ศิลปินร่วมสมัยในสไตล์เปลือย ผลงานจิตรกรรมคลาสสิกชิ้นเอกที่น่าตกตะลึง

ประวัติศาสตร์โลกของวิจิตรศิลป์จดจำเหตุการณ์ที่น่าทึ่งมากมายที่เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์และการผจญภัยที่ตามมา ภาพวาดที่มีชื่อเสียง. เนื่องจากสำหรับศิลปินตัวจริงแล้ว ชีวิตและความคิดสร้างสรรค์มีความเชื่อมโยงกันมากเกินไป

"The Scream" โดย เอ็ดวาร์ด มุงค์

ปีที่สร้าง: 1893
วัสดุ: กระดาษแข็ง, น้ำมัน, เทมเพอรา, พาสเทล
อยู่ไหน: หอศิลป์แห่งชาติ,

ภาพวาดชื่อดัง “The Scream” ของศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ชาวนอร์เวย์ Edvard Munch เป็นหัวข้อสนทนายอดนิยมในหมู่นักเวทย์มนต์ทั่วโลก บางคนคิดว่าภาพวาดนี้ทำนายเหตุการณ์เลวร้ายในศตวรรษที่ 20 ไม่ว่าจะเป็นสงคราม ภัยพิบัติด้านสิ่งแวดล้อม และการฆ่าล้างเผ่าพันธุ์ คนอื่นมั่นใจว่าภาพนี้นำความโชคร้ายและความเจ็บป่วยมาสู่ผู้กระทำผิด

ชีวิตของมันช์แทบจะเรียกได้ว่าเจริญรุ่งเรืองไม่ได้เลย เขาสูญเสียญาติไปหลายคน เข้ารับการรักษาที่คลินิกจิตเวชซ้ำแล้วซ้ำอีก และไม่เคยแต่งงานเลย

อย่างไรก็ตาม ศิลปินได้ทำซ้ำภาพวาด "The Scream" สี่ครั้ง

เชื่อกันว่าเธอเป็นผลมาจากโรคจิตคลั่งไคล้ซึมเศร้าซึ่ง Munch ทนทุกข์ทรมาน อย่างไรก็ตาม รูปลักษณ์ของชายผู้สิ้นหวังที่มีหัวโต อ้าปากและวางมือบนใบหน้าและในวันนี้ทำให้ทุกคนที่มองผืนผ้าใบตกใจ

"ผู้สำเร็จความใคร่ด้วยตนเองที่ยิ่งใหญ่" โดย Salvador Dali

ปีที่สร้าง: 1929
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
สถานที่ตั้ง: ศูนย์ศิลปะ Reina Sofia

ประชาชนทั่วไปได้เห็นภาพวาด "The Great Masturbator" หลังจากการเสียชีวิตของปรมาจารย์แห่งความอุกอาจและ Salvador Dali เซอร์เรียลลิสต์ผู้โด่งดังที่สุดเท่านั้น ศิลปินเก็บมันไว้ในคอลเลกชันของเขาเองที่พิพิธภัณฑ์โรงละครDalíในฟิเกเรส เชื่อกันว่าภาพวาดที่แปลกตาสามารถบอกเล่าบุคลิกของผู้เขียนได้มากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับทัศนคติอันเจ็บปวดของเขาที่มีต่อเรื่องเพศ อย่างไรก็ตาม เราเดาได้แค่ว่าจริงๆ แล้วแรงจูงใจอะไรที่ซ่อนอยู่ในภาพนี้

สิ่งนี้คล้ายกับการแก้ rebus: ตรงกลางของภาพมีโปรไฟล์เชิงมุมมองลงมาคล้ายกับตัวต้าหลี่เองหรือกับก้อนหินบนชายฝั่งของเมืองคาตาลันและในส่วนล่างของศีรษะเป็นผู้หญิงเปลือย รูปเพิ่มขึ้น - สำเนาของ Gala ผู้เป็นที่รักของศิลปิน ภาพวาดยังมีตั๊กแตนซึ่งทำให้เกิดความกลัวอย่างอธิบายไม่ได้ในต้าหลี่และมดซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการสลายตัว

"ครอบครัว" โดย Egon Schiele

ปีที่สร้าง: 1918
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ที่ตั้ง: หอศิลป์เบลเวเดียร์

ครั้งหนึ่งภาพวาดที่สวยงามของศิลปินชาวออสเตรีย Egon Schiele ถูกเรียกว่าภาพลามกอนาจารและศิลปินถูกส่งตัวเข้าคุกเนื่องจากถูกกล่าวหาว่าล่อลวงผู้เยาว์

ในราคานี้เขาได้รับความรักจากนางแบบของอาจารย์ ภาพวาดของ Schiele เป็นหนึ่งในนั้น ตัวอย่างที่ดีที่สุดการแสดงออกในขณะที่เป็นธรรมชาติและเต็มไปด้วยความสิ้นหวังที่น่าสะพรึงกลัว

นางแบบของ Schiele มักเป็นวัยรุ่นและโสเภณี นอกจากนี้ศิลปินยังรู้สึกทึ่งในตัวเอง - มรดกของเขารวมถึงการถ่ายภาพตนเองที่แตกต่างกันมากมาย Schiele วาดภาพบนผืนผ้าใบ “ครอบครัว” เมื่อสามวันก่อน ความตายของตัวเองเป็นภาพภรรยาที่กำลังตั้งครรภ์ซึ่งเสียชีวิตจากไข้หวัดและลูกในครรภ์ บางทีนี่อาจยังห่างไกลจากงานที่แปลกประหลาดที่สุด แต่เป็นผลงานที่น่าเศร้าที่สุดของจิตรกรอย่างแน่นอน

“ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer” โดย Gustav Klimt

ปีที่สร้าง: 1907
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
อยู่ที่ไหน: New Gallery,

ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์ภาพวาดชื่อดังของศิลปินชาวออสเตรีย Gustav Klimt "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer" เรียกได้ว่าตกตะลึงอย่างถูกต้อง ภรรยาของ Ferdinand Bloch-Bauer เจ้าสัวน้ำตาลชาวออสเตรียกลายเป็นรำพึงและเป็นคนรักของศิลปิน สามีที่ได้รับบาดเจ็บต้องการแก้แค้นทั้งคู่จึงตัดสินใจหันไปใช้วิธีดั้งเดิม: เขาสั่งรูปภรรยาของเขาจาก Klimt และทรมานเขาด้วยการจู้จี้ไม่สิ้นสุดบังคับให้เขาสร้างภาพร่างหลายร้อยภาพ ท้ายที่สุดสิ่งนี้ทำให้ Klimt หมดความสนใจในแบบจำลองของเขาในอดีต

งานวาดภาพดำเนินต่อไปหลายปี และอเดลก็เฝ้าดูความรู้สึกของคนรักของเธอจางหายไป แผนการร้ายกาจของเฟอร์ดินานด์ไม่เคยถูกเปิดเผย วันนี้ " โมนาออสเตรีย Lisa" ถือเป็นสมบัติประจำชาติของออสเตรีย

“Black Supermatic Square” โดย Kazimir Malevich

ปีที่สร้าง: 1915
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ที่ตั้ง: รัฐ หอศิลป์ Tretyakov,

เกือบหนึ่งร้อยปีผ่านไปนับตั้งแต่ Kazimir Malevich ศิลปินแนวหน้าชาวรัสเซียได้สร้างสรรค์ผลงานของเขาขึ้นมา การสร้างที่มีชื่อเสียงและข้อพิพาทและการอภิปรายยังคงไม่หยุด ปรากฏในปี 1915 ในนิทรรศการแห่งอนาคต "0.10" ใน "มุมสีแดง" ของห้องโถงที่มีไว้สำหรับไอคอน ภาพวาดดังกล่าวทำให้สาธารณชนตกใจและยกย่องศิลปินตลอดไป จริงอยู่ ทุกวันนี้มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าภาพวาดเหนือชั้นนั้นเป็นภาพวาดที่ไม่มีวัตถุประสงค์ซึ่งมีสีเป็นกฎเกณฑ์ และจริงๆ แล้ว "จัตุรัสดำ" ไม่ใช่สีดำและไม่เป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัสเลย

อย่างไรก็ตามหนึ่งในประวัติศาสตร์ของการสร้างผืนผ้าใบกล่าวว่า: ศิลปินไม่มีเวลาวาดภาพให้เสร็จดังนั้นเขาจึงถูกบังคับให้คลุมงานด้วยสีดำในขณะนั้นเพื่อนของเขาก็มา เข้าไปในเวิร์คช็อปแล้วร้องว่า “ยอดเยี่ยม!”

