Ivanov furono la scoperta del plein air per la pittura russa. Intorno al 1840 Ivanov si rese conto della dipendenza del colore degli oggetti e dello spazio dalla luce solare. Gli acquerelli di paesaggi di questo periodo e gli studi ad olio per “L’apparizione del Messia” testimoniano la grande attenzione dell’artista al colore. Ivanov copiò moltissimo e diligentemente gli antichi maestri e, presumibilmente, allo stesso tempo sentì ancora più chiaramente la differenza nella visione del mondo del Rinascimento e del XIX secolo. La conseguenza naturale di tale conclusione potrebbe essere solo uno studio approfondito della natura. Nell'opera di Alexander Ivanov, l'evoluzione che la pittura russa ha attraversato dal sistema classicista alle conquiste plein air ha trovato un completamento pratico. Ivanov ha esplorato le relazioni dialettiche tra luce e colore in numerosi studi realizzati dal vero, concentrandosi ogni volta su un compito specifico. Nella prima metà del XIX secolo, tale lavoro richiedeva sforzi titanici da parte dell'artista. Tuttavia, Alexander Ivanov risolse quasi l'intero complesso di problemi associati alla pittura all'aria aperta negli schizzi degli anni Quaranta dell'Ottocento. Nessuno dei suoi contemporanei ha risolto tali problemi con tanta coerenza. Ivanov ha esplorato i rapporti cromatici tra terra, pietre e acqua, il corpo nudo sullo sfondo della terra e, in altri schizzi, sullo sfondo del cielo e del vasto spazio, il rapporto tra il verde dei piani vicini e lontani e il Piace. Il tempo negli studi paesaggistici di Ivanov assume un significato specifico: non è il tempo in generale, ma un tempo specifico, caratterizzato da una data illuminazione.

Il metodo di lavoro di Ivanov non era chiaro a tutti i suoi contemporanei. Anche nel 1876 Jordan, scrivendo le sue memorie, probabilmente non capì appieno che Ivanov era impegnato a studiare un nuovo metodo per riprodurre la realtà e che il problema più urgente di questo metodo era lavorare all'aria aperta. La natura agli occhi di Ivanov aveva un valore estetico oggettivo, che è una fonte di immagini più profonde rispetto alle associazioni laterali e alle allegorie inverosimili.
Gli artisti romantici, di regola, non si proponevano di riprodurre la natura in tutta la diversità della sua esistenza oggettiva. Come vediamo nell’esempio dell’opera di Vorobyov, il materiale preparatorio dalla natura era limitato a disegni a matita, acquerelli neri o seppia, in cui venivano fornite solo le caratteristiche tonali del paesaggio. A volte uno schizzo a grandezza naturale era un disegno, leggermente colorato con l'acquerello per determinare le relazioni caldo-freddo. Colore caratteristico il paesaggio agli occhi dei romantici, e questo corrispondeva alla tradizione pittorica classicista, doveva essere determinato come conseguenza di ricerche coloristiche generali. I romantici erano limitati principalmente dal fatto che il focus della loro attenzione rimaneva sulle relazioni dai toni chiari. È così che Vorobyov vedeva la natura, ed è così che ha insegnato ai suoi animali domestici a vedere la natura. Per la prima metà del XIX secolo tale visione era del tutto naturale, perché santificata dalla tradizione.
A metà degli anni 1850, il giovane A.K. Savrasov concentrò le sue ricerche su un metodo di lavoro simile. Era vicino alla scuola di Vorobyov grazie al suo insegnante Rabus, che studiò con Vorobyov. Nel 1848 Savrasov copiò Aivazovsky e si interessò alle opere di Lebedev e Sternberg. La direzione nella pittura di paesaggio, iniziata da Sylvester Shchedrin e continuata da Lebedev, si diffuse entro la metà del XIX secolo. A quel tempo, il romanticismo teoricamente completo, ma praticamente limitato, non poteva più mantenere il suo ruolo di movimento leader nell'arte.

Le basi gettate dai romantici erano forti, ma l'atteggiamento dei romantici nei confronti della natura richiedeva una certa evoluzione. Uno degli artisti che svilupparono le idee di Venetsianov sul primato della natura fu G. V. Soroka. Nel paesaggio invernale “Latrina a Ostrovki” (prima metà degli anni Quaranta dell’Ottocento), Soroka dipinge con sicurezza ombre colorate sulla neve. Questo artista di talento si distingueva per il suo amore per Colore bianco, includeva spesso persone vestite di bianco nei paesaggi e vedeva la capacità del colore acromatico di essere colorato a seconda dell'illuminazione. Il fatto che Soroka si sia posto consapevolmente obiettivi coloristici e abbia osservato attentamente i cambiamenti di colore è evidenziato dai paesaggi raffiguranti diversi momenti della giornata. Ad esempio, il dipinto “Veduta del Lago Moldino” (non oltre il 1847) rappresenta lo stato della natura nella luce del mattino. L'artista osserva ombre colorate e complessi giochi coloristici di luce sugli abiti bianchi dei contadini. Nel dipinto “Pescatori” (seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento), Soroka trasmette in modo molto accurato la doppia illuminazione: luce calda dal sole al tramonto e luce fredda dal cielo azzurro.
La sincerità dell'artista e il sottile senso della bellezza delle manifestazioni quotidiane della natura conferiscono alle opere di Soroka fascino e poesia.
Il lavoro di Sylvester Shchedrin, M. I. Lebedev, G. B. Soroka indica che la svolta di A. A. Ivanov a lavorare all’aria aperta non è stata un’impresa eccezionale di un solitario, ma una fase naturale nello sviluppo della pittura russa.
A San Pietroburgo, Ivanov ha esposto il dipinto insieme a schizzi preparatori. Era un periodo in cui il lavoro pluriennale di Ivanov, che ha creato, come ha detto lo stesso artista, una “scuola”, non poteva ancora essere pienamente apprezzato da tutti. L’esempio di Ivanov è stato difficile, soprattutto dopo i “sette anni bui”, quando tutto ciò che andava oltre i confini del sistema generalmente accettato veniva perseguitato. La pittura di paesaggio non ha fatto eccezione. Secondo B.F. Egorov, la censura ha cancellato questo passaggio, "per paura di una comprensione teorica complessa della natura e della società - non si sa mai come si possa interpretare tale dialettica!"

