ความสมจริงกลายเป็นรูปแบบศิลปะชั้นนำของศิลปะฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 โดยเข้ามาแทนที่แนวโรแมนติก
สาเหตุของการพัฒนาความสมจริงในการวาดภาพฝรั่งเศส: ชัยชนะของลัทธิปฏิบัตินิยมในจิตสำนึกสาธารณะ, ความเหนือกว่าของมุมมองวัตถุนิยม, บทบาทที่โดดเด่นของวิทยาศาสตร์ ผลงานของ Honoré Daumier, Francois Millet และ Gustave Courbet: การเกิดขึ้นของธีมใหม่และฮีโร่ใหม่
ความคิดสร้างสรรค์ของ Honore Daumier(1808 – 1879) ความสมจริงเชิงวิพากษ์ การเปลี่ยนไปใช้ถ้อยคำเสียดสีในชีวิตประจำวันในช่วงกลางทศวรรษที่ 1830 ผลงานกราฟิกของศิลปิน: ผู้เชี่ยวชาญด้านการพิมพ์หิน: "Gargantua" 1832(1), "Legislative Womb" 1834(2), "Transnonen Street" (1834)
1 2 
ซีรี่ส์ 1835-1848: "ประเภทฝรั่งเศส", "การผจญภัยของ Robert Macker" 2379 - 2381 (1) การเรียนรู้ลักษณะทั่วไปความลึกของลักษณะทางจิตวิทยาของภาพ รัฐมนตรีกีโซต์พ่นสโลแกน “รวย!” Daumier ตอบสนองต่อสิ่งนี้ด้วยการสร้างภาพลักษณ์ของ Robert Macaire นักต้มตุ๋นคนโกงนักเก็งกำไร “RoberMaker – ผู้เล่นแลกเปลี่ยน” (2)
1 
2 
ในทางกลับกัน มีการค้นหาภาพเชิงบวกที่กล้าหาญในความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน
การอนุมัติฮีโร่ใหม่ - ตัวแทนของชนชั้นล่างในเมืองคนทำงาน: "The Laundress" (2403-2405), Nosha ("Laundress"), "The Lover of แกะสลัก" (1856), "The Third Class Carriage" ( พ.ศ. 2398-2403)
1 
2 
3 
ลักษณะที่น่าเศร้าและโรแมนติกของความคิดสร้างสรรค์ช่วงปลาย: “Don Quixote และ Sancho Panso” 1867-1868 (1,2)
1 
2 
3 
Honore Daumier เข้าสู่ประวัติศาสตร์แห่งวิจิตรศิลป์ในฐานะศิลปินกราฟิกระดับปรมาจารย์และนักวาดภาพล้อเลียนที่โดดเด่น ในขณะเดียวกัน ชายที่ไม่ธรรมดาคนนี้มักถูกดึงดูดด้วยการวาดภาพเสมอ แต่เนื่องจากภาระงานหนักในนิตยสาร เขาจึงไม่สามารถทำตามความปรารถนาของเขาได้เสมอไป ทุกวันนี้นักประวัติศาสตร์ศิลปะมีมติเป็นเอกฉันท์ - การมีส่วนร่วมในการวาดภาพของ Daumier ก็มีความสำคัญมากเช่นกัน ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือผลงานชุดที่อุทิศให้กับ Don Quixote ภาพลักษณ์ของเขาในฐานะคนที่ตลกขบขันและอ่อนแอทางร่างกายซึ่งสัมผัสได้ถึงความอยุติธรรมของโลกรอบตัวเขาอย่างเฉียบแหลมและแสดงให้เห็นถึงความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณเมื่อเปรียบเทียบกับความอ่อนแอของร่างกาย Daumier ถ่ายทอดในรูปแบบดั้งเดิมมาก ผู้เขียนละทิ้งเส้นที่ชัดเจนและภาพที่สมจริง - ฮีโร่ไม่มีใบหน้าเขาเป็นคนประเภทแทนที่จะเป็นเสื้อผ้าที่มีลายเส้นทั่วไปพื้นผิวของสภาพแวดล้อมแทบจะมองไม่เห็น - เขาไม่มีเครื่องหมายของยุคสมัยซึ่งเป็นอมตะ พิมพ์. Daumier สาธิตศิลปะอันแปลกประหลาดเพื่อถ่ายทอดลักษณะทางอารมณ์ของภาพได้อย่างแม่นยำ ดูเหมือนว่าปรมาจารย์ต้องการจะพูดว่า: ร่างของมนุษย์ไม่สำคัญอย่างยิ่งที่นี่ - เขามุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดสาระสำคัญที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของ Don Quixote แต่สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดคือด้วยลักษณะทั่วไปนี้ผู้เขียนสามารถถ่ายทอดตัวละครวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงระดับโลกได้อย่างสมจริงและอารมณ์ เมื่อเทียบกับฉากหลังของภูมิประเทศของสเปน จู้จี้จุกจิกชวนให้นึกถึงม้าอย่างคลุมเครือ แต่อัศวินตัวจริงนั่งบนหลังม้าด้วยท่าทางที่น่าภาคภูมิใจและมีหอกบางชี้ขึ้นไปบนท้องฟ้า Honore Daumiesam รู้สึกอย่างดีและประสบกับความอยุติธรรมและความโหดร้าย ในการพรรณนาของ Don Quixote เขาปฏิเสธการวาดภาพที่แน่นอน เขาต้องการการทำให้ภาพกว้างที่สุดเพราะตัวเราเองสามารถมองเห็นสิ่งที่มองเห็นได้ - อาจารย์เผยให้เห็นสิ่งที่มองไม่เห็นแก่เราและนี่คือคุณค่าหลักของการตีความพิเศษของเขา ของดอนกิโฮเต้ร่วมกับเขา ไม่มีที่สิ้นสุดการเดินทางอันสูงส่ง หนทางอันเป็นจุดหมาย นักฝันผู้ยิ่งใหญ่ผู้ศรัทธาในความดีและความยุติธรรมอย่างจริงใจ
1 
2 
ฌอง ฟรองซัวส์ มิลเลต์(พ.ศ. 2357-2418) - จิตรกรสัจนิยมชาวฝรั่งเศสที่โดดเด่น แวนโก๊ะชื่นชมผลงานของเขาและวาดภาพบางส่วนในแบบของเขาเองด้วยซ้ำ ภาพวาดแรงงานในชนบท: “Ear Gatherers” 1857(1), “Man with a Hoe” (1863) "ผู้เก็บเกี่ยวที่เหลือ" 2393 (3)
1 
2 
3 
การสร้างภาพบทกวีของชาวนา - "แองเจลัส" 2401-2402(1) "พักผ่อนยามบ่าย" 2409 (2)
1 
2 
ภาพวาด "แองเจลัส" มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ - ตั้งชื่อตามคำแรกของคำอธิษฐานตอนเย็น "เทวดาของพระเจ้า" เสียงระฆังโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งมองเห็นได้บนขอบฟ้าพบครอบครัวชาวนาในทุ่งนา งานของพวกเขาหนักและการเก็บเกี่ยวก็ย่ำแย่ พวกเขาไม่มีเวลากลับไปทำบุญตอนเย็น แต่พวกเขาขอบคุณสำหรับวันสวดมนต์เย็นที่นี่ ยามพระอาทิตย์ตกดินในทุ่งกว้างใหญ่อันไม่มีที่สิ้นสุด คำอธิษฐานแสดงความกตัญญูต้องใช้ความลึกและความถูกต้อง ภาพชีวิตที่เรียบง่ายและชอบธรรมเป็นหนึ่งเดียวกับโลก ในไม่ช้ามันก็ไม่เพียงแต่มีชื่อเสียงที่สุดเท่านั้น แต่ยังมีราคาแพงที่สุดอีกด้วย ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์และสมาคมตัวแทนขายอเมริกันได้แข่งขันกันเพื่อประมูล ในที่สุดภาพนี้ก็ถูกส่งไปที่อเมริกา และในไม่ช้าก็มีการทำซ้ำภาพนี้แขวนอยู่ในบ้านไร่ทุกหลัง อย่างไรก็ตาม ต่อมาเธอกลับไปฝรั่งเศสและเข้ารับตำแหน่งที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ในขณะเดียวกัน ข้าวฟ่างเองก็ได้รับเพียงหนึ่งในร้อยของยอดทั้งหมดเท่านั้น
ภาพวาดของข้าวฟ่าง ในช่วงบั้นปลายชีวิตเขาตกหลุมรักการวาดภาพทิวทัศน์ของ Millet: “กองหญ้า: ฤดูใบไม้ร่วง” พ.ศ. 2416 (1), ภูมิทัศน์ฤดูใบไม้ผลิ (2), ภูมิทัศน์ฤดูหนาวพร้อมอีกา (3), วิวทะเลจำนวนหนึ่ง เขาวาดภาพอย่างรวดเร็วระหว่างเดินเล่น จากนั้นจึงสร้างทิวทัศน์ในสตูดิโอจากความทรงจำ
1 
2 
3 
ข้าวฟ่างเกิดในครอบครัวชาวนา และแม้ว่าเขาจะอาศัยอยู่มากในปารีส แต่ธีมของการทำงานและชีวิตในชนบทยังคงเป็นศูนย์กลางในงานของเขา ภาพวาดชิ้นแรกของเขาที่จัดแสดงที่ Paris Salon "The Winnower" (1) นั้นมีรูปแบบขนาดเล็ก แต่ก็ดึงดูดความสนใจของผู้ชมในเมืองหลวงได้ทันที มิลลาสามารถถ่ายทอดความหมายที่สมบูรณ์ความเงียบภายในพิเศษและความสมบูรณ์ของชีวิตบุคคลที่เชื่อมต่อกับโลก การกระทำทั้งหมดของแรงงานชาวนาเต็มไปด้วยความหมายที่เรียบง่าย สมเหตุสมผล และมีความสำคัญในข้าวฟ่าง “The Winnower: After Millet” โดย Van Gogh (2)
1 
2 
ผลงานของกุสตาฟ กูร์เบต์(พ.ศ. 2362-2420) การต่อสู้กับขบวนการ “ซาลอน” เพื่องานศิลปะที่สมจริง ภาพเหมือนตนเองของศิลปิน: “ภาพเหมือนตนเองกับสุนัข” 2387 (1), “สวัสดีคุณ Courbet!” ("การประชุม"). ภาพความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน
1 
2 
“พักผ่อนยามบ่ายใน Ornans” 1849 – เล่นดนตรี (1) การยืนยันสาระสำคัญของโลก การตีความมหากาพย์และยิ่งใหญ่ของภาพวาดประเภท: "The Stone Crusher" 1849(2), "Funeral at Ornans" (1849) - การแสดงภาพที่สดใสและเป็นจริงของสังคมชนชั้นกลางประเภทต่างๆ
1 
2 
ธีมชาวนาในผลงานของ Courbet: "The Winnowers" 1854(1) ลักษณะทางโปรแกรมของภาพวาด "The Artist's Workshop" 1855(2) น้ำหนักวัสดุและความเป็นรูปธรรมของภาพวาดของ Courbet ความหนาแน่นของสี
1 
2 
ความสมจริงของศตวรรษที่ 19 มีพื้นฐานอยู่บนหลักการของประชาธิปไตย ศิลปินสนับสนุนขบวนการคนงานและชาวนาที่ปกป้องสิทธิในสภาพความเป็นอยู่ที่ดีในงานของพวกเขา เมื่อเปรียบเทียบกับสังคมศักดินาแล้วเงื่อนไขเหล่านี้ยังคงยากไม่น้อยและบางครั้งก็ยากกว่านั้นด้วยการเกิดขึ้นของชนชั้นแรงงานและชนชั้นกระฎุมพี ผู้คนถูกกำหนดให้ต้องปลูกพืชในโรงทำงานหรือโรงงานซึ่งสำหรับพวกเขามีเพียงระบอบการปกครองเสมือนเรือนจำ การบำรุงรักษาน้อยและแรงงานไม่มีที่สิ้นสุด
ลักษณะที่เป็นข้อขัดแย้งของศิลปะยุคปลาย สัมผัสถึงความซาลอนในผลงานบางชิ้นของศิลปิน การมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในประชาคมปารีส - รัฐบาลปฏิวัติของปารีสในช่วงเหตุการณ์ปี 1871 เมื่อไม่นานหลังจากการสงบศึกกับปรัสเซียในช่วงสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซียน ความไม่สงบเริ่มขึ้นในปารีส ส่งผลให้เกิดการปฏิวัติและการสถาปนาการปกครองตนเองซึ่ง กินเวลา 72 วัน (ตั้งแต่วันที่ 18 มีนาคมถึง 28 พฤษภาคม) กรณีแรกในประวัติศาสตร์ของการสถาปนา "เผด็จการของชนชั้นกรรมาชีพ" - การปกครองของชนชั้นแรงงาน
ความสำคัญของงานของ Courbet และอิทธิพลที่มีต่อศิลปะยุโรป: เขาสร้างสุนทรียภาพใหม่ที่พิสูจน์คุณค่าของงานศิลปะในชีวิตประจำวันและทุกวัน และยังสร้างความสมจริงเชิงวิพากษ์ในการวาดภาพฝรั่งเศส แสดงให้เห็นประเภทสังคมของชนชั้นแรงงาน วิถีชีวิต กับการทำงานหนักในแต่ละวัน เขาวิพากษ์วิจารณ์ระบบสังคมที่ไม่ยุติธรรมซึ่งตัวแทนของชนชั้นกระฎุมพีซึ่งส่วนใหญ่ร่ำรวยจากการเก็งกำไร แสวงประโยชน์จากแรงงานของคนงานโดยไม่ได้จัดหาปัจจัยที่จำเป็นสำหรับชีวิตที่มีคุณภาพ เพราะเหตุนี้คนที่ทำงานหนักจึงไม่ได้รับประโยชน์จากผลไม้ จากการงานของพวกเขาและยังคงยากจนอยู่
ตัวแทนที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของความสมจริงของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 ก็คือ เอดูอาร์ด มาเน็ตมีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของอิมเพรสชั่นนิสต์
หัวข้อบทเรียน: ความสมจริงเชิงวิพากษ์ในจิตรกรรมฝรั่งเศสสมัยศตวรรษที่ 19
เป้า : เพื่อแนะนำนักเรียนเกี่ยวกับแนวคิดของความสมจริงเชิงวิพากษ์เพื่อวิเคราะห์ผลงานของตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของขบวนการทางศิลปะในสายวิจิตรศิลป์
สิบเก้าศตวรรษ: Honore Daumier, Gustave Courbet, Jean Francois Millet
เพื่อค้นหาว่าศิลปินแนวสัจนิยมต้องการดึงดูดความสนใจของสังคมด้วยภาพวาดของพวกเขาอย่างไร
เพื่อพิสูจน์ว่าศิลปะที่เหมือนจริงซึ่งพยายามนำเสนอสภาพแวดล้อมที่แม่นยำนั้นได้เปิดเผยความเป็นจริงของชนชั้นกลางโดยไม่รู้ตัว
เรียนรู้ที่จะเข้าใจงานศิลปะและถ่ายทอดความประทับใจที่มีต่องานศิลปะเหล่านั้น
อุปกรณ์บทเรียน: การติดตั้งมัลติมีเดีย
การทำสำเนาภาพวาดโดย Daumier:
การทำสำเนาภาพวาดโดย Millet:
การทำซ้ำภาพวาดโดย Courbet
การแนะนำตัวของครู
เสียงปืนและควันของการสู้รบเริ่มขึ้นในฝรั่งเศสสิบเก้าศตวรรษ
ศิลปะของแต่ละยุคและประเทศมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสภาพทางประวัติศาสตร์ คุณลักษณะ และระดับการพัฒนาของบุคคลแต่ละบุคคล ถูกกำหนดโดยคำสอนทางการเมือง เศรษฐกิจ ศาสนา และปรัชญา และสะท้อนถึงปัญหาเร่งด่วนของสังคม ในขณะเดียวกัน ศิลปะก็ดำรงชีวิตและพัฒนาไปตามกฎเกณฑ์ของตัวเอง แก้ปัญหาทางศิลปะของตัวเองโดยรวมตัวกันไปในทิศทางต่างๆ เราได้ศึกษาบางส่วนแล้ว และในบทนี้เราจะทำความคุ้นเคยกับทิศทางศิลปะอื่นในวิจิตรศิลป์และวิเคราะห์ผลงานของตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของทิศทางนี้
ตอนนี้ดูที่ตารางและพิจารณาว่าทิศทางใดในงานศิลปะที่อธิบายไว้ในแต่ละคอลัมน์
ลัทธิคลาสสิกซึ่งมีลัทธิเหตุผลและแนวคิดเรื่องหน้าที่ต่อรัฐถูกต่อต้านโดยความปรารถนาที่จะมีอิสรภาพอย่างไม่ จำกัด ของแต่ละบุคคลและการพัฒนาตนเองทางจิตวิญญาณ
ครู. ดูภาพวาดและพิจารณาว่าภาพเขียนเหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของการเคลื่อนไหวใดของคุณ และใครเป็นผู้เขียนภาพเขียนเหล่านี้สไลด์
นิโคลัส ปูสซิน. (คลาสสิก)
"เต้นรำไปกับเสียงเพลงแห่งกาลเวลา"
2. ยูจีน เดอลาครัวซ์ (ความโรแมนติก)
"หมู่บ้านเล็ก ๆ และฮอเรซในสุสาน" 2382
"การล่าสิงโตในโมร็อกโก" 2397
3.ธีโอดอร์ เจริโคลท์ (แนวโรแมนติก)
“เจ้าหน้าที่ของทหารพรานขี่ม้าขององครักษ์ของจักรพรรดิเข้าโจมตี” พ.ศ. 2355 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ปารีส.
"แพแห่งเมดูซ่า"
ครู. ภารกิจต่อไปคือการควบคุมตนเอง จับคู่ความสอดคล้องระหว่างองค์ประกอบของภาพนี้
ครู.
ตรวจสอบคำตอบของคุณและบอกฉันว่าคุณทำผิดไปกี่ครั้ง
คำตอบ ก) 2
ข) 4
ข) 1.3
ง) 5
ครู . พวกเราได้ทำความคุ้นเคยกับผลงานของตัวแทนแนวโรแมนติก คุณจำและชอบผลงานของใครมากที่สุด?
ตัวอย่างคำตอบของนักเรียน
อ. ดูมาส์
วี. ฮิวโก้
นักเขียนสตรี
ชาร์ลสดิกเกนส์
ยูจีน เดลาครัวซ์. “เสรีภาพนำพาประชาชน”
ครู. ทีนี้ลองดูภาพวาดเหล่านี้แล้วบอกฉันว่ามันอยู่ในรูปแบบศิลปะแบบไหน?
สไลด์ ภาพวาดโดยฌอง ฟรองซัวส์ มิลเลต์ (ความสมจริง)
การวิเคราะห์ภาพเขียน
“เครื่องหวีขนแกะ”
“ชาวนากำลังโปรยหญ้าแห้ง”
"นักขุด"
(ภาพวาดแสดงถึงการใช้แรงงานหนักที่ไม่ได้ทาสี)
ครู. หากนักคลาสสิกกำลังมองหาวีรบุรุษในสมัยโบราณ พวกโรแมนติกก็เลือกเป็นวีรบุรุษที่สดใสและเป็นคนที่ไม่ธรรมดาซึ่งแสดงในสถานการณ์พิเศษ จากนั้นศิลปินที่ผลงานที่เราจะคุ้นเคยในวันนี้ได้ทำให้ธีมหลักของงานศิลปะของพวกเขาเป็นแบบร่วมสมัยโดยยุ่งกับกิจวัตรประจำวัน ด้วยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาเองที่ทำเครื่องหมายการเกิดขึ้นของทิศทางใหม่ในงานศิลปะ - ความสมจริง
เราเขียนคำจำกัดความในคอลัมน์ที่สามของตาราง
สไลด์ ความสมจริง
สไตล์ในงานศิลปะที่กำหนดหน้าที่ในการสะท้อนความเป็นจริงที่สมบูรณ์และเพียงพอที่สุด
คุณคิดว่าชื่อนี้มาจากคำอะไร? (จริงจริง)
ครู. พวกคุณบอกฉันหน่อยว่าสังคมแบบไหนที่มาแทนที่สังคมดั้งเดิม? (สังคมอุตสาหกรรม).
ครู. กระบวนการนี้สงบสุขหรือไม่? (มันมาพร้อมกับสงคราม การปฏิวัติ การลุกฮือ)
ครู. มันเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบทางสังคมของสังคมและความขัดแย้งอย่างเฉียบพลันระหว่างชั้นต่างๆ ของมัน ช่วงเวลาแห่งการก่อตัวของค่านิยมใหม่ของสังคม ในโลกที่เปลี่ยนแปลงไปนี้ ฮีโร่โรแมนติกไม่พบที่ของเขา นักสัจนิยมมองว่าฮีโร่ของพวกเขาเป็นผลมาจากสังคมที่มีความลับอันน่าเกลียดและความชั่วร้ายที่ชัดเจนมากมาย และศิลปินได้มอบหมายให้งานศิลปะของตนมีบทบาทในการวิจารณ์สังคมนี้ ดังนั้นจึงเรียกว่าทิศทางการสร้างสรรค์ใหม่นี้ความสมจริงเชิงวิพากษ์
ตัวแทนแห่งความสมจริงที่ใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส ได้แก่ Gustave Courbet, Honore Daumier, Ferdinand Millet
ประวัติศาสตร์แห่งความสมจริงในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะนั้นเชื่อมโยงกับการวาดภาพทิวทัศน์ในฝรั่งเศส โดยมีโรงเรียนที่เรียกว่าบาร์บิซอน บาร์บิซอนเป็นหมู่บ้านที่ศิลปินมาวาดภาพทิวทัศน์ในชนบท พวกเขาค้นพบความงามของธรรมชาติของฝรั่งเศส ความงามของแรงงานชาวนา ซึ่งเป็นการหลอมรวมของความเป็นจริงและกลายเป็นสิ่งแปลกใหม่ในงานศิลปะ
บุคคลสำคัญในงานศิลปะสมจริงของฝรั่งเศสคือ Gustave Courbet อย่างไม่ต้องสงสัย
สุนทรพจน์โดยนักเรียนที่มีงานขั้นสูงเกี่ยวกับงานของ Courbet
(กุสตาฟ กูร์เบต์เกิดเมื่อวันที่ 10 มิถุนายน พ.ศ. 2362 ในเมืองเล็กๆ ชื่อ Ornans ชายแดนติดกับสวิตเซอร์แลนด์
อย่างไรก็ตาม Courbet ไม่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะอย่างเป็นระบบ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2382 ชายหนุ่มอาศัยอยู่ในปารีสโดยคัดลอกภาพวาดของปรมาจารย์เก่าในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์
ในปี ค.ศ. 1848 การปฏิวัติแบบชนชั้นนายทุน-ประชาธิปไตยเกิดขึ้นในฝรั่งเศส ล้มล้างระบอบกษัตริย์กรกฎาคมของชนชั้นนายทุนและสถาปนาขึ้น สาธารณรัฐที่สอง (พ.ศ. 2391-52) Courbet เข้าข้างกลุ่มกบฏแม้ว่าเขาจะไม่ได้มีส่วนร่วมในการสู้รบก็ตาม ในปีเดียวกันนั้น Courbet ได้จัดแสดงภาพวาดของเขา 10 ชิ้นที่ Salon ซึ่งได้รับการตอบรับเป็นอย่างดี
เหตุการณ์การปฏิวัติในปี 1848 ซึ่ง Courbet ได้เห็นนั้นได้กำหนดไว้ล่วงหน้าอย่างมากถึงแนวทางประชาธิปไตยในงานของเขา
ความปรารถนาที่จะเปิดเผยบทกวีในชีวิตประจำวันและธรรมชาติของจังหวัดในฝรั่งเศสทำให้ Courbet สร้างผืนผ้าใบขนาดมหึมาที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่สมจริง
ในปี พ.ศ. 2414 ระหว่างประชาคมปารีส กูร์เบต์เป็นหัวหน้าคณะกรรมการที่ตัดสินใจรื้อเสาวองโดมเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของสถาบันกษัตริย์คอลัมน์ Vendome ถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ชัยชนะ.
หลังจากการล่มสลายของประชาคม Courbet ถูกจับกุมและตัดสินให้จำคุก ศิลปินถูกบังคับให้หนีจากฝรั่งเศส เขาใช้ชีวิตช่วงปีสุดท้ายของชีวิตในสวิตเซอร์แลนด์ Courbet เสียชีวิตเมื่อวันที่ 31 ธันวาคม พ.ศ. 2420)
ครู. ถึงเวลาทำความคุ้นเคยกับภาพวาดของศิลปินคนนี้แล้ว
สไลด์ กุสตาฟ กูร์เบต์.
1. เครื่องบดหิน
ครู. เราเห็นอะไรในภาพ? ตัวละครอะไร?
คำอธิบายโดยประมาณของภาพวาด
(ด้านหนึ่งของภาพมีชายชราคนหนึ่ง ก้มลงทำงาน ยกค้อนขึ้น ผิวเป็นสีแทน หมวกฟางบังศีรษะ กางเกงที่ทำด้วยผ้าหยาบล้วนเป็นหย่อมๆ ส้นเท้ายื่นออกมาจากถุงเท้าและรองเท้าฉีกขาดสีน้ำเงินที่ก้นแตก คู่สาวของเขาก็สวมผ้าขี้ริ้วด้วย มันยากมากสำหรับเขาสิ่งนี้สามารถเห็นได้จากท่าทางของเขา ภาพนี้เป็นตัวตนของความยากจน )
2. ผ้าใบ “งานศพใน Oran” ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นผลงานที่โดดเด่นที่สุดของ Courbet สิ่งสำคัญในภาพคือทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้น คนที่ปรากฎในภาพรู้สึกอย่างไรกับพิธีฝังศพ?
(พระภิกษุอ่านบทสวดอย่างน่าเบื่อหน่าย Gravedigger ซึ่งมีงานศพเป็นงานประจำวันหันหน้าไปทางพระภิกษุราวกับถามว่าเมื่อไหร่จะเลิกพูด คนเดียวที่ไม่แยแสกับสิ่งที่เกิดขึ้นคือเฒ่า ผู้คนผู้เข้าร่วมในการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ สิ่งนี้สามารถเห็นได้จากใบหน้าหมกมุ่นอยู่กับความคิดเกี่ยวกับเส้นทางชีวิตของสหายของเขาอย่างเต็มที่ ชายชราเหล่านี้ต่อสู้เพื่อสาธารณรัฐรู้ดีว่าอุดมคติใดที่ควรค่าแก่การดำเนินชีวิตดังนั้นความตายจึงไม่ แย่มากถ้าชีวิตดำเนินไปอย่างมีศักดิ์ศรี และศิลปินอย่างมีสติในการแต่งเพลง
มุ่งความสนใจไปที่พวกเขาโดยเฉพาะ)
ครู. ในปี ค.ศ. 1849 ฌองตั้งรกรากที่บาร์บิซอน ฟรองซัวส์ มิลเลต์. สุนทรพจน์โดยนักเรียนที่ได้รับมอบหมายขั้นสูงเกี่ยวกับงานของ Millet
(เขาเกิดที่เมืองนอร์ม็องดี เขาศึกษาการวาดภาพในปารีส ตอนแรกเขาวาดภาพบุคคลแล้วหันไปหาภูมิทัศน์และกลายเป็นกวีที่แท้จริงของชนบทในฝรั่งเศส เขาวาดภาพชาวนาที่กำลังหว่านทุ่ง สับฟืน หรือทำถังไม้ หนึ่งในผลงานของข้าวฟ่าง ตัวละครโปรดคือหญิงชาวนากำลังป้อนข้าวต้มให้เด็ก ต้อนห่าน หรือถือฟืนมัดใหญ่)
ครู. เหตุใด Jean Francois Millet จึงพรรณนาถึงคนงานในชนบทในงานของเขา? ลองมาดูภาพวาดของเขาบ้างแล้วเราจะตอบคำถามนี้ได้
ครู. ในจดหมายถึงเพื่อนของเขา Millet เขียนว่า: "คุณกำลังนั่งอยู่ใต้ต้นไม้ รู้สึกถึงความสงบสุข...และทันใดนั้นคุณก็สังเกตเห็นว่ามีร่างที่โชคร้ายปรากฏออกมาบนเส้นทาง เต็มไปด้วยมัดไม้พุ่ม ความไม่คาดคิดของการปรากฏตัวของร่างนี้จะทำให้คุณประหลาดใจอยู่เสมอและนำความคิดของคุณไปสู่ชะตากรรมที่น่าเศร้าของมนุษยชาติในทันที - ความเหนื่อยล้า”
หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของ Millet ซึ่งเป็นความภาคภูมิใจของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ แสดงให้เห็นภาพคนเก็บเมล็ดพืช
ข้าวฟ่างพรรณนาถึงใครในภาพวาดนี้
(ผู้หญิงที่น่าสงสารซึ่งได้รับอนุญาตให้เข้าไปในทุ่งที่เก็บเกี่ยวแล้วเพื่อเก็บรวงข้าวโพดที่เหลืออยู่ พวกเธอโค้งงอและยืดตัวตรงเป็นจังหวะที่นุ่มนวลและช้าๆ โดยตัดกับพื้นหลังของที่ราบทอดยาวไปจนถึงขอบฟ้าโครงร่างของตัวเลขสะท้อนกองขนมปังในพื้นหลัง ซึ่งเน้นย้ำถึงความไม่สำคัญของสิ่งที่ผู้หญิงยากจนเหล่านี้ได้รับ โทนสีที่ใช้ให้ความรู้สึกถึงความลึก ทำให้ภาพมีมิติ หากไม่มีสิ่งนี้ ภาพก็จะดูแบน
ครู. ภาพวาดอีกชิ้นที่ศิลปินคนนี้โด่งดังคือ "Man with a Hoe"
ในภาพนี้มีใครบ้าง?
ข้าวฟ่างพรรณนาถึงคนงานที่ได้รับค่าจ้าง หดหู่และพิการจากการทำงานหนักเกินไป ร่างใหญ่ที่โดดเดี่ยวโดยมีฉากหลังเป็นทุ่งกว้างไม่มีที่สิ้นสุดนั้นมีคุณภาพที่ยิ่งใหญ่และทำให้ภาพแทบจะเป็นสัญลักษณ์ นักวิจารณ์อย่างเป็นทางการเขียนว่า: “ลองนึกภาพสัตว์ประหลาดที่ไม่มีกระโหลก มีหน้าตาหมองคล้ำ มีรอยยิ้มของคนงี่เง่า ยืนคดโกงเหมือนหุ่นไล่กาอยู่กลางทุ่ง ไม่มีแสงสว่างแห่งสติปัญญาใดที่จะทำให้คนป่าเถื่อนคนนี้มีมนุษยธรรมในช่วงวันหยุด เขาจะทำอะไร - ทำงานหรือฆ่า? ฟ่างปกป้องตัวเองจากข้อกล่าวหา โดยอธิบายว่าเขาก็ไม่ได้ตาบอดกับความงามของธรรมชาติเช่นกัน: “ฉันเห็นรัศมีของดอกแดนดิไลออนและดวงอาทิตย์เป็นอย่างดี ซึ่งตั้งตระหง่านอยู่สูงเหนือโลกและปกคลุมอยู่ในเมฆ แต่ฉันก็เห็นที่ราบอันร้อนระอุ ม้าทำงาน และบนผืนหิน ชายผู้หมดแรงซึ่งได้ยินเสียงหายใจแหบแห้งในตอนเช้า พยายามยืดตัวขึ้นเพื่อหายใจครู่หนึ่ง ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นท่ามกลางความสมบูรณ์แบบของโลกโดยรอบ”
ครู ข้าวฟ่างรักธรรมชาติและพูดกับตัวเองว่า “ฉันเกิดมาเป็นชาวนา เป็นชาวนา และฉันจะตาย”
ธีมหลักของงานของ Millet คืออะไร?
(ศิลปินพรรณนาถึงชาวนาที่นำความเหนื่อยล้ามาสู่ร่างกาย)
ครู . คำว่า "สันติภาพ" และ "ความเงียบ" บ่งบอกถึงลักษณะภาพวาดของ Millet ได้ดีที่สุด เราเห็นชาวนาส่วนใหญ่มีสองตำแหน่ง พวกเขาหมกมุ่นอยู่กับงานหรือหยุดพักจากงาน แต่นี่ไม่ใช่แนว "ต่ำ" ภาพของชาวนามีความสง่างามและลึกซึ้ง ศิลปินกล่าวว่าเขา “หันไปหาความธรรมดาเพื่อแสดงออกถึงความประเสริฐ”
ก่อนอื่น ภาพวาดของเขาแสดงถึงศรัทธาในความสูงส่งของคนธรรมดา ในศักดิ์ศรีและคุณค่าของการทำงานทางกายภาพในแต่ละวัน สไตล์ของ Millet มีความสมจริงซึ่งปรากฏในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วีJean Francois Millet ค้นพบความต้องการของเขาในการวาดภาพชีวิตในชนบท พระองค์ทรงวาดภาพชาวนาอย่างลึกซึ้งและลึกซึ้ง ท่าทางที่ไม่ธรรมดาของเขาทำให้เขาได้รับการยอมรับอย่างสมควรและอยู่เหนือกาลเวลา
ครู. เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส ตั้งแต่การปฏิวัติในปี 1830 ไปจนถึงประชาคมปารีส สงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซียน สะท้อนให้เห็นในผลงานของศิลปิน Honore Daumier
สุนทรพจน์โดยนักเรียนที่ได้รับมอบหมายขั้นสูงเกี่ยวกับงานของ Honore Daumier
(ชีวิตของ Daumier ตกอยู่ในหน้ากระดาษที่ปั่นป่วนที่สุดหน้าหนึ่งในประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส: ในการปฏิวัติสามครั้ง - พ.ศ. 2373, 2391 และ 2413 - ประเทศได้ปกป้องสิทธิในเสรีภาพ ความเสมอภาค และภราดรภาพ อย่างไรก็ตาม หลังจากนิทรรศการมรณกรรมเท่านั้นที่ Daumier ได้รับการยอมรับว่าเป็น จิตรกรที่โดดเด่น ในภาพวาดของเขาเขาพรรณนาถึงปารีสที่คุณรักผู้อยู่อาศัยที่ถ่อมตัวที่เดินไปตามถนนด้วยการเดินเท้าและไม่นั่งรถม้าฝูงชนเข้าไปในแกลเลอรี่ที่โรงละครเติมรถม้าชั้นสามบนรถไฟว่ายน้ำในแม่น้ำแซนโดยตรงจาก ริมเขื่อนและซักเสื้อผ้าทันที แห่กันไปที่หน้าต่างร้านค้า หรือวิ่งมาดูนักแสดงตลกเร่ร่อน แต่ถ้าสัมผัสได้เร็ว ถ้าเจ้าหน้าที่เริ่มกดดันสิทธิมากเกินไป ก็เริ่มไม่ลังเล เพื่อสร้างเครื่องกีดขวาง)
สไลด์ " รถม้าชั้นสาม"
ครู. ใน "รถยนต์ชั้น 3" (พ.ศ. 2406-2408, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน) Daumier ปรากฏตัวในฐานะผู้โดยสารคนหนึ่ง เขามองหน้า รับรู้การมีอยู่ของแต่ละคนในฐานะโลกพิเศษ และพยายามทำความเข้าใจมัน นั่นคือเหตุผลว่าทำไมใบหน้าของหญิงชราที่อยู่เบื้องหน้าซึ่งหายไปในความทรงจำจึงแสดงออกได้ดีมาก คุณแม่ยังสาวมองดูเด็กที่กำลังหลับอยู่ในอ้อมแขนของเธออย่างครุ่นคิด ฯลฯ
บางครั้งการจ้องมองของศิลปินก็หยุดที่บุคคลหรือชะตากรรมของแต่ละคน ในคนที่หาเลี้ยงชีพด้วยการทำงานหนัก Daumier เน้นย้ำถึงความรู้สึกมีศักดิ์ศรีที่สงบ นี่คือวัฏจักร “The Washerwoman” (1850-1860) Daumier อาศัยอยู่บนเขื่อนของเกาะ Saint-Louis และทุกๆ วันเขาจะได้เห็นผู้หญิงที่นุ่งผ้าเปียกจำนวนมากปีนขึ้นไปบนเขื่อน หนึ่งในนั้นแข็งแกร่งและแข็งแกร่งอดทนและระมัดระวังช่วยให้ทารกปีนขึ้นบันไดที่สูงชัน ภาพนี้ทำให้คุณรู้สึกอย่างไร? ศิลปินดึงดูดความสนใจของสาธารณชนด้วยภาพวาดนี้อย่างไร?
คำตอบของนักเรียน
สไลด์ "ร้านซักรีด"
ปีสุดท้ายของชีวิตของอาจารย์อุทิศให้กับการวาดภาพเป็นหลักซึ่งได้รับความหมายทางปรัชญาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น หลายปีที่ผ่านมา ศิลปินได้รับความสนใจจากธีม "อัศวินแห่งภาพเศร้า" ฮีโร่วรรณกรรมคนไหนที่เรียกว่าอัศวินแห่งภาพเศร้า ใครเป็นผู้เขียนงานเกี่ยวกับการหาประโยชน์ของ Don Quixote? (มิเกล เซร์บันเตส). ดอน กิโฆเต้มองหาอะไร และเขาทำอะไรในขณะที่ท่องโลก? (แสวงหาความดีและความยุติธรรม ช่วยเหลือผู้ต่ำต้อยและด้อยโอกาส)
ภาพวาดทั้งชุดอุทิศให้กับ Don Quixote และ Sancho Panza เหตุใด Daumier จึงหันไปหาฮีโร่วรรณกรรมคนนี้ (ขาดความเห็นอกเห็นใจผู้คน มีน้อยคนที่ทำความดีอย่างไม่เห็นแก่ตัว)
วงจรที่อุทิศให้กับวีรบุรุษในนวนิยายของ Cervantes ไม่ใช่ภาพประกอบของโครงเรื่องที่รู้จักกันดี แต่เป็นภาพสะท้อนทางปรัชญาเกี่ยวกับชีวิตและบทบาทของศิลปิน บางทีความคิดนี้เกิดขึ้นกับ Daumier มากกว่าหนึ่งครั้ง คุณต้องเป็น Don Quixote เพื่อที่จะเชื่อว่าพลังแห่งความชั่วร้ายสามารถเอาชนะได้ด้วยงานศิลปะ และนี่คือสิ่งที่ศิลปินสัจนิยมทำมาตลอดชีวิต
สรุป.
ครู.
พวกตั้งชื่อศิลปินที่เราพบผลงานในวันนี้
(กุสตาฟ กูร์เบต์, ฌอง ฟรองซัวส์ มิลเลต์, ออโนเร เดาเมียร์)
ผลงานของศิลปินเหล่านี้อยู่ในรูปแบบศิลปะใด? (สู่ความสมจริง)
ทำไม เพราะศิลปินเหล่านี้ทำให้เป็นแก่นหลักของศิลปะในยุคเดียวกันซึ่งยุ่งอยู่กับเรื่องประจำวัน
ศิลปินตั้งภารกิจในการสะท้อนความเป็นจริงอย่างเต็มที่ที่สุด
ดี/แซด &7 หน้า 53-56 อธิบายโครงเรื่องของภาพวาดเตรียมการวิเคราะห์เปรียบเทียบแนวโน้มทางศิลปะในงานศิลปะที่คุณรู้จัก
ความสมจริงกลายเป็นขบวนการทางศิลปะที่ทรงพลังในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แน่นอนว่า Homer และ Shakespeare, Cervantes และ Goethe, Michelangelo, Rembrandt หรือ Rubens เป็นนักสัจนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เมื่อพูดถึงความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 พวกเขาหมายถึงระบบศิลปะบางอย่าง ในฝรั่งเศส ความสมจริงมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของกูร์เบต์เป็นหลัก ซึ่งปฏิเสธที่จะถูกเรียกว่านักสัจนิยม ความสมจริงในงานศิลปะมีความเกี่ยวข้องอย่างไม่ต้องสงสัยกับชัยชนะของลัทธิปฏิบัตินิยมในจิตสำนึกสาธารณะ ความเหนือกว่าของมุมมองวัตถุนิยม และบทบาทที่โดดเด่นของวิทยาศาสตร์ การดึงดูดความทันสมัยในทุกรูปแบบด้วยการพึ่งพา ดังที่ Emile Zola ประกาศ ในด้านวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนกลายเป็นข้อกำหนดหลักของขบวนการทางศิลปะนี้ นักสัจนิยมพูดด้วยภาษาที่ชัดเจนและชัดเจนซึ่งเข้ามาแทนที่ "ดนตรี" แต่เป็นภาษาโรแมนติกที่ไม่มั่นคงและคลุมเครือ
การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2391 ได้ขจัดภาพลวงตาอันโรแมนติกของกลุ่มปัญญาชนชาวฝรั่งเศสออกไปและในแง่นี้เป็นขั้นตอนที่สำคัญมากในการพัฒนาไม่เพียง แต่ฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั้งยุโรปด้วย เหตุการณ์ในปี 1848 มีผลกระทบโดยตรงต่องานศิลปะ ประการแรก ศิลปะถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายมากขึ้นเพื่อเป็นเครื่องมือในการก่อกวนและการโฆษณาชวนเชื่อ ดังนั้นการพัฒนารูปแบบศิลปะที่เคลื่อนที่ได้มากที่สุด - กราฟิกขาตั้งและภาพประกอบนิตยสาร กราฟิกเป็นองค์ประกอบหลักของการพิมพ์เสียดสี ศิลปินมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในวิถีชีวิตทางสังคมที่วุ่นวาย
ชีวิตนำเสนอฮีโร่คนใหม่ซึ่งในไม่ช้าจะกลายเป็นฮีโร่หลักของงานศิลปะ - คนทำงาน ในงานศิลปะ การค้นหาจะเริ่มต้นจากรูปภาพที่มีลักษณะทั่วไปและยิ่งใหญ่ ไม่ใช่รูปภาพประเภทเล็กๆ น้อยๆ ดังที่เคยเป็นมาจนถึงปัจจุบัน ชีวิต ชีวิต และผลงานของฮีโร่ตัวใหม่นี้จะกลายเป็นธีมใหม่ในงานศิลปะ ฮีโร่ใหม่และธีมใหม่จะก่อให้เกิดทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อคำสั่งที่มีอยู่ ในงานศิลปะ จุดเริ่มต้นจะกล่าวถึงสิ่งที่ก่อตัวขึ้นในวรรณคดีแล้วว่าเป็นความสมจริงเชิงวิพากษ์ ในฝรั่งเศส ความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 40 และ 50 ในรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 60 ในที่สุด ด้วยความสมจริงในงานศิลปะ แนวคิดการปลดปล่อยแห่งชาติที่สร้างความตื่นเต้นให้กับคนทั้งโลก ซึ่งแสดงความสนใจโดยกลุ่มโรแมนติกที่นำโดยเดลาครัวซ์ ก็สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะเช่นกัน
ในภาพวาดฝรั่งเศส ความสมจริงประกาศตัวเองเป็นอันดับแรกในแนวนอน เมื่อมองแวบแรกจะเป็นสิ่งที่ห่างไกลจากพายุทางสังคมและการวางแนวแนวเพลงที่มีแนวโน้มมากที่สุด ความสมจริงในภูมิทัศน์เริ่มต้นด้วยสิ่งที่เรียกว่าโรงเรียน Barbizon โดยศิลปินที่ได้รับชื่อนี้ในประวัติศาสตร์ศิลปะตามหมู่บ้าน Barbizon ใกล้กรุงปารีส ที่จริงแล้ว Barbizonians ไม่ใช่แนวคิดทางภูมิศาสตร์มากนักเท่ากับแนวคิดทางประวัติศาสตร์และศิลปะ จิตรกรบางคน เช่น โดบิญญี ไม่ได้มาที่บาร์บิซงเลย แต่มาเป็นกลุ่มเพราะสนใจภูมิทัศน์ประจำชาติของฝรั่งเศส นี่คือกลุ่มจิตรกรรุ่นเยาว์ - Theodore Rousseau, Diaz della Pena, Jules Dupre, Constant Troyon และคนอื่น ๆ ที่มาที่ Barbizon เพื่อวาดภาพร่างจากชีวิต พวกเขาวาดภาพเสร็จในสตูดิโอโดยใช้ภาพร่าง ดังนั้นความสมบูรณ์และลักษณะทั่วไปขององค์ประกอบและสี แต่ความรู้สึกที่มีชีวิตของธรรมชาติยังคงอยู่ในนั้นเสมอ พวกเขาทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบและพรรณนาถึงความเป็นจริง แต่สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางพวกเขาแต่ละคนจากการรักษาบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของพวกเขา Theodore Rousseau (1812-1867) มีแนวโน้มที่จะเน้นย้ำถึงความเป็นนิรันดร์ในธรรมชาติ ในการวาดภาพต้นไม้ ทุ่งหญ้า และที่ราบ เราเห็นวัตถุของโลก วัตถุ ปริมาณ ซึ่งทำให้ผลงานของรุสโซคล้ายกับภูมิทัศน์ของปรมาจารย์ชาวดัตช์รุยส์เดล แต่ในภาพวาดของ Rousseau ("Oaks", 1852) มีรายละเอียดมากเกินไป เป็นสีที่ค่อนข้างซ้ำซากจำเจ ตรงกันข้ามกับ Jules Dupre (1811-1889) ผู้ที่วาดภาพอย่างกว้างๆ และกล้าหาญ ชอบความแตกต่างระหว่างสีดำและสีขาวและด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา สร้างความตึงเครียดถ่ายทอดความรู้สึกวิตกกังวลและเอฟเฟกต์แสงหรือ Diaz della Peña (1807-1876) ชาวสเปนโดยกำเนิดซึ่งมีแสงแดดส่องผ่านภูมิทัศน์อย่างชำนาญแสงของดวงอาทิตย์ส่องผ่านใบไม้และบดขยี้บนพื้นหญ้า Constant Troyon (1810-1865) ชอบนำเสนอลวดลายของสัตว์ในการพรรณนาถึงธรรมชาติของเขา จึงเป็นการผสมผสานระหว่างภูมิทัศน์และแนวสัตว์ (“Departure to Market,” 1859) ในบรรดาศิลปินรุ่นเยาว์ของโรงเรียน Barbizon Charles Francois Daubigny (1817-1878) สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ภาพวาดของเขาได้รับการออกแบบในจานสีสว่างเสมอซึ่งทำให้เขาใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์มากขึ้น: หุบเขาอันเงียบสงบ แม่น้ำอันเงียบสงบ หญ้าสูง ภูมิทัศน์ของเขาเต็มไปด้วยความรู้สึกโคลงสั้น ๆ (“ Village on the bank of the Oise”, 1868)
ครั้งหนึ่ง Jean François Millet (1814-1875) ทำงานที่ Barbizon ข้าวฟ่างเกิดในสภาพแวดล้อมแบบชาวนาและยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับผืนดินตลอดไป โลกชาวนาเป็นแนวเพลงหลักของ Millet แต่ศิลปินไม่ได้มาหาเขาทันที ข้าวฟ่างจากนอร์ม็องดีซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขาในปี พ.ศ. 2380 และ พ.ศ. 2387 มาถึงปารีสซึ่งเขาได้รับชื่อเสียงจากการถ่ายภาพบุคคลและภาพวาดขนาดเล็กเกี่ยวกับหัวข้อในพระคัมภีร์และสมัยโบราณ อย่างไรก็ตาม Millet กลายเป็นปรมาจารย์ด้านธีมชาวนาในช่วงทศวรรษที่ 40 เมื่อเขามาถึงบาร์บิซอนและสนิทสนมกับศิลปินของโรงเรียนแห่งนี้ โดยเฉพาะ Theodore Rousseau ตั้งแต่นั้นมาช่วงเวลาสำคัญของงานของ Millet ก็เริ่มต้นขึ้น (Salon of 1848 - ภาพวาดของ Millet ในธีมชาวนา "The Winnower") ตั้งแต่บัดนี้เป็นต้นไปจนสิ้นสุดวันแห่งการสร้างสรรค์ ชาวนาจะกลายเป็นวีรบุรุษของเขา การเลือกฮีโร่และธีมนี้ไม่เหมาะกับรสนิยมของสาธารณชนชนชั้นกลางดังนั้นตลอดชีวิตของเขา Millet จึงอดทนต่อความยากจนทางวัตถุ แต่ไม่ได้เปลี่ยนธีมของเขา ในภาพวาดขนาดเล็ก Millet ได้สร้างภาพอนุสาวรีย์ทั่วไปของคนงานในที่ดิน (“The Sower”, 1850) เขาแสดงให้เห็นแรงงานในชนบทในฐานะสภาพธรรมชาติของมนุษย์ ซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของการดำรงอยู่ของเขา แรงงานเผยให้เห็นความเชื่อมโยงระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งทำให้เขาสูงส่ง แรงงานมนุษย์ทำให้ชีวิตบนโลกทวีคูณ แนวคิดนี้แทรกซึมอยู่ในภาพวาดของคอลเลคชันพิพิธภัณฑ์ลูฟวร์ (“Earp Gatherers,” 1857; “Angelus,” 1859)
ลายมือของ Millet มีลักษณะพูดน้อยมากซึ่งเป็นการเลือกสิ่งสำคัญซึ่งทำให้สามารถถ่ายทอดความหมายสากลในภาพที่ง่ายที่สุดและธรรมดาที่สุดในชีวิตประจำวัน ข้าวฟ่างให้ความรู้สึกถึงความเรียบง่ายอันเคร่งขรึมของแรงงานที่สงบและสงบสุข ทั้งด้วยความช่วยเหลือของการตีความพลาสติกเชิงปริมาตรและโทนสีที่สม่ำเสมอ เขาชอบที่จะพรรณนาถึงยามเย็นที่กำลังเคลื่อนตัวลงมา เช่นเดียวกับในฉาก Angelus เมื่อแสงสุดท้ายจากดวงอาทิตย์ตกส่องร่างของชาวนาและภรรยาของเขา ซึ่งละทิ้งงานไปชั่วขณะด้วยเสียงระฆังยามเย็น โทนสีที่ไม่ออกเสียงประกอบด้วยโทนสีน้ำตาลแดง เทา น้ำเงิน เกือบน้ำเงิน และม่วงไลแลคที่กลมกลืนกันอย่างนุ่มนวล ภาพเงาสีเข้มของร่างที่มีหัวโค้งงอซึ่งอ่านได้ชัดเจนเหนือขอบฟ้า ช่วยเสริมลักษณะการเจียระไนโดยรวมขององค์ประกอบให้ดีขึ้น ซึ่งโดยรวมแล้วมีเสียงที่ไพเราะ “แองเจลัส” ไม่ใช่แค่คำอธิษฐานในตอนเย็น แต่เป็นคำอธิษฐานเพื่อคนตายสำหรับทุกคนที่ทำงานบนโลกนี้ ผลงานส่วนใหญ่ของ Millet เต็มไปด้วยความรู้สึกถึงความเป็นมนุษย์ ความสงบ และความเงียบสงบ แต่ในหมู่พวกเขามีภาพหนึ่งที่ศิลปินแม้ว่าเขาจะแสดงความเหนื่อยล้าความเหนื่อยล้าความเหนื่อยล้าจากการทำงานหนัก แต่ก็สามารถแสดงให้เห็นถึงความแข็งแกร่งอันมหาศาลที่สงบเงียบของคนงานยักษ์ได้ “Man with a Hoe” เป็นชื่อของภาพวาดนี้โดย Millet (1863)
ศิลปะที่ซื่อสัตย์และเที่ยงตรงของ Millet ซึ่งเชิดชูคนทำงานปูทางไปสู่การพัฒนาหัวข้อนี้ในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ต่อไป และในศตวรรษที่ 20
เมื่อพูดถึงจิตรกรภูมิทัศน์ในช่วงครึ่งปีแรกถึงกลางศตวรรษที่ 19 ไม่มีใครสามารถละเลยหนึ่งในปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์ฝรั่งเศสที่ละเอียดอ่อนที่สุดคนหนึ่งอย่าง Camille Corot (1796-1875) Corot ได้รับการศึกษาในเวิร์คช็อปของจิตรกรภูมิทัศน์ Bertin (หรือมากกว่านั้นคือจิตรกรภูมิทัศน์มีพี่น้องสองคน) และเมื่ออายุเกือบสามสิบปีเขามาอิตาลีเป็นครั้งแรกเพื่อวาดภาพร่างในที่โล่งตามคำพูดของเขา รอบปี.
สามปีต่อมา Corot กลับสู่ปารีส ที่ซึ่งทั้งความสำเร็จครั้งแรกและความล้มเหลวครั้งแรกรอคอยเขาอยู่ แม้ว่าเขาจะจัดแสดงใน Salons แต่เขามักจะถูกวางไว้ในที่มืดมนที่สุด ซึ่งรสชาติอันประณีตของเขาจะหายไป เป็นสิ่งสำคัญที่ Corot ได้รับการต้อนรับจากคู่รัก โดยไม่สิ้นหวังจากความไม่ประสบความสำเร็จกับสาธารณชนอย่างเป็นทางการ Corot เขียนภาพร่างสำหรับตัวเองและในไม่ช้าก็กลายเป็นผู้สร้างภูมิทัศน์ที่ใกล้ชิดซึ่งเป็น "ทิวทัศน์แห่งอารมณ์" ("Hay Wagon", "The Bell Tower at Argenteuil")
เขาเดินทางไปทั่วฝรั่งเศสบ่อยครั้งตามพัฒนาการของภาพวาดของ Barbizon แต่พบว่า "Barbizon" ของเขาเอง - เมืองเล็ก ๆ ใกล้กับ Paris Bill d'Avray ซึ่งพ่อของเขาซึ่งเป็นพ่อค้าชาวปารีสซื้อบ้าน ในสถานที่เหล่านี้ Corot พบแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจอย่างต่อเนื่องสร้างภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดซึ่งเขามักจะอาศัยอยู่กับนางไม้หรือสัตว์ในตำนานอื่น ๆ ซึ่งเป็นภาพบุคคลที่ดีที่สุดของเขา แต่ไม่ว่าเขาจะเขียนอะไร Corot ก็ติดตามความประทับใจในทันทีและยังคงจริงใจอย่างยิ่งเสมอ (“ สะพาน ที่ Mantes”, พ.ศ. 2411-2413; “Town Hall Tower in Douay”, พ.ศ. 2414) ภูมิทัศน์ของชายชาวโคโรต์ได้เข้าสู่โลกแห่งธรรมชาติอย่างเป็นธรรมชาติ นี่ไม่ใช่พนักงานของภูมิทัศน์แบบคลาสสิก แต่เป็นผู้คนที่ใช้ชีวิตและทำงานชั่วนิรันดร์ เรียบง่าย เหมือนชีวิต: ผู้หญิงเก็บไม้พุ่ม ชาวนากลับมาจากทุ่งนา ("The Reaper's Family " ประมาณปี 1857) ในภูมิประเทศของ Corot คุณแทบจะไม่เห็นการต่อสู้ดิ้นรนขององค์ประกอบความมืดแห่งราตรีซึ่งคนโรแมนติกชื่นชอบมาก เขาพรรณนา ก่อนรุ่งสางหรือพลบค่ำอันแสนเศร้า วัตถุบนผืนผ้าใบของเขาถูกปกคลุมไปด้วยความมืดหนาทึบหรือหมอกควันเบาบาง กระจกโปร่งใสห่อหุ้มรูปทรง เพิ่มความโปร่งสบายสีเงิน แต่สิ่งสำคัญคือภาพนั้นเต็มไปด้วยทัศนคติส่วนตัวของศิลปินและอารมณ์ของเขาเสมอ สีสันของเขาดูไม่หลากหลาย นี่คือการไล่เฉดสีของโทนสีมุกเงินและมุกสีฟ้า แต่จากความสัมพันธ์ของจุดที่มีสีสันใกล้เคียงกันที่มีรูรับแสงต่างกัน ศิลปินจึงสามารถสร้างความกลมกลืนที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวได้ ความแปรปรวนของเฉดสีบ่งบอกถึงความไม่มั่นคงและการเปลี่ยนแปลงของอารมณ์ของภูมิทัศน์ (“Pond in the Bill d'Avray”, 70s; “Pierrefonds Castle”, 60s) งานเขียนของ Corot นั้นกวาดล้างฟรี“ สั่นไหว” มันคือ คุณภาพนี้ทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเป็นทางการอย่างรุนแรง Corot ได้เรียนรู้อิสรภาพนี้จากจิตรกรชาวอังกฤษโดยเฉพาะจากตำรวจซึ่งเขาคุ้นเคยกับภูมิทัศน์ในนิทรรศการในปี พ.ศ. 2367 ลักษณะพื้นผิวของผืนผ้าใบของ Corot ช่วยเสริมสีสันแสงและเงา และทั้งหมด นี้ถูกสร้างขึ้นอย่างมั่นคงและชัดเจน
นอกจากทิวทัศน์แล้ว Corot มักวาดภาพบุคคลด้วย Corot ไม่ใช่บรรพบุรุษโดยตรงของอิมเพรสชันนิสม์ แต่วิธีการของเขาในการถ่ายทอดสภาพแวดล้อมที่สว่าง ทัศนคติของเขาต่อความประทับใจโดยตรงต่อธรรมชาติและมนุษย์ มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการก่อตั้งจิตรกรรมอิมเพรสชั่นนิสต์ และสอดคล้องกับงานศิลปะของพวกเขาในหลาย ๆ ด้าน
ความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ทรงพลังรูปแบบใหม่กำลังแสดงตัวตนอย่างแข็งขันในการวาดภาพประเภทต่างๆ การพัฒนาของเขาในพื้นที่นี้มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Gustave Courbet (1819-1877) ดังที่ Lionello Venturi เขียนไว้อย่างถูกต้อง ไม่มีศิลปินคนใดที่ปลุกเร้าความเกลียดชังในหมู่ชนชั้นกระฎุมพีอย่าง Courbet ได้ แต่ก็ไม่มีใครมีอิทธิพลต่อภาพวาดของศตวรรษที่ 19 มากเท่ากับเขา ความสมจริงดังที่ Courbet เข้าใจนั้นเป็นองค์ประกอบของแนวโรแมนติกและถูกกำหนดขึ้นก่อน Courbet: การพรรณนาถึงความทันสมัยตามความเป็นจริงของสิ่งที่ศิลปินมองเห็น Courbet สังเกตและรู้จักผู้อยู่อาศัยใน Ornans บ้านเกิดของเขาดีที่สุดซึ่งเป็นหมู่บ้านในพื้นที่ Franche-Comtéของเขาดังนั้นจึงเป็นผู้อยู่อาศัยในสถานที่เหล่านี้ฉากจากชีวิตของพวกเขาที่รับใช้ Courbet ในฐานะ "ภาพบุคคลในยุคของเขา ” ที่เขาสร้างขึ้น เขารู้วิธีตีความฉากประเภทง่ายๆ ว่าเป็นประวัติศาสตร์ที่ประเสริฐ และชีวิตในชนบทที่เรียบง่ายได้รับการระบายสีอย่างกล้าหาญภายใต้พู่กันของเขา
Courbet เกิดในปี 1819 ทางตะวันตกเฉียงใต้ของฝรั่งเศส ในครอบครัวชาวนาที่ร่ำรวยในเมือง Ornans Courbet ย้ายไปปารีสในปี 1840 เพื่อ "พิชิตมัน" เขาทำงานด้วยตัวเองมากลอกเลียนแบบปรมาจารย์เก่าในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และเชี่ยวชาญด้านการวาดภาพ ที่ Salon ปี 1842 เขาเปิดตัวด้วยผลงาน "Self-Portrait with a Black Dog" และในปี 1846 เขาวาดภาพ "Self-Portrait with a Pipe" ในระยะหลัง เขาวาดภาพตัวเองบนพื้นหลังสีแดงอ่อน สวมเสื้อเชิ้ตสีขาวเฉดสีเทาเขียว และแจ็กเก็ตสีเทา ใบหน้าสีแดงที่มีเฉดสีมะกอกบางส่วนมีผมสีดำและมีเครา Venturi กล่าวว่าพลังในการวาดภาพของ Courbet ที่นี่ไม่ได้ด้อยไปกว่าของ Titian ใบหน้าเต็มไปด้วยความสุข ความเจ้าเล่ห์ แต่ยังมีบทกวีและความสง่างามอีกด้วย ภาพวาดมีขนาดกว้าง อิสระ เต็มไปด้วยแสงและเงาที่ตัดกัน
ช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์นี้ปกคลุมไปด้วยความรู้สึกโรแมนติก (“Lovers in the Village” Salon 1845; “Wounded”, Salon 1844) การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2391 ทำให้ Courbet ใกล้ชิดกับ Baudelaire ผู้ตีพิมพ์นิตยสาร "The Good of the People" (แต่มีอยู่ในช่วงเวลาสั้น ๆ มาก) และร่วมกับผู้เข้าร่วมในอนาคตใน Paris Commune ศิลปินกล่าวถึงประเด็นเรื่องแรงงานและความยากจน ในภาพวาดของเขา "Stone Crusher" (พ.ศ. 2392-2393 สูญหายหลังสงครามโลกครั้งที่สอง) ไม่มีความเร่งด่วนทางสังคม เราไม่ได้อ่านการประท้วงใด ๆ ทั้งในรูปของชายชราซึ่งท่าทางทั้งหมดดูเหมือนจะแสดงความอ่อนน้อมถ่อมตนต่อหน้าโชคชะตา หรือในชายหนุ่มที่ก้มตัวอยู่ใต้ภาระหนักหนา แต่มีความเห็นอกเห็นใจอย่างไม่ต้องสงสัยสำหรับหลายคนที่พรรณนาถึงความเห็นอกเห็นใจของมนุษย์ธรรมดา ๆ ความน่าดึงดูดใจสำหรับหัวข้อดังกล่าวคืองานสังคมสงเคราะห์
หลังจากความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ Courbet ก็ออกจากบ้านเกิดของเขา Ornans ซึ่งเขาได้สร้างภาพวาดที่สวยงามจำนวนหนึ่งโดยได้รับแรงบันดาลใจจากฉากเรียบง่ายของชีวิต Ornans "After Dinner at Ornans" (1849) เป็นภาพของตัวเอง พ่อ และเพื่อนร่วมชาติอีกสองคนกำลังฟังเพลงที่โต๊ะ ฉากประเภทที่ถ่ายทอดโดยไม่มีการบอกเล่าเรื่องราวหรือความรู้สึกนึกคิดใดๆ อย่างไรก็ตาม การยกย่องหัวข้อธรรมดาๆ ดูเหมือนจะไม่สุภาพต่อสาธารณะ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Courbet คือ "Funeral at Ornans" ทำให้การค้นหาภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ในหัวข้อสมัยใหม่ของ Courbet เสร็จสิ้น (1849) Courbet ที่แสดงบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (6 ตร.ม. มีร่างคนขนาดเท่าคนจริง 47 คน) เป็นองค์ประกอบการฝังศพ ซึ่งมีสังคม Ornan ซึ่งนำโดยนายกเทศมนตรีอยู่ ความสามารถในการถ่ายทอดลักษณะทั่วไปผ่านแต่ละบุคคลเพื่อสร้างแกลเลอรีตัวละครประจำจังหวัดทั้งหมดบนวัสดุคอนกรีตล้วนๆ - ในภาพบุคคลของญาติผู้อยู่อาศัยใน Ornans อารมณ์ที่งดงามขนาดใหญ่ความกลมกลืนของสีสันลักษณะพลังงานที่ไม่อาจระงับได้ของ Courbet ผู้ทรงพลัง จังหวะพลาสติกทำให้ "Funeral in Ornans" เป็นหนึ่งในผลงานศิลปะคลาสสิกยุโรปที่ดีที่สุด แต่ความแตกต่างระหว่างพิธีอันศักดิ์สิทธิ์กับความหลงใหลของมนุษย์ที่ไม่มีนัยสำคัญแม้ต้องเผชิญกับความตายทำให้เกิดความขุ่นเคืองในที่สาธารณะเมื่อมีการจัดแสดงภาพวาดที่ Salon of 1851 มันถูกมองว่าเป็นการใส่ร้ายสังคมจังหวัดของฝรั่งเศสและต่อจากนั้น บน Courbet เริ่มถูกปฏิเสธอย่างเป็นระบบโดยคณะลูกขุนอย่างเป็นทางการของ Salons Courbet ถูกกล่าวหาว่า "ยกย่องคนน่าเกลียด" นักวิจารณ์ Chanfleury เขียนในการป้องกันของเขา:“ มันเป็นความผิดของศิลปินหรือไม่ถ้าความสนใจทางวัตถุ, ชีวิตในเมืองเล็ก, ความใจแคบในต่างจังหวัดทิ้งร่องรอยของกรงเล็บบนใบหน้า, ทำตาหมองคล้ำ, หน้าผากย่นและการแสดงออกที่ไร้ความหมายบนปาก? ชนชั้นกลางก็เป็นแบบนั้น นาย Courbet เขียนเรื่องชนชั้นกระฎุมพี"
สำหรับ Courbet รูปร่างพลาสติกนั้นมีปริมาตรและปริมาตรของสิ่งต่าง ๆ มีความสำคัญต่อเขามากกว่าภาพเงาของพวกเขา ใน Courbet นี้เข้าใกล้Cézanne เขาไม่ค่อยสร้างภาพเขียนที่มีความลึกมากนัก ร่างของเขาดูเหมือนจะยื่นออกมาจากภาพ รูปแบบของ Courbet ไม่ได้ขึ้นอยู่กับมุมมองหรือเรขาคณิต แต่ถูกกำหนดโดยสีและแสงเป็นหลักซึ่งเป็นตัวกำหนดปริมาตร วิธีการแสดงออกหลักของ Courbet คือสี ช่วงของเขาเข้มงวดมาก เกือบเป็นเอกรงค์ สร้างขึ้นจากฮาล์ฟโทนที่สมบูรณ์ โทนสีของมันเปลี่ยนไป โดยจะเข้มขึ้นและลึกขึ้นเมื่อชั้นสีหนาขึ้นและแน่นขึ้น ซึ่ง Courbet มักจะใช้ไม้พายแทนแปรง
ศิลปินบรรลุถึงความโปร่งใสของแสงในฮาล์ฟโทนซึ่งไม่ใช่ในลักษณะที่ปกติแล้วจะทำด้วยกระจก แต่โดยการทาชั้นสีหนาแน่นหนึ่งชั้นที่อยู่ติดกันในลำดับที่แน่นอน แต่ละโทนเสียงได้รับแสงของตัวเอง การสังเคราะห์ของพวกเขาถ่ายทอดบทกวีให้กับวัตถุใด ๆ ที่ Courbet บรรยาย เขายังคงเป็นเช่นนี้ในเกือบทุกสิ่งที่เขาทำ
ในปีพ.ศ. 2398 เมื่อ Courbet ไม่ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมนิทรรศการระดับนานาชาติ เขาได้เปิดนิทรรศการในค่ายทหารไม้ ซึ่งเขาเรียกว่า "ศาลาแห่งความสมจริง" และนำเสนอพร้อมกับแคตตาล็อกที่เขาสรุปหลักการของความสมจริง “สามารถถ่ายทอดคุณธรรม ความคิด รูปลักษณ์แห่งยุคของข้าพเจ้าตามการประเมินของข้าพเจ้าเอง ไม่ใช่แค่จิตรกรเท่านั้น แต่ยังเป็นคนด้วย กล่าวอีกนัยหนึ่งคือการสร้างงานศิลปะที่มีชีวิต - นี่คือเป้าหมายของฉัน” ศิลปินประกาศ คำประกาศของ Courbet สำหรับนิทรรศการปี 1855 ได้เข้าสู่งานศิลปะในฐานะโปรแกรมแห่งความสมจริง ต่อมาตัวอย่างของ Courbet ตามมาโดย Edouard Manet โดยเปิดนิทรรศการส่วนตัวของเขาที่ World Exhibition ปี 1867 ไม่กี่ปีต่อมาเช่นเดียวกับ Daumier Courbet ปฏิเสธ Order of the Legion of Honor ซึ่ง Napoleon III ต้องการดึงดูดศิลปิน
ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Courbet ได้สร้างผลงานเชิงโปรแกรมอย่างเปิดเผยหลายชิ้นที่อุทิศให้กับปัญหาสถานที่ของศิลปินในสังคม Courbet เรียกภาพวาดของเขา Atelier (1855) ว่า "สัญลักษณ์เปรียบเทียบที่แท้จริงที่กำหนดช่วงเวลาเจ็ดปีในชีวิตศิลปะของฉัน" ในนั้น ศิลปินจินตนาการว่าตัวเองอยู่ในสตูดิโอวาดภาพทิวทัศน์ วางนางแบบเปลือยไว้ตรงกลางองค์ประกอบภาพ เติมเต็มการตกแต่งภายในด้วยสาธารณชนที่อยากรู้อยากเห็น และวาดภาพเพื่อนของเขาท่ามกลางผู้ชื่นชมและผู้ชมที่ไม่ได้ใช้งาน แม้ว่าภาพจะเต็มไปด้วยความหลงตัวเองที่ไร้เดียงสา แต่ก็เป็นหนึ่งในภาพที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในแง่ของความงดงาม ความสามัคคีของสีถูกสร้างขึ้นบนโทนสีน้ำตาลโดยนำเสนอโทนสีชมพูอ่อนและสีน้ำเงินของผนังด้านหลังเฉดสีชมพูของชุดพี่เลี้ยงเด็กที่ถูกโยนทิ้งไปในเบื้องหน้าอย่างไม่ใส่ใจและเฉดสีอื่น ๆ อีกมากมายที่ใกล้เคียงกับโทนสีน้ำตาลหลัก . โปรแกรมที่เท่าเทียมกันคือภาพวาดอีกภาพหนึ่ง - "Meeting" (1854) ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในชื่อที่มอบให้ในการเยาะเย้ย - "สวัสดี Monsieur Courbet!" เพราะมันแสดงให้เห็นศิลปินด้วยสมุดสเก็ตช์ภาพบนไหล่และไม้เท้า ในมือของเขาพบกับนักสะสม Bruyat และคนรับใช้ของเขาบนถนนในชนบท แต่สิ่งสำคัญคือไม่ใช่ Courbet ซึ่งครั้งหนึ่งเคยยอมรับความช่วยเหลือจากผู้อุปถัมภ์ศิลปะผู้มั่งคั่ง แต่เป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะที่ถอดหมวกให้กับศิลปินที่เดินอย่างอิสระและมั่นใจโดยยกศีรษะขึ้นสูง แนวคิดในการวาดภาพ - ศิลปินไปตามทางของเขาเองเขาเลือกเส้นทางของเขาเอง - ทุกคนเข้าใจ แต่ได้รับการตอบรับที่แตกต่างกันและทำให้เกิดปฏิกิริยาผสม
ในสมัยของประชาคมปารีส Courbet เข้ามาเป็นสมาชิกของชุมชนนี้ และชะตากรรมของเขาก็เกี่ยวพันกับเธอ ในช่วงปีสุดท้ายของเขาเขาอาศัยอยู่ถูกเนรเทศในประเทศสวิตเซอร์แลนด์ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2420 ในช่วงเวลานี้ของชีวิต เขาได้วาดภาพสิ่งต่าง ๆ มากมายที่สวยงามด้วยการแสดงออกทางพลาสติก: การล่าสัตว์ ภูมิทัศน์ และสิ่งมีชีวิตซึ่งดังในหัวข้อ การวาดภาพ เขามองหารูปแบบสังเคราะห์ที่ยิ่งใหญ่ เขาให้ความสนใจอย่างมากในการถ่ายทอดความรู้สึกที่แท้จริงของพื้นที่และปัญหาของแสง แกมมาจะเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับแสง ภาพเหล่านี้เป็นภาพหินและลำธารของ Franche-Comté ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา ทะเลใกล้เมือง Trouville (“Stream in the Shadow”, 1867, “Wave”, 1870) ซึ่งทุกสิ่งทุกอย่างถูกสร้างขึ้นจากการไล่เฉดสีโปร่งใส การวาดภาพเหมือนจริงของ Courbet เป็นตัวกำหนดขั้นตอนต่อไปของการพัฒนาศิลปะยุโรปเป็นส่วนใหญ่
เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส เริ่มต้นด้วยการปฏิวัติในปี 1830 และจบลงด้วยสงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซียนและประชาคมปารีสในปี 1871 สะท้อนให้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในกราฟิกของหนึ่งในศิลปินชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Honore Daumier (1808- พ.ศ. 2422 (ค.ศ. 1879) ครอบครัวของช่างทำแก้วชาวมาร์กเซยผู้ยากจนซึ่งรู้สึกเหมือนเป็นกวี ประสบกับความยากลำบากแห่งความยากจน โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากย้ายจากมาร์กเซย์ไปปารีสในปี 1816 Daumier ไม่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะอย่างเป็นระบบเขาเพียงเข้าเรียนในสถาบันการศึกษาเอกชนที่เหมาะสมและเริ่มต้นเท่านั้น แต่ครูที่แท้จริงของเขาคือภาพวาดของปรมาจารย์ผู้เฒ่าโดยเฉพาะในศตวรรษที่ 17 และประติมากรรมโบราณซึ่งเขามีโอกาสศึกษาในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ตลอดจนผลงานของศิลปินร่วมสมัยแห่งขบวนการโรแมนติก ในตอนท้ายของยุค 20 Daumier เริ่มมีส่วนร่วมในการพิมพ์หินและได้รับชื่อเสียงในหมู่ผู้จัดพิมพ์ ชื่อเสียงของ Daumier มาจากการพิมพ์หิน "Gargantua" (1831) ซึ่งเป็นภาพล้อเลียนของ Louis Philippe ซึ่งเป็นภาพการกลืนทองคำและ "แจก" คำสั่งและอันดับเป็นการตอบแทน มีไว้สำหรับนิตยสารล้อเลียน แต่ไม่ได้ตีพิมพ์ในนั้น แต่จัดแสดงในหน้าต่างของบริษัท Aubert ซึ่งมีฝูงชนจำนวนมากที่ต่อต้านระบอบการปกครองของระบอบกษัตริย์เดือนกรกฎาคมรวมตัวกัน ในที่สุด Daumier ก็ถูกตัดสินจำคุก 6 เดือนและปรับ 500 ฟรังก์ ในเอกสารกราฟิกนี้ Daumier ศิลปินกราฟิกได้เอาชนะองค์ประกอบและการเล่าเรื่องที่มากเกินไป มุ่งสู่รูปแบบพลาสติกเชิงปริมาตรที่ยิ่งใหญ่ โดยหันไปใช้การเสียรูปเพื่อค้นหาการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของบุคคลหรือวัตถุที่ปรากฎ เทคนิคเดียวกันนี้ปรากฏให้เห็นในชุดประติมากรรมรูปปั้นครึ่งตัวของบุคคลสำคัญทางการเมืองของเขา ซึ่งทำด้วยดินเผาทาสีและเป็นขั้นตอนการเตรียมการสำหรับภาพพิมพ์หินซึ่ง Daumier มีส่วนร่วมมากที่สุดในช่วงเวลานี้
เขาตีความเหตุการณ์ในชีวิตประจำวันของการต่อสู้ทางการเมืองอย่างเหน็บแนม โดยใช้ภาษาสัญลักษณ์เปรียบเทียบและอุปมาอุปมัยอย่างเชี่ยวชาญ นี่คือภาพล้อเลียนของการประชุมเจ้าหน้าที่รัฐสภาของสถาบันพระมหากษัตริย์เดือนกรกฎาคม "สภานิติบัญญัติ" เกิดขึ้น การรวมตัวของผู้เฒ่าที่อ่อนแอไม่แยแสกับทุกสิ่งยกเว้นความทะเยอทะยานของพวกเขาพึงพอใจอย่างโง่เขลาและหยิ่งผยอง โศกนาฏกรรมและความแปลกประหลาด ความน่าสมเพชและร้อยแก้วขัดแย้งกันบนหน้าผลงานของ Daumier เมื่อเขาต้องการแสดงให้เห็นว่าสภาผู้แทนราษฎรเป็นเพียงการแสดงที่ยุติธรรม (“ ลงม่าน เรื่องตลกถูกเล่น”) หรือวิธีที่ กษัตริย์ทรงจัดการกับผู้เข้าร่วมการจลาจล (“อันนี้ปล่อยได้ฟรี เขาไม่เป็นอันตรายต่อเราอีกต่อไป”) แต่บ่อยครั้งที่ Daumier กลายเป็นโศกนาฏกรรมอย่างแท้จริงและจากนั้นเขาก็ไม่ใช้ถ้อยคำเสียดสีแม้แต่เรื่องพิสดารดังเช่นในภาพพิมพ์หินชื่อดัง "Rue Transnoen" ในห้องที่ถูกทำลาย ท่ามกลางผ้าปูที่นอนที่ยับยู่ยี่ มีร่างของชายคนหนึ่งถูกฆาตกรรม กำลังขยี้เด็กด้วยร่างของเขา ทางด้านขวาคือศีรษะของชายชราที่ตายแล้ว และด้านหลังคือร่างของผู้หญิงที่สุญูด นี่คือวิธีที่ฉากการตอบโต้ของทหารรัฐบาลต่อผู้อยู่อาศัยในบ้านในย่านชนชั้นแรงงานแห่งหนึ่งในช่วงเหตุการณ์ความไม่สงบในการปฏิวัติเมื่อวันที่ 15 เมษายน พ.ศ. 2377 ได้รับการถ่ายทอดอย่างกระชับอย่างยิ่ง งานส่วนตัวภายใต้มือของ Daumier ได้รับพลังของ โศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ ไม่ใช่โดยการเล่าขานวรรณกรรม แต่ด้วยวิธีการทางสายตาโดยเฉพาะด้วยความช่วยเหลือจากองค์ประกอบที่เชี่ยวชาญ Daumier ประสบความสำเร็จในโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่ในฉากที่เขาสร้างขึ้น ความสามารถในการนำเสนอเหตุการณ์เดียวในภาพศิลปะทั่วไป ความสามารถในการนำความบังเอิญมาใช้ในการให้บริการที่ยิ่งใหญ่ - ลักษณะที่มีอยู่ใน Daumier จิตรกรเช่นกัน
เมื่อนิตยสารการ์ตูนล้อเลียนยุติลงในปี พ.ศ. 2378 และห้ามปราศรัยต่อต้านกษัตริย์และรัฐบาล Daumier จึงทำงานเกี่ยวกับการ์ตูนล้อเลียนในชีวิตประจำวันและศีลธรรมในนิตยสาร Charivari ผลงานบางชิ้นประกอบขึ้นเป็นชุด "การ์ตูนล้อเลียน" (พ.ศ. 2379-2381) ในนั้นศิลปินต่อสู้กับลัทธิปรัชญา ความโง่เขลา และความหยาบคายของชนชั้นกระฎุมพี ต่อต้านระเบียบโลกของชนชั้นกระฎุมพีทั้งหมด ตัวละครหลักของซีรีส์นี้คือนักต้มตุ๋นที่เปลี่ยนอาชีพและมีความสนใจในการทำเงินไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม - Robert Macker (ดังนั้นชื่ออื่นของซีรีส์ - "Robert Macker") ประเภทและลักษณะทางสังคมสะท้อนให้เห็นโดย Daumier ในซีรีส์ต่างๆ เช่น "Parisian Impressions", "Parisian Types", "Marital Morals" (1838-1843) Daumier สร้างภาพประกอบเรื่อง “The Physiology of the Rentier” โดย Balzac นักเขียนที่ให้ความสำคัญกับเขาอย่างสูง (“เพื่อนคนนี้มีกล้ามเนื้อของ Michelangelo อยู่ใต้ผิวหนังของเขา” Balzac กล่าวถึง Daumier) ในยุค 40 Daumier ได้สร้างซีรีส์เรื่อง "Beautiful Days of Life", "Blue Stockings", "Representatives of Justice" และเยาะเย้ยความเท็จของศิลปะเชิงวิชาการด้วยการล้อเลียนตำนานโบราณ ("ประวัติศาสตร์โบราณ") แต่ทุกที่ที่ Daumier ปรากฏตัวไม่เพียงแต่เป็นนักสู้ที่กระตือรือร้นต่อความหยาบคาย ความหน้าซื่อใจคด และความหน้าซื่อใจคดเท่านั้น แต่ยังเป็นนักจิตวิทยาที่ฉลาดอีกด้วย การ์ตูนของ Daumier ไม่เคยถูกและเป็นการเยาะเย้ยอย่างผิวเผิน แต่ถูกทำเครื่องหมายด้วยการเสียดสีอันขมขื่นรู้สึกเจ็บปวดอย่างลึกซึ้งต่อความไม่สมบูรณ์ของโลกและธรรมชาติของมนุษย์
ในช่วงการปฏิวัติปี พ.ศ. 2391 Daumier หันไปเสียดสีทางการเมืองอีกครั้ง เขาประณามความขี้ขลาดและการทุจริตของชนชั้นกลาง ("สภาสุดท้ายของอดีตรัฐมนตรี", "ผู้หวาดกลัวและหวาดกลัว") เขาแสดงภาพร่างอันงดงามของอนุสาวรีย์ของสาธารณรัฐ ในด้านการพิมพ์หินและประติมากรรม Daumier สร้างภาพลักษณ์ของ "Ratapoile" ซึ่งเป็นตัวแทนของ Bonapartist ซึ่งเป็นศูนย์รวมของการทุจริต ความขี้ขลาด และการหลอกลวง
ในช่วงของจักรวรรดิที่สอง งานในนิตยสารทำให้ Daumier มีน้ำหนักมากอยู่แล้ว เขาเริ่มสนใจการวาดภาพมากขึ้นเรื่อยๆ แต่ในปี พ.ศ. 2421 เท่านั้นที่เพื่อน ๆ และผู้ชื่นชมได้จัดนิทรรศการภาพวาดของเขาเป็นครั้งแรกเพื่อระดมทุนให้กับศิลปินซึ่งไม่ได้รับการสนับสนุนด้านวัตถุใด ๆ ภาพวาดของ Daumier ดังที่นักวิจัยทุกคนตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องเกี่ยวกับผลงานของเขานั้นเต็มไปด้วยความเศร้าโศกในบางครั้ง - ความขมขื่นที่ไม่ได้พูด หัวข้อของภาพคือโลกของคนธรรมดาสามัญ: ร้านซักผ้า, คนส่งน้ำ, ช่างตีเหล็ก, ชาวเมืองที่ยากจน, ฝูงชนในเมือง การกระจายตัวขององค์ประกอบ - เทคนิคโปรดของ Daumier - ช่วยให้คุณสัมผัสได้ถึงสิ่งที่ปรากฎในภาพโดยเป็นส่วนหนึ่งของการกระทำที่เกิดขึ้นภายนอก ("Uprising", 1848?; "Family on the Barricade", 1848-1849; " รถยนต์ชั้น 3" ประมาณปี พ.ศ. 2405) ในการวาดภาพ Daumier ไม่ใช้ถ้อยคำเสียดสี พลวัตที่ถ่ายทอดผ่านท่าทางและการหมุนของร่างที่พบได้อย่างแม่นยำ และโครงสร้างภาพเงาของมันคือวิธีที่ศิลปินสร้างสรรค์ภาพที่มีความยิ่งใหญ่ (“The Laundress”) โปรดทราบว่าขนาดของภาพวาดของ Daumier นั้นมีขนาดเล็กเสมอเพราะภาพวาดขนาดใหญ่มักจะเกี่ยวข้องกับโครงเรื่องเชิงเปรียบเทียบหรือเชิงประวัติศาสตร์ Daumier เป็นคนแรกที่มีภาพวาดในธีมสมัยใหม่ฟังดูเหมือนผลงานที่ยิ่งใหญ่ - ในความสำคัญและรูปแบบที่แสดงออก ในเวลาเดียวกัน ภาพโดยรวมของ Daumier ยังคงมีชีวิตชีวาอย่างมาก เพราะเขาสามารถจับภาพสิ่งที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดได้ เช่น ท่าทาง การเคลื่อนไหว และท่าทาง
ในช่วงสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซียน Daumier ได้ผลิตภาพพิมพ์หินซึ่งต่อมารวมอยู่ในอัลบั้มชื่อ "The Siege" ซึ่งด้วยความขมขื่นและความเจ็บปวดอย่างมากเขาพูดถึงภัยพิบัติระดับชาติในภาพที่น่าเศร้าอย่างแท้จริง (“ จักรวรรดิคือโลก” - มีภาพคนตายโดยมีฉากหลังเป็นซากปรักหักพังที่สูบบุหรี่ “ ตกตะลึงกับมรดก” - บุคคลเชิงเปรียบเทียบของฝรั่งเศสในรูปแบบของผู้ไว้ทุกข์บนทุ่งแห่งความตายและที่ด้านบนมีหมายเลข "1871") ภาพพิมพ์หินชุดนี้จบลงด้วยแผ่นภาพต้นไม้หักตัดกับท้องฟ้าที่มีพายุ มันขาดวิ่น แต่รากของมันฝังลึกลงไปในดิน และมีหน่อสดปรากฏบนกิ่งก้านเดียวที่ยังมีชีวิตอยู่ และจารึกว่า “ฝรั่งเศสแย่!.. ลำต้นหัก แต่รากยังแข็งแรง” งานนี้ซึ่ง Daumier ทุ่มเทความรักและศรัทธาทั้งหมดของเขาในการอยู่ยงคงกระพันของผู้คนของเขานั้นเป็นพินัยกรรมทางจิตวิญญาณของศิลปิน เขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2422 โดยตาบอดสนิทเพียงลำพัง โดยถูกลืมเลือนและความยากจนโดยสิ้นเชิง
L. Venturi แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับคำพูดของปรมาจารย์ด้านวิชาการ Couture ซึ่ง Manet รุ่นเยาว์เริ่มศึกษาในเวิร์คช็อป: “ คุณจะไม่มีวันเป็นอย่างอื่นนอกจาก Daumier ในยุคของคุณ” กล่าวด้วยคำพูดเหล่านี้ Couture คาดการณ์ของ Manet อย่างไม่เต็มใจ เส้นทางสู่ความรุ่งโรจน์ แท้จริงแล้ว ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่หลายคน เช่น Cezanne, Degas และ Van Gogh ได้รับแรงบันดาลใจจาก Daumier ไม่ต้องพูดถึงศิลปินกราฟิกที่เกือบจะไม่มีข้อยกเว้นได้รับอิทธิพลจากพรสวรรค์ของเขา ความยิ่งใหญ่และความสมบูรณ์ของภาพของเขา นวัตกรรมที่โดดเด่นในการจัดองค์ประกอบ เสรีภาพในการถ่ายภาพ และความเชี่ยวชาญในการวาดภาพที่คมชัดและแสดงออกซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อศิลปะในระยะต่อไป
นอกจาก Daumier แล้ว Gavarni ยังทำงานด้านกราฟิกมาตั้งแต่ปี 1830 โดยเลือกธีมของ Daumier เพียงแง่มุมเดียวเท่านั้น: ภาพล้อเลียนเกี่ยวกับศีลธรรม แต่ยังรวมถึงชีวิตของโบฮีเมียทางศิลปะด้วยความสนุกสนานของงานรื่นเริงของนักเรียนบนฝั่งซ้ายของแม่น้ำแซน ในย่านลาติน ตามการสังเกตทั่วไปของนักวