ทิศทางของอิมเพรสชั่นนิสม์ ลักษณะสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง

ความประทับใจแบบฝรั่งเศส): การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 60 และ 70 ของศตวรรษที่ 19 และได้รับรูปลักษณ์ที่ชัดเจนที่สุดในงานศิลปะขาตั้ง อิมเพรสชั่นนิสต์ได้พัฒนาเทคนิคการวาดภาพใหม่ ๆ - เงาสี การผสมสี สีที่เน้น รวมถึงการสลายตัวของโทนสีที่ซับซ้อนให้เป็นโทนสีที่บริสุทธิ์ (การซ้อนทับบนผืนผ้าใบด้วยจังหวะที่แยกจากกันทำให้เกิดการผสมทางแสงในสายตาของผู้ชม) พวกเขาพยายามที่จะถ่ายทอดความงามของสภาวะธรรมชาติที่หายวับไป ความแปรปรวน และความคล่องตัวของชีวิตโดยรอบ เทคนิคเหล่านี้ช่วยถ่ายทอดความรู้สึกของแสงแดดที่ส่องประกาย การสั่นสะเทือนของแสงและอากาศ และสร้างความประทับใจถึงความรื่นเริงของชีวิตและความกลมกลืนของโลก เทคนิคอิมเพรสชั่นนิสม์ยังถูกนำมาใช้ในงานศิลปะรูปแบบอื่นด้วย ตัวอย่างเช่นในดนตรี พวกเขามีส่วนในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุดและอารมณ์ที่หายวับไป

คำจำกัดความที่ยอดเยี่ยม

คำจำกัดความที่ไม่สมบูรณ์ ↓

อิมเพรสชันนิสม์

จากภาษาฝรั่งเศส ความประทับใจ - ความประทับใจ) ความเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ตัวแทนหลักของ I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot รวมถึง Edouard Manet, Edgar Degas และศิลปินอื่น ๆ ที่เข้าร่วม การพัฒนารูปแบบใหม่ของ I. เกิดขึ้นในยุค 60-70 และเป็นครั้งแรกในฐานะที่เป็นทิศทางใหม่ซึ่งตรงกันข้ามกับ Salon เชิงวิชาการกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์ได้ประกาศตัวเองในนิทรรศการครั้งแรกในปี พ.ศ. 2417 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ภาพวาดโดย C. Monet “ความประทับใจ” ถูกจัดแสดงอยู่ที่นั้น โซเลย เลแวนต์" (1872) การวิจารณ์ศิลปะอย่างเป็นทางการมีปฏิกิริยาเชิงลบต่อการเคลื่อนไหวใหม่และเยาะเย้ย "ตั้งชื่อ" ตัวแทน "อิมเพรสชั่นนิสต์" โดยนึกถึงภาพวาดของโมเนต์ที่ทำให้พวกเขาหงุดหงิดเป็นพิเศษ อย่างไรก็ตาม ชื่อนี้สะท้อนถึงแก่นแท้ของทิศทาง และตัวแทนก็ยอมรับว่าเป็นการกำหนดวิธีการอย่างเป็นทางการ เนื่องจากเป็นการเคลื่อนไหวที่สำคัญ ศิลปะจึงไม่ได้มีอยู่เป็นเวลานาน - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2417 ถึง พ.ศ. 2429 เมื่ออิมเพรสชั่นนิสต์จัดนิทรรศการร่วม 8 ครั้ง การยอมรับอย่างเป็นทางการจากนักเลงศิลปะและการวิจารณ์ศิลปะเกิดขึ้นในเวลาต่อมา - เฉพาะในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 เท่านั้น ดังที่เห็นได้ชัดในศตวรรษหน้า ฉันมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาวิจิตรศิลป์ในเวลาต่อมา (และวัฒนธรรมทางศิลปะโดยทั่วไป) ในความเป็นจริง มันเป็นการเริ่มต้นขั้นตอนใหม่ของวัฒนธรรมทางศิลปะซึ่งนำไปสู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ XX สู่วัฒนธรรม POST (ดู: POST-) เช่น การเปลี่ยนแปลงของวัฒนธรรมไปสู่คุณภาพที่แตกต่างกันโดยพื้นฐาน O. Spengler ผู้ซึ่งขยายแนวคิดเรื่องประวัติศาสตร์ไปสู่วัฒนธรรม ถือว่านี่เป็นหนึ่งในสัญญาณทั่วไปของ "ความเสื่อมถอยของยุโรป" นั่นคือการทำลายความสมบูรณ์ของโลกทัศน์ การทำลายวัฒนธรรมยุโรปที่เป็นที่ยอมรับตามประเพณี ในทางตรงกันข้าม ศิลปินแนวหน้า (ดู: Avangard) ของต้นศตวรรษที่ 20 พวกเขาเห็นใน I. ผู้บุกเบิกของพวกเขาซึ่งเปิดโลกทัศน์ใหม่ให้กับงานศิลปะ ปลดปล่อยมันจากงานพิเศษทางศิลปะ จากหลักคำสอนของการมองโลกในแง่บวก วิชาการ ความสมจริง ฯลฯ ซึ่งไม่มีใครเห็นด้วย อิมเพรสชั่นนิสต์เองในฐานะจิตรกรผู้บริสุทธิ์ไม่ได้คิดถึงความสำคัญระดับโลกของการทดลองของพวกเขา พวกเขาไม่ได้ต่อสู้เพื่อการปฏิวัติทางศิลปะเป็นพิเศษด้วยซ้ำ พวกเขามองเห็นโลกรอบตัวค่อนข้างแตกต่างไปจากที่ตัวแทนอย่างเป็นทางการของ Salon เห็น และพยายามรวมวิสัยทัศน์นี้ด้วยวิธีการที่เป็นภาพล้วนๆ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาอาศัยการค้นพบทางศิลปะของรุ่นก่อนๆ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นจิตรกรชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizons" บนเค โมเนต์ซึ่งมาเยือนลอนดอนในปี พ.ศ. 2414 รู้สึกประทับใจอย่างมากกับผลงานของดับเบิลยู เทิร์นเนอร์ นอกจากนี้ อิมเพรสชั่นนิสต์เองก็ตั้งชื่อในหมู่ศิลปินรุ่นก่อนๆ ว่าปูแซ็ง, ลอร์เรน, ชาร์แดง และการแกะสลักสีของญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 18 และนักวิจารณ์ศิลปะมองเห็นความคล้ายคลึงกับอิมเพรสชั่นนิสต์ในศิลปินชาวอังกฤษ ที. เกนส์โบโรห์ และ เจ. คอนสเตเบิล ไม่ใช่ กล่าวถึง ว. .เทิร์นเนอร์ อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ใช้เทคนิคการวาดภาพหลายอย่างของศิลปินที่แตกต่างกันมากเหล่านี้ และสร้างระบบโวหารที่บูรณาการบนพื้นฐานนี้ ตรงกันข้ามกับ "นักวิชาการ" อิมเพรสชั่นนิสต์ละทิ้งหลักฐานเฉพาะเรื่อง (ปรัชญา ศีลธรรม ศาสนา สังคมและการเมือง ฯลฯ ) ของศิลปะ และมีการคิดอย่างรอบคอบ มีการวางแผนไว้ล่วงหน้าและวาดโครงเรื่องไว้อย่างชัดเจน กล่าวคือ พวกเขาเริ่มต่อสู้กับ การครอบงำของ "วรรณกรรม" ในการวาดภาพโดยเน้นความสนใจหลักไปที่วิธีการแสดงภาพโดยเฉพาะ - สีและแสง พวกเขาออกจากเวิร์กช็อปเพื่อออกไปข้างนอกโดยที่พวกเขาพยายามเริ่มและจบงานเฉพาะเจาะจงในเซสชั่นเดียว พวกเขาละทิ้งสีเข้มและโทนสีที่ซับซ้อน (สีเอิร์ธโทน "แอสฟัลต์") ซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะยุคใหม่เปลี่ยนเป็นสีสดใสบริสุทธิ์ (จานสีของพวกเขาถูก จำกัด ไว้ที่ 7-8 สี) วางบนผืนผ้าใบบ่อยครั้งในจังหวะที่แยกจากกัน การพึ่งพาการผสมแสงอย่างมีสตินั้นมีอยู่แล้วในจิตใจของผู้ชมซึ่งบรรลุผลของความสดชื่นและความเป็นธรรมชาติเป็นพิเศษ ตาม Delacroix พวกเขาเชี่ยวชาญและทำให้เงาสีสมบูรณ์ การเล่นปฏิกิริยาตอบสนองสีบนพื้นผิวต่างๆ ทำให้วัตถุของโลกที่มองเห็นกลายเป็นวัตถุโดยละลายในสภาพแวดล้อมที่มีแสงซึ่งเป็นหัวข้อหลักที่พวกเขาให้ความสนใจในฐานะจิตรกรที่บริสุทธิ์ จริงๆ แล้วพวกเขาละทิ้งแนวทางประเภทนี้ในวิจิตรศิลป์ โดยมุ่งความสนใจไปที่การถ่ายทอดภาพของความประทับใจเชิงอัตนัยเกี่ยวกับเศษเสี้ยวของความเป็นจริงที่เห็นแบบสุ่ม - บ่อยครั้งเป็นทิวทัศน์ (เช่น Monet, Sisley, Pissarro) ฉากที่ไม่ค่อยมีโครงเรื่อง (เช่น Renoir เดอกาส์) ในเวลาเดียวกัน พวกเขามักจะพยายามถ่ายทอดความประทับใจด้วยความถูกต้องราวกับภาพลวงตาในการจับคู่บรรยากาศสี-แสง-อากาศของชิ้นส่วนที่บรรยายและช่วงเวลาแห่งความเป็นจริงที่มองเห็นได้ การสุ่มมุมของมุมมองของชิ้นส่วนของธรรมชาติที่ส่องสว่างด้วยการมองเห็นเชิงศิลปะ ความใส่ใจต่อสภาพแวดล้อมของภาพ และไม่ยึดติดกับตัวแบบ มักจะนำพวกเขาไปสู่การตัดสินใจในการจัดองค์ประกอบภาพที่ชัดเจน มุมมองที่คมชัดที่ไม่คาดคิด การตัดต่อที่กระตุ้นการรับรู้ของผู้ชม ฯลฯ เอฟเฟกต์ซึ่งต่อมาหลายรายการถูกนำมาใช้โดยตัวแทนของขบวนการแนวหน้าต่างๆ ศิลปะกลายเป็นหนึ่งในทิศทางของ "ศิลปะบริสุทธิ์" ในศตวรรษที่ 19 ซึ่งตัวแทนมองว่าหลักการทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์เป็นสิ่งสำคัญในงานศิลปะ อิมเพรสชั่นนิสต์รู้สึกถึงความงามที่อธิบายไม่ได้ของสภาพแวดล้อมแสงสีอากาศของโลกวัตถุและพยายามจับภาพบนผืนผ้าใบด้วยความแม่นยำเกือบสารคดี (ด้วยเหตุนี้บางครั้งพวกเขาจึงถูกกล่าวหาว่าเป็นธรรมชาติซึ่งแทบจะไม่ถูกต้องตามกฎหมายในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ของสิ่งต่าง ๆ ). ในการวาดภาพพวกเขาเป็นนักนับถือศาสนาที่มองโลกในแง่ดีซึ่งเป็นนักร้องคนสุดท้ายของความสุขที่ไร้กังวลของการดำรงอยู่ทางโลกผู้บูชาดวงอาทิตย์ ดังที่พี. ซินญัก นักประพันธ์นีโออิมเพรสชั่นนิสต์เขียนด้วยความชื่นชมว่า “แสงแดดส่องทั่วภาพ; อากาศแกว่งไปแกว่งมา มีแสงสว่างโอบล้อม ลูบไล้ กระจายเป็นรูปร่าง ส่องเข้าไปทุกแห่ง แม้กระทั่งในที่ร่ม” ลักษณะโวหารของศิลปะในการวาดภาพโดยเฉพาะอย่างยิ่งความปรารถนาที่จะพรรณนางานศิลปะที่ประณีตของความประทับใจชั่วขณะความร่างขั้นพื้นฐานความสดใหม่ของการรับรู้โดยตรง ฯลฯ กลายเป็นตัวแทนของศิลปะประเภทอื่น ๆ ในยุคนั้นซึ่ง นำไปสู่การขยายแนวคิดนี้ไปสู่วรรณกรรม กวีนิพนธ์ และดนตรี อย่างไรก็ตามในงานศิลปะประเภทนี้ไม่มีทิศทางพิเศษของ I. แม้ว่าลักษณะหลายอย่างจะพบได้ในผลงานของนักเขียนและนักแต่งเพลงหลายคนในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้น ศตวรรษที่ XX องค์ประกอบของสุนทรียศาสตร์แบบอิมเพรสชั่นนิสต์ เช่น ความคลุมเครือของรูปแบบ การให้ความสนใจกับรายละเอียดที่สว่างแต่สุ่มเพียงชั่วครู่ การพูดน้อย คำใบ้ที่คลุมเครือ ฯลฯ ล้วนมีอยู่ในงานของ G. de Maupassant, A.P. Chekhov, T. Mann ยุคแรก และ บทกวีของ R.- M. Rilke แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับพี่น้อง J. และ E. Goncourt ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า "จิตวิทยา I> และบางส่วนถึง K. Hamsun M. Proust และนักเขียน "กระแสแห่งจิตสำนึก" อาศัยเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสต์และพัฒนาพวกเขาอย่างมีนัยสำคัญ ในด้านดนตรี นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส C. Debussy, M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ บางคนถือเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งใช้โวหารและสุนทรียศาสตร์ของ I. ในงานของพวกเขา ดนตรีของพวกเขาเต็มไปด้วยประสบการณ์ตรงเกี่ยวกับความงามและการแต่งบทเพลงของภูมิประเทศ เกือบจะเป็นการเลียนแบบการเล่นของคลื่นทะเลหรือเสียงใบไม้ที่พลิ้วไหว เสน่ห์ของคนบ้านนอกของวิชาในตำนานโบราณ ความสุขของชีวิตชั่วขณะ ความปีติยินดีของการดำรงอยู่ของโลก และความสุขจากแสงระยิบระยับอันไม่มีที่สิ้นสุดของสสารเสียง เช่นเดียวกับจิตรกร พวกเขาเบลอแนวดนตรีดั้งเดิมหลายประเภท เติมเต็มด้วยเนื้อหาที่แตกต่างกัน เพิ่มความสนใจไปที่เอฟเฟกต์สุนทรียศาสตร์ล้วนๆ ของภาษาดนตรี ช่วยเพิ่มคุณค่าของวิธีการทางดนตรีที่แสดงออกและมองเห็น “ สิ่งนี้ใช้ก่อนอื่น” นักดนตรีวิทยา I. V.Nestyev - สู่ขอบเขตแห่งความกลมกลืนด้วยเทคนิคของความเท่าเทียมและการร้อยจุดพยัญชนะสีสันสดใสที่ยังไม่ได้รับการแก้ไข อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ขยายระบบโทนเสียงสมัยใหม่อย่างมีนัยสำคัญ โดยเปิดทางให้เกิดนวัตกรรมฮาร์โมนิกมากมายแห่งศตวรรษที่ 20 (แม้ว่าพวกเขาจะลดความชัดเจนของการเชื่อมต่อการทำงานลงอย่างเห็นได้ชัด) ภาวะแทรกซ้อนและการบวมของคอร์ดเชิงซ้อน (ที่ไม่ใช่คอร์ด, คอร์ดที่ไม่ถูกทำลาย, ฮาร์โมนีที่สี่ทางเลือก) จะถูกรวมเข้ากับการทำให้เข้าใจง่าย, การทำให้เข้าใจง่ายของการคิดแบบกิริยาช่วย (โหมดธรรมชาติ, เพนทาโทนิก, คอมเพล็กซ์โทนเสียงทั้งหมด) การเรียบเรียงของนักประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์นั้นถูกครอบงำด้วยสีที่บริสุทธิ์และไฮไลท์ที่ไม่แน่นอน มักใช้เครื่องเป่าลมเดี่ยว เสียงพิณ การแบ่งสายที่ซับซ้อน และเอฟเฟกต์คอนซอร์ดิโน พื้นหลัง ostinat ที่ตกแต่งอย่างหมดจดและไหลสม่ำเสมอก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน จังหวะบางครั้งไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ทำนองเพลงไม่ได้มีลักษณะเฉพาะด้วยโครงสร้างที่โค้งมน แต่ด้วยวลีสัญลักษณ์และชั้นของลวดลายที่แสดงออกสั้นๆ ในเวลาเดียวกัน ในดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์ ความสำคัญของแต่ละเสียง จังหวะ และคอร์ดได้รับการปรับปรุงอย่างผิดปกติ และความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดในการขยายสเกลก็ถูกเปิดเผย ดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์มีความสดใหม่เป็นพิเศษจากการดึงดูดแนวเพลงและการเต้นรำบ่อยครั้ง การใช้องค์ประกอบกิริยาและจังหวะที่ละเอียดอ่อนซึ่งยืมมาจากนิทานพื้นบ้านของผู้คนทางตะวันออก สเปน และในรูปแบบแรกๆ ของดนตรีแจ๊สนิโกร" (สารานุกรมดนตรี ต. 2, M. , 1974. Stb. 507 ). ด้วยการวางวิธีทางทัศนศิลป์และการแสดงออกไว้ที่ศูนย์กลางของความสนใจของศิลปิน และมุ่งเน้นไปที่หน้าที่ของศิลปะตามหลักสรีระศาสตร์และสุนทรีย์ I. ได้เปิดมุมมองและโอกาสใหม่ๆ สำหรับวัฒนธรรมทางศิลปะ ซึ่งได้ใช้ประโยชน์อย่างเต็มที่จาก (และบางครั้งก็มากเกินไปจนเกินไป ) ในศตวรรษที่ 20 แปลจากภาษาอังกฤษ: Venturi L. จาก Manet ถึง Lautrec ม. 2481; Rewald J. ประวัติศาสตร์อิมเพรสชันนิสม์ ล.-ม., 2502; อิมเพรสชันนิสม์ จดหมายจากศิลปิน ล., 1969; Serullaz M. สารานุกรมแห่งลิมเพรสชั่นนิสม์. ป. , 1977; Montieret S. Limpressionnisme และ Son Epoque ต.1-3. ป. 2521-2523; โครเฮอร์ อี. อิมเพรสชั่นนิสมัส ใน der Musik ไลป์ซิก พ.ศ. 2500. แอล.บี.

อิมเพรสชันนิสม์เป็นขบวนการในการวาดภาพที่มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1860 และเป็นตัวกำหนดพัฒนาการทางศิลปะเป็นส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 19 เหล่าปรมาจารย์ได้บันทึกความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะและพยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวนด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด บุคคลสำคัญของขบวนการนี้คือ Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir และ Sealey และการมีส่วนร่วมของแต่ละคนในการพัฒนาก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อิมเพรสชั่นนิสต์ต่อต้านแบบแผนของลัทธิคลาสสิก แนวโรแมนติก และวิชาการ ยืนยันความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน แรงจูงใจที่เรียบง่ายและเป็นประชาธิปไตย บรรลุความถูกต้องที่มีชีวิตของภาพ และพยายามจับภาพ "ความประทับใจ" ของสิ่งที่ตาเห็นในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่ง ธีมทั่วไปสำหรับอิมเพรสชั่นนิสต์คือทิวทัศน์ แต่พวกเขาก็สัมผัสกับธีมอื่นๆ ในงานของพวกเขาด้วย ตัวอย่างเช่น เดอกาส์วาดภาพการแข่งม้า นักบัลเล่ต์ และร้านซักผ้า และเรอนัวร์วาดภาพผู้หญิงและเด็กที่มีเสน่ห์ ในทิวทัศน์อิมเพรสชั่นนิสม์ที่สร้างขึ้นกลางแจ้ง ลวดลายที่เรียบง่ายในชีวิตประจำวันมักจะถูกเปลี่ยนด้วยแสงที่เคลื่อนไหวอย่างแพร่หลาย ทำให้เกิดความรู้สึกรื่นเริงให้กับภาพ ในเทคนิคบางอย่างของการสร้างองค์ประกอบและพื้นที่แบบอิมเพรสชั่นนิสม์ อิทธิพลของการแกะสลักแบบญี่ปุ่นและภาพถ่ายบางส่วนจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นคนแรกที่สร้างภาพชีวิตประจำวันของเมืองสมัยใหม่ที่หลากหลาย โดยรวบรวมความคิดริเริ่มของภูมิทัศน์และรูปลักษณ์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ในเมือง ชีวิต งาน และความบันเทิงของพวกเขา

โมเนต์ คล็อด ออสการ์หนึ่งในผู้ก่อตั้งอิมเพรสชันนิสม์ในภาพวาดของเขา ศิลปิน Monet ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1860 พยายามถ่ายทอดผ่านการวาดภาพแบบ Plein Air ถึงความแปรปรวนของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ความมีชีวิตชีวาที่เต็มไปด้วยสีสันของโลก ในขณะที่ยังคงรักษาความสดชื่นของยุคแรก ความประทับใจทางสายตาของธรรมชาติ จากชื่อภูมิทัศน์ของโมเนต์ “ความประทับใจ Rising Sun” (“Impression. Soleil levant”; 1872, Marmottan Museum, Paris) เป็นชื่อของอิมเพรสชันนิสม์ ในองค์ประกอบภูมิทัศน์ของเขา ("Boulevard of the Capuchins in Paris", 1873, "Rocks at Étretat", 1886 ทั้งในพิพิธภัณฑ์ Pushkin, มอสโก; "Field of Poppies", 1880, พิพิธภัณฑ์ State Hermitage, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) Monet สร้างขึ้นใหม่ การสั่นสะเทือนของแสงและอากาศด้วยความช่วยเหลือของจังหวะสีบริสุทธิ์แยกกันเล็กน้อยและโทนสีเพิ่มเติมของสเปกตรัมหลักโดยอาศัยการผสมผสานทางแสงในกระบวนการรับรู้ทางสายตา ในความพยายามที่จะจับภาพสภาวะการเปลี่ยนผ่านที่หลากหลายของธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวันและในสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ในปี พ.ศ. 2433 Monet ได้สร้างชุดภาพวาดที่มีรูปแบบต่างๆ บนพล็อตเรื่องเดียว (ชุดภาพวาด "อาสนวิหารรูอ็อง", พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐ ศิลปะตั้งชื่อตาม A. S. Pushkin, Moscow และการประชุมอื่น ๆ ) ช่วงปลายของงานของ Monet มีลักษณะเฉพาะคือการตกแต่ง ซึ่งเป็นการสลายรูปแบบวัตถุที่เพิ่มขึ้นด้วยการผสมผสานจุดสีที่ซับซ้อน

เดกาส เอ็ดการ์เริ่มต้นด้วยภาพวาดและภาพบุคคลในประวัติศาสตร์ที่มีองค์ประกอบที่เข้มงวด (“ครอบครัวเบลเลลลี่” ประมาณปี 1858) เดอกาส์ในช่วงทศวรรษ 1870 กลายมาใกล้ชิดกับตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ และหันมาวาดภาพชีวิตในเมืองสมัยใหม่ เช่น ถนน ร้านกาแฟ การแสดงละคร (“Place de ลาคองคอร์ด” ประมาณปี 1875; “Absinthe”, 1876) ในงานหลายชิ้น เดอกาส์แสดงให้เห็นพฤติกรรมและรูปลักษณ์ภายนอกของผู้คนซึ่งเกิดจากลักษณะเฉพาะของชีวิต เผยให้เห็นกลไกของท่าทาง ท่าทาง การเคลื่อนไหวของมนุษย์ ความงามแบบพลาสติกของเขา (“Ironers”, 1884) การยืนยันถึงความสำคัญทางสุนทรีย์ของชีวิตผู้คนและกิจกรรมในแต่ละวันของพวกเขา สะท้อนให้เห็นถึงความมีมนุษยธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของงานของ Degas ศิลปะของเดอกาส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างความสวยงาม บางครั้งก็น่าอัศจรรย์ และความธรรมดา: ถ่ายทอดจิตวิญญาณแห่งการเฉลิมฉลองของโรงละครในฉากบัลเล่ต์หลายฉาก ("Star", สีพาสเทล, 1878) ศิลปินในฐานะผู้สังเกตการณ์ที่สุขุมและละเอียดอ่อน สามารถบันทึกงานประจำวันที่น่าเบื่อซึ่งซ่อนอยู่เบื้องหลังการแสดงอันหรูหราไปพร้อมๆ กัน (“Dance Examination”, Pastel, 1880) ผลงานของ Degas ได้รับการตรวจสอบอย่างเข้มงวดและในเวลาเดียวกันก็มีไดนามิก องค์ประกอบมักจะไม่สมมาตร การวาดภาพที่ยืดหยุ่นได้อย่างแม่นยำ มุมที่ไม่คาดคิด ปฏิสัมพันธ์ที่แอคทีฟของรูปและพื้นที่ ผสมผสานความเป็นกลางที่ดูเหมือนและความสุ่มของลวดลายและสถาปัตยกรรมของภาพเข้ากับการคิดอย่างรอบคอบและ การคำนวณ ผลงานในช่วงหลังของเดอกาส์โดดเด่นด้วยความเข้มและความสมบูรณ์ของสีซึ่งเสริมด้วยเอฟเฟกต์ของแสงประดิษฐ์ การขยายใหญ่ขึ้น รูปแบบเกือบแบน และพื้นที่แคบ ทำให้พวกเขามีตัวละครที่น่าทึ่งอย่างมาก ("นักเต้นสีน้ำเงิน" สีพาสเทล) นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 เดอกาส์มีส่วนร่วมในงานประติมากรรมเป็นอย่างมาก โดยบรรลุถึงการแสดงออกในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในทันที ("นักเต้น", สีบรอนซ์)

เรอนัวร์ ปิแอร์ ออกุสต์ในปี พ.ศ. 2405-2407 เรอนัวร์ศึกษาที่ปารีสที่ Ecole des Beaux-Arts ซึ่งเขาใกล้ชิดกับเพื่อนร่วมงานในอนาคตของเขาในด้านอิมเพรสชันนิสม์ Claude Monet และ Alfred Sisley เรอนัวร์ทำงานในปารีส เยือนแอลจีเรีย อิตาลี สเปน ฮอลแลนด์ บริเตนใหญ่ และเยอรมนี ผลงานในช่วงแรกๆ ของเรอนัวร์ได้รับอิทธิพลจากกุสตาฟ กูร์เบต์ และผลงานของเอดูอาร์ด มาเนต์ในวัยเยาว์ ("โรงเตี๊ยมของแม่แอนโธนี", พ.ศ. 2409) ในช่วงเปลี่ยนผ่านของคริสต์ทศวรรษ 1860-1870 เรอนัวร์เปลี่ยนมาวาดภาพในที่โล่ง โดยรวมภาพมนุษย์ไว้ในสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศเปลี่ยนแปลง (“อาบน้ำในแม่น้ำแซน”, 1869) จานสีของ Renoir สว่างขึ้น ฝีแปรงไดนามิกแบบเบาจะโปร่งใสและสั่นสะเทือน สีจะอิ่มตัวด้วยปฏิกิริยาสะท้อนกลับของไข่มุกเงิน (“Lodge”, 1874) พรรณนาถึงตอนที่ดึงมาจากกระแสชีวิตสถานการณ์ชีวิตแบบสุ่ม Renoir ให้ความสำคัญกับฉากรื่นเริงของชีวิตในเมือง - ลูกบอลการเต้นรำการเดินราวกับว่าพยายามรวบรวมความสมบูรณ์ทางอารมณ์และความสุขของการเป็น (“ Moulin de la Galette” , พ.ศ. 2419) สถานที่พิเศษในงานของ Renoir ถูกครอบครองโดยภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่มีเสน่ห์และบทกวี: แตกต่างกันภายใน แต่ภายนอกคล้ายกันเล็กน้อยดูเหมือนว่าพวกเขาจะทำเครื่องหมายด้วยตราประทับทั่วไปของยุคนั้น ("After Dinner", 1879, "Umbrellas", พ.ศ. 2419 (ค.ศ. 1876) ภาพเหมือนของนักแสดงหญิงจีนน์ ซามารี พ.ศ. 2421) ในการวาดภาพเปลือย เรอนัวร์ใช้ดอกคาร์เนชั่นที่มีความซับซ้อนซึ่งหาได้ยาก โดยสร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างโทนสีเนื้อที่อบอุ่น กับการเลื่อนสีเขียวอ่อนและเงาสะท้อนสีเทาน้ำเงิน ทำให้ผ้าใบมีพื้นผิวเรียบและด้าน (“ผู้หญิงเปลือยนั่งอยู่บนโซฟา” , พ.ศ. 2419) เรอนัวร์เป็นนักวาดภาพสีที่โดดเด่น มักจะสร้างความประทับใจให้กับการวาดภาพขาวดำด้วยความช่วยเหลือของการผสมผสานโทนสีที่ใกล้เคียงกัน (“Girls in Black”, 1883) นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 1880 เรอนัวร์เริ่มให้ความสำคัญกับความชัดเจนแบบคลาสสิกและลักษณะทั่วไปของรูปแบบมากขึ้น ในภาพวาดของเขา ลักษณะของการตกแต่งและความเงียบสงบได้เพิ่มมากขึ้น ("Great Bathers", 1884-1887) ความพูดน้อย ความเบา และความโปร่งสบายของลายเส้นนั้นโดดเด่นด้วยภาพวาดและการแกะสลักจำนวนมาก (“Bathers”, 1895) โดย Renoir

มาเนต์ เอดูอาร์พัฒนาการของ Manet ในฐานะศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ Giorgione, Titian, Hals, Velazquez, Goya และ Delacroix ในผลงานของเขาในช่วงปลายทศวรรษที่ 1850 และต้นทศวรรษที่ 1860 ซึ่งก่อตัวเป็นแกลเลอรีที่ถ่ายทอดประเภทและตัวละครของมนุษย์อย่างคมชัด Manet ได้ผสมผสานความถูกต้องของภาพเหมือนจริงเข้ากับรูปลักษณ์ของนางแบบที่โรแมนติก (“Lola จากบาเลนเซีย” 1862) การใช้และตีความหัวข้อและลวดลายของภาพวาดของปรมาจารย์เก่าอีกครั้ง Manet พยายามเติมเนื้อหาที่เกี่ยวข้องบางครั้งก็เป็นวิธีที่น่าตกใจในการแนะนำภาพลักษณ์ของคนสมัยใหม่ให้กลายเป็นองค์ประกอบคลาสสิกที่มีชื่อเสียง (“Lunch on the Grass”, “ โอลิมเปีย” - ทั้ง 2406) ในช่วงทศวรรษที่ 1860 เอดูอาร์ด มาเนต์กล่าวถึงประเด็นสำคัญของประวัติศาสตร์สมัยใหม่ (“การประหารชีวิตของจักรพรรดิแม็กซิมิเลียน” ในปี 1867) แต่ความสนใจอย่างเจาะลึกของมาเนต์ต่อความทันสมัยปรากฏให้เห็นเป็นหลักในฉากที่ดูเหมือนจะถูกพรากไปจากกระแสชีวิตในแต่ละวัน ซึ่งเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการโคลงสั้น ๆ และความสำคัญภายใน (“ อาหารเช้าในสตูดิโอ”, “ระเบียง” - ทั้งปี 1868) เช่นเดียวกับในการถ่ายภาพบุคคลที่คล้ายกับพวกเขาในสภาพแวดล้อมทางศิลปะ (ภาพเหมือนของ Emile Zola, 1868, ภาพเหมือนของ Berthe Morisot, 1872) ด้วยผลงานของเขา Edouard Manet คาดการณ์ถึงการเกิดขึ้นของและจากนั้นก็กลายมาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1860 Manet ได้ใกล้ชิดกับ Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir และย้ายจากโทนสีหม่นและหนาแน่น สีเข้มที่มีความโดดเด่นของสีเข้ม ไปจนถึงสีอ่อนและการวาดภาพแบบอิสระ (“In the Boat”, พ.ศ. 2417 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน “ ในโรงเตี๊ยมของพ่อ Lathuile” พ.ศ. 2422) ผลงานหลายชิ้นของ Manet มีลักษณะพิเศษคือเสรีภาพในการวาดภาพแบบอิมเพรสชั่นนิสต์และการกระจายตัวขององค์ประกอบภาพ ซึ่งเป็นช่วงการสั่นที่มีสีสันอิ่มตัวของแสง (“Argenteuil”) ในเวลาเดียวกัน Manet ยังคงรักษาความชัดเจนของการวาดภาพโทนสีเทาและสีดำไม่ชอบภูมิทัศน์ แต่เป็นโครงเรื่องในชีวิตประจำวันที่มีพื้นฐานทางสังคมและจิตวิทยาที่เด่นชัด (การปะทะกันของความฝันและความเป็นจริงธรรมชาติแห่งความสุขในภาพลวงตา โลกที่เปล่งประกายและรื่นเริง - ในภาพวาดชิ้นสุดท้ายของ Manet เรื่อง "Bar at the Folies Bergere", พ.ศ. 2424-2425) ในช่วงทศวรรษที่ 1870-1880 Manet ทำงานอย่างมากในสาขาการวาดภาพบุคคลโดยขยายความเป็นไปได้ของประเภทนี้และเปลี่ยนให้เป็นการศึกษาโลกภายในของร่วมสมัย (ภาพเหมือนของ S. Mallarmé, 1876), วาดภาพทิวทัศน์และ สิ่งมีชีวิต ("Bouquet of Lilacs", 2426) ทำหน้าที่เป็นช่างเขียนแบบผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักและการพิมพ์หิน

ปิสซาโร คามิลล์ได้รับอิทธิพลจาก John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet Pissarro หนึ่งในปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชั่นนิสต์ชั้นนำในภูมิประเทศชนบทหลายแห่งได้เปิดเผยบทกวีและเสน่ห์ของธรรมชาติของฝรั่งเศสด้วยความช่วยเหลือของจานสีสีอ่อนของจิตรกรซึ่งเป็นการถ่ายทอดสถานะของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศอย่างละเอียดอ่อนเขาให้ เสน่ห์แห่งความสดชื่นสู่ลวดลายที่ไม่อวดดีที่สุด (“ Ploughed Land”, 1874; “ Wheelbarrow”, 1879) . ต่อจากนั้น Pissarro มักจะหันไปหาภูมิทัศน์ของเมือง (“Boulevard Montmartre”, 1897; “Opera Passage in Paris”, 1898) ในช่วงครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1880 บางครั้งปิสซาโรใช้เทคนิคการวาดภาพแบบนีโออิมเพรสชันนิสม์ ปิซาโรมีบทบาทสำคัญในการจัดนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ ในงานของเขา Camille Pissarro พยายามหลีกเลี่ยงการปรากฏของอากาศภายนอกอย่างรุนแรง เมื่อวัตถุดูเหมือนจะสลายไปในพื้นที่ที่มีแสงและอากาศกะพริบ (“Snow in Louveciennes”; “Street in Louveciennes”, 1873) ผลงานหลายชิ้นของเขาโดดเด่นด้วยความสนใจในการแสดงออกถึงลักษณะเฉพาะ แม้กระทั่งการวาดภาพบุคคล ซึ่งมีอยู่ในภูมิทัศน์ของเมือง (“View of Rouen”, 1898)

ซิสลีย์ อัลเฟรดได้รับอิทธิพลจาก Camille Corot ซิสลีย์เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสต์ชั้นนำ วาดภาพทิวทัศน์ที่ไม่โอ้อวดบริเวณชานเมืองปารีส โดดเด่นด้วยการแต่งบทเพลงที่ละเอียดอ่อน และคงไว้ด้วยชุดสีอ่อนที่สดใหม่และจำกัด ภูมิทัศน์ของ Sisley ถ่ายทอดบรรยากาศที่แท้จริงของ Ile-de-France ยังคงความโปร่งใสเป็นพิเศษและความนุ่มนวลของปรากฏการณ์ทางธรรมชาติในทุกฤดูกาล (“Little Square in Argenteuil”, 1872, “Flood in Marly”, 1876; “Frost in Louveciennes”, พ.ศ. 2416 “ชายป่าที่ฟงแตนโบล” พ.ศ. 2428)

ภาพธรรมชาติอันน่าหลงใหลโดยศิลปิน อัลเฟรด ซิสลีย์ พร้อมสัมผัสแห่งความโศกเศร้าเล็กน้อย ชวนให้หลงใหลด้วยการถ่ายทอดอารมณ์อันน่าทึ่งในช่วงเวลาหนึ่งๆ (“Bank of the Seine at Bougival”, 1876) ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1880 เป็นต้นมา ผลงานของซิสเล่ย์มีลักษณะเฉพาะของการตกแต่งที่มีสีสันเพิ่มมากขึ้น

บทสรุป:ปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์บันทึกความประทับใจชั่วขณะและพยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวนด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด E. Manet (อย่างเป็นทางการไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์), O. Renoir, E. Degas นำความสดชื่นและความเป็นธรรมชาติของการรับรู้ชีวิตมาสู่งานศิลปะ หันมาใช้การพรรณนาถึงสถานการณ์ที่เกิดขึ้นทันทีทันใดซึ่งพรากจากกระแสแห่งความเป็นจริง ชีวิตฝ่ายวิญญาณของ มนุษย์, การพรรณนาถึงความหลงใหลอันแรงกล้า, การสร้างจิตวิญญาณของธรรมชาติ, ความสนใจ

ในอดีตชาติความปรารถนาในรูปแบบศิลปะสังเคราะห์ผสมผสานกับแรงจูงใจของความเศร้าโศกของโลกความปรารถนาที่จะสำรวจและสร้าง "เงา" ด้าน "กลางคืน" ของจิตวิญญาณมนุษย์ขึ้นใหม่พร้อมกับ "การประชดโรแมนติก" อันโด่งดังซึ่งอนุญาต ความโรแมนติกที่จะเปรียบเทียบอย่างกล้าหาญและถือเอาเรื่องสูงและเรื่องต่ำ โศกนาฏกรรมและการ์ตูน เรื่องจริงและมหัศจรรย์ พวกเขาใช้ความเป็นจริงที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอันของสถานการณ์ ใช้เป็นชิ้นเป็นอัน โครงสร้างองค์ประกอบที่ไม่สมดุลเมื่อมองแวบแรก มุมที่ไม่คาดคิด มุมมอง ส่วนของตัวเลข ในช่วงทศวรรษที่ 1870–1880 ภูมิทัศน์ของอิมเพรสชั่นนิสต์ของฝรั่งเศสได้ก่อตั้งขึ้น: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley พัฒนาระบบอากาศที่สม่ำเสมอทำให้ภาพวาดของพวกเขามีความรู้สึกของแสงแดดที่ส่องประกายความมีชีวิตชีวาของสีสันของธรรมชาติ การละลายของรูปแบบในการสั่นของแสงและอากาศ

อิมเพรสชันนิสม์(อิมเพรสชันนิสม์ ความประทับใจแบบฝรั่งเศส - ความประทับใจ) เป็นความเคลื่อนไหวในการวาดภาพที่มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1860 และกำหนดพัฒนาการทางศิลปะเป็นส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 19 บุคคลสำคัญของการเคลื่อนไหวนี้คือ Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir และ Sisley และการมีส่วนร่วมของแต่ละคนในการพัฒนานั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อิมเพรสชั่นนิสต์ต่อต้านแบบแผนของลัทธิคลาสสิก แนวโรแมนติก และวิชาการ ยืนยันความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน แรงจูงใจที่เรียบง่ายและเป็นประชาธิปไตย บรรลุความถูกต้องที่มีชีวิตของภาพ และพยายามจับภาพ "ความประทับใจ" ของสิ่งที่ตาเห็นในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่ง

ธีมทั่วไปสำหรับอิมเพรสชั่นนิสต์คือทิวทัศน์ แต่พวกเขาก็สัมผัสกับธีมอื่นๆ ในงานของพวกเขาด้วย ตัวอย่างเช่น เดอกาส์วาดภาพการแข่งม้า นักบัลเล่ต์ และร้านซักผ้า และเรอนัวร์วาดภาพผู้หญิงและเด็กที่มีเสน่ห์ ในทิวทัศน์อิมเพรสชั่นนิสม์ที่สร้างขึ้นกลางแจ้ง ลวดลายที่เรียบง่ายในชีวิตประจำวันมักจะถูกเปลี่ยนด้วยแสงที่เคลื่อนไหวอย่างแพร่หลาย ทำให้เกิดความรู้สึกรื่นเริงให้กับภาพ ในเทคนิคบางอย่างของการสร้างองค์ประกอบและพื้นที่แบบอิมเพรสชั่นนิสม์ อิทธิพลของการแกะสลักแบบญี่ปุ่นและภาพถ่ายบางส่วนจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นคนแรกที่สร้างภาพชีวิตประจำวันของเมืองสมัยใหม่ที่หลากหลาย โดยรวบรวมความคิดริเริ่มของภูมิทัศน์และรูปลักษณ์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ในเมือง ชีวิต งาน และความบันเทิงของพวกเขา

อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้มุ่งมั่นที่จะจัดการกับปัญหาสังคมที่กดดัน ปรัชญา หรือความคิดสร้างสรรค์ที่น่าตกตะลึง โดยเน้นไปที่วิธีต่างๆ ในการแสดงความประทับใจในชีวิตประจำวันโดยรอบ พยายาม “มองเห็นช่วงเวลา” และสะท้อนอารมณ์

ชื่อ " อิมเพรสชันนิสม์" เกิดขึ้นหลังจากนิทรรศการในกรุงปารีสในปี พ.ศ. 2417 ซึ่งมีการจัดแสดงภาพวาด "ความประทับใจ" ของโมเนต์ Rising Sun" (พ.ศ. 2415; ภาพวาดนี้ถูกขโมยไปจากพิพิธภัณฑ์ Marmottan ในปารีสเมื่อปี พ.ศ. 2528 และปัจจุบันอยู่ในรายชื่อขององค์การตำรวจสากล)

มีการจัดนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์มากกว่าเจ็ดครั้งระหว่างปี พ.ศ. 2419 ถึง พ.ศ. 2429 เมื่อเสร็จสิ้นขั้นตอนหลัง มีเพียงโมเนต์เท่านั้นที่ยังคงปฏิบัติตามอุดมคติของอิมเพรสชันนิสม์อย่างเคร่งครัด “อิมเพรสชั่นนิสต์” เรียกอีกชื่อหนึ่งว่าศิลปินนอกประเทศฝรั่งเศส ซึ่งเขียนภายใต้อิทธิพลของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส (เช่น ชาวอังกฤษ F.W. Steer)

ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์:

เอ็ดการ์ เดอกาส์

คล็อด โมเน่ต์

ความประทับใจ(ความประทับใจแบบฝรั่งเศสจากความประทับใจ - ความประทับใจ) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 - ต้นทศวรรษที่ 1880 เป้าหมายหลักคือการถ่ายทอดความประทับใจที่หายวับไปและเปลี่ยนแปลงได้ อิมเพรสชันนิสม์มีพื้นฐานมาจากการค้นพบล่าสุดในด้านทัศนศาสตร์และทฤษฎีสี ในกรณีนี้เขาสอดคล้องกับจิตวิญญาณของลักษณะการวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์ของปลายศตวรรษที่ 19 อิมเพรสชันนิสม์แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพโดยให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการส่งผ่านสีและแสง

อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏในฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 ตัวแทนชั้นนำ ได้แก่ Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley และ Jean Frédéric Bazille Edouard Manet และ Edgar Degas จัดแสดงภาพวาดร่วมกับพวกเขา แม้ว่าสไตล์ผลงานของพวกเขาจะเรียกได้ว่าเป็นอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้ก็ตาม คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" มาจากชื่อภาพวาดของโมเนต์ ความประทับใจ. อาทิตย์อุทัย(พ.ศ. 2415, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ Marmottan) นำเสนอในนิทรรศการในปี พ.ศ. 2417 ชื่อเรื่องบอกเป็นนัยว่าศิลปินถ่ายทอดเพียงความประทับใจชั่วขณะต่อภูมิทัศน์ของเขา ในปัจจุบัน คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" เป็นที่เข้าใจกันอย่างกว้างขวางมากกว่าการมองเห็นเชิงอัตนัยของศิลปิน: เป็นการศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบ โดยหลักๆ ในแง่ของสีและแสง แนวคิดนี้ตรงกันข้ามกับความเข้าใจแบบดั้งเดิมเกี่ยวกับงานหลักของการวาดภาพซึ่งมีอายุย้อนกลับไปถึงยุคเรอเนซองส์ในการถ่ายทอดรูปร่างของวัตถุ เป้าหมายของอิมเพรสชั่นนิสต์คือการพรรณนาถึงสถานการณ์และการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในทันทีทันใดซึ่งดูเหมือนเป็น "แบบสุ่ม" สิ่งนี้อำนวยความสะดวกด้วยความไม่สมมาตร การกระจายตัวขององค์ประกอบภาพ และการใช้มุมที่ซับซ้อนและการตัดร่าง รูปภาพจะกลายเป็นเฟรมที่แยกจากกัน เป็นเพียงเศษเสี้ยวของโลกที่กำลังเคลื่อนไหว

ภูมิทัศน์และฉากจากชีวิตในเมือง - อาจเป็นประเภทภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีลักษณะเฉพาะที่สุด - ถูกวาด "ในบรรยากาศ" เช่น โดยตรงจากธรรมชาติ ไม่ใช่จากภาพร่างและภาพร่างขั้นเตรียมการ อิมเพรสชั่นนิสต์มองดูธรรมชาติอย่างใกล้ชิด โดยสังเกตเห็นสีและเฉดสีที่มักมองไม่เห็น เช่น สีฟ้าในเงามืด วิธีการทางศิลปะของพวกเขาประกอบด้วยการแยกโทนสีที่ซับซ้อนออกเป็นสีสเปกตรัมอันบริสุทธิ์ที่เป็นส่วนประกอบ ผลลัพธ์ที่ได้คือเงาสีและภาพวาดที่บริสุทธิ์ สว่าง และมีชีวิตชีวา อิมเพรสชั่นนิสต์ใช้สีในจังหวะที่แยกจากกัน บางครั้งใช้โทนสีที่ตัดกันในพื้นที่หนึ่งของภาพ ขนาดของจังหวะจะแตกต่างกันไป ตัวอย่างเช่น ในบางครั้ง เพื่อพรรณนาถึงท้องฟ้าที่แจ่มใส พวกมันจึงถูกเกลี่ยด้วยแปรงให้กลายเป็นพื้นผิวที่สม่ำเสมอยิ่งขึ้น (แต่แม้ในกรณีนี้ จะเน้นย้ำถึงลักษณะการวาดภาพที่อิสระและไร้ความเอาใจใส่) คุณสมบัติหลักของภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์คือเอฟเฟกต์ของการกะพริบของสี

Camille Pissarro, Alfred Sisley และ Claude Monet ชอบภูมิทัศน์และฉากในเมืองในงานของพวกเขา Auguste Renoir วาดภาพผู้คนในที่โล่งหรือภายในอาคาร ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มที่เป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสม์เพื่อทำให้เส้นแบ่งระหว่างแนวเพลงไม่ชัดเจน ภาพเหมือน บอลที่ Moulin de la Galette(ปารีส, Musée D'Orsay) หรือ อาหารเช้าของนักพายเรือ(1881, Washington, Phillips Gallery) เป็นความทรงจำที่มีสีสันของความสุขของชีวิต ในเมืองหรือในชนบท

การค้นหาที่คล้ายกันสำหรับการถ่ายทอดสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ การสลายตัวของโทนสีที่ซับซ้อนให้กลายเป็นสีบริสุทธิ์ของสเปกตรัมแสงอาทิตย์ ไม่เพียงเกิดขึ้นเฉพาะในฝรั่งเศสเท่านั้น อิมเพรสชั่นนิสต์ ได้แก่ James Whistler (อังกฤษและสหรัฐอเมริกา), Max Liebermann, Lovis Corinth (เยอรมนี), Joaquin Sorolla (สเปน), K.A. Korovin, I.E.

อิมเพรสชันนิสม์ในประติมากรรมหมายถึงการสร้างแบบจำลองที่มีชีวิตชีวาและอิสระของรูปแบบที่นุ่มนวลซึ่งสร้างการเล่นแสงที่ซับซ้อนบนพื้นผิวของวัสดุและความรู้สึกไม่สมบูรณ์ ท่าโพสจับช่วงเวลาแห่งการเคลื่อนไหวและพัฒนาการได้อย่างแม่นยำ ดูเหมือนว่าตัวเลขดังกล่าวจะถูกถ่ายทำโดยใช้กล้องที่ซ่อนอยู่ เช่น ในงานบางชิ้นของ E. Degas และ O. Rodin (ฝรั่งเศส), Medardo Rosso (อิตาลี), P. P. Trubetskoy (รัสเซีย)

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 แนวโน้มใหม่เกิดขึ้นในการวาดภาพซึ่งแสดงออกในการปฏิเสธความสมจริงและหันไปสู่สิ่งที่เป็นนามธรรม พวกเขาทำให้ศิลปินรุ่นเยาว์หันเหไปจากลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ อย่างไรก็ตาม ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ทิ้งมรดกอันยาวนานเอาไว้: โดยหลักแล้วความสนใจในเรื่องปัญหาเรื่องสี เช่นเดียวกับตัวอย่างของการฝ่าฝืนประเพณีอย่างกล้าหาญ

“โลกใหม่ถือกำเนิดขึ้นเมื่ออิมเพรสชั่นนิสต์วาดภาพ”

อองรี คาห์นไวเลอร์

ศตวรรษที่สิบเก้า ฝรั่งเศส. มีบางอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนเกิดขึ้นในการวาดภาพ ศิลปินรุ่นเยาว์กลุ่มหนึ่งตัดสินใจเขย่าประเพณีที่มีอายุ 500 ปี แทนที่จะวาดภาพที่ชัดเจน พวกเขาใช้จังหวะที่กว้างและ "เลอะเทอะ"

และพวกเขาก็ละทิ้งภาพปกติไปโดยสิ้นเชิงโดยแสดงภาพทุกคนในแถว และสุภาพสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย และสุภาพบุรุษผู้มีชื่อเสียงที่น่าสงสัย

ประชาชนไม่พร้อมสำหรับการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกเขาถูกเยาะเย้ยและดุด่า และที่สำคัญพวกเขาไม่ได้ซื้ออะไรจากพวกเขาเลย

แต่ความต้านทานก็ถูกทำลาย และอิมเพรสชั่นนิสต์บางคนมีชีวิตอยู่เพื่อดูชัยชนะของพวกเขา จริงอยู่ที่พวกเขาอายุเกิน 40 แล้ว เช่นเดียวกับ Claude Monet หรือ Auguste Renoir คนอื่นๆ รอการยอมรับเมื่อบั้นปลายชีวิตเท่านั้น เช่น Camille Pissarro บางคนไม่ได้มีชีวิตอยู่เพื่อดูเขา เช่นเดียวกับอัลเฟรด ซิสลีย์

พวกเขาแต่ละคนประสบความสำเร็จในการปฏิวัติอะไร? เหตุใดประชาชนจึงใช้เวลานานมากในการยอมรับพวกเขา? นี่คืออิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุด 7 คนที่รู้จักไปทั่วโลก

1. เอดูอาร์ด มาเน็ต (1832-1883)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนตนเองด้วยจานสี พ.ศ. 2421 ของสะสมส่วนตัว

มาเนต์มีอายุมากกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่ เขาเป็นแรงบันดาลใจหลักของพวกเขา

มาเนต์เองก็ไม่ได้อ้างว่าเป็นผู้นำคณะปฏิวัติ เขาเป็นคนฆราวาส ฉันฝันถึงรางวัลอย่างเป็นทางการ

แต่เขารอเป็นเวลานานมากในการรับรู้ สาธารณชนต้องการเห็นเทพีกรีกหรือหุ่นขี้ผึ้งอย่างแย่ที่สุด เพื่อจะได้ดูสวยงามในห้องอาหาร มาเนตรอยากวาดภาพชีวิตสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่น โสเภณี.

ผลลัพธ์ที่ได้คือ “อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” สาวสำรวยสองคนกำลังพักผ่อนอยู่ร่วมกับสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย หนึ่งในนั้นนั่งข้างชายแต่งตัวราวกับว่าไม่มีอะไรเกิดขึ้น

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาหารเช้าบนพื้นหญ้า พ.ศ. 2406 ปารีส

เปรียบเทียบ Luncheon on the Grass ของเขากับ Romans ของ Tom Couture ใน Decline ภาพวาดของกูตูร์สร้างความรู้สึก ศิลปินมีชื่อเสียงขึ้นมาทันที

“อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” ถูกกล่าวหาว่าหยาบคาย ไม่แนะนำให้สตรีมีครรภ์มองเธอโดยเด็ดขาด

โทมัส กูตูร์. ชาวโรมันกำลังเสื่อมถอย 2390 พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส artchive.ru

ในภาพวาดของกูตูร์ เราเห็นคุณลักษณะทั้งหมดของลัทธิวิชาการ (ภาพวาดแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 16-19) คอลัมน์และรูปปั้น บุคคลที่มีรูปร่างหน้าตาแบบ Apollonian สีปิดเสียงแบบดั้งเดิม กิริยาท่าทางและท่าทางต่างๆ เรื่องราวจากชีวิตอันห่างไกลของคนที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

“Breakfast on the Grass” ของมาเนตรมีรูปแบบที่แตกต่างออกไป ก่อนหน้าเขาไม่มีใครวาดภาพโสเภณีได้ง่ายขนาดนี้ ใกล้กับพลเมืองที่น่านับถือ แม้ว่าผู้ชายหลายคนในสมัยนั้นจะใช้เวลาว่างในลักษณะนี้ก็ตาม นี่คือชีวิตจริงของคนจริงๆ

เมื่อฉันวาดภาพผู้หญิงที่น่านับถือ น่าเกลียด. เขาไม่สามารถประจบเธอด้วยแปรงได้ คุณหญิงรู้สึกผิดหวัง เธอทิ้งเขาไว้ทั้งน้ำตา

เอดูอาร์ด มาเน็ต. แองเจลิน่า. พ.ศ. 2403 (ค.ศ. 1860) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

เขาจึงทำการทดลองต่อไป เช่น มีสี. เขาไม่ได้พยายามที่จะพรรณนาสิ่งที่เรียกว่าสีธรรมชาติ ถ้าเขาเห็นน้ำสีน้ำตาลเทาเป็นสีฟ้าสดใส เขาก็จะพรรณนาว่าเป็นสีฟ้าสดใส

แน่นอนว่าสิ่งนี้ทำให้ประชาชนหงุดหงิด “แม้แต่ทะเลเมดิเตอร์เรเนียนก็ไม่สามารถอวดอ้างได้ว่าเป็นสีฟ้าเหมือนกับน้ำของมาเน็ต” พวกเขาเหน็บ

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาร์เจนเตย. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ พ.ศ. 2417 เมืองตูร์เน ประเทศเบลเยียม วิกิพีเดีย.org

แต่ความจริงยังคงเป็นข้อเท็จจริง มาเนต์เปลี่ยนวัตถุประสงค์ของการวาดภาพอย่างสิ้นเชิง ภาพวาดกลายเป็นศูนย์รวมของความเป็นเอกเทศของศิลปินที่วาดภาพตามที่เขาต้องการ ลืมรูปแบบและประเพณี

นวัตกรรมไม่ได้รับการอภัยมาเป็นเวลานาน เขาได้รับการยอมรับเมื่อสิ้นสุดชีวิตเท่านั้น แต่เขาไม่ต้องการมันอีกต่อไป เขากำลังจะตายอย่างเจ็บปวดด้วยโรคที่รักษาไม่หาย

2. โกลด โมเนต์ (1840-1926)

คล็อด โมเน่ต์. ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์ พ.ศ. 2429 ของสะสมส่วนตัว

Claude Monet สามารถเรียกได้ว่าเป็นตำราอิมเพรสชั่นนิสต์ เนื่องจากพระองค์ทรงสัตย์ซื่อต่อทิศนี้ตลอดพระชนม์ชีพอันยืนยาว

เขาไม่ได้วาดภาพวัตถุและผู้คน แต่เป็นการสร้างไฮไลท์และจุดด้วยสีเดียว แยกจังหวะ. อาการสั่นของอากาศ

คล็อด โมเน่ต์. สระว่ายน้ํา. พ.ศ. 2412 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก metmuseum.org

โมเน่ต์ไม่เพียงแต่วาดภาพธรรมชาติเท่านั้น เขายังประสบความสำเร็จในภูมิทัศน์เมืองอีกด้วย หนึ่งในที่มีชื่อเสียงที่สุด - .

มีรูปถ่ายมากมายในภาพนี้ ตัวอย่างเช่น การเคลื่อนไหวถูกส่งผ่านภาพเบลอ

โปรดทราบ: ต้นไม้และรูปปั้นที่อยู่ห่างไกลดูเหมือนจะอยู่ในหมอกควัน

คล็อด โมเน่ต์. Boulevard des Capucines ในปารีส พ.ศ. 2416 (หอศิลป์ยุโรปและอเมริกาแห่งศตวรรษที่ 19-20) กรุงมอสโก

เบื้องหน้าเราคือช่วงเวลาที่เยือกแข็งในชีวิตที่จอแจของปารีส ไม่มีการแสดงละคร ไม่มีใครวางตัว ผู้คนถูกพรรณนาว่าเป็นชุดของฝีแปรง การขาดโครงเรื่องและเอฟเฟกต์ "หยุดภาพ" ดังกล่าวเป็นคุณสมบัติหลักของอิมเพรสชันนิสม์

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 ศิลปินเริ่มไม่แยแสกับอิมเพรสชันนิสม์ แน่นอนว่าสุนทรียภาพเป็นสิ่งที่ดี แต่การขาดโครงเรื่องทำให้หลายคนหดหู่

มีเพียงโมเนต์เท่านั้นที่ยังคงยืนหยัดต่อไป จึงพัฒนามาเป็นชุดภาพวาด

เขาวาดภาพทิวทัศน์เดียวกันหลายสิบครั้ง ในช่วงเวลาที่แตกต่างกันของวัน ในช่วงเวลาต่างๆของปี เพื่อแสดงให้เห็นว่าอุณหภูมิและแสงสามารถเปลี่ยนแปลงสิ่งมีชีวิตชนิดเดียวกันจนจำไม่ได้ได้อย่างไร

นี่คือลักษณะที่กองหญ้าจำนวนนับไม่ถ้วนปรากฏขึ้น

ภาพวาดโดย Claude Monet ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในบอสตัน ซ้าย: กองหญ้ายามพระอาทิตย์ตกดินใน Giverny พ.ศ. 2434 ขวา: กองหญ้า (เอฟเฟกต์หิมะ) พ.ศ. 2434

โปรดทราบว่าเงาในภาพวาดเหล่านี้เป็นสี และไม่ใช่สีเทาหรือสีดำตามธรรมเนียมก่อนอิมเพรสชั่นนิสต์ นี่เป็นอีกหนึ่งสิ่งประดิษฐ์ของพวกเขา

โมเนต์ประสบความสำเร็จและมีความอยู่ดีมีสุขทางวัตถุ หลังจากอายุ 40 เขาก็ลืมเรื่องความยากจนไปแล้ว มีบ้านและสวนสวย และเขาทำงานเพื่อความสุขของตัวเองเป็นเวลาหลายปี

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดที่โดดเด่นที่สุดของปรมาจารย์ในบทความ

3. ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841-1919)

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) สถาบันศิลปะสเตอร์ลิงและฟรานซีน คลาร์ก แมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา Pinterest.ru

อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นภาพวาดเชิงบวกที่สุด และสิ่งที่เป็นบวกมากที่สุดในบรรดาอิมเพรสชั่นนิสต์ก็คือเรอนัวร์

คุณจะไม่พบละครในภาพวาดของเขา เขาไม่ได้ใช้สีดำด้วยซ้ำ ความสุขของการเป็นเท่านั้น แม้แต่สิ่งที่ซ้ำซากที่สุดในเรอนัวร์ก็ยังดูสวยงาม

เรอนัวร์วาดภาพผู้คนบ่อยกว่าโมเนต์ ทิวทัศน์มีความสำคัญน้อยกว่าสำหรับเขา ในภาพเขียนเพื่อนและคนรู้จักของเขากำลังพักผ่อนและสนุกสนานกับชีวิต

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. อาหารเช้าของนักพายเรือ. พ.ศ. 2423-2424 ฟิลลิปส์คอลเลกชั่น, วอชิงตัน, สหรัฐอเมริกา วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

คุณจะไม่พบความลึกซึ้งใด ๆ ในเรอนัวร์ เขาดีใจมากที่ได้เข้าร่วมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งละทิ้งวิชาไปโดยสิ้นเชิง

ตามที่เขาพูดเอง ในที่สุดเขาก็มีโอกาสวาดดอกไม้และเรียกมันว่า "ดอกไม้" และอย่าสร้างเรื่องราวใดๆ เกี่ยวกับพวกเขา

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ผู้หญิงที่มีร่มอยู่ในสวน พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bormenis กรุงมาดริด arteuam.com

เรอนัวร์รู้สึกดีที่สุดเมื่ออยู่ร่วมกับผู้หญิง เขาขอให้สาวใช้ร้องเพลงและเล่นตลก ยิ่งเพลงโง่เขลาและไร้เดียงสามากเท่าไหร่ก็ยิ่งดีสำหรับเขาเท่านั้น และการพูดคุยของผู้ชายทำให้เขาเหนื่อย ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Renoir มีชื่อเสียงจากภาพเขียนเปลือยของเขา

แบบจำลองในภาพวาด “เปลือยในแสงแดด” ปรากฏโดยมีพื้นหลังแบบนามธรรมสีสันสดใส เพราะสำหรับ Renoir ไม่มีอะไรเป็นรอง ดวงตาของนางแบบหรือส่วนของพื้นหลังมีความเท่าเทียมกัน

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. เปลือยกลางแสงแดด พ.ศ. 2419 (ค.ศ. 1876) พิพิธภัณฑ์ออร์แซย์ ปารีส วิกิมีเดีย.commons.org

เรอนัวร์มีชีวิตที่ยืนยาว และฉันไม่เคยวางแปรงและจานสีเลย แม้ว่ามือของเขาจะถูกพันธนาการด้วยโรคไขข้อ แต่เขามัดแปรงไว้กับมือด้วยเชือก และเขาก็วาด

เช่นเดียวกับ Monet เขารอการได้รับการยอมรับหลังจากผ่านไป 40 ปี และฉันเห็นภาพวาดของฉันในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ถัดจากผลงานของปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียง

อ่านเกี่ยวกับหนึ่งในภาพวาดบุคคลที่มีเสน่ห์ที่สุดของ Renoir ในบทความ

4. เอ็ดการ์ เดอกาส์ (1834-1917)

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2406 (ค.ศ. 1863) พิพิธภัณฑ์ Calouste Gulbenkian ลิสบอน ประเทศโปรตุเกส วัฒนธรรม.com

เดอกาส์ไม่ใช่อิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิก เขาไม่ชอบทำงานกลางแจ้ง (กลางแจ้ง) คุณจะไม่พบจานสีที่สว่างขึ้นโดยเจตนากับเขา

ตรงกันข้ามเขาชอบเส้นที่ชัดเจน เขามีสีดำมากมาย และเขาทำงานเฉพาะในสตูดิโอเท่านั้น

แต่ถึงกระนั้นเขาก็มักจะถูกนำไปรวมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่คนอื่น ๆ อยู่เสมอ เพราะเขาเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์แห่งท่าทาง

มุมที่ไม่คาดคิด ความไม่สมดุลในการจัดเรียงวัตถุ ตัวละครประหลาดใจ นี่คือคุณลักษณะหลักของภาพวาดของเขา

เขาหยุดช่วงเวลาของชีวิตโดยไม่ยอมให้ตัวละครได้สัมผัส เพียงแค่ดูที่ "Opera Orchestra" ของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. วงโอเปร่า. พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส commons.wikimedia.org

เบื้องหน้าคือพนักเก้าอี้ นักดนตรีกลับมาหาเราแล้ว และในเบื้องหลังนักบัลเล่ต์บนเวทีไม่พอดีกับ "เฟรม" หัวของพวกเขาถูก "ตัด" อย่างไร้ความปราณีที่ขอบของภาพ

ดังนั้นนักเต้นคนโปรดของเขาจึงไม่ได้แสดงท่าทางที่สวยงามเสมอไป บางครั้งพวกเขาก็ยืดกล้ามเนื้อ

แต่การแสดงด้นสดดังกล่าวเป็นเพียงจินตนาการ แน่นอนว่าเดกาส์คิดอย่างรอบคอบผ่านองค์ประกอบเพลง นี่เป็นเพียงเอฟเฟกต์เฟรมหยุดนิ่ง ไม่ใช่เฟรมหยุดจริง

เอ็ดการ์ เดอกาส์. นักเต้นบัลเลต์สองคน พ.ศ. 2422 พิพิธภัณฑ์เชลเบิร์น เวอร์มุต สหรัฐอเมริกา

เอ็ดการ์ เดอกาส์ชอบวาดภาพผู้หญิง แต่ความเจ็บป่วยหรือลักษณะเฉพาะของร่างกายไม่อนุญาตให้เขาสัมผัสทางกายกับสิ่งเหล่านั้น เขาไม่เคยแต่งงาน ไม่มีใครเคยเห็นเขากับผู้หญิง

การไม่มีตัวตนจริงในชีวิตส่วนตัวของเขาได้เพิ่มความเร้าอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนและเข้มข้นให้กับภาพของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ดาราบัลเลต์. พ.ศ. 2419-2421 Musee d'Orsay ปารีส วิกิมีเดีย.comons.org

โปรดทราบว่าในภาพวาด "Ballet Star" มีเพียงภาพนักบัลเล่ต์เท่านั้น เพื่อนร่วมงานของเธอเบื้องหลังแทบมองไม่เห็น เพียงไม่กี่ขาเท่านั้น

นี่ไม่ได้หมายความว่าเดกาส์วาดภาพไม่เสร็จ นี่คือแผนกต้อนรับ เก็บเฉพาะสิ่งที่สำคัญที่สุดไว้ในโฟกัส ทำให้ส่วนที่เหลือหายไปอ่านไม่ออก

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดอื่น ๆ ของอาจารย์ในบทความ

5. เบอร์ธ มอริซอต (1841-1895)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนของ Berthe Morisot พ.ศ. 2416 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

Berthe Morisot ไม่ค่อยถูกจัดให้อยู่ในอันดับแรกของนักอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ ฉันแน่ใจว่ามันไม่สมควร ในงานของเธอคุณจะได้พบกับคุณสมบัติหลักและเทคนิคทั้งหมดของอิมเพรสชั่นนิสม์ และถ้าคุณชอบสไตล์นี้คุณจะต้องรักงานของเธออย่างสุดใจ

Morisot ทำงานอย่างรวดเร็วและเร่งรีบโดยถ่ายทอดความประทับใจของเธอไปยังผืนผ้าใบ ร่างเหล่านั้นดูเหมือนจะสลายไปในอวกาศ

เบิร์ธ มอริซอต. ฤดูร้อน. 2423 พิพิธภัณฑ์ Fabray, มงต์เปลลิเยร์, ฝรั่งเศส

เช่นเดียวกับเดกาส์ เธอมักจะทิ้งรายละเอียดบางอย่างไว้ไม่เสร็จ และแม้กระทั่งส่วนต่างๆ ของร่างกายนางแบบ เราไม่สามารถแยกแยะมือของหญิงสาวในภาพวาด "ฤดูร้อน" ได้

เส้นทางสู่การแสดงออกของ Morisot นั้นยากลำบาก เธอไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพที่ "ประมาท" เท่านั้น เธอยังคงเป็นผู้หญิง ในสมัยนั้นผู้หญิงควรจะฝันถึงการแต่งงาน หลังจากนั้นงานอดิเรกก็ถูกลืมไป

ดังนั้นเบอร์ธาจึงปฏิเสธการแต่งงานเป็นเวลานาน จนกระทั่งเธอได้พบกับผู้ชายที่เคารพในอาชีพของเธอ Eugene Manet เป็นน้องชายของศิลปิน Edouard Manet เขาถือขาตั้งและวาดภาพด้านหลังภรรยาของเขาตามหน้าที่

เบิร์ธ มอริซอต. Eugene Manet กับลูกสาวของเขาในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

แต่ถึงกระนั้นนี่ก็เป็นในศตวรรษที่ 19 ไม่ ฉันไม่ได้สวมกางเกงโมริซอต แต่เธอไม่สามารถมีอิสระในการเคลื่อนไหวได้อย่างสมบูรณ์

เธอไม่สามารถไปทำงานคนเดียวในสวนสาธารณะได้หากไม่มีคนใกล้ตัวไปด้วย ฉันไม่สามารถนั่งคนเดียวในร้านกาแฟได้ ดังนั้นภาพวาดของเธอจึงเป็นภาพวาดของคนในแวดวงครอบครัว สามี ลูกสาว ญาติ พี่เลี้ยงเด็ก

เบิร์ธ มอริซอต. ผู้หญิงกับลูกในสวนในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์แห่งชาติเวลส์ คาร์ดิฟฟ์

โมริซอตไม่ได้รอการรับรู้ เธอเสียชีวิตเมื่ออายุได้ 54 ปีด้วยโรคปอดบวม โดยไม่ได้ขายงานใดๆ เลยตลอดช่วงชีวิตของเธอ ในใบมรณะบัตรของเธอ มีขีดกลางอยู่ในคอลัมน์ "อาชีพ" เป็นไปไม่ได้เลยที่ผู้หญิงจะถูกเรียกว่าศิลปิน แม้ว่าเธอจะเป็นอย่างนั้นจริงๆ

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดของอาจารย์ในบทความ

6. คามิลล์ ปิสซาร์โร (1830 – 1903)

คามิลล์ ปิสซาโร. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิพีเดีย.org

คามิลล์ ปิสซาโร. ไม่ขัดแย้ง มีเหตุผล หลายคนมองว่าเขาเป็นครู แม้แต่เพื่อนร่วมงานที่เจ้าอารมณ์ที่สุดก็ไม่ได้พูดจาไม่ดีกับปิซาโร

เขาเป็นผู้ติดตามอิมเพรสชันนิสม์อย่างซื่อสัตย์ ด้วยความต้องการอย่างมาก โดยมีภรรยาและลูกห้าคน เขายังคงทำงานหนักในสไตล์ที่เขาชื่นชอบ และเขาไม่เคยเปลี่ยนมาวาดภาพร้านเสริมสวยเพื่อให้ได้รับความนิยมมากขึ้น ไม่มีใครรู้ว่าเขามีพลังที่จะเชื่อมั่นในตัวเองอย่างเต็มที่จากที่ไหน

เพื่อไม่ให้ตายจากความหิวโหยเลย Pissarro วาดภาพแฟนๆ ซึ่งซื้อมาอย่างกระตือรือร้น แต่การยอมรับอย่างแท้จริงมาถึงเขาหลังจาก 60 ปี! ในที่สุดเขาก็สามารถลืมความต้องการของเขาได้

คามิลล์ ปิสซาโร. Stagecoach ในลูฟวร์เซียนส์ พ.ศ. 2412 (ค.ศ. 1869) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

อากาศในภาพวาดของปิสซาโรมีความหนาและหนาแน่น การผสมผสานระหว่างสีและปริมาตรที่ไม่ธรรมดา

ศิลปินไม่กลัวที่จะวาดภาพปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลงได้มากที่สุดซึ่งปรากฏขึ้นครู่หนึ่งและหายไป หิมะแรก พระอาทิตย์ที่หนาวจัด เงาทอดยาว

คามิลล์ ปิสซาโร. น้ำแข็ง. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือทิวทัศน์ของปารีส ด้วยถนนกว้างใหญ่และฝูงชนที่พลุกพล่าน ในเวลากลางคืนในระหว่างวันในสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ในบางแง่สิ่งเหล่านี้สะท้อนถึงชุดภาพวาดของโกลด โมเนต์