Ritratti di Michelangelo Caravaggio. Caravaggio: un grande artista e uno scandaloso ribelle. Andare verso l'obiettivo, qualunque cosa accada

28.06.2020

“Caravaggio capovolse tutte le idee su ciò che rende bella la pittura e su come dovrebbe comportarsi un artista”.

J.P. Bellori.

L'artista che ha inventato il movimento nella pittura europea rappresentato dai suoi seguaci Caravaggio, che esisteva negli anni 1610-40. Nato a Roma come alternativa accademismo fratelli Carracci. Il caravaggismo è caratterizzato dal democratismo degli ideali artistici, dall'interesse per la riproduzione diretta della natura, dalla drammatizzazione delle immagini utilizzando contrasti di luce e ombra, dal desiderio di trasmettere un senso di materialità tangibile degli oggetti, primi piani, monumentalizzazione di motivi di genere (scene con cartomanti, personaggi musicali, ecc.) e, al contrario, l'interpretazione quotidiana di soggetti religiosi e mitologici.

Secondo i biografi di Caravaggio, la sua innovazione, di cui scrivevano in modo così unanime e appassionato, consisteva principalmente nell'ignorare gli esempi classici dell'arte antica e rinascimentale, nel suo disprezzo per le autorità artistiche generalmente riconosciute e nel suo appello apparentemente completo e incondizionato alla "natura", come , Cos'è. "Ha fatto voto a se stesso di non fare un solo colpo tranne quello che è stato fatto dalla vita", dice Zandrart. Ma dobbiamo ricordare che lo studio dell'uomo e del mondo reale che lo circonda era la base della visione artistica del mondo dei maestri del Rinascimento italiano, per i quali la “natura” serviva anche come base del loro metodo creativo. Tuttavia, cercando "l'armonia rigorosa e proporzionata di tutte le parti", di cui parlava Leon Battista Alberta, gli artisti del Rinascimento, che ammiravano i classici antichi, svilupparono sulla base la loro idea di un'immagine realistica e ideale generalizzata di una persona . Fedeli alle idee del realismo sintetico rinascimentale, nobilitarono la loro natura, la elevarono al di sopra del livello della realtà circostante, la eroizzarono e la espressero in forme adeguate ai concetti e ai principi estetici che svilupparono. E Caravaggio, dice Bellori, “cominciò a dipingere, obbedendo al proprio talento, non seguendo le più eccellenti creazioni marmoree degli antichi e la famosa pittura di Raffaello, ma quasi disprezzandole, riconoscendo solo la natura come oggetto del suo pennello. Quando gli ricordavano le famose statue di Fidia o Glicone come modelli per l'insegnamento, invece di rispondere, puntava il dito contro la folla di persone, dicendo che basta imparare dalla natura” dipingendo realismo semplicità

Caravaggio (vero nome - Merisi Merisi) Michelangelo da (1573-1610), pittore italiano. Il fondatore del realistico. le tendenze della pittura europea del XVII secolo vi introdussero la democrazia, un accresciuto senso di materialità e una tensione emotiva espressa attraverso i contrasti di luce e ombra (caravaggismo). I dipinti di Caravaggio si distinguono per laconicismo e semplicità compositiva, energica modellazione plastica. Autore di composizioni religiose di eccezionale potenza drammatica ("Deposizione", 1602-04 circa), mitologiche. ("Bacco", 1592-93) e dipinti di genere ("Il suonatore di liuto", 1595). Michelangelo Merisi, soprannominato Caravaggio, è l'artista che ha dato il nome al potente movimento artistico realistico, che ha conquistato seguaci in tutta l'Europa occidentale. L'unica fonte da cui Caravaggio ritiene degno di trarre temi d'arte è la realtà circostante. I principi realistici di Caravaggio lo rendono un erede del Rinascimento, anche se ha sovvertito le tradizioni classiche. Il metodo di Caravaggio era l'antitesi dell'accademismo, e l'artista stesso si ribellò ad esso affermando i propri principi. Da qui il ricorso (non senza sfidare le norme accettate) a personaggi insoliti come giocatori d'azzardo, astuti, cartomanti, avventurieri di vario genere, con le cui immagini Caravaggio gettò le basi per una pittura quotidiana di spirito profondamente realistico, unendo le capacità di osservazione degli olandesi genere con la chiarezza e la precisione della forma della scuola italiana ("Il suonatore di liuto", 1595 circa; "Suonatori", 1594-1595). Ma i principali per il maestro rimangono i temi religiosi - le immagini dell'altare - che Caravaggio incarna con coraggio davvero innovativo come affidabili per la vita. In "L'evangelista Matteo con l'angelo" l'apostolo sembra un contadino, ha le mani ruvide che hanno familiarità con il duro lavoro, il suo viso rugoso è teso per un'attività insolita: la lettura. Caravaggio ha una forte scultura plastica della forma; applica la pittura su piani ampi e larghi, strappando con la luce le parti più importanti della composizione dall'oscurità. Questo chiaroscuro netto e il contrasto delle macchie di colore creano un'atmosfera di tensione interna, drammaticità, eccitazione e grande sincerità. Caravaggio veste i suoi personaggi con abiti moderni e li inserisce in ambienti semplici e familiari, che li rendono ancora più convincenti. Le opere di Caravaggio a volte raggiungevano un tale potere di espressività realistica che i clienti le rifiutavano, non vedendo la giusta pietà e idealità nelle immagini. La predilezione per i dettagli naturalistici e l'autenticità della situazione non oscura la cosa principale nelle opere di Caravaggio, le migliori delle quali sono emotivamente espressive, profondamente drammatiche e sublimi (“Deposizione”, 1602). Il lavoro maturo del maestro è caratterizzato da monumentalità, maestosità delle composizioni, forma scultorea e chiarezza classica del design. Allo stesso tempo, le gradazioni di luce e ombra si ammorbidiscono, le sfumature di colore si fanno più fini, lo spazio diventa più arioso (“L'Assunzione di Maria”, 1606. Il dipinto non fu riconosciuto dal committente a causa dell'interpretazione realistica della scena). L'arte di Caravaggio è un complesso molto complesso di tendenze e risultati creativi. Si tratta di un insieme di problemi, la cui rilevanza non si limita solo ai primi decenni della pittura europea del XVII secolo e si estende a molti importanti fenomeni delle fasi successive di quest'epoca.