"ต้นกำเนิดของโลก" โดย Gustave Courbet

ปีที่สร้าง: 1866
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ที่ตั้ง: พิพิธภัณฑ์ออร์แซ

ภาพวาดของศิลปินสัจนิยมชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ถือเป็นภาพที่เร้าใจอย่างยิ่งมาเป็นเวลานานและไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไปมานานกว่า 120 ปี ผู้หญิงเปลือยนอนอยู่บนเตียงโดยเหยียดขาออก ยังคงกระตุ้นให้เกิดปฏิกิริยาที่หลากหลายจากผู้ชมในปัจจุบัน ด้วยเหตุนี้ ที่พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ภาพวาดจึงได้รับการดูแลโดยพนักงานคนหนึ่ง

ในปี 2013 นักสะสมชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งประกาศว่าเขาได้บังเอิญไปพบกับส่วนหนึ่งของภาพวาดที่ศีรษะของพี่เลี้ยงเด็กมองเห็นได้ในร้านขายของเก่าแห่งหนึ่งในปารีส ผู้เชี่ยวชาญยืนยันข้อสันนิษฐานว่า Joanna Hiffernan (Joe) โพสต์ให้ศิลปิน ขณะที่ทำงานวาดภาพเธอก็อยู่ในนั้น เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆกับนักเรียนของ Courbet ศิลปิน James Whistler รูปภาพกระตุ้นให้พวกเขาแยกจากกัน

"ชายและหญิงหน้ากองอุจจาระ" โดย Joan Miró

ปีที่สร้าง: 1935
วัสดุ: น้ำมัน, ทองแดง
ที่ตั้ง: มูลนิธิ Joan Miró

สำหรับผู้ชมที่หายากเมื่อชมภาพวาด ศิลปินชาวสเปนและประติมากร Joan Miró น่าจะเกี่ยวข้องกับเรื่องสยองขวัญ สงครามกลางเมือง. แต่มันเป็นช่วงเวลาแห่งความวิตกกังวลก่อนสงครามในปี 1935 ในสเปนที่ทำหน้าที่เป็นธีมของภาพยนตร์เรื่องนี้โดยมีชื่อที่มีแนวโน้มว่า "ชายและหญิงต่อหน้ากองอุจจาระ" นี่คือภาพลางสังหรณ์

เธอพรรณนาถึงคู่รัก "ในถ้ำ" ที่ไร้สาระซึ่งถูกดึงดูดเข้าหากัน แต่ไม่สามารถขยับเขยื่อนได้ อวัยวะเพศขยายใหญ่ขึ้น สีเป็นพิษ ร่างกระจัดกระจาย พื้นหลังสีเข้ม- ทั้งหมดนี้ตามที่ศิลปินทำนายไว้ กำลังเข้าใกล้เหตุการณ์โศกนาฏกรรม

ภาพวาดของ Joan Miró ส่วนใหญ่เป็นนามธรรมและ ผลงานเหนือจริงและอารมณ์ที่พวกเขาถ่ายทอดก็สนุกสนาน

"ดอกบัว" โดย Claude Monet

ปีที่สร้าง: 1906
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ตั้งอยู่ที่ไหน: ของสะสมส่วนตัว

ภาพวาดลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Claude Monet "Water Lilies" มีชื่อเสียงที่ไม่ดี - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ถูกเรียกว่า "อันตรายจากไฟไหม้" ความบังเอิญที่น่าสงสัยต่อเนื่องนี้ยังคงสร้างความประหลาดใจให้กับผู้คลางแคลงใจมากมาย เหตุการณ์แรกเกิดขึ้นในสตูดิโอของศิลปิน: โมเนต์และเพื่อนๆ ของเขากำลังเฉลิมฉลองการวาดภาพเสร็จ ทันใดนั้นก็เกิดไฟไหม้เล็กน้อย

ภาพวาดได้รับการบันทึกไว้และในไม่ช้าเจ้าของคาบาเร่ต์ในมงต์มาตร์ก็ซื้อมันไป แต่ไม่ถึงหนึ่งเดือนต่อมา สถานประกอบการก็ประสบไฟไหม้ครั้งใหญ่เช่นกัน “เหยื่อ” คนต่อไปของผืนผ้าใบคือ Oscar Schmitz ผู้ใจบุญชาวปารีส ซึ่งสำนักงานถูกไฟไหม้หนึ่งปีหลังจาก “Water Lilies” ถูกแขวนอยู่ที่นั่น เป็นอีกครั้งที่ภาพวาดสามารถเอาชีวิตรอดได้ ในปีนี้ นักสะสมส่วนตัวได้ซื้อ “Water Lily” ในราคา 54 ล้านดอลลาร์

Les Demoiselles d'Avignon โดย ปาโบล ปิกัสโซ

ปีที่สร้าง: 1907
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์อยู่ที่ไหน ศิลปะร่วมสมัย,

“รู้สึกเหมือนคุณอยากจะป้อนอาหารให้เราลากหรือให้น้ำมันเราดื่ม” Georges Braque เพื่อนของ Picasso กล่าวเกี่ยวกับภาพวาด “Les Demoiselles d’Avignon” ผืนผ้าใบกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวจริงๆ: ประชาชนชื่นชอบผลงานก่อนหน้านี้ที่อ่อนโยนและเศร้าของศิลปินและการเปลี่ยนไปใช้ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมอย่างกะทันหันทำให้เกิดความแปลกแยก

ร่างผู้หญิงที่มีความหยาบกร้าน ใบหน้าของผู้ชายและแขนและขาเชิงมุมอยู่ห่างจาก "Girl on the Ball" ที่สง่างามมากเกินไป

เพื่อน ๆ หันหลังให้กับ Picasso Matisse ไม่พอใจอย่างยิ่งกับภาพวาดนี้ อย่างไรก็ตาม “Les Demoiselles d’Avignon” เองที่ไม่เพียงกำหนดทิศทางการพัฒนาผลงานของ Picasso เท่านั้น แต่ยังกำหนดอนาคตของวิจิตรศิลป์โดยรวมด้วย ชื่อดั้งเดิมของภาพวาดคือ “ซ่องปรัชญา”

"ภาพเหมือนของลูกชายของศิลปิน" โดย Mikhail Vrubel

ปีที่สร้าง: 1902
วัสดุ: สีน้ำ, gouache, ดินสอกราไฟท์, กระดาษ
ที่ตั้ง: พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ

มิคาอิล วรูเบล ศิลปินชาวรัสเซียผู้เก่งกาจในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประสบความสำเร็จในงานศิลปะเกือบทุกประเภท Savva ลูกหัวปีของเขาเกิดมาพร้อมกับ "ปากแหว่ง" ซึ่งทำให้ศิลปินอารมณ์เสียอย่างสุดซึ้ง Vrubel วาดภาพเด็กชายบนผืนผ้าใบของเขาอย่างตรงไปตรงมาโดยไม่ต้องพยายามซ่อนความพิการ แต่กำเนิดของเขา

โทนสีที่อ่อนโยนของภาพบุคคลไม่ได้ทำให้ดูเงียบสงบ - ​​สามารถอ่านความตกใจได้ ตัวทารกเองก็มีรูปลักษณ์ที่ดูฉลาดและไร้เดียงสาอย่างน่าอัศจรรย์ หลังจากวาดภาพเสร็จไม่นาน เด็กก็เสียชีวิต ตั้งแต่วินาทีนั้นในชีวิตของศิลปินที่โศกเศร้ากับโศกนาฏกรรม ช่วงเวลา "สีดำ" แห่งความเจ็บป่วยและความบ้าคลั่งก็เริ่มขึ้น

ภาพ: thinkstockphotos.com, flickr.com

ประเภทของการวาดภาพปรากฏขึ้นได้รับความนิยมจางหายไปมีรูปแบบใหม่เกิดขึ้นและประเภทย่อยเริ่มมีความโดดเด่นภายในสิ่งที่มีอยู่ กระบวนการนี้จะไม่หยุดตราบใดที่ยังมีบุคคลหนึ่งอยู่ และพยายามจับภาพโลกรอบตัวเขา ไม่ว่าจะเป็นธรรมชาติ อาคาร หรือบุคคลอื่น

ก่อนหน้านี้ (จนถึงศตวรรษที่ 19) มีการแบ่งประเภทจิตรกรรมออกเป็นประเภทที่เรียกว่า "สูง" (ประเภทฝรั่งเศสแกรนด์) และประเภท "ต่ำ" (ประเภท Petit ฝรั่งเศส) การแบ่งแยกนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 และขึ้นอยู่กับเรื่องและโครงเรื่องที่บรรยาย ในเรื่องนี้ ประเภทที่สูง ได้แก่ การต่อสู้ เชิงเปรียบเทียบ ศาสนา และตำนาน และประเภทต่ำ ได้แก่ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง สัตว์นิยม

การแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ นั้นค่อนข้างจะเป็นไปตามอำเภอใจเพราะว่า องค์ประกอบของสองประเภทขึ้นไปอาจปรากฏในภาพวาดในเวลาเดียวกัน

สัตวศาสตร์หรือ ประเภทสัตว์

Animalism หรือประเภทสัตว์ (จากภาษาละตินสัตว์ - สัตว์) เป็นประเภทที่บรรทัดฐานหลักคือภาพของสัตว์ เราสามารถพูดได้ว่านี่เป็นประเภทที่เก่าแก่ที่สุดประเภทหนึ่งเพราะ... ภาพวาดและร่างของนกและสัตว์มีอยู่ในชีวิตแล้ว คนดึกดำบรรพ์. ยกตัวอย่างในวงกว้าง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงฉัน. Shishkin "อรุณสวัสดิ์ ป่าสน“ศิลปินวาดภาพธรรมชาติ ส่วนหมีก็แสดงโดยศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ซึ่งเชี่ยวชาญในการวาดภาพสัตว์

ฉัน. Shishkin “ ยามเช้าในป่าสน”

จะแยกแยะชนิดย่อยได้อย่างไร? ประเภทฮิปปิก(จากภาษากรีกฮิปโป - ม้า) - ประเภทที่กึ่งกลางของภาพคือรูปม้า

ไม่. Sverchkov "ม้าในคอกม้า"

ภาพเหมือน

ภาพบุคคล (จากคำว่า Portrait ในภาษาฝรั่งเศส) คือ ภาพที่มีภาพกลางเป็นภาพบุคคลหรือกลุ่มบุคคล ภาพบุคคลไม่เพียงสื่อถึงความคล้ายคลึงภายนอกเท่านั้น แต่ยังสะท้อนให้เห็นอีกด้วย โลกภายในและถ่ายทอดความรู้สึกของศิลปินต่อบุคคลที่ตนวาดภาพ

เช่น. ภาพเหมือนของ Repin ของ Nicholas II

ประเภทภาพบุคคลแบ่งออกเป็น รายบุคคล(ภาพของบุคคลหนึ่ง) กลุ่ม(ภาพหลายๆ คน) โดยธรรมชาติของภาพ - ไปที่ประตูหน้าเมื่อมีบุคคลปรากฎอยู่ในนั้น ความสูงเต็มกับพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมหรือภูมิทัศน์ที่โดดเด่นและ ห้องเมื่อแสดงภาพบุคคลถึงหน้าอกหรือเอวโดยมีพื้นหลังเป็นกลาง กลุ่มภาพบุคคลซึ่งรวมกันตามลักษณะเฉพาะบางประการ ก่อตัวเป็นชุดหรือแกลเลอรีภาพบุคคล ตัวอย่างจะเป็นภาพเหมือนของสมาชิกในราชวงศ์

โดดเด่นแยกจากกัน ภาพเหมือนซึ่งศิลปินพรรณนาถึงตัวเอง

K. Bryullov ภาพเหมือนตนเอง

ภาพบุคคลเป็นหนึ่งในประเภทที่เก่าแก่ที่สุด - ภาพบุคคลแรก (ประติมากรรม) มีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ภาพเหมือนดังกล่าวเป็นส่วนหนึ่งของลัทธิ ชีวิตหลังความตายและเป็น "สองเท่า" ของบุคคล

ทิวทัศน์

ภูมิทัศน์ (จากการจ่ายเงินของฝรั่งเศส - ประเทศ, พื้นที่) เป็นประเภทที่ภาพกลางคือภาพของธรรมชาติ - แม่น้ำ, ป่าไม้, ทุ่งนา, ทะเล, ภูเขา ในภูมิประเทศ แน่นอนว่าประเด็นหลักคือโครงเรื่อง แต่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและชีวิตของธรรมชาติโดยรอบก็มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่ากัน ในด้านหนึ่ง ธรรมชาตินั้นสวยงามและน่าชื่นชม แต่ในทางกลับกัน มันค่อนข้างยากที่จะสะท้อนสิ่งนี้ออกมาเป็นภาพ

C. Monet “ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil”

มีชนิดย่อยของภูมิประเทศคือ ทิวทัศน์ทะเลหรือท่าจอดเรือ(จากนาวิกโยธินฝรั่งเศส, ท่าจอดเรือของอิตาลี, จากภาษาละติน marinus - ทะเล) - ภาพการต่อสู้ทางเรือ, ทะเลหรือเหตุการณ์อื่น ๆ ที่เกิดขึ้นในทะเล ตัวแทนสดใสจิตรกรทางทะเล – K.A. ไอวาซอฟสกี้. เป็นที่น่าสังเกตว่าศิลปินเขียนรายละเอียดมากมายของภาพวาดนี้จากความทรงจำ

ฉัน. Aivazovsky "คลื่นลูกที่เก้า"

อย่างไรก็ตาม ศิลปินมักพยายามวาดภาพทะเลจากชีวิต เช่น W. Turner สำหรับภาพวาด "Blizzard" เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงไปในน้ำตื้น” ใช้เวลา 4 ชั่วโมงผูกติดอยู่กับสะพานเรือของกัปตันเรือที่กำลังแล่นท่ามกลางพายุ

ดับบลิว เทิร์นเนอร์ “พายุหิมะ เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงสู่น้ำตื้น"

ธาตุน้ำยังปรากฏอยู่ในทิวทัศน์ของแม่น้ำอีกด้วย

จัดสรรแยกกัน ทิวทัศน์ของเมืองซึ่งวัตถุหลักของภาพคือถนนและอาคารในเมือง ประเภทของภูมิทัศน์เมืองก็คือ เวดูตา– ภาพทิวทัศน์เมืองในรูปแบบพาโนรามา โดยคงขนาดและสัดส่วนไว้อย่างแน่นอน

A. Canaletto “จัตุรัสซานมาร์โก”

มีภูมิทัศน์ประเภทอื่น - ชนบท อุตสาหกรรม และสถาปัตยกรรม. ใน จิตรกรรมสถาปัตยกรรมประเด็นหลักคือภาพทิวทัศน์ทางสถาปัตยกรรมเช่น อาคาร โครงสร้าง; รวมถึงภาพการตกแต่งภายใน ( การตกแต่งภายในสถานที่) บางครั้ง ภายใน(จากภาษาฝรั่งเศส intérieur - ภายใน) โดดเด่นเป็น แยกประเภท. อีกประเภทหนึ่งมีความโดดเด่นในการวาดภาพสถาปัตยกรรม — คาปริซิโอ(จากภาษาอิตาลี capriccio, ราชประสงค์, ราชประสงค์) - ภูมิทัศน์แฟนตาซีทางสถาปัตยกรรม

ยังมีชีวิตอยู่

ภาพหุ่นนิ่ง (จากธรรมชาติของฝรั่งเศส - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) - ประเภทที่อุทิศให้กับภาพ วัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งวางอยู่ในสภาพแวดล้อมทั่วไปและรวมตัวกันเป็นกลุ่ม สิ่งมีชีวิตปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 แต่เป็นประเภทที่แยกจากกันมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17

แม้ว่าคำว่า "ชีวิตหุ่นนิ่ง" จะแปลว่าธรรมชาติที่ตายแล้ว แต่ในภาพเขียนก็มีช่อดอกไม้ ผลไม้ ปลา เกม อาหาร - ทุกอย่างดูเหมือน "มีชีวิต" เช่น เหมือนของจริง ตั้งแต่วินาทีที่ปรากฏตัวมาจนถึงทุกวันนี้ ภาพหุ่นนิ่งถือเป็นแนวเพลงที่สำคัญในการวาดภาพ

คุณ โมเน่ต์ “แจกันดอกไม้”

เนื่องจากเป็นชนิดย่อยที่แยกจากกันเราสามารถแยกแยะได้ วานิทัส(จากภาษาละติน Vanitas - vanity, vanity) เป็นประเภทของการวาดภาพที่กะโหลกศีรษะมนุษย์ครอบครองพื้นที่ส่วนกลางของภาพ ซึ่งเป็นภาพที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อเตือนถึงความไร้สาระและความอ่อนแอของชีวิตมนุษย์

ภาพวาดโดย F. de Champagne นำเสนอสัญลักษณ์สามประการของความอ่อนแอของการดำรงอยู่ - ชีวิต ความตาย เวลา ผ่านภาพของทิวลิป กะโหลก และนาฬิกาทราย

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์สำคัญและสังคม ปรากฏการณ์ที่สำคัญอดีตหรือปัจจุบัน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้สามารถอุทิศได้ไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์จริงเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงเหตุการณ์จากเทพนิยายหรือตัวอย่างเช่นที่อธิบายไว้ในพระคัมภีร์ด้วย แนวนี้สำคัญมากสำหรับประวัติศาสตร์ ทั้งประวัติศาสตร์ของแต่ละชนชาติและรัฐ และของมนุษยชาติโดยรวม ในภาพวาด ประเภทประวัติศาสตร์ไม่สามารถแยกออกจากประเภทอื่นได้ - แนวตั้ง, แนวนอน, ประเภทการต่อสู้

เช่น. Repin “พวกคอสแซคเขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี” K. Bryullov “วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”

ประเภทการต่อสู้

ประเภทการต่อสู้ (จากภาษาฝรั่งเศส bataille - การต่อสู้) เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงจุดสุดยอดของการต่อสู้ การปฏิบัติการทางทหาร ช่วงเวลาแห่งชัยชนะ ฉากจากชีวิตทหาร ภาพวาดการต่อสู้มีลักษณะเป็นรูปคนจำนวนมากในภาพ

เอเอ Deineka "การป้องกันเซวาสโทพอล"

ประเภทศาสนา

ประเภทศาสนาเป็นประเภทที่หลัก เส้นเรื่อง– พระคัมภีร์ (ฉากจากพระคัมภีร์และข่าวประเสริฐ) ธีมเกี่ยวข้องกับการวาดภาพทางศาสนาและไอคอน ความแตกต่างระหว่างภาพวาดเหล่านี้คือภาพวาดที่มีเนื้อหาทางศาสนาไม่ได้มีส่วนร่วมในการให้บริการทางศาสนา และสำหรับไอคอน นี่คือจุดประสงค์หลัก ยึดถือแปลจากภาษากรีก แปลว่า "ภาพสวดมนต์" ประเภทนี้ถูกจำกัดด้วยกรอบที่เข้มงวดและกฎหมายการวาดภาพเพราะว่า ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสะท้อนความเป็นจริง แต่เพื่อถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับหลักการของพระเจ้าซึ่งศิลปินกำลังมองหาอุดมคติ ในรัสเซีย ภาพวาดไอคอนถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 12-16 ที่สุด ชื่อที่มีชื่อเสียงจิตรกรไอคอน - Theophanes ชาวกรีก (จิตรกรรมฝาผนัง), Andrei Rublev, Dionysius

A. Rublev “ทรินิตี้”

ความโดดเด่นของขั้นตอนการเปลี่ยนผ่านตั้งแต่การวาดภาพไอคอนไปจนถึงแนวตั้ง พาร์ซูนา(บิดเบี้ยวจากภาษาลาติน บุคคล - บุคคล, บุคคล)

พาร์ซุนแห่งอีวานผู้น่ากลัว ไม่ทราบผู้เขียน

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ภาพวาดแสดงถึงฉากต่างๆ ชีวิตประจำวัน. บ่อยครั้งที่ศิลปินเขียนเกี่ยวกับช่วงเวลาในชีวิตที่เขาเป็นคนร่วมสมัย คุณสมบัติที่โดดเด่นประเภทนี้เกี่ยวกับความสมจริงของภาพวาดและความเรียบง่ายของโครงเรื่อง รูปภาพสามารถสะท้อนถึงขนบธรรมเนียม ประเพณี และโครงสร้างชีวิตประจำวันของบุคคลหนึ่งๆ ได้

ภาพวาดในครัวเรือน ได้แก่ : ภาพวาดที่มีชื่อเสียงเช่น "Barge Haulers on the Volga" โดย I. Repin, "Troika" โดย V. Perov " การแต่งงานที่ไม่เท่าเทียมกัน» V. Pukireva

I. Repin “เรือลากจูงบนแม่น้ำโวลก้า”

ประเภทมหากาพย์ตำนาน

ประเภทมหากาพย์ตำนาน คำว่าตำนานมาจากภาษากรีก “มิธอส” ซึ่งหมายถึงประเพณี ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์ในตำนาน, มหากาพย์, ประเพณี, ตำนานกรีกโบราณ, นิทานโบราณ, โครงงานของนิทานพื้นบ้าน

P. Veronese "อพอลโลและมาร์เซียส"

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ (จากภาษากรีก allegoria - ชาดก) รูปภาพถูกวาดในลักษณะที่พวกเขามี ความหมายที่ซ่อนอยู่. ความคิดและแนวความคิดที่ไม่เป็นรูปธรรมซึ่งมองไม่เห็นด้วยตาเปล่า (อำนาจ ความดี ความชั่ว ความรัก) ถ่ายทอดผ่านรูปสัตว์ คน และสิ่งมีชีวิตอื่น ๆ ที่มีลักษณะเฉพาะโดยธรรมชาติซึ่งมีสัญลักษณ์ปรากฏอยู่ในจิตใจของผู้คนแล้ว และช่วย เข้าใจความหมายทั่วไปของงาน

แอล. จิออร์ดาโน “ความรักและความชั่วร้ายปลดอาวุธความยุติธรรม”

พระ (จากพระฝรั่งเศส - พระ, ชนบท)

ประเภทของจิตรกรรมที่เชิดชูและกวีนิพนธ์ถึงชีวิตชนบทที่เรียบง่ายและสงบสุข

F. Boucher “อภิบาลฤดูใบไม้ร่วง”

การ์ตูนล้อเลียน (จากการ์ตูนล้อเลียนของอิตาลี - ถึงเกินจริง)

ประเภทที่เมื่อสร้างภาพจะต้องนำไปใช้อย่างมีสติ เอฟเฟกต์การ์ตูนโดยการกล่าวเกินจริงและทำให้รูปลักษณ์ พฤติกรรม เสื้อผ้า ฯลฯ แหลมคมขึ้น จุดประสงค์ของภาพล้อเลียนคือการสร้างความขุ่นเคือง ในทางตรงกันข้าม เช่น กับภาพล้อเลียน (จากคำกล่าวหาของฝรั่งเศส) ซึ่งมีจุดประสงค์เพียงเพื่อสร้างความสนุกสนาน ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคำว่า "การ์ตูนล้อเลียน" คือแนวคิดเช่นภาพพิมพ์ยอดนิยมและพิสดาร

เปลือย (จากภาษาฝรั่งเศส nu - เปลือยเปล่าไม่ได้แต่งตัว)

ประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงภาพเปลือย ร่างกายมนุษย์ส่วนใหญ่มักเป็นผู้หญิง

ทิเชียน เวเชลลิโอ "วีนัสแห่งเออร์บิโน"

การหลอกลวงหรือ trompe l'oeil (จากภาษาฝรั่งเศส. ทรอมป์-l'OEil -ภาพลวงตา)

ประเภทที่มีคุณสมบัติเป็นเทคนิคพิเศษที่สร้างภาพลวงตาและทำให้สามารถลบเส้นแบ่งระหว่างความเป็นจริงและภาพได้เช่น ความรู้สึกที่ทำให้เข้าใจผิดว่าวัตถุมีสามมิติเมื่อเป็นสองมิติ บางครั้ง Blende ก็ถูกจัดว่าเป็นประเภทย่อยของหุ่นนิ่ง แต่บางครั้งก็มีการแสดงภาพผู้คนในประเภทนี้ด้วย

Per Borrell del Caso "หนีจากการวิจารณ์"

เพื่อให้การรับรู้ของล่อสมบูรณ์แนะนำให้พิจารณาพวกมันในต้นฉบับเพราะว่า การทำสำเนาไม่สามารถถ่ายทอดเอฟเฟกต์ที่ศิลปินบรรยายได้อย่างเต็มที่

Jacopo de Barberi "นกกระทาและถุงมือเหล็ก"

รูปภาพเฉพาะเรื่อง

การผสมผสานของประเภทจิตรกรรมแบบดั้งเดิม (ในประเทศ ประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ภูมิทัศน์ ฯลฯ) อีกนัยหนึ่งประเภทนี้เรียกว่าการจัดองค์ประกอบภาพโดยมีลักษณะเฉพาะคือ: บทบาทหลักจำเป็นต้องแสดงการแสดงตนของบุคคล การแสดงตนและความคิดที่สำคัญทางสังคม ความสัมพันธ์ (ความขัดแย้งทางผลประโยชน์/ตัวละคร) และสำเนียงทางจิตวิทยา

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

มีธีมนิรันดร์ในงานศิลปะ หนึ่งในนั้นคือหัวข้อเรื่องสตรี หัวข้อเรื่องความเป็นแม่ แต่ละยุคสมัยมีอุดมคติของผู้หญิงเป็นของตัวเอง ประวัติศาสตร์ทั้งหมดของมนุษยชาติสะท้อนให้เห็นจากการที่ผู้คนมองผู้หญิงคนหนึ่ง มีตำนานอะไรล้อมรอบเธอและช่วยสร้างเธอขึ้นมา สิ่งหนึ่งที่แน่นอน - ในทุกศตวรรษและทุกสมัย ตัวละครที่เป็นผู้หญิงได้ดึงดูด กำลังดึงดูด และจะยังคงดึงดูดความสนใจเป็นพิเศษจากศิลปินต่อไป

รูปภาพของผู้หญิงที่สร้างขึ้นในงานศิลปะภาพเหมือนมีอุดมคติทางบทกวีในความสามัคคีที่กลมกลืน คุณสมบัติทางจิตวิญญาณและรูปลักษณ์ภายนอก จากภาพถ่ายบุคคล เราสามารถตัดสินได้ว่ารูปร่างหน้าตาและจิตใจของผู้หญิงได้รับอิทธิพลจากกิจกรรมทางสังคม แฟชั่น วรรณกรรม ศิลปะ และภาพวาดอย่างไร

เรานำเสนอภาพผู้หญิงที่หลากหลายในภาพวาดในทิศทางต่างๆ

ความสมจริง

สาระสำคัญของทิศทางคือการจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ การกำเนิดของความสมจริงในการวาดภาพมักเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ซึ่งเปิดธุรกิจของตัวเองในปารีสในปี พ.ศ. 2398 นิทรรศการส่วนตัว"ศาลาแห่งความสมจริง" ตรงกันข้ามกับแนวโรแมนติกและวิชาการ ในยุค 1870 ความสมจริงถูกแบ่งออกเป็นสองทิศทางหลัก - ลัทธิธรรมชาติและลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์ นักธรรมชาติวิทยาคือศิลปินที่พยายามจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นภาพถ่ายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

อีวาน ครามสคอย “ไม่ทราบ”

Serov "หญิงสาวกับลูกพีช"

วิชาการ

วิชาการเติบโตขึ้นตาม แบบฟอร์มภายนอกศิลปะคลาสสิก นักวิชาการได้รวบรวมประเพณีของศิลปะโบราณซึ่งทำให้ภาพลักษณ์ของธรรมชาติกลายเป็นอุดมคติ นักวิชาการชาวรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ประเสริฐ รูปแบบเชิงเปรียบเทียบสูง ความคล่องตัว ความหลากหลาย และความเอิกเกริก ได้รับความนิยม เรื่องราวในพระคัมภีร์ทิวทัศน์ร้านเสริมสวยและภาพบุคคลในพิธีการ แม้ว่าเนื้อหาในภาพวาดจะมีเนื้อหาจำกัด แต่ผลงานของนักวิชาการก็โดดเด่นด้วยทักษะทางเทคนิคขั้นสูง

บูเกโร "กลุ่มดาวลูกไก่"

บูเกโร "อารมณ์"

Cabanel "การกำเนิดของดาวศุกร์"

ความประทับใจ

ตัวแทนของสไตล์นี้พยายามที่จะจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในด้านความคล่องตัวและความแปรปรวนด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด และเพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสไม่ได้เพิ่มขึ้น ปัญหาเชิงปรัชญา. ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมอง ภาพวาดของพวกเขานำเสนอแต่ด้านบวกของชีวิต ไม่รบกวนปัญหาสังคม และหลีกเลี่ยงปัญหาต่างๆ เช่น ความหิวโหย โรคภัยไข้เจ็บ และความตาย หัวข้อพระคัมภีร์ วรรณกรรม ตำนาน และประวัติศาสตร์ที่มีอยู่ในนักวิชาการอย่างเป็นทางการถูกละทิ้ง มีการถ่ายเรื่องเจ้าชู้ เต้นรำ อยู่ในร้านกาแฟและโรงละคร พายเรือ บนชายหาด และในสวน ตัดสินโดยภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ ชีวิตคือวันหยุดเล็ก ๆ งานปาร์ตี้ งานอดิเรกอันน่ารื่นรมย์นอกเมืองหรือในสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตร

โบลดินี่ "มูแลงรูจ"

Renoir "ภาพเหมือนของ Jeanne Samary"

มาเนตร "อาหารเช้าบนพื้นหญ้า"

มาโย "โรซาบราวา"

Lautrec "ผู้หญิงถือร่ม"

สัญลักษณ์

Symbolists เปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงไม่เพียง แต่งานศิลปะประเภทต่าง ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงทัศนคติที่มีต่อมันด้วย ลักษณะการทดลอง ความปรารถนาในนวัตกรรม และความเป็นสากลนิยมของพวกเขา ได้กลายเป็นแบบอย่างสำหรับขบวนการศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่ พวกเขาใช้สัญลักษณ์ การกล่าวเกินจริง การพาดพิง ความลึกลับ ปริศนา อารมณ์หลักมักเป็นการมองโลกในแง่ร้ายจนถึงจุดสิ้นหวัง สัญลักษณ์นิยมต่างจากการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในงานศิลปะซึ่งเชื่อในการแสดงออกของ "ไม่สามารถบรรลุได้" ซึ่งบางครั้งก็เป็นความคิดลึกลับภาพแห่งนิรันดร์และความงาม

รีดอน "โอฟีเลีย"

ฟรานซ์ ฟอน ติดอยู่ "ซาโลเม"

วัตต์ "ความหวัง"

รอสเซติ "เพอร์เซโฟนี"

ทันสมัย

อาร์ตนูโวพยายามผสมผสานหน้าที่ทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้น และเพื่อรวมกิจกรรมของมนุษย์ทุกด้านไว้ในขอบเขตแห่งความงาม ส่งผลให้มีความสนใจ. ศิลปะประยุกต์: การออกแบบตกแต่งภายใน, เซรามิก, กราฟิกหนังสือ. ศิลปินอาร์ตนูโวได้รับแรงบันดาลใจจากงานศิลปะ อียิปต์โบราณและอารยธรรมโบราณ ลักษณะที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดของอาร์ตนูโวคือการละทิ้งมุมและเส้นตรงไปแทนเส้นโค้งที่นุ่มนวลกว่า ศิลปินอาร์ตนูโวมักนำเครื่องประดับจากโลกพืชมาเป็นพื้นฐานในการวาดภาพ

Klimt "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I"

คลิมท์ "ดาเน่"

Klimt "สามยุคของผู้หญิง"

บิน "ผลไม้"

การแสดงออก

การแสดงอารมณ์เป็นหนึ่งในขบวนการทางศิลปะที่มีอิทธิพลมากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ลัทธิแสดงออกเกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อวิกฤตการณ์เฉียบพลันในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 สงครามโลกครั้งที่หนึ่งและขบวนการปฏิวัติที่ตามมาความอัปลักษณ์ของอารยธรรมชนชั้นกลางซึ่งส่งผลให้เกิดความปรารถนาที่จะไร้เหตุผล ใช้ลวดลายของความเจ็บปวดและเสียงกรีดร้อง หลักการแสดงออกเริ่มมีชัยเหนือภาพ

โมดิเกลียนี. เขาพยายามเจาะลึกจิตวิญญาณของตัวละครของเขาโดยใช้ร่างกายและใบหน้าของผู้หญิง “ฉันสนใจในความเป็นมนุษย์ ใบหน้าคือการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจากธรรมชาติ ฉันใช้มันอย่างไม่เหน็ดเหนื่อย” เขากล่าวซ้ำ

Modigliani "นอนเปลือย"

Schiele "ผู้หญิงในถุงน่องสีดำ"

คิวบิสม์

Cubism เป็นขบวนการสมัยใหม่ใน ศิลปกรรม(ส่วนใหญ่อยู่ในการวาดภาพ) ของไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งได้นำเสนองานอย่างเป็นทางการในการสร้างรูปแบบสามมิติบนเครื่องบิน โดยลดการมองเห็นและการรับรู้ของศิลปะให้เหลือน้อยที่สุด การเกิดขึ้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมมีมาตั้งแต่ปี 1906-1907 และมีความเกี่ยวข้องกับงานของ Pablo Picasso และ Georges Braque โดยทั่วไปแล้ว ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเป็นการแหวกแนวจากประเพณีของศิลปะสมจริงที่พัฒนาขึ้นในช่วงยุคเรอเนซองส์ รวมถึงการสร้างสรรค์ด้วย ภาพลวงตาโลกบนเครื่องบิน ผลงานของ Cubists ถือเป็นความท้าทายต่อความงามมาตรฐานของศิลปะซาลอน การเปรียบเทียบที่คลุมเครือของสัญลักษณ์นิยม และความไม่มั่นคงของการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ เมื่อเข้าสู่แวดวงการเคลื่อนไหวที่กบฏ อนาธิปไตย และปัจเจกนิยม ลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์มีความโดดเด่นในหมู่พวกเขาด้วยการดึงดูดการบำเพ็ญตบะของสี รูปแบบที่เรียบง่าย มีน้ำหนัก จับต้องได้ และลวดลายพื้นฐาน

ปิกัสโซ "หญิงร้องไห้"

ปิกัสโซ "เล่นแมนโดลิน"

ปิกัสโซ "เลส์ เดมัวแซล ดาวีญง"

สถิตยศาสตร์

แนวคิดพื้นฐานของสถิตยศาสตร์ ความเหนือจริง- การรวมกันของความฝันและความเป็นจริง เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ นักสถิตยศาสตร์ได้เสนอการผสมผสานภาพที่เป็นธรรมชาติและขัดแย้งกันอย่างไร้สาระผ่านการจับแพะชนแกะและย้ายวัตถุจากพื้นที่ที่ไม่ใช่งานศิลปะไปสู่พื้นที่ทางศิลปะ เนื่องจากวัตถุนั้นเปิดขึ้นด้วย ด้านที่ไม่คาดคิดคุณสมบัติที่ไม่ได้สังเกตนอกบริบททางศิลปะปรากฏอยู่ในนั้น พวกสถิตยศาสตร์ได้รับแรงบันดาลใจจากอุดมการณ์ฝ่ายซ้ายสุดโต่ง แต่พวกเขาเสนอให้เริ่มการปฏิวัติด้วยจิตสำนึกของตนเอง พวกเขาคิดว่าศิลปะเป็นเครื่องมือหลักในการปลดปล่อย ทิศทางนี้ได้รับการพัฒนาภายใต้ อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ทฤษฎีจิตวิเคราะห์ของฟรอยด์ สถิตยศาสตร์มีรากฐานมาจากสัญลักษณ์นิยม และในตอนแรกได้รับอิทธิพลจากศิลปินสัญลักษณ์นิยม เช่น Gustave Moreau และ Odilon Redon ศิลปินยอดนิยมหลายคนเป็นนักแนวเหนือจริง เช่น René Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti

Gil Elvgren (1914-1980) เป็นศิลปินพินอัพคนสำคัญของศตวรรษที่ 20 สำหรับฉันทั้งหมด กิจกรรมระดับมืออาชีพซึ่งเริ่มต้นในช่วงกลางทศวรรษ 1930 และกินเวลานานกว่าสี่สิบปี เขาได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองอย่างชัดเจนในหมู่นักสะสมและแฟนพันธุ์แท้ทั่วโลก และถึงแม้ว่า Gil Elvgren จะได้รับการพิจารณาว่าเป็นศิลปินพินอัพเป็นหลัก แต่เขาสมควรได้รับการพิจารณาให้เป็นนักวาดภาพประกอบชาวอเมริกันคลาสสิกที่สามารถขยายขอบเขตงานศิลปะเชิงพาณิชย์ในด้านต่างๆ

การทำงานโฆษณา Coca-Cola เป็นเวลา 25 ปีช่วยให้เขาพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นหนึ่งในนักวาดภาพประกอบที่เก่งกาจในสาขานี้ โฆษณาของ Coca-Cola รวมรูปภาพของ "Elvgren Girls" ในรูปแบบพินอัพ ภาพประกอบเหล่านี้ส่วนใหญ่แสดงให้เห็นโดยทั่วไป ครอบครัวชาวอเมริกัน, เด็ก ๆ , วัยรุ่น - คนธรรมดาทำกิจกรรมประจำวัน ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและสงครามเกาหลี Elvgren ยังวาดภาพประกอบอีกด้วย ธีมทหารสำหรับโคคา-โคลา ซึ่งบางส่วนกลายเป็น “ไอคอน” ในอเมริกา

งานของ Elvgren ให้กับ Coca-Cola บรรยายถึงความฝันแบบอเมริกันของชีวิตที่ปลอดภัยและสะดวกสบาย และภาพประกอบในนิตยสารของเขาบางส่วนก็สะท้อนถึงความหวัง ความกลัว และความสุขของผู้อ่าน ภาพเหล่านี้ตีพิมพ์ในช่วงทศวรรษปี 1940 และ 1950 ในนิตยสารชื่อดังของอเมริกาหลายฉบับ เช่น McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping และ Woman's Home Companion นอกจาก Coca-Cola แล้ว Elvgren ยังทำงานร่วมกับ Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania และ Napa Auto Parts

Elvgren โดดเด่นไม่เพียงแต่สำหรับภาพวาดและกราฟิกโฆษณาของเขาเท่านั้น แต่เขายังโดดเด่นอีกด้วย ช่างภาพมืออาชีพซึ่งใช้กล้องอย่างคล่องแคล่วพอๆ กับการใช้แปรง แต่พลังและพรสวรรค์ของเขาไม่ได้หยุดอยู่แค่นั้น นอกจากนี้เขายังเป็นครูซึ่งต่อมานักเรียนก็กลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง

เข้าด้วย วัยเด็ก Elvgren ได้รับแรงบันดาลใจจากรูปภาพ นักวาดภาพประกอบที่มีชื่อเสียง. ทุกสัปดาห์เขาจะฉีกหน้าและปกนิตยสารพร้อมรูปภาพที่เขาชอบซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขารวบรวม คอลเลกชันขนาดใหญ่ซึ่งทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานของศิลปินหนุ่ม

ผลงานของ Elvgren ได้รับอิทธิพลจากศิลปินหลายคน เช่น Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888) ศิลปินคนแรกที่ท้าทายความเหนือกว่าของโรงเรียนภาพประกอบในอังกฤษและยุโรปเหนือศิลปะเชิงพาณิชย์ของอเมริกา Norman Rockwell (1877-1978) ซึ่ง Elvgren พบในปี 1947 และการพบกันครั้งนี้ถือเป็นจุดเริ่มต้นของมิตรภาพอันยาวนาน Charles Dana Gibson (พ.ศ. 2410-2487) ซึ่งเป็นเด็กผู้หญิงในอุดมคติซึ่งรวมเอา "เพื่อนบ้าน" (หญิงสาวข้างบ้าน) และ "หญิงสาวในฝันของคุณ" โฮเวิร์ดแชนด์เลอร์คริสตี้จอห์นเฮนรี่ฮินเทอร์ไมสเตอร์ ( พ.ศ. 2413-2488) และอื่นๆ

Elvgren ศึกษาผลงานของศิลปินคลาสสิกเหล่านี้อย่างใกล้ชิด ซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขาสร้างพื้นฐานที่จะใช้เป็นฐาน การพัฒนาต่อไปศิลปะพินอัพ

Gil Elvgren เกิดเมื่อวันที่ 15 มีนาคม พ.ศ. 2457 และเติบโตที่ St. Paul Minneapolis พ่อแม่ของเขา Alex และ Goldie Elvgren เป็นเจ้าของร้านค้าในตัวเมืองที่ขายวอลเปเปอร์และสี

หลังจากเรียนจบมัธยมปลาย กิลอยากเป็นสถาปนิก พ่อแม่ของเขาเห็นด้วยกับความปรารถนานี้ เนื่องจากพวกเขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ในการวาดภาพของเขา เมื่อตอนอายุแปดขวบ เด็กชายถูกไล่ออกจากโรงเรียนเพราะเขาวาดภาพบนขอบหนังสือเรียน ในที่สุด Elvgren ก็เข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยมินนิโซตาเพื่อศึกษาสถาปัตยกรรมและการออกแบบพร้อมกับเรียนหลักสูตรศิลปะที่ สถาบันศิลปะมินนีแอโพลิส ที่นั่นเขาตระหนักว่าการวาดภาพสนใจเขามากกว่าการออกแบบอาคาร

ในฤดูใบไม้ร่วงปีเดียวกัน Elvgren แต่งงานกับ Janet Cummins และต่อไป ปีใหม่คู่บ่าวสาวย้ายไปชิคาโกซึ่งมีโอกาสมากมายสำหรับศิลปิน แน่นอนว่าพวกเขาสามารถเลือกนิวยอร์กได้ แต่ชิคาโกก็อยู่ใกล้กว่าและปลอดภัยกว่า

เมื่อมาถึงชิคาโก กิลพยายามทำทุกอย่างเพื่อพัฒนาอาชีพของเขา เขาเข้าเรียนที่ American Academy of Arts อันทรงเกียรติในใจกลางเมืองซึ่งเขาได้เป็นเพื่อนกับ Bill Mosby ศิลปินที่มีประสบการณ์และเป็นครูที่ภูมิใจกับพัฒนาการของกิลมาโดยตลอดภายใต้การนำของเขา

แน่นอนว่าเมื่อ Gil Elvgren มาที่ Academy เขามีความสามารถ แต่เขาก็ไม่ได้โดดเด่นจากนักเรียนส่วนใหญ่ที่เรียนที่นั่น แต่มีเพียงสิ่งเดียวที่ทำให้เขาแตกต่างจากคนอื่นๆ คือเขารู้แน่ชัดว่าเขาต้องการอะไร ที่สำคัญที่สุดเขาใฝ่ฝันที่จะเป็น ศิลปินที่ดี. ในการศึกษาสองปี เขาได้เชี่ยวชาญหลักสูตรที่ออกแบบมาสำหรับสามปีครึ่ง: เขาเข้าเรียนในเวลากลางคืนในช่วงฤดูร้อน เวลาว่างเขาจะวาดรูปเสมอ

เขาเป็น นักเรียนที่ดีและทำงานมากกว่าคนอื่นๆ กิลเข้าร่วมทุกหลักสูตรซึ่งเขาสามารถได้รับความรู้เกี่ยวกับการวาดภาพเป็นอย่างน้อย ในเวลาสองปีเขามีความก้าวหน้าอย่างน่าอัศจรรย์และกลายเป็นหนึ่งในผู้สำเร็จการศึกษาที่ดีที่สุดของ Academy

กิลเป็นศิลปินที่น่าทึ่งซึ่งมีน้อยคนจะเทียบได้ เขามีโครงสร้างที่แข็งแกร่ง เขาดูเหมือนนักฟุตบอลเลย มือใหญ่ของเขาไม่เหมือนมือของศิลปินเลย: ดินสอ "จม" ลงไปอย่างแท้จริง แต่ความแม่นยำและความอุตสาหะในการเคลื่อนไหวของเขาสามารถเปรียบเทียบได้กับทักษะของศัลยแพทย์เท่านั้น

ระหว่างเรียนมหาวิทยาลัย กิลไม่เคยหยุดทำงาน ภาพประกอบของเขาประดับโบรชัวร์และนิตยสารของสถาบันการศึกษาที่เขาศึกษาอยู่แล้ว

ที่นั่นกิลได้พบกับศิลปินหลายคนที่กลายมาเป็นเพื่อนตลอดชีวิตของเขา เช่น Harold Anderson, Joyce Ballantyne

ในปี 1936 กิลและภรรยากลับมาที่บ้านเกิดและเปิดสตูดิโอของตัวเอง ไม่นานก่อนหน้านี้ เขาได้รับค่าคอมมิชชั่นที่จ่ายครั้งแรกสำเร็จ: ขึ้นปกนิตยสารแฟชั่นที่บรรยายภาพ ผู้ชายหล่อสวมเสื้อแจ็คเก็ตกระดุมสองแถวและกางเกงขายาวฤดูร้อนสีอ่อน ทันทีหลังจากที่ Elvgren ส่งงานของเขาให้กับลูกค้า ผู้อำนวยการบริษัทก็โทรหาเขาเพื่อแสดงความยินดีและสั่งปกเพิ่มอีกครึ่งโหล

จากนั้นก็มีผลงานที่น่าสนใจอีกชิ้นหนึ่งคือการวาดภาพ Dionne Quintuplets ซึ่งการเกิดกลายเป็นที่ฮือฮาของสื่อ ลูกค้าคือ Brown และ Biglow ซึ่งเป็นสำนักพิมพ์ปฏิทินที่ใหญ่ที่สุด งานนี้จัดพิมพ์ในปฏิทินปี 1937-1938 ซึ่งขายได้หลายล้านเล่ม ตั้งแต่นั้นมา Elvgren ก็เริ่มดึงดูดเด็กผู้หญิงที่โด่งดังที่สุดในอเมริกา ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก Elvgren เริ่มได้รับเชิญให้ร่วมมือกับบริษัทอื่นๆ เช่น บริษัท Louis F. Dow Calendar Company ซึ่งเป็นคู่แข่งของ Brown และ Biglow ผลงานของศิลปินเริ่มพิมพ์ลงในหนังสือเล่มเล็ก เล่นไพ่และแม้แต่กล่องไม้ขีด จากนั้นภาพวาดขนาดเท่าจริงของเขาหลายชิ้นที่สร้างขึ้นสำหรับ Royal Crown Soda ก็ปรากฏในร้านขายของชำ ปีนี้ยังมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับ Elvgren เมื่อเขาและภรรยาให้การต้อนรับลูกคนแรกที่ชื่อคาเรน

เอลฟ์เกรนยังคงรับคำสั่งและตัดสินใจกลับไปชิคาโกกับครอบครัว ในไม่ช้าเขาก็ได้พบกับ Haddon H. Sundblom (พ.ศ. 2442-2519) ซึ่งเป็นไอดอลของเขา Sandblom มีอิทธิพลอย่างมากต่องานของ Elvgren

ต้องขอบคุณ Sundblom ที่ทำให้ Elvgren กลายเป็นศิลปินสำหรับโฆษณา Coca-Cola จนถึงทุกวันนี้ ผลงานเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ในประวัติศาสตร์ภาพประกอบของอเมริกา

ทันทีหลังจากการทิ้งระเบิดที่เพิร์ลฮาร์เบอร์ Elvgren ถูกขอให้วาดภาพสำหรับการรณรงค์ทางทหาร ภาพวาดชิ้นแรกของเขาสำหรับชุดนี้ตีพิมพ์ในปี 1942 ในนิตยสาร Good Housekeeping ภายใต้หัวข้อข่าว "She Knows What 'Freedom' Really Is" และวาดภาพเด็กผู้หญิงคนหนึ่งสวมชุดเครื่องแบบเจ้าหน้าที่กาชาด

ในปีพ.ศ. 2485 กิลจูเนียร์เกิด และในปี พ.ศ. 2486 ภรรยาของเขากำลังตั้งครรภ์ลูกคนที่สามแล้ว ครอบครัวของ Elvgren เติบโตขึ้น เช่นเดียวกับธุรกิจของเขา จิลทำงานในโครงการโฆษณาและยังขายผลงานเก่าของเธอด้วย เขามีความสุขกับชีวิตเพราะตัวเขาเองอยู่แล้ว ศิลปินที่เคารพนับถือและคนในครอบครัวที่มีความสุข เมื่อลูกคนที่สามในครอบครัวของเขาเกิด Elvgren ได้รับเงินประมาณ 1,000 ดอลลาร์ต่อภาพวาดหนึ่งภาพ นั่นคือ ประมาณ 24,000 ดอลลาร์ต่อปี ซึ่งเป็นจำนวนเงินที่มหาศาลในขณะนั้น นั่นหมายความว่ากิลอาจกลายเป็นนักวาดภาพประกอบที่ได้รับค่าตอบแทนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา และแน่นอนว่ามีสถานที่พิเศษที่ Brown และ Bigelow

ก่อนที่จะทำงานให้กับ Brown และ Bigelow โดยเฉพาะ เขายอมรับค่าคอมมิชชันแรก (และครั้งเดียว) จากบริษัทในฟิลาเดลเฟียของโจเซฟ ฮูเวอร์ เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหากับบราวน์และบิจโลว์ เขาจึงยอมรับข้อเสนอโดยมีเงื่อนไขว่าจะไม่มีการลงนามภาพวาดดังกล่าว สำหรับงานนี้ ชื่อ “สาวในฝัน” เขาได้รับเงิน 2,500 ดอลลาร์ เพราะ... มันเป็นภาพที่ใหญ่ที่สุดที่เขาเคยวาดมา (101.6 ซม. x 76.2 ซม.)

การร่วมมือกับ Brown และ Bigelow ทำให้ Elvgren สามารถวาดภาพให้กับ Coca-Cola ต่อไปได้ อย่างไรก็ตาม เขาสามารถทำงานให้กับบริษัทอื่นๆ ที่ไม่มีความขัดแย้งกับ Brown และ Bigelow ได้ ดังนั้นในปี 1945 Elvgren และ Brown และ Bigelow จึงเริ่มการทำงานร่วมกันซึ่งจะคงอยู่นานกว่าสามสิบปี

ชาร์ลส วอร์ด ผู้กำกับบราวน์และบิเกโลว์ทำให้เอลฟเกรนเป็นที่รู้จักในบ้าน เขาเชิญกิลมาทำพินอัพในสไตล์นู้ดซึ่งศิลปินเห็นด้วยด้วยความกระตือรือร้นอย่างยิ่ง ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นนางไม้ผมบลอนด์เปลือยเปล่าบนชายหาด ภายใต้แสงจันทร์สีน้ำเงินอมม่วงในสีของดอกไลแลค ภาพประกอบนี้เผยแพร่ในสำรับไพ่ พร้อมด้วยผลงานของศิลปินอีกคนหนึ่ง - ZoÎ Mozert ในปีต่อมา วอร์ดสั่งให้ปักหมุดเปลือยอีกอันจาก Elvgren สำหรับการ์ดใบถัดไป แต่คราวนี้ทำโดย Elvgren เพียงลำพัง โปรเจ็กต์นี้ทำลายสถิติยอดขายของ Brown และ Bigelow และถูกเรียกว่า "Mais Oui โดย Gil Elvgren"

โครงการปักหมุดสามโครงการแรกของ Brown และ Bigelow กลายเป็นสินค้าขายดีของบริษัทในเวลาเพียงไม่กี่สัปดาห์ ภาพเหล่านี้ถูกนำมาใช้ในการเล่นไพ่ในไม่ช้า

ในช่วงปลายทศวรรษ Elvgren กลายเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของ Brown และ Bigelow ต้องขอบคุณสื่อที่ผลงานของเขาเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางต่อสาธารณชน นิตยสารต่างๆ ถึงกับตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับเขาด้วยซ้ำ บริษัทที่เขาร่วมงานด้วย ได้แก่ Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tyre, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four วิสกี้ผสมกุหลาบ เครื่องใช้ไฟฟ้าทั่วไป และช็อกโกแลตแพงเบิร์น

เมื่อต้องเผชิญกับความต้องการงานของเขา Elvgren จึงคิดที่จะเปิดสตูดิโอของตัวเอง เนื่องจากมีศิลปินหลายคนที่ชื่นชมผลงานของเขาและสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดมายองเนส" (หรือที่เรียกว่าสไตล์ของ Sundblom และ Elvgren เพราะสีบน ผลงานดู “ครีม” และเรียบเนียนเหมือนไหม) แต่หลังจากชั่งน้ำหนักข้อดีข้อเสียทั้งหมดแล้ว เขาก็ละทิ้งความคิดนี้

Gil Elvgren เดินทางบ่อยครั้งและได้พบกับผู้มีอิทธิพลมากมาย เงินเดือนของเขาที่ Brown และ Bigelow เปลี่ยนจากจ่าย 1,000 ดอลลาร์ต่อผืนเป็น 2,500 ดอลลาร์และผลิตภาพวาด 24 ชิ้นต่อปี บวกเปอร์เซ็นต์จากนิตยสารที่ตีพิมพ์ภาพประกอบของเขา เขาย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ บ้านใหม่ในย่านชานเมือง Winnetka ซึ่งเขาเริ่มสร้างสตูดิโอห้องใต้หลังคาของตัวเองซึ่งทำให้เขามีประสิทธิผลมากยิ่งขึ้น

กิลมีรสนิยมที่ยอดเยี่ยม และเขาก็มีไหวพริบเช่นกัน ผลงานของเขามีความน่าสนใจอยู่เสมอในการจัดองค์ประกอบ โทนสีและท่าทางและท่าทางที่คิดอย่างรอบคอบทำให้พวกเขามีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้น ภาพวาดของเขามีความจริงใจ กิลรู้สึกถึงวิวัฒนาการของความงามของผู้หญิงซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมาก ดังนั้น Elvgren จึงเป็นที่ต้องการของลูกค้ามาโดยตลอด

ในปี 1956 กิลย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ฟลอริดา เขาพอใจกับที่อยู่ใหม่ของเขาอย่างยิ่ง ที่นั่นเขาเปิดสตูดิโอที่ยอดเยี่ยมที่ Bobby Toombs ศึกษาซึ่งกลายเป็นศิลปินที่ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้อง เขาบอกว่าเอลฟ์เกรนเป็นครูที่ยอดเยี่ยมที่สอนให้เขาใช้ทักษะทั้งหมดของเขาอย่างมีวิจารณญาณ

ในฟลอริดา Gil วาดภาพบุคคลจำนวนมาก ในบรรดานางแบบของเขา ได้แก่ Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 นางแบบหรือนักแสดงที่มีความมุ่งมั่นทุกคนอยากให้ Elvgren วาดภาพเด็กผู้หญิงที่มีรูปร่างเหมือนเธอ ซึ่งจะพิมพ์ลงในปฏิทินและโปสเตอร์

Elvgren มองหาไอเดียใหม่ๆ สำหรับภาพวาดของเขาอยู่เสมอ แม้ว่าเพื่อนศิลปินหลายคนจะช่วยเขาในเรื่องนี้ แต่เขาพึ่งพาครอบครัวมากที่สุด: เขาได้หารือเกี่ยวกับแนวคิดของเขากับภรรยาและลูก ๆ

Elvgren ทำงานในแวดวงศิลปินที่เขาสอนหรือในทางกลับกันจากคนที่เขาศึกษาอยู่ ซึ่งเป็นเพื่อนของเขาซึ่งเขามีอะไรเหมือนกันหลายอย่าง หนึ่งในนั้นคือแฮร์รี่ แอนเดอร์สัน, จอยซ์ บัลลันไทน์, อัล บูเอลล์, แมตต์ คลาร์ก, เอิร์ล กรอสส์, เอ็ด เฮนรี, ชาร์ลส์ คิงแฮม และคนอื่นๆ

Gil Elvgren อาศัยอยู่ ชีวิตอย่างเต็มที่. ในฐานะคนชอบกิจกรรมกลางแจ้ง เขาชอบตกปลาและล่าสัตว์ เขาสามารถใช้เวลาหลายชั่วโมงในสระน้ำและถูกพาตัวไป รถแข่งยังได้แบ่งปันความหลงใหลในการสะสมอาวุธโบราณของลูก ๆ อีกด้วย

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Elvgren มีผู้ช่วยหลายคนในสตูดิโอ ซึ่งส่วนใหญ่กลายเป็นผู้ช่วยในเวลาต่อมา ศิลปินที่ประสบความสำเร็จ. เมื่อ Elvgren ถูกบังคับให้ปฏิเสธความร่วมมือจากบริษัทต่างๆ เนื่องจาก จำนวนมากผู้กำกับศิลป์ตกลงที่จะรอหนึ่งปีหรือมากกว่านั้น ถ้ากิลเท่านั้นที่จะทำงานให้พวกเขา

แต่ความสำเร็จทั้งหมดของ Gil ถูกบดบังในปี 1966 ด้วยโศกนาฏกรรมอันเลวร้ายที่เกิดขึ้นกับครอบครัวของเขา: Janet ภรรยาของ Gil เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็ง หลังจากนั้นเขาก็กระโจนเข้าสู่งานมากขึ้น ความนิยมของเขายังคงไม่เปลี่ยนแปลงเขาไม่ต้องกังวลกับสิ่งใดนอกจากผลงานของเขา นี่เป็นช่วงเวลาที่ดีที่สุดในอาชีพการงานของ Elvgren หากไม่ใช่เพราะภรรยาของเขาเสียชีวิต

ความสามารถในการส่งบอลของ Elvgren ความงามของผู้หญิงไม่มีใครเทียบได้ ในขณะที่วาดภาพ เขามักจะนั่งบนเก้าอี้ที่มีล้อเพื่อให้เขาสามารถเดินไปรอบๆ และมองดูภาพวาดได้อย่างง่ายดาย มุมที่แตกต่างกันและกระจกบานใหญ่ด้านหลังทำให้เขามองเห็นภาพรวมทั้งหมดได้ สิ่งสำคัญในงานของเขาคือเด็กผู้หญิง: เขาชอบนางแบบอายุ 15-20 ปีที่เพิ่งเริ่มต้นอาชีพเนื่องจากมีความเป็นธรรมชาติซึ่งหายไปพร้อมกับประสบการณ์ เมื่อถามถึงเทคนิคของเขา เขาบอกว่าเขาเพิ่มสัมผัสของตัวเองเข้าไป เช่น ยืดขา ขยายหน้าอก เอวแคบลง ทำให้ริมฝีปากดูอิ่มขึ้น ดวงตาดูแสดงออกมากขึ้น จมูกดูแคลน จึงทำให้นางแบบดูน่าดึงดูดยิ่งขึ้น Elvgren ทำงานอย่างระมัดระวังตลอดแนวคิดของเขาตั้งแต่ต้นจนจบ: เขาเลือกแบบจำลอง อุปกรณ์ประกอบฉาก แสง องค์ประกอบ แม้แต่ทรงผมก็มีความสำคัญมาก หลังจากทุกอย่าง เขาถ่ายภาพสถานที่นั้นและเริ่มวาดภาพ

ลักษณะเด่นของผลงานของกิลคือเมื่อดูภาพวาดแล้วดูเหมือนว่าเด็กผู้หญิงในนั้นกำลังจะมีชีวิตขึ้นมาทักทายหรือเสนอตัวจะดื่มกาแฟสักแก้ว พวกเขาดูน่ารักและเต็มไปด้วยความกระตือรือร้น มีเสน่ห์เสมอ ติดอาวุธด้วยรอยยิ้มที่เป็นมิตร แม้ในช่วงสงคราม พวกเขามอบความเข้มแข็งให้กับทหารและหวังว่าจะได้กลับบ้านไปหาสาวๆ

ศิลปินหลายคนใฝ่ฝันที่จะวาดภาพในแบบที่ Elvgren ทำ ทุกคนชื่นชมความสามารถและความสำเร็จของเขา

ในแต่ละปีเขาวาดภาพได้อย่างง่ายดายและเป็นมืออาชีพมากขึ้น ภาพวาดในยุคแรก ๆ ของเขาดู "ยาก" มากกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับภาพในภายหลัง เขามาถึงจุดสูงสุดของความเป็นเลิศในสาขาของเขาแล้ว

เมื่อวันที่ 29 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2523 Gil Elvgren ชายผู้อุทิศตนเพื่อสร้างความสุขให้กับผู้คนด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งในวัย 65 ปี Drake ลูกชายของเขาพบภาพวาดชิ้นสุดท้ายที่ยังสร้างไม่เสร็จ แต่ถึงกระนั้นก็งดงามสำหรับ Brown และ Bigelow ในสตูดิโอของพ่อเขา สามทศวรรษผ่านไปนับตั้งแต่การตายของ Elvgren แต่งานศิลปะของเขายังคงอยู่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Elvgren จะลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะศิลปินที่มีคุณูปการต่อศิลปะอเมริกันในศตวรรษที่ 20 อย่างมาก

ศิลปินและช่างภาพชาวจีน Dong Hong-Oai เกิดในปี 1929 และเสียชีวิตในปี 2004 ขณะอายุ 75 ปี เขาทิ้งผลงานอันน่าทึ่งที่สร้างขึ้นในสไตล์การวาดภาพ - ภาพถ่ายที่น่าทึ่งซึ่งคล้ายกับผลงานแบบดั้งเดิม ภาพวาดจีน.

Dong Hong-Oai เกิดเมื่อปี 1929 ในเมืองกวางโจว มณฑลกวางตุ้ง ประเทศจีน เขาออกจากประเทศเมื่ออายุเจ็ดขวบหลังจากพ่อแม่ของเขาเสียชีวิตอย่างไม่คาดคิด

ในฐานะลูกคนสุดท้องในบรรดาลูก 24 คน ตงไปอาศัยอยู่ในชุมชนชาวจีนในเมืองไซง่อน ประเทศเวียดนาม ต่อมาเขาได้ไปเยือนประเทศจีนหลายครั้ง แต่ไม่เคยอยู่ในประเทศนั้นอีกเลย

เมื่อมาถึงไซ่ง่อน ตงก็กลายเป็นเด็กฝึกงานในสตูดิโอถ่ายภาพผู้อพยพชาวจีน ที่นั่นเขาได้เรียนรู้พื้นฐานการถ่ายภาพ นอกจากนี้ เขายังหลงรักการถ่ายภาพธรรมชาติ ซึ่งเขามักจะใช้กล้องตัวใดตัวหนึ่งจากสตูดิโอ ในปี 1950 เมื่ออายุ 21 ปี เขาเข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยศิลปะแห่งชาติเวียดนาม

เมื่อปี พ.ศ. 2522 ระหว่าง สาธารณรัฐสังคมนิยมพรมแดนอันนองเลือดได้เปิดออกแล้วระหว่างเวียดนามและสาธารณรัฐประชาชนจีน รัฐบาลเวียดนามเริ่มนโยบายปราบปรามชาวจีนเชื้อสายจีนที่อาศัยอยู่ในประเทศ เป็นผลให้ดงกลายเป็นหนึ่งใน "ชาวเรือ" หลายล้านคนที่หนีออกจากเวียดนามในช่วงปลายทศวรรษที่ 70 และต้นทศวรรษที่ 80

เมื่ออายุ 50 ปี พูดภาษาอังกฤษไม่ได้ และไม่มีครอบครัวหรือเพื่อนในสหรัฐอเมริกา ดงมาถึงซานฟรานซิสโก เขายังสามารถซื้อห้องเล็กๆ สำหรับพัฒนาภาพถ่ายได้อีกด้วย

การขายรูปถ่ายของเขาที่งานแสดงสินค้าริมถนนในท้องถิ่น ทำให้ Dong สามารถหาเงินได้มากพอที่จะกลับไปถ่ายรูปที่จีนเป็นระยะๆ

นอกจากนี้เขายังมีโอกาสได้ศึกษาต่อภายใต้การแนะนำของ Long Chin-San ในประเทศไต้หวันอีกด้วย

หลง ชิน-ซาน ซึ่งเสียชีวิตในปี 1995 ขณะอายุ 104 ปี ได้พัฒนาสไตล์การถ่ายภาพโดยอาศัยการพรรณนาถึงธรรมชาติแบบจีนโบราณ

เป็นเวลาหลายศตวรรษแล้วที่ศิลปินชาวจีนได้สร้างภูมิทัศน์สีเดียวอันงดงามโดยใช้พู่กันและหมึกที่เรียบง่าย

ภาพวาดเหล่านี้ไม่ควรสื่อถึงธรรมชาติอย่างชัดเจน แต่ควรสื่อถึงบรรยากาศทางอารมณ์ของธรรมชาติ ใน ปีที่ผ่านมาในช่วงจักรวรรดิซ่งและจักรวรรดิหยวนตอนต้น ศิลปินเริ่มผสมผสานรูปแบบศิลปะที่แตกต่างกันสามรูปแบบบนผืนผ้าใบผืนเดียว... บทกวี การประดิษฐ์ตัวอักษร และภาพวาด

เชื่อกันว่าการสังเคราะห์รูปแบบนี้ทำให้ศิลปินสามารถแสดงออกได้อย่างเต็มที่

Long Chin-San เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2434 ศึกษาประเพณีการวาดภาพแบบคลาสสิกนี้อย่างแม่นยำ เมื่อถึงจุดหนึ่งในอาชีพการงานอันยาวนานของเขา Luhn เริ่มทดลองถ่ายทอดสไตล์ศิลปะอิมเพรสชั่นนิสต์มาสู่การถ่ายภาพ

ในขณะที่ยังคงรักษาแนวทางการขยายขนาดแบบเป็นชั้น เขาได้พัฒนาวิธีการแบบแบ่งชั้นฟิล์มเนกาทีฟที่สอดคล้องกับระยะห่างสามระดับ ลุงสอนวิธีนี้ให้ตง

พยายามเลียนแบบแบบดั้งเดิมให้ใกล้ชิดยิ่งขึ้น สไตล์จีนดงเพิ่มการประดิษฐ์ตัวอักษรให้กับภาพถ่าย

ผลงานใหม่ของตงซึ่งมีพื้นฐานมาจากภาพวาดจีนโบราณ เริ่มได้รับความสนใจจากนักวิจารณ์ในช่วงทศวรรษ 1990

เขาไม่จำเป็นต้องขายรูปถ่ายของเขาที่งานแสดงสินค้าริมถนนอีกต่อไป ตอนนี้เขาเป็นตัวแทนโดยตัวแทน และผลงานของเขาเริ่มวางขายในแกลเลอรีทั่วสหรัฐอเมริกา ยุโรป และเอเชีย

เขาไม่จำเป็นต้องพึ่งพาลูกค้ารายบุคคลอีกต่อไป ปัจจุบันงานของเขาเป็นที่ต้องการของไม่เพียงแต่โดยนักสะสมงานศิลปะส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ซื้อองค์กรและพิพิธภัณฑ์ด้วย เขาอายุประมาณ 60 ปีเมื่อเขาประสบความสำเร็จทางการเงินในระดับหนึ่งเป็นครั้งแรกในชีวิต

Pictorialism คือการเคลื่อนไหวในการถ่ายภาพที่เกิดขึ้นราวปี 1885 หลังจากการนำเสนอกระบวนการถ่ายภาพบนแผ่นพิมพ์แบบเปียกอย่างกว้างขวาง การเคลื่อนไหวมาถึงจุดสูงสุดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และช่วงเวลาแห่งความเสื่อมถอยเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2457 หลังจากการเกิดขึ้นและการแพร่กระจายของลัทธิสมัยใหม่

คำว่า "pictorialism" และ "pictorialist" มีการใช้อย่างแพร่หลายหลังปี ค.ศ. 1900

ภาพนิยมเกี่ยวข้องกับแนวคิดที่ว่าการถ่ายภาพเชิงศิลปะควรเลียนแบบการวาดภาพและการแกะสลักในศตวรรษนั้น

ภาพถ่ายเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นภาพขาวดำหรือซีเปีย เทคนิคที่ใช้ ได้แก่ การโฟกัสที่ไม่เสถียร ฟิลเตอร์พิเศษและการเคลือบเลนส์ รวมถึงกระบวนการพิมพ์ที่แปลกใหม่

เป้าหมายของเทคนิคดังกล่าวคือการบรรลุ “การแสดงออกถึงตัวตนของผู้เขียน”

แม้จะมีเป้าหมายในการแสดงออก แต่ภาพถ่ายที่ดีที่สุดเหล่านี้ก็ดำเนินไปคู่ขนานกับสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์มากกว่าที่จะก้าวไปพร้อมกับภาพวาดสมัยใหม่

เมื่อมองย้อนกลับไป เรายังสามารถเห็นความขนานกันอย่างใกล้ชิดระหว่างองค์ประกอบภาพและตัวแบบที่เป็นภาพ ภาพวาดประเภทและภาพถ่ายในรูปแบบภาพนิยม