Tra la fine degli anni Quaranta e Cinquanta dell'Ottocento, l'Accademia delle Arti, che era sotto la giurisdizione del Ministero della Casa Imperiale e con membri della famiglia reale come presidenti, si trasformò completamente in un'organizzazione burocratica. L'Accademia aveva il diritto di monopolio di assegnare medaglie d'argento e d'oro agli artisti che si esibivano programmi competitivi. I tentativi di ottenere tale diritto per la Scuola di pittura e scultura di Mosca furono fermamente respinti. Le tradizioni dell'arte accademica erano gelosamente custodite genere storico, in cui i soggetti storici venivano offerti ai concorrenti molto meno frequentemente rispetto ai soggetti mitologici o scritturali. Inoltre, è stato proposto che i dipinti fossero eseguiti secondo determinati standard: la trama era incarnata secondo regole di composizione predeterminate, le espressioni facciali e i gesti dei personaggi si distinguevano per l'espressione deliberata e la capacità di dipingere efficacemente tendaggi e tessuti era richiesto.
Nel frattempo, già a metà degli anni Quaranta dell'Ottocento, nella letteratura si dichiarò chiaramente la “scuola naturale”, che lottava per l'onore e la dignità dell'individuo. Durante questi anni, Belinsky ha sviluppato la sua visione della nazionalità nell'arte e si è avvicinato alla comprensione della nazionalità come un fenomeno che unisce il popolo, il nazionale e l'universale in un tutto. Le idee stanno maturando, alimentate dalla convinzione della necessità di trasformazioni sociali fondamentali in Russia. La svolta tra il 1850 e il 1860 aprì una nuova fase raznochinsky nella storia dell'intellighenzia russa.
Sotto la sua influenza fu sviluppato un certo programma estetico dell'arte russa. Le sue basi furono gettate da Belinsky e ulteriormente sviluppate nelle opere di N. G. Chernyshevsky e N. A. Dobrolyubov. La lotta è stata condotta per l'arte ideologica, per il suo contenuto estetico, che sarebbe inseparabile dagli ideali “morali e politici” democratici. Belinsky vedeva il compito principale della letteratura nel rappresentare la vita. Sviluppando le opinioni di Belinsky, Chernyshevskij nella sua famosa dissertazione ne definisce le caratteristiche principali arte democratica un po’ più ampio: riproduzione della vita, spiegazione della vita, giudizio sulla vita. Il “verdetto” richiedeva all'autore non solo una certa posizione civica e conoscenza della vita, ma anche un senso della prospettiva storica.
Nei destini della pittura paesaggistica russa della seconda metà del secolo, Savrasov giocò un ruolo speciale: non fu solo artista di talento, ma anche insegnante. Dal 1857, Savrasov diresse per venticinque anni il corso di pittura di paesaggio in una scuola di Mosca. Ha costantemente orientato i suoi studenti a lavorare dalla vita, ha chiesto loro di dipingere schizzi ad olio e ha insegnato loro a cercare la bellezza nel motivo più semplice.
Un nuovo atteggiamento nei confronti del paesaggio è incarnato nel dipinto di V. G. Schwartz “Il treno primaverile della zarina in pellegrinaggio sotto lo zar Alexei Mikhailovich” (1868). L'artista inserisce una scena storica di genere in un vasto paesaggio. Aivazovsky arrivò a una decisione simile nel quadro storico del 1848 nella tela “Briga Mercurio” dopo la vittoria su due navi turche incontrate dallo squadrone russo. La trama del film non era basata sull'immagine della battaglia, ma sulle azioni che la seguirono, svolgendosi sullo sfondo. Il paesaggio e l'evento rappresentato appaiono in un'unità indissolubile, che il quadro storico prima non conosceva.

Il paesaggio nella pittura russa sta gradualmente acquisendo sempre più importanza e le persone più perspicaci hanno intuito le modalità del suo ulteriore sviluppo.
Nel 1870 i processi interni che si svolgono nella pittura si intensificarono. Una delle manifestazioni più importanti delle nuove tendenze è stata la formazione dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti.
Lo impressionarono le opere portate da Repin e Vasiliev dal Volga forte impressione, e Polenov scrive alla sua famiglia: "Dobbiamo scrivere più schizzi dalla vita, paesaggi".
Durante un viaggio di pensionamento in Italia, Polenov osserva in particolare: "Le montagne nei dipinti e nelle fotografie non sono così impressionanti come nell'aria reale". A proposito della pittura di Guido Reni scrive: “La pittura di Guido Reni ci sembra solo una cruda selezione di colori, che non ha nulla a che vedere con la luce, l’aria o la materia”. Queste osservazioni non costituiscono ancora un programma definito, ma in esse si avverte la consapevolezza di nuovi modi di dipingere. Il giovane artista li vedeva nell'approfondimento delle possibilità pittoriche, in un dialogo sincero con la realtà.
All'inizio del 1874, entrato nella storia dell'arte con l'apertura della prima mostra degli impressionisti nello studio di Nadar in Boulevard des Capucines, l'esperto e perspicace Kramskoy, riflettendo sul destino della pittura russa, sui suoi compiti immediati, scrisse al giovane Repin: “Quanto siamo ancora lontani dalla realtà, quando secondo l’espressione figurata evangelica “le pietre parleranno”. Importante per Repin ultima frase, perché tradizionalmente il ruolo del disegno nella pittura russa è sempre stato alto. E l'artista era convinto che andando verso l'aria aperta non si dovesse perdere di vista il disegno.
Di ritorno dal suo viaggio di pensionamento, Polenov si stabilì a Mosca, dove creò eccellenti schizzi en plein air per il dipinto non realizzato “La tonsura della principessa senza valore” e il dipinto “Cortile di Mosca” (1878). Adiacente al “Cortile di Mosca” in termini di design figurativo e pittoresco si trova il dipinto “Il giardino della nonna” (1878). Polenov lo espose, insieme ad altre due opere, “I pescatori” e “L'estate” (entrambi del 1878), alla VII mostra dell'Associazione degli itineranti nel 1879.
Alla fine del 1881 Polenov si reca in Medio Oriente per raccogliere materiale per il dipinto. I suoi studi orientali e mediterranei si distinguono per audacia e maestria coloristica.
Dal 1882 Polenov sostituì Savrasov come insegnante presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Polenov influenzò ampiamente il lavoro dei suoi contemporanei, principalmente i paesaggisti I. I. Levitan, I. S. Ostroukhov, S. I. Svetoslavsky e altri.

All'inizio degli anni '70 dell'Ottocento, Shishkin continuò a lavorare. Padroneggiando l'arte della pittura, senza risparmiarsi, dipingeva molto dal vero, due o tre schizzi al giorno. Shishkin Kramskoy apprezzava molto la sua conoscenza della foresta.
L'immagine di una mattina nebbiosa, quando i raggi del sole appena penetrano tra le chiome degli alberi, divenne il motivo di uno dei dipinti più famosi di Shishkin, "Mattina in una foresta di pini" (1889). La foresta occupa l'intero spazio dell'immagine. Gli alberi sono dipinti grandi e su larga scala. Tra questi, gli orsi si stabilirono su un pino caduto. In questo approccio alla rappresentazione del paesaggio si può discernere qualcosa di romantico, MA QUESTA NON È UNA RIPETIZIONE DEL PASSATO ypOKOB non un'enfasi artificiale
il colore di stati naturali insoliti, ma una visione più acuta dei fenomeni naturali ordinari. Tutte queste leggende testimoniano quanto fosse insolito il dipinto di Kuindzhi per l’epoca.
La creatività di Kuindzhi si è evoluta rapidamente. In una certa misura, riflette le fasi di sviluppo attraversate dalla pittura di paesaggio contemporanea. Kuindzhi aveva un'acuta visione dei colori: i contrasti delle relazioni cromatiche e un raffinato senso delle gradazioni dei toni cromatici conferivano ai suoi dipinti una certa espressività. I dipinti dell’artista sono pieni del senso del potere vivificante della natura, dell’aria e della luce. Non è un caso che Repin abbia definito Kuindzhi un artista della luce. Motivi insignificanti - l'infinita steppa del deserto, un villaggio ucraino sconosciuto, illuminato dal sole o dalla luna al tramonto - divennero improvvisamente un centro di bellezza sotto il suo pennello.
Molti degli studenti di Kuindzhi hanno dato un contributo significativo allo sviluppo dell'arte russa. K. F. Bogaevskij, A. A. Rylov, V. Yu. Purvit, N. K. Roerich e altri artisti hanno mosso i primi passi nell'arte sotto la guida di un maestro.
In un momento in cui la fama di Kuindzhi raggiunse il suo apogeo, con il dipinto “Giorno d’autunno. Sokolniki" (1879) fece il suo debutto da I. I. Levitan. È stato acquisito da P. M. Tretyakov per la galleria. Levitan iniziò a scrivere il suo primo opere paesaggistiche sotto la guida di Savrasov alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Aveva il dono della generalizzazione, che può essere visto nel piccolo schizzo “Giorno d'autunno. Sokolniki". Attrae principalmente con la sua combinazione di colori. Ma non solo motivi autunnali, che ha permesso di trasmettere la sensazione di aria umida, interessato giovane artista. Negli anni successivi dipinse numerosi paesaggi soleggiati: "Oak" (1880), "Bridge" (1884), "The Last Snow" (1884). Levitan padroneggia le possibilità del colore che corrispondono agli stati della natura nei diversi periodi dell'anno e nei diversi momenti della giornata. Polenov, con il quale Levitan ha studiato per quasi due anni, ha attirato l’attenzione dell’artista sulla risoluzione dei problemi plein air. Ricordando le lezioni di Polenov alla Scuola di Mosca, Korovin scrisse: "Fu il primo a parlare di pittura pura, come è scritto, parlò della varietà di colori". Senza un senso del colore sviluppato, era impossibile trasmettere l'atmosfera e la bellezza del motivo paesaggistico. Senza la conoscenza dei risultati della pittura all'aria aperta e l'esperienza nell'uso delle possibilità del colore, era difficile trasmettere un senso diretto della natura. .

Nel 1886 Levitan fece un viaggio in Crimea. Una natura diversa, un'illuminazione diversa hanno permesso all'artista di percepire più chiaramente le peculiarità della natura della regione di Mosca, dove spesso dipingeva dal vero, e di approfondire le sue idee sulle possibilità della luce e del colore. Levitan è sempre stato guidato da un desiderio fuori dal suo controllo di trasmettere alle persone il suo amore per il vasto mondo che lo circonda. In una delle sue lettere, ha ammesso con amarezza la sua incapacità di trasmettere l'infinita bellezza dell'ambiente circostante, il segreto più intimo della natura.
Il vecchio Aivazovsky ha continuato a dipingere gli elementi del mare. Nel 1881 creò una delle sue opere migliori, "Il Mar Nero", che stupì gli spettatori con la potenza concentrata dell'immagine. Questo dipinto, secondo il primo piano, avrebbe dovuto rappresentare l'inizio di una tempesta sul Mar Nero, ma nel corso del lavoro Aivazovsky ha cambiato la soluzione tematica, creando un "ritratto" di un mare ribelle, su cui tempeste di vengono esercitate le forze di schiacciamento.
Un posto speciale è occupato dai dipinti di Aivazovsky, dipinti durante la guerra russo-turca del 1877-1878. Aivazovsky diventa un cronista eventi moderni avvenuto in mare. Ma se prima dipingeva le gesta gloriose dei velieri, ora sono state sostituite da immagini di navi a vapore.
Erano basati su alcuni eventi storici. E sebbene queste opere non siano essenzialmente paesaggi, potrebbero essere dipinte solo da un artista che conosce bene l'arte marina. Polenov fu anche sul teatro delle operazioni militari nel 1877-1878, ma dipinti di battaglia non ha scritto, limitandosi a schizzi a grandezza naturale raffiguranti la vita dell'esercito e l'appartamento principale. Alla mostra dell'Associazione degli itineranti, tenutasi nel 1878 a Mosca, Polenov espose solo opere di paesaggio.
Forti tendenze romantiche persistevano nell'opera del paesaggista L. F. Lagorio. Come Aivazovsky, ha dipinto il mare, ma le sue opere sono meno appassionate. Artista della vecchia generazione, Lagorio non poteva rifiutare le competenze e le tecniche acquisite durante gli anni di studio all'Accademia delle Arti con M. N. Vorobyov e B. P. Villevalde. I suoi dipinti spesso soffrono di abbondanza di dettagli e mancano di integrità artistica. Il colore non è tanto legato all’identificazione delle relazioni cromatiche reali quanto è decorativo. Questi erano echi degli effetti romantici della prima metà del XIX secolo. I dipinti di Lagorio sono eseguiti con abilità. Nei dipinti “Batum” (1881), “Alushta” (1889), raffigura coscienziosamente i porti del Mar Nero. Sfortunatamente, l’artista non riuscì a sviluppare quelle qualità pittoriche che si notano nelle opere degli anni Cinquanta dell’Ottocento. Nel 1891 Lagorio dipinse una serie di dipinti sugli eventi della guerra russo-turca del 1877-1878, ma queste opere sono completamente lontane dai problemi della moderna pittura di paesaggio.

L'ultimo decennio del XIX secolo fu segnato da nuove tendenze nella pittura. I giovani di ieri stanno ottenendo riconoscimenti. Nei concorsi della Society of Art Lovers, V. A. Serov ricevette il primo premio per il ritratto "La ragazza con le pesche" (1887), nel successivo concorso di genere ritratto di gruppo"At the Tea Table" (1888) il secondo "premio è stato ricevuto da K. A. Korovin (il primo premio non è stato assegnato), quindi il primo premio per il paesaggio "Sera" è stato ricevuto da I. I. Levitan, e il secondo - sempre da K. A. Korovin per il paesaggio "Autunno dorato". Polenov era caratterizzato da un accresciuto senso del colore, che utilizzava non solo come elemento decorativo, ma soprattutto come mezzo di impatto emotivo sullo spettatore.
Nel 1896 fu organizzata a Nizhny Novgorod l'Esposizione tutta russa di arte e industria. La giuria della mostra ha respinto i pannelli ordinati da Mamontov a Vrubel. Sconvolto, Vrubel si rifiutò di continuare a lavorare sui pannelli "Mikula Selyaninovich" e "Princess Dreams". Mamontov, che amava andare fino in fondo, ha trovato una via d'uscita. Decise di costruire un padiglione speciale ed esporre i pannelli come reperti: in questo caso non era necessaria l'autorizzazione della giuria d'arte. Ma qualcuno doveva finire il pannello, e quel qualcuno, su richiesta insistente di Mamontov, era Polenov. "Loro (i pannelli - V.P.) sono così talentuosi e interessanti che non ho potuto resistere", ha scritto Polenov. Con il consenso di Vrubel, Polenov completò il lavoro sul pannello insieme a Konstantin Korovin. Nella stessa mostra, Korovin e Serov hanno esposto molti bellissimi schizzi scritti dall'affascinante bellezza della natura settentrionale dell'allora sconosciuta regione di Murmansk, dove hanno viaggiato su richiesta di Mamontov. Tra i paesaggi settentrionali di Korovin, “Stream of St. Trifone in Pechenga" (1894), "Hammerfest. Aurora Boreale" (1894 - 1895). Il tema del Nord non è rimasto un episodio nell’opera di Korovin. A Nizhny Novgorod hanno esposto pannelli decorativi basati sulle loro impressioni dal viaggio. Korovin torna nuovamente sul tema del Nord in un ampio ciclo di pannelli decorativi realizzati per l'Esposizione Mondiale di Parigi del 1900. Per questi pannelli, che comprendevano anche motivi dell'Asia centrale, Korovin ricevette una medaglia d'argento. Il paesaggio ha avuto un ruolo significativo nel lavoro di Korovin. Una grande percezione del colore e una visione del mondo ottimistica erano caratteristiche dell'artista. Korovin era sempre alla ricerca di nuovi argomenti, amava scriverli in un modo che nessuno aveva mai scritto prima. Nel 1894 creò due paesaggi: “Inverno in Lapponia” e il paesaggio invernale russo “Inverno”. Nel primo paesaggio si avverte l'asprezza della natura della regione polare, la neve sconfinata, vincolata dal freddo. Il secondo raffigura un cavallo imbrigliato ad una slitta. Il cavaliere era lontano da qualche parte, e con questo Korovin sottolinea la breve durata dell'evento, la sua brevità. Dopo i paesaggi invernali, l'artista si rivolge a motivi estivi.
IN nei primi anni Korovin e Serov, di carattere diametralmente diverso, erano inseparabili, per questo nel circolo artistico di Abramtsevo venivano chiamati "Korov e Serovin". Quando Serov scrisse “La ragazza con le pesche”, aveva ventidue anni, ma aveva già preso lezioni di pittura da Repin e studiato all'Accademia delle arti nello studio di Chistyakov. Essendo un colorista sottile, Serov non poteva fare a meno di nutrire un interesse speciale per il genere del paesaggio, che era presente in un modo o nell'altro in molte delle sue opere. Repin, ricordando le lezioni con la bambina di nove anni Tonya (come venivano chiamati i parenti di Serov) a Parigi, scrisse: “Ammiravo l'Ercole emergente e l'arte. Sì, era la natura!
Da questi lavori è chiaro che gli anni Novanta furono un periodo di ricerca di nuove strade nello sviluppo della pittura. Non è un caso che Levitan e Shishkin abbiano creato i loro migliori paesaggi più o meno nello stesso periodo e che anche giovani artisti di talento abbiano lasciato il segno nell'arte.

Nel novembre 1891, due mostre personali opere di Repin e Shishkin. L'artista paesaggista Shishkin ha incluso nella mostra, oltre ai dipinti, circa seicento disegni che rappresentano il suo lavoro in quarant'anni. Inoltre, insieme ai dipinti, Repin ha esposto schizzi e disegni. Le mostre sembravano invitare lo spettatore a guardare nello studio degli artisti, per comprendere e sentire il lavoro del pensiero creativo dell’artista, solitamente nascosto allo spettatore. Nell'autunno del 1892, Shishkin espose schizzi estivi. Ciò ha confermato ancora una volta lo speciale ruolo artistico degli schizzi. C'è stato un periodo in cui lo schizzo e il dipinto si avvicinavano: lo schizzo si trasformava in un dipinto e talvolta il dipinto veniva dipinto come uno schizzo all'aria aperta. Lo studio attento della natura, l'uscita all'aria aperta per trasmettere la sensazione immediata di un momento passeggero nella vita della natura sono state una tappa importante nello sviluppo della pittura.
La soluzione a questo problema non era alla portata di tutti. All'inizio del 1892 si tenne a Mosca una mostra di Yu. Yu. Klever, un artista notevole ai suoi tempi, indimenticabile anche adesso. Lo spazio espositivo è stato decorato con alberi abbattuti e uccelli imbalsamati. Sembrava che l'intera foresta non rientrasse nei dipinti e continuasse nella realtà. È possibile immaginare i paesaggi di Levitan, Kuindzhi, Polenov o Shishkin circondati da questo panopticon forestale? Questi artisti si proponevano di trasmettere le proprietà non visive degli oggetti. Hanno percepito il paesaggio nell'interazione di sensazioni sensoriali e pensieri generalizzati sulla natura. B. Astafiev ha definito questa “visione intelligente”.
Un'immagine diversa, un diverso rapporto tra uomo e natura è presentato nel dipinto “Vladimirka” (1892). L'artista ha scritto il doloroso viaggio in Siberia non solo sotto l'impressione della strada di Vladimir. Ha ricordato le canzoni sulla dura vita nei lavori forzati, ascoltate in questi luoghi. La colorazione dell'immagine è severa e triste. Sottomettersi alla volontà creativa dell'artista non è solo triste, ma evoca un sentimento di forza interiore nascosta nella terra ampiamente diffusa. Il paesaggio “Vladimirka” con la sua intera struttura artistica incoraggia lo spettatore a pensare al destino delle persone, al loro futuro, diventa un paesaggio che contiene una generalizzazione storica.
“Above Eternal Peace” non è solo un dipinto di paesaggio filosofico. In esso Levitan ha voluto esprimere tutto il suo contenuto interiore, il mondo inquietante dell'artista. Questa intenzionalità del piano si rifletteva sia nella composizione dell'immagine che nella combinazione di colori: tutto è molto sobrio e laconico. L'ampio panorama paesaggistico conferisce all'immagine il suono di un'elevata drammaticità. Non è un caso che Levitan abbia associato l'idea del dipinto alla Sinfonia eroica di Beethoven. Il temporale in arrivo passerà e schiarirà gli orizzonti lontani. Questa idea viene letta costruzione compositiva dipinti. Il confronto tra il bozzetto e la versione finale del dipinto ci permette in una certa misura di immaginare il pensiero dell’artista. Il luogo della cappella e del cimitero è stato trovato immediatamente nell'angolo inferiore sinistro della tela, il punto di partenza della composizione. Inoltre, obbedendo al movimento stravagante della costa, che nello schizzo chiude lo spazio del lago all'interno della tela, il nostro sguardo è rivolto al lontano orizzonte. Un'altra caratteristica contraddistingue il disegno: gli alberi vicini alla cappella si proiettano con le cime sulla sponda opposta, e questo dà un certo significato all'intera composizione - un paragone equivalente nasce tra un cimitero abbandonato e la parte del lago chiusa dalla riva . Ma Levitan evidentemente non voleva questo paragone equivalente. Nella versione finale separa cappella e cimitero dal panorama generale del paesaggio, collocandoli su un promontorio proteso nel lago: ora il motivo cimiteriale diventa solo il punto di partenza della composizione, l'inizio della riflessione, poi la nostra attenzione passa alla contemplazione dello straripamento del lago, della sponda lontana e del movimento tempestoso delle nuvole sopra di loro.
In generale, la composizione non è un'immagine naturale. Nasce dalla fantasia dell'artista. Ma questa non è una costruzione astratta di una bella vista, ma una ricerca dell'immagine artistica più accurata. In questo lavoro, Levitan ha utilizzato la sua profonda conoscenza del paesaggio, schizzi eseguiti direttamente dalla vita. L'artista ha creato un paesaggio sintetico come era consuetudine nella pittura classica. Ma questo non è un ritorno: Levitan si è posto compiti completamente diversi, risolvendoli su principi pittorici diversi. Il famoso critico d'arte sovietico A. A. Fedorov-Davydov scrisse di questo paesaggio: “Quindi, la sua sintetica universalità è presentata come l'esistenza naturale della natura, e il contenuto “filosofico” non proviene dal paesaggista, come se fosse dato allo spettatore da la natura stessa. Qui, come in “Vladimirka”, Levitan evita volentieri ogni precedenza dell’idea sulla percezione figurativa, cioè ogni tipo di “illustratività”. Riflessione filosofica appare in una forma puramente emotiva, come vita naturale, come “stato” di natura, come “paesaggio degli stati d'animo”. Un giorno Levitan, che insegnava alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca dal 1898, suggerì a uno dei suoi studenti di rimuovere un cespuglio verde brillante dallo schizzo. Alla domanda: “Quindi è possibile correggere la natura?” Levitan ha risposto che la natura non dovrebbe essere corretta, ma piuttosto pensata.
Confronto ampio spazio il cielo e la grande distesa d'acqua hanno dato all'artista l'opportunità di utilizzare un'ampia gamma di colori e rapporti tonali. Spesso e con soddisfazione raffigurava la superficie dell'acqua.
Un ruolo importante nel tono figurativo epico di questi paesaggi è stato svolto dal lavoro dell’artista sullo scenario dell’opera “Khovanshchina” di M. P. Mussorgsky per il teatro di S. I. Mamontov. “Vecchia Mosca. Strada a Kitai-gorod inizio XVII secolo”, “All'alba alla porta della Resurrezione” (entrambi del 1900) e molte altre opere si distinguono per la rappresentazione veritiera del paesaggio, il che non sorprende, poiché il loro autore è un paesaggista. Per molti anni Vasnetsov ha insegnato pittura di paesaggio alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca.

Da tempo immemorabile, le persone hanno sempre ammirato la natura. Hanno espresso il loro amore raffigurandolo in tutti i tipi di mosaici, bassorilievi e dipinti. Molti grandi artisti hanno dedicato la loro creatività alla pittura di paesaggi. I dipinti raffiguranti foreste, mare, montagne, fiumi, campi sono davvero affascinanti. E dobbiamo rispettare i grandi maestri che in modo così dettagliato, colorato ed emotivo hanno trasmesso nelle loro opere tutta la bellezza e la potenza del mondo che ci circonda. Sono gli artisti del paesaggio e le loro biografie che saranno discussi in questo articolo. Oggi parleremo del lavoro di grandi pittori di tempi diversi.

Famosi paesaggisti del XVII secolo

Nel XVII secolo ne vivevano molti persone di talento che preferiva rappresentare la bellezza della natura. Alcuni dei più famosi sono Claude Lorrain e Jacob Isaac van Ruisdael. Inizieremo la nostra storia con loro.

Claudio Lorrain

L'artista francese è considerato il fondatore della pittura di paesaggio del periodo classico. Le sue tele si distinguono per l'incredibile armonia e la composizione ideale. Una caratteristica distintiva della tecnica di K. Lorrain era la capacità di trasmettere in modo impeccabile la luce solare, i suoi raggi, il riflesso nell'acqua, ecc.

Nonostante il maestro sia nato in Francia, maggior parte Trascorse la sua vita in Italia, dove partì quando aveva solo 13 anni. Tornò in patria solo una volta, e poi per due anni.

Più opere famose I dipinti di K. Lorrain sono “Veduta del Foro Romano” e “Veduta del porto con il Campidoglio”. Oggi possono essere visti al Louvre.

Jacob Isaac van Ruisdael

Jacob van Ruisdael, rappresentante del realismo, è nato in Olanda. Durante i suoi viaggi nei Paesi Bassi e in Germania, l'artista ha dipinto molte opere straordinarie, caratterizzate da forti contrasti di toni, colori drammatici e freddezza. Uno degli esempi eclatanti di tali dipinti può essere considerato il “Cimitero europeo”.

Tuttavia, la creatività dell'artista non si è limitata alle tele cupe, ma ha anche raffigurato paesaggi rurali. Le opere più famose sono considerate "Veduta del villaggio di Egmond" e "Paesaggio con mulino ad acqua".

XVIII secolo

Per dipinto XVIII Il secolo è caratterizzato da molte caratteristiche interessanti; durante questo periodo fu posto l'inizio di nuove direzioni nella forma d'arte citata. I paesaggisti veneziani, ad esempio, hanno lavorato in direzioni come il paesaggio (un altro nome è in testa) e l'architettonico (o urbano). E il paesaggio principale, a sua volta, era diviso in accurato e fantastico. Un rappresentante brillante L'ospite fantastico è Francesco Guardi. Anche i paesaggisti moderni possono invidiare la sua immaginazione e tecnica.

Francesco Guardi

Senza eccezioni, tutte le sue opere si distinguono per una prospettiva impeccabilmente accurata e una meravigliosa resa dei colori. I paesaggi hanno un fascino magico: è semplicemente impossibile distogliere lo sguardo da essi.

Tra le sue opere più deliziose ricordiamo i dipinti “La nave festiva del Doge “Bucintoro”, “Gondola in laguna”, “Cortile veneziano” e “Rio dei Mendicanti”. Tutti i suoi dipinti raffigurano vedute di Venezia.

William Turner

Questo artista è un rappresentante del romanticismo.

Una caratteristica distintiva dei suoi dipinti è l'uso di molte sfumature di giallo. È stata la tavolozza gialla a diventare la principale nelle sue opere. Il maestro lo spiegò dal fatto che associava tali sfumature al sole e alla purezza che voleva vedere nei suoi dipinti.

L'opera più bella e affascinante di Turner è il "Giardino delle Esperidi" - un paesaggio fantastico.

Ivan Aivazovsky e Ivan Shishkin

Questi due uomini sono davvero i pittori paesaggisti più grandi e famosi della Russia. Il primo - Ivan Konstantinovich Aivazovsky - raffigurava il maestoso mare nei suoi dipinti. Un tripudio di elementi, onde che si alzano, schizzi di schiuma che si infrangono contro il lato di una nave inclinata o una superficie tranquilla e serena illuminata dal sole al tramonto: i paesaggi marini deliziano e stupiscono con la loro naturalezza e bellezza. A proposito, questi pittori di paesaggi sono chiamati pittori marini. Il secondo, Ivan Ivanovich Shishkin, amava rappresentare la foresta.

Sia Shishkin che Aivazovsky erano artisti paesaggisti del XIX secolo. Soffermiamoci sulla biografia di questi individui in modo più dettagliato.

Nel 1817 nacque uno dei pittori marini più famosi al mondo, Ivan Aivazovsky.

È nato in una famiglia benestante, suo padre era un uomo d'affari armeno. Non sorprende che il futuro maestro avesse un debole per l'elemento marino. Dopotutto, il luogo di nascita di questo artista era Feodosia, una bellissima città portuale.

Nel 1839, Ivan si laureò dove studiò per sei anni. Allo stile dell'artista grande influenza influenzato dall'opera dei pittori marini francesi C. Vernet e C. Lorrain, che dipinsero le loro tele secondo i canoni del classicismo barocco. L'opera più famosa di I.K. Aivazovsky è considerata il dipinto "La nona onda", completato nel 1850.

Tranne paesaggi marini, il grande artista ha lavorato sull'immagine scene di battaglia (fulgido esempio- pittura " Lotta Chesme”, 1848), e dedicò molte delle sue tele anche a temi della storia armena (“Visita di J. G. Byron al monastero mechitarista vicino a Venezia”, 1880).

Aivazovsky ha avuto la fortuna di raggiungere un'incredibile fama durante la sua vita. Molti paesaggisti divenuti famosi in futuro ammirarono il suo lavoro e presero spunto da lui. Il grande creatore morì nel 1990.

Shishkin Ivan Ivanovich è nato nel gennaio 1832 nella città di Elabug. La famiglia in cui è cresciuto Vanja non era molto ricca (suo padre era un povero commerciante). Nel 1852, Shishkin iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, dalla quale si diplomò quattro anni dopo, nel 1856. Anche le prime opere di Ivan Ivanovich si distinguono per la loro straordinaria bellezza e la tecnica insuperabile. Pertanto, non sorprende che nel 1865 I. I. Shishkin ricevette il titolo di accademico per la tela “Vista nelle vicinanze di Dusseldorf”. E dopo otto anni ha ricevuto il titolo di professore.

Come molti altri, dipingeva dal vero, trascorrendo molto tempo nella natura, in luoghi dove nessuno poteva disturbarlo.

Maggior parte dipinti famosi grande pittore sono “Wilderness” e “Morning in pineta", scritto nel 1872, e un dipinto precedente "Mezzogiorno. Nelle vicinanze di Mosca" (1869)

La vita di un uomo di talento fu interrotta nella primavera del 1898.

Molti artisti paesaggisti russi utilizzano un gran numero di dettagli e una resa cromatica colorata quando dipingono le loro tele. Lo stesso si può dire di questi due rappresentanti della pittura russa.

Aleksej Savrasov

Alexey Kondratievich Savrasov è un paesaggista di fama mondiale. È lui che è considerato il fondatore del paesaggio lirico russo.

Questo è nato uomo eccezionale a Mosca nel 1830. Nel 1844, Alexey iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura e scultura di Mosca. Già dalla giovinezza si distinse per il suo talento speciale e la capacità di rappresentare paesaggi. Tuttavia, nonostante ciò, a causa delle circostanze familiari il giovane fu costretto ad interrompere gli studi e a riprenderli solo quattro anni dopo.

L'opera più famosa e amata di Savrasov è, ovviamente, il dipinto "The Rooks Have Arrived". Fu presentato alla Mostra Itinerante nel 1971. Non meno interessanti sono i dipinti di I. K. Savrasov “Rye”, “Thaw”, “Winter”, “Country Road”, “Rainbow”, “ Isola Losiny" Tuttavia, secondo i critici, nessuna delle opere dell’artista è paragonabile al suo capolavoro “The Rooks Have Arrived”.

Nonostante Savrasov abbia dipinto molte tele bellissime e sia già conosciuto come autore di dipinti meravigliosi, viene presto dimenticato per molto tempo. E nel 1897 morì in povertà, spinto alla disperazione da problemi familiari, dalla morte di bambini e dalla dipendenza dall'alcol.

Ma i grandi paesaggisti non possono essere dimenticati. Vivono nei loro dipinti, la cui bellezza è mozzafiato e che possiamo ammirare ancora oggi.

Seconda metà del XIX secolo

Questo periodo è caratterizzato dalla prevalenza nella pittura russa di una direzione come il paesaggio quotidiano. Molti artisti paesaggisti russi hanno lavorato in questo senso, tra cui Vladimir Egorovich Makovsky. Maestri non meno famosi di quei tempi sono Arseny Meshchersky, così come Aivazovsky e Shishkin precedentemente descritti, il cui lavoro risale alla metà della seconda metà del XIX secolo.

Arsenij Meshcherskij

Questo famoso artista è nato nel 1834 nella provincia di Tver. Ha ricevuto la sua formazione presso l'Accademia Imperiale delle Arti, dove ha studiato per tre anni. I temi principali dei dipinti dell’autore erano le foreste e l’Artista amava rappresentare nei suoi dipinti i magnifici panorami della Crimea e del Caucaso con le loro maestose montagne. Nel 1876 ricevette il titolo di professore di pittura di paesaggio.

I suoi dipinti più famosi e di maggior successo possono essere considerati i dipinti “Inverno. Rompighiaccio", "Veduta di Ginevra", "Tempesta nelle Alpi", "Al lago della foresta", "Paesaggio del sud", "Veduta in Crimea".

Inoltre, Meshchersky ha trasmesso anche la bellezza della Svizzera. In questo paese ha acquisito esperienza per qualche tempo dal maestro della pittura di paesaggio Kalam.

Il maestro amava anche il seppia e l'incisione. Ha anche creato molte opere meravigliose utilizzando queste tecniche.

Molti dipinti dell'artista in questione sono stati esposti in mostre sia in Russia che in altri paesi del mondo. Pertanto, molte persone sono riuscite ad apprezzare il talento e l'originalità di questa persona creativa. I dipinti di Arseny Meshchersky continuano a deliziare molte persone interessate all'arte fino ad oggi.

Makovsky Vladimir Egorovich

Makovsky V. E. è nato a Mosca nel 1846. Suo padre era un artista famoso. Vladimir ha deciso di seguire le orme di suo padre e ha ricevuto un'educazione artistica presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, dopo di che è partito per San Pietroburgo.

I suoi dipinti di maggior successo furono “Attesa. In prigione”, “Crollo bancario”, “Spiegazione”, “L'alloggio” e “Baccanali primaverili”. Le opere raffigurano principalmente persone comuni e scene di tutti i giorni.

Oltre ai paesaggi quotidiani, di cui era maestro, Makovsky dipinse anche ritratti e varie illustrazioni.

Siamo lieti di darvi il benvenuto nel blog sull'arte contemporanea. Oggi voglio parlare di pittura, a cui questo post è interamente dedicato paesaggi di artisti russi. In esso troverai di più informazioni complete sul lavoro di Alexander Afonin, Alexey Savchenko e Viktor Bykov. Tutti loro non sono solo individui di talento, ma dotati di doni divini. La loro creatività è poliedrica, originale e abile. Attirano l'attenzione non solo dei cittadini della terra russa, ma anche dei rappresentanti e dei collezionisti di paesi lontani. Scriverne brevemente è un compito piuttosto difficile, ma cercheremo di riassumere le informazioni per presentare ai vostri occhi solo le cose più interessanti e importanti della vita degli artisti e del loro lavoro. Bene, passiamo ai paesaggi degli artisti russi?

Paesaggi del vero artista russo Alexander Afonin

Alexander Afonin è definito un vero artista russo, un moderno Shishkin, il che è abbastanza giustificato. È membro della Federazione Internazionale degli Artisti UNESCO (1996) e dal 2004 gli è stato conferito il titolo di Artista Onorato della Federazione Russa. L'artista è nato nel 1966 a Kursk. Ha iniziato a disegnare all'età di 12 anni. Crescendo gradualmente giovanotto cominciò ad attrarre riproduzioni di capolavori mondiali della pittura. Padre Pavel è stato un supporto per Alexander, gli ha spiegato le basi del disegno e della tonalità. Imparando l'arte a casa, Afonin entrò alla Kursk Art School, dove si diplomò nel 1982.

Il periodo dal 1982 al 1986 diventa un punto di svolta per l'artista. vita successiva. Oltre al fatto che durante questo periodo Afonin ha ricevuto la sua istruzione presso la Zheleznogorsk Art School, è stato allora che ha imparato la professionalità. Oggi Alexander considera questa scuola una delle migliori in Russia.

Aleksandr Pavlovich Afonin preferisce dipingere paesaggi non da fotografie o in ufficio, ma dalla natura. L'artista sostiene che la copia dei paesaggi fotografici è un buon terreno fertile per il degrado, in particolare la perdita del senso di freschezza e del senso dell'aria. Non c'è da stupirsi che grandi maestri come Levitan, Savrasov, Kuindzhi abbiano camminato per chilometri alla ricerca della natura.

Grazie al suo talento e al suo duro lavoro, nel 1989 Afonin entrò all'Accademia russa di pittura, scultura e architettura, che a quel tempo stava appena iniziando la storia della sua esistenza. Alexander si diplomò alla scuola di specializzazione, divenne professore associato presso il dipartimento accademico di pittura e disegno e fu anche nominato capo di un laboratorio di paesaggio. Ora Alexander Pavlovich è già professore, capo del dipartimento e artista onorato della sua terra natale. L'artista ritiene che ogni angolo remoto della terra russa possa e debba essere catturato nel campo dell'arte alta.

I dipinti dell’autore sono così poetici e intrisi di freschezza che non vuoi nemmeno distogliere lo sguardo da una tela per guardarne un’altra. Ti auguriamo di ricevere un mare di emozioni positive guardando i paesaggi dell'artista russo.

Paesaggi naturali di diverse stagioni di Alexey Savchenko

Alexey Savchenko è un artista abbastanza giovane, ma già riconoscibile e molto promettente. Argomenti principali i suoi dipinti, realizzati grazie allo stile pittorico dello schizzo, mostrano piccole città, villaggi semi dimenticati, chiese sopravvissute, in una parola, l'entroterra della vasta Russia. Savchenko è specializzato in paesaggi naturali di diverse stagioni. Di norma, i suoi dipinti trasmettono la natura della zona centrale della Federazione Russa.

Paesaggi dell'artista russo Alexey Savchenko Lo prendono non per colore, ma per qualche capriccioso umore settentrionale. , massimo realismo dei colori - forse questo è ciò che è molto chiaramente visibile nei dipinti dell'autore.

Alexey Alexandrovich è nato nel 1975. Ha avuto la fortuna di nascere in un posto meraviglioso città storica Sergiev Posad, la perla dell '"Anello d'Oro", conosciuta principalmente come luogo di pellegrinaggio ortodosso di massa.

Nel 1997, Alexey ha conseguito la specialità di graphic designer, diplomandosi all'All-Russian College of Toys. Nel 2001 - Facoltà di Belle Arti e Artigianato Popolare presso l'Università Pedagogica di Mosca. Dal 2005 - membro dell'Unione creativa degli artisti russi. Partecipa costantemente a mostre di artisti professionisti. Molte delle sue opere sono tra collezionisti d'arte in Russia e all'estero.

“La foresta come se fosse viva” dell'artista russo Viktor Bykov

Viktor Aleksandrovich Bykov è un famoso paesaggista russo, autore di numerose opere direttamente legate alla bellezza e al lirismo della natura russa. L'artista è nato nel 1958. Ha iniziato a dipingere abbastanza presto. Nel 1980 si diploma al liceo artistico. Nel periodo dal 1988 al 1993, Viktor Bykov ha studiato alla famosa Stroganovka, che ora è chiamata Accademia statale delle arti e dell'industria di Mosca. S.G. Stroganov.

Oggi lo stile di pittura dell'autore è nei circoli arte contemporanea chiamato realismo naturalistico, in vecchi tempi del secolo scorso avrebbero detto “la foresta è come se fosse viva”. Colori intensi nelle tue mani artista esperto dare l'effetto desiderato di quadri viventi. Linee appena collegate, combinate con spessi strati di vernice strutturata applicati in una serie continua sulla tela, rendono i paesaggi originali dell’artista russo luminosi e ricchi di dettagli. Attraverso questa tecnica si ottiene una sensazione entusiasta della natura fantastica dei dipinti, della loro favolosa infinità.

I paesaggi nei dipinti dell'artista russo trasmettono un realismo incredibile, sembra che raccontino la natura della vita dei raggi del sole e, allo stesso tempo, muovano l'aria trasparente in enormi volumi. I dipinti dell’artista sono pieni di colori armoniosi, immagini fresche e l’atmosfera di Madre Natura.

Ammirevoli sono i suoi invernali, in cui sfumature finemente selezionate ricreano in modo assolutamente miracoloso vari stati naturali: dalla resistenza del gelo in primavera, alla freschezza cristallina di una mattina nevosa al misterioso silenzio di una sera di fine inverno. Il manto nevoso nei dipinti dell’artista fa percepire la struttura della neve, la granulosità dei suoi cristalli sottili.

Paesaggi dell'artista russo Viktor Bykov popolare sia in Patria nativa, e oltre (collezioni private in Francia e Germania). Le riproduzioni dell'artista vengono utilizzate nei disegni decorativi, anche quando si creano motivi per il ricamo. E chissà, forse ci imbattiamo molto più spesso nell’opera di Victor, distratti, in incognito, senza dargli molta importanza, o abbandonandoci mentalmente a sogni di paesaggi colorati della terra russa e i suoi artisti di talento.

Per completare il post, guarda un meraviglioso video sui paesaggi classici di artisti russi:

Dettagli Categoria: Generi e tipi di pittura Pubblicato il 30/11/2015 18:35 Visualizzazioni: 4170

La pittura di paesaggio in Russia si è sviluppata molto intensamente. È rappresentato da molti artisti meravigliosi, i cui dipinti sono capolavori mondiali della pittura di paesaggio.

Il genere paesaggistico in Russia si formò finalmente nel XVIII secolo. Il suo fondatore è considerato S.F. Shchedrin.

L'era del classicismo

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804)

Laureato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, S. Shchedrin divenne professore di pittura di paesaggio all'Accademia. Lavorò nello stile del classicismo accademico, che continuò a occupare una posizione dominante nell'arte russa della pittura di paesaggio e in inizio XIX V. Ha lavorato molto all'aria aperta. I suoi paesaggi si distinguono per l'espressività emotiva.
Le sue opere più famose sono vedute di parchi e palazzi di Pavlovsk, Gatchina e Peterhof.

S. Shchedrin “Vista del palazzo Gatchina dal lago d'argento” (1798)
F. Matveev e F. Alekseev hanno lavorato nello stesso stile.

Fëdor Michailovič Matveev (1758-1826)

Si è anche laureato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Ma il suo lavoro, a differenza del lavoro di S. Shchedrin, è dedicato principalmente ai paesaggi dell'Italia, dove visse per 47 anni e dove morì.
I suoi paesaggi si distinguono per facilità di esecuzione, accuratezza, colori caldi e un'abilità speciale nel rappresentare piani a lungo raggio.

F. Matveev “Ambienti vicino a Tivoli” (1819). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

Fëdor Yakovlevich Alekseev (1753/1755-1824)

F. Alekseev è uno dei fondatori del paesaggio urbano russo, il più grande maestro della veduta russa.
Si laureò all'Accademia delle Arti, si perfezionò a Venezia come artista teatrale, ma allo stesso tempo dipinse paesaggi. Successivamente abbandonò completamente il lavoro sulle scenografie teatrali e si dedicò al suo hobby preferito: la pittura di paesaggi. I suoi paesaggi urbani si distinguono per il lirismo e la sottigliezza dell'esecuzione.

F. Alekseev “Vista del castello Mikhailovsky a San Pietroburgo dalla Fontanka”. Museo Russo (San Pietroburgo)

Andrej Efimovič Martynov (1768-1826)

Pittore paesaggista russo. Laureato all'Accademia delle Arti. Visse a lungo a Roma, poi ritornò in Russia e divenne accademico di pittura. Viaggiò con l'ambasciata russa a Pechino e dipinse molte vedute delle zone siberiane e cinesi; poi visitò la Crimea e le rive del Volga, da dove prese in prestito anche soggetti per i suoi paesaggi. Fece un secondo viaggio in Italia e morì a Roma.

A. Martynov “Veduta del fiume Selenga in Siberia”

Epoca romantica

Durante questo periodo, gli artisti paesaggisti più eccezionali furono S. Shchedrin (1791-1830), V. Sadovnikov (1800-1879), M. Lebedev (1811-1837), G. Soroka (1823-1864) e A. Venetsianov ( 1780-1847).

Silvestro Feodosievich Shchedrin (1791-1830)

S. Shchedrin “Autoritratto” (1817)
Nato nella famiglia del famoso scultore F.F. Shchedrin. L'artista Semyon Shchedrin è suo zio. Fu ammesso all'Accademia delle Arti all'età di 9 anni.
I suoi primi dipinti furono dipinti nello stile del classicismo, fedeli alla natura, ma in essi lo stile individuale dell’artista non era ancora stato sviluppato.
Autore di paesaggi marini italiani.
Nei paesaggi degli anni 1828-30. C'è già un'euforia romantica, un desiderio di luci ed effetti cromatici complessi. I dipinti si distinguono per la loro drammaticità inquietante.

S. Shchedrin “Notte di luna a Napoli”

Grigory Vasilyevich Soroka (vero nome Vasiliev) (1823-1864)

G. Soroka “Autoritratto”

Pittore servo russo. Ha studiato pittura con A.G. Venetsianov ed è stato uno dei suoi studenti preferiti. Venetsianov chiese al proprietario terriero di dare a Grigory la libertà in modo che potesse continuare i suoi studi all'Accademia delle arti, ma non riuscì a raggiungere questo obiettivo: il proprietario terriero lo stava preparando a diventare giardiniere. Dopo la riforma contadina prese parte ai disordini contadini contro il proprietario terriero. Ha scritto denunce della comunità contadina contro il suo proprietario terriero, per le quali è stato arrestato per 3 giorni. Si ritiene che questo arresto sia stato il motivo del suicidio dell'artista.
Come la maggior parte degli artisti della scuola Venetsianov, G. Soroka dipinse paesaggi urbani e rurali, interni e nature morte. Le opere della scuola veneziana sono caratterizzate dalla spontaneità poetica della rappresentazione della vita circostante.

G. Soroka “Vista a Spassky” (seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento)

Aleksej Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

A. Venetsianov “Autoritratto” (1811)
È stato uno dei primi a mostrare il fascino della natura oscura della striscia della Russia centrale.
La famiglia Venetsianov proveniva dalla Grecia.
Le immagini dei contadini da lui dipinte portarono ad A.G. Venetsianov la massima fama. Ma in molti dei suoi dipinti c'è un paesaggio: l'artista sapeva perfettamente come trasmettere il chiaroscuro.
A. Venetsianov è autore di articoli teorici e note sulla pittura.

A. Venetsianov “Il pastore dormiente” (1823-1824)

Dipinto di paesaggio della seconda metà del XIX secolo

Nella seconda metà del XIX secolo. la pittura di paesaggio in Russia iniziò a svilupparsi in stili diversi: continuarono a dipingere stile romantico M. Vorobyov, I. Aivazovsky, L. Lagorio, A. Bogolyubov.
P. Sukhodolsky (1835-1903) ha lavorato con la tecnica seppia. Seppia– una tecnica di immagine comune nella pittura, nella grafica e nella fotografia. Letteralmente, la parola "seppia" si traduce come "seppia" - inizialmente, la vernice di questo colore per gli artisti veniva realizzata dalle sacche di inchiostro di seppie e calamari. Questo sacco aiuta i molluschi a nascondersi dai pericoli: rilascia colorante che si diffonde istantaneamente e rende migliaia di litri d'acqua completamente opachi al predatore. Attualmente esiste il seppia artificiale per gli artisti, ma viene utilizzato anche il seppia naturale, importato dallo Sri Lanka. Si ritiene che il seppia naturale abbia un colore più saturo e sia più resistente del seppia artificiale.

P. Sukhodolsky “Nel villaggio d'inverno” (1893)
Molti pittori iniziarono a lavorare stile realistico(I. Shishkin), forma fiabesca-poetica (V. Vasnetsov), nel genere epico (M. Klodt), ecc. È impossibile parlare del lavoro di tutti gli artisti di questo periodo, ci soffermeremo solo su alcuni nomi.

Fëdor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873)

F. Vasiliev “Autoritratto”

Pittore paesaggista russo morto giovanissimo, ma ha lasciato molti paesaggi meravigliosi.
Il suo dipinto “Il disgelo” è diventato subito un evento in russo vita artistica. La ripetizione del suo autore, con colori più caldi, fu mostrata all'Esposizione Mondiale del 1872 a Londra.

F. Vasiliev “Disgelo” (1871). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
PM Tretyakov acquistò il dipinto ancor prima dell'inizio della mostra. L'imperatore Alessandro III ordinò una ripetizione del dipinto, e questa particolare copia si trovava a Londra.

F. Vasiliev " Prato umido"(1872). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870-1905)

V. Borisov-Musatov “Autoritratto”

Questo artista dall'anima sorprendentemente pura gravitava verso immagini generalizzate, paesaggi colorati e decorativi.

V. Borisov-Musatov “Primavera” (1898-1901)
Sapeva come esprimere l'umore attraverso lo stato della natura. La primavera, con alberi in fiore e denti di leone “soffici”, immerge una persona in uno stato di luminosa gioia e speranza.

Boris Michailovič Kustodiev (1878-1927)

B. Kustodiev “Autoritratto” (1912)
B. Kustodiev è considerato un maestro della ritrattistica. Ma molte delle sue opere sono andate oltre questo quadro: si è rivolto al paesaggio. All'inizio del 1900, per diversi anni consecutivi, lavorò nella provincia di Kostroma e creò molti dipinti di vita quotidiana e genere paesaggistico. Attribuiva grande importanza alla linea, al motivo e alle macchie di colore.

B. Kustodiev “Maslenitsa” (1903). Museo statale russo (San Pietroburgo)
Nello stesso periodo si affermò finalmente il plein air nella pittura paesaggistica russa. Nell'ulteriore sviluppo del paesaggio ruolo vitale interpretato dall'impressionismo, che ha influenzato il lavoro di quasi tutti i pittori seri in Russia.

Aleksej Kondratievich Savrasov (1830-1897)

A. Savrasov (1870)
A.K. Savrasov divenne il fondatore del paesaggio lirico, riuscì a mostrare la bellezza e la tenerezza senza ostentazione della discreta natura russa.
A. Savrasov si è diplomato alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Il nome di Savrasov è stato reso famoso dalla sua opera “Vista del Cremlino dal ponte di Crimea in caso di maltempo”. Secondo lo storico dell'arte N.A. Ramazanov, l'artista “ha trasmesso... il momento in modo estremamente fedele e vitale. Vedi il movimento delle nuvole e senti il ​​rumore dei rami degli alberi e dell'erba sinuosa: sta per piovere.

A. Savrasov “Vista del Cremlino dal ponte di Crimea in caso di maltempo” (1851)
L'opera più famosa di A. Savrasov è il dipinto "The Rooks Have Arrived". Ma è diventato così iconico da eclissare tutti gli altri suoi meravigliosi paesaggi.
La vita dell’artista non fu molto felice e finì tragicamente. Il suo studente preferito Isaac Levitan ha scritto: “Con Savrasov sono apparsi il lirismo nella pittura di paesaggio e l'amore sconfinato per la sua terra natale.<...>e questo suo indubbio merito non sarà mai dimenticato nel campo dell’arte russa”. E il critico letterario I. Gronsky credeva che "Ci sono pochi Savrasov nella pittura russa... Savrasov è bravo con una sorta di intima percezione della natura, caratteristica solo di lui".

Michail Vassilievich Nesterov (1862-1942)

M. Nesterov “Autoritratto” (1915)
Anche M. Nesterov, uno studente di A. Savrasov, ha raffigurato la bellezza discreta della natura della Russia centrale. Ha creato un tipo di paesaggio unico, vicino nello spirito a I. Levitan: lirico, privo di vistosità e colori vivaci, intriso di amore per la Russia. Questo paesaggio in seguito ricevette il nome "Nesterovsky". I “personaggi” costanti del suo paesaggio sono le sottili betulle dal tronco bianco, gli abeti rachitici, il verde tenue della primavera o bosco autunnale, mazzi scarlatti di sorbo, salici con amenti ispidi, fiori appena percettibili, distese infinite, acque tranquille e immobili in cui si riflettono foreste ghiacciate. Un'altra caratteristica del paesaggio di Nesterov: la natura ispirata sulle sue tele si fonde sempre in armonia con l'umore lirico degli eroi ed entra in empatia con il loro destino.

M. Nesterov “Visione al giovane Bartolomeo”

Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841 o 1842-1910)

V. Vasnetsov “Ritratto di Kuindzhi” (1869)
Artista russo Origine greca. Era molto povero, guadagnava soldi come ritoccatore e fece tentativi infruttuosi di entrare all'Accademia delle arti. Solo al terzo tentativo divenne uno studente volontario presso l'Accademia Imperiale delle Arti. In questo periodo conobbe artisti itineranti, tra cui I. N. Kramskoy e I. E. Repin. Questa conoscenza ha avuto una grande influenza sul lavoro di Kuindzhi, gettando le basi per la sua percezione realistica della realtà.
Ma in seguito, l'Associazione degli Itineranti divenne per lui in gran parte restrittiva, limitando il suo talento entro confini rigidi, quindi ci fu una rottura con lui.
Kuindzhi era attratto dal pittoresco gioco di luce e aria. E questo, come già sappiamo, è un segno di impressionismo.

A. Kuindzhi “Notte al chiaro di luna sul Dnepr” (1880). Museo statale russo (San Pietroburgo)

A. Kuindzhi " Boschetto di betulle"(1879). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Altri notevoli pittori paesaggisti del XIX secolo: Vasily Polenov (1844-1927), Konstantin Korovin (1861-1939), Ilya Repin (1844-1930), Nikolai Ge (1831-1894), Valentin Serov (1865-1911), Kiriak Kostandi (1852-1921), Nikolai Dubovskoy (1859-1918), ecc. Questi sono artisti dell'impressionismo russo.
Il destino di molti di loro non fu facile a causa dell'atteggiamento negativo nei confronti dello “schizzo” iniziato negli anni '30; il loro lavoro cominciò a essere valutato con omissioni, evitando la caratterizzazione diretta del loro stile.
Diamo solo un'occhiata ai loro meravigliosi paesaggi.

V. Borisov-Musatov " Canzone d'autunno"(1905)

I. Repin “Che spazio!” (1903)

K. Korovin " Paesaggio autunnale"(1909)

La pittura di paesaggio nel XX secolo

Nella pittura di paesaggio del XX secolo. Si svilupparono tradizioni e tendenze stabilite nel XIX secolo: Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Igor Grabar (1871-1960), Konstantin Yuon (1875-1968) e altri artisti.

I. Grabar “March Snow” (1904)
Poi è iniziata la ricerca di nuovi mezzi espressivi per trasmettere il paesaggio. E qui dovrebbero essere menzionati i nomi degli artisti d'avanguardia Kazimir Malevich (1879-1935), Wassily Kandinsky (1866-1944), Natalia Goncharova (1881-1962).

K. Malevich “Paesaggio. Inverno" (1909)
Pavel Kuznetsov (1878-1968), Nikolai Krymov (1884-1958), Martiros Saryan (1880-1972) e altri hanno creato i loro paesaggi nello spirito del simbolismo.

P. Kuznetsov “Nella steppa. Miraggio" (1911)
Nell’era del metodo del realismo socialista, nuove forme, stili individuali e tecniche continuarono a svilupparsi. Tra gli artisti del paesaggio possiamo evidenziare Vasily Baksheev (1862-1958), Nikolai Krymov (1884-1958), Nikolai Romadin (1903-1987) e altri, che hanno sviluppato la linea lirica del paesaggio.

V. Baksheev " Primavera Blu"(1930). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Konstantin Bogaevskij (1872-1943), Alexander Samokhvalov (1894-1971) e altri lavorarono nel genere del paesaggio industriale.
Alexander Deineka (1899-1969), Georgy Nissky (1903-1987), Boris Ugarov (1922-1991), Oleg Loshakov (1936) lavorarono nello “stile severo” da loro sviluppato.

G. Nissky “La strada verde” (1959)
Il paesaggio è un tema eterno e un genere eterno, è inesauribile.

Artista contemporaneo A. Savchenko “Into the summer”