Il percorso creativo di Caravaggio abbraccia solo due decenni, proprio a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. La formazione, e soprattutto la rapida formazione, di una nuova visione del mondo e lo sviluppo di un nuovo metodo artistico furono accompagnati da Caravaggio non solo con intuizioni brillanti e audaci scoperte nel futuro, ma anche con ritirate, compromessi e balzi inaspettati nel futuro. direzioni diverse. La sfera principale dell’attività creativa di Caravaggio si è rivelata la tradizionale cerchia di soggetti della mitologia cristiana in tele su argomenti religiosi. Tra gli altri tratti caratteristici del repertorio di Caravaggio, non si può fare a meno di attirare l'attenzione sul piccolo numero di opere basate su trame di miti antichi e sull'approccio provocatorio e dimostrativo dei loro personaggi al mondo della realtà grazie all'aspetto opportunamente interpretato e ai costumi ironici. Già la prima, iniziale fase dell’evoluzione creativa di Caravaggio è segnata da una grande complessità problematica. Una visione diretta, immediata di un “pezzo di realtà”, con una forte sottolineatura della sua autenticità vivente, non poteva che entrare in conflitto con l'obbligatorio primo investimento delle immagini in forma mitologica, poiché tale mitizzazione portava già inizialmente segni di generalizzazione tematica, di elevazione dell'immagine sopra l'individuo e transitoria. Il destino creativo di Caravaggio fu tale che egli agì come riformatore della pittura fin dai suoi primi passi, quando lo spirito di audace sperimentazione era ancora in anticipo rispetto alla sua maturità di pensiero concettuale. La fase iniziale della sua arte è quindi maggiormente satura di aspirazioni contraddittorie. Sarebbe difficile determinare la principale tendenza tematica in esso e la forma di genere principale corrispondente a questa tendenza. Negli stessi anni compaiono opere dai contenuti molto diversi e dalle qualità tipologiche altrettanto diverse. Passato in meno di quattro anni da “Giovane con canestro di frutta” a “Giocatori di carte”, l'artista sembra esaurire le risorse della pittura di genere assegnategli in questa fase di evoluzione. Apparentemente, finora si è rivelato troppo limitato nelle sue capacità per diventare la base per immagini di portata tematica veramente ampia. Che così fosse effettivamente risulta non solo dall'esempio dello stesso Caravaggio, ma dall'intera esperienza di molti dei suoi seguaci italiani ed europei, che, apprezzando rapidamente le qualità innovative delle sue prime opere, le adottarono. Dopo il 1596 non vediamo più sue composizioni di genere: d'ora in poi Caravaggio si rivolse interamente a temi mitologici, nel campo dei quali iniziò a lavorare fin dai primi anni del suo percorso creativo, parallelamente alle sue ricerche nel campo dell'arte pittura di genere. L'interpretazione di Caravaggio del tema mitologico è per noi tanto più interessante perché lo affronta da posizioni di partenza diverse rispetto ai pittori dei tempi precedenti, poiché conserva tutta l'acutezza intrinseca della percezione diretta della realtà vivente. nell'opera di Caravaggio è piccolo e, a differenza dei suoi motivi di genere, non ricevettero una risposta così ampia nella pittura europea nei primi decenni del XVII secolo. Ma nella prospettiva generale dell'epoca, l'approccio farsesco al tema mitologico fu una scoperta importante: qui ebbe inizio una delle linee figurative più importanti della poetica mitologica di Velazquez, che si fece sentire in tutta una serie dei suoi famosi creazioni, da “Bacco” a “Venere allo specchio”. Accanto a questo gruppo di opere, nell’opera di Caravaggio si è sviluppata una terza linea tematica, che può essere definita la linea della mitologia tradizionale. Per le sue opere il tema mitologico non è un motivo esterno, non una cornice, non un parallelo semantico dell'immagine incarnata, ma la base immediata di quest'ultima. Al posto del doppio sistema di corrispondenze figurative che potremmo osservare in Bacco, nelle creazioni di questa linea appare una sintesi di ordine più omogeneo. Ma in questo modo Caravaggio si avvicina inevitabilmente alla poetica tradizionale e organica del mito nella pittura, con metodi consolidati di incarnazione figurativa. Il ciclo Contarelli nella chiesa romana di San Luigi dei Francesi è la prima grande creazione del maturo Caravaggio, che ha un significato programmatico per la pittura europea del XVII secolo in alcune delle sue tendenze creative più promettenti. C'è qualcosa di significativo nel fatto che sia proprio questo complesso di composizioni da cavalletto, sorto a cavallo di due secoli, dal 1599 al 1602, ad aprire un nuovo secolo. Quindi, la svolta tra il XVI e il XVII secolo fu segnata dall’ingresso di Caravaggio in nuovi orizzonti artistici. Il fatto che il problema della sintesi di realtà e mito in un’immagine su larga scala abbia finalmente trovato la sua fruttuosa soluzione ha conferito alle nuove creazioni del maestro l’impronta di una speciale intensità di rivelazione creativa. I tre anni tra il 1599 e il 1602 possono essere definiti la fase più produttiva della sua attività per l'estrema densità delle maggiori realizzazioni avvenute in questi anni. La prova dell'impennata creativa vissuta dal maestro, oltre agli alti meriti artistici delle sue opere, può essere vista nella sua frenetica efficienza, che ha reso possibile la comparsa simultanea di importanti dipinti per due cicli - Contarelli e Cerasi (compresi ulteriori opzioni per sostituire i dipinti rifiutati) - e altre opere eccezionali. Luce e plastica sono mezzi artistici familiari a Caravaggio, ma è difficile nominare un'altra delle sue opere in cui il grado della loro influenza raggiungerebbe tale potenza. La prima di una serie di maestose composizioni d'altare di un nuovo tipo fu la "Deposizione" vaticana del 1602-1604, destinata a una delle più nuove chiese barocche di Roma: la chiesa di Santa Maria in Vallicella (Chiesa Nuova). Quest’opera dovrebbe essere considerata come il primo tentativo di combinare il senso della realtà insito in Caravaggio con la rappresentazione solenne, una sorta di “drammatismo rappresentativo” così caratteristico del concetto di pittura d’altare sviluppatosi in questo secolo.

I drammatici eventi del 1606, che portarono alla fuga di Caravaggio nel sud dell'Italia, segnarono il confine tra la sua arte matura e quella tarda.

Il quadro dello sviluppo dell'arte di Caravaggio nei suoi ultimi quattro anni è complicato da molte circostanze. Gli alti e bassi difficili e complicati della vita dell'artista si riflettevano in un modo o nell'altro nel lavoro su nuove opere - sulla natura della loro esecuzione, sul grado della loro completezza e, non ultimo, sulla sicurezza di molti di loro. Tra le creazioni di questi anni, forse, non ne troveremo una sola che, in termini di forza e completezza dell'incarnazione pittorica e coloristica, in termini di perfezione e completezza dell'insieme, possa essere allo stesso livello con le sue opere chiave degli anni passati. La cosa principale nelle ultime opere di Caravaggio è il coraggio e la promessa delle idee artistiche in esse contenute e delle soluzioni visive proposte dal maestro. Nonostante le condizioni esterne estremamente sfavorevoli, le principali qualità della sua arte erano ormai chiaramente evidenti. La brama di Caravaggio per le immagini su larga scala non solo è stata preservata, ma addirittura intensificata: la proporzione di grandi composizioni d’altare tra le sue opere è ora ancora più alta di prima. La gamma figurativa delle sue soluzioni si è ampliata, la loro stilistica è diventata più diversificata, le loro forme tipologiche sono diventate più diverse e il problema “mito - realtà” attraversa la sua arte, sebbene risolto nelle direzioni indicate dalle principali tendenze della sua lavoro degli anni passati, ora appare in un maggior numero di opzioni figurative. Caravaggio si è sempre distinto per la sua avversione per l'uniformità, per il riutilizzo del concetto un tempo accettato di dipinto, ma, forse, mai prima d'ora era stato così complesso e vario come nella sua arte tarda.

CARAVAGGIO (Caravaggio; vero nome Michelangelo da Merisi, Michelangelo da Merisi), pittore italiano. Il più grande rappresentante dell'arte barocca. Fino all'inizio degli anni Novanta del Cinquecento studiò con l'artista milanese S. Peterzano; nel 1592 partì per Roma, visitando forse Venezia lungo il percorso. Formato sotto l'influenza di maestri dell'Italia settentrionale (G. Savoldo, A. Moretto, G. Romanino, L. Lotto). Per qualche tempo lavorò come assistente del manierista romano G. Cesari (Cavalier d'Arpino), nella cui bottega completò le sue prime opere ("Ragazzo con canestro di frutta", 1593-94; "Bacco malato", circa 1593, entrambi nella Galleria Borghese, Roma). Grazie al mercante di quadri Maestro Valentino, Caravaggio conobbe il cardinale Francesco Maria del Monte, che divenne mecenate del maestro e lo introdusse nell'ambiente artistico romano. Per il cardinale del Monte furono dipinti i migliori dipinti del primo periodo romano: “Bacco” (1595-97, Galleria degli Uffizi, Firenze), “Suonatore di liuto” (1595-97, Hermitage, San Pietroburgo), “Cesto di frutta” (1598-1601, Pinacoteca Ambrosiana, Milano). Nelle opere della fine degli anni Novanta del Cinquecento, la maestria nel trasferimento illusionistico della materialità (che è particolarmente evidente nelle nature morte che l'artista include nei suoi dipinti) si unisce alla sua poeticizzazione. Piene di fascino poetico e reminiscenze classiche, le immagini allegoriche mitologiche (“Concerto”, 1595-97, Metropolitan Museum of Art, New York; “Cupido il Vittorioso”, 1603 circa, Galleria d'arte, Berlino) oltre al letterale, portano anche un significato nascosto comprensibile al pubblico romano colto dell'epoca e spesso inaccessibile agli spettatori moderni.

In questo periodo Caravaggio aprì nuove possibilità alla pittura, dedicandosi per la prima volta alla natura morta e al genere “avventuroso” (“Indovino”, 1596-97 circa, Louvre, Parigi), che si sviluppò ulteriormente tra i suoi seguaci e divenne molto popolare nella pittura europea del XVII secolo, così come nella raffigurazione di un'immagine mitologica come tipo popolare comune (“Narciso”, 1598-99, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma). Nelle sue prime opere religiose, l'interpretazione poetica della trama come esempio morale (“Santa Marta parla con Maria Maddalena”, 1598 circa, Institute of Arts, Detroit; “Santa Caterina d'Alessandria”, 1598 circa, Thyssen-Bornemisza collezione, Madrid), come profonda esperienza spirituale (“Santa Maria Maddalena”, 1596-97 circa, Galleria Doria Pamphili, Roma; “Estasi di San Francesco”, 1597-98, Wadsworth Atheneum, Hartford, USA), come una presenza divina rivelata nel mondo (“Riposo” sulla via dell'Egitto", 1596-97, Galleria Doria Pamphili, Roma) si unisce a scene drammatiche di violenza e morte ("Giuditta", 1598 circa, Galleria Nazionale d'Arte Antica , Roma; "Sacrificio di Abramo", 1601-02, Galleria degli Uffizi, Firenze).

La prima grande commissione ecclesiastica di Caravaggio fu un ciclo di dipinti per la cappella del cardinale francese Matteo Contarelli nella chiesa di San Luigi dei Francesi (1599-1600) a Roma. Nelle scene della vocazione e del martirio dell'apostolo Matteo, Caravaggio aggiorna radicalmente il concetto di pittura religiosa, in cui la luce comincia a giocare un ruolo speciale, trasformando e drammatizzando l'evento evangelico. Ne “La chiamata dell'apostolo Matteo” (vedi illustrazioni per l'articolo Gesù Cristo), la luce che fende l'oscurità della stanza ha sia una natura fisica reale che un significato metaforico (la luce della verità divina che illumina il cammino verso la salvezza) . L’affascinante espressività dei dipinti di Caravaggio si basa sulla capacità di trasmettere con precisione il vero motivo, senza ridurlo alla vita di tutti i giorni. La prima versione della pala d'altare per la cappella “S. Matteo e l'angelo" (1602, morto a Berlino durante la seconda guerra mondiale) fu rifiutato dalla clientela a causa dell'aspetto troppo comune dell'apostolo. Nella versione definitiva (1602-03), Caravaggio raggiunse una maggiore coerenza e solennità della composizione, mantenendo una viva spontaneità nell'aspetto e nel movimento delle due figure.

Nel 1601 Caravaggio dipinse due dipinti: “La Conversione di Saulo” e “La Crocifissione dell'apostolo Pietro” per la Cappella T. Cerasi nella Chiesa di Santa Maria del Popolo a Roma. In essi, come nel ciclo per la cappella Contarelli, trova espressione un nuovo atteggiamento religioso, caratteristico del tempo della Controriforma: la quotidianità ordinaria dell'esistenza umana è trasformata dalla presenza divina; la fede sincera dei poveri e dei sofferenti si manifesta nella pietà, nella purezza della carità popolare. Ogni opera di Caravaggio è un frammento vivo della realtà, raffigurata con la massima autenticità e profondamente vissuta dall'artista, che cerca di comprendere gli eventi della storia cristiana, comprenderne le ragioni motivanti e trasformare i suoi pensieri in forme plastiche che obbediscono alle leggi del figurativo drammaturgia. Il realismo delle opere religiose di Caravaggio, lontano dagli ideali di bellezza sviluppati dai maestri del Rinascimento, è vicino all'etica religiosa di San Carlo Borromeo e alla pietà popolare di F. Neri, che è particolarmente evidente in tali opere del periodo Periodo romano come “Cristo in Emmaus” (1601, National Gallery, Londra), “La Assicurazione di Tommaso” (1602-03, Palazzo Sanssouci, Potsdam), “Madonna con i pellegrini” (1604-05, Chiesa di Sant'Agostino, Roma) e “Madonna con il serpente” (1605-08, Galleria Borghese), “San Girolamo” (1605-06, Galleria Borghese). Le migliori opere di Caravaggio di questo periodo si distinguono per la loro potenza drammatica: “Deposizione” (1602-04, Pinacoteca Vaticana) e “Assunzione di Maria” (circa 1600-03, Louvre, Parigi), in cui raggiunge la pienezza di maturità creativa. Potenti contrasti di luce e ombra, la semplice semplicità delle immagini, il laconicismo espressivo dei gesti con l'energica scultura dei volumi plastici e la ricchezza del colore sonoro consentono all'artista di raggiungere una profondità e una sincerità senza precedenti nel trasmettere sentimenti religiosi, incoraggiando lo spettatore a entrare in empatia con gli eventi del dramma evangelico.

Il carattere indipendente di Caravaggio lo portò spesso in conflitto con la legge. Nel 1606, durante una partita a pallone, Caravaggio commise un omicidio in una lite, dopo di che fuggì da Roma a Napoli, da dove nel 1607 si trasferì nell'isola di Malta, dove fu accettato nell'Ordine di Malta. Tuttavia, dopo una lite con un membro di alto rango dell'ordine, l'artista fu gettato in prigione, da dove fuggì nell'isola di Sicilia. A causa della persecuzione da parte dell'Ordine di Malta, che lo espulse dalle sue fila, decise di tornare a Roma nel 1610, sperando nell'aiuto di mecenati influenti, ma morì durante il viaggio di febbre. Durante i suoi vagabondaggi, Caravaggio creò una serie di eccezionali opere di pittura religiosa. A Napoli nel 1606-07 dipinse per la chiesa di San Domenico Maggiore le grandi tele d'altare “Le sette opere di Misericordia” (Chiesa del Pio Monte della Misericordia, Napoli), “Madonna del Rosario” (Kunsthistorisches Museum, Vienna) e “ La Flagellazione di Cristo" (Museo di Capodimonte, Napoli); a Malta nel 1607-08 - “La decollazione di Giovanni Battista” e “San Girolamo” (entrambi nella Chiesa di Giovanni Battista, La Valletta); in Sicilia nel 1609 - “Sepoltura di S. Lucia" per la chiesa di Santa Lucia (Museo Regionale di Palazzo Bellomo, Siracusa), "La Resurrezione di Lazzaro" per il mercante genovese Lazzari e "Adorazione dei pastori" per la chiesa di Santa Maria degli Angeli (entrambi al Museo Nazionale , Messina). L’intenso dramma insito nell’arte dell’artista assume il carattere di una tragedia epica nelle sue opere successive. Tele monumentali, costruite sul rapporto tra uno sfondo opaco e scuro e grandi figure in primo piano, illuminate da lampi di luce pulsante, hanno uno straordinario potere di impatto emotivo, coinvolgendo lo spettatore negli eventi rappresentati. Gli ultimi anni della vita di Caravaggio includono anche il dipinto “David con la testa di Golia” (circa 1610, Galleria Borghese, Roma), dove nell'aspetto di Golia, la cui testa David tiene sulla mano tesa, si possono discernere i lineamenti del viso dell'artista stesso.

L'opera di Caravaggio ha avuto una grande influenza sull'arte contemporanea non solo dell'Italia, ma anche dell'Europa nel suo insieme, influenzando la maggior parte degli artisti che lavoravano in quel periodo (vedi Caravaggismo).

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Il pittore italiano, uno dei maggiori rappresentanti del barocco Michelangelo Merisi da Caravaggio, nacque il 28 settembre 1573 nel villaggio italiano di Caravaggio. Suo padre era maggiordomo e architetto del marchese Caravaggio. Fino all'inizio degli anni Novanta del Cinquecento, Michelangelo da Caravaggio studiò con l'artista milanese Simone Peterzano, partendo per Roma intorno al 1593. All'inizio era povero e lavorava su commissione. Dopo qualche tempo, il pittore alla moda Cesari d'Arpino prese Caravaggio come assistente nella sua bottega, dove dipinse nature morte sui dipinti monumentali del maestro.

In questo periodo furono dipinti dipinti di Caravaggio come “Il piccolo Bacco malato” e “Il ragazzo con un cesto di frutta”.

Per natura era un artista che lo ha immerso in situazioni difficili e pericolose. Combatté numerosi duelli, per i quali fu più volte incarcerato. Trascorreva spesso le sue giornate in compagnia di giocatori d'azzardo, truffatori, attaccabrighe e avventurieri. Il suo nome appariva spesso nelle cronache della polizia.

Nel 1595, nella persona del cardinale Francesco Maria del Monte, Caravaggio trovò un influente mecenate che lo introdusse nell'ambiente artistico romano. Per il Cardinale del Monte, l'artista ha dipinto alcuni dei suoi dipinti migliori: "Cesto di frutta", "Bacco" e "Suonatore di liuto". Alla fine degli anni Novanta del Cinquecento, l'artista creò opere come "Concerto", "Cupido il vincitore", "Indovino", "Narciso". Caravaggio aprì nuove possibilità alla pittura, rivolgendosi per la prima volta alla natura morta “pura” e al genere “avventuroso”, che si sviluppò ulteriormente tra i suoi seguaci e divenne popolare nella pittura europea del XVII secolo.

Tra le prime opere religiose di Caravaggio ricordiamo i dipinti "Santa Marta conversa con Maria Maddalena", "Santa Caterina d'Alessandria", "Santa Maria Maddalena", "L'estasi di San Francesco", "Riposo durante la fuga in Egitto", "Giuditta" , "Il sacrificio di Abramo".

A cavallo tra il XVI e il XVII secolo Caravaggio realizzò due cicli di dipinti basati su scene della vita degli apostoli. Negli anni 1597-1600 furono dipinti tre dipinti dedicati all'apostolo Matteo per la Cappella Contarelli nella chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma. Di questi, solo due sono sopravvissuti: "La chiamata dell'apostolo Matteo" e "Il martirio dell'apostolo Matteo" (1599-1600). Per la Cappella Cerasi nella Chiesa di Santa Maria del Popolo a Roma, Caravaggio completò due composizioni: “La Conversione di Saulo” e “La Crocifissione dell'apostolo Pietro”.

Nel 1602-1604 l'artista dipinse la "Deposizione" ("Deposizione dalla croce") per la chiesa di Santa Maria in Valicella a Roma. Nel 1603-1606 realizzò la composizione "Madonna di Loreto" per la chiesa di Sant'Agostino. Nel 1606 fu dipinto il dipinto “L'Assunzione di Maria”.

Nel 1606, dopo un litigio durante una partita di pallone e l'omicidio del rivale Rannuccio Tommasoni, Caravaggio fuggì da Roma a Napoli, da dove si trasferì nell'isola di Malta nel 1607, dove fu ammesso all'Ordine di Malta. Tuttavia, dopo una lite con un membro di alto rango dell'ordine, fu imprigionato, da dove fuggì in Sicilia e poi nell'Italia meridionale.

Nel 1609 Caravaggio tornò a Napoli, dove attendeva la grazia e il permesso di tornare a Roma.

Durante i suoi vagabondaggi, l'artista ha creato una serie di eccezionali opere di pittura religiosa. A Napoli dipinse le grandi pale d'altare "Le Sette Opere di Misericordia" (Chiesa del Pio Monte della Misaricordia), "Madonna del Rosario" e "La Flagellazione di Cristo". A Malta, per la Chiesa di San Domenico Maggiore, ha realizzato i dipinti “La decollazione di Giovanni Battista” e “San Girolamo”, in Sicilia - “La sepoltura di Santa Lucia” per la Chiesa di Santa Lucia, “La resurrezione di Lazzaro” per il mercante genovese Lazzari e “L'Adorazione dei pastori” per la chiesa di Santa Maria degli Angeli. Tra le ultime opere di Caravaggio figura anche il dipinto "Davide con la testa di Golia", in cui la testa di Golia rappresenta presumibilmente un autoritratto dell'artista.

Nel 1610, ottenuta la grazia dal cardinale Gonzaga, l'artista caricò i suoi averi su una nave, con l'intenzione di tornare a Roma, ma non arrivò mai a destinazione. Sulla riva è stato arrestato per errore dalle guardie spagnole e detenuto per tre giorni.

Il 18 luglio 1610 Caravaggio morì a causa di un attacco di malaria nella città italiana di Porto Ercole all'età di 37 anni.

L'opera di Caravaggio ha avuto un'influenza significativa non solo su molti artisti italiani del XVII secolo, ma anche sui principali maestri dell'Europa occidentale - Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jose de Ribera, e ha anche dato vita a una nuova direzione nell'arte: il caravaggismo .

Il materiale è stato preparato sulla base di informazioni provenienti da fonti aperte

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1610), così chiamato dal nome della cittadina lombarda da cui proveniva, ricevette la sua formazione artistica a Milano. I biografi lo dipingono come un uomo dal carattere tempestoso e litigioso, dal temperamento frenetico e insolitamente testardo nel raggiungere il suo obiettivo. Per tutta la vita rimase fedele alle sue convinzioni e all'indipendenza interna. Caravaggio fu un artista di enorme coraggio creativo. Conoscendo molto bene la vita della gente comune, Caravaggio ne fece il suo eroe. I primi anni di vita dell'artista a Roma, dove arrivò intorno al 1590, furono duri. Per guadagnare denaro, dipinse fiori e frutti su dipinti di altri artisti, quindi iniziò a creare in modo indipendente scene di genere e nature morte uniche. Raffigurando ragazzi di strada, visitatori di taverne e cesti di frutta, fu uno dei primi a stabilire il diritto all'esistenza di questi generi. La cosa principale nelle opere di Caravaggio non è la narrazione, ma il tipo caratteristico.

Tali dipinti includono “Giovane con liuto” (circa 1595, San Pietroburgo, Hermitage). Sul tavolo davanti a lui ci sono un violino, spartiti e frutta. Tutti questi oggetti sono dipinti con raffinata maestria nella loro densa rotondità, matericità e tangibilità. Il volto e la figura sono scolpiti con chiaroscuro, lo sfondo scuro sottolinea la ricchezza dei toni chiari sporgenti in avanti, l'oggettività di tutto ciò che è presentato. Caravaggio afferma la superiorità della riproduzione diretta della vita. Alla grazia morbosa del manierismo ancora diffuso e al pathos del barocco in via di sviluppo contrappone la semplicità e la naturalezza del quotidiano. Generalizzando le forme, individuando l'essenziale, conferisce significato e monumentalità agli oggetti più semplici. Le composizioni di Caravaggio con figure tagliate in vita sono costruite con precisione; hanno uno schema rigoroso, integrità e isolamento, avvicinando Caravaggio ai maestri del Rinascimento. Ciò conferisce monumentalità e significato non solo alle sue scene quotidiane, ma anche a scene religiose, come “L’incredulità di Tommaso” (1603 circa, Firenze, Uffizi; versione – Potsdam, Galleria d’arte Sanssouci).

La sorprendente concretezza e materialità delle forme contraddistinguono le opere religiose commissionate all’artista, che gli hanno portato notorietà per la loro insolita vitalità e democrazia. Caravaggio interpreta con audacia le immagini religiose, non ha paura della maleducazione e della durezza, conferendo loro caratteristiche di somiglianza con la gente comune. Trova i suoi eroi tra pescatori, artigiani, soldati: persone integre, dotate di forza di carattere. Con netti contrasti di chiaroscuro, esalta la modellazione potente, quasi plastica delle forme, avvicinando le figure al primo piano del quadro, mostrandole da angolazioni complesse, sottolineandone il significato e la monumentalità.

La composizione “La chiamata dell'apostolo Matteo” (1599–1600, Roma, Cappella Contarelli nella chiesa di San Luigi dei Francesi, dove sono raffigurati due giovani in costumi allora in voga, che guardano con curiosità l'entrata di Cristo. Matteo volse lo sguardo a Cristo) è stata risolta come una scena di genere, mentre il terzo giovane, senza alzare la testa, continua a contare i soldi. Un brillante raggio di luce, penetrando dalla porta aperta, fa uscire figure vive e dal carattere tagliente l'oscurità della stanza.La soluzione ritagliata aiuta non solo a rivelare il volume delle forme, ma migliora anche l'efficacia drammatica e l'emotività delle immagini.

I santi e i grandi martiri appaiono nelle opere di Caravaggio come persone forti e purosangue: l’ingenuo e rude Matteo, il severo e ispirato Pietro e Paolo. Non c'è nulla di insolito nelle loro figure plastiche e tangibili. La maggior parte della composizione “Conversione di Paolo” (1600–1601, Roma, Chiesa di Santa Maria del Popolo) è occupata dall'immagine di una mina, sotto gli zoccoli della quale si trova la figura del giovane Paolo prostrato, illuminato da una luce brillante , è visibile, presentato in una prospettiva insolitamente complessa. Utilizzando effetti ottici, l'artista raggiunge la monumentalità e la forza della soluzione complessiva.

Nelle opere successive di Caravaggio, la drammaticità della sua visione del mondo si intensifica e allo stesso tempo appare una tendenza ancora maggiore alla monumentalizzazione. L'unità e l'intensità dell'azione, l'umore, la completezza e l'unicità delle strutture compositive, lo straordinario potere della modellazione di luci e ombre conferiscono loro il carattere di scene reali, piene di grandi sentimenti e pensieri. Di quadro in quadro, la potenza tragica delle immagini di Caravaggio aumenta. Nel dipinto “Deposizione” (1604, Roma, Pinacoteca Vaticana), su uno sfondo scuro e profondo, un gruppo affiatato di persone vicine a Cristo risalta con una luce intensa mentre depongono il suo corpo nella tomba. Sono scortesi e riservati nei loro sentimenti, ma ogni movimento è caratterizzato da una compostezza speciale. E solo le mani di Maria, alzate in un patetico impeto di disperazione, danno il via al forte dolore degli altri personaggi, in contrasto con il peso opprimente del corpo senza vita di Cristo. La lapide, sul bordo della quale si fermavano coloro che trasportavano la salma, sottolinea il carattere statuario e monolitico dell'intero gruppo, paragonato ad una sorta di monumento. La vista dal basso accresce l'impressione di maestosità.

L'artista raggiunge un'enorme emotività nella composizione “L'Assunzione di Maria” (1605–1606, Parigi, Louvre), con una sincerità mozzafiato di emozioni che si esprimono nelle pose, nei gesti e nei volti dei discepoli addolorati di Cristo che circondavano il letto del defunto. Tutto qui è subordinato all'espressione della dolorosa coscienza della tragedia della vita, dell'inevitabilità della sua fine. Essenzialmente, si tratta di immagini di persone coraggiose del popolo, dotate di profondità di percezione, significato e, allo stesso tempo, spontaneità di espressione di movimenti mentali complessi. L'acutezza dell'osservazione nella caratterizzazione di ciascun personaggio si combina con la brevità monumentale e la grandiosità tragica.

Il duro realismo dell’opera di Caravaggio non fu compreso dai suoi contemporanei, aderenti all’“arte alta”. L'appello alla natura, che Caravaggio ha reso oggetto diretto della raffigurazione nelle sue opere, e la veridicità della sua interpretazione ha causato numerosi attacchi all'artista da parte del clero e dei funzionari. Il carattere irascibile di Caravaggio e i continui scontri con gli altri aggravarono le difficoltà della vita. Dopo aver ucciso la compagna durante una partita di pallone, fu costretto a fuggire da Roma. Gli ultimi anni della sua vita furono trascorsi vagando.

L'impatto del lavoro di Caravaggio sullo sviluppo del realismo nell'arte europea è stato enorme. Nella stessa Italia c'erano molti dei suoi seguaci, chiamati Caravaggisti. Ma la sua influenza fuori dall’Italia fu ancora più significativa. Nessun grande pittore di quel tempo passò dalla passione per il caravaggismo, che fu una tappa importante nel percorso dell'arte realistica europea.

Caravaggio Michelangelo (Caravaggio) (1573–1610). In realtà il nome completo è Merisi da Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Pittore italiano. Nato il 28 settembre 1573. Studiò a Milano (1584-1588); lavorò a Roma (fino al 1606), Napoli (1607 e 1609-1610), nelle isole di Malta e in Sicilia (1608-1609). Caravaggio, che non apparteneva a una scuola d'arte specifica, già nei suoi primi lavori contrapponeva all'espressività individuale del modello semplici motivi quotidiani ("Piccolo Bacco malato", "Giovane con cesto di frutta" - entrambi nella Galleria Borghese , Roma) con l'idealizzazione delle immagini e l'interpretazione allegorica della trama caratteristica dell'arte del manierismo e dell'accademismo. Ha dato un'interpretazione psicologica completamente nuova, intima, a temi religiosi tradizionali (“Riposo durante la fuga in Egitto”, Galleria Doria Pamphili, Roma). L'artista ha dato un grande contributo allo sviluppo del genere quotidiano ("Fortune Teller", Louvre, Parigi e altri). Le opere mature dell'artista Caravaggio sono tele monumentali dall'eccezionale forza drammatica (“La chiamata dell'apostolo Matteo” e “Il martirio dell'apostolo Matteo”, 1599-1600, Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma; “Deposizione”, 1602-1604, Pinacoteca, Vaticano; “La Morte di Maria”, 1605-1606 circa, Louvre, Parigi). Lo stile pittorico di Caravaggio in questo periodo si basava su potenti contrasti di luce e ombra, semplicità espressiva dei gesti, scultura energica dei volumi, ricchezza di colori - tecniche che creano tensione emotiva e acuta affettazione dei sentimenti. L'enfatizzazione dei tipi “popolani” e l'affermazione degli ideali di democrazia pongono Caravaggio in opposizione all'arte moderna, condannandolo negli ultimi anni della sua vita al vagabondare per il Sud Italia. Nelle sue opere successive, Caravaggio affronta il tema della solitudine di una persona in un mondo a lui ostile; è attratto dall'immagine di una piccola comunità di persone unite dalla vicinanza familiare e dal calore spirituale (“La sepoltura di Santa Lucia”, 1608, Chiesa di Santa Lucia, Siracusa). La luce nei suoi quadri diventa morbida e commovente, la colorazione tende all'unità tonale, lo stile pittorico

Piccolo Bacco malato 1593, Galleria Borghese, Roma

Giovane con canestro di frutta, 1593, Galleria Borghese, Roma

"Ragazzo che sbuccia la frutta" ca. 1593

"Ragazzo morso da una lucertola", 1594 National Gallery, Londra

"La Beatitudine di San Francesco" 1595 Wadsworth Atheneum, Hartford

"Rounders" 1596 Museo Kimbell, Fort Worth

"Indovino" 1596 Museo del Louvre, Parigi

"Indovino" 1596-1597

"Cesto di frutta" ca. 1597

Assume il carattere di libera improvvisazione. Gli eventi della biografia di Caravaggio colpiscono per la loro drammaticità. Caravaggio aveva un carattere molto irascibile, sbilanciato e complesso. A partire dal 1600, epoca di massimo splendore creativo di Caravaggio, il suo nome cominciò a comparire costantemente nei protocolli della polizia romana. In un primo momento Caravaggio e i suoi amici commisero atti illegali minori (minacce, poesie oscene, insulti), per i quali furono processati. Ma nel 1606, l'artista, nel vivo di una lite durante una partita di pallone, commise un omicidio e da allora fu costretto a nascondersi dalla polizia.

"Musicisti" 1595-1596

"Bacco" 1596

Particolare "Bacco" 1596

"Natura morta con fiori e frutta" 1590

"Suonatore di liuto" 1596

"Suonatore di liuto" ca. 1600 Museo Metropolitano d'Arte

"Maria Maddalena" 1596-1597

"In cammino verso le terre egiziane" 1597

"Giuditta uccide Oloferne" ca. 1598

"Giuditta uccide Oloferne" ca. Parte 1598

"Santa Caterina d'Alessandria" 1598

"La vocazione di San Matteo" 1599-1600

Frammento "La vocazione di San Matteo" 1599-1600

"Medusa Gorgone" 1598-1599

"Marta e Maria Maddalena" 1597-1599

"Presa di Cristo" ca. 1598

Dopo l'omicidio l'artista fuggì da Roma a Napoli. Lì ha continuato a lavorare su grandi commesse; la sua arte ebbe un influsso decisivo sullo sviluppo della scuola pittorica napoletana. Nel 1608 Caravaggio si trasferì a Malta, dove dipinse un ritratto del Maestro dell'Ordine di Malta e si unì lui stesso all'ordine. Ma presto Caravaggio dovette fuggire da lì in Sicilia a causa del suo carattere irascibile. Dopo aver vissuto per qualche tempo in Sicilia, l'artista ritornò a Napoli nel 1609, dove venne aggredito in un'osteria del porto e mutilato. In questo momento Caravaggio era già malato di malaria, a causa di un attacco di cui morì il 18 luglio 1610. Il duro realismo di Caravaggio non fu compreso dai suoi contemporanei, aderenti all’“arte alta”. L'appello alla natura, che ha reso oggetto diretto di rappresentazione nelle sue opere, e la veridicità della sua interpretazione hanno causato molti attacchi all'artista da parte del clero e dei funzionari. Tuttavia, nella stessa Italia c'erano molti dei suoi seguaci, chiamati Caravaggisti.

"Cristo di Emmaus" 1601-1602

"Miracolo di Emmaus" 1606

"Davide e Golia" 1600

"Davide" 1606-1607

"Davide" 1609-1610

"La certezza di Tommaso" 1601-1602

"Il Cupido Vincitore" 1602-1603

"L'Incoronazione di spine" 1602-1603

"Incoronazione con corona di spine" 1603

"Martirio di San Matteo" 1599 - 1600

"Madonna con il serpente" 1606

particolare "Madonna con il serpente" 1606

"San Girolamo che legge un libro" 1606

"San Girolamo" 1605-1606

"San Girolamo" 1607

"Sette atti di misericordia" 1607

"Salomè con la testa del Battista" ca. 1609

"Salomè con la testa di Giovanni Battista" 1610

Lo stile creativo di Caravaggio ha avuto un'influenza diretta sulla formazione del movimento caravaggista, un movimento indipendente nell'arte europea del XVII secolo. Il caravaggismo è caratterizzato dal democratismo del sistema di immagini, da un accresciuto senso di oggettività reale, dalla materialità dell'immagine, dal ruolo attivo dei contrasti di luce e ombra nella soluzione pittorica e plastica dell'immagine e dalla monumentalizzazione del genere e dei motivi quotidiani. In Italia, dove le tendenze del caravaggismo rimasero rilevanti fino alla fine del XVII secolo e si rifletterono soprattutto nella pittura di Roma, Genova e Napoli, l'interpretazione più potente e originale dell'eredità di Caravaggio fu ricevuta nell'opera dell'artista italiano Orazio Gentileschi e sua figlia Artemisia.

"Narciso presso il ruscello" 1599-1600

"Giove, Nettuno e Plutone" 1597-1600

"Madonna di Loreto" 1603-1605

"Madonna del Rosario" 1607

"Alof de Wignacourt" 1607-1608

"Maffeo Barberini" (Papa Urbano VIII) 1606

Ma ancora più significativa fu l’influenza dell’opera di Caravaggio fuori dall’Italia. Nessun grande pittore di quel tempo passò dalla passione per il caravaggismo, che fu una tappa importante nel percorso dell'arte realistica europea. Tra i maestri europei del caravaggismo fuori dall’Italia, il più significativo è il lavoro dei caravaggisti di Utrecht in Olanda (Gerrit van Honthorst, Hendrik Terbruggen, ecc.), così come Jusepe de Ribera in Spagna e Adam Elsheimer in Germania. Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Rembrandt van Rijn e Georges de La Tour hanno attraversato la fase del caravaggismo. L’influenza delle singole tecniche del caravaggismo è evidente anche nelle opere di alcuni maestri accademici (Guido Reni, Sebastiano Ricci in Italia e William-Adolphe Bouguereau in Francia) e barocche (Karel Skret nella Repubblica Ceca e altri).