บทคัดย่อ: สไตล์บาโรกในฝรั่งเศส สถาปัตยกรรมบาโรกแบบฝรั่งเศส ลักษณะเด่น -

ในรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ฝรั่งเศสกลายเป็นมหาอำนาจที่ทรงพลังที่สุดในยุโรป ทั้งทางการทหารและวัฒนธรรม ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ปารีสแข่งขันกับโรมเพื่อชิงตำแหน่งเมืองหลวงแห่งวิจิตรศิลป์และ ศิลปะประยุกต์แม้ว่าเมืองนิรันดร์จะครองตำแหน่งนี้มานานหลายศตวรรษ การเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร? เราถูกล่อลวงให้มองศิลปะฝรั่งเศสในยุคของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ว่าเป็นการแสดงออกถึงลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์เนื่องจากพระราชวังแวร์ซายส์และอื่นๆ โครงการสำคัญซึ่งถวายเกียรติแด่กษัตริย์แห่งฝรั่งเศส นี่เป็นเรื่องจริงสำหรับยุครุ่งเรือง - รัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14, ค.ศ. 1660-1685 - แต่เมื่อถึงเวลานี้ศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 ก็ได้มีลักษณะเฉพาะของมันไปแล้ว สไตล์ศิลปะ.

ชาวฝรั่งเศสไม่ชอบเรียกสไตล์ศิลปะแบบบาโรกนี้ สำหรับพวกเขานี่คือสไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 พวกเขามักเรียกศิลปะและวรรณคดีในยุคนี้ว่า "คลาสสิก" ในบริบทนี้ คำนี้สามารถมีได้สามคำ ความหมายที่แตกต่างกัน. ประการแรกเป็นคำพ้องความหมายสำหรับ “ความสำเร็จสูงสุด” ซึ่งหมายความว่าสไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 สอดคล้องกับ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงในอิตาลีหรือยุค Pericles ในยุคกรีกโบราณ คำนี้ยังใช้เพื่อระบุการเลียนแบบรูปแบบและเนื้อหาของสมัยโบราณคลาสสิกด้วย ท้ายที่สุด แนวคิด "คลาสสิก" สันนิษฐานถึงคุณสมบัติต่างๆ เช่น ความสมดุลและความยับยั้งชั่งใจที่มีอยู่ในศิลปินในสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความหมายที่สองและสามของความหมายเหล่านี้อธิบายปรากฏการณ์ที่จะจำแนกได้อย่างถูกต้องมากขึ้นว่าเป็น "ลัทธิคลาสสิก" เนื่องจากสไตล์ของยุคพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ออกมา ศิลปะอิตาเลียนบาโรก เราก็เรียกมันว่า "บาโรกคลาสสิค" ได้เลย

ต้นกำเนิดของลัทธิคลาสสิกนี้มีพื้นฐานมาจากศิลปะมากกว่าการเมือง ภาษาฝรั่งเศส สถาปัตยกรรมเจ้าพระยาศตวรรษและในระดับที่น้อยกว่า ประติมากรรมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีมากกว่าในประเทศทางตอนเหนืออื่นๆ แม้ว่าในการวาดภาพสไตล์แมนเนอริสม์ของโรงเรียนปลายฟงแตนโบลยังคงครอบงำอยู่จนกระทั่ง

ต้นศตวรรษที่ 17 (ดูหน้า 268-270) การพัฒนาลัทธิคลาสสิกยังได้รับการอำนวยความสะดวกโดยมนุษยนิยมชาวฝรั่งเศสด้วยมรดกทางปัญญาด้านเหตุผลและความเมตตากรุณาแบบสโตอิก ปัจจัยเหล่านี้ขัดขวางการแพร่กระจายของบาโรกในฝรั่งเศสและปรับเปลี่ยนการตีความ ตัวอย่างเช่น วงจรเมดิชีของรูเบนส์ (ดูแผ่นที่ 287) ไม่มีอิทธิพลต่อศิลปะฝรั่งเศสเลยจนกระทั่งปลายศตวรรษ ในช่วงทศวรรษที่ 1620 เมื่อรูเบนส์กำลังสร้างสรรค์ผลงานชิ้นนี้ ศิลปินรุ่นเยาว์ในฝรั่งเศสเพิ่งจะเชี่ยวชาญศิลปะบาโรกยุคแรกๆ

302. จอร์ชเดอลาตูร์ นักบุญโยเซฟช่างไม้ ตกลง. 1645 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 129.9 x 101 ซม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ปารีส

บาโรกในฝรั่งเศส: ยุคแห่งแวร์ซาย 317

303. นิโคลัส ปูสซิน การข่มขืนสตรีชาวซาบีน ตกลง. 1bZb-1637 สีน้ำมันบนผ้าใบ 154.6 x 209.9 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก มูลนิธิแฮร์ริสบริสเบนดิ๊ก 2489

จิตรกรรม

จีโนมและความดึงดูดต่อเรขาคณิตแบบง่าย

ภาษาฝรั่งเศส

ปูสซิน. เหตุใดเดอ ลาตูร์จึงถูกลืมอย่างรวดเร็ว?

จิตรกรได้รับอิทธิพลจากคาราวัจโจ แม้ว่าจะยังไม่ชัดเจนนักก็ตาม

เหตุผลนั้นง่าย: หลังทศวรรษ 1640 ในฝรั่งเศส

พวกเขานำสไตล์ของเขามาใช้อย่างไร เหล่านี้อยู่ใน

ลัทธิคลาสสิกครอบงำ ศิลปะแห่งเดอ ลาตูร์ ของเขาด้วย

ส่วนใหญ่เป็นศิลปินรุ่นเยาว์ที่ทำงานด้วย

ความชัดเจน ความสมดุล และความยับยั้งชั่งใจ

จังหวัดแต่บางส่วนก็สามารถบรรลุผลได้

กำหนด

ภาคเรียน

ในลักษณะที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ สง่างามที่สุด

“คลาสสิก” - โดยเฉพาะเมื่อเปรียบเทียบกับสิ่งอื่น

ในหมู่พวกเขา -

ลาตูร์ (1593-1652) อัตรา

โดยจิตรกรชาวคาราวัจโจบางคน แต่เป็น "ชนชั้น"

ใคร

ข้อดี

เพียงสองร้อยปีเท่านั้น

เขาแน่นอน

เคยเป็น. มากกว่า

การเฉลิมฉลอง

ลัทธิคลาสสิก

ศิลปะ

สร้างโดยนิโคลา

ภายหลัง. ภาพวาดของเขา “St. โจเซฟช่างไม้" (ป่วย 302)

ปูสซิน (1593/94-1665) แม้ว่าปูสซินจะเยี่ยมยอดก็ตาม

ผิด

ประเภท

ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษและเป็นคนแรก

งาน,

จิตวิญญาณ,

ภาษาฝรั่งเศส

จิตรกร,

พิชิต

ทำให้ที่นี่มีจุดเด่นเช่นเดียวกับใน

การยอมรับในระดับสากล

อย่างไรก็ตามเขาเกือบจะแล้ว

ภาพวาดของคาราวัจโจเรื่อง “การเรียกของนักบุญมัทธิว” (ดูภาพประกอบ)

ใช้เวลาทั้งชีวิตในกรุงโรม ที่นั่นได้รับแรงบันดาลใจ

ราฟาเอลเขาได้พัฒนารูปแบบที่ต่อมาได้กลายเป็น

เทคนิคของ de Latour - ซึ่งทำให้ฉากสว่างขึ้นด้วย

เป็นแบบอย่างในอุดมคติสำหรับศิลปินชาวฝรั่งเศส

ความใกล้ชิด

ความอ่อนโยน

ชวนให้นึกถึง

ครึ่งหลังของศตวรรษ

ผลงานของ Geertgen tot Sin Jansa (ดูอิลลินอยส์ 193), de

ภาพวาด “การข่มขืนสตรีชาวซาบีน” (ป่วย ค.ศ. 303)

Latour แชร์กับ Geert

สามารถเป็นตัวอย่างของวินัยที่เข้มงวดใน

318 บาโรกในฝรั่งเศส: ยุคแห่งแวร์ซาย

304. นิโคลัส ปูสซิน การกำเนิดของแบคคัส ตกลง. 1657 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 123 x 179 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟ็อกก์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะมหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด เคมบริดจ์ (แมสซาชูเซตส์) ของขวัญจากนาง Samuel Sachs เพื่อรำลึกถึงสามีของเธอ Mr. Samuel Sachs

รูปแบบทางปัญญาของปูสซิน ตัวเลขที่แสดงออกมาอย่างระมัดระวังดูเหมือนจะ "หยุดนิ่งในการเคลื่อนไหว" เหมือนรูปปั้น และจริงๆ แล้วหลายรูปนั้นยืมมาจากประติมากรรมขนมผสมน้ำยา ปูสซินวางสิ่งเหล่านี้ไว้ด้านหน้าสิ่งที่เขาถือว่าสร้างขึ้นใหม่ตามหลักโบราณคดีของสถาปัตยกรรมโรมัน องค์ประกอบนี้มีกลิ่นอายของความไร้เหตุผล และไม่ใช่โดยไร้เหตุผล มันถูกสร้างขึ้นโดยการเคลื่อนย้ายตุ๊กตาดินเผาไปรอบๆ เวทีจำลองขนาดจิ๋ว จนกระทั่งการจัดวางตำแหน่งดังกล่าวดูถูกต้องสำหรับศิลปิน ความรู้สึกแสดงให้เห็นมากมายในภาพ แต่ขาดความเป็นธรรมชาติอย่างเห็นได้ชัด และไม่ทำให้เรารู้สึกใดๆ เห็นได้ชัดว่าหลักการทางศิลปะที่ใช้ในที่นี้ย้อนกลับไปถึงราฟาเอล หรือที่เจาะจงกว่านั้นคือราฟาเอล ซึ่งผ่านอันนิบาเล การ์รัคชีและโรงเรียนของเขา (เทียบอิลลินอยส์ 273, 274) ลักษณะของเวนิสซึ่งปรากฏแล้วในช่วงเริ่มต้นอาชีพของศิลปินถูกเขาจงใจระงับ ปูสซินสามารถโจมตีเราได้ในฐานะผู้ชายที่อยู่ภายใต้จิตใจของเขาเองโดยสมบูรณ์ - ความประทับใจนี้ได้รับการยืนยันจากจดหมายหลายฉบับที่เขาระบุไว้

มุมมองของคุณต่อเพื่อนและผู้อุปถัมภ์ เขาเชื่อว่าเป้าหมายสูงสุดของการวาดภาพคือการพรรณนาการกระทำของมนุษย์ที่ยอดเยี่ยมและจริงจัง ควรแสดงให้เห็นอย่างมีเหตุผลและเป็นระเบียบ นั่นคือไม่ใช่ทุกอย่างที่เกิดขึ้นจริง แต่เป็นอย่างที่มันจะเกิดขึ้นหากธรรมชาติสมบูรณ์แบบ ด้วยเหตุนี้ศิลปินจึงต้องมุ่งมั่นเพื่อส่วนรวมและแบบฉบับ เอาใจใส่จิตใจมากกว่าความรู้สึก เขาควรให้ความสำคัญกับตัวเองให้น้อยลงกับสิ่งที่ไม่มีนัยสำคัญเช่นสี และให้ความสำคัญกับรูปแบบมากขึ้น

และ องค์ประกอบ ในภาพวาดที่ดี ผู้ชมจะสามารถ "อ่าน" ความรู้สึกที่แท้จริงของแต่ละภาพได้เสมอ

และ เกี่ยวข้องกับโครงเรื่อง แนวคิดเหล่านี้ไม่ใช่เรื่องใหม่ เรานึกถึงสำนวนโบราณที่ว่า "ut pictura poesis" ("การวาดภาพคือบทกวีเดียวกัน") และการยืนยันของเลโอนาร์โดที่ว่าจุดประสงค์สูงสุดของการวาดภาพคือเพื่อพรรณนาถึง "ความตั้งใจของจิตวิญญาณมนุษย์" (ดูหน้า 244, 291) อย่างไรก็ตาม ก่อนปูสซิน ไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบภาพเขียนกับวรรณกรรมได้อย่างใกล้ชิด หรือนำทฤษฎีนี้ไปปฏิบัติอย่างแท้จริง มันเป็นวิธีการของศิลปินที่อธิบายการมีอยู่ของริโทที่เย็นชาและน่ารำคาญที่เราสัมผัสได้

Ricky ใน The Rape of the Sabine Women ด้วยเหตุนี้ภาพจึงดูแปลกตาสำหรับเราแม้ว่าเราจะอดไม่ได้ที่จะชื่นชมความเป็นระเบียบเรียบร้อยที่เข้มงวดของมัน

ตามมุมมองทางทฤษฎีเหล่านี้ Poussin ยังเขียน "ภูมิทัศน์ในอุดมคติ" ซึ่งบรรลุผลลัพธ์ที่น่าประทับใจมาก เนื่องจากภูมิทัศน์เหล่านี้โดดเด่นด้วยความงามที่ควบคุมไม่ได้และสันติภาพที่มีความหมาย ปูสซินทำงานในจิตวิญญาณแห่งเหตุผลนิยมอย่างเคร่งครัดจนกระทั่งประมาณกลางศตวรรษที่ 17 เมื่อเขาเริ่มวาดภาพทิวทัศน์ชุดหนึ่งซึ่งแสดงถึงการกลับมาสู่ธีมในตำนานที่เขาละทิ้งไปในยุคกลาง สไตล์ทิเชียนของงานในช่วงแรกของเขาผสมผสานเข้ากับความคลาสสิกของราฟาเอลในช่วงท้ายซึ่งส่งผลให้เกิด ชนิดใหม่ภูมิทัศน์ในตำนานที่คล้ายกับจิตวิญญาณของคลอดด์ ลอร์เรน (ดูด้านล่าง) แต่เต็มไปด้วยความสัมพันธ์ส่วนตัวที่ทำให้ภาพมีความหมายหลายระดับ อันที่จริง ภาพสะท้อนในเวลาต่อมาของศิลปินถูกเรียกว่าการทำสมาธิแบบทิพย์อย่างถูกต้อง เนื่องจากมีภาพตามแบบฉบับที่มีความสำคัญสากล ภาพวาด "การกำเนิดของแบคคัส" (ป่วย 304) หนึ่งในผลงานที่ลึกซึ้งที่สุดของศิลปิน ใช้ธีมที่ยิ่งใหญ่ของสโตอิกส์ (ปูสซินกล่าวถึงสองครั้งตั้งแต่อายุยังน้อย) ซึ่งแย้งว่าความตายควรคาดหวังแม้ใน มีความสุขที่สุดในโลก ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นช่วงเวลาที่เด็กซึ่งเกิดจากการรวมตัวกันของดาวพฤหัสกับเทพีเซเมเลทางจันทรคติและเกิดจากต้นขาของเธอ ได้รับการอุ้มเพื่อความปลอดภัยโดยดาวพุธไปยังเทพีแห่งแม่น้ำ Dirke ในขณะที่เทพารักษ์แพนเล่นขลุ่ยด้วยแรงบันดาลใจอันสนุกสนาน (ดาวพฤหัสบดีเองก็ถูกเลี้ยงดูโดยเทพแห่งป่า ดูรูปที่ 290) การวาดภาพไม่ได้โดดเด่นด้วยความฉลาด - ศิลปินในวัยชราพบว่าเป็นการยากที่จะทาสีซึ่งอธิบายถึงความไม่แน่นอนของจังหวะ อย่างไรก็ตาม ปูสซินหันมาใช้สิ่งนี้เพื่อประโยชน์ของเขา และ The Birth of Bacchus แสดงถึงเจตนารมณ์ทางศิลปะที่บริสุทธิ์ที่สุดในรูปแบบภาพ ภาพเต็มไปด้วยบทกลอนที่ชัดเจนแสดงถึงความสุขของชีวิตในด้านหนึ่งและลางสังหรณ์อันมืดมนของความตายอีกด้านหนึ่งทางขวานางไม้ Echo สะอื้นไปทั่วร่างของ Narcissus ชายหนุ่มรูปงามที่ละเลยเธอ รักและจมน้ำตายขณะจูบ ภาพสะท้อนของตัวเองในน้ำ.

คล็อด ลอร์เรน. หากปูสซินพัฒนาคุณสมบัติที่กล้าหาญของ "ภูมิทัศน์ในอุดมคติ" จิตรกรภูมิทัศน์ชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Claude Lorrain (1600-1682) ก็เน้นย้ำลวดลายอันงดงามของมัน ชีวิตสร้างสรรค์ของศิลปินคนนี้เกือบทั้งชีวิตก็ผ่านไปเช่นกัน

บาโรกในฝรั่งเศส: ยุคแห่งแวร์ซาย 319

ในโรม. เช่นเดียวกับชาวเหนือหลายคน โคลดศึกษา ชนบทใกล้เมืองหลวง (กัมปาญญา) ดีกว่าอิตาลีและตกหลุมรักเธออย่างแท้จริง ภาพร่างที่ไม่มีที่สิ้นสุดจากธรรมชาติเป็นพยานถึงพลังแห่งการสังเกตที่ไม่ธรรมดาของเขา เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเป็นคนแรกในบรรดาศิลปินที่เริ่มวาดภาพร่างจากชีวิตด้วยน้ำมัน อย่างไรก็ตาม ภาพร่างเหล่านี้เป็นเพียงภาพร่างเบื้องต้นสำหรับภาพวาดซึ่งเขาไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อความแม่นยำของภูมิประเทศ แต่เพื่อถ่ายทอดอารมณ์บทกวีของภูมิทัศน์ในชนบท ซึ่งเต็มไปด้วยเสียงสะท้อนของสมัยโบราณ บ่อยครั้ง ดังเช่นใน “ทิวทัศน์ชนบท” (อิลลูมิเนชันส์ 305) องค์ประกอบภาพเต็มไปด้วยบรรยากาศที่สั่นไหวในช่วงเช้าตรู่หรือช่วงเย็นที่กำลังใกล้เข้ามา ปกคลุมไปด้วยหมอกควัน และในเวลาเดียวกันก็เต็มไปด้วยแสงสว่าง พื้นที่ที่ทอดยาวออกไปในระยะไกลแผ่ออกอย่างราบรื่น และไม่ทีละขั้นตอน ดังเช่นในภูมิประเทศในอุดมคติของ Poussin เมื่อมองเห็นพื้นที่เปิดโล่งดังกล่าว ผู้ชมจะรู้สึกโหยหาอดีตและประดับประดาด้วยความทรงจำ ดังนั้นภูมิทัศน์ของ Lorrain จึงดึงดูดใจชาวอังกฤษเป็นพิเศษซึ่งเคยเห็นอิตาลีเพียงช่วงสั้น ๆ หรือไม่เคยไปที่นั่นเลย

วิว. เมื่ออายุยังน้อย Simon Vouz (1590-1649) ก็อาศัยอยู่ในโรมเช่นกัน ซึ่งเขาเป็นผู้นำกลุ่มคาราวัจโจชาวฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม ไม่เหมือนกับ Pousseigne และ Claude Lorrain ตรงที่เขาละทิ้งร่องรอยของสไตล์คาราวัจจิสต์ทั้งหมดอย่างรวดเร็ว และสร้างขึ้นจากความสำเร็จของ Carracci ซึ่งเป็นสไตล์ที่มีสีสันซึ่งกลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกจน Vouet ได้รับการขนานนามว่าเป็นศิลปินคนแรกของกษัตริย์ เมื่อมาถึงเขาไม่ลืมเกี่ยวกับผู้บุกเบิกยุคบาโรกทางตอนเหนือของอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ภาพวาด "Toilet of Venus" (ป่วยปี 306) พรรณนาถึงโครงเรื่องยอดนิยมในเวนิสตั้งแต่ทิเชียนไปจนถึงเวโรนีส รูปที่วาดโดย Vouet ก็มีลักษณะคล้ายกับ Io Correggio (ดูรูปที่ 252) แต่ไม่มีการแสดงความรู้สึกทางเพศอย่างเปิดเผย แต่ศิลปินกลับมอบคุณลักษณะที่อ่อนไหวสง่างามให้เธอแทนซึ่งห่างไกลจากศิลปะที่มีระเบียบวินัยของปูสซินอย่างไม่มีสิ้นสุด น่าแปลกที่ The Toilet of Venus เขียนขึ้นราวปี ค.ศ. 1640 เกือบจะพร้อมกันกับจุดเริ่มต้นของการพำนักในปารีสอย่างน่าเศร้าของ Poussin ซึ่งเขามาถึงตามคำเชิญของพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 ปูสซินไม่มี ความสำเร็จมากขึ้นกว่า Bernini สามสิบปีต่อมา (ดูหน้า 323-324) และไม่กี่ปีต่อมาก็ออกจากปารีสด้วยความรู้สึกผิดหวังขมขื่นจากการต้อนรับอย่างเย็นชาที่ศาลซึ่งมีรสนิยมและแรงบันดาลใจทางการเมืองที่ Voue เข้าใจได้ดีขึ้นอย่างไม่มีที่เปรียบ การแข่งขันของพวกเขาดำเนินไปในทางใดทางหนึ่งในภายหลัง สไตล์การตกแต่งของ Vouet สร้างเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของ Rococo แต่เป็นความคลาสสิกของ Poussin ที่ครองตำแหน่งผู้นำในฝรั่งเศส ทั้งสองอย่าง

320 บาโรกในฝรั่งเศส: ยุคแห่งแวร์ซาย

305. คลอดด์ ลอร์เรน ภูมิทัศน์อภิบาล ตกลง. 1650 แผ่นทองแดงน้ำมัน. 40.3 x 54.9 ซม.

หอศิลป์มหาวิทยาลัยเยล, นิวเฮเวน (คอนเนตทิคัต) มูลนิธิลีโอก. ฮันนาห์ผู้น้อง

306. ไซมอนวิว. ห้องน้ำของวีนัส ตกลง. 1640 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 165.7 x 114.3 ซม. สถาบันคาร์เนกี้ พิตต์สเบิร์ก

ประเพณีแข่งขันกันจนสิ้นสุดยุคโรแมนติก ผลัดกันขึ้นเป็นผู้นำ แต่ไม่มีผู้ใดสามารถบรรลุความเหนือกว่าที่จับต้องได้เป็นเวลานาน

ราชบัณฑิตยสถาน

เมื่อพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ในวัยหนุ่มขึ้นสู่อำนาจในปี 1661 ฌอง-บาติสต์ โกลแบร์ หัวหน้าที่ปรึกษาของเขา ได้สร้างเครื่องมือการบริหารเพื่อสนับสนุนระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ในระบบนี้มุ่งเป้าไปที่การควบคุมความคิดและการกระทำของคนทั้งประเทศอย่างเข้มงวดจากเบื้องบน ทัศนศิลป์มีเป้าหมายในการถวายเกียรติแด่กษัตริย์ และลัทธิคลาสสิกกลายเป็น "สไตล์ราชวงศ์" อย่างเป็นทางการทั้งในทางทฤษฎีและปฏิบัติ

ประวัติความเป็นมาของสไตล์

ศิลปะสไตล์บาโรกมีต้นกำเนิดในปลายศตวรรษที่ 16 ในประเทศอิตาลี ประวัติความเป็นมาของชื่อนี้มีความเกี่ยวข้องกับกะลาสีเรือชาวโปรตุเกส ซึ่งใช้คำว่า barocco เพื่อแสดงถึงไข่มุกที่มีตำหนิ รูปร่างไม่สม่ำเสมอ. ชาวอิตาลียอมรับคำนี้ทันที ผสมผสานกับการแสดงออกทางศิลปะและแปลกประหลาดของขบวนการวัฒนธรรมใหม่

การเกิดขึ้นของยุคบาโรกมีความเกี่ยวข้องกับการเสื่อมถอยของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: เมื่อละทิ้งแนวคิดเรื่องความสามัคคีแบบคลาสสิกและระเบียบโลกที่เข้มงวด ผู้สร้างมุ่งเน้นไปที่การต่อสู้ระหว่างเหตุผลและความรู้สึก จากนี้ไป ความสนใจของพวกเขาจะมุ่งเน้นไปที่พลังขององค์ประกอบ การแสดงออก และความลึกลับ

ในช่วงศตวรรษที่ 17 และ 18 สถาปัตยกรรมบาโรก ศิลปะ และดนตรีแพร่หลายไปทั่วยุโรปและอเมริกา และเข้ามายังรัสเซีย ความเจริญรุ่งเรืองของสไตล์สอดคล้องกับความเข้มแข็ง ระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์การพัฒนาอาณานิคมการเสริมสร้างความเข้มแข็งของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก เป็นเหตุผลที่ในการวางผังเมืองนั้นแสดงให้เห็นในขนาดและความยิ่งใหญ่

ลักษณะเฉพาะของบาโรก

มีการใช้รูปแบบที่เคร่งขรึม ซับซ้อน และตกแต่งอย่างหรูหราในการก่อสร้างพระราชวัง ที่อยู่อาศัย และอารามในเมือง โซลูชันทางสถาปัตยกรรมของสถาปนิกศาลนั้นอยู่ภายใต้แนวคิดเดียว: สร้างความประหลาดใจและความพึงพอใจ

รูปร่าง

คุณสมบัติหลักของบาโรกคือการสร้างพื้นที่โค้ง โดยที่ระนาบและปริมาตรมีความโค้งและไหลเข้าหากัน วงรีและสี่เหลี่ยมมีอิทธิพลเหนือในแผน

ในการออกแบบด้านหน้าอาคารนั้นมีการใช้การค้ำยันกันอย่างแพร่หลายเมื่อส่วนหนึ่งของผนังถูกตั้งไปข้างหน้าเล็กน้อยหรือในทางกลับกันจะถูกปิดภาคเรียนพร้อมกับองค์ประกอบทั้งหมด ผลลัพธ์คือการสลับส่วนนูนและส่วนเว้าพร้อมกับเอฟเฟกต์ ภาพลวงตาเชิงพื้นที่. หน้าต่างที่ยื่นจากผนัง หอคอย และระเบียงทุกชนิดทำให้องค์ประกอบของส่วนหน้าอาคารดูโดดเด่นยิ่งขึ้น

คำสั่ง

ลักษณะเด่นของอาคารสไตล์บาโรกคือการละเมิดสัดส่วนในระบบระเบียบโบราณโดยเจตนา

ส่วนของคำสั่ง (ฐาน, บัว, เมืองหลวง) ถูกยืด, ทับซ้อนกัน, บิด; โครงสร้างที่กลมกลืนกันก่อนหน้านี้ (สมส่วนกับบุคคล) จะได้รับความใหญ่โตและจังหวะที่ขาดหาย

การตกแต่งภายนอกและภายใน

คุณสมบัติหลักของบาร็อคยังรวมถึงการตกแต่งที่มากเกินไปซึ่งทำให้มีเหตุผลหลายประการในการกล่าวหาว่ามีรสนิยมไม่ดี

ผนังแทบจะหายไปภายใต้การปั้นปูนปั้น ภาพวาด แผงแกะสลัก ประติมากรรม เสา และกระจก ความปรารถนาที่จะมีความโอหังนั้นแสดงออกมาในเฟอร์นิเจอร์ที่มีน้ำหนักมาก ตู้ขนาดใหญ่ และบันได หากเราพูดถึงบาร็อคสั้นๆ จะเป็นสไตล์ที่เกินเลย ด้วยการสลับพื้นที่ที่ส่องสว่างและแรเงา รวมถึงไฟด้านข้างที่ปรับได้ ช่างฝีมือจึงสร้างเอฟเฟ็กต์ทางแสงเพื่อขยายพื้นที่ ทอง, น้ำเงิน, สีชมพูสร้างบรรยากาศอันเคร่งขรึม

การเชื่อมต่อกับพื้นที่โดยรอบ

คำอธิบายของสไตล์บาโรกจะไม่สมบูรณ์หากไม่ได้เน้นถึงการผสมผสานระหว่างอาคารกับพื้นที่โดยรอบ เช่น จัตุรัสกลางเมือง สวนสาธารณะ และสวน นี่เป็นแนวโน้มที่ก้าวหน้า อาคารต่างๆ เริ่มถูกมองว่าเป็นหนึ่งเดียวกับภูมิทัศน์ นับจากนี้ไป น้ำพุ องค์ประกอบทางประติมากรรม ทางเดินที่แตกหัก และสนามหญ้า กลายเป็นส่วนหนึ่งของวงดนตรีในพระราชวัง

องค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมบาโรก

• ด้านหน้าสไตล์บาโรกได้รับการตกแต่งอย่างกระตือรือร้นด้วยเสา ภาพนูนนูนขนาดใหญ่ และหน้าจั่วโค้ง

แผ่นแบนที่ตกแต่งอย่างหรูหราจำเป็นต้องติดตั้งคีย์สโตน หน้าต่างทำเป็นรูปวงรี ซีกโลก และช่องสี่เหลี่ยม แทนที่จะมีเสา กลับมีการติดตั้งรูปปั้น caryatids และ Atlanteans เพื่อรองรับเพดานคาน ราวบันได และหลังคาโค้ง

• องค์ประกอบทางประติมากรรมอันยิ่งใหญ่ถือเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์นี้

ท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของบุคคลในตำนานและในพระคัมภีร์ถ่ายทอดความตึงเครียดทางอารมณ์และละครของโครงเรื่องซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของโครงสร้างที่ซับซ้อนของโลกและความหลงใหลของมนุษย์

• การออกแบบบาโรกแบบดั้งเดิม ได้แก่ อาหรับ มาลัย เปลือกหอย คาร์ทูช แจกันดอกไม้ ความอุดมสมบูรณ์ และเครื่องดนตรี

ทุกรายละเอียดถูกจัดวางอย่างหรูหรา ในการผสมผสานระหว่างสไตล์บาโรก โรโกโก และคลาสสิกที่ใกล้ชิดทางประวัติศาสตร์ รูปแบบแรกมีความโดดเด่นอย่างมากจากความรักในการตกแต่งที่มากเกินไป จากนั้น Rococo ก็จะเลือกคุณลักษณะนี้ขึ้นมา โดยเน้นไปที่ความสง่างามและความซับซ้อนมากขึ้น

• หนึ่งในคุณสมบัติของสถาปัตยกรรมบาโรกคือการใช้มาสคารอนในการออกแบบส่วนหน้าอาคาร (หน้ากากในรูปแบบของใบหน้ามนุษย์หรือปากกระบอกปืนของสัตว์ที่อยู่ด้านหน้า)

สิ่งเหล่านี้ทำจากหินและปูนปลาสเตอร์และวางไว้เหนือประตูหน้า ช่องหน้าต่าง และส่วนโค้ง หน้ากากแต่ละชิ้นมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง: สงบ น่ากลัว และตลกขบขัน มาสคารอนเฉพาะเรื่องได้รับการคัดเลือกตามประวัติของสถาบัน: ภาพของเทพีแห่งความยุติธรรมและหัวสิงโตถูกแขวนไว้บนสนาม ตัวละครที่น่าทึ่งในโรงละคร เทวดาและเด็ก ๆ ในโบสถ์

สไตล์บาร็อคในอิตาลี

ใหม่ในแต่ละประเทศ สไตล์สถาปัตยกรรมปรากฏภายใต้อิทธิพลของเงื่อนไขทางการเมือง สังคม และวัฒนธรรม ในเรื่องนี้เราสามารถพูดถึง กีฬาประจำชาติบาโรก: อิตาลี, ฝรั่งเศส, สเปน, เยอรมัน, อังกฤษ, รัสเซีย

ในมรดกโลก พิสดารของอิตาลีถือเป็นแหล่งที่มาและแรงบันดาลใจหลัก วาติกันมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาสถาปัตยกรรม ในศตวรรษที่ 16 คริสตจักรคาทอลิกเริ่มก่อสร้างวัดและอาสนวิหารต่างๆ อย่างแข็งขัน ซึ่งมีขนาดไม่น่าประทับใจมากนัก แต่ได้รับการออกแบบอย่างยิ่งใหญ่และสะเทือนอารมณ์

หนึ่งในกลุ่มแรกๆ ที่สร้างโบสถ์ Il Gesu อันโด่งดัง ซึ่งเป็นโครงการของ Giacomo Barozzi da Vignola การออกแบบส่วนหน้าอาคารหลักผสมผสานคำสั่งหลายอย่างเข้าด้วยกัน ก้นคลื่นกว้างที่ด้านข้างเชื่อมต่อกับส่วนหน้าอาคารทั้งสองชั้น วิธีนี้กลายเป็นตำราเรียนสำหรับคริสตจักรในยุคนี้

สถาปนิกบาโรกชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 17 ได้แก่ Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Guarino Guarini, Carlo Rainaldi จัตุรัสเซนต์ปีเตอร์ในโรมเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก - โครงการโดย L. Bernini ซึ่งเสาหินสร้างมุมมองที่ประดิษฐ์ขึ้นและเพิ่มขนาดของมหาวิหารด้วยสายตา

พิสดารฝรั่งเศส

ลักษณะสำคัญของสไตล์บาโรกในฝรั่งเศสปรากฏมากขึ้นในการตกแต่งภายใน ในขณะที่ความคลาสสิกครอบงำในการตกแต่งส่วนหน้า

ตัวอย่างที่โดดเด่นของแนวทางนี้คือพระราชวังแวร์ซายส์ ซึ่งออกแบบโดยหลุยส์ เลโว และจูลส์ ฮาร์ดูอิน-มานซาร์ ธีมบาโรกในการออกแบบส่วนหน้าระบุด้วยประติมากรรมเท่านั้น ซึ่งตรงกันข้ามกับรูปทรงทางเรขาคณิตของอาคารด้วยรูปแบบที่แสดงออก

การตกแต่งสไตล์บาโรกอันเขียวชอุ่มมีชัยเหนือภายในพระราชวัง โดยเฉพาะในห้องโถงแห่งสงครามและสันติภาพ และแกลเลอรีกระจก

สถาปนิกชาวฝรั่งเศสผสมผสานสไตล์บาโรกและคลาสสิกในการออกแบบคฤหาสน์ในเมือง ที่อยู่อาศัยของประเทศ. จินตนาการเชิงศิลปะเปิดทางให้กับบทบาทผู้นำในรูปแบบที่เข้มงวด สถาปนิกหลักในยุคนั้น ได้แก่ Jacques Lemercier, Francois Mansart, Louis Levo

สถาปัตยกรรมของปราสาทย้ายจากป้อมปราการรูปสี่เหลี่ยมแบบดั้งเดิมมาสู่อาคารส่วนกลางและปีกด้านข้าง โดยมีถนนทางเข้าและสวนที่ได้รับการปลูกฝัง ปริมาณจะง่ายขึ้น จำนวนปูนปั้นบนด้านหน้าลดลง ขนาดจะเล็กลง - นี่คือตัวอย่างของบาร็อคในการออกแบบปราสาทของ Vaux, Montmorency, Chanet, Maison-Lafitte

สถาปัตยกรรมของสเปน โปรตุเกส และละตินอเมริกา

ทิศทางแบบบาโรกปรากฏชัดเจนที่สุดในผลงานของพี่น้อง Churriguera ชาวสเปน (ศตวรรษที่ 17-18) งานของพวกเขายังได้รับชื่อของตัวเอง - Churrigueresque

ด้านหน้าและการตกแต่งภายในเต็มไปด้วยการตกแต่งอันเขียวชอุ่มและมีรายละเอียดมากเกินไป: หน้าจั่วหัก, บัวหยัก, ลอน, มาลัย, ราวบันได อาคารที่มีชื่อเสียงที่สุดในสไตล์บาโรกนี้คืออาสนวิหารเซนต์เจมส์ในซานติเอโกเดกอมโปสเตลา

สถาปัตยกรรมสเปนอีกส่วนหนึ่งได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของประเพณีอิตาลีและฝรั่งเศส ตัวอย่างทั่วไปคือพระราชวังในกรุงมาดริด ซึ่งสร้างขึ้นในลักษณะเดียวกับแวร์ซายส์โดยสถาปนิกจากอิตาลี: Filippo Juvarra, Giovanni Sacchetti, Francesco Sabatini ด้านหน้าอาคารที่เคร่งครัดแบบคลาสสิกผสมผสานเข้ากับการตกแต่งภายในสไตล์บาโรกอันงดงาม

พระราชวังสไตล์บาโรกของโปรตุเกสรวมอยู่ในมรดกทางวัฒนธรรมของโลก:

• ด้านหน้าของพระราชวัง Rayo (ออกแบบโดย Andre Soares) ได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราด้วยปูนปั้น เนื่องจากรูปแบบที่หลากหลาย จึงสร้างเอฟเฟกต์ไดนามิก

• พระราชวังมาฟราเป็นพระราชวังที่ใหญ่ที่สุดในประเทศ ผสมผสานระหว่างมหาวิหาร ห้องสมุดขนาดใหญ่ และอารามฟรานซิสกัน

• พระราชวัง Mateus (ออกแบบโดย Nicolau Nasoni ชาวอิตาลี) มีสถานะเป็นอนุสรณ์สถานแห่งชาติของโปรตุเกส ล้อมรอบด้วยสวนสาธารณะที่มีรูปปั้นหินอ่อน

แพร่กระจายเข้าสู่ โลกใหม่สไตล์บาร็อคได้รับการสนับสนุนจากอาร์เจนตินาถึงเม็กซิโก ตัวอย่างทั่วไปคือมหาวิหารในแท็กซ์โกและเม็กซิโกซิตี้ ซึ่งมีการตกแต่งอย่างล้นหลาม และมีหอคอยหัวมุมที่เกินจริง

พิสดารรัสเซีย

ในจักรวรรดิรัสเซีย รูปแบบสถาปัตยกรรมได้รับการพัฒนาในลักษณะพิเศษ โดยยึดเอาขนบธรรมเนียมประเพณีของสถาปัตยกรรมรัสเซียเป็นพื้นฐาน เขาได้เสริมคุณค่าตัวเองด้วยหลักการของยุโรปตะวันตกในสมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราช จุดสูงสุดเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เมื่อชาติตะวันตกละทิ้งความโอ่อ่าเพื่อสนับสนุนความเข้มงวดของลัทธิคลาสสิก

คุณสมบัติของสไตล์บาร็อคในรัสเซีย:

• แผนสถาปัตยกรรมและ องค์ประกอบเชิงปริมาตรแตกต่างในความเรียบง่ายและโครงสร้างที่ชัดเจนยิ่งขึ้น
• วัสดุหลักสำหรับตกแต่งซุ้มคือปูนปลาสเตอร์ที่มีชิ้นส่วนยิปซั่มไม่ใช่หินเหมือนในโลกตะวันตก ดังนั้นจึงให้ความสำคัญกับการสร้างแบบจำลองและโทนสีประดับมากขึ้น
• อาคารสไตล์บาโรกของรัสเซียสร้างขึ้นด้วยสีที่สดใสและตัดกัน (น้ำเงิน ขาว เหลือง แดง น้ำเงินเข้ม) ปิดทอง หลังคาที่ซับซ้อนทำจากเหล็กวิลาด อาคารแห่งนี้สร้างตัวละครหลักที่รื่นเริง

เป็นเรื่องปกติที่จะต้องแยกแยะขั้นตอนทางประวัติศาสตร์หลายขั้นตอนในการพัฒนาสถาปัตยกรรมในประเทศ

กรุงมอสโกยุคบาโรกในช่วงปลายศตวรรษที่ 17

ซึ่งรวมถึงจุดหมายปลายทางที่ตั้งชื่อตามลูกค้าด้วย

คุณสมบัติลักษณะของสไตล์ Naryshkin Baroque: สมมาตร, ฉัตร, ศูนย์กลาง, รายละเอียดสีขาวบนพื้นหลังสีแดง เทคนิคการก่อสร้างด้วยไม้และหินของรัสเซียโบราณผสมผสานกับสไตล์โกธิกแบบยุโรป ลัทธิปฏิบัตินิยม และยุคเรอเนซองส์ โบสถ์แห่งการขอร้องหลายชั้นที่มีชื่อเสียงได้รับการออกแบบในรูปแบบนี้ พระมารดาศักดิ์สิทธิ์ของพระเจ้าในฟิลี

ทิศทาง Golitsyn ใช้เฉพาะการตกแต่งแบบบาโรกในการตกแต่งภายใน มรดกทางสถาปัตยกรรม - โบสถ์แห่งสัญลักษณ์ของพระแม่มารีผู้ศักดิ์สิทธิ์ใน Dubrovitsy

อาคารสโตรกานอฟมีรูปทรงโดมห้าโดม (แบบดั้งเดิมสำหรับโบสถ์รัสเซีย) การตกแต่งสไตล์บาโรกที่นี่อุดมสมบูรณ์และมีรายละเอียดอย่างยิ่ง ตัวอย่างคือโบสถ์ Smolensk ใน Nizhny Novgorod

พิสดารของปีเตอร์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17-18

ภายใต้ Peter I สถาปนิกชาวต่างชาติทำงานในรัสเซียโดยถ่ายทอดประสบการณ์ของยุโรปให้กับปรมาจารย์ในประเทศ Andreas Schlüter ชาวเยอรมันสร้างถ้ำในนั้น สวนฤดูร้อนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก. โยฮันน์ ก็อตต์ฟรีด สเชเดล จากเยอรมนีเช่นกัน ได้ดูแลการก่อสร้างพระราชวัง Menshikov บนเกาะ Vasilyevsky ใน Oranienbaum, Strelna และ Kronstadt โครงการมีความเคร่งขรึมแบบบาโรก แต่ผนังถูกทำให้เรียบโดยไม่มีภาพลวงตาโค้ง

สถาปนิกชาวรัสเซียคนแรกที่ได้รับการศึกษาอย่างเป็นทางการคือ มิคาอิล กริกอรีวิช เซมต์ซอฟ ด้วยการทำงานในสไตล์บาโรกรัสเซีย เขาออกแบบและสร้างพระราชวัง Anichkov บ้านพักฤดูร้อน ศาลาในสวนสาธารณะในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก พระราชวังใน Revel และมีส่วนร่วมในการก่อสร้างหอระฆังในป้อม Peter และ Paul

สถาปัตยกรรมบาโรกกลางศตวรรษที่ 18

ในช่วงรัชสมัยของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ (ค.ศ. 1740-1750) ยุคบาโรกที่เป็นผู้ใหญ่เริ่มต้นขึ้น เรียกว่าเอลิซาเบธ ขณะนี้บี.เอฟ.กำลังสร้าง Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevakinsky

การก่อสร้างกลุ่มอาคารขนาดใหญ่ เช่น พระราชวัง อาสนวิหาร อาราม และที่พักอาศัยในชนบทมีจุดมุ่งหมายเพื่อเสริมสร้างศักดิ์ศรีของอำนาจของจักรวรรดิและขุนนาง อพาร์ทเมนต์ในพระราชวังได้รับการวางแผนตามหลักการ enfilade ห้องโถงด้านในตกแต่งด้วยงานแกะสลักปิดทอง เครือเถา กระจก และไม้ปาร์เก้ฝัง บรรยากาศมีความเป็นทางการเป็นพิเศษ

สไตล์บาร็อคที่มาถึงจุดสูงสุดในรัสเซียในเวลานี้มีความเกี่ยวข้องกับผลงานของ Bartolomeo Francesco Rastrelli ผลงานของเขา ได้แก่ พระราชวัง Tsarskoye Selo Catherine, อาราม Smolny, Stroganov, Vorontsov และพระราชวังฤดูหนาว

สถาปัตยกรรมสไตล์บาโรกก็ดำรงอยู่ รัฐรัสเซียไม่นาน. ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ความหรูหราและส่วนเกินถูกแทนที่ด้วยความงามที่มีเหตุผลของความคลาสสิก แต่วงดนตรีของพระราชวังที่สร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ยังคงทำให้เราประหลาดใจกับขนาดของแผนผังและความอลังการของการตกแต่ง สถาปัตยกรรมของปีเตอร์ฮอฟ ซาร์สคอย เซโล และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปะบาโรกสมัยใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นจากคฤหาสน์ส่วนตัวในชนบท รูปร่างที่ซับซ้อนและการตกแต่งที่ไม่ธรรมดายังคงมีคุณค่าอยู่ที่นี่

พิสดารสมัยใหม่

สำหรับแฟนตัวยงของสไตล์ที่ต้องการมีบ้านสไตล์บาโรกที่ทันสมัยเป็นของตัวเอง เราเสนอโครงการที่ดำเนินการในสำนักสถาปัตยกรรม

A_5A_คลาสสิก

ความคลาสสิกสไตล์ศิลปะใน ศิลปะยุโรปต้นศตวรรษที่ 17–19 ลักษณะสำคัญที่สุดประการหนึ่งคือการดึงดูดรูปแบบของศิลปะโบราณ ลัทธิคลาสสิกซึ่งพัฒนาจากการโต้ตอบอย่างรุนแรงกับยุคบาโรก กลายเป็นระบบโวหารแบบองค์รวม พัฒนาเป็นภาษาฝรั่งเศส วัฒนธรรมทางศิลปะศตวรรษที่ 17. หลักการของปรัชญาที่เป็นรากฐานของลัทธิคลาสสิกนำไปสู่มุมมองของงานศิลปะในฐานะผลไม้ของเหตุผลและตรรกะ มีชัยชนะเหนือความสับสนวุ่นวายและความลื่นไหลของชีวิต หลักการที่มีเหตุผล (การอยู่ใต้บังคับบัญชาของบุคคลต่อส่วนรวม, ความหลงใหล - เหตุผล, หน้าที่, กฎของจักรวาล), การร้องขอเชิงสุนทรีย์ของลัทธิคลาสสิก

ในสถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกซึ่งโดดเด่นด้วยการวางแผนเชิงตรรกะและความชัดเจนของรูปแบบปริมาตรบทบาทหลักเล่นตามคำสั่งการแรเงาอย่างละเอียดและยับยั้งชั่งใจ โครงสร้างทั่วไปโครงสร้าง (François Mansart, Perrault, Levo)

ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ลัทธิคลาสสิกของฝรั่งเศสได้ซึมซับขอบเขตเชิงพื้นที่ของสถาปัตยกรรมบาโรก (Hardouin-Mansart Jules และ Le Nôtre André ผลงานของสถาปนิกที่แวร์ซายส์) ในศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ลัทธิคลาสสิกได้ก่อตัวขึ้นในสถาปัตยกรรมของฮอลแลนด์และอังกฤษ โดยผสมผสานเข้ากับลัทธิพัลลาเดียนอย่างเป็นธรรมชาติ

ในการวาดภาพความคลาสสิคซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของการสร้างแบบจำลองรูปร่างเหล็ก เส้นและ chiaroscuro สีท้องถิ่นเผยให้เห็นความเป็นพลาสติกของตัวเลขและวัตถุอย่างชัดเจนแยกแผนของภาพ เนื้อหาทางปรัชญาและจริยธรรมความสามัคคีโดยรวมของงาน ปูสซิน นิโคลัส ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกและปรมาจารย์ด้านศิลปะคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 "ทิวทัศน์ในอุดมคติ" (จิตรกร Lorraine Claude)

ลัทธิคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 (ในประวัติศาสตร์ศิลปะต่างประเทศ - นีโอคลาสซิซิสซึ่ม) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นสไตล์ยุโรปส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นในวัฒนธรรมฝรั่งเศสภายใต้อิทธิพลที่แข็งแกร่งของแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ในด้านสถาปัตยกรรมมีการกำหนดรูปแบบใหม่ของคฤหาสน์หรูหราอาคารสาธารณะในพิธีการจัตุรัสกลางเมืองแบบเปิด การค้นหาสถาปัตยกรรมรูปแบบใหม่ที่ไม่เป็นระเบียบความปรารถนาในความเรียบง่ายคาดว่าจะเป็นสถาปัตยกรรมของยุคปลายของลัทธิคลาสสิก - สไตล์เอ็มไพร์

ละครที่กล้าหาญของประวัติศาสตร์และ ภาพแนวตั้งที่มีอยู่ในผลงานของบท คลาสสิคแบบฝรั่งเศส, จิตรกร ฌาค หลุยส์ เดวิด.

ในศตวรรษที่ 19 จิตรกรรมแนวคลาสสิกแม้จะมีกิจกรรมของปรมาจารย์สำคัญๆ เช่น Jean Auguste โดมินิค อิงเกรสเสื่อมโทรมลงเป็นงานศิลปะซาลอนที่ขอโทษอย่างเป็นทางการหรืออวดดี

โรมกลายเป็นศูนย์กลางนานาชาติของลัทธิคลาสสิกยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งประเพณีทางวิชาการที่ผสมผสานลักษณะเฉพาะได้ครอบงำ ความสูงส่งของรูปแบบและอุดมคติอันเยือกเย็น.

ในตอนท้ายของช่วงที่สามแรกของศตวรรษที่ 19 บทบาทนำของลัทธิคลาสสิกเกือบทุกที่ก็สูญเปล่าและถูกแทนที่ด้วยรูปแบบสถาปัตยกรรมที่หลากหลาย มีชีวิตขึ้นมา ประเพณีทางศิลปะลัทธิคลาสสิกในลัทธินีโอคลาสสิกของปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

7A_ROCOCO

โรโคโค (rocaille - ลวดลายตกแต่งเป็นรูปเปลือกหอย) ทิศทางสไตล์ในศิลปะยุโรป ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18. โรโคโคมีลักษณะอารมณ์แบบ hedonistic (ความสุขคือ คุณธรรมสำคัญความดีและจุดมุ่งหมายสูงสุดของชีวิต) โลกแห่งมายาและความงดงาม เกมละครความหลงใหลในพล็อตเรื่องที่งดงามและอภิบาลและเร้าอารมณ์ มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสโรโคโคในด้านสถาปัตยกรรมนั้นสะท้อนให้เห็นในธรรมชาติของการตกแต่งซึ่งได้รับรูปแบบที่หรูหราซับซ้อนและซับซ้อน Rococo มักทำหน้าที่เป็นรูปแบบที่แตกต่างของยุคบาโรกตอนปลาย

ภาพวาดมีลักษณะการตกแต่งที่อุดมไปด้วยโทนสีที่ละเอียดอ่อนและในเวลาเดียวกันก็มีสีจางลง (Francois Boucher, Jean Honore Fragonard) ภาพวาดโรโกโกที่เกี่ยวข้องกับการตกแต่งภายในอย่างใกล้ชิด ในรูปแบบห้องตกแต่งและขาตั้ง ภูมิทัศน์ ตำนานและ ธีมที่ทันสมัย, ชีวิตส่วนตัวของชนชั้นสูง, ประเภทอภิบาล(ฉากคนเลี้ยงแกะ) ภาพบุคคลในอุดมคติที่แสดงภาพนางแบบในฐานะวีรบุรุษในตำนาน ร่างดังกล่าวกลายเป็นรายละเอียดของการประดับตกแต่งภายใน

ศิลปินมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยวัฒนธรรมสีที่ละเอียดอ่อน ความสามารถในการสร้างองค์ประกอบด้วยจุดตกแต่งที่ต่อเนื่อง และความสำเร็จของความสว่าง (เน้นด้วยจานสีอ่อน ชอบเฉดสีจาง สีเงินอมฟ้า สีทองและสีชมพู)

หนึ่งในผู้ก่อตั้งสไตล์โรโคโคคือ Antoine Watteau อารมณ์และความฝันอันเศร้าโศกทำให้ตัวละครในภาพเขียนของ Watteau มีความซับซ้อน

ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Francois Boucher ปรมาจารย์แห่งเรื่องราวความรักเพื่อความบันเทิง นักระบายสีและช่างเขียนแบบที่เก่งกาจ

จิตรกรโรโกโกคนสำคัญคนสุดท้ายคือ Jean Honore Fragonard จิตรกรภาพเหมือนและภูมิทัศน์ที่ละเอียดอ่อนเช่น Watteau ที่ไม่เข้ากับกรอบของสไตล์แฟชั่นที่เรียบง่าย

ประติมากรรมโรโคโคในฝรั่งเศสมีความสำคัญน้อยกว่าและเป็นต้นฉบับน้อยกว่าภาพวาด รูปปั้นครึ่งตัวและกลุ่มประติมากรรมขนาดเล็กหรือรูปปั้นของนักอาบน้ำ นางไม้ และกามเทพแพร่หลายในโรโกโกของศตวรรษที่ 18 โดยวางไว้ในสวนสาธารณะและตกแต่งด้วยศาลา ร้านเสริมสวย และโรงอาบน้ำ ประติมากรรมโรโกโกถูกครอบงำโดยผู้ที่ตั้งใจจะตกแต่งภายใน

A_ความสมจริง

ความสมจริง (สำคัญ มีประสิทธิภาพ) เป็นภาพสะท้อนของความเป็นจริงด้วยวิธีเฉพาะที่มีอยู่ในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่งโดยเฉพาะ คุณลักษณะที่สำคัญของความสมจริงคือการรับรู้ถึงแง่มุมที่สำคัญของโลกแห่งความเป็นจริงผ่านทางศิลปะ ความสมจริง ปรากฏการณ์ทางศิลปะซึ่งเกิดขึ้นไม่ช้ากว่าศตวรรษที่ 17 ความสมจริง ภาพวาดของชาวดัตช์ศตวรรษที่ 17 (โดยเฉพาะงานของ Rembrandt และ Hals) และชาวสเปน D. Velazquez ความสมจริงทางการศึกษาศตวรรษที่ 18 (ชาร์ดิน, ฮูดอนในฝรั่งเศส, โฮการ์ธในบริเตนใหญ่), สัจนิยมเชิงประชาธิปไตยของศตวรรษที่ 19, ปรากฏในภูมิทัศน์ (ตำรวจ, โคโรต์), ประเภท (กูร์เบต์และมิลเล็ต ฯลฯ), การวาดภาพประวัติศาสตร์และภาพเหมือน, กราฟิกและประติมากรรม .

พี่น้องเลนิน. ในการพัฒนา ศิลปะที่สมจริงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 บทบาทสำคัญรับบทโดยพี่น้อง Lenain - Antois (1588-1648), Louis (1598-1648) และ Mathieu (1607-1677) พี่น้องทั้งสามคนเกิดที่เมืองลาปา ในครอบครัวของข้าราชการผู้เยาว์ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1620 พวกเขาย้ายไปปารีส ซึ่งพวกเขาทำงานในเวิร์คช็อปเดียวกัน โดยมักจะทำคำสั่งซื้อจำนวนมากร่วมกัน

พี่น้องเลนินวาดภาพเขียนในหัวข้อต่างๆ มากมาย แต่หัวข้อประเภทต่างๆ มีความสำคัญนำ

พี่ชาย Antoine Lenain วาดภาพบุคคลกลุ่มเล็ก ๆ หรือฉากประเภทจากชีวิตของชาวนาเป็นหลัก เขาด้อยกว่าน้องชายในด้านทักษะทางวิชาชีพ แต่งานศิลปะของเขามีเสน่ห์ด้วยความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ

พี่ชายคนกลาง - Louis Le Nain - เป็นหนึ่งในศิลปินชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 17 พี่น้องเลนินเป็นหนี้ชื่อเสียงของเขา ในผลงานของ Louis Le Nain บทบาทนำแสดงโดยฉากประเภทจากชีวิตของชาวนา เขาถือเป็นผู้สร้างแนวชาวนาในศิลปะฝรั่งเศส ไม่มีผู้ร่วมสมัยคนใดของ Louis Le Nain ที่วาดภาพชาวนาตามความเป็นจริงและถูกต้อง งานศิลปะของ Louis Le Nain มีพื้นฐานอยู่บนความรู้ ชีวิตชาวนาซึ่งเขาถ่ายทอดด้วยความเมตตาและความเคารพ ศิลปินเน้นย้ำถึงศักดิ์ศรีของพวกเขาโดยไม่ต้องตกแต่งรูปลักษณ์และชีวิตของชาวนา การยืนยันคุณธรรมและ คุณค่าทางศิลปะ คนทั่วไป- ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Louis Le Nain ต่อวัฒนธรรมทางศิลปะของฝรั่งเศส

ผลงานของ Louis Le Nain ถือเป็นความสำเร็จสูงสุด ความสมจริงแบบฝรั่งเศสครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 น้องชาย - Mathieu Lenain - เริ่มต้นด้วย ภาพวาดประเภทจากชีวิตชาวนา ต่อมาได้เป็นนักเขียนชีวิตประจำวันในสังคมโลก และเป็นหนึ่งในจิตรกรภาพบุคคลที่โด่งดังในช่วงกลางศตวรรษ

B_15A_BAROQUE

บาโรก (แปลกประหลาด แปลกประหลาด) หนึ่งในรูปแบบที่โดดเด่นทางสถาปัตยกรรมและศิลปะของยุโรปและ ละตินอเมริกาปลายศตวรรษที่ 16 – กลางศตวรรษที่ 18 บาโรกรวบรวมแนวคิดใหม่เกี่ยวกับความสามัคคี ความไร้ขอบเขต และความหลากหลายของโลก เกี่ยวกับความซับซ้อนที่น่าทึ่งและความแปรปรวนชั่วนิรันดร์ ศิลปะบาโรกมีลักษณะเฉพาะคือ ความยิ่งใหญ่ เอิกเกริก และไดนามิกความรุนแรงของความรู้สึก การผสมผสานระหว่างภาพลวงตาและความเป็นจริง , ความแตกต่างอย่างมากของขนาดและจังหวะ วัสดุและพื้นผิว แสงและเงา วงดนตรีบาโรกในเมืองพระราชวังและโบสถ์ต้องขอบคุณความเป็นพลาสติกที่แปลกประหลาดของส่วนหน้าการเล่นที่กระสับกระส่ายของ chiaroscuro แผนและโครงร่างโค้งที่ซับซ้อนได้รับภาพที่งดงามและไดนามิกผสมผสานเข้ากับพื้นที่โดยรอบ ภายในอาคารตกแต่งด้วยประติมากรรมหลากสี การสร้างแบบจำลอง การแกะสลัก กระจกและภาพวาดขยายพื้นที่อย่างลวงตา และการทาสีโป๊ะโคมก็สร้างเอฟเฟกต์ของห้องใต้ดินแบบเปิด

ในวิจิตรศิลป์ การทำให้ภาพในอุดมคติผสมผสานกับเอฟเฟกต์การจัดองค์ประกอบและแสงที่ไม่คาดคิด ความเป็นจริงกับแฟนตาซี ในการวาดภาพ ความสามัคคีทางอารมณ์ จังหวะ และสีสันของทั้งมวล อิสรภาพของฝีแปรงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ในประติมากรรม ความลื่นไหลของรูปแบบภาพ ความรู้สึกของความแปรปรวนของภาพ ในสถานที่กำเนิดของยุคบาโรกในอิตาลีสไตล์นี้รวบรวมไว้อย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของสถาปนิกและประติมากร Lorenzo Bernini สถาปนิก Francesco Borromini และจิตรกร Pietro da Cortona ในแฟลนเดอร์สในภาพวาดของ Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens..., ในฮอลแลนด์ - Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals, Ruisdael อารมณ์และการแสดงออกของสไตล์บาโรกผสานเข้ากับหลักการพิสูจน์ชีวิตอันทรงพลัง ในสเปนในช่วงศตวรรษที่ 17 ลักษณะแบบบาโรกบางอย่างปรากฏในภาพวาดของดิเอโก เวลาซเกซ, ริเบรา และฟรานซิสโก ซูร์บารัน ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บาโรกพัฒนาไปสู่โรโกโค อยู่ร่วมกันและเกี่ยวพันกับมัน และตั้งแต่ทศวรรษที่ 1770 บาโรกก็ถูกแทนที่ด้วยลัทธิคลาสสิกอย่างกว้างขวาง

พิสดารฝรั่งเศส

สไตล์บาโรกอันงดงามนี้มีจุดประสงค์เพื่อเชิดชูอำนาจเบ็ดเสร็จของกษัตริย์และเชิดชูคริสตจักร มีต้นกำเนิดในอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 และแพร่กระจายไปทั่วโลก

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 เรียกว่า "สไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14" - นี่คือ "สไตล์ที่ยิ่งใหญ่" ที่งดงามที่สุดและเป็นตัวแทนสไตล์บาโรกในสไตล์ฝรั่งเศสมีระเบียบมากขึ้นเป็นวิชาการไม่มากเท่ากับฆราวาส บาร็อคในการสังเคราะห์กับความคลาสสิค

ตัวอย่างอันยอดเยี่ยมของวงดนตรีสไตล์บาโรกคือพระราชวังแวร์ซายส์ บาโรกฝรั่งเศสมีความสง่างามที่สุด รูปแบบของมันไม่เพียงแต่เขียวชอุ่ม แต่ยังหรูหรา สง่างาม และดั้งเดิมอีกด้วย

A_ลัทธิประทับใจ

อิมเพรสชันนิสม์(ความประทับใจ) การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งปรมาจารย์ได้บันทึกความประทับใจชั่วครู่ของพวกเขาพยายามที่จะจับภาพด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด โลกแห่งความจริงในความคล่องตัวและความแปรปรวน อิมเพรสชันนิสม์มีต้นกำเนิดในภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860:

E. Manet (อย่างเป็นทางการไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์), O. Renoir, E. Degas นำความสดใหม่และความเป็นธรรมชาติของการรับรู้ชีวิตมาสู่งานศิลปะ หันมาใช้การพรรณนาถึงสถานการณ์ที่เกิดขึ้นทันทีที่แย่งชิงจากความเป็นจริง ชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล รูปภาพ ความปรารถนาอันแรงกล้าความสนใจในอดีตของประเทศด้วย "การประชดโรแมนติก" ซึ่งทำให้โรแมนติกสามารถเปรียบเทียบและถือเอาจุดสูงสุดและจุดต่ำสุด โศกนาฏกรรมและการ์ตูน เรื่องจริงและมหัศจรรย์ได้ พวกเขาใช้ความไม่เป็นชิ้นเป็นอัน ดูเหมือนไม่สมดุล โครงสร้างองค์ประกอบ, มุมที่ไม่คาดคิด, มุมมอง, ภาพตัดขวางของตัวเลข

ในคริสต์ทศวรรษ 1870–1880 ภูมิทัศน์ของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสได้ก่อตั้งขึ้น: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley ได้พัฒนาระบบ Plein Air ที่สอดคล้องกัน ทำให้เกิดความรู้สึก แสงแดดความสมบูรณ์ของสีสันแห่งธรรมชาติ การละลายของรูปแบบในการสั่นสะเทือนของแสงและอากาศ ชื่อของทิศทางมาจากชื่อของภาพวาดโดย C. Monet "Impression. Rising Sun". การสลายตัวของสีที่ซับซ้อนเป็นองค์ประกอบบริสุทธิ์ ซึ่งถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบในจังหวะที่แยกจากกัน เงาสี และปฏิกิริยาตอบสนองทำให้เกิดแสงและภาพวาดที่มีชีวิตชีวาของอิมเพรสชันนิสม์

อิมเพรสชันนิสม์ในวิจิตรศิลป์มีอิทธิพลต่อการพัฒนา วิธีการแสดงออกวรรณกรรมร่วมสมัย ดนตรี การละคร การเคลื่อนไหวของนีโออิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นในวัฒนธรรมทางศิลปะของฝรั่งเศส

นีโออิมเพรสชั่นนิสม์- การเคลื่อนไหวในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสราวปี พ.ศ. 2428 เมื่อปรมาจารย์หลักคือ J. Seurat และ P. Signac ได้พัฒนาเทคนิคการวาดภาพแบบใหม่ของการแบ่งแยก ความปรารถนาที่จะนำการค้นพบสมัยใหม่ในสาขาทัศนศาสตร์มาประยุกต์ใช้กับงานศิลปะ

สำหรับระยะเวลา โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์โดดเด่นด้วยปฏิสัมพันธ์ระหว่างแต่ละทิศทางและระบบสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล โพสต์อิมเพรสชันนิสม์มักจะรวมถึงผลงานของปรมาจารย์แห่งนีโออิมเพรสชั่นนิสม์กลุ่ม Nabi รวมถึง V. van Gogh, P. Cezanne, P. Gauguin

อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส ไม่ได้ก่อให้เกิดปัญหาทางปรัชญา ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมอง

อิมเพรสชันนิสม์ขึ้นอยู่กับลักษณะและทักษะของการรับรู้มุมมอง สำหรับอิมเพรสชั่นนิสม์ สิ่งที่ปรากฎในภาพนั้นไม่สำคัญนัก แต่วิธีการนำเสนอนั้นมีความสำคัญ

ภาพถ่ายนำเสนอแต่ด้านบวกของชีวิตโดยไม่กระทบกระเทือน ปัญหาสังคมรวมทั้งความหิวโหย โรคภัย ความตาย สิ่งนี้นำไปสู่การแตกแยกในหมู่อิมเพรสชันนิสต์ในเวลาต่อมา

พิสดาร (บาร็อคโคอิตาลี - "แปลกประหลาด", "แปลก", "มีแนวโน้มที่จะมากเกินไป", พอร์ต perola barroca - "ไข่มุกที่มีรูปร่างผิดปกติ" - ลักษณะของยุโรป วัฒนธรรม XVII-XVIIIศตวรรษ

ยุคบาโรก

ยุคบาโรกก่อให้เกิด เป็นจำนวนมากเวลาแห่งความบันเทิง: แทนที่จะแสวงบุญ - เดินเล่น (เดินเล่นในสวนสาธารณะ); แทนที่จะเป็นทัวร์นาเมนต์อัศวิน - "ม้าหมุน" (ขี่ม้า) และเกมไพ่ แทนที่จะเป็นละครลึกลับกลับมีโรงละครและงานเต้นรำสวมหน้ากาก คุณยังสามารถเพิ่มรูปลักษณ์ของชิงช้าและ “ความสนุกแห่งไฟ” (ดอกไม้ไฟ) ได้อีกด้วย ในการตกแต่งภายใน ภาพบุคคลและทิวทัศน์เข้ามาแทนที่ไอคอน และดนตรีก็เปลี่ยนจากจิตวิญญาณไปสู่การเล่นเสียงที่ไพเราะ

คุณสมบัติของบาโรก

บาโรกโดดเด่นด้วยความแตกต่าง ความตึงเครียด ภาพที่มีชีวิตชีวา ความเสน่หา ความปรารถนาในความยิ่งใหญ่และความงดงาม การผสมผสานความเป็นจริงและภาพลวงตา เพื่อการผสมผสานของศิลปะ (วงดนตรีในเมืองและพระราชวังและสวนสาธารณะ โอเปร่า ดนตรีทางศาสนา ออราโทริโอ) ในเวลาเดียวกัน - แนวโน้มไปสู่ความเป็นอิสระของแต่ละประเภท (คอนเสิร์ตกรอสโซ, โซนาต้า, ชุดในดนตรีบรรเลง)

มนุษย์บาโรก

ผู้ชายสไตล์บาโรกปฏิเสธความเป็นธรรมชาติ ซึ่งบ่งบอกถึงความดุร้าย ความไม่เป็นระเบียบ การกดขี่ ความโหดร้าย และความโง่เขลา ผู้หญิงสไตล์บาโรกให้ความสำคัญกับผิวสีซีดของเธอและสวมทรงผมที่ไม่เป็นธรรมชาติและประณีต รัดตัวและกระโปรงกว้างเทียมพร้อมโครงกระดูกวาฬ เธอสวมรองเท้าส้นสูง

และชายในอุดมคติในยุคบาโรกก็กลายเป็นนักรบสุภาพบุรุษ - จากภาษาอังกฤษ อ่อนโยน: "นุ่มนวล", "อ่อนโยน", "สงบ" เขาชอบโกนหนวดและเครา ใส่น้ำหอม และสวมวิกแบบแป้ง ถ้าคนๆ หนึ่งฆ่าด้วยการกดไกปืนคาบศิลา จะมีประโยชน์อะไร?

กาลิเลโอชี้กล้องโทรทรรศน์ไปยังดวงดาวเป็นครั้งแรกและพิสูจน์การหมุนของโลกรอบดวงอาทิตย์ (ค.ศ. 1611) และลีเวนฮุกค้นพบสิ่งมีชีวิตขนาดเล็กภายใต้กล้องจุลทรรศน์ (ค.ศ. 1675) เรือใบขนาดมหึมาไถนาไปตามมหาสมุทรอันกว้างใหญ่ โดยลบจุดสีขาวบนแผนที่ทางภูมิศาสตร์ของโลก สัญลักษณ์ทางวรรณกรรมยุคกลายเป็นนักเดินทางและนักผจญภัย

พิสดารในประติมากรรม

ประติมากรรมเป็นส่วนสำคัญของสไตล์บาโรก ประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและสถาปนิกที่ได้รับการยอมรับในศตวรรษที่ 17 นั้นเป็นชาวอิตาลี ลอเรนโซ แบร์นินี(ค.ศ. 1598-1680) ในบรรดาประติมากรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ได้แก่ ฉากในตำนานของการลักพาตัว Proserpina โดยเทพเจ้าแห่งยมโลกดาวพลูโต และการเปลี่ยนแปลงอันน่าอัศจรรย์ของนางไม้ Daphne ให้เป็นต้นไม้ ไล่ตามโดยเทพเจ้าแห่งแสง Apollo เช่นเดียวกับกลุ่มแท่นบูชา "ความปีติยินดีของนักบุญเทเรซา"ในโบสถ์โรมันแห่งหนึ่ง สุดท้ายของพวกเขาด้วยเมฆที่แกะสลักจากหินอ่อนและเสื้อผ้าของตัวละครราวกับปลิวไปตามสายลมด้วยความรู้สึกที่เกินจริงในการแสดงละครแสดงออกถึงแรงบันดาลใจของช่างแกะสลักในยุคนี้ได้อย่างแม่นยำมาก

ในสเปนในยุคบาโรก ประติมากรรมไม้มีชัยเหนือ เพื่อความเป็นจริงยิ่งขึ้น พวกเขาทำด้วยตาแก้วและแม้แต่น้ำตาคริสตัล มักสวมเสื้อผ้าจริงบนรูปปั้น

บาโรกในสถาปัตยกรรม

สำหรับสถาปัตยกรรมบาโรก ( แอล. เบอร์นีนี, เอฟ. โบโรมินิในอิตาลี, บี.เอฟ. ราสเตรลล์และในรัสเซีย ยาน คริสตอฟ กลาบิตซ์ในเครือจักรภพโปแลนด์-ลิทัวเนีย) มีลักษณะเฉพาะด้วยขอบเขตเชิงพื้นที่ เอกภาพ และความลื่นไหลของรูปแบบที่ซับซ้อน ซึ่งมักเป็นเส้นโค้ง มักจะมีเสาขนาดใหญ่, ประติมากรรมมากมายที่ด้านหน้าและภายใน, ก้นหอย, จำนวนมากเหล็กดัดฟัน, ซุ้มโค้งพร้อมเหล็กค้ำยันตรงกลาง, เสาและเสาแบบชนบท โดมมีรูปทรงที่ซับซ้อน ซึ่งมักมีหลายชั้น เหมือนกับของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม รายละเอียดสไตล์บาโรกที่มีลักษณะเฉพาะ - เทลามอน (แอตลาส), คาริยาติด, มาสคารอน

พิสดารในการตกแต่งภายใน

สไตล์บาร็อคมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความหรูหราโอ่อ่าแม้ว่าจะยังคงรักษาคุณลักษณะที่สำคัญไว้ก็ตาม สไตล์คลาสสิกเหมือนความสมมาตร

จิตรกรรมฝาผนัง (ประเภทใดประเภทหนึ่ง ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่) ถูกนำมาใช้ในการตกแต่งภายในแบบยุโรปตั้งแต่สมัยคริสเตียนตอนต้น แพร่หลายมากที่สุดในยุคบาโรก การตกแต่งภายในใช้สีสันมากมายและรายละเอียดขนาดใหญ่ที่ตกแต่งอย่างหรูหรา: เพดานที่ตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนัง ผนังหินอ่อน และบางส่วนของการตกแต่ง การปิดทอง มีลักษณะเฉพาะ ความแตกต่างของสี- เช่น พื้นหินอ่อนตกแต่งด้วยกระเบื้องลายตารางหมากรุก การตกแต่งปิดทองที่กว้างขวางเป็นคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์นี้

เฟอร์นิเจอร์ถือเป็นงานศิลปะชิ้นหนึ่ง และมีจุดประสงค์เพื่อการตกแต่งภายในโดยเฉพาะ เก้าอี้ โซฟา และอาร์มแชร์หุ้มด้วยผ้าสีสันสดใสราคาแพง เตียงขนาดใหญ่พร้อมหลังคาและผ้าคลุมเตียงพลิ้วไหวและตู้เสื้อผ้าขนาดยักษ์แพร่หลายไปทั่ว กระจกประดับด้วยประติมากรรมและปูนปั้นลายดอกไม้ วอลนัตใต้และไม้มะเกลือซีลอนมักถูกใช้เป็นวัสดุเฟอร์นิเจอร์

สไตล์บาร็อคไม่เหมาะสำหรับพื้นที่ขนาดเล็กเนื่องจากเฟอร์นิเจอร์และของประดับตกแต่งขนาดใหญ่ใช้พื้นที่จำนวนมาก

แฟชั่นยุคบาโรก

แฟชั่นของยุคบาโรกสอดคล้องกับฝรั่งเศสในสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ซึ่งเป็นช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 นี่คือช่วงเวลาแห่งความสมบูรณาญาสิทธิราชย์ มารยาทที่เข้มงวดและพิธีกรรมที่ซับซ้อนขึ้นครองราชย์ในศาล การแต่งกายเป็นไปตามมารยาท ฝรั่งเศสเป็นผู้นำเทรนด์ในยุโรป ดังนั้นประเทศอื่นๆ จึงนำแฟชั่นฝรั่งเศสมาใช้อย่างรวดเร็ว นี่เป็นศตวรรษที่มีการก่อตั้งแฟชั่นทั่วไปขึ้นในยุโรป และลักษณะประจำชาติได้จางหายไปในเบื้องหลังหรือถูกเก็บรักษาไว้ในชุดชาวนาพื้นบ้าน ก่อนปีเตอร์ที่ 1 ขุนนางบางคนในรัสเซียก็สวมเครื่องแต่งกายสไตล์ยุโรปเช่นกัน แม้ว่าจะไม่ใช่ทุกที่ก็ตาม

เครื่องแต่งกายมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความแข็งแกร่ง ความงดงาม และการตกแต่งมากมาย ชายในอุดมคติคือพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 “ราชาแห่งดวงอาทิตย์” นักขี่ม้า นักเต้นรำ และนักแม่นปืนที่เชี่ยวชาญ เขาตัวเตี้ยจึงสวมรองเท้าส้นสูง

พิสดารในการวาดภาพ

สไตล์บาโรกในการวาดภาพมีลักษณะเฉพาะด้วยพลวัตขององค์ประกอบ "ความเรียบ" และความงดงามของรูปแบบ ขุนนาง และความคิดริเริ่มของวัตถุ ที่สุด ลักษณะตัวละครพิสดาร - ความสง่างามและพลวัตที่จับใจ; ตัวอย่างที่ชัดเจนคือความคิดสร้างสรรค์ รูเบนส์และ คาราวัจโจ.

Michelangelo Merisi (1571-1610) ซึ่งมีชื่อเล่นตามบ้านเกิดของเขาใกล้เมืองมิลาน คาราวัจโจถือเป็นปรมาจารย์ที่สำคัญที่สุดในบรรดา ศิลปินชาวอิตาลีซึ่งสร้างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 รูปแบบใหม่ในการวาดภาพ ภาพวาดของเขาเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนามีลักษณะคล้ายกับฉากชีวิตร่วมสมัยของผู้เขียนที่สมจริง ซึ่งสร้างความแตกต่างระหว่างสมัยโบราณตอนปลายและสมัยใหม่ ฮีโร่ถูกพรรณนาในยามพลบค่ำ ซึ่งรังสีของแสงจะดึงเอาท่าทางที่แสดงออกของตัวละครออกมา โดยสรุปลักษณะของตัวละครอย่างตรงกันข้าม ผู้ติดตามและผู้เลียนแบบคาราวัจโจ ซึ่งเดิมเรียกว่าคาราวัจโจ และขบวนการนี้เองเรียกว่าคาราวัจโจ เช่น อันนิบาเล่ การ์รัคชี่(1560-1609) หรือ กุยโด้ เรนี่(ค.ศ. 1575-1642) นำเอาความรู้สึกจลาจลและลักษณะเฉพาะของคาราวัจโจมาใช้ ตลอดจนความเป็นธรรมชาติของเขาในการวาดภาพบุคคลและเหตุการณ์ต่างๆ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 เรียกว่า "สไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14" - นี่คือ "สไตล์ที่ยิ่งใหญ่" ที่งดงามที่สุดและเป็นตัวแทนสไตล์บาโรกในสไตล์ฝรั่งเศสมีระเบียบมากขึ้นเป็นวิชาการไม่มากเท่ากับฆราวาส บาร็อคในการสังเคราะห์กับความคลาสสิก

ในศตวรรษที่ 17 ลานแวร์ซายส์ดังฟ้าร้องและเป็นมาตรฐานของความหรูหราและรสนิยมในยุโรป มีการเฉลิมฉลองและงานเฉลิมฉลองอันงดงามที่ไม่เคยมีมาก่อน จากนี้ไป ภาษาฝรั่งเศสแฟชั่นและมารยาทของฝรั่งเศสเริ่มกลายเป็นเรื่องของการเลียนแบบในเมืองหลวงของยุโรปทั้งหมด

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ภาพวาดในราชสำนักของฝรั่งเศสและตัวแทนของภาพวาดก็ได้รับการยอมรับในหลายประเทศในยุโรป สไตล์ที่พวกเขาสร้างขึ้นกลายเป็นกระแสนิยมในราชสำนักของกษัตริย์ยุโรป แต่เมื่อถึงเวลาที่ "รูปแบบที่ยิ่งใหญ่" ของฝรั่งเศสเข้าสู่เวทียุโรป ยุครุ่งเรืองของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่ก่อให้เกิดสิ่งนี้ก็อยู่ข้างหลังเราแล้ว

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1680 เกิดวิกฤติทางการเงินในประเทศ เมืองภาษีหมดสภาพทรุดโทรมโดยสิ้นเชิง เกษตรกรรมคลังของรัฐว่างเปล่า - นี่คือสถานะของสถาบันกษัตริย์ที่ยอดเยี่ยมที่สุดในยุโรปในช่วงปลายศตวรรษ ตามคำบอกเล่าของผู้เห็นเหตุการณ์ ฝรั่งเศสในเวลานั้นมีลักษณะคล้ายกับโรงพยาบาล แออัดไปด้วยคนป่วยและหิวโหย ในสถานการณ์เช่นนี้ อุดมคติอันเย่อหยิ่งของรัชกาลที่ถดถอยก็พังทลายลง พวกเขาจำน้อยลงเรื่อย ๆ เกี่ยวกับอำนาจทุกอย่างในอดีตของกษัตริย์ผู้เสื่อมทรามเกี่ยวกับชัยชนะในอดีตและอำนาจในอดีตของฝรั่งเศส

ในปี ค.ศ. 1715 หลังจากครองราชย์นานกว่าครึ่งศตวรรษ พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ก็สิ้นพระชนม์ ฟิลิปแห่งออร์ลีนส์ได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์สำหรับรัชทายาทวัยห้าขวบ กระบวนการย่อยสลาย สถาบันกษัตริย์ฝรั่งเศสดำเนินไปอย่างรวดเร็วภายใต้ผู้ปกครององค์ใหม่ โดยมีข้อแตกต่างเพียงอย่างเดียวคือบรรยากาศของความกดดันที่กดดันในราชสำนักแวร์ซายทำให้เกิดความสนุกสนาน สนุกสนานกันอย่างเป็นบ้าเป็นหลัง และศีลธรรมที่เสื่อมถอยโดยสิ้นเชิงในราชสำนักปารีสของผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์

หากพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ตรัสว่า: "รัฐคือฉัน" พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ก็มีคติพจน์ที่แสดงออกพอ ๆ กัน: "ตามหลังเรา แม้แต่น้ำท่วม" การเปรียบเทียบสิ่งเหล่านี้เพียงครั้งเดียว วลีแสดงให้เห็นว่าสีของเวลาเปลี่ยนไปในทิศทางใด คุณธรรมกลายเป็นเรื่องหละหลวมตรงไปตรงมา รสนิยมกลายเป็นเรื่องแปลก รูปแบบกลายเป็นเรื่องเบาและไม่แน่นอน

สภาพแวดล้อมนี้เป็นแหล่งกำเนิดของสไตล์โรโคโค แต่สภาพแวดล้อมของศาลไม่ได้สร้างรูปแบบนี้ขึ้นมาเอง - มันได้รับการปรับปรุงและปรับให้เข้ากับรสนิยมของสิ่งที่ล่องลอยอยู่ในอากาศยามเย็นของยุโรปในศตวรรษที่ 18 โลกยุโรปกำลังกำจัดภาพลวงตาปิตาธิปไตยในชั้นเรียนครั้งสุดท้าย และโรโคโคก็ฟังดูเหมือนเป็นการแสดงอำลาอย่างสง่างาม

เมื่อเปรียบเทียบกับยุคบาโรกแล้ว โรโคโคนำมาซึ่งมากกว่าแค่ความเสน่หาและความแปลกประหลาด มันหลุดพ้นจากการทิ้งระเบิดทางวาทศิลป์และได้รับการฟื้นฟูบางส่วน ความรู้สึกตามธรรมชาติแม้ว่าจะอยู่ในชุดบัลเล่ต์สวมหน้ากากก็ตาม

มันอยู่ในจิตวิญญาณแห่งกาลเวลา ตอนนี้ไม่ได้อยู่ในแวร์ซายอีกต่อไป แต่อยู่ในคฤหาสน์ในมหานครของขุนนางและชนชั้นนายทุนใหญ่ที่เป็นผู้กำหนดโทนเสียง ชีวิตทางสังคมในด้านวรรณคดีและศิลปะ ชาวคฤหาสน์เหล่านี้ยังคงได้รับการชื่นชม แต่ไม่ได้สัมผัสหรือสนใจในความงดงามตระการตาของผลงาน "สไตล์ยิ่งใหญ่" อีกต่อไปซึ่งเต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ทางการแสดงละครและความหลงใหลเทียม

ศิลปินเพียงคนเดียวในเวลานั้นที่ถูกลิขิตให้สูงขึ้น ภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างของยุคสมัยของพระองค์และได้รื้อฟื้นภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ซบเซาอยู่ อองตวน วัตโต (1584-1721).

ประมาณปี 1702 เยาวชนอายุสิบเจ็ดปีขี้อายและเก็บตัวปรากฏตัวในสตูดิโอของจิตรกรธรรมดาและผู้ค้าส่งภาพวาดที่ออกแบบมาเพื่อรสนิยมที่ไม่ต้องการมาก ด้วยเงินไม่กี่เพนนี เตียงในห้องใต้หลังคาและชามซุปหนึ่งใบ เขาพร้อมด้วยนักเรียนคนอื่นๆ ที่ยากจนพอๆ กัน ก็เขียนสำเนาราคาถูกตลอดทั้งวัน ในเวลาว่างจากการทำงาน เขาออกไปเดินเล่นตามถนนในเมืองและออกไปจากชีวิตที่นั่นอย่างไม่เหน็ดเหนื่อย

ในปี 1703 เมื่อถึงปารีสแล้ว Watteau ไปหา Claude Gillot อาจารย์ประจำเมืองคนแรกของเขา Gillot เขียนภาพร่างฉากละคร และนี่คือรสนิยมของครูและนักเรียนที่ตรงกันอย่างเห็นได้ชัด ความประทับใจจาก โรงละครยุติธรรม Watteau จะเก็บสิ่งเหล่านี้ไว้เป็นเวลาหลายปี และจะเป็นพื้นฐานของผลงานหลายชิ้นของศิลปิน ในปี 1707 Watteau ย้ายไปเป็นครูคนใหม่ Claude Audran จิตรกรที่มีวัฒนธรรมมืออาชีพระดับสูงและมีรสนิยมทางศิลปะที่ละเอียดอ่อน ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของการศึกษาที่แท้จริงของ Watteau

เนื่องจาก Audran เป็นผู้ดูแลส่วนหนึ่งของคอลเลกชันของราชวงศ์ที่ร่ำรวยที่สุดที่รวบรวมในพระราชวังลักเซมเบิร์ก หนุ่ม Watteau จึงสามารถเข้าถึงสมบัติของคอลเลกชันได้ Watteau ใช้เวลาส่วนใหญ่ในห้องโถงของพระราชวังศึกษาและคัดลอกผลงานอย่างขยันขันแข็ง จิตรกรที่โดดเด่นโรงเรียนในยุโรปหลายแห่ง

Watteau ไม่เคยสนใจว่าผลงานของเขาจะถูกซื้อหรือไม่ เขาให้ความสำคัญกับความเป็นอิสระในการสร้างสรรค์เหนือสิ่งอื่นใดและดูหมิ่นเงิน ดังที่ผู้ร่วมสมัยคนหนึ่งของศิลปินตั้งข้อสังเกตว่า “เขามักจะวาดภาพอะไรก็ได้ที่เขาต้องการ และไม่ชอบตัวแบบที่ทำเอง”

ผลงานบางชิ้นที่ศิลปินสร้างขึ้นนั้นไม่เป็นที่รู้จักสำหรับเรา แต่ก็เพียงพอแล้วที่จะตั้งชื่อภาพวาดประมาณสามร้อยภาพและภาพวาดจำนวนมากมายที่เพิ่งถูกนำมาประกอบกับ Watteau เพื่อจินตนาการถึงพลังสร้างสรรค์ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ความสามารถที่น่าทึ่งในการทำงานและผลผลิตของปรมาจารย์ที่อายุยืนยาวมาก ชีวิตสั้น(วัตโตป่วยเป็นวัณโรค)

ความแปลกใหม่ ความคิดริเริ่ม การแก้ปัญหาเชิงอุปมาอุปไมย อารมณ์และภาพที่หลากหลาย และหัวข้อที่หลากหลายนั้นน่าทึ่งมาก Watteau ถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาด Rococo และผลงานของเขาแสดงให้เห็นได้ดีที่สุดว่าการค้นพบของมนุษย์ประเภทใดที่งานศิลปะ "ผีเสื้อกลางคืน" นี้ปกปิดไว้

เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงศิลปินที่มีเสน่ห์ในความสง่างามที่แท้จริงของเขามากกว่า Watteau ก่อนอื่นนี่คือผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพที่ประณีตซึ่งเป็นงานฉลองที่แท้จริง แต่เป็นงานที่ชอบเฉดสีและการผสมผสานที่ละเอียดอ่อนและนุ่มนวล Watteau วาดด้วยลูกปัดเส้นเล็กที่สุด ทอเป็นเครือข่ายมหัศจรรย์ด้วยโทนสีทอง เงิน และสีแอช

ผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับของปรมาจารย์อย่าง “Gilles” (ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) มีชื่อเสียงในด้านความซับซ้อนเป็นพิเศษในการถ่ายทอดสภาวะจิตใจที่ใกล้ชิด บนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับวัตโต (สูงเกือบสองเมตร) มันถูกทาสีด้วย ความสูงเต็ม ตัวละครยอดนิยม ตลกอิตาลีมาสก์ - กิลส์ผู้แพ้ที่ไร้เดียงสาและใจง่าย เขาสวมชุดคลุมสีขาวไร้สาระ เขาตัวแข็งทื่อในท่าทางที่เดินกะโผลกกะเผลก มองผู้ชมด้วยสายตาเศร้าสร้อยและเป็นคำถาม Gilles ของ Watteau ไร้ที่พึ่งและโดดเดี่ยวไร้ขอบเขต ถัดจากเขาคือเพื่อนนักแสดงของเขา แต่พวกเขาไม่สนใจเพื่อนของพวกเขา

หน้าชีวประวัติของ Watteau ที่เรารู้จักทำให้เราคิดว่า Watteau เช่นเดียวกับฮีโร่ของเขารู้สึกเหงาและไม่สบายใจกับภาพชีวิตอันไร้ประโยชน์ซึ่งเป็นมนุษย์ต่างดาวสำหรับเขา ภาพของกิลส์ไม่มีความคล้ายคลึงในภาพวาดของศตวรรษที่ 18 ในเวลานั้นเขาไม่มีความเท่าเทียมกันไม่เพียงแต่ในความซับซ้อนของสถานะทางอารมณ์ของภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโซลูชันภาพที่พิเศษสุดของเขาด้วย ลายเส้นโปร่งแสงเล็กๆ สีทอง ไลแล็ค และสีชมพูเทาปกคลุมเสื้อคลุมสีขาวของ Gilles เข้าด้วยกัน ทำให้เกิดเป็นต้นฉบับอันเป็นเอกลักษณ์เฉพาะของพาเลทท์ของ Watteau โทนสีขาวมุก และทำให้สีขาวสื่ออารมณ์ได้อย่างไม่ธรรมดา ดูเหมือนว่าเสื้อผ้าของกิลส์จะเปล่งแสงอันนุ่มนวลที่สั่นไหวซึ่งเล่นกับปฏิกิริยาตอบสนองมากมาย

แนวเพลงโปรดของ Watteau ในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขาคือสิ่งที่เรียกว่า "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" สุภาพสตรี สุภาพบุรุษ และคู่รักที่กล้าหาญที่เป็นตัวแทนในประเภทนี้ใช้เวลาอยู่ในสวนสาธารณะหรูหราที่ตกแต่งด้วยน้ำพุและรูปปั้น เพลิดเพลินกับธรรมชาติ สนทนากันอย่างเงียบสงบ เล่นดนตรี เต้นรำ หรือร้องเพลงด้วยเสียงกีตาร์และแมนโดลิน Watteau อีกครั้ง เช่นเดียวกับในกรณีของวิชาการแสดงละคร ไม่ใช่ต้นฉบับในประเภทที่เขาเลือก รูปภาพของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษนักสังคมสงเคราะห์ที่กำลังสนุกสนานสามารถพบได้ในช่วงต้นศตวรรษในภาพวาดของศิลปินคนอื่น ๆ และในภาพแกะสลัก "แฟชั่นและศีลธรรม" ที่ได้รับความนิยมในขณะนั้น แต่สิ่งที่ Watteau เขียนนั้นแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากแผนการที่ไร้ความคิดของคนรุ่นเดียวกันของเขา หนึ่งในผลงานประพันธ์อันกล้าหาญที่โด่งดังที่สุดของปรมาจารย์ "Pilgrimage to the Island of Cythera" (ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ทำให้เรามั่นใจในสิ่งนี้

ในปี ค.ศ. 1717 Watteau นำเสนอภาพวาดดังกล่าวต่อ Academy เขียนในเรื่องที่ศิลปินเลือกเอง มันไม่เหมาะกับประเภทใดๆ ที่ Academy ยอมรับ ข้อดีอันสูงส่งของงานนี้ไม่อาจปฏิเสธได้แม้กระทั่งสำหรับนักวิชาการ บังคับให้คณะลูกขุนทำลายประเพณีและแทนที่จะใช้ตำแหน่ง "ศิลปิน" ประเภทประวัติศาสตร์" ซึ่งได้รับการมอบหมายให้กับจิตรกรทุกคนเมื่อเข้าสู่ Academy ทำให้ Watteau ได้รับตำแหน่ง "ปรมาจารย์แห่งการเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" เมื่ออายุสามสิบสาม Watteau กลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในปารีส

ตัวละครของ Watteau ถูกจับได้ในช่วงเวลาที่พวกเขากำลังจะล่องเรือไปยังอาณาจักรแห่งวีนัส ไปยังเกาะที่น่าหลงใหล ที่ซึ่งความรักอันไร้ขอบเขตชั่วนิรันดร์ครอบงำอยู่ ในจังหวะที่นุ่มนวลราวกับอยู่ในความฝัน คู่รัก ต่างลงเรือทองคำรออยู่ที่ฝั่ง ไม่ใช่การเคลื่อนไหวเดียวที่แสดงความรู้สึกอย่างเปิดเผย ไม่มีจุดสีสว่างแม้แต่จุดเดียวที่ละเมิดโครงร่างทางอารมณ์และงดงามของภาพ โดยคงไว้ในรูปแบบฮาล์ฟโทน อารมณ์ที่ละเอียดอ่อนความฝันที่ครุ่นคิดและความเศร้าโศกอันลึกลับซึ่ง Watteau มอบให้กับผู้แสวงบุญแห่งความรักเพิ่มบันทึกของความโศกเศร้าอันสง่างามให้กับภาพ ภูมิทัศน์ถูกทาสีด้วยโทนสีที่ดูสง่างามราวกับความฝัน - ระยะทางถูกปกคลุมไปด้วยแสงที่ไม่มั่นคง ต้นไม้ที่ไม่เคลื่อนไหวพร้อมแสงจ้าของดวงอาทิตย์บนใบไม้ฉลุ ผิวน้ำที่เงียบสงบ

ในรูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่างที่เป็นผู้ใหญ่และสมบูรณ์ รสนิยมทางศิลปะที่สมบูรณ์แบบของ Watteau และความสามารถพิเศษของเขาในการถ่ายทอดสีสันทางอารมณ์ที่ดีที่สุดได้ถูกเปิดเผย อย่างหลังนี้เป็นการค้นพบครั้งสำคัญที่ทำให้ภาษาของจิตรกรรมฝรั่งเศสเกิดใหม่

ธีมของ "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" สะท้อนให้เห็นในผลงานหลายชิ้นของ Watteau สิ่งที่อยู่ในใจบ่อยที่สุด ได้แก่ "สังคมในสวนสาธารณะ" และ "งานฉลองแห่งความรัก" จากหอศิลป์เดรสเดน "ทิวทัศน์พร้อมน้ำตก" ของเฮอร์มิเทจ และ "ข้อเสนอที่ยากลำบาก" และ "ชองเอลิเซ่" จากวอลเลซ คอลเลกชันในลอนดอน ร่วมกับศิลปินได้กลับมาสู่โลกแห่งความฝันบทกวีพิเศษที่สร้างขึ้นในผลงานเหล่านี้ครั้งแล้วครั้งเล่า อดไม่ได้ที่จะรู้สึกว่าโลกนี้เศร้าโศกและเศร้าโศกมากขึ้นเรื่อยๆ ในแต่ละครั้ง