เรียงความ

ในหัวข้อ “ศิลปะ”

ในหัวข้อ: “ละครและละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 19”

ฉัน. บทนำ………………………………………………………….3

ครั้งที่สอง. ส่วนสำคัญ………………………….

สิบเก้าศตวรรษ………………………… 5

2. ละครหุ่นมือสมัครเล่นสิบเก้าศตวรรษ……….7

3. โรงละครมาลีมอสโกสิบเก้าศตวรรษ……………………………..11

4. โรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสิบเก้าศตวรรษ……………… 16

สาม. บทสรุป…………………………………………18

IV. รายการอ้างอิง………………………..21

วี. ทบทวน………………………………………….22

การแนะนำ

หัวข้อเรียงความของฉัน: "ละครและละครในรัสเซียสิบเก้าศตวรรษ."

งานนี้อุทิศให้กับการศึกษาละครและละครรัสเซียในรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ละครวรรณกรรมมืออาชีพของรัสเซียเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และ 18 แต่นำหน้าด้วยยุคพื้นบ้านที่มีอายุหลายศตวรรษ ส่วนใหญ่เป็นละครพื้นบ้านแบบปากเปล่าและเขียนด้วยลายมือบางส่วน ในตอนแรก พิธีกรรมโบราณ จากนั้นการเต้นรำแบบกลมและเกมตัวตลกก็มีองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะ เป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะ: บทสนทนา การแสดงละคร การแสดงต่อหน้า การพรรณนาถึงตัวละครตัวนั้นหรือตัวนั้น (การรวมกลุ่ม) องค์ประกอบเหล่านี้ได้ถูกนำมารวมกันและพัฒนาเป็นละครพื้นบ้าน

ความเกี่ยวข้องของหัวข้อที่เลือกนั้นอยู่ที่ความจริงที่ว่า โรงละครซึ่งมีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมโดยรวม

และปัจจุบันยังคงมีบทบาทสำคัญในการดำเนินชีวิตของสังคม

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 โรงละครในรัสเซียเช่นเดียวกับในประเทศยุโรปอื่น ๆ กำลังเข้าสู่ยุคใหม่ของการพัฒนา การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของจำนวนโรงละครในจังหวัดเริ่มต้นขึ้น มักเกิดจากการเปลี่ยนแปลงของโรงละครเสิร์ฟของเจ้าของที่ดินไปเป็นพื้นฐานเชิงพาณิชย์ สถานประกอบการละครขนาดใหญ่ที่รวมคณะละคร โอเปร่า และบัลเล่ต์เข้าด้วยกัน ถูกสร้างขึ้นในเมืองต่างๆ เช่น เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก ในปี พ.ศ. 2367 คณะละครอิสระของ Maly Theatre ก่อตั้งขึ้นในมอสโก ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2375 โรงละครอเล็กซานดรินสกี้ก็ปรากฏตัวขึ้น

ทิศทางที่ก้าวหน้าของโรงละครรัสเซียยืนยันตัวเองในการต่อสู้กับแนวโน้มปฏิกิริยาในละครและในองค์กรการแสดงละครทั้งหมดที่เกิดจากนโยบายของรัฐบาลในสาขาศิลปะ

การผูกขาดโรงละครของจักรวรรดิที่มีอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกจำกัดความเป็นไปได้ของความพยายามด้านนวัตกรรม และทำให้นักเขียนบทละครและนักแสดงขึ้นอยู่กับข้อกำหนดของฝ่ายบริหารและระบอบราชการทั้งหมดที่กำหนดในโรงละคร ในสภาวะที่ยากลำบาก โรงละครได้รับการพัฒนาในจังหวัดที่ความคิดริเริ่มเชิงพาณิชย์ของผู้ประกอบการเฟื่องฟูและโดยส่วนใหญ่มีเพียงความแข็งแกร่งของความสามารถในการแสดงเท่านั้น โรงละครจึงยังคงอยู่ในระดับความต้องการทางศิลปะ การสนับสนุนอย่างมากสำหรับการพัฒนาแนวโน้มที่ก้าวหน้าในศิลปะการแสดงของรัสเซียนั้นมาจากการวิจารณ์แบบประชาธิปไตยขั้นสูงซึ่งปกป้องรากฐานทางอุดมการณ์ของโรงละคร เนื้อหาทางสังคม และความภักดีต่อหลักการแห่งความจริงของชีวิต การต่อสู้ทางอุดมการณ์ดำเนินไปตลอดการพัฒนาของรัสเซีย โรงละคร XIXค.. บทบาทนำในนั้นได้รับชัยชนะโดยทิศทางที่ก้าวหน้าโดยอาศัยกระบวนการสร้างวัฒนธรรมประชาธิปไตยแห่งชาติซึ่งกำลังพัฒนาอย่างกว้างขวางในยุคนี้ในรัสเซียและในโอกาสที่เพิ่มขึ้นสำหรับการแสดงออกที่สดใสในละครและละครแห่งการวิพากษ์วิจารณ์ แนวโน้มต่อต้านความเป็นทาส บนพื้นฐานนี้ ความสมจริงบนเวทีประสบความสำเร็จโดยเฉพาะ และในขณะเดียวกัน ทิศทางของแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้าก็ถูกกำหนดขึ้น ในช่วงเวลาตั้งแต่ Fonvizin ถึง Ostrovsky ประเพณีหลักของวัฒนธรรมการแสดงละครของรัสเซียได้ถูกสร้างขึ้นและได้กำหนดลักษณะของความคิดริเริ่มทางศิลปะ

วัตถุประสงค์ของงานนี้คือเพื่อ:

1) พิจารณาการพัฒนาศิลปะการละครและการละครในรัสเซีย

2) ค้นหาทิศทางและรูปแบบหลักในละครและละครสิบเก้าศตวรรษ.

1. รูปแบบละครและละครสิบเก้าศตวรรษ.

ในตอนท้าย XVIII - การเริ่มต้นในศตวรรษที่ 19 ความรู้สึกอ่อนไหวทางการศึกษาได้รับความสำคัญเป็นผู้นำในโรงละครรัสเซีย แนวคิดทางการศึกษาความเท่าเทียมกันโดยกำเนิดของทุกคนความคิดของ "มนุษย์ธรรมดา" ที่กล่าวถึงในผลงานของนักเขียนบทละครและนักแสดงหลายคนเพื่อเปิดเผยความขัดแย้งของระบบทาสช่วยเผยให้เห็นความไม่ยอมรับทางสังคมและศีลธรรมของการเป็นทาส ความสนใจของนักเขียนบทละครถูกดึงดูดโดยโลกภายในของมนุษย์ความขัดแย้งทางจิตวิญญาณของเขา (ละครโดย N. I. Ilyin, F. F. Ivanov, โศกนาฏกรรมโดย V. A. Ozerov ฯลฯ ) ในทางกลับกัน ในละครที่ซาบซึ้งซึ่งเต็มไปด้วยแนวโน้มในการปกป้อง มีความปรารถนาที่จะขจัดความขัดแย้งของชีวิต ลักษณะอุดมคติอันแสนหวาน และเรื่องประโลมโลก (ผลงานของ V. M. Fedorov, S. N. Glinka ฯลฯ )

"ความอ่อนไหว" ที่เพิ่มขึ้นความจริงใจของประสบการณ์บนเวทีซึ่งมักจะอุดมไปด้วยองค์ประกอบของความจริงทางสังคมและในชีวิตประจำวันในการพรรณนาถึงตัวละครทำให้บทละครของ Ya. E. Shusherin (พ.ศ. 2296-2356), A. D. Karatygina (พ.ศ. 2320-2402) และคนอื่น ๆ มีความโดดเด่น นักแสดงในสมัยนั้น ความรู้สึกอ่อนไหวปลดปล่อยการแสดงจากพลังของหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิกและมีส่วนในการทำลายประเพณีอันเป็นตำนานของระบบนี้และการพัฒนาแนวโน้มโรแมนติกและสมจริงในศิลปะการแสดง

การพัฒนาแนวโรแมนติกในโรงละครรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับการเติบโตของละครและการแสดงแรงจูงใจที่ไม่พอใจกับความเป็นจริงที่มีอยู่ การประท้วงแบบปัจเจกบุคคล และประสบการณ์ที่รุนแรงของบุคลิกภาพที่รักอิสระ ลักษณะโรแมนติกเหล่านี้เป็นลักษณะของศิลปะของนักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่น A. S. Yakovlev (1773-1817)

การพัฒนาโรงละครได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก มุมมองที่สวยงามนักเขียนผู้หลอกลวง ธีมของการต่อสู้กับการกดขี่ในระดับชาติและการเมืองได้รับการพัฒนาภาพของวีรบุรุษผู้แข็งแกร่งและรักอิสระถูกสร้างขึ้นด้วยความกระหายในการแสดงความรักชาติ (“ Martha the Posadnitsa หรือการพิชิต Novagorod” โดย F. F. Ivanov, “ Velzen, หรือ Liberated Holland” โดย F. N. Glinka, “ Andromache”, “P. A. Katenina, “ The Argives” โดย V. K. Kuchelbecker ฯลฯ) สไตล์การแสดงถูกกำหนดโดยการผสมผสานระหว่างอารมณ์ความรู้สึกความจริงใจและความเป็นธรรมชาติในการแสดงออกของความรู้สึกด้วยขนาดตัวละครที่กล้าหาญและความแม่นยำของพลาสติกในการออกแบบภายนอกของภาพ สไตล์นี้พบการแสดงออกที่สูงที่สุดและสมบูรณ์แบบที่สุดในผลงานของ E. S. Semenova (1786-1849) นักแสดงหญิงโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น

ในเวลาเดียวกันการพัฒนาแนวโน้มที่สมจริงในละครตลกและละครยังคงดำเนินต่อไปอย่างไรก็ตามถูก จำกัด ด้วยความเป็นไปได้ที่แคบของเพลง (A. A. Shakhovskaya, N. I. Khmelnitsky, A. I. Pisarev) และการเล่นสำหรับครอบครัว, อนุรักษ์นิยมในจิตวิญญาณ (M. N. Zagoskin) ความปรารถนาของนักแสดงต่อความจริงในชีวิตนั้นขึ้นอยู่กับความจริงใจของประสบการณ์ความเรียบง่ายความเป็นธรรมชาติ (หนุ่ม M. S. Shchepkin) และศิลปะแห่งการเปลี่ยนแปลงภายนอกโดยเลียนแบบประเภทที่สดใสของแต่ละบุคคล (I. I. Sosnitsky, E. I. Guseva ฯลฯ ) .

2. ละครสมัครเล่นของโรงละครหุ่นกระบอกแห่งศตวรรษที่ 19

โรงละครหุ่นกระบอกมีความหลากหลายอย่างน่าอัศจรรย์ รัสเซีย XIXศตวรรษ. ในเวลานี้ชีวิตของฉากการประสูติยังคงดำเนินต่อไปวัฒนธรรมพื้นบ้านของรัสเซียก็พัฒนาขึ้น หุ่นเชิดตลกในการแสดงของนักเชิดหุ่นชาวยุโรปจำนวนมาก เส้นทางของการแสดงหุ่นกระบอกพื้นบ้านของยุโรปตะวันตกและรัสเซียต่างๆ ศิลปะการแสดงหุ่นกระบอกกำลังแทรกซึมเข้าสู่สภาพแวดล้อมของครอบครัวอย่างแข็งขัน

ประเพณีบ้านและ โรงละครพื้นบ้านหุ่นเชิดในรัสเซียในศตวรรษนั้นแข็งแกร่งมากจนแทบไม่มีนักเขียนบทละครนักเขียนกวีนักวิทยาศาสตร์ศิลปินชื่อดังคนใดที่ยกย่องชื่อของพวกเขาในวัยเด็กหรือเยาวชนในเวลาต่อมาหลีกเลี่ยงการพบกับโรงละครหุ่นกระบอก ในหมู่พวกเขา: A. Bestuzhev-Marlinsky, A. Herzen, D. Grigorovich, N. Polevoy, A. I. Panaev A. Benois, S. Aksakov, M. Lermontov, V. Sollogub, L. Tolstoy, F. Dostoevsky, K. Stanislavsky , N. Gumilev, A. Blok, A. Tolstoy, A. Remizov, K. Balmont, A. Bely และอื่น ๆ อีกมากมาย

ศิลปะการเล่นตุ๊กตาทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในงานแสดงสินค้าและงานเฉลิมฉลองของรัสเซีย ตัวนักเชิดหุ่นนั้นเป็นชุมชนข้ามชาติ ที่พูดได้หลายภาษา และหลากหลาย โดยมีระดับวัฒนธรรมและการศึกษา การแสดงละคร และทักษะการแสดงที่แตกต่างกัน ในละครหุ่นกระบอกแห่งศตวรรษที่ 19 รวมถึงบทละครที่สร้างและอิงจากบทละคร นวนิยายยุโรปดัดแปลงจากละครหุ่นกระบอกดั้งเดิมของยุโรปได้ฟรี: “The Devil's Well, or the Old Man Everywhere and Nowhere”, “Pimperle's Wedding after Death”, “The Magic Palace, or the Hunting Adventure”, “The Magnanimous Sultan, or the Sea Battle” บนทะเลดำ", "Marianne" หรือ Robber Woman, "Atheist Punished by Thunder", "Robber Knight" และอื่นๆ อีกมากมาย ละครที่ดัดแปลงสำหรับหุ่นเชิดมักปรากฏในละคร

โปสเตอร์สำหรับการแสดงหุ่นกระบอก ได้แก่ “Princess Cacambo” โดย A. Kotzebue, “Escape to Turkey, or the Involuntary Captive” โดย I. G. Eberle, “Faust” และ “Don Juan”, “Ataman of the Venetian Robbers, or Fire in Venice” , “พิณวิเศษหรือเทศกาลแม่มดบนหินมังกร”, “รูดอล์ฟ, บุตรแห่งนรกหรือการลงโทษอันเลวร้าย”, “ความสุขหลังความโศกเศร้าหรือความรักความสะดวกสบาย” และอื่นๆ อีกมากมาย

ในการเลียนแบบบทละครเหล่านี้ ใกล้กับสุนทรียศาสตร์ของ "คอเมดีอังกฤษ-เยอรมันฟรี" แต่ยังมีแนวโน้มโรแมนติกที่ประจักษ์ชัด การทดลองครั้งแรกในละครของผู้เขียนชาวรัสเซียสำหรับโรงละครหุ่นกระบอกก็ปรากฏขึ้น หนึ่งในนั้นคือละครห้าองก์เรื่อง "The Enchanted Forest" โดย A. A. Bestuzhev-Marlinsky ซึ่งยังไม่ถึงเรา ในบันทึกความทรงจำของเขา "วัยเด็กและเยาวชนของ A. A. Bestuzhev" มิคาอิลน้องชายของเขาเขียนว่า "The Enchanted Forest" เป็นงานวรรณกรรมเรื่องที่สองของ A. Bestuzhev เป็นละครขนาดใหญ่ จำนวน 5 องก์ ที่เขียนขึ้นสำหรับโรงละครหุ่นกระบอก สำหรับการแสดงครั้งแรก Alexander Bestuzhev จำกัด ตัวเองอยู่เพียงตุ๊กตาของตัวละครหลัก ส่วนที่เหลือถูกตัดออกจากกระดาษแข็งและวาดด้วยมือของเขาเอง การตกแต่งส่วนใหญ่ได้รับความช่วยเหลือจากนักเรียนของ Academy of Arts ซึ่งแก้ไขข้อผิดพลาดและข้อผิดพลาดในมุมมองและรสนิยมในอัลบั้มของเขาอย่างไร้ความปราณี ผู้เขียนบันทึกความทรงจำจำได้ดีว่าตัวละครตัวหนึ่งในละครเรื่องนี้ ซึ่งเป็นนายทหารผู้น่ารักขี้ขลาดในป่าที่น่าหลงใหล ถูกล่อลวงด้วยแอปเปิ้ลถึงแม้จะถูกห้าม แต่ก็อยากจะหยิบมันขึ้นมา แต่เมื่อเขาเข้าใกล้ต้นไม้ สายไฟก็ตั้งไว้ มือของหุ่นเชิดหัก แต่หนุ่ม A. Bestuzhev ก็ไม่แพ้เขานำตัวตลกขึ้นไปบนเวทีและเริ่มการแสดงด้นสดซึ่งเขาเชื่อมโยงอย่างชาญฉลาดกับแนวทางการเล่นจนเอฟเฟกต์เกือบจะดีขึ้น

มือสมัครเล่น การแสดงหุ่นเชิดพวกเขายังเกิดขึ้นในบ้านของ L. Tolstoy, S. Aksakov, A. Herzen, V. Sollogub, V. Serov, V. Polenov ซึ่งแต่งบทละครให้พวกเขา สิ่งนี้มีส่วนทำให้เกิดการก่อตัวและพัฒนาละครรัสเซียระดับมืออาชีพ

โรงละครหุ่นเป็นหนึ่งในงานอดิเรกในวัยเด็กของ M. Yu. Lermontov กวีในอนาคตแกะสลักหัวหุ่นกระบอกจากขี้ผึ้งสีแดง หนึ่งในนั้นคือตุ๊กตา Berquin ตัวโปรดของเขาซึ่งมีภาพของนักเขียน นักเขียนบทละคร และผู้แต่งนิทานเด็กชาวฝรั่งเศสชื่อดัง บาร์เคนแสดง "บทบาทที่ยอดเยี่ยมที่สุด" ในบทละครที่เขียนโดยเลอร์มอนตอฟรุ่นเยาว์

ละครรัสเซียเรื่องแรกสำหรับโรงละครหุ่นกระบอกซึ่งยังไม่จัดเป็นรูปแบบวรรณกรรมโดยไม่มีชื่อผู้แต่งและนักแสดงละครปรากฏในชุดหุ่นกระบอกสำหรับเกมสำหรับเด็กและไม่เพียงช่วยในการเลี้ยงดูลูกเท่านั้น แต่ยังช่วยในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ - วรรณกรรมและศิลปะด้วย .

ตุ๊กตารวมทั้งตุ๊กตาละครขายทั้งชุด กล่องพร้อมละครและของประดับตกแต่ง ในร้านค้าและร้านค้าต่างๆ และนำเข้าจากต่างประเทศ “ ในกล่องแต่ละกล่อง” A. Benois เขียนโดยนึกถึงวัยเด็กของเขา“ นอกจากนี้ยังมีโบรชัวร์พร้อมข้อความของละครเรื่องนี้ซึ่งให้อ่านบทบาทของตัวละครที่แสดง แต่ฉันไม่ต้องการใช้บทเหล่านี้ แต่เพื่อที่จะเขียนข้อความของตัวเองอย่างกะทันหันโดยมีคำอุทานที่น่าสมเพช ... ญาติที่รู้ถึงความหลงใหลของฉันทีละคนได้นำกล่องมามากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งพอร์ทัลและผ้าม่านและโปรดักชั่นทั้งหมดและคณะนักแสดงถูกตัดออกจาก วางกระดาษแล้ว ในกล่องที่มีละครเรื่อง "The Little Humpbacked Horse" ตัวละครดังกล่าวประกอบด้วยม้าในเทพนิยายและม้าของเธอ ม้าตัวเดียวกับที่มี Ivan the Fool นั่งอยู่บนนั้น Miracle Yudo - ปลาปลาวาฬ สร้อย และชาวทะเลอื่น ๆ มีโรงภาพยนตร์ที่คุณต้องสร้างเองด้วย

ซื้อองค์ประกอบที่จำเป็นทั้งหมดตั้งแต่ผ้าม่านไปจนถึงชิ้นสุดท้าย พิมพ์บนแผ่นกระดาษและทาสี พวกเขาติดกาวบนกระดาษแข็งและตัดออกอย่างระมัดระวัง นอกจากตุ๊กตากระดาษแบนแล้ว ฉันยังมีหุ่นที่คุณยายเอามาจากเวนิสด้วย เหล่านี้เป็นสุภาพบุรุษที่ "เหมือนจริง" สวมหมวกสักหลาดและคาฟทันดิ้นทอง ตำรวจสวมหมวกง้างพร้อมดาบในมือ ฮาร์เลควินกับแบตต์ โพลิชิเนลพร้อมไฟฉายจิ๋ว โคลัมไบน์กับพัด"...

3. โรงละครมาลีมอสโก สิบเก้าศตวรรษ.

ในช่วงต้นรัชสมัยของจักรพรรดิ์ ประกอบกับความเจริญรุ่งเรืองของชีวิตทางสังคมทั่วไป ฟื้นคืนชีพ และล้มลงอย่างสมบูรณ์ในระหว่างนั้น ศิลปะการแสดง. ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคณะเต็มไปด้วยนักแสดง . ในปี ค.ศ. 1805 อาคารหลังนี้ถูกไฟไหม้ อย่างไรก็ตามในปีหน้า พ.ศ. 2349 คณะกรรมการโรงละครอิมพีเรียลได้ก่อตั้งขึ้นในกรุงมอสโกซึ่งศิลปินของโรงละคร Petrovsky ในอดีตเข้ามา ในปี ค.ศ. 1806 โรงละครได้รับสถานะเป็นรัฐ โดยเข้าร่วมกับระบบโรงละครของจักรวรรดิ ดังนั้นนักแสดงที่เข้าร่วมคณะจากโรงละครทาสจึงได้รับการปลดปล่อยจากการเป็นทาสทันทีเช่น S. Mochalov พ่อของโศกนาฏกรรมผู้โด่งดัง P. Mochalovคณะไม่มีสถานที่เป็นของตัวเองมาเป็นเวลานาน สถานการณ์ทางการเมืองในประเทศเองก็ไม่เอื้ออำนวยต่อเรื่องนี้ ประเทศได้รับผลกระทบจากความไม่มั่นคงและความขัดแย้งทางทหาร (กับสวีเดน ตุรกี) ในปี พ.ศ. 2355 ได้มีการทำสงครามกับ . อีกไม่กี่ปีผ่านไปเมื่อสถาปนิก ได้รับเชิญให้สร้างอาคารโรงละครในกรุงมอสโก ย้อนกลับไปในปี 1803 คณะละครถูกแบ่งออกเป็นโอเปร่าและละคร มีบทบาทอย่างมากในแผนกนี้ ซึ่งกลายเป็นผู้ก่อตั้งโอเปร่ารัสเซียโดยพื้นฐาน อย่างไรก็ตาม ในความเป็นจริงแล้ว โอเปร่าและละครอยู่ร่วมกันมาเป็นเวลานาน จนถึงปีพ. ศ. 2367 คณะบัลเล่ต์โอเปร่าและละครของโรงละครอิมพีเรียลมอสโกมีทั้งหมดเดียว: ผู้อำนวยการเดียวนักแสดงคนเดียวกัน แต่เป็นเวลานานหลังจากนั้นโรงละครก็เชื่อมต่อกันด้วยทางเดินใต้ดินก็มีห้องแต่งตัวทั่วไป ฯลฯ

ในปีพ.ศ. 2367 ตามการออกแบบของโบเวส์ สถาปนิก ได้สร้างคฤหาสน์ของพ่อค้าขึ้นมาใหม่สำหรับโรงละคร , อาคารหลังนี้บน Petrovskaya (ปัจจุบัน ) จัตุรัสและค่อยๆ เริ่มถูกเรียกว่าโรงละครมาลี และยังคงมีชื่อนี้อยู่ ในตอนแรก ตัวอาคารแคบลงเนื่องจาก Neglinny Passage มีความกว้างมากเกินไป ในปี พ.ศ. 2381-2383 หลังจากซื้อแปลงที่อยู่ติดกันสถาปนิก สร้างอาคารให้เสร็จสมบูรณ์ตามปริมาณปัจจุบันและเปลี่ยนรูปแบบภายในทั้งหมด

ถือว่าวันเปิดทำการของโรงละครมาลีแล้ว : พวกเขาให้ทาบทามใหม่ .

“ Moskovskie Vedomosti ตีพิมพ์ประกาศเกี่ยวกับการแสดงครั้งแรกใน Maly: “ ผู้อำนวยการโรงละคร Imperial Moscow ขอประกาศว่าในวันอังคารหน้าที่ 14 ตุลาคมของปีนี้จะมีการจัดแสดงที่โรงละคร Maly แห่งใหม่ในบ้านของ Vargin บนจัตุรัส Petrovskaya เพื่อเปิดการแสดงครั้งที่ 1 กล่าวคือ การทาบทามใหม่ของการเรียบเรียง A. N. Verstovsky ต่อมาเป็นครั้งที่สอง: Lily of Narbonne หรือ the Vow of a Knight การแสดงบัลเลต์แนวอัศวินแนวดราม่าเรื่องใหม่ ... " (อ้างจาก: ).

ศิลปะการแสดงละครเริ่มรุ่งเรืองขึ้นทันที นอกเหนือจากปรมาจารย์การละครที่มีชื่อเสียงก่อนหน้านี้แล้ว ยังมีศิลปินที่มีความสามารถหน้าใหม่อีกด้วย

ช่วงเวลาสำคัญช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาโรงละคร Maly มีความเกี่ยวข้องกับชื่อ . โศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่คนนี้กลายเป็นตัวแทนของช่วงเวลาแห่งความหวังและความผิดหวังของสังคมรัสเซียในปี 1820-1840 ซึ่งเป็นยุคแห่งความขัดแย้งของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 “ป. S. Mochalov "นักแสดงผู้น่ารัก" ในคำพูดของนักวิจารณ์ที่ยกย่องเขา สามารถเอาชนะหลักการของสไตล์ก่อนหน้านี้ซึ่งแสดงออกมาด้วยสุนทรียภาพแห่งความคลาสสิก แทนที่จะบรรยายและโพสท่าที่เคร่งขรึม นักแสดงกลับนำลาวาที่เดือดพล่านของความหลงใหลและท่าทางที่สร้างความประหลาดใจด้วยความทุกข์ทรมานและความเจ็บปวด ผู้โดดเดี่ยวโรแมนติกของ Mochalov ประท้วงและต่อสู้กับโลกชั่วร้ายที่เป็นศัตรูกับพวกเขา สิ้นหวัง และมักจะเสียหัวใจ” (อ้างจาก: ). ท่ามกลางบทบาทของ P. S. Mochalov: , Richard III, (ในโศกนาฏกรรมที่มีชื่อเดียวกัน ), , เฟอร์ดินานด์ (“ ไหวพริบและความรัก” ).

ในปีพ.ศ. 2365 อดีตนักแสดงข้ารับใช้ซึ่งเป็นที่รู้จักดีจากวิสาหกิจระดับจังหวัดได้เข้าร่วมคณะ . “ เขาเป็นคนแรกที่สร้างความจริงบนเวทีรัสเซีย เขาเป็นคนแรกที่กลายเป็นคนไม่แสดงละครในโรงละคร” เขากล่าวเกี่ยวกับ Shchepkin .

กว้างขวาง: จาก ละครคลาสสิกสู่การแสดงแสงสี“ แม้ในช่วงชีวิตของ A. S. Pushkin Maly ได้สร้างผลงานของกวีสามชิ้นในเวอร์ชันละคร:“ Ruslan และ Lyudmila” (1825) “ น้ำพุบัคชิซาราย“ (1827) และ “ยิปซี” (1832) ในบรรดาละครต่างประเทศ โรงละครให้ความสำคัญกับผลงานของเช็คสเปียร์และชิลเลอร์มากกว่า" (อ้างจาก: ). บนเวทีโรงละครมาลี เมื่อวันที่ 27 พฤศจิกายน เป็นครั้งแรกในมอสโกที่มีการแสดงตลกอย่างครบถ้วน . ก่อนหน้านี้ การเซ็นเซอร์อนุญาตให้นำเสนอได้เพียงฉากเดียวเท่านั้น เฉพาะในเดือนมกราคม พ.ศ. 2374 เท่านั้นที่สามารถจัดแสดงละครทั้งหมดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ ในมอสโก "วิบัติจากปัญญา" ถูกเล่นอย่างครบถ้วนเป็นครั้งแรกใน เวทีโรงละครมาลี: รับบทเป็น Famusov และ - แชตสกี้ การผลิตนี้กลายเป็น ขั้นตอนสำคัญในประวัติศาสตร์ของโรงละคร - เขากลายเป็นกระบอกเสียงของแนวคิดทางสังคมใหม่ 25 พฤษภาคม แสดงไว้ที่นี่ (การผลิตครั้งแรกของ The Inspector General เกิดขึ้นที่โรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อนหน้านี้เล็กน้อย - ในวันที่ 19 เมษายนของปี 1836 เดียวกัน) หลังจากนั้นไม่นาน (ในปี พ.ศ. 2385) โรงละคร Maly ได้สร้างละครขึ้น และวาง และ (การผลิตครั้งแรก) . รอบปฐมทัศน์ของการแสดงทั้งสองที่ Maly Theatre (“ Marriage” ก่อนหน้านี้เคยจัดแสดงที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี ) เกิดขึ้นพร้อมกัน - 5 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2386“ รอบปฐมทัศน์ของ "The Players" จัดขึ้นที่มอสโกเมื่อวันที่ 5 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2386 (ในเย็นวันเดียวกับ "การแต่งงาน") ซึ่งเป็นการแสดงที่เป็นประโยชน์สำหรับ Shchepkin ผู้เล่น Consoler Prov Sadovsky ประสบความสำเร็จในบทบาทของ Zamukhryshkin ตามที่ S. Aksakov การแสดงกระตุ้นการอนุมัติจากผู้ชม "ธรรมดา" บทวิจารณ์ที่ดีของการแสดงปรากฏใน Moskovskie Vedomosti (ลงวันที่ 11 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2386) โดยมีข้อสังเกตว่าการวางอุบายนั้น "ดำเนินการด้วยความเป็นธรรมชาติที่น่าทึ่ง" และการพรรณนาของตัวละครเป็นพยานถึง "พรสวรรค์อันทรงพลัง" ของโกกอล (อ้างโดย: ).

นักแสดงคนอื่นๆ ในช่วงนี้ได้แก่: (1795-1875), (1809-1867), (1807-1874), (1817-1872), (1821−1889), (1823-1865), (1817-1885), (1820-1878).

พวกเขาเขียนให้กับ Maly Theatre , ,นักเขียนคนอื่นๆอีกมากมาย แต่สิ่งสำคัญเป็นพิเศษสำหรับโรงละคร Maly ก็คือ . บทละครของเขาทำให้โรงละคร Maly มีชื่ออย่างไม่เป็นทางการว่า "Ostrovsky House" ตำแหน่งละครใหม่ของนักปฏิรูปของ Ostrovsky - การเขียนในชีวิตประจำวันการจากไปจากสิ่งที่น่าสมเพชความสำคัญของนักแสดงทั้งมวลและไม่ใช่ตัวละครหลักเพียงตัวเดียว ฯลฯ - นำไปสู่ความขัดแย้งกับผู้ที่นับถือประเพณีก่อนหน้านี้ แต่ความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของ Ostrovsky ในช่วงเวลานั้นได้รับการเรียกร้องตามเวลาแล้ว ละครทั้ง 48 เรื่องของเขาจัดแสดงที่ Maly Theatre และใน ปีที่แตกต่างกันรวมอยู่ในละครของเขาเสมอ ตัวเขาเองมีส่วนร่วมในการซ้อมซ้ำแล้วซ้ำเล่าเป็นเพื่อนกับนักแสดงและละครบางเรื่องของเขาแต่งขึ้นโดยเฉพาะสำหรับนักแสดงบางคนของโรงละคร Maly ตามคำขอของพวกเขาเพื่อการแสดงที่เป็นประโยชน์ เพื่อประโยชน์ในการปฏิบัติงาน ละครสองเรื่องของ Ostrovsky ถูกจัดแสดงเป็นครั้งแรก - “ » - , « » - . เล่น ถูกส่งไปแล้ว วี และการแสดงบุญคุณภรรยานักแสดง เมื่อวันที่ 14 ตุลาคม พ.ศ. 2406 ละครเรื่องนี้ได้แสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละครมาลี . รอบปฐมทัศน์ของการเล่น "เกิดขึ้นบนเวทีโรงละครมาลี เพื่อประโยชน์ .

เกิดขึ้นครั้งแรกเมื่อวันที่ 10 พฤศจิกายน พ.ศ. 2421 ณ การแสดงบำเพ็ญประโยชน์ของนักแสดง . ในการเล่น , พ.ศ. 2427 บทบาทของ Neznamov เขียนโดย Ostrovsky โดยเฉพาะสำหรับศิลปินของ Maly Theatre . ในปี 1929 มีการสร้างอนุสาวรีย์ของ Ostrovsky ที่ประตูโรงละคร Maly บทละครของนักเขียนบทละครไม่ได้ออกจากเวทีของ Maly Theatre จนถึงทุกวันนี้

จากการเปิดตัวอย่างมีชัยในบทบาทของเอมิเลีย ( , “ Emilia Galotti”) เมื่อวันที่ 30 มกราคม พ.ศ. 2413 อาชีพการแสดงละครของนักแสดงโศกนาฏกรรมชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่เริ่มต้นขึ้น ซึ่งต่อมาได้ฉายในบทบาทของ: ลอเรนเซีย - “The Sheep Spring” , Maria Stuart - “Mary Stuart” โดย F. Schiller; Joan of Arc - "The Maid of Orleans" โดยผู้เขียนคนเดียวกัน คาเทริน่า อิน , เนจิน่า อิน , ครูชินินาอิน และอื่น ๆ อีกมากมาย. คราวนี้ตกอยู่ในช่วงรุ่งเรืองของขบวนการประชาธิปไตยในรัสเซียซึ่งโรงละคร Maly ไม่ได้นิ่งเฉย มากกว่าหนึ่งครั้งในการแสดงโดยมีส่วนร่วมของ M. N. Ermolova การแสดงทางการเมืองของนักเรียนและปัญญาชนในระบอบประชาธิปไตยเกิดขึ้น บรรดาผู้ที่กลายเป็นตำนานทำงานในโรงละครในขณะนั้น , , , , , , , และ , , .

4. โรงภาพยนตร์ศตวรรษที่สิบเก้า

โรงละครอเล็กซานดรินสกี้(อาคารัฐรัสเซีย ละครวิชาการละครที่ตั้งชื่อตาม เอ.เอส. พุชกิน) - โรงละคร หนึ่งในโรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในรัสเซียที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2375 โรงละครเริ่มถูกเรียกว่าอเล็กซานดรินสกี้ ชื่อนี้ตั้งไว้เพื่อเป็นเกียรติแก่ภรรยาของจักรพรรดิ .

ตลอดศตวรรษที่ 19 โรงละครเป็นเรือธงของชีวิตการแสดงละครในเมืองหลวงประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมการแสดงละครของรัสเซียเกิดขึ้นภายในกำแพงของโรงละครแห่งนี้

ในตอนต้นของศตวรรษ โรงละครรัสเซียทั้งหมดได้รับคำแนะนำจากนางแบบชาวยุโรป และค่อยๆ พัฒนาโรงเรียนดั้งเดิมของตัวเอง

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษหลังได้รับชัยชนะมา แนวเพลงเบาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้น - และ . โรงละครมีการแสดงละครโดยนักเขียนเช่น , I. I. Sosnitsky . การดื่มด่ำไปกับการแสดงดนตรีนำไปสู่การพัฒนาทักษะของนักแสดงในด้านพลาสติก เทคนิคภายนอก และการผสมผสานระหว่างการเคลื่อนไหวและการร้องเพลง การเปลี่ยนแปลงในโรงเรียนการละครครั้งนี้ทำให้เกิดความขัดแย้งระหว่างโรงเรียนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก

…โดยทั่วไปในแง่ของการแสดงบนเวที เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแตกต่างจากมอสโกในด้านความสามารถที่มากกว่าหากไม่เป็นเช่นนั้นก็จะมีรูปลักษณ์และรูปแบบที่น่าพอใจ กล่าวอีกนัยหนึ่งเวทีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กนั้นเป็นศิลปะมากกว่า แต่ในมอสโกมันเป็นพรสวรรค์

-

ตลอดประวัติศาสตร์ก่อนการปฏิวัติ เป็นเรื่องที่ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากจักรพรรดิและฝ่ายบริหารโรงละครของจักรวรรดิ โดยเฉพาะอย่างยิ่งภายใต้ , .

บทสรุป.

ในการสรุปเรียงความของฉันเราสามารถพูดได้ว่าศตวรรษที่ 19 ในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียเริ่มต้นขึ้น ยุคใหม่. ตัวอย่างเช่น ละครของ Ostrovsky เป็นทั้งโรงละครและในโรงละครแห่งนี้มีนักแสดงที่มีพรสวรรค์เติบโตขึ้นมาซึ่งยกย่องศิลปะการแสดงละครของรัสเซีย

นอกจากบทละครของ Ostrovsky แล้ว บทละครของ A.V. ยังปรากฏในละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19-Kobylin, M.E. Saltykov-Shchedrin, A.K. ตอลสตอย, แอล.เอ็น. ตอลสตอย โรงละครยังเดินตามเส้นทางแห่งการยืนยันความจริงและความสมจริง

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความสนใจในละครร่วมสมัยของรัสเซียกำลังเพิ่มขึ้นอย่างมาก การวิจารณ์เชิงปฏิวัติ - ประชาธิปไตยนำโดย Chernyshevsky และ Dobrolyubov สนับสนุนละครของ Ostrovsky เผยให้เห็นอาณาจักรอันมืดมนของพ่อค้า - เผด็จการการทุจริตและความหน้าซื่อใจคดของกลไกระบบราชการของระบอบเผด็จการรัสเซีย

หลังจากการผลิตภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกเรื่อง Don't Get in Your Own Sleigh ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 14 มกราคม พ.ศ. 2396 บนเวทีโรงละครเล็ก ออสตรอฟสกี้นำเสนอละครทั้งหมดของเขาบนเวทีของโรงละครมาลี เมื่อได้ใกล้ชิดกับศิลปินที่มีความสามารถหลายคน นักเขียนบทละครเองก็มีส่วนร่วมในการผลิตผลงานของเขา บทละครของเขาเป็นยุคใหม่และเป็นยุคใหม่ศิลปะการแสดงของรัสเซีย ในบทละครของ Ostrovsky ได้มีการเปิดเผยความสามารถของนักแสดงที่ใหญ่ที่สุดของ Maly Theatre, Prov Mikhailovich Sadovsky (1818-1872) การแสดงของศิลปินในบทบาทของ Lyubim Tortsov ในละครเรื่อง "ความยากจนไม่ใช่รอง" กลายเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของศิลปิน Sadovsky เล่น 30 บทบาทในละครของ Ostrovsky ฮีโร่ของเขาดูเหมือนจะขึ้นมาบนเวทีจากชีวิตจริง ๆ ผู้ชมจำพวกเขาได้คนที่คุ้นเคย Sadovsky ยังคงสานต่อหลักการของ Shchepkin นักแสดงสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่กับผลงานของเขา

ร่วมกับ Sadovsky นักแสดงโศกนาฏกรรมชาวรัสเซีย Lyubov Pavlovna Nikulina - Kositskaya (พ.ศ. 2370-2411) เล่นบนเวทีของโรงละคร Maly เธอเป็นคนแรกและเป็นหนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นที่สุดของ Katerina ในภาพยนตร์เรื่อง "The Thunderstorm" ของ Ostrovsky พรสวรรค์ของเธอผสมผสานคุณลักษณะของความอิ่มเอิบโรแมนติกและความจริงอันล้ำลึกในการพรรณนาความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ Polina Antipyevna Strepetova (1850-1903) นักแสดงหญิงโศกนาฏกรรมประจำจังหวัดที่ใหญ่ที่สุดจะจดจำการแสดงของเธอบนเวทีตลอดไป การพบกับ Nikulina-Kositskaya ช่วยให้ Strepetova กลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ประเพณีของงานศิลปะของ Nikulina-Kositskaya ก็สะท้อนให้เห็นในผลงานของนักแสดงโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่ของ Maly Theatre M. N. Ermolova

แรงบันดาลใจที่ก้าวหน้าและเป็นประชาธิปไตยของนักแสดงที่มีความสามารถมากที่สุดของโรงละคร Maly กระตุ้นให้เกิดการต่อต้านอย่างดุเดือดจากเจ้าหน้าที่โรงละครและการเซ็นเซอร์อย่างต่อเนื่อง บทละครหลายเรื่องของ Ostrovsky แม้จะประสบความสำเร็จกับผู้ชม แต่ก็มักจะถูกถอนออกจากการแสดง ถึงกระนั้น บทละครของ Ostrovsky กำลังกลายเป็นส่วนหนึ่งของละครของโรงละครมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งมีอิทธิพลต่อนักเขียนบทละครคนอื่น ๆ

ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 ของศตวรรษที่ XIX หลังจากการลอบสังหาร Alexander II โดย Narodnaya Volya ปฏิกิริยาที่น่ารังเกียจก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น การกดขี่จากการเซ็นเซอร์ส่งผลกระทบอย่างหนักต่อละครของโรงละคร โรงละคร Maly กำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ พื้นฐานของผลงานของนักแสดงที่ใหญ่ที่สุดของ Maly Theatre คือผลงานคลาสสิก

โปรดักชั่นละครโดย Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo โดยมีส่วนร่วมของนักแสดงโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Maria Nikolaevna Ermolova กลายเป็นเหตุการณ์ในชีวิตการแสดงละครของมอสโก ในการแสดงเหล่านี้ ผู้ชมได้เห็นการยืนยันความคิดที่กล้าหาญการเชิดชูพลเมือง ความสำเร็จและการเรียกร้องให้ต่อสู้กับเผด็จการและความรุนแรง

คณะละครมาลีในปลายศตวรรษที่ 19 มีนักแสดงที่มีความสามารถมากมายผิดปกติ พวกเขาเป็นผู้สืบทอดที่ยอดเยี่ยมของประเพณีอันรุ่งโรจน์ของโรงละคร Maly ศิลปะแห่งความจริงในชีวิตอันล้ำลึกผู้พิทักษ์คำสั่งของ Shchepkin, Mochalov, Sadovsky

เมื่อเขียนเรียงความฉันใช้แหล่งข้อมูลมากมายและพบว่าโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในทศวรรษแรกของปีที่สอง ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19วี. กำลังผ่านช่วงเวลาที่ยากลำบากที่สุดในประวัติศาสตร์ นอกจากนี้ความใกล้ชิดกับราชสำนักยังมีอิทธิพลอย่างมากต่อชะตากรรมของโรงละครมาโดยตลอด ฝ่ายบริหารของโรงละครจักรวรรดิปฏิบัติต่อคณะละครรัสเซียด้วยความดูถูกอย่างไม่ปิดบัง มีการตั้งค่าที่ชัดเจนให้กับนักแสดงและบัลเล่ต์ชาวต่างชาติ ศิลปะของนักแสดงของโรงละครอเล็กซานเดรียพัฒนาขึ้นไปในทิศทางของการปรับปรุงวิธีการแสดงออกภายนอกเป็นหลัก อาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดการเปลี่ยนแปลงที่เชี่ยวชาญเทคนิคการแสดงอย่างเชี่ยวชาญคือ Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887) ผู้สร้างภาพที่เหมือนจริงและแสดงบนเวที

ดังนั้นเราจึงสรุปได้ว่าวัฒนธรรมของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีความหลากหลายและมีชีวิตชีวาเป็นพิเศษ นักเขียนบทละครและนักแสดงชื่อใหม่ปรากฏในละครและละครซึ่งมีชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในประวัติศาสตร์รัสเซียเท่านั้น แต่ยังไปทั่วโลก

สถาบันการศึกษางบประมาณของรัฐบาลกลาง

การศึกษาวิชาชีพชั้นสูง

"มหาวิทยาลัยสถาปัตยกรรมศาสตร์และวิศวกรรมโยธา Nizhny Novgorod"

คณะสถาปัตยกรรมศาสตร์และการวางผังเมือง

แผนก ประวัติศาสตร์แห่งชาติและวัฒนธรรม

หัวข้อ: “ชีวิตการแสดงละครของรัสเซียในศตวรรษที่ 19”

เสร็จสิ้นโดย: Kolosova E.V. ปีที่ 1

ตรวจสอบโดย: รองศาสตราจารย์ A.V. Grebenyuk

นิจนี นอฟโกรอด

การแนะนำ

บทที่ 1 ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะการแสดงละคร

1การเกิดขึ้นของโรงละครภาครัฐและเอกชน อุปกรณ์และการควบคุม

2 ละคร

บทที่ 3 นักเขียนบทละครและนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่

บทสรุป

การแนะนำ

ในศตวรรษที่ 19 โรงละครกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซีย และความนิยมในศิลปะการแสดงละครก็เพิ่มมากขึ้น เขาไม่เพียงแต่เป็นส่วนหนึ่งเท่านั้น ชีวิตทางสังคมและศูนย์กลางการสื่อสารทางโลกของเมืองหลวงและประชาชนในต่างจังหวัด แต่ยังเป็นปัจจัยสำคัญในชีวิตสาธารณะและรูปแบบการแสดงออกถึงจิตสำนึกสาธารณะที่เป็นเอกลักษณ์ ในยุคของเรา ความสนใจในศิลปะการแสดงละครไม่ได้หายไป ดังนั้นหัวข้อที่ฉันเลือกยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน ศตวรรษที่ 19 ในชีวิตของโรงละครรัสเซียคือ "ยุคทอง" ซึ่งเป็นช่วงที่มีการสร้างผลงานละครคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและโรงเรียนการแสดงของรัสเซีย นี่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาโรงละครรัสเซียและวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียโดยทั่วไป

วัตถุประสงค์ของการเขียนเรียงความของฉันคือเพื่อเพิ่มพูนความรู้ของฉันในด้านนี้เพื่อประเมินศตวรรษที่ 19 ว่าเป็นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซีย

เพื่อจะทำสิ่งนี้ ฉันจำเป็นต้องศึกษา จำนวนมากเนื้อหาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์การพัฒนาศิลปะการแสดงละครของรัสเซีย ค้นหาว่ากระแสในโรงละครเปลี่ยนแปลงไปอย่างไร เรียนรู้เกี่ยวกับนักเขียนบทละครและนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

งานของฉันประกอบด้วย 2 บทที่ฉันจะพยายามเปิดเผยหัวข้อของฉันให้ครบถ้วนที่สุด

บทที่ 1 ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะการแสดงละคร

1 การเกิดขึ้นของโรงละครภาครัฐและเอกชน อุปกรณ์และการควบคุม

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 โรงละครป้อมปราการประจำจังหวัดยังคงเปิดดำเนินการต่อไป แม้ว่า ครับ ปริมาณมากมีโรงละครที่คล้ายกันในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: จากโรงละครเสิร์ฟในเมือง 103 แห่ง, 53 แห่งดำเนินการในมอสโก, 27 แห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและ 23 แห่งในเมืองอื่น ๆ ของยุโรปรัสเซีย ในเวลาเดียวกันการแพร่กระจายของสถาบันการแสดงละครในบริเวณรอบนอกมีความสำคัญ: ในจังหวัดมอสโกมีโรงละคร 63 แห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - 30 แห่งใน Penza, Kursk, Oryol, Nizhny Novgorod - 5-7, Vladimir, Voronezh, Smolensk, Poltava - 2-4 และสุดท้ายใน Vologda, Volyn, Pskov, Simbirsk - 1 โรงละครต่อจังหวัด

การดำรงอยู่อย่างต่อเนื่องของโรงละครสาธารณะเอกชนนั้นขึ้นอยู่กับความต้องการของผู้ชม โรงละครสามารถดำรงอยู่ได้เฉพาะในเมืองเหล่านั้นซึ่งมีผู้ชมละครตามความจำเป็นเท่านั้น ตัวอย่างเช่นโรงละครของเจ้าของที่ดิน Esipov ในคาซานซึ่งเป็นศูนย์กลางการค้าการบริหารและวัฒนธรรมขนาดใหญ่ของภูมิภาคโวลก้าตอนกลางและตอนล่างและโรงละครของเจ้าชาย Shakhovsky ใน Nizhny Novgorod จึงมีความคงทนที่สุด ความใกล้ชิดกับงาน Makaryevskaya Fair หลังนี้มีส่วนทำให้มีความเจริญรุ่งเรือง โรงละครโนฟโกรอดก่อตั้งขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 และได้รับการสร้างขึ้นใหม่และขยายในปี พ.ศ. 2354 มีกล่อง 27 กล่อง ที่นั่งในแผงลอย 100 ที่นั่ง เก้าอี้ 50 ที่นั่ง และในแกลเลอรี 200 ที่นั่ง ฤดูกาลของโรงละครมีความโดดเด่นด้วยระยะเวลาที่ยาวนาน: มีการแสดงสัปดาห์ละสามครั้งตั้งแต่เดือนกันยายนถึงกลางเดือนมิถุนายน

โรงละคร Kamensky ในเมือง Orel ซึ่ง Herzen บรรยายในภายหลังในเรื่อง "The Thieving Magpie" มีชื่อเสียงมาก Kamensky โดดเด่นด้วยความโหดร้ายการกดขี่ข่มเหงและนิสัยใจคอมากมาย อย่างไรก็ตามความหลงใหลในโรงละครอย่างจริงใจช่วยให้เขาสร้างคณะที่ยอดเยี่ยมได้ซึ่งมีนักแสดงตลก Kozlov และ นักแสดงที่มีพรสวรรค์คอซมินา. ในปีพ. ศ. 2361 Kamensky พยายามซื้อนักแสดงเสิร์ฟชื่อดัง M. S. Shchepkin แต่เจ้าชาย Repnin เอาชนะเขา

อย่างไรก็ตาม การฟื้นฟูโรงละครเสิร์ฟในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 นั้นเกิดขึ้นได้ไม่นาน ในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 พวกเขาหยุดอยู่จริงโดยหลีกทางให้กับคณะละครส่วนตัวที่ประกอบด้วยนักแสดงพลเรือนและกลุ่มโรงละครของรัฐ

โรงละครของรัฐหรือที่เรียกกันว่าโรงละครของรัฐปรากฏในเมืองหลวงของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 มีหลายแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นี่คือโรงละครในวังในอาศรม แกรนด์เธียเตอร์- อาคารสี่ชั้นขนาดใหญ่ตั้งอยู่ระหว่าง Moika และคลอง Catherine และโรงละคร Maly สร้างขึ้นในปี 1801 โดยสถาปนิก Brenna ใกล้สะพาน Anichkov นอกเหนือจากโอเปร่า บัลเล่ต์ และคณะละครของรัสเซียแล้ว ยังมีชาวต่างชาติแสดงที่นั่น - ฝรั่งเศสและอิตาลี มีการใช้เงินจำนวนมากโดยเฉพาะในการบำรุงรักษาส่วนหลัง

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ระบบการจัดการโรงละครของรัฐในเมืองหลวงได้รับการจัดโครงสร้างใหม่ และมีการก่อตั้งการผูกขาดการแสดงละครขึ้น ในปีพ.ศ. 2346 มีการออกพระราชกฤษฎีกาให้โรงละครของรัฐมีสิทธิ์แต่เพียงผู้เดียวในการจัดงานสวมหน้ากากในที่สาธารณะและจัดพิมพ์ โปสเตอร์โรงละคร. ในเวลาเดียวกัน โรงละครเอกชนที่เปิดดำเนินการในสามเมืองก็ปิดตัวลง ดังนั้นในปี 1803 คณะละครส่วนตัวจึงถูกชำระบัญชีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1805 - คณะละครเยอรมันและโรงละครก็ถูกครอบครองโดย จัตุรัสพระราชวังกลายเป็นทางการ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2348 การผูกขาดโรงละครของจักรวรรดิในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ก่อตั้งขึ้นอย่างเป็นทางการ แรงจูงใจเบื้องหลังมาตรการนี้คือการพิจารณาทางการเมืองและเศรษฐกิจ ความนิยมที่เพิ่มขึ้นของการแสดงละคร การอภิปรายบนหน้านิตยสาร และความปรารถนาของสาธารณชนที่ก้าวหน้าในการเปลี่ยนโรงละครให้กลายเป็นเวทีสำหรับแนวคิดรักอิสระ กระตุ้นความกลัวและความปรารถนาของรัฐบาลที่จะให้การแสดงละครรองอยู่ภายใต้การควบคุม ในเวลาเดียวกัน การจัดตั้งรัฐผูกขาดโรงละครในเมืองหลวง ควบคู่ไปกับการห้ามโรงละครเอกชนในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก จะส่งผลให้รายได้บ็อกซ์ออฟฟิศเพิ่มขึ้นจากสถาบันบันเทิงของรัฐ ซึ่งไม่มี มีความสำคัญเล็กน้อยเนื่องจากค่าใช้จ่ายในการอุดหนุนโรงละครของรัฐมีจำนวนมาก

อันเป็นผลมาจากการปรับโครงสร้างองค์กรการจัดการโรงละครของรัฐได้ดำเนินการโดยผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิซึ่งรับผิดชอบสำนักงานมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ผู้อำนวยการไม่เพียงควบคุมด้านการเงินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครของโรงละครองค์ประกอบของคณะละครและรายละเอียดทั้งหมดของชีวิตการแสดงละครด้วย บ่อยครั้งที่การควบคุมนี้กลายเป็นการดูแลเล็กน้อยตามอำเภอใจ

การปรับโครงสร้างองค์กรนี้มีส่วนทำให้รัฐบาลควบคุมกิจกรรมของโรงละครและการบริหารระบบราชการของโรงละครให้เข้มงวดยิ่งขึ้น

เจ้าหน้าที่ที่ไม่มีความรู้เกี่ยวกับงานศิลปะถูกตั้งข้อหากำกับผลงานของนักเขียนบทละครและนักแสดง

นโยบายการแสดงละครที่คล้ายกันนี้ได้รับการปฏิบัติอย่างเคร่งครัดโดยฝ่ายบริหารของโรงละครของจักรวรรดิ เจ้าหน้าที่ที่แท้จริงได้ใช้ความพยายามอย่างมากในการเสริมสร้างการควบคุมของรัฐบาลเหนือโรงละคร ภายใต้เขาปัญหาเชิงสร้างสรรค์ได้รับการแก้ไขโดยฝ่ายบริหารโดยเฉพาะ พวกเขาเฝ้าดูละครอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษ โดยพยายามเติมเต็มด้วยผลงานที่มีลักษณะภักดีหรือให้ความบันเทิงล้วนๆ

ตำแหน่งของนักแสดงในสภาวะเช่นนี้เป็นเรื่องยากเป็นพิเศษ ด้วยความที่เป็นอิสระอย่างเป็นทางการ พวกเขาจึงขึ้นอยู่กับความเด็ดขาดของฝ่ายบริหาร เจ้าหน้าที่ และเจ้าหน้าที่ตำรวจโดยสิ้นเชิง เมื่อเข้าสู่ขั้นตอนของรัฐนักแสดงได้ทำสัญญากับฝ่ายบริหารเป็นเวลาสามปี ตามนั้นพวกเขาจำเป็นต้องเล่นโดยไม่ล้มเหลวในบทบาทที่ฝ่ายบริหารจะมอบให้พวกเขา นักแสดงที่ประสบความสำเร็จร่วมกับสาธารณชนยังได้รับสิ่งที่เรียกว่าการแสดงเพื่อประโยชน์ ซึ่งรายได้ส่วนใหญ่จะถูกโอนไปยังศิลปิน อย่างไรก็ตามการประท้วงเงื่อนไขของสัญญาเพียงเล็กน้อยอาจนำไปสู่การยุติสัญญาและส่งผลให้นักแสดงต้องตกงาน

ความเป็นไปได้ที่จะได้รับแรงกดดันจากฝ่ายบริหารต่อนักแสดงนั้นรุนแรงขึ้นจากตำแหน่งที่ไม่เท่าเทียมกันซึ่ง "คนรับใช้ของ Melpomene" พบว่าตัวเองอยู่ในขณะนั้น ในสายตาของตัวแทนของ "สังคมชั้นสูง" ศิลปินของโรงละครของจักรวรรดิมีความแตกต่างกันเล็กน้อยจากนักแสดงที่เป็นทาสโดยเป็น "นักแสดง" "นักแสดงตลก" คนเดียวกันและการทรยศต่อสังคม

ตำแหน่ง "ต่ำ" ของนักแสดงได้รับการเน้นย้ำอย่างต่อเนื่องโดยเจ้าหน้าที่ของผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิซึ่งบังคับให้พวกเขาถูกดูหมิ่นและลงโทษตามอำเภอใจอย่างต่อเนื่อง แม้ว่าศิลปินจะไม่ถูกลงโทษทางร่างกาย แต่มีเพียงช่างไม้ในโรงละคร คนสโต๊คเกอร์ และพนักงานบนเวทีระดับต่ำอื่นๆ เท่านั้นที่ถูกลงโทษ การจับกุม "ที่สำนักงาน" หรือ "ที่โรงละคร" ถือเป็นการวัดอิทธิพลของฝ่ายบริหารที่มีต่อ นักแสดงชาย. ยิ่งไปกว่านั้น นักแสดงมักถูกลงโทษดังกล่าว ไม่ใช่เพราะการละเมิดทางวินัย แต่เพื่อความเป็นอิสระในการสร้างสรรค์

ชีวิตทางศิลปะในสมัยนั้นมีน้อยมาก แม้แต่ศิลปินของโรงละครของรัฐที่ได้รับเงินเดือนจำนวนหนึ่งและต้องพึ่งพารายรับจากบ็อกซ์ออฟฟิศน้อยกว่าศิลปินในต่างจังหวัดก็ประสบปัญหาทางการเงินอย่างต่อเนื่อง ตามกฎแล้วเงินเดือนของนักแสดงในโรงละครของจักรวรรดิมีขนาดเล็กและส่วนใหญ่ไม่เพียงพอที่จะเลี้ยงดูครอบครัว ซื้อเครื่องแต่งกาย และความต้องการอื่น ๆ ในชีวิตของนักแสดง ดังนั้นการแสดงผลประโยชน์จึงมีบทบาทสำคัญในงบประมาณของครอบครัวโดยการเตรียมการที่เริ่มขึ้นล่วงหน้า ในตอนแรกนักแสดงกำลังยุ่งอยู่กับการเลือกละคร เชิญชวนเพื่อนฝูงให้มีส่วนร่วมในการแสดง และวาดโปสเตอร์ให้ใหญ่ที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้พร้อมชื่อเรื่องที่ดึงดูดใจที่สุด คำคุณศัพท์ "ลึกลับ" "แย่มาก" และ "นองเลือด" เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เช่นเดียวกับการอ้างอิงถึงกระสุนปืน ดอกไม้ไฟ และสิ่งมหัศจรรย์อื่น ๆ ของดอกไม้ไฟ ผู้ได้รับประโยชน์จากครอบครัวซึ่งหวังว่าจะได้สัมผัสผู้ชม มักจะเพิ่มความหลากหลายให้กับการแสดง โดยที่ลูกๆ ของพวกเขาจะอ่านนิทานหรือเต้นรำ

โวลต์ ดังนั้นเรามาสรุปทั้งหมดข้างต้นโดยเน้นสิ่งสำคัญที่โรงละครรัสเซียมีประเพณีอันยาวนานอยู่แล้วเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการพัฒนาที่เพิ่มขึ้นของโรงละครรัสเซีย: ความนิยมในศิลปะการแสดงละครกำลังเพิ่มขึ้น โรงละครทาสถูกแทนที่ด้วย "โรงละครอิสระ" - รัฐและเอกชน ข่าวละครและการอภิปรายเกี่ยวกับโรงละครปรากฏในวารสารเกือบทุกฉบับของต้นศตวรรษที่ 19 ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ระบบการจัดการโรงละครของรัฐในเมืองหลวงได้รับการจัดโครงสร้างใหม่ และมีการก่อตั้งการผูกขาดการแสดงละครขึ้น ตำแหน่งของนักแสดงนั้นยากเป็นพิเศษ - โดยพื้นฐานแล้วพวกเขาขึ้นอยู่กับความเด็ดขาดของฝ่ายบริหารเจ้าหน้าที่และเจ้าหน้าที่ตำรวจโดยสิ้นเชิง

1.2การเปลี่ยนแปลงจากความคลาสสิกและแนวโรแมนติกไปสู่ความสมจริง

เมื่อถึงทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 ประเพณีของศิลปะคลาสสิกในโรงละครรัสเซียก็เริ่มเสื่อมถอยลง ประเพณีนิยมของโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกที่มีเอกภาพบังคับของเวลาและสถานที่ของการกระทำโดยมีการต่อต้าน "เหตุผล" กับ "ความหลงใหล" ของมนุษย์และสุดท้ายคือการพูดเกินจริงในการพรรณนาถึงคุณสมบัติเชิงบวกและเชิงลบของตัวละครมนุษย์ ไม่เกิดความเห็นอกเห็นใจในหอประชุมอีกต่อไป

ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ลัทธิอ่อนไหวซึ่งให้ความสนใจต่อโลกภายในของมนุษย์เป็นอันดับแรก พร้อมด้วยแรงบันดาลใจในระบอบประชาธิปไตย ได้รับความนิยมอย่างเป็นธรรมชาติทั้งในด้านวรรณกรรมและละคร

นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าอิทธิพลของยุคนั้นทำเครื่องหมายไว้สำหรับรัสเซียโดยวิกฤตที่เพิ่มขึ้นของระบบศักดินา - ทาสและการเติบโต เอกลักษณ์ประจำชาติซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในเหตุการณ์สงครามรักชาติปี 1812 ไม่เพียงแสดงออกมาในการกระตุ้นความคิดทางสังคมและการเคลื่อนไหวทางสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อเรียกร้องใหม่ที่มีต่อศิลปะโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโรงละครด้วย ในการแสดงละครผู้ชมในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 พร้อมด้วยความบันเทิงที่ร่าเริงกำลังมองหา "รูปร่างหน้าตาของชีวิต" ยิ่งไปกว่านั้นชีวิตสมัยใหม่ที่มีปัญหาและความขัดแย้งสมัยใหม่ สำหรับฮีโร่ความคล้ายคลึงกันของความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ธรรมดา .

อิทธิพลใหญ่ N.M. มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของอารมณ์อ่อนไหวบนเวที Karamzin ซึ่งพูดอย่างกว้างขวางในหน้าของ Moscow Journal และ Vestnik Evropy ในฐานะนักทฤษฎีศิลปะและนักวิจารณ์การละคร ในบทความของเขาเขาประณามประเพณีของลัทธิคลาสสิกอย่างรุนแรง นอกจากนี้แม้จะมีการกลั่นกรองมุมมองทางสังคมและการเมืองของเขา Karamzin ผู้ซึ่งตระหนักดีถึงความชั่วร้ายของการเป็นทาสและเผด็จการที่แพร่หลายของรัฐบาลกลางก็ประกาศแนวคิดเรื่องความเท่าเทียมกันทางศีลธรรมของผู้คนดึงดูดความสนใจของนักเขียนและ นักเขียนบทละครถึง ธีมพื้นบ้าน. หลักการเหล่านี้ถูกนำมาใช้โดยนักเขียนบทละครเช่น N.I. Ilyin และ V.M. เฟโดรอฟ

ละครแนวอารมณ์อ่อนไหวในละครรัสเซียได้รับการพัฒนาแบบคู่ แนวโน้มที่ก้าวหน้าของความรู้สึกอ่อนไหวมีส่วนทำให้ศิลปะมีความเข้มแข็งในความคิดเรื่องสัญชาติ มนุษยนิยมทางสังคม และความสนใจในโลกภายในของมนุษย์ ในเรื่องนี้ความรู้สึกอ่อนไหวได้เตรียมการก่อตัวของสุนทรียศาสตร์ที่โรแมนติกและปฏิวัติของผู้หลอกลวง

ในทางกลับกัน ผลงานเหมือนกับละครของ Fedorov ถือเป็นจุดเริ่มต้นของละครแนวราชาธิปไตยพื้นบ้านหลอก

ในการสร้างผลงานละคร นักเขียนที่มีอารมณ์อ่อนไหวได้ละทิ้งหลักการทางสุนทรีย์ของลัทธิคลาสสิก แอ็กชันของบทละครไม่ถูกจำกัดด้วยแบบแผน (ความสามัคคีของเวลา สถานที่ และการกระทำ) พัฒนาขึ้นอย่างอิสระตามความขัดแย้งชั้นนำของโครงเรื่อง แต่เช่นเดียวกับโศกนาฏกรรมคลาสสิก ละครซาบซึ้งยังคงรักษาลักษณะนิสัยที่มีคุณธรรมและมีศีลธรรมไว้ ในการแสดงครั้งสุดท้ายของการเล่น ตามกฎแล้วรองถูกลงโทษ คุณธรรมมีชัย

ในศิลปะการแสดง ความรู้สึกอ่อนไหวแสดงออกด้วยความอ่อนไหวมากขึ้น แต่ในขณะเดียวกันก็รักษากฎเกณฑ์เก่าๆ หลายประการของพฤติกรรมบนเวที ตัวอย่างเช่น เช่นเดียวกับโศกนาฏกรรมคลาสสิก ในละครซาบซึ้ง (และต่อมาในละครโรแมนติก) การแต่งหน้า น้ำเสียง และการแสดงออกทางสีหน้าของพระเอกในแง่บวกแตกต่างอย่างมากจาก ฮีโร่เชิงลบ. “หัวหยิกใหญ่เป็นของพระเอก วิกผมแดงไม่เรียบร้อย หัวห้อยต่ำ ดวงตาโปนอย่างดุเดือด มีประกายไฟจากใต้คิ้วเป็นภาพของผู้ร้าย อันแรกมีน้ำเสียงไพเราะ อันที่สองมีเสียงหายใจดังฮืด ๆ. เสียงหอนอย่างดุเดือดจากด้านหนึ่งและอีกด้านหนึ่งเป็นเครื่องบ่งชี้ถึงการเพิ่มขึ้นภายใน” นักแสดงคนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เล่า สิ่งสำคัญสำหรับนักแสดงในละครซาบซึ้งคือการแสดงความเห็นอกเห็นใจ ความสงสาร และความอ่อนโยนต่อตัวละครเชิงบวกที่มีคุณธรรม มีการเล่นฉากการกลับใจ การอำลา ฯลฯ อย่างซาบซึ้งเป็นพิเศษ

ยวนใจเช่น การเคลื่อนไหวทางศิลปะในศิลปะการแสดงละครของรัสเซียมีการเผยแพร่ส่วนใหญ่ตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19

ในด้านสังคมและศิลปะ ลัทธิโรแมนติกในละครมีความคล้ายคลึงกันบางประการกับลัทธิอารมณ์อ่อนไหว เช่นเดียวกับละครโรแมนติกที่ซาบซึ้งซึ่งตรงกันข้ามกับเหตุผลนิยมของโศกนาฏกรรมคลาสสิกเผยให้เห็นความน่าสมเพชของประสบการณ์ของบุคคลที่ปรากฎ อย่างไรก็ตาม ในขณะที่ยืนยันถึงความสำคัญของบุคลิกภาพของมนุษย์กับโลกภายในของแต่ละบุคคล แนวโรแมนติกในขณะเดียวกันก็ให้ความสำคัญกับการพรรณนาถึงตัวละครที่โดดเด่นในสถานการณ์พิเศษ ละครโรแมนติก เช่น นวนิยายและเรื่องราว มีลักษณะเป็นโครงเรื่องที่น่าอัศจรรย์หรือมีการนำสถานการณ์ลึกลับหลายประการเข้ามา เช่น การปรากฏของผี การประจักษ์ ลางบอกเหตุทุกชนิด เป็นต้น ในเวลาเดียวกัน ละครโรแมนติกก็แต่งขึ้น มีพลวัตมากกว่าโศกนาฏกรรมคลาสสิกและละครแนวซาบซึ้ง ซึ่งเนื้อเรื่องมีการอธิบายเป็นหลักในบทพูดของตัวละคร ในละครโรแมนติกการกระทำของเหล่าฮีโร่ได้กำหนดข้อไขเค้าความเรื่องของพล็อตไว้ล่วงหน้าในขณะที่การมีปฏิสัมพันธ์กับสภาพแวดล้อมทางสังคมกับผู้คนเกิดขึ้น

ละครโรแมนติก เช่น อารมณ์อ่อนไหว เริ่มพัฒนาจากยุค 20 ถึง 40 ในสองทิศทาง สะท้อนถึงแนวสังคมอนุรักษ์นิยมและขั้นสูง ผลงานละครที่แสดงออกถึงอุดมการณ์ที่ภักดีถูกต่อต้านโดยการสร้างสรรค์ละคร ละคร และโศกนาฏกรรมของ Decembrist ที่เต็มไปด้วยการกบฏทางสังคม

ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับศิลปะการแสดงละครยังกำหนดข้อกำหนดพิเศษสำหรับงานละครด้วย “ ฉันมักจะชอบสิ่งที่ทำให้จิตวิญญาณสั่นไหวสิ่งที่ยกระดับสิ่งที่สัมผัสหัวใจ” A. Bestuzhev เขียนถึงพุชกินในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2368 เกี่ยวกับเนื้อหาของบทละคร นอกเหนือจากพล็อตเรื่องที่น่าสัมผัสและประเสริฐในละครตามที่ A. Bestuzhev เชื่อแล้ว ควรมีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างความดีและความชั่วซึ่งควรเปิดเผยและตำหนิด้วยการเสียดสีอยู่ตลอดเวลา นั่นคือเหตุผลที่ "Polar Star" ยินดีต้อนรับการปรากฏตัวของภาพยนตร์ตลกของ A. S. Griboyedov เรื่อง "Woe from Wit" อย่างกระตือรือร้น นักเขียนบทละครที่มีความสามารถของขบวนการ Decembrist ก็คือ P. A. Katenin สมาชิกของสมาคมลับนักเขียนบทละครนักแปลนักเลงผู้ละเอียดอ่อนและคนรักการละครอาจารย์ของนักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่นหลายคน ด้วยความเป็นคนรอบรู้และมีพรสวรรค์ เขาแปลบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสชื่อ Racine และ Corneille และมีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในทฤษฎีการละคร ปกป้องอุดมคติของสัญชาติและความคิดริเริ่มของศิลปะการแสดง รวมถึงความคิดอิสระทางการเมือง Katenin ยังเขียนผลงานละครของเขาเองด้วย โศกนาฏกรรมของเขา "Ariadne" และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Andromache" เต็มไปด้วยความรักอิสระและจิตวิญญาณของพลเมือง การแสดงที่กล้าหาญของ Katenin กระตุ้นความไม่พอใจของเจ้าหน้าที่และในปี พ.ศ. 2365 ผู้ชมละครที่ไม่น่าเชื่อถือก็ถูกไล่ออกจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ขั้วตรงข้ามของละครโรแมนติกแสดงโดยผลงานของนักเขียนแนวอนุรักษ์นิยม ผลงานดังกล่าวรวมถึงบทละครของ Shakhovsky, N. Polevoy, Kukolnik และนักเขียนบทละครที่คล้ายกัน ผู้เขียนผลงานดังกล่าวมักใช้โครงเรื่องจากประวัติศาสตร์รัสเซีย ตัวอย่างเช่น บทละครของ Shakhovsky เรื่อง "Roslavlev" (เขียนจากนวนิยายของ Zagoskin เรื่อง "Roslavlev หรือ the Russians in 1812") และ "Peasants or the Meeting of the Uninvited" ถูกสร้างขึ้นในธีมเมื่อเร็ว ๆ นี้ สงครามที่ผ่านมา 1812. ตามความประสงค์ของผู้เขียน การแสดงละครเวทีด้วยการยิง ฉากการต่อสู้ นักร้องประสานเสียงทหาร และการเต้นรำก็ถูกสร้างขึ้นบนเวที โครงเรื่องเต็มไปด้วยแนวโน้มที่ภักดี

ดังนั้นละครโรแมนติกซึ่งเข้ามาแทนที่โศกนาฏกรรมคลาสสิกและละครซาบซึ้งบางส่วนบนเวทีจึงได้นำและรักษาคุณลักษณะบางอย่างไว้ ละครโรแมนติกยังคงรักษาศีลธรรมและเหตุผลที่มีอยู่ในรูปแบบละครก่อนหน้านี้ บทพูดยาวๆ ที่อธิบายประสบการณ์ภายในของพระเอกหรือทัศนคติของเขาต่อตัวละครอื่น ๆ จิตวิทยาดั้งเดิม พร้อมด้วยเนื้อเรื่องที่สนุกสนานและมีชีวิตชีวา อารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มขึ้น และพื้นฐานทางอุดมการณ์ที่แตกต่างกัน ลักษณะเฉพาะของตัวละคร อย่างไรก็ตาม ประเภทของละครโรแมนติกซึ่งส่วนใหญ่เกิดจากการพรรณนาถึงความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม แรงกระตุ้นที่ยอดเยี่ยม และโครงเรื่องที่สนุกสนาน กลับกลายเป็นว่าค่อนข้างคงทนและรอดพ้นจากการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

บนเวทีโรงละครมอสโกครองราชย์ P. S. Mochalov หนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เขาเริ่มอาชีพการแสดงบนเวทีในฐานะนักแสดงโศกนาฏกรรมคลาสสิก อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความหลงใหลในละครแนวเมโลดราม่าและละครโรแมนติก ความสามารถของเขาจึงพัฒนาขึ้นในด้านนี้ และเขาได้รับความนิยมในฐานะนักแสดงโรแมนติก ในช่วงหลายปีแห่งปฏิกิริยาทางการเมืองที่ตามมาหลังจากความพ่ายแพ้ของการจลาจลของผู้หลอกลวง งานของ Mochalov สะท้อนให้เห็นถึงความรู้สึกของสาธารณชนที่ก้าวหน้า

ผู้ก่อตั้งความสมจริงบนเวทีของรัสเซียคือ M.S. Shchepkin ลูกชายของข้ารับใช้ด้วย วัยรุ่นปีการแสดงบนเวทีโรงละครทาสเขาซึ่งเป็นชายที่เป็นผู้ใหญ่และเป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียงแล้วได้รับการไถ่ถอนจากการเป็นทาส เมื่อไม่ได้รับการศึกษาอย่างจริงจังในวัยเด็ก Shchepkin ก็ได้รับความรู้ด้วยตัวเขาเองอ่านหนังสือมากมายสื่อสารกับผู้คนชั้นนำในยุคของเขา

หลังจากได้กลายเป็นหนึ่งในนักแสดงที่เก่งที่สุดบนเวทีรัสเซีย Shchepkin ได้ทำอะไรมากมายเพื่อเปลี่ยนแปลงมัน ด้วยผลงานของเขาเขาได้วางรากฐานของความสมจริงบนเวทีรัสเซีย Shchepkin กำลังจะนำเสนอเนื้อหาของวิธีการของเขาและความคิดมากมายเกี่ยวกับการแสดงในเล่มที่สองของ "บันทึก" อัตชีวประวัติของเขา แต่ไม่มีเวลาทำสิ่งนี้ อย่างไรก็ตาม ข้อความของเขาเกี่ยวกับโรงละครและศิลปะการแสดงได้รับการเก็บรักษาไว้ในความทรงจำของนักเรียนและคนที่รักเป็นจดหมายถึงเพื่อนและสหายบนเวที ข้อความเหล่านี้ทำให้สามารถนำเสนอมุมมองของ Shchepkin ในฐานะระบบศิลปะบนเวทีที่สมจริงที่กลมกลืนกัน

โวลต์ ให้เราสรุปได้ว่าในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ละครกระตุ้นความสนใจอย่างมากในสังคมรัสเซีย ซึ่งประเมินว่าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดของประเทศ ในช่วงเวลานี้ ละครรัสเซียเปลี่ยนจากศิลปะคลาสสิกไปสู่ความรู้สึกอ่อนไหวและโรแมนติกและจากนั้นไปสู่ความสมจริง โรงเรียนแห่งการแสดงกำลังเกิดขึ้นซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการใหม่ในการสะท้อนความเป็นจริงซึ่งทำให้โลกเป็นปรมาจารย์บนเวทีเช่น M. Shchepkin, P. Mochalov และ คนอื่น.

บทที่ 2 ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

1 องค์กรธุรกิจการละคร ศิลปินและผู้ชม

ในช่วงปลายยุค 50 และต้นยุค 60 ละครกระตุ้นความสนใจอย่างมากในสังคมรัสเซียซึ่งประเมินว่าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดของประเทศ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความรักอิสระที่แพร่หลาย โรงละครแห่งนี้จึงถูกมองว่าเป็น "ทริบูนในการปกป้องมนุษย์" สันนิษฐานว่าศิลปะการละครไม่เพียงแต่พรรณนาเท่านั้น แต่ยังอธิบายความเป็นจริงสมัยใหม่ด้วย: มันจะให้ความกระจ่างแก่ "คำถามสาปแช่ง" ทั้งหมด นอกจากนี้ โรงละครยังได้รับการเรียกร้องให้เผยแพร่งานศิลปะอีกด้วย แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียภาพและความคิดสร้างสรรค์ หน้าที่ด้านการศึกษาของโรงละครมีความสำคัญอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับชนชั้นกลางและชั้นล่างของชาวรัสเซีย ซึ่งในจำนวนนี้มีผู้ไม่รู้หนังสือและไม่รู้หนังสือจำนวนมาก

ความสนใจของสาธารณชนในวงกว้างแสดงออกมาในการเผยแพร่ข้อมูลเกี่ยวกับโรงละคร หนังสือพิมพ์และนิตยสารของทิศทางต่างๆ ตีพิมพ์บทความ บทวิจารณ์ บทวิจารณ์ ครอบคลุมด้านต่างๆ ของกิจกรรมการแสดงละคร - การบริหาร การแสดงละคร และศิลปะของนักแสดง นิตยสารโรงละครพิเศษก็ปรากฏเช่นกัน: "กระดานข่าวดนตรีและละคร" (พ.ศ. 2399-2403), "เวทีรัสเซีย" (พ.ศ. 2407-2408), "ดนตรีและละคร" (พ.ศ. 2410-2411) เป็นต้น

หนังสือพิมพ์ยังเขียนเกี่ยวกับโรงละครมากมาย: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - "Northern Bee", "Petersburg Leaflet", "Golos", มอสโก - "Moskovskie Vedomosti", "Russkie Vedomosti", "Den" โดยเฉพาะหนังสือพิมพ์โรงละคร "Intermission" ". สื่อมวลชนประจำจังหวัดไม่ได้อยู่ห่างจากความสนใจด้านการแสดงละคร (Kievlyanin, Odessky Vestnik, Kavkaz ฯลฯ )

หนังสือพิมพ์และนิตยสารจำนวนหนึ่งมีคอลัมน์ถาวรสำหรับการวิจารณ์ละครและผู้วิจารณ์พิเศษซึ่งเป็นนักเขียนและนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียง: ใน St. Petersburg Gazette - V. Krylov, V.P. Burenin, A.S. สุวรินทร์ ใน “The Voice” - ศศ.ม. Zagulyaev, D.V. Averkiev ใน "Modern Chronicle" - N.S. Nazarov และ N.S. เลสคอฟ ใน Sovremennik วัสดุการแสดงละครได้รับการตีพิมพ์โดย I.I. Panaev และ M.E. Saltykov-Shchedrin ใน "ห้องสมุดเพื่อการอ่าน" - P.D. โบบอรีคิน.

จำนวนโรงภาพยนตร์เพิ่มขึ้นอย่างมาก อาคารโรงละครพิเศษถูกสร้างขึ้นใหม่หรือเพื่อแทนที่อาคารที่ล้าสมัยใน Nizhny Novgorod, Arkhangelsk, Kyiv, Nikolaev, Tambov, Uralsk, Ufa, Ryazan, Orel, Kostroma, Rostov-on-Don, Smolensk, Saratov, Sumy, Kaluga, Taganrog และ Novocherkassk .

ศูนย์ระดับจังหวัดและระดับภูมิภาคมากกว่า 50 แห่งได้รับการเยี่ยมชมโดยคณะละครมืออาชีพอย่างต่อเนื่อง

ในเมืองต่างจังหวัดหลายแห่งมีโรงละครถาวรพร้อมทีมนักแสดงที่แข็งแกร่ง (ใน Kharkov, Kazan, Kyiv, Odessa, Voronezh, Nizhny Novgorod, Astrakhan, Saratov, Novocherkassk, Vilna และ Tiflis)

โรงละครเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตประจำวันไม่เพียงแต่ในเมืองหลวงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเมืองต่างจังหวัดด้วย

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ตามการผูกขาดการแสดงละครในเมืองหลวงมีเพียงเวทีของรัฐในมอสโก - โรงละครบอลชอยและมาลีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - บอลชอย (ต่อมาถูกไฟไหม้ - เอ็น. Ya.), Alexandrinsky, Mikhailovsky และตั้งแต่ปี 1860 Mariinsky โครงสร้างการจัดการของโรงละครอิมพีเรียลซึ่งก่อตั้งในปี 1842 ยังคงดำรงอยู่ไม่เปลี่ยนแปลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หน่วยงานสูงสุดในการบริหารการละครคือ Directorate of Imperial Theatres ซึ่งรับผิดชอบทั้งโรงละครละครและละครเพลง โรงเรียนการละคร และห้องสมุด ผู้บริหารผู้อำนวยการคือสำนักงานเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก ผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียลเป็นของกระทรวงศาล ฝ่ายหลังควบคุมชีวิตการแสดงละครของเมืองหลวงผ่านผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิ ผู้อำนวยการกำหนดละคร องค์ประกอบของคณะ และการแบ่งบทบาท ในเวลาเดียวกัน เงื่อนไขที่เอื้ออำนวยที่สุดถูกสร้างขึ้นสำหรับบัลเล่ต์ โอเปร่าอิตาลี และโรงละครฝรั่งเศส ซึ่งได้รับความนิยมในแวดวงชนชั้นสูง ซึ่งได้รับการอุดหนุนจากคลัง

งานละครได้รับการเซ็นเซอร์ทั่วไปที่ Main Directorate for Press Affairs จากนั้นได้รับการตรวจสอบโดยคณะกรรมการการละครและวรรณกรรมเรื่องความเหมาะสมบนเวที คำสั่งนี้ซึ่งทำให้การผลิตละครซับซ้อนและชะลอลง เป็นเรื่องยากโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับโรงละครประจำจังหวัดซึ่งต้องรอหลายเดือนเพื่อขออนุญาตจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสำหรับละครที่กำหนดไว้สำหรับละครแล้ว

การเซ็นเซอร์เป็นการปกป้องศักดิ์ศรีของพระสงฆ์ เจ้าหน้าที่ และเจ้าหน้าที่ ไม่อนุญาตให้มีการแสดงที่ตัวแทนของชนชั้นเหล่านี้ปรากฏใน "รูปแบบที่ไม่เหมาะสม" เหตุการณ์ทางการเมืองทั้งในประเทศและต่างประเทศจะต้องได้รับการคุ้มครองตามเจตนารมณ์ของรัฐบาล บุคคลของซาร์ได้รับอนุญาตให้ปรากฏตัวบนเวทีเฉพาะในกรณีที่รัสเซียได้รับเกียรติเท่านั้น

แน่นอนว่ามีละครหลายเรื่องถูกแบน เช่น "The Case" ของ Sukhovo-Kobylin (จนถึงปี 1882), "The Death of Tarelkin" (จนถึงปี 1900) และ "Shadows" ของ Saltykov-Shchedrin (จนถึงปี 1914) เป็นต้น

ความปรารถนาของชุมชนการแสดงละครที่จะหลีกเลี่ยงการกดขี่การเซ็นเซอร์และการผูกขาดโรงละครของรัฐในยุค 60 เริ่มปรากฏให้เห็นในการจัดแสดงในการประชุมสาธารณะประเภทต่างๆ ดังนั้นตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 60 ในมอสโกภายใต้ Artistic Circle ซึ่งเกิดขึ้นจากความคิดริเริ่มของ A. N. Ostrovsky และ P. G. Rubinstein โรงละครจึงถูกสร้างขึ้นซึ่งเปิดดำเนินการจนถึงยุค 80 ยกเลิกการผูกขาดการแสดงละครซึ่งตามมาในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2425 โดยให้สิทธิ์แก่ผู้ประกอบการในการเปิดโรงละครเอกชนในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

โรงละครส่วนตัวแห่งแรกหลังจากการยกเลิกการผูกขาดโรงละครมีความแตกต่างกันเล็กน้อยจากกิจการของสโมสรในช่วงทศวรรษที่ 1860-1880 โรงละครส่วนตัวขนาดใหญ่เริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 19 โรงละครส่วนตัวแห่งแรกและทนทานที่สุดแห่งหนึ่งในเมืองหลวงคือโรงละคร F. A. Korsh ในมอสโก (พ.ศ. 2425-2460) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2425-2426 โรงละครของสมาคมนักแสดงใน Fontanka โรงละครส่วนตัว "แฟนตาซี" บน Moika และโรงละครส่วนตัวสาธารณะใน Mikhailovsky Manege ได้เปิดขึ้น

หลังจากยกเลิกการผูกขาดการแสดงละคร โรงละครของรัฐยังคงอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงราชวงศ์อิมพีเรียลและได้รับการจัดการโดยคณะกรรมการ แต่สถานการณ์ของพวกเขามีความซับซ้อนจากการเกิดขึ้นของคู่แข่งในรูปแบบของโรงละครส่วนตัวซึ่งบางครั้งนักแสดงที่ดีก็ไปซึ่งมีการแสดงละครที่กำหนดไว้สำหรับการผลิตบนเวทีของรัฐ ในเรื่องนี้ผู้จัดการคนใหม่ของ Theatre Directorate, I. A. Vsevolozhsky ชายที่ได้รับการศึกษาจากยุโรป, นักเขียนแบบที่ดีและผู้รักงานศิลปะโดยเฉพาะบัลเล่ต์พยายามที่จะปฏิรูปเวทีของรัฐทำให้เป็นแบบอย่างสำหรับโรงละครส่วนตัว . ภายใต้เขานักเขียนบทละครและนักละครเริ่มได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการจัดการโรงละครของจักรวรรดิ ดังนั้น A. A. Potekhin จึงกลายเป็นผู้จัดการคณะละครของ Alexandria Theatre ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2425 ถึง พ.ศ. 2436 จากนั้น V. A. Krylov

พื้นฐานของละครของโรงละครเหล่านี้คือละครคลาสสิก อย่างไรก็ตามการปรับปรุงบางส่วนไม่ได้ขจัดข้อบกพร่องหลักในการจัดการโรงละครของรัฐ

ฐานะการเงินศิลปิน - เงินเดือนจำนวนการแสดงผลประโยชน์ - ยังขึ้นอยู่กับ "การอนุญาต" ของผู้อำนวยการกลุ่มใหญ่และเล็กซึ่งก่อให้เกิดความเป็นทาสและแผนการทุกประเภทใน สภาพแวดล้อมทางการแสดงละคร. บทบาทหลักในละครมอบให้กับนักแสดง กิจกรรมของผู้กำกับมักจะเน้นไปที่การระบุฉาก การผลิตไม่เป็นไปตามข้อกำหนดที่สำคัญใดๆ ในโรงละครชั้นหนึ่งอย่างอเล็กซานเดรีย มีการใช้ระบบฉากมาตรฐาน เช่น ปราสาทยุคกลาง ห้องธรรมดา ภูมิทัศน์ฤดูหนาว ฯลฯ พวกมันอพยพจากการผลิตไปสู่การผลิต ซึ่งมักจะไม่สอดคล้องกับยุคหรืออื่นๆ ตัวชี้วัดการกระทำบนเวที สุวรินทร์ตั้งข้อสังเกตในเรื่องนี้ว่า “บนเวทีอเล็กซานเดรีย... พวกเขาไม่รู้ว่าจะจัดเฟอร์นิเจอร์อย่างไร และไม่เข้าใจว่าคนรวยเลี้ยงชีวิตอย่างมั่งคั่ง และคนจนก็เลี้ยงชีวิตอย่างย่ำแย่” เครื่องแต่งกายยังไม่ค่อยสอดคล้องกับเวลาที่ปรากฎ ดังนั้นที่โรงละคร Maly Moscow ตัวละครของ "Woe from Wit" จึงแสดงในเครื่องแต่งกายในยุค 60 และ 70 ของศตวรรษที่ 19

โดยทั่วไปส่วนการผลิตถือเป็นปัจจัยรอง

เมื่อธุรกิจโรงละครพัฒนาขึ้น จำนวนคนงานละครเวทีก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน: นักแสดง นักออกแบบเครื่องแต่งกาย พนักงานประกอบฉาก คนงานเสริม ฯลฯ เวิร์คช็อปการแสดงได้รับการเติมเต็มโดยอดีตนักแสดงของโรงละครทาส ผู้ประกอบการ ตลอดจนช่างตัดเสื้อละครและช่างทำผม ชายหนุ่มจากชนชั้นกระฎุมพีหรือบุตรชายพ่อค้า ละทิ้งเคาน์เตอร์และบ้านพ่อแม่ เดินจากปากต่อปากไปเดินเล่นกับคณะละครในต่างจังหวัด

องค์ประกอบทางสังคมของสภาพแวดล้อมการแสดงค่อยๆเปลี่ยนไป - ขุนนางจำนวนมากปรากฏตัวพร้อมกับผู้คนจากชนชั้นกระฎุมพีซึ่งโรงละครกลายเป็นกระแสเรียกในชีวิต ศิลปินกลายเป็นนักเรียนมัธยมปลาย นักเรียน เจ้าหน้าที่ ที่จากไป บริการสาธารณะ,เจ้าหน้าที่เกษียณอายุราชการ. ในเรื่องนี้ตำแหน่งทางสังคมของศิลปินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เปลี่ยนไปอย่างมากเมื่อเทียบกับช่วงก่อนหน้า ก่อนอื่นชื่อ "นักแสดงตลก" ที่น่าอับอายหายไปจากชีวิตประจำวัน - ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นสมาชิกที่เท่าเทียมกันของสังคม ผู้ทรงคุณวุฒิของโรงละครในเมืองหลวงซึ่งได้รับการยกย่องอย่างสมควรและได้รับเงินเดือนจำนวนมากได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมและสังคมของประเทศ เพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญและ ระดับวัฒนธรรมศิลปินก็ไม่ใช่เรื่องแปลกอีกต่อไปที่จะเห็นผู้คนด้วย อุดมศึกษาโดยเฉพาะในหมู่เยาวชนด้านศิลปะในยุค 80 และ 90 นอกจาก Varlamov ผู้ได้รับการศึกษาระดับรองที่บ้าน Savina ซึ่งเรียนที่โรงยิมสองสามปีบนเวทีของโรงละคร Maly Moscow หุ้นส่วนของ Ermolova ผู้โด่งดังคือ A. I. Sumbatov-Yuzhin - ศิลปินและนักเขียนบทละครที่ สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในวัยหนุ่ม หนึ่งในบุคคลที่มีการศึกษามากที่สุดในโรงละครคือ M. I. Pisarev; ผู้ที่มีการศึกษาระดับสูงก็พบได้ในหมู่นักแสดงประจำจังหวัด - นักแสดงประจำจังหวัดที่ใหญ่ที่สุด V.N. Andreev-Burlak เป็นนักเรียนอาสาสมัครที่มหาวิทยาลัยคาซาน นักเขียนบทละครและนักวิจารณ์ละคร N. A. Potekhin แสดงในจังหวัดในฐานะนักแสดงและผู้กำกับเป็นเวลาหลายปี

ในเวลาเดียวกัน นักแสดงหลายคนยังคงเป็นคนที่ไม่มีวัฒนธรรมไร้ความสนใจทางปัญญา ตามที่ Ostrovsky กล่าว การแสดงรอบปฐมทัศน์ที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในยุค 70 คือผู้คนที่ "ด้อยพัฒนา ไม่ได้รับการศึกษา และฉลาดมาก ไม่คุ้นเคยกับวรรณกรรมใดๆ ไม่รวมวรรณกรรมของพวกเขาเอง"

เหล่านี้ให้มากยิ่งขึ้น คุณสมบัติเชิงลบมีอยู่ในนักแสดงระดับจังหวัดซึ่งไม่เพียงขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของเจ้าหน้าที่เท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับรสนิยมและการกล่าวอ้างของขุนนางและพ่อค้าในท้องถิ่นด้วยความต้องการในระดับต่ำของลัทธิปรัชญาในเมืองและที่สำคัญที่สุด - ต่อผู้ประกอบการ สถานการณ์ทางการเงินของนักแสดงจังหวัดแย่กว่านักแสดงที่แสดงบนเวทีในเมืองหลวง นอกจากนี้ การแสดงละครใหม่ๆ อย่างต่อเนื่องในบางครั้งทุกวัน (โดยมีผู้ชมต่างจังหวัดจำกัด จำเป็นต้องมีการรวบรวม) ความไม่สงบในชีวิตประจำวัน และการเคลื่อนไหวบ่อยครั้งทำให้เหนื่อยล้า

อย่างไรก็ตาม ในบรรดานักแสดงประจำจังหวัดมีผู้มีความสามารถจำนวนมากที่ทุ่มเทความแข็งแกร่งทั้งหมดให้กับเวทีนี้และยังชอบให้โรงละครของรัฐเป็นเจ้าของด้วยซ้ำ ศิลปินประจำจังหวัดที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยม N. Kh. Rybakov ซึ่งแสดงบทบาทของ Hamlet, Othello, King Lear ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากและ V. N. Andreev-Burlak - "นักแสดงตลกที่มีอคติต่อโศกนาฏกรรมอย่างรุนแรง" ผู้อุทิศ สถานที่ใหญ่ในงานของเขาในหัวข้อ "ชายร่างเล็ก"

ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 เนื่องจากการเกิดขึ้นของโรงละครส่วนตัวในเมืองหลวงสภาพของนักแสดงชาวรัสเซียจึงเปลี่ยนไปอย่างมาก เงินเดือนของผู้นำเสนอเพิ่มขึ้นมากจนไม่เพียงแต่ทำให้พวกเขามีชีวิตที่สะดวกสบายเท่านั้น แต่ยังทำให้พวกเขากลายเป็นคนร่ำรวย (ซึ่งทำให้เกิดความขุ่นเคืองในหมู่ "ชนชั้นล่าง" ทางศิลปะ) ลักษณะของชีวิตของนักแสดงที่ปรากฎในบทละครของ Ostrovsky กลายเป็นเรื่องในอดีต มีการสร้างสายสัมพันธ์ระหว่างนักแสดงไม่เพียงแต่กับตัวแทนของปัญญาชนทางศิลปะ (นักเขียน นักข่าว ศิลปิน) แต่ยังรวมถึงแพทย์ วิศวกร และครูด้วย

ผู้ชมมีความหลากหลายพอๆ กันและค่อยๆ เปลี่ยนไปตามสภาพแวดล้อมในการแสดง

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ส่วนหลักและกระตือรือร้นที่สุดของผู้เข้าชมโรงละครส่วนใหญ่เป็นกลุ่มปัญญาชน ซึ่งประกอบด้วยอาจารย์และนักศึกษาจากสถาบันการศึกษาระดับสูง ทนายความ แพทย์ นักข่าว นักเขียน นักเรียนมัธยมปลาย และเจ้าหน้าที่ของรัฐ

โรงละครในเมืองหลวงได้รับการเยี่ยมชมเป็นหลักโดย "ผู้รักศิลปะที่เข้มงวดและจริงใจ" - นักวิจารณ์ละคร นักเขียน นักข่าว จากนั้นอาจารย์และนักศึกษา ซึ่งประกอบขึ้นเป็นส่วนสำคัญเชิงตัวเลขของผู้ชมและข้าราชการระดับกลาง พ่อค้าค่อยๆเข้ามามีส่วนร่วมในโรงละคร ในตอนแรก - เฉพาะรุ่นน้องเท่านั้น

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 70 ความนิยมของละครลดลงเนื่องจากสถานการณ์หลายประการ คลื่นของขบวนการปฏิวัติซึ่งทำให้เกิดการสะท้อนที่แข็งแกร่งในสังคมสงครามรัสเซีย - ตุรกีในปี พ.ศ. 2420-2421 วิกฤตการณ์ทางอุตสาหกรรมและเกษตรกรรมที่ตามมา - ทั้งหมดนี้เบี่ยงเบนความสนใจของผู้ร่วมสมัยจากฉากละคร ความยากลำบากในชีวิตทำให้เกิดความปรารถนาในการแสดงแสงสีเพื่อความบันเทิง - โอเปร่า, ละครสัตว์, การแสดงวาไรตี้ต่างๆ ในขณะที่คนอื่น ๆ - ความหลงใหลในดนตรีไพเราะ, โอเปร่า, บัลเล่ต์ แต่ในขณะเดียวกัน ดังที่นักประชาสัมพันธ์ A.V. Amphiteatrov ตั้งข้อสังเกตว่า "ในทศวรรษที่มืดมนของทศวรรษที่ 80 และ 90 คนหนุ่มสาวที่เหนื่อยล้าจากโรงเรียนคลาสสิก... ไปอาศัยและตายในโรงภาพยนตร์ " แท้จริงแล้ว คนหนุ่มสาวที่ชาญฉลาด ไม่ว่าจะเป็นนักเรียน นักเรียนมัธยมปลาย และนักเรียนนายร้อย ยังคงติดตามการแสดงละครเวทีอย่างกระตือรือร้น การแสดงศิลปะชั้นสูงของโรงละครในเมืองหลวงจำหน่ายหมดอย่างต่อเนื่อง

2 ละคร

ความสมจริงของศิลปะการแสดงละคร

ในช่วงต้นครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 การแสดงละครประเภทเดียวกันซึ่งครอบงำในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษนั้นได้รับชัยชนะบนเวทีละครรัสเซีย - ละครตลกและเพลง การแสดงตลกและเพลงซึ่งมีลักษณะเบาบางและสนุกสนาน ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ดังนั้นเพลง "Vitsmundir" ของ P. A. Karatygin จึงไม่ออกจากเวทีจนกระทั่งปี 1875

ในเวลาเดียวกัน เนื้อหาของเพลงได้รับการเปลี่ยนแปลงบางอย่างภายใต้อิทธิพลของความรู้สึกสาธารณะ - แม้ว่าโครงเรื่องจะยังคงอิงจากเหตุการณ์เล็ก ๆ น้อย ๆ แต่ช่วงของตัวละครก็ขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญ ละครเรื่องนี้เริ่มนำเสนอผู้คนจำนวนมากจากสถานะทางสังคมและอาชีพต่างๆ นักข่าวและนักเขียน F.A. Koni ในภาพยนตร์ "Petersburg Apartments" แสดงให้เห็นชาวเมืองทั้งชุดที่ได้รับการเยี่ยมเยียนโดยเจ้าหน้าที่ฮีโร่เพื่อค้นหาอพาร์ทเมนต์ใหม่ ความปรารถนาที่จะนำคนธรรมดาชาวรัสเซียขึ้นไปบนเวทีเพื่อแสดงชีวิตของพวกเขานี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงอิทธิพลของ "โรงเรียนธรรมชาติ" ซึ่งแนะนำวีรบุรุษคนใหม่ในวรรณคดีรัสเซีย - เจ้าหน้าที่ผู้ช่วยผู้บังคับการเรือ ภารโรงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และชาวเมือง สลัม แนวโน้มที่จะแสดงชีวิตชาวรัสเซียบนเวที ประเภทของชาวรัสเซียภายใต้อิทธิพลของเวลาและผู้ชมใหม่นี้จะมีอิทธิพลเหนือในละครของยุค 60-70 และกำหนดทิศทางหลักประการหนึ่ง “เรื่องประโลมโลกและเพลงโวเดอวิลล์ค่อยๆ หลีกทางให้กับละครตลกในชีวิตประจำวัน การนับอย่างสง่างาม, ขุนนางที่มีมารยาทไร้ที่ติ, โจรผู้สูงศักดิ์จากละครประโลมโลกชาวฝรั่งเศสถูกบังคับให้เปิดทางให้กับฮีโร่ในเครื่องแบบราชการ, นามบัตร, เสื้อโค้ตท้ายรถ และบางครั้งก็สวมซิปและรองเท้าบูททาน้ำมันด้วยซ้ำ”

ในยุค 60 โอเปร่าได้รับความนิยมโดยเฉพาะบนเวทีของโรงละครอเล็กซานเดรีย ดังนั้นในปี พ.ศ. 2407 จึงมีการแสดงละคร Suppe "Ten Brides and No Grooms" และ "Orpheus in Hell" ของ Offenbach การแสดงที่สนุกสนานและเบาสบายได้รับความเห็นอกเห็นใจจากผู้ชม นอกจากนี้ ละครบางครั้งยังบอกเป็นนัยถึงสิ่งต่าง ๆ ที่ไม่อยู่ภายใต้การอภิปรายอย่างเปิดเผย อย่างไรก็ตาม ผู้ที่รักงานศิลปะจำนวนมากถือว่าการแสดงดังกล่าวบนเวทีละครที่ใหญ่ที่สุดถือเป็นการดูหมิ่น

Melodrama ครอบครองสถานที่สำคัญในละครของโรงละครรัสเซียในยุค 60-70 ในยุค 60 ประชาชนได้รับความสนใจเป็นพิเศษจาก “The Spanish Nobleman” โดย A. Dennery และ F. Dumanoir, “A Mother’s Blessing” โดย A. Dennery และ G. Lemoine และ “Love and Prejudice” โดย Melville ในยุค 70 "Paris Beggars", "The Child Thief", "Murder on Peace Street" ฯลฯ ได้รับความนิยม

นอกจากเรื่องประโลมโลกแล้ว ประเภทของคอเมดีขนาดเล็กยังได้รับการพัฒนาอีกด้วย โดยมี "ฉาก" หลากหลายประเภท "รูปภาพจาก ... " เช่น "ในหมู่บ้าน", "ริมแม่น้ำ", "บนผืนทราย" เป็นต้น ภาพฉากและภาพวาดเหล่านี้ ส่วนใหญ่ชีวิตของชนชั้นล่าง สามัญชน ผู้ช่วยผู้บังคับการเรือ พ่อค้าชนชั้นกลาง ส่วนมากจะมีนิสัยตลกขบขัน

แต่ทั้งเรื่องประโลมโลกและบทละครก็ไม่สามารถตอบสนองความต้องการของผู้ชมได้มากกว่านี้ แม้ว่าละครในโรงละครรัสเซียจะรวมถึงละครคลาสสิกด้วย - คอเมดี้ของ Griboedov, Gogol, บทละครของ Shakespeare, Schiller, Hugo, วารสารที่แสดงความสนใจของสาธารณชนที่ก้าวหน้าเรียกร้องให้นักเขียนบทละครหันไปสู่ความทันสมัยสู่ชีวิตประจำวัน ปัญหาสังคมอันเจ็บปวดครั้งนั้น ผู้ชมในเมืองหลวงและจังหวัดต่างๆ ต้องการเห็นความเป็นจริงของรัสเซียบนเวที ออสตรอฟสกี้ตั้งข้อสังเกตว่า “ประชาชนที่ไม่มีถิ่นที่อยู่ ซึ่งตอนนี้เดินทางมาที่มอสโคว์เพื่อชมเครมลินและสถานที่ท่องเที่ยวทางประวัติศาสตร์ อันดับแรกเลยต้องการเห็นชีวิตชาวรัสเซียและประวัติศาสตร์รัสเซียบนเวที”

ความเกี่ยวข้องของธีมและการวางแนวอุดมการณ์กำลังกลายเป็นลักษณะเฉพาะของละครเรื่องใหม่ ละครเริ่มสะท้อนชีวิตของประชากรรัสเซียทุกกลุ่มและประเด็นสำคัญทางสังคมจำนวนหนึ่ง - ประเด็นต่อไปนี้ปรากฏบนเวที: ปัญหาของพ่อและลูก, ปัญหาของผู้หญิง (สถานะทางสังคมและการสมรสของผู้หญิง), การบอกเลิก การติดสินบนและการยักยอกเจ้าหน้าที่และการอนุมัติของพนักงานที่ชาญฉลาดที่ซื่อสัตย์คำถามเกี่ยวกับเสรีภาพส่วนบุคคลและสิทธิของเขา ฯลฯ ฯลฯ เช่นเดียวกับนวนิยายใหม่บทละครในยุค 60 และต้นยุค 70 ถูกสร้างขึ้นตามความรู้สึกประชาธิปไตยของผู้ชม . มาตรฐานเฉพาะสำหรับการสร้างผลงานละครดังกล่าวได้รับการพัฒนา: ผู้ถือความชั่วคือคนทางโลกหรือคนรวยมาก เหยื่อนั้นบริสุทธิ์ เด็กดีไม่ร่ำรวยและมียศต่ำ ครูหนุ่ม (นักเรียนหรือแพทย์) ต่อต้านความชั่วร้ายที่อยู่รอบข้างและยืนหยัดเพื่อเหยื่อผู้บริสุทธิ์อย่างกล้าหาญ ในเวลาเดียวกันภาพลักษณ์ของผู้มีปัญญาผู้ยากจนและมีเกียรติ - สามัญชน - เริ่มปรากฏให้เห็นในละครเกือบทุกเรื่อง เนื่องจากจำนวนละครดังกล่าวก็มีมากตามไปด้วย งานศิลปะในหมู่พวกเขามีละครวันเดียวที่อ่อนแอมากมาย

ธีมประจำชาติได้รับการนำไปใช้อย่างสมบูรณ์และเป็นศิลปะที่สุดในผลงานของ Alexander Nikolaevich Ostrovsky เกิดในปี 1823 ในครอบครัวของเจ้าหน้าที่มอสโกผู้ไม่สำคัญ เขาเริ่มสนใจโรงละคร Maly ในช่วงต้นซึ่งในเวลานั้นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเช่น P. S. Mochalov, M. S. Shchepkin, P. M. Sadovsky, L. P. Nikulina แสดง -Kositskaya งานอดิเรกในวัยเยาว์ก็กลายเป็นสิ่งที่เรียกร้องชีวิตในไม่ช้า ทั้งชีวิตของ Ostrovsky อุทิศให้กับโรงละคร

ช่วงแรกของงานนักเขียนบทละครที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลโดยตรงของ "โรงเรียนธรรมชาติ" - เขาไม่เพียงพยายามดิ้นรนเพื่อการทำซ้ำชีวิตชาวรัสเซียที่เป็นจริงที่สุด (แสดงโดยพ่อค้าเป็นหลัก) แต่ยังเพื่อแสดงด้านมืดความหลงใหลพื้นฐาน ความเฉื่อยและความไม่รู้ คุณสมบัติความคิดสร้างสรรค์ของ Ostrovsky เหล่านี้ปรากฏในละครเรื่องแรกของเขา - "เราจะเป็นคนของเราเอง" (1850), "อย่านั่งเลื่อนของคุณเอง" (1853), "ความยากจนไม่ใช่รอง" (1854) “อย่าใช้ชีวิตตามที่คุณต้องการ” (1854) นักเขียนบทละครแสดงให้เห็นว่าชีวิตของชนชั้นกลางของประชากรรัสเซียนั้นมืดมนเต็มไปด้วยอคติและความเชื่อโชคลางที่ไร้สาระ พระเอกของละครเรื่อง "Hard Days" Dosuzhev พูดถึงสภาพแวดล้อมดังกล่าว: "ผู้คนเชื่อมั่นอย่างแน่วแน่ว่าโลกยืนอยู่บนปลาสามตัว และตามข่าวล่าสุด ดูเหมือนว่ามีใครคนหนึ่งเริ่มเคลื่อนไหว นั่นหมายความว่าสิ่งต่าง ๆ แย่; ที่ซึ่งผู้คนป่วยจากนัยน์ตาปีศาจและได้รับการรักษาด้วยความเห็นอกเห็นใจ ที่มีนักดาราศาสตร์เฝ้าดูดาวหางและมองดูคนสองคนบนดวงจันทร์ ที่ซึ่งมีนโยบายเป็นของตัวเองและได้รับการจัดส่งด้วย แต่เฉพาะจาก White Arapia และประเทศที่อยู่ติดกันเท่านั้น” แต่สิ่งที่เลวร้ายยิ่งกว่าความไม่รู้คือความหลงใหลอันมืดมนของผู้คน เช่น ความโลภ การแสวงหาผลกำไรไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม ความใฝ่ฝัน ซึ่งบิดเบือนบุคลิกภาพและชะตากรรมของผู้คน ในเรื่องนี้เนื้อเรื่องของหนังตลกเรื่อง Our People - We Will Be Numbered เป็นเรื่องปกติซึ่งมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวของการล้มละลายอันเป็นเท็จของพ่อค้าผู้มั่งคั่ง Sampson Silych Bolshov เพื่อไม่ให้ชำระค่าใช้จ่ายและเงินกู้ Bolshov ตัดสินใจประกาศตัวเองถูกกล่าวหาว่าล้มละลายโดยโอนเอกสารทั้งหมดในทรัพย์สินของเขาไปยัง Podkolyuzin ซึ่งแต่งงานกับลูกสาวของเขา แต่อย่างหลังเมื่อได้รับโอกาสในการกำจัดโชคลาภของ Bolshov ก็ปฏิเสธที่จะคืนให้เจ้าของ Lipochka ลูกสาวของ Bolshov ก็เห็นด้วยอย่างเต็มที่กับสามีของเธอ แม้ว่าพ่อของเธอจะต้องติดคุกของลูกหนี้ก็ตาม

เมื่อเวลาผ่านไป แก่นของการกักตุนการกักตุนพ่อค้า Zamoskvoretsky ที่ยากจนถูกแทนที่ด้วยการพรรณนาถึงปรากฏการณ์พื้นฐานอย่างหนึ่งของความเป็นจริงของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - การพัฒนาความสัมพันธ์ของชนชั้นกลาง และแทนที่พ่อค้าเผด็จการอย่าง Tit Titovich Bozhkov ("ในงานเลี้ยงของคนอื่นมีอาการเมาค้าง") นักธุรกิจผู้ขัดเกลาของโลกทุนนิยมก็ปรากฏตัวขึ้นเช่น Paratov ใน "Dowry" ซึ่งพูดอย่างเปิดเผยเกี่ยวกับตัวเอง: "ฉัน Mokiy Parmenovich ไม่มีอะไรน่าหวงแหน ถ้าฉันทำกำไรได้ฉันจะขายทุกอย่างอะไรก็ได้” ความโหดร้ายของโลกของคนเก็บเงินยังรอคอยความรุนแรงของความขัดแย้งทางสังคมอีกด้วย ผ่านปากของช่างเครื่องที่เรียนรู้ด้วยตนเองที่มีพรสวรรค์ Kuligin ใน "Groza" Ostrovsky กล่าวว่า: " ศีลธรรมที่โหดร้ายท่านในเมืองของเราพวกเขาโหดร้าย! ในลัทธิปรัชญานิยม คุณจะไม่มองเห็นอะไรเลยนอกจากความหยาบคายและความยากจนที่เปลือยเปล่า และพวกเรา ท่านก็จะไม่มีวันออกไปจากเปลือกโลกนี้ เพราะด้วยความซื่อสัตย์เราจะไม่มีรายได้มากไปกว่าอาหารประจำวันของเรา และใครก็ตามที่มีเงินก็พยายามทำให้คนจนเป็นทาสเพื่อที่เขาจะได้เงินมากขึ้นจากการทำงานอิสระของเขา และในหมู่พวกเขาเองพวกเขามีชีวิตอยู่ได้อย่างไร! พวกเขาบ่อนทำลายการค้าขายของกันและกัน และไม่มากไปจากผลประโยชน์ของตนเองเท่ากับความอิจฉา เป็นศัตรูกัน...”

ภายใต้อิทธิพลของสถานการณ์ทางสังคมของต้นทศวรรษที่ 60 ธีมและตัวละครที่หลากหลายในผลงานของ Ostrovsky ได้ขยายออกไป นักเขียนบทละครกล่าวถึงโลกแห่งระบบราชการ ที่นี่ก็มีการแสวงหาผลกำไรเช่นกัน และหนทางในการได้มาซึ่งความมั่งคั่งก็คือการติดสินบน เมื่อนึกถึงสมัยก่อน เจ้าหน้าที่ยูซอฟ ("สถานที่ที่ทำกำไรได้") ยอมรับด้วยความเสียใจ: "ระบบราชการกำลังล่มสลาย... และชีวิตจะเป็นเช่นไร... เราว่าย แค่ว่าย..." และถึงตอนนี้เขาก็สอนว่า: “จงทำในลักษณะที่ผู้สมัครไม่ขุ่นเคืองและเพื่อให้คุณพึงพอใจ” โลกของเจ้าหน้าที่รับสินบน เช่นเดียวกับพ่อค้าที่แย่งเงิน ทำให้คนซื่อสัตย์พิการ Zhadov ชายหนุ่มผู้มีการศึกษาและซื่อสัตย์ ซึ่งในตอนแรกเต็มไปด้วยความคิดและแรงบันดาลใจอันสูงส่ง จบลงที่บทละครเพื่อขอ "ตำแหน่งที่ทำกำไร" หัวข้อที่ใกล้เคียงกับ "สถานที่ทำกำไร" คือ "The Death of Pazukhin" โดย Saltykov-Shchedrin และไตรภาค Sukhovo-Kobylin "งานแต่งงานของ Krechinsky" "The Affair" และ "The Death of Tarelkin" ซึ่งมีการเสียดสีที่คมชัดในระบบราชการ . ในแง่ของอำนาจในการเปิดเผย สิ่งเหล่านั้นถือเป็นการสืบสานประเพณีของ "ผู้ตรวจราชการ" ของโกกอลโดยตรง

ลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมร่วมสมัยคือการผสมผสานระหว่างแนวโน้มการวิพากษ์วิจารณ์และการกล่าวหาเข้ากับความรู้สึกของมนุษยนิยมอย่างลึกซึ้ง Ostrovsky อุทิศผลงานของเขาจำนวนหนึ่งให้กับชะตากรรมของ "วีรบุรุษเชิงบวก" ในรูปแบบต่อเนื่องของละครสังคม - จิตวิทยา - ผู้คนที่ซื่อสัตย์และสวยงามทางจิตวิญญาณซึ่งในจำนวนนี้มีชื่อเสียงในด้านบทกวีพิเศษของพวกเขา ภาพผู้หญิง.

“คำถามของผู้หญิง” นั่นคือคำถามเกี่ยวกับครอบครัวและสถานะทางแพ่งของผู้หญิง ในยุค 60 หนึ่งในปัญหาที่รุนแรงและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดซึ่งทั้งละครและละครต่างก็มองข้าม ในละครของ Ostrovsky หลายเรื่องในยุค 70 และ 80 นางเอกเป็นผู้หญิง - Lyudmila Margaritova, Natalya Sizakova, Yulia Tugina, Larisa Ogudalova, Elena Kruchinina ฯลฯ สิ่งเหล่านี้มีลักษณะที่แตกต่างกันมากในสถานการณ์ชีวิตส่วนตัว แต่พวกเขาทั้งหมดเป็นหนึ่งเดียวกัน ด้วยความรู้สึกถึงศักดิ์ศรี ความรัก ความสง่างามของมนุษย์ และพวกเขาทั้งหมดไม่มีความสุข แล้วใน "พายุฝนฟ้าคะนอง" (1859) เราคุ้นเคยจากโรงเรียน ความรู้สึกตามธรรมชาติของมนุษย์ ความบริสุทธิ์ และความซื่อสัตย์ของ Katerina ขัดแย้งกับความเฉื่อย ความหน้าซื่อใจคด ความหน้าซื่อใจคด และเผด็จการของ Kabanikha และ Dikiy เหตุการณ์ในละครครอบครัวเริ่มกลายเป็นโศกนาฏกรรมระดับชาติ “สินสอด” ที่เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2422 จบลงด้วยการเสียชีวิตของนางเอกเช่นกัน

บทละครของ Ostrovsky มีเนื้อหากว้างขวางซึ่งสะท้อนถึงแง่มุมต่าง ๆ ของชีวิตในรัสเซียหลังการปฏิรูปและนำเสนอลักษณะเฉพาะหลายประการ ประเภททางสังคม- ตั้งแต่ชนชั้นพ่อค้าปิตาธิปไตยก่อนการปฏิรูป เจ้าหน้าที่ทุกระดับ ไปจนถึงนักธุรกิจชนชั้นกระฎุมพีที่เชี่ยวชาญ เจ้าของที่ดินที่ล้มละลาย และตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนต่างๆ

ในงานของเขาเขาได้รวบรวมความคิดที่มีมนุษยธรรมและศรัทธาในชัยชนะแห่งความดีเหนือความชั่ว หัวใจสำคัญของการสร้างสรรค์ของเขาคือหลักการระดับชาติอยู่เสมอ ละครประวัติศาสตร์และพงศาวดารของเขา "Kuzma Zakharovich Minin-Sukhoruk", "Voevoda" ("Dream on the Volga"), "Dmitry the Pretender และ Vasily Shuisky", "Tushino", "Vasilisa Melentyevna" ก็ตื้นตันใจกับแนวคิดระดับชาติเช่นกัน ทั้งหมดนี้ให้สิทธิ์พิจารณา A. N. Ostrovsky ผู้สร้างละครระดับชาติและเป็นประชาธิปไตยของรัสเซีย นี่คือวิธีที่ผู้ร่วมสมัยของเขาประเมินความสำคัญของมัน I. A. Goncharov เขียนถึงเขา:“ คุณสร้างอาคารเสร็จเพียงผู้เดียวบนรากฐานที่คุณวางไว้ รากฐานที่สำคัญฟอนวิซิน, กรีโบเยดอฟ, โกกอล แต่หลังจากที่คุณทำได้แล้ว พวกเราชาวรัสเซียก็พูดอย่างภาคภูมิใจว่า: "เรามีโรงละครแห่งชาติรัสเซียเป็นของตัวเอง" . ควรจะเรียกว่า "โรงละคร Ostrovsky" อย่างถูกต้อง

ความดึงดูดใจของนักเขียนบทละครที่มีต่อชีวิตประจำวันและยามว่าง รวมถึงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของผู้คนในชีวิตประจำวัน มีความสำคัญอย่างยิ่งในการสร้างหลักการของ "การเล่นของผู้หญิง" ที่สมจริง ออสตรอฟสกี้เชื่อว่าจิตวิทยาของมนุษย์ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดใน” ชีวิตที่บ้าน“ในขณะเดียวกัน เขาก็สามารถที่จะเปิดเผยความสัมพันธ์ในครอบครัวและชีวิตประจำวันของผู้คนได้เป็นความสัมพันธ์ทางสังคม-จิตวิทยา และความสัมพันธ์ที่สำคัญทางสังคม

Ostrovsky พัฒนาวิธีการใหม่ในการสร้างละครที่สมจริง - โครงงานของเขามีพื้นฐานมาจากความขัดแย้งทางศีลธรรมและสังคมที่ลึกซึ้งซึ่งก็เหมือนกับ ลักษณะทางจิตวิทยาตัวละครจะถูกเปิดเผยเมื่อการกระทำดำเนินไป ภาษาของบทละครของ Ostrovsky มีความโดดเด่นด้วยความร่ำรวยที่ไม่ธรรมดาและสัญชาติที่แท้จริง ความสำคัญของงานของเขาในการพัฒนาฉากละครรัสเซียนั้นยิ่งใหญ่และยั่งยืน บทละครของ Ostrovsky ยืนหยัดผ่านการทดสอบของกาลเวลาและยังคงประสบความสำเร็จในโรงละครรัสเซียจนถึงทุกวันนี้

หนึ่งในหัวข้อที่ได้รับความนิยมมากที่สุดทั้งในด้านความคิดทางสังคมและวรรณกรรม และการละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือคำถามของชาวนา: สถานการณ์ในหมู่บ้านก่อนและหลังการปฏิรูป ลักษณะของชาวนารัสเซีย ลักษณะประจำชาติความสัมพันธ์ที่แสดงออกมาในตัวเขา อดีตทาสและสุภาพบุรุษการแทรกซึมของอิทธิพลของชนชั้นกลางใหม่เข้าสู่หมู่บ้านรัสเซีย - ปัญหาทั้งหมดนี้ดึงดูดความสนใจของนักเขียนบทละครและสะท้อนให้เห็นในงานของพวกเขา

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ละครที่สำคัญที่สุดเรื่องหนึ่งที่อุทิศให้กับหมู่บ้านก่อนการปฏิรูปคือละครเรื่อง Bitter Fate ของ A. F. Pisemsky ผู้เขียนซึ่งทำงานเป็นเวลาหลายปีในรัฐบาลจังหวัดโคสโตรมาในฐานะเจ้าหน้าที่ที่ได้รับมอบหมายพิเศษ ได้นำเรื่องราวมาจากคนในท้องถิ่น การพิจารณาคดี. ด้วยความเป็นจริงที่ "โรแมนติก" ผู้เขียนจึงจัดสื่อในชีวิตประจำวันตามกฎของเวที ตัวละครหลักของละครเรื่องนี้คือ Ananiy Yakovlev - "คนงานในปีเตอร์สเบิร์ก" นั่นคือชาวนาที่ถูกปล่อยตัวให้ทำงานใน "การค้าส้วม" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเป็นชายที่เข้มแข็งฉลาดและซื่อสัตย์ ในระหว่างที่เขาไม่อยู่ Lizaveta ภรรยาของ Anania ได้ให้กำเนิดลูกจาก Cheglov-Sokovin เจ้านายของเธอ เมื่ออานาเนียกลับมาทราบเรื่องนี้ก็ให้อภัยภรรยาของเขา แต่เรียกร้องให้เธอจากไปกับเขา เอลิซาเบธซึ่งตกหลุมรักเจ้านาย พยายามป้องกันไม่ให้เขาจากไปด้วยข้ออ้างต่างๆ เชโกลอฟยังต้องการจับกุมอานาเนียสด้วย เมื่อถูกตามล่าโดยผู้ใหญ่บ้านผู้ชั่วร้ายและ "โลก" ที่ยอมจำนนต่อเขา อานาเนียจึงสังหาร "ลูกหลานของนาย" และหนีออกจากหมู่บ้าน แต่หลังจากนั้นไม่นาน เมื่อรู้สึกผิด เขาก็ยอมจำนนต่อมือของความยุติธรรม เนื้อเรื่องตื้นตันไปด้วยความรู้สึกเป็นประชาธิปไตย

อย่างไรก็ตามสาธารณชนทักทายการผลิตบทละครของ Pisemsky ค่อนข้างไม่แยแสบางส่วนไร้ความกรุณาซึ่งอธิบายเบื้องต้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าคาดว่าจะมีการประณามความเป็นทาสที่รุนแรงยิ่งขึ้นจากละครซึ่งปรากฏบนเวทีเกือบจะในทันทีหลังจากการปฏิรูปชาวนาในปี 2404 นักเขียนบทละครพรรณนาภาพลักษณ์ของอาจารย์ Cheglov ในฐานะผู้ชายที่อ่อนแอ แต่อ่อนโยนที่รัก Lizaveta หญิงชาวนาอย่างจริงใจและไร้เดียงสาจากอาชญากรรมร้ายแรงของสามีของเธอ ต่อมาในช่วงทศวรรษที่ 70 เมื่อ P. A. Strepetova รับบท Lizaveta เป็นละครของผู้หญิงรัสเซียธรรมดา ๆ ที่เปิดเผย

มันเกิดขึ้นในสถานที่พิเศษในละครของโรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ละครประวัติศาสตร์. ความสนใจในอดีตของประเทศของพวกเขาซึ่งสังคมรัสเซียแสดงออกมาในช่วงเวลานี้ได้รับความนิยมอย่างมาก ละครประวัติศาสตร์. ในช่วงสองทศวรรษของทศวรรษที่ 60 และ 70 มีการแสดงละครประวัติศาสตร์ใหม่มากกว่า 40 เรื่องในโรงละครของเมืองหลวง รวมถึง Boris Godunov ของพุชกิน

ละครอิงประวัติศาสตร์มีความแตกต่างกันอย่างมาก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ละครเช่น "Gough Junker" ของ Kukolnik, "Oprichnina" และการแสดงละคร "The Ice House" ของ Lazhechnikov ยังคงอยู่ที่นั่น อย่างไรก็ตามในไม่ช้าละครเรื่องนี้ซึ่ง เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เป็นเพียงเบื้องหลังของการวางอุบายอันไพเราะทำให้เกิดความเข้าใจที่น่าทึ่งเกี่ยวกับข้อเท็จจริงที่เชื่อถือได้ในอดีต นักเขียนบทละครคนแรกของกระแสนี้คือแอล. เมย์ ซึ่งอยู่ในละครที่โด่งดังที่สุดของเขาเรื่อง "The Tsar's Bride" แม้ว่าเนื้อหาจะมีลักษณะทางเมโลดราม่าก็ตาม โดยอิงตามข้อมูลทางประวัติศาสตร์

ด้วยความหลากหลายของละคร จึงมีการระบุแนวโน้มสองประการอย่างชัดเจน ในด้านหนึ่ง มีด้านการค้าที่เน้นไปที่รายรับของบ็อกซ์ออฟฟิศและนำเสนอโดยบทละครเพื่อความบันเทิงเป็นหลัก แนวโน้มอีกประการหนึ่งซึ่งมีนัยสำคัญกว่าคือการแสดงออกในละครที่สมจริงในลักษณะสัจนิยมพื้นบ้านในยุคนี้ โดยมีอคติต่อทัศนคติต่อความดีและความชั่ว ความจริงและความยุติธรรม

โวลต์ ด้วย​เหตุ​นี้ ละคร​รัสเซีย​ได้​หยิบยก​ปัญหา​สังคม​และ​ศีลธรรม​จำนวน​หนึ่ง​ที่​โรง​ละคร​รัสเซีย​ต้อง​เผชิญ. ละครใหม่ยังจำเป็นต้องมีวิธีการใหม่ในการดำเนินการอีกด้วย ลักษณะที่เฉียบแหลมของความคิดสร้างสรรค์ของ Ostrovsky ความฉลาดของ Turgenev และจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนจำเป็นต้องมีวิธีการใหม่ของศิลปะบนเวที

บทสรุป

ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมพันปีของ "ห้ารัสเซีย" - จาก เคียฟ มาตุภูมิก่อนจักรวรรดิรัสเซีย ศตวรรษที่ 19 ครอบครองสถานที่พิเศษ นี่คือการผงาดขึ้นของพระวิญญาณ การเพิ่มขึ้นทางจิตวิญญาณ ซึ่งถือได้ว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการอันยิ่งใหญ่ของรัสเซียอย่างถูกต้อง นักเขียนสี่สิบคนให้อาหารฝ่ายวิญญาณแก่มวลมนุษยชาติตลอดสองศตวรรษ! ศตวรรษที่ 19 มีเอกลักษณ์เฉพาะในการค้นหาเสรีภาพ ความยุติธรรม ภราดรภาพของมนุษย์ และความสุขสากลทางปรัชญาและศีลธรรมเป็นหลัก ศตวรรษที่ 19 ถือเป็นความสำเร็จครั้งสำคัญของการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเก้าศตวรรษ และเป็นเหตุการณ์สำคัญที่สำคัญมากในการปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของประเพณีและนวัตกรรมบนธรณีประตูของศตวรรษที่ 20 ในที่สุด นี่เป็นช่วงเวลาของการพัฒนาระบบเช่นวัฒนธรรมทางศิลปะอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนซึ่งกลายเป็นคลาสสิกในศตวรรษที่ 19

รายชื่อวรรณกรรมและแหล่งที่มาที่ใช้

1. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 9 - 19 หลักสูตรการบรรยาย - ม.: การตีพิมพ์ของพรรคเสรีประชาธิปไตยแห่งรัสเซีย 2547 - 488 น.

ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย หลักสูตรการบรรยายสำหรับความเชี่ยวชาญพิเศษที่ไม่ใช่ด้านมนุษยธรรม - MS.: เกาะ Znanie, สหพันธรัฐรัสเซีย, 2536.

จอร์จีวา ที.เอส. วัฒนธรรมรัสเซีย: ประวัติศาสตร์และความทันสมัย: บทช่วยสอน. - ม.: Yurayt, 1998. - 576 หน้า

ยาโคฟคินา เอ็น.เอ็น. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย: ศตวรรษที่ XIX ฉบับที่ 2, ลบแล้ว. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: สำนักพิมพ์ Lan, 2545 - 576 หน้า - (โลกแห่งวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ และปรัชญา)

บทความเกี่ยวกับวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ต. 6. วัฒนธรรมศิลปะ. - อ.: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยมอสโก, 2545 - 496 หน้า ยู. คอชแมน [I.A. เฟโดซอฟ]

ประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซีย, เอ็ด. วี.วี. Kollash และ N.E. Efros ด้วยการมีส่วนร่วมอย่างใกล้ชิดของ A.A. Bakhrushin และ N.A. โปโปวา; เค.เอ. โคโรวิน. เล่มที่ 1 มอสโก - พ.ศ. 2457 - สำนักพิมพ์ "สหภาพ" - 364 วิ

พงศาวดารของโรงละครรัสเซีย อาราปอฟ. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Triblena Printing House and Comp. คุณ. เผ็ด พ.ศ. 2404 - 404 น.

ส่งใบสมัครของคุณโดยระบุหัวข้อตอนนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา

วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ทดสอบ

2.3 โรงละครรัสเซีย

ปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 กลายเป็นโรงละคร ความนิยมในศิลปะการแสดงเพิ่มมากขึ้น โรงละครเสิร์ฟถูกแทนที่ด้วยโรงละคร "ฟรี" - ของรัฐและเอกชน

ผลงานละครเช่น "Woe from Wit" โดย A.S. Griboyedov, "The Inspector General" โดย N.V. Gogol และคนอื่น ๆ ได้แสดงบนเวทีด้วยความสำเร็จอย่างมาก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 19 ละครเรื่องแรกของ A.N. Ostrovsky ปรากฏขึ้น ในช่วงทศวรรษที่ 20-40 นักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่น M.S. Shchepkin เพื่อนของ A.I. Herzen และ N.V. Gogol แสดงให้เห็นถึงความสามารถที่หลากหลายของเขาในมอสโก

ศิลปินที่โดดเด่นคนอื่น ๆ ก็ประสบความสำเร็จอย่างมากกับสาธารณชนเช่น V.A. Karatygin - นายกรัฐมนตรีของเวทีเมืองหลวง P.S. Mochalov ซึ่งครองราชย์บนเวทีของโรงละครมอสโกดราม่า ฯลฯ

ความสำเร็จครั้งสำคัญในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ประสบความสำเร็จโดยโรงละครบัลเล่ต์ซึ่งมีประวัติศาสตร์ในเวลานั้นส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับชื่อของผู้กำกับชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Didelot และ Perrault ในปี 1815 นักเต้นชาวรัสเซียผู้ยอดเยี่ยม A.I. Istomina เปิดตัวบนเวทีโรงละครบอลชอยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

“ ในช่วงปลายยุค 50 และต้นยุค 60 ละครกระตุ้นความสนใจอย่างมากในสังคมรัสเซียซึ่งประเมินว่าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดของประเทศ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความรักอิสระที่แพร่หลาย โรงละครแห่งนี้จึงถูกมองว่าเป็น "ทริบูนในการปกป้องมนุษย์" Yakovkina N.I. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย: ศตวรรษที่ XIX - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2545 - หน้า 527

บทบาทใหญ่ในการพัฒนาโรงละครรัสเซียที่สมจริงได้รับมอบหมายให้เป็นผลงานของ A. N. Ostrovsky แนวคิดการแสดงละครที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของ Ostrovsky รวมอยู่ในโรงละครของจักรวรรดิ Maly (มอสโก) และ Alexandrinsky (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) เป็นหลักและจากเวทีจักรวรรดิพวกเขาย้ายไปที่องค์กรเอกชนที่ดำเนินงานในต่างจังหวัด

โรงละครรัสเซียกำลังค่อยๆ กลายเป็นตัวแทนของแนวคิดทางสังคมของรัสเซียโดยเฉพาะ นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ และนักแสดงรุ่นใหม่ต่างมุ่งเน้นไปที่ประวัติศาสตร์และปรากฏการณ์ทางสังคมของรัสเซียโดยสิ้นเชิง

ช่วงเวลาของศตวรรษที่ 19 ปลาย - ต้นศตวรรษที่ 20 มีความเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของสุนทรียภาพทางการแสดงละครใหม่ซึ่งในตอนแรกใกล้เคียงกับการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ปฏิวัติวงการ

M. V. Lentovsky เห็นโรงละครในการพัฒนาประเพณีของศิลปะสาธารณะที่มาจากการเล่นตลก เป็นการแสดงกาล่าดินเนอร์ที่ดึงดูดผู้ชมและกลายเป็นการเฉลิมฉลองครั้งใหญ่

K. S. Stanislavsky และ V. I. Nemirovich-Danchenko ที่ Moscow Art Theatre กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงละครจิตวิทยาพัฒนาและเสริมภาพบนเวทีแต่ละภาพด้วยเรื่องราวเบื้องหลังที่ผู้ชมมองไม่เห็น ซึ่งกระตุ้นการกระทำบางอย่างของตัวละคร

สุนทรียศาสตร์ของ V. E. Meyerhold คือการพัฒนารูปแบบการแสดงละครโดยเฉพาะการเคลื่อนไหวบนเวทีเขาเป็นผู้เขียนระบบชีวกลศาสตร์การแสดงละคร

โรงละคร Maly ยังคงรักษารากฐานคลาสสิกอันน่าทึ่งเอาไว้อย่างไม่สั่นคลอน โดยสานต่อประเพณีทางประวัติศาสตร์ในสภาพสังคมใหม่

บัลเล่ต์เป็นรูปแบบศิลปะ

บัลเล่ต์เป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 20

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Ivan Ivanovich Walberkh นักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นที่มีพรสวรรค์ชาวรัสเซียคนแรก (พ.ศ. 2309-2362) มาที่โรงละครรัสเซีย ช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์การออกแบบท่าเต้นของเราเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา...

แผงตกแต่ง "ตะวันแดง" โดยใช้เทคนิคการเย็บปะติดปะต่อกัน

การปรับตัวระหว่างวัฒนธรรม ลักษณะประจำชาติของรัสเซีย

งานศิลปะโดย พาเวล ฟิโลนอฟ

ร่างของ Filonov ทุกขนาดกลายเป็นเรื่องธรรมดาในยุคนั้น แนวคิดเชิงสร้างสรรค์อันน่าทึ่งของปรมาจารย์เริ่มเป็นรูปเป็นร่างก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง...

ศิลปะโปสเตอร์และการตัดต่อภาพโซเวียตในผลงานของ Alexander Rodchenko

ต้นกำเนิดของคอนสตรัคติวิสต์กลับไปสู่ทฤษฎีและการปฏิบัติของปรมาจารย์ของเปรี้ยวจี๊ดก่อนการปฏิวัติของรัสเซีย: ไปจนถึงงานของกวีลัทธิอนาคตที่โค่นล้มคุณค่าทั้งหมดของยุคอดีตมุ่งเน้นไปที่อนาคตในขณะที่ ตลอดจนกิจกรรมของศิลปิน “ฝ่ายซ้าย”...

ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์

เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 คณะบัลเล่ต์ถาวรทำงานในเดนมาร์กและฝรั่งเศส แต่โรงละครออกแบบท่าเต้นมีความเจริญรุ่งเรืองอย่างแท้จริงในรัสเซียเท่านั้น ในไม่ช้า บัลเลต์จากรัสเซียก็เริ่มแพร่กระจายไปทั่วยุโรป ทั้งอเมริกา เอเชีย และทั่วโลก...

วัฒนธรรมขุนนางแห่งศตวรรษที่ 18-19

คำว่า "สำรวย" ให้คำจำกัดความที่แตกต่างกันมาก ปรากฏการณ์ทางสังคม. Dandyism มีต้นกำเนิดในอังกฤษ มันรวมถึงการต่อต้านแฟชั่นฝรั่งเศสในระดับชาติ...

บทบาทของ Diaghilev ในการโฆษณาชวนเชื่อของรัสเซีย ศิลปะการออกแบบท่าเต้น

ความสำเร็จของสองฤดูกาลที่ผ่านมาส่งผลกระทบต่อคณะของ Diaghilev ศิลปินหลายคนหลังจากสรุปสัญญาที่มีกำไรก็แยกย้ายกันไปทั่วโลก จำเป็นต้องเติมเต็มคณะ จากฤดูกาลหกสัปดาห์ในปารีส...

สถาปัตยกรรมรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ช่วงที่สามแรกของศตวรรษที่ 19 เรียกว่า "ยุคทอง" ของวัฒนธรรมรัสเซีย จุดเริ่มต้นใกล้เคียงกับยุคคลาสสิกในวรรณคดีและศิลปะรัสเซีย อาคารที่สร้างในสไตล์คลาสสิกโดดเด่นด้วยจังหวะที่ชัดเจนและสงบ...

วัฒนธรรมรัสเซียและอเมริกัน

ในบทนี้ ผมจะตรวจสอบต้นแบบวัฒนธรรมรัสเซียและวิเคราะห์คุณลักษณะต่างๆ เพื่อระบุความเหมือนและความแตกต่างกับต้นแบบวัฒนธรรมอเมริกัน นักปรัชญาชาวรัสเซียผู้ครุ่นคิดอย่างเข้มข้นเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซีย เอกลักษณ์ของมัน...

สัญลักษณ์และสัญลักษณ์ในวัฒนธรรมและศิลปะ

สัญลักษณ์ของรัสเซีย ซึ่งมีความสำคัญที่สุดรองจากภาษาฝรั่งเศส มีพื้นฐานอยู่บนข้อกำหนดเบื้องต้นเช่นเดียวกับสัญลักษณ์ของตะวันตก นั่นคือ วิกฤตของโลกทัศน์เชิงบวกและศีลธรรม ความรู้สึกทางศาสนาที่เพิ่มมากขึ้น...

ขบวนการศิลปะสมัยใหม่

เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียในช่วงปี 1910 นำเสนอภาพที่ค่อนข้างซับซ้อน โดดเด่นด้วยการเปลี่ยนแปลงสไตล์และเทรนด์อย่างรวดเร็ว กลุ่มศิลปินและสมาคมศิลปินมากมาย ซึ่งแต่ละกลุ่มได้ประกาศแนวคิดความคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง...

ความคิดสร้างสรรค์ของอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นการแสดงให้เห็นถึงความไม่สอดคล้องกันของยุคประวัติศาสตร์

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของอิมเพรสชั่นนิสต์รัสเซียคือศิลปิน Konstantin Alekseevich Korovin (2404-2482) งานของ Korovin เข้าสู่ประวัติศาสตร์อย่างมั่นคง ศิลปะรัสเซียและเป็นความสำเร็จสูงสุดของเขา...

ละครพื้นบ้าน

ละครพื้นบ้านรัสเซียและศิลปะการละครพื้นบ้านโดยทั่วไปเป็นปรากฏการณ์ที่น่าสนใจและสำคัญของวัฒนธรรมประจำชาติ เกมและการแสดงละครเป็นส่วนสำคัญของชีวิตพื้นบ้านในช่วงเทศกาลในช่วงต้นศตวรรษที่ 20...

โรงละครแห่งศตวรรษที่ 19 ละครพื้นบ้านโดย Ostrovsky นวัตกรรมทางศิลปะของ A.P. Chekhov นักเขียนบทละคร

โรงละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีความโดดเด่นด้วยการเผชิญหน้าสองทาง - ในด้านหนึ่งมันยังคงตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและการเมืองในโครงสร้างของรัฐอย่างรุนแรงพอ ๆ กันและในอีกด้านหนึ่งก็ปรับปรุงภายใต้อิทธิพลของ นวัตกรรมวรรณกรรม

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ในปี 1803 ภายใต้อเล็กซานเดอร์ที่ 1 โรงละครของจักรวรรดิถูกแบ่งออกเป็นคณะละครและดนตรีเป็นครั้งแรก ในทางกลับกัน คณะละครเพลงก็แบ่งออกเป็นโอเปร่าและบัลเล่ต์ แนวคิดของแผนกดังกล่าวเป็นของ Katerino Kavos ซึ่งเป็นหัวหน้าโรงละครโอเปร่าในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในมอสโกแม้ว่าการแบ่งดังกล่าวจะเกิดขึ้นอย่างเป็นทางการ แต่ส่วนดนตรีและละครก็รวมกันเป็นเวทีเดียวมาเป็นเวลานาน - จนกระทั่งมีการเปิดเวทีละครใหม่ในปี พ.ศ. 2367 ซึ่งในที่สุดก็กลายเป็นที่รู้จักในชื่อโรงละคร Maly โรงละคร Maly และ Bolshoi Moscow ไม่ได้รับชื่อทันทีในตอนแรกพวกเขาถูกเรียกอย่างนั้นเพียงเพื่อลักษณะเปรียบเทียบเท่านั้นพวกเขาได้รับสถานะอย่างเป็นทางการเมื่อเวลาผ่านไปเท่านั้น อย่างไรก็ตาม แม้จะแยกคณะออกจากกัน แต่ทั้งสองเวทีแทบจะแยกกันไม่ออกเป็นเวลานานเนื่องจากการจัดการร่วมกัน การบริหาร แผนกเครื่องแต่งกายทั่วไป และคุณลักษณะการแสดงละครที่จำเป็นอื่น ๆ

จำนวนโรงละครที่รวมอยู่ในการจัดการของสำนักงานโรงละครอิมพีเรียลเพิ่มขึ้นทีละน้อย เหล่านี้คือโรงละครของรัฐในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกซึ่งมีคณะละครตั้งอยู่ในโรงละคร Bolshoi และ Maly (มอสโก), ​​Mariinsky, Alexandrinsky, โรงละคร Hermitage และโรงละคร Bolshoi Kamenny (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) นักแสดงและพนักงานคนอื่นๆ ของโรงละครอิมพีเรียลไม่ได้เป็นของคณะละครเดียว แต่เป็นของโรงละครทั้งหมด และเจ้าหน้าที่สำนักงานก็กำจัดพวกเขาตามดุลยพินิจของตนเอง ดังนั้น พวกเขาจึงได้รับการแต่งตั้งอย่างง่ายดายและมอบหมายใหม่ไปยังขั้นตอนต่างๆ มันมักจะเกิดขึ้นที่นักแสดงจากโรงละคร Alexandrinsky ถูกส่งไปยังโรงละคร Moscow Maly อย่างเร่งด่วนและนักดนตรีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กย้ายไปที่โรงละคร Bolshoi ในมอสโก และในทางกลับกัน เจ้าหน้าที่ของสำนักจักรวรรดิไม่ได้กังวลเกี่ยวกับครอบครัวหรือประเด็นอื่น ๆ ของศิลปินที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของพวกเขา เจ้าหน้าที่ยังรับผิดชอบด้านการแสดงด้วย ทั้งนี้ ขึ้นอยู่กับพวกเขาว่าจะรับละครหรือการแสดงดนตรีเพื่อการผลิตหรือไม่ สิ่งนี้ไม่อนุญาตให้มีเสรีภาพในการสร้างสรรค์เกิดขึ้นดังนั้นคณะละครส่วนตัวจึงเข้ามาแทนที่ประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียมากขึ้น

ประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียที่ตามมาทั้งหมดคือประวัติศาสตร์ของการครอบงำของยุโรปตะวันตกซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาฝรั่งเศสและศิลปะการละคร สภาพนี้ดำเนินไปเกือบร้อยปี โรงเรียนการแสดงของฝรั่งเศสซึ่งเคยชินกับสภาพแวดล้อมของรัสเซียอย่างเต็มที่และสอดคล้องกับลักษณะภายในของละครได้ให้กำเนิดศิลปินบนเวทีจำนวนมาก ความงามโดยธรรมชาติของเทคนิคภายนอก การตกแต่งรายละเอียดที่เล็กที่สุดของเกม ความรอบคอบของสไตล์ และศักดิ์ศรีของการแสดงที่ประณาม ร่วมกับความเคารพอย่างสูงต่องานศิลปะ ทำให้นักแสดงชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดควบคู่ไปกับพลังทางศิลปะที่สำคัญ ของตะวันตก มีหลายยุคในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียที่มีความสามารถโดดเด่นมากมายที่ไม่มีใครเทียบได้ซึ่งอยู่บนเวทีในเวลาเดียวกัน นั่นคือช่วงเวลาของ Shchepkin, Shumsky, Mochalov, Sadovsky, Samarin, P. สเตปาโนวา, เอส. วาซิลีวาอี. N. Vasilyeva, Nikiforov, Medvedeva, Martynov, Sosnitsky, น้องสาว Vera และ Nadezhda Samoilov และน้องชายของพวกเขา Vasily Samoilov รวมถึงก่อนหน้านั้นพ่อแม่ของพวกเขา Vasily Mikhailovich และ Sofia Vasilievna Samoilov และศิลปินคนอื่น ๆ ที่ทำงานบนเวทีมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ศตวรรษที่ 19 เป็นการค้นพบพรสวรรค์ของตนในรัสเซีย โรงละครรัสเซียซึ่งกลายเป็นนักเรียนที่ยอดเยี่ยมและยอมรับรากฐานของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตกเริ่มมองหาวิธีการพัฒนาของตนเองโดยไม่แยกตัวจากครู - บุคคลสำคัญของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตก แต่อย่างใด นักเรียนที่ดีอย่างแท้จริงจะรู้สึกขอบคุณครูของเขาเสมอ การกำเนิดของปัญญาชนชาวรัสเซียกำลังเกิดขึ้น

คราวนี้โดดเด่นด้วยการเพิ่มขึ้นของศิลปะดนตรีรัสเซีย - นักดนตรีนักแต่งเพลงนักร้องนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียหลายคนเริ่มปรากฏตัวขึ้นโอเปร่ารัสเซียประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ดนตรีมีทิศทางของรัสเซียเป็นของตัวเองในการพัฒนาซึ่งผู้แต่งเพลง "Mighty Handful" มีบทบาทสำคัญซึ่งวางแนวหน้าของผลงานทางดนตรีไม่มากนักด้วยความงามทางดนตรีที่ทำให้หูพอใจ แต่เป็นธีมเนื้อเรื่อง ของงานดนตรี

นักประวัติศาสตร์โรงละครชาวรัสเซียคนแรกคือ Pimen Nikolaevich Arapov ซึ่งเตรียมตีพิมพ์สารานุกรม "Chronicle of the Russian Theatre" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2404) ซึ่งรวมถึงประวัติศาสตร์ทั้งหมดของโรงละครรัสเซียตั้งแต่ปี 1673 ถึง 26 พฤศจิกายน พ.ศ. 2368 การวิจารณ์ละครและดนตรีปรากฏในรัสเซีย (หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดคือ Vladimir Vasilyevich Stasov) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1808 นิตยสารโรงละครรัสเซียเล่มแรกในภาษารัสเซียเริ่มตีพิมพ์ - "Dramatic Herald" เป็นระยะ ๆ - 2 ครั้งต่อสัปดาห์ นิตยสารโรงละครรัสเซียฉบับที่สองซึ่งสอดคล้องกับประเพณีของเวลานั้นเริ่มตีพิมพ์ในมอสโกในปี พ.ศ. 2354 - เรียกว่า "นิตยสารละคร" และหลังจากนั้นไม่กี่ปี จำนวนโรงพิมพ์ละครต่างๆ ก็มีจำนวนหลายสิบเครื่อง และทั้งหมดได้รับการตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกว

บนเวทีละครพร้อมกับผลงานละครยุโรปคลาสสิก งานบ้านก็เข้ามาแทนที่ ละครที่จริงจังของนักเขียนชาวรัสเซียที่โดดเด่น Pushkin, Lermontov, Gogol รวมถึงผลงานของนักเขียนที่มีความสำคัญน้อยกว่า (Khmelnitsky; Potekhin; Lensky; Tarnovsky) ไม่ได้รวบรวมผลงานของนักเขียนบทละครชาวยุโรปเลย แต่ก็สอดคล้องกับพวกเขา เพลงฝรั่งเศสเบาๆ ไม่ได้ออกจากเวทีการแสดงของรัสเซีย แต่เต็มใจอยู่ร่วมกับเพลงของนักเขียนชาวรัสเซีย ผู้แต่งผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขาส่วนใหญ่เป็นเพลงสไตล์เพลงคลาสสิกของฝรั่งเศส แต่ใช้พื้นฐานทางสังคมและในชีวิตประจำวันในประเทศและโดยเฉพาะธีมในประเทศ

ในศตวรรษที่ 19 โรงละครรัสเซียค่อยๆ กลายเป็นตัวแทนของแนวคิดทางสังคมของรัสเซียโดยเฉพาะ นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ และนักแสดงรุ่นใหม่ต่างมุ่งเน้นไปที่ประวัติศาสตร์และปรากฏการณ์ทางสังคมของรัสเซียโดยสิ้นเชิง

การแสดงยังคงโอ้อวดและไม่สอดคล้องกับแนวคิดปัจจุบันเกี่ยวกับวัฒนธรรมการแสดงละครมากนัก อย่างไรก็ตาม จำเป็นต้องมีการปฏิรูปในด้านนี้ด้วยเวลา

มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาโรงละครรัสเซียที่สมจริงให้กับงานของ Alexander Nikolaevich Ostrovsky แนวคิดการแสดงละครที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของ Ostrovsky รวมอยู่ในโรงละครของจักรวรรดิ Maly (มอสโก) และ Alexandrinsky (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) เป็นหลักและจากเวทีจักรวรรดิพวกเขาย้ายไปที่องค์กรเอกชนที่ดำเนินงานในต่างจังหวัด

ด้วยการถือกำเนิดของ Ostrovsky การสร้างสรรค์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาได้พบกับนักแสดงและล่ามที่ยอดเยี่ยมท่ามกลางกาแล็กซีที่ยอดเยี่ยมของนักแสดงที่สามารถเข้าใจ ดูดซึม และทำซ้ำประเภทที่หลากหลายที่สุด Sadovsky และ Shumsky นักแสดงที่ยอดเยี่ยมในประเภท Moliere ได้ให้ตัวอย่างที่น่าจดจำจากแกลเลอรีของ Ostrovsky ผลงานสร้างสรรค์อันสูงส่งของเชกสเปียร์ การแสดงตลกของโรงละครของ Moliere และ "จิตวิญญาณรัสเซีย" ของฮีโร่ของ Ostrovsky ทุกสิ่งอยู่ในอำนาจของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้ ซึ่งซับซ้อนโดยโรงเรียน

อย่างไรก็ตามนวัตกรรมการแสดงละครทั้งหมดหลังจาก Ostrovsky ใน Russian Imperial Theatre สิ้นสุดลง สำนักงานอย่างเป็นทางการซึ่งควบคุมโรงละครของจักรวรรดิ กลัวความหายนะใด ๆ ที่อาจรบกวนและเขย่า "เก้าอี้อย่างเป็นทางการ" นวัตกรรมทั้งหมดในโรงละครอิมพีเรียลเป็นสิ่งต้องห้ามโดยเด็ดขาด - บทบาทถูกส่งต่อจากนักแสดงคนหนึ่งไปยังรุ่นต่อไปโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงใด ๆ และมีการแสดงใหม่ภายใต้กรอบที่ได้รับอนุญาต ไม่นานหลังจากการปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์ Directorate of Imperial Theatres ก็ถูกเปลี่ยนเป็น Directorate of State Theatres (ผู้กำกับ Fyodor Batyushkov) ซึ่งมีอยู่จนถึงเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2460

ช่วงเวลาของศตวรรษที่ 19 ปลาย - ต้นศตวรรษที่ 20 มีความเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของสุนทรียภาพทางการแสดงละครใหม่ซึ่งในตอนแรกใกล้เคียงกับการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ปฏิวัติวงการ

M.V. Lentovsky เห็นละครในการพัฒนาประเพณีของศิลปะสาธารณะ ที่มาจากการแสดงตลก เหมือนกับการแสดงกาล่าดินเนอร์ที่ดึงดูดผู้ชมและกลายเป็นการเฉลิมฉลองครั้งใหญ่

Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ที่ Moscow Art Theatre กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงละครจิตวิทยาโดยพัฒนาและเสริมภาพบนเวทีแต่ละภาพด้วยเรื่องราวเบื้องหลังที่ผู้ชมมองไม่เห็น ซึ่งกระตุ้นการกระทำบางอย่างของตัวละคร

สุนทรียศาสตร์ของเมเยอร์โฮลด์นำไปสู่การพัฒนารูปแบบการแสดงละคร โดยเฉพาะการเคลื่อนไหวบนเวที และเขาเป็นผู้เขียนระบบชีวกลศาสตร์ในการแสดงละคร ด้วยความจริงใจและใจร้อนเขายอมรับนวัตกรรมการปฏิวัติทันทีโดยมองหารูปแบบที่เป็นนวัตกรรมใหม่และนำพวกเขาเข้าสู่ศิลปะการแสดงละครทำลายกรอบการละครเชิงวิชาการโดยสิ้นเชิง Tairov ทำงานเกี่ยวกับการพัฒนาโรงละครเป็นประเภทสังเคราะห์

การค้นหาเชิงสุนทรีย์ของ Foregger อยู่ที่พัฒนาการของรูปแบบการแสดงละคร ความเป็นพลาสติกและจังหวะของละคร การล้อเลียนบนเวที การพัฒนาของเขาในด้านการเคลื่อนไหวทางชีวภาพกลับกลายเป็นว่าใกล้เคียงกับสุนทรียศาสตร์ของ Blue Blouse ซึ่งเขาก็ได้ร่วมแสดงด้วย

โรงละคร Maly ยังคงรักษารากฐานคลาสสิกอันน่าทึ่งเอาไว้อย่างไม่สั่นคลอน โดยสานต่อประเพณีทางประวัติศาสตร์ในสภาพสังคมใหม่

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะการแสดงของรัสเซีย แนวโรแมนติกและคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยความสมจริงซึ่งนำมาซึ่งมากมาย ความคิดที่สดใหม่ไปโรงละคร ในช่วงเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงมากมาย มีการสร้างละครเวทีใหม่ซึ่งได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการในละครสมัยใหม่ ศตวรรษที่ 19 กลายเป็นเวทีที่ดีสำหรับการเกิดขึ้นและการพัฒนาของนักเขียนบทละครที่มีความสามารถหลายคนซึ่งด้วยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขามีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาศิลปะการแสดงละคร บุคคลที่โดดเด่นที่สุดในวงการละครในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษคือ N.V. โกกอล. ในความเป็นจริงเขาไม่ใช่นักเขียนบทละครในความหมายคลาสสิก แต่ถึงกระนั้นเขาก็สามารถสร้างผลงานชิ้นเอกที่ได้รับชื่อเสียงและความนิยมไปทั่วโลกในทันที งานดังกล่าวเรียกได้ว่าเป็น “ผู้ตรวจราชการ” และ “การแต่งงาน” บทละครเหล่านี้แสดงให้เห็นภาพที่สมบูรณ์ของชีวิตทางสังคมในรัสเซียอย่างชัดเจน ยิ่งกว่านั้นโกกอลไม่ได้ยกย่องมัน แต่กลับวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง

ในขั้นตอนของการพัฒนาและการก่อตัวเต็มรูปแบบนี้ โรงละครรัสเซียไม่สามารถพอใจกับละครก่อนหน้านี้ได้อีกต่อไป ดังนั้นสิ่งเก่าจะถูกแทนที่ด้วยสิ่งใหม่ในไม่ช้า คอนเซ็ปต์คือการสื่อถึงบุคคลสมัยใหม่ที่มีความรู้สึกเฉียบแหลมและชัดเจนในเรื่องของเวลา A.N. ถือเป็นผู้ก่อตั้งละครรัสเซียสมัยใหม่ ออสตรอฟสกี้ ในการสร้างสรรค์ของเขา เขาได้บรรยายถึงสภาพแวดล้อมของพ่อค้าและขนบธรรมเนียมของพวกเขาอย่างเป็นจริงและสมจริง การรับรู้นี้เกิดจากการอยู่ในสภาพแวดล้อมดังกล่าวเป็นเวลานาน Ostrovsky เป็นทนายความโดยการฝึกอบรมรับราชการในศาลและมองเห็นทุกอย่างจากภายใน ด้วยผลงานของเขา นักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ได้สร้างละครแนวจิตวิทยาที่พยายามจะมองและเปิดเผยให้มากที่สุด สถานะภายในบุคคล.

นอกจาก A.N Ostrovsky แล้ว ปรมาจารย์ด้านปากกาและเวทีที่โดดเด่นคนอื่นๆ ยังมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อศิลปะการแสดงละครแห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งผลงานและทักษะเป็นมาตรฐานและเป็นตัวบ่งชี้ถึงจุดสุดยอดของความเชี่ยวชาญ หนึ่งในบุคคลเหล่านี้คือ M. Shchepkin ศิลปินผู้มีความสามารถคนนี้ได้แสดงบทบาทมากมาย ส่วนใหญ่เป็นแนวตลก Shchepkin มีส่วนทำให้เกิดการแสดงเกินขอบเขตของรูปแบบที่มีอยู่ในเวลานั้น ตัวละครแต่ละตัวของเขามีลักษณะและรูปลักษณ์ของตัวละครเป็นของตัวเอง ฮีโร่แต่ละคนมีบุคลิกภาพ

ออสตรอฟสกี้

งานของ Ostrovsky เป็นผลงานใหม่สำหรับละครรัสเซีย ผลงานของเขามีลักษณะเฉพาะคือความซับซ้อนและความซับซ้อนของความขัดแย้ง องค์ประกอบของเขาคือ ละครทางสังคมและจิตวิทยา ตลกแห่งมารยาท ลักษณะของสไตล์ของเขาคือการบอกนามสกุล คำพูดของผู้เขียนโดยเฉพาะ ชื่อบทละครดั้งเดิม ซึ่งมักใช้สุภาษิต และคอเมดี้ที่มีพื้นฐานมาจากคติชน ความขัดแย้งในบทละครของ Ostrovsky มีพื้นฐานมาจากความไม่ลงรอยกันของฮีโร่กับสิ่งแวดล้อมเป็นหลัก ละครของเขาเรียกได้ว่าเป็นแนวจิตวิทยาซึ่งไม่เพียงแต่มีความขัดแย้งภายนอกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครคุณธรรมภายในด้วย

ทุกสิ่งในละครในอดีตสร้างชีวิตของสังคมขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำซึ่งนักเขียนบทละครใช้แผนการของเขา ฮีโร่คนใหม่ของละครของ Ostrovsky ซึ่งเป็นคนเรียบง่ายเป็นตัวกำหนดความคิดริเริ่มของเนื้อหาและ Ostrovsky ได้สร้าง "ละครพื้นบ้าน" เขาทำภารกิจใหญ่สำเร็จ - เขาทำให้ "ชายร่างเล็ก" กลายเป็นฮีโร่ที่น่าเศร้า ออสตรอฟสกี้มองเห็นหน้าที่ของเขาในฐานะนักเขียนบทละครในการวิเคราะห์สิ่งที่เกิดขึ้นในเนื้อหาหลักของละคร “นักเขียนบทละคร... ไม่ได้ประดิษฐ์สิ่งที่เกิดขึ้น - มันให้ชีวิต ประวัติศาสตร์ ตำนาน; ภารกิจหลักคือการแสดงบนพื้นฐานของข้อมูลทางจิตวิทยาที่เหตุการณ์บางอย่างเกิดขึ้นและเหตุใดจึงเป็นเช่นนี้และไม่เป็นอย่างอื่น” - นี่คือสิ่งที่ผู้เขียนกล่าวไว้ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของละคร ออสตรอฟสกี้ถือว่าละครเป็นศิลปะมวลชนที่ให้ความรู้แก่ผู้คน และกำหนดจุดประสงค์ของโรงละครว่าเป็น "โรงเรียนแห่งศีลธรรมทางสังคม" ผลงานเรื่องแรกของเขาทำให้เราตกใจกับความจริงและความเรียบง่าย พร้อมด้วยฮีโร่ผู้ซื่อสัตย์ที่มี "หัวใจที่อบอุ่น" นักเขียนบทละครที่สร้างขึ้นโดย "ผสมผสานความประเสริฐเข้ากับการ์ตูน" เขาสร้างสรรค์ผลงานสี่สิบแปดชิ้นและประดิษฐ์ตัวละครมากกว่าห้าร้อยตัว

บทละครของ Ostrovsky นั้นสมจริง ในสภาพแวดล้อมของการค้าขายซึ่งเขาสังเกตวันแล้ววันเล่าและเชื่อว่ามันเป็นหนึ่งเดียวกันในอดีตและปัจจุบันของสังคม Ostrovsky เปิดเผยความขัดแย้งทางสังคมที่สะท้อนถึงชีวิตของรัสเซีย และถ้าใน "The Snow Maiden" เขาสร้างโลกปรมาจารย์ขึ้นใหม่ซึ่งสามารถคาดเดาปัญหาสมัยใหม่ได้เท่านั้น "พายุฝนฟ้าคะนอง" ของเขาคือการประท้วงอย่างเปิดเผยต่อบุคคลซึ่งเป็นความปรารถนาของบุคคลในความสุขและความเป็นอิสระ นักเขียนบทละครมองว่านี่เป็นคำแถลงถึงหลักการสร้างสรรค์แห่งความรักเสรีภาพซึ่งอาจกลายเป็นพื้นฐานได้ ละครเรื่องใหม่. ออสตรอฟสกี้ไม่เคยใช้คำจำกัดความของ "โศกนาฏกรรม" โดยกำหนดให้บทละครของเขาเป็น "คอเมดี้" และ "ละคร" ซึ่งบางครั้งก็ให้คำอธิบายตามจิตวิญญาณของ "ภาพชีวิตในมอสโก" "ฉากจาก ชีวิตในหมู่บ้าน“” “ฉากจากชีวิตในชนบทห่างไกล” บ่งบอกว่าเรากำลังพูดถึงชีวิตของสภาพแวดล้อมทางสังคมทั้งหมด Dobrolyubov กล่าวว่า Ostrovsky ได้สร้างการกระทำที่น่าทึ่งรูปแบบใหม่: ผู้เขียนวิเคราะห์ต้นกำเนิดทางประวัติศาสตร์ของปรากฏการณ์สมัยใหม่ในสังคมโดยไม่ต้องสอน แนวทางทางประวัติศาสตร์ต่อครอบครัวและ ความสัมพันธ์ทางสังคม- ความน่าสมเพชในความคิดสร้างสรรค์ของ Ostrovsky ในบรรดาฮีโร่ของเขานั้นมีคนทุกวัยโดยแบ่งออกเป็นสองค่าย - เด็กและผู้ใหญ่ ตัวอย่างเช่นตามที่ Yu. M. Lotman เขียนใน "The Thunderstorm" Kabanikha คือ "ผู้รักษาโบราณวัตถุ" และ Katerina "ถือเป็นจุดเริ่มต้นที่สร้างสรรค์ของการพัฒนาภายในตัวเธอเอง" ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเธอถึงอยากบินได้เหมือนนก

ข้อพิพาทระหว่างสมัยโบราณและความใหม่ตามที่นักวิจารณ์วรรณกรรมตั้งข้อสังเกตถือเป็นประเด็นสำคัญของความขัดแย้งอันน่าทึ่งในบทละครของ Ostrovsky รูปแบบดั้งเดิมของชีวิตได้รับการพิจารณาว่าเป็นการต่ออายุชั่วนิรันดร์ และในกรณีนี้นักเขียนบทละครเท่านั้นที่มองเห็นความมีชีวิตของพวกเขา... สิ่งเก่าเข้าสู่สิ่งใหม่เข้าสู่ ชีวิตที่ทันสมัยซึ่งสามารถมีบทบาทเป็นองค์ประกอบ "โซ่ตรวน" กดดันการพัฒนาหรือเป็นองค์ประกอบที่มั่นคง ทำให้เกิดความแข็งแกร่งของสิ่งแปลกใหม่ที่เกิดขึ้น ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของสิ่งเก่าที่รักษาชีวิตของผู้คน” ผู้เขียนเห็นอกเห็นใจวีรบุรุษรุ่นเยาว์เสมอเขียนบทกวีที่ปรารถนาอิสรภาพและความเสียสละ ชื่อเรื่องของบทความของ A. N. Dobrolyubov เรื่อง "A Ray of Light in a Dark Kingdom" สะท้อนถึงบทบาทของฮีโร่เหล่านี้ในสังคมอย่างเต็มที่ มีความคล้ายคลึงกันทางจิตวิทยาผู้เขียนมักใช้ตัวละครที่พัฒนาแล้ว แก่นเรื่องของตำแหน่งของผู้หญิงในโลกแห่งการคำนวณยังถูกทำซ้ำใน "เจ้าสาวผู้น่าสงสาร", "หัวใจอันอบอุ่น", "สินสอดทองหมั้น" ต่อมามีองค์ประกอบเสียดสีในละครเพิ่มมากขึ้น ออสตรอฟสกี้หันไปใช้หลักการ Gogolian ที่ว่า "ตลกล้วนๆ" โดยให้ความสำคัญกับลักษณะของสภาพแวดล้อมทางสังคมเป็นอันดับแรก ตัวละครในคอเมดี้ของเขาเป็นคนทรยศและคนหน้าซื่อใจคด ออสตรอฟสกี้ยังหันไปใช้ธีมทางประวัติศาสตร์และวีรบุรุษโดยติดตามการก่อตัวของปรากฏการณ์ทางสังคมการเติบโตจาก "ชายร่างเล็ก" สู่พลเมือง

เชคอฟ

เชคอฟมักถูกเรียกว่า "เชคสเปียร์แห่งศตวรรษที่ 20" อันที่จริง ละครของเขาเช่นเดียวกับเชคสเปียร์ มีบทบาทพลิกผันครั้งใหญ่ในประวัติศาสตร์ของละครโลก กำเนิดในรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษใหม่ และได้พัฒนาเป็นระบบศิลปะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ซึ่งกำหนดเส้นทางสำหรับการพัฒนาละครและละครทั่วโลกในอนาคต แน่นอนว่านวัตกรรมของละครของ Chekhov ได้รับการจัดทำขึ้นโดยการค้นหาและการค้นพบของบรรพบุรุษผู้ยิ่งใหญ่ของเขาซึ่งเป็นผลงานละครของ Pushkin และ Gogol, Ostrovsky และ Turgenev ซึ่งเขาอาศัยประเพณีที่ดีและแข็งแกร่ง แต่เป็นบทละครของเชคอฟที่ทำให้เกิดการปฏิวัติอย่างแท้จริงในความคิดการแสดงละครในยุคของเขา การเข้าสู่วงการละครของเขาถือเป็นจุดเริ่มต้นใหม่ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 19 ละครรัสเซียอยู่ในสภาพที่เกือบจะน่าเสียดาย ภายใต้ปากกาของนักเขียนฝีมือประณีต ประเพณีการละครที่ครั้งหนึ่งเคยสูงส่งได้เสื่อมถอยลงจนกลายเป็นเรื่องซ้ำซากจำเจและกลายเป็นบัญญัติที่ตายแล้ว ฉากนี้เคลื่อนห่างจากชีวิตอย่างเห็นได้ชัดเกินไป ในเวลานั้น เมื่อผลงานอันยิ่งใหญ่ของตอลสตอยและดอสโตเยฟสกียกระดับงานร้อยแก้วของรัสเซียให้สูงขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ละครรัสเซียก็เผยให้เห็นถึงการดำรงอยู่ที่น่าสังเวช ถูกกำหนดไว้แล้วสำหรับเชคอฟที่จะเอาชนะช่องว่างระหว่างร้อยแก้วกับการละคร ระหว่างวรรณคดีและละคร ด้วยความพยายามของเขาเวทีรัสเซียได้ยกระดับไปสู่ระดับวรรณคดีรัสเซียที่ยิ่งใหญ่จนถึงระดับของตอลสตอยและดอสโตเยฟสกี การค้นพบของ Chekhov นักเขียนบทละครคืออะไร? ประการแรก เขาทำให้ละครกลับมามีชีวิตอีกครั้ง ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลเลยที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันดูเหมือนเขาจะเสนอนวนิยายที่เขียนสั้น ๆ ยาว ๆ บนเวที บทละครของเขาน่าทึ่งกับรูปแบบการเล่าเรื่องที่ไม่ธรรมดาและสไตล์ที่สมจริงอย่างถี่ถ้วน ลักษณะนี้ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ เชคอฟเชื่อมั่นว่าละครไม่สามารถเป็นสมบัติของบุคคลที่มีความโดดเด่นและโดดเด่นได้เท่านั้น เป็นกระดานกระโดดสำหรับเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่เท่านั้น เขาต้องการเปิดเผยเรื่องราวความเป็นจริงในชีวิตประจำวันที่ธรรมดาที่สุด เพื่อให้สามารถเข้าถึงละครในชีวิตประจำวันที่ Chekhov ต้องทำลายหลักการละครที่ล้าสมัยและหยั่งรากลึกทั้งหมด “ปล่อยให้ทุกอย่างบนเวทีเป็นเรื่องง่ายและในเวลาเดียวกันก็ซับซ้อนเช่นเดียวกับในชีวิต ผู้คนรับประทานอาหารกลางวัน แค่รับประทานอาหารกลางวัน และในเวลานี้ความสุขของพวกเขาก่อตัวขึ้นและชีวิตของพวกเขาก็พังทลาย” เชคอฟกล่าวโดยอนุมานสูตรของ ละครเรื่องใหม่ และเขาเริ่มเขียนบทละครที่จับกระแสธรรมชาติของชีวิตประจำวันราวกับไม่มีเลย เหตุการณ์ที่สดใส, ตัวละครที่แข็งแกร่ง, ความขัดแย้งเฉียบพลัน. แต่ภายใต้ชั้นบนสุดของชีวิตประจำวัน ในชีวิตประจำวันที่เป็นกลาง ดูเหมือนถูกสุ่มหยิบขึ้นมา โดยที่ผู้คน “แค่กินข้าวกลางวัน” เขาค้นพบละครที่ไม่คาดคิด “สร้างความสุขและทำให้ชีวิตแตกสลาย” เรื่องราวดราม่าในชีวิตประจำวันซึ่งซ่อนลึกอยู่ในกระแสชีวิตใต้น้ำถือเป็นการค้นพบที่สำคัญที่สุดครั้งแรกของนักเขียน การค้นพบนี้จำเป็นต้องมีการแก้ไขแนวคิดก่อนหน้าของตัวละคร ความสัมพันธ์ระหว่างฮีโร่กับสิ่งแวดล้อม โครงสร้างที่แตกต่างกันของพล็อตและความขัดแย้ง ฟังก์ชั่นที่แตกต่างกันของเหตุการณ์ การแยกย่อยของความคิดปกติเกี่ยวกับแอ็คชั่นดราม่า จุดเริ่มต้น จุดไคลแม็กซ์ และข้อไขเค้าความเรื่องจุดประสงค์ของคำพูดและความเงียบท่าทางและการจ้องมอง กล่าวอีกนัยหนึ่ง โครงสร้างอันน่าทึ่งทั้งหมดจากบนลงล่างได้รับการสร้างขึ้นใหม่ทั้งหมด เชคอฟเยาะเย้ยพลังของชีวิตประจำวันเหนือบุคคลแสดงให้เห็นว่าในสภาพแวดล้อมที่หยาบคายความรู้สึกของมนุษย์ใด ๆ ตื้นเขินและบิดเบี้ยวได้อย่างไร พิธีกรรมอันศักดิ์สิทธิ์ (งานศพ งานแต่งงาน วันครบรอบ) กลายเป็นเรื่องไร้สาระ ชีวิตประจำวันฆ่าวันหยุดอย่างไร เมื่อพบความหยาบคายในทุกเซลล์ของชีวิตประจำวัน Chekhov จึงผสมผสานการเยาะเย้ยร่าเริงเข้ากับอารมณ์ขันที่ดี เขาหัวเราะกับความไร้สาระของมนุษย์ แต่ไม่ได้ฆ่าชายคนนั้นด้วยเสียงหัวเราะ ในชีวิตประจำวันที่สงบสุข เขาไม่เพียงมองเห็นภัยคุกคามเท่านั้น แต่ยังมองเห็นการปกป้องอีกด้วย เขาให้ความสำคัญกับความสะดวกสบายในชีวิตประจำวัน ความอบอุ่นของเตาไฟ และพลังแห่งแรงโน้มถ่วง แนวเพลงโวเดอวิลล์เน้นไปที่เรื่องตลกขบขันและโศกนาฏกรรม นี่อาจเป็นสาเหตุที่เรื่องราวตลกขบขันของเขาเต็มไปด้วยแรงจูงใจของมนุษยชาติ ความเข้าใจ และความเห็นอกเห็นใจ

"The Cherry Orchard" ของ Chekhov เป็นการผสมผสานระหว่างความตลกขบขัน - "แม้กระทั่งเรื่องตลกในสถานที่ต่างๆ" ตามที่ผู้เขียนเขียนเองด้วยการวางอุบายที่อ่อนโยนและละเอียดอ่อน การรวมกันของหลักการทั้งสองนี้ทำให้ Chekhov สามารถประเมินสิ่งที่เกิดขึ้นได้อย่างคลุมเครือเพื่อให้ฮีโร่แสดงลักษณะที่สับสนและน่าเศร้า ในขณะที่เยาะเย้ยจุดอ่อนและความชั่วร้ายของพวกเขา ผู้เขียนก็เห็นใจพวกเขาไปพร้อมๆ กัน ในบรรดาฮีโร่ของ The Cherry Orchard ไม่มีตัวการ์ตูนเพียงตัวเดียว ดังนั้นเด็กวัย Gaev ในช่วงเวลาอื่นของชีวิตบนเวทีจึงทำให้เกิดความสงสารและความเห็นอกเห็นใจ Epikhodov ไม่เพียงแต่ตลกกับความล้มเหลวไม่รู้จบของเขาเท่านั้น แต่เขาไม่มีความสุขจริงๆ! ทุกสิ่งไม่เหมาะสมสำหรับเขา ความรักของเขาถูกปฏิเสธ ความภาคภูมิใจของเขาทนทุกข์ทรมานอยู่ตลอดเวลา เชคอฟไม่ได้แบ่งตัวละครใน The Cherry Orchard ออกเป็นแง่บวกและแง่ลบ พวกเขาต่างไม่มีความสุขพอๆ กัน และไม่พอใจกับชีวิตพอๆ กัน Chekhov มองเห็นละครของวีรบุรุษของเขาในชีวิตประจำวันได้อย่างแม่นยำ ดังนั้นเขาจึงให้ความสำคัญกับการวาดภาพชีวิตประจำวันเป็นหลัก และเหตุการณ์ต่างๆ จะถูกผลักไสให้อยู่เบื้องหลัง โครงเรื่องและองค์ประกอบในบทละครเป็นเรื่องภายนอกล้วนๆ และเป็นระเบียบโดยธรรมชาติ งานขายสวนเชอร์รี่เองก็หลีกเลี่ยงไม่ได้ ไม่มีความขัดแย้งระหว่าง Ranevskaya, Gaev และ Lopakhin Ranevskaya และ Gaev เกือบจะละทิ้งสวนเชอร์รี่โดยสมัครใจ และยังรู้สึกโล่งใจบ้างหลังจากขายสวนดังกล่าว “อันที่จริง ตอนนี้ทุกอย่างเรียบร้อยดี” Gaev กล่าว “ก่อนขายสวนเชอร์รี่ เราทุกคนกังวล ทนทุกข์ทรมาน และในที่สุดเมื่อปัญหาได้รับการแก้ไขอย่างไม่อาจเพิกถอนได้ ทุกคนก็สงบลง และถึงกับร่าเริงขึ้นมา” ทรัพย์สมบัติดูเหมือนจะลอยไปอยู่ในมือของลภาคิน Petya Trofimov และ Anya ไม่พยายามป้องกันสิ่งนี้ด้วยซ้ำ พวกเขาเห็น "สวนเชอร์รี่" ของพวกเขาในความฝันเท่านั้น ดังนั้นเชคอฟจึงพรรณนาเหตุการณ์ทั้งหมดในพัฒนาการตามธรรมชาติเหตุการณ์เหล่านี้ไม่มีความขัดแย้ง ความขัดแย้งหลักเกิดขึ้นในจิตวิญญาณของฮีโร่ มันไม่ได้อยู่ที่การต่อสู้เพื่อสวนเชอร์รี่ แต่อยู่ที่ความไม่พอใจกับชีวิต การไม่สามารถผสมผสานความฝันและความเป็นจริงเข้าด้วยกันได้ ดังนั้นหลังจากซื้อสวนเชอร์รี่แล้วโลภาคินจึงไม่มีความสุขมากขึ้นเขาเหมือนกับตัวละครอื่น ๆ ในละครที่ฝันว่า“ ชีวิตที่น่าอึดอัดใจและไม่มีความสุขของเราจะเปลี่ยนไปในทางใดทางหนึ่ง” ลักษณะเฉพาะของความขัดแย้งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในการพรรณนาตัวละครที่น่าทึ่ง ฮีโร่ในละครไม่ได้เปิดเผยตัวเองในการกระทำที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย แต่เป็นการประสบกับความขัดแย้งของการดำรงอยู่ ดังนั้นบทละครจึงขาดแอ็คชั่นที่เข้มข้นจึงถูกแทนที่ด้วยการสะท้อนโคลงสั้น ๆ วีรบุรุษแห่ง The Cherry Orchard ไม่เพียงแต่ตระหนักรู้ถึงตัวเองไม่เพียงแต่ในการกระทำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคำพูดด้วย ทุกวลีที่พูดมีซับเท็กซ์ที่ซ่อนอยู่ มีสิ่งที่เรียกว่า “คลื่นใต้น้ำ” เกิดขึ้น ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับละครคลาสสิก ตัวอย่างนี้คือบทสนทนาระหว่างตัวละครต่อไปนี้: "Lyubov Andreevna (ครุ่นคิด) Epikhodov กำลังมา... ย่า (ครุ่นคิด) Epikhodov กำลังมา... Gaev ดวงอาทิตย์ตกแล้วสุภาพบุรุษ Trofimov ใช่แล้ว"ในกรณีนี้คำพูดมีความหมายน้อยกว่าความรู้สึกของชีวิตที่ไม่มั่นคงโดยซ่อนอยู่หลังเศษวลี ดังนั้นจึงอยู่ในคำบรรยายโคลงสั้น ๆ ที่สะท้อนถึงชีวิตฝ่ายวิญญาณที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของวีรบุรุษ ในละครเรื่อง "The Cherry Orchard" Chekhov สร้างบรรยากาศโคลงสั้น ๆ พิเศษ ผู้เขียนไม่ได้ให้ลักษณะคำพูดที่คมชัดของตัวละครแก่ตัวละคร แต่คำพูดของพวกเขาจะรวมเป็นทำนองเดียว การใช้เอฟเฟกต์นี้ ผู้เขียนจะสร้างความรู้สึกกลมกลืน และแม้ว่าเชคอฟจะทำลายการกระทำที่ตัดขวางซึ่งเป็นหลักการจัดระเบียบในละครคลาสสิก แต่บทละครของเขาก็ไม่สูญเสียความสามัคคีภายใน สิ่งสำคัญคือโครงสร้างโดยรวมของบทละครต้องขึ้นอยู่กับอารมณ์ของตัวละครแต่ละตัวด้วย ดังนั้นตัวละครทุกตัวจึงอยู่ใกล้กันมาก อารมณ์ทั่วไปนี้ตอบสนองในละครด้วยเสียงที่น่าเศร้า: “... ทุกคนนั่งจมอยู่ในความคิด เงียบ ๆ คุณได้ยินเพียงเฟอร์พึมพำอย่างเงียบ ๆ ทันใดนั้นก็ได้ยินเสียงที่ห่างไกลราวกับมาจากท้องฟ้า เสียงเชือกขาด ร่วงโรย และเศร้าโศก” ในตอนจบ มีการเพิ่มเสียงอื่นเข้าไปในเสียงนี้ และยิ่งอ้างว้างยิ่งกว่านั้น: “คุณได้ยินไหมว่าขวานเคาะต้นไม้อยู่ในสวนไกลแค่ไหน” นวัตกรรมของนักเขียนบทละคร Chekhov อยู่ที่ความจริงที่ว่าเขาแยกจากหลักการของละครคลาสสิกและสะท้อนไม่เพียง แต่ปัญหาด้วยวิธีการละครเท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นถึงประสบการณ์ทางจิตวิทยาของตัวละครด้วย

ชีวิตชาวรัสเซียในต้นศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของชาวยุโรป แนวโน้มโรแมนติกค่อยๆ เริ่มมีตัวละครในเทศกาลบางอย่าง ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากพฤติกรรมในชีวิตประจำวันจริงๆ ภาษาฝรั่งเศส การเต้นรำ และระบบ "ท่าทางที่เหมาะสม" ถูกถอดออกจากความเป็นจริงในชีวิตประจำวันจนเชี่ยวชาญจำเป็นต้องเรียนกับครูพิเศษ อาจเป็นความปรารถนาที่จะมีชีวิต "เพื่อการแสดง" ซึ่งก่อให้เกิดความต้องการตรงกันข้ามสำหรับ "ความภักดีต่อตนเอง" ความมีชีวิตชีวาและความเที่ยงแท้ซึ่งจะกลายเป็นพื้นฐานทางอุดมการณ์สำหรับการเกิดขึ้นของศิลปะสมจริงของรัสเซีย

จนถึงปี 1803 คณะละครและดนตรีเป็นทีมเดียว

ตัวบ่งชี้ที่น่าสนใจของการแสดงละครในชีวิตประจำวันในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 คือการแสดงมือสมัครเล่นและการผลิตที่บ้านซึ่งแพร่หลายในชีวิตของคนชั้นสูง (ทายาทของโรงละครข้าแผ่นดินแห่งศตวรรษที่ผ่านมา) ถูกมองว่าเป็นการออกจาก โลกของชีวิตธรรมดาและไม่จริงใจของสังคมศาล “โลก” สู่พื้นที่แห่งความรู้สึกและความจริงใจอย่างแท้จริง มันเป็นการเคลื่อนไหวจากพฤติกรรมเชิงบรรทัดฐานไปจนถึงการสร้าง "มนุษย์ปุถุชน" ของรุสโซที่กลายเป็นกระแสหลักทางอุดมการณ์ในยุคนั้น วีรบุรุษผู้มีอารมณ์อ่อนไหวซึ่งแต่งกายด้วยภาพลักษณ์ของคนป่าเถื่อนที่มีคุณธรรม ตกเป็นเหยื่อของอคติทางสังคมหรือศาสนา หรือถูกแปลงร่างเป็นภาพลักษณ์ของเด็กผู้หญิงที่ ความรู้สึกตามธรรมชาติความรักและเสรีภาพถูกละเมิดโดยศีลธรรมอันหลอกลวงและเผด็จการ

จากมุมมองของความเข้าใจพิเศษเกี่ยวกับการแสดงละคร ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 มีเหตุผลที่จะมีความหลงใหลเป็นพิเศษต่อกิจกรรมสาธารณะเช่นการแสดงสวมหน้ากาก การแสดงบอล และการแสดงหุ่นกระบอก จักรวรรดิรัสเซียมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในความขัดแย้งระหว่างรัฐในยุโรป ดังนั้นอาชีพทหารจึงกำหนดชีวประวัติของคนหนุ่มสาวทั้งรุ่น (เหตุการณ์ที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อการปรากฏตัวของผู้หลอกลวง) บุคลิกภาพประเภทหนึ่งกำลังก่อตัวขึ้นภายใต้อิทธิพลของ "โอกาส" ซึ่งเป็นสัญลักษณ์แห่งโชคชะตา สามารถข้ามขั้นตอนกลางของลำดับชั้นทางสังคม โดยกระโดดจากล่างขึ้นบนโดยตรง ความมั่นใจในการพัฒนาเหตุการณ์ดังกล่าวเกี่ยวข้องกับการเห็นชีวประวัติของนโปเลียนโดยตรงซึ่งสามารถจัดการสถานการณ์ชีวิตบางอย่างและติดตามมันได้อย่างมีประสิทธิภาพทำให้ทั้งโลกสั่นสะเทือน ในความคิดของเจ้าหน้าที่ ภาพของ Bonaparte ใกล้เมือง Toulon หรือบนสะพาน Arcole มีความเกี่ยวข้องอย่างแน่นแฟ้นกับโอกาสที่จะมีชื่อเสียงโด่งดังอย่างกล้าหาญ หลายคนเช่น Prince Andrei ในสงครามและสันติภาพกำลังมองหา "ตูลงของพวกเขา" หากในศตวรรษที่ 18 ที่ผ่านมา นักผจญภัยผู้ทะเยอทะยานได้รับแรงกระตุ้นในการพัฒนาประวัติศาสตร์ ในปัจจุบัน บุคลิกที่ไม่ธรรมดาก็พยายามจะทิ้งร่องรอยของเขาไว้ในบันทึกประวัติศาสตร์

ช่างไม้โรงละครและพนักงานระดับล่างถูกลงโทษทางร่างกาย

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVIII-XIX Ekov เปลี่ยนภาพรวมของชีวิตการแสดงละครอย่างรวดเร็ว จำนวนคณะละครเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว และนักแสดงก็เพิ่มมากขึ้น เครือข่ายสถานประกอบการละครในจังหวัดเติบโตอย่างรวดเร็ว - ไม่เพียงต้องขอบคุณการจัดระเบียบโรงละครด้วยกองทุนสาธารณะเท่านั้น แต่ยังเนื่องมาจากความคิดริเริ่มของเอกชนที่กำลังเติบโตอีกด้วย ในเมืองต่างจังหวัด โรงละครถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการแบ่งปัน วิสาหกิจเกิดขึ้น และโรงละครเสิร์ฟหลายแห่ง ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นคณะละครประจำบ้านของคณะละครเจ้าของที่ดิน เปลี่ยนไปใช้ฐานรากเชิงพาณิชย์ โรงละครส่วนใหญ่จะย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งเพื่อค้นหาค่าธรรมเนียม ครอบคลุมอาณาเขตและกลุ่มผู้ชมที่เดินทางท่องเที่ยวอย่างกว้างกว่าเดิม

เวทีมืออาชีพเริ่มต้องการนักแสดงที่ผ่านการฝึกอบรมอย่างเร่งด่วน ดังนั้นจึงกำลังมองหานักแสดงรุ่นเยาว์ที่มีความสามารถจากคณะละครสมัครเล่นที่ดูดซับกลุ่มทาสทั้งหมด ซึ่งเปิดประตูให้กับบุคคลที่เรียนรู้ด้วยตนเองที่มีพรสวรรค์เป็นรายบุคคล นี่คือวิธีที่คณะละครจักรวรรดิในเมืองหลวงก่อตั้งขึ้นในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบนพื้นฐานของโรงละคร Maly ที่สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2367 และโรงละคร Alexandrinsky ในปี พ.ศ. 2375 ซึ่งเป็นกลุ่มละครที่ใหญ่ที่สุดซึ่งคณะซึ่งรวมถึงการแสดงที่สำคัญที่สุด พรสวรรค์

ในช่วงปีแรกของศตวรรษที่ 19 โรงละครดึงดูดความสนใจของสาธารณชนได้มากกว่าเมื่อ 10-20 ปีที่แล้วมาก ชะตากรรมของศิลปะการแสดงของรัสเซีย สถานะปัจจุบันและอนาคตของมันจะกลายเป็นหัวข้อสนทนาอย่างต่อเนื่องในแวดวงวรรณกรรมและในสังคมที่มีการศึกษา ซึ่งความสนใจอย่างแรงกล้าในความสำเร็จของวัฒนธรรมของชาติถูกปลุกให้ตื่นขึ้น นิตยสารส่วนใหญ่ที่ตีพิมพ์ในช่วงทศวรรษที่ 1800 มีบทความบนหน้าเว็บที่สะท้อนถึงสถานะของโรงละครรัสเซียสมัยใหม่ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1808 นิตยสารโรงละครรัสเซียเล่มแรกในภาษารัสเซียเริ่มตีพิมพ์ - "Dramatic Herald" และภายในไม่กี่ปีจำนวนสิ่งพิมพ์ที่เกี่ยวข้องกับปัญหาของเวทีมีจำนวนหลายสิบฉบับ

เงินเดือนของนักแสดงมีน้อย ดังนั้นศิลปินจึงมักจัดการแสดงเพื่อประโยชน์

เมื่อพูดถึงจิตวิญญาณแห่งการแสดงละครแห่งยุคนั้นไม่มีใครพลาดไม่ได้ที่จะสังเกตการปรากฏตัวของการแสดงบนเวทีในการกล่าวสุนทรพจน์สาธารณะของจักรพรรดิรัสเซียนิโคลัสที่ 1 นักเขียนชาวฝรั่งเศส Astolphe de Custine ผู้มาเยือนรัสเซียในปี 1839 ตั้งข้อสังเกตว่า“ จักรพรรดิอยู่เสมอ การวางตัวจึงไม่เป็นธรรมชาติแม้ว่าจะดูจริงใจก็ตาม... เขามีหน้ากากมากมาย แต่ไม่มีใบหน้าที่มีชีวิต และเมื่อคุณมองหาคนที่อยู่ภายใต้หน้ากากเหล่านั้น คุณจะพบเพียงจักรพรรดิเท่านั้น” ในคำอธิบายของกษัตริย์รัสเซียนี้ ถูกนำมาจากลักษณะโรแมนติกทั่วไปไปมาก เมื่อตัวละครทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงในการรับรู้เชิงอัตนัยของคนรุ่นเดียวกันสามารถเปลี่ยนเป็นทั้งแซนด์แมนของฮอฟฟ์แมนน์และเจ้าหน้าที่โกกอลที่แปลกประหลาด

อุดมการณ์ของรัฐที่ประกาศอย่างเป็นทางการ - ในทางปฏิบัติแล้วกลุ่มสามเผด็จการ - ออร์โธดอกซ์ - สัญชาติ Hegelian - ในระดับการปฏิบัติของศูนย์รวมที่แท้จริงกลายเป็นฉากละครที่งดงามพร้อมตัวละครและมาตรฐานพฤติกรรมของตัวเอง กิจกรรมบันเทิงมวลชน เช่น งานเต้นรำและการสวมหน้ากาก ได้รับความนิยมอย่างมาก บ่อยครั้งที่แนวโน้มหลักของเหตุการณ์ในศาลดังกล่าวคือองค์ประกอบของการแต่งกายด้วยเครื่องแต่งกายพื้นบ้านของรัสเซียที่มีสไตล์ ตัวอย่างเช่น นิโคลัสออกคำสั่งให้ขุนนางชาวโปแลนด์ปรากฏตัวต่อหน้าจักรพรรดินีในชุดอาบแดดของรัสเซีย แน่นอนว่า ไม่มีการพูดถึงความคล้ายคลึงของลัทธิประวัติศาสตร์นิยมหรือความจริงแท้ใดๆ ในที่นี้ ประวัติศาสตร์ได้เข้าสู่อุดมการณ์ของรัฐอย่างมั่นคงแล้ว องค์ประกอบเครื่องแต่งกาย กระดุมหรือหัวเข็มขัดที่หายาก ซึ่งยืมมาจากพิพิธภัณฑ์ ทำหน้าที่เป็นเครื่องประดับที่หรูหรา ซึ่งช่วยเสริมภาพลักษณ์อันน่าทึ่งต่อสาธารณะได้สำเร็จ

องค์ประกอบหลักของลูกบอลในฐานะความบันเทิงทางสังคมและวัฒนธรรมในยุคนั้นคือการเต้นรำ องค์ประกอบทั้งหมดของตอนเย็นถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการเต้นรำประเภทต่างๆ สลับกัน กำหนดน้ำเสียงของการสนทนา และก่อให้เกิดการพูดคุยเล็กๆ น้อยๆ อย่างผิวเผิน เมื่อดังที่พุชกินพูดอย่างเหมาะสม "หรือค่อนข้างไม่มีสถานที่สำหรับการสารภาพ" การเต้นรำกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของการศึกษาของลูกหลานผู้สูงศักดิ์ โดยเริ่มเข้าร่วมการเต้นรำยามเย็นเมื่ออายุ 5-6 ขวบ ลูกบอลโดยรวมเป็นงานเฉลิมฉลองที่อยู่ภายใต้การเคลื่อนไหวตั้งแต่บัลเล่ต์พิธีการที่เข้มงวดไปจนถึงการแสดงท่าเต้นประเภทต่างๆ

นิตยสารเกี่ยวกับโรงละครได้รับการตีพิมพ์ในปี 1808 สองสามปีต่อมาก็มีสิ่งพิมพ์หลายสิบฉบับ

ความปรารถนาที่จะแต่งตัวซึ่งเป็นลักษณะของการสวมหน้ากากจากมุมมองด้านจริยธรรมและศาสนานั้นไม่ได้เป็นงานอดิเรกที่ได้รับการอนุมัติจากบรรทัดฐานของศีลธรรมอันสูงส่ง การสวมหน้ากาก เช่นเดียวกับงานคาร์นิวัล "ก้นเนื้อ" ที่เป็นรากฐานของการแสดงต่อสาธารณะ การแต่งกายแบบดั้งเดิมได้กลายเป็นลักษณะความบันเทิงที่ปิดสนิท แม้กระทั่งเป็นสิ่งต้องห้ามสำหรับชนชั้นที่มีสิทธิพิเศษของสังคม ยุคของการรัฐประหารในพระราชวังในศตวรรษที่ 18 ให้กำเนิดวีรบุรุษผู้เลียนแบบประวัติศาสตร์ประเภทหนึ่งเมื่อผู้อ้างสิทธิ์ในราชบัลลังก์ทำรัฐประหารสวมชุดทหารองครักษ์ชายและนั่งบนหลังม้าเหมือนผู้ชาย ในกรณีนี้ การแต่งกายถือเป็นสัญลักษณ์: ตัวแทนของเพศที่ยุติธรรมกลายเป็นจักรพรรดิ (ตัวอย่างเช่น บางคนใช้การตั้งชื่อเพศชายหรือเพศหญิงโดยสัมพันธ์กับ Elizabeth Petrovna ในสถานการณ์ที่แตกต่างกัน)

สัมผัสสุดท้ายในจิตวิญญาณพิธีการละครแห่งความเป็นจริงของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 คือสถานการณ์ของการสิ้นพระชนม์ของจักรพรรดินิโคลัสที่ 1: มีข่าวลือว่าเขาวางยาพิษตัวเอง ดังนั้นประเพณีลึกลับที่แปลกประหลาดที่เกี่ยวข้องกับการตายของผู้ปกครองยังคงดำเนินต่อไป: การฆาตกรรม Paul I ผู้อาวุโส Fyodor Kuzmich ในฐานะ Alexander I ผู้สละโลก แม้จะมีการปฏิเสธอย่างเป็นทางการ เสียชีวิตอย่างกะทันหันนิโคลัสก่อให้เกิดคลื่นแห่งการสันนิษฐานและการคาดเดาที่ลึกลับ บางคนเชื่อว่าเขาฆ่าตัวตายเนื่องจากความล้มเหลวของสงครามไครเมีย คนอื่น ๆ มั่นใจว่าจักรพรรดิถูกวางยาพิษโดยแพทย์ส่วนตัวของเขา Mandt ซึ่งขณะอยู่ในรัสเซียแล้วได้คิดค้นวิธีการรักษาแบบพิเศษซึ่งเขาเรียกว่าอะตอมมิก เทคนิคอัศจรรย์ไม่เป็นที่รู้จัก วิทยาศาสตร์อย่างเป็นทางการและสร้างขึ้นเพื่อชื่อเสียงของผู้หลอกลวงเท่านั้น ตำนานการวางยาพิษอันร้ายกาจของนิโคลัสถูกหยิบยกขึ้นมาโดยสิ่งพิมพ์ที่เชื่อถือได้ของ Herzen เรื่อง "The Bell" โดยทั่วไปแล้ว จักรพรรดิยังคงซื่อสัตย์ต่อบทบาทของเขาจนกระทั่งสิ้นพระชนม์ เขาเสียชีวิตบนที่นอนของทหารธรรมดาๆ บนเตียงเหล็กใต้เสื้อคลุมทหารเก่า เพื่ออำลาจักรพรรดินี เขาขอแต่งกายด้วยชุดทหาร และถูกกล่าวหาว่าพูดกับหลานชายของเขา: “เรียนรู้ที่จะตาย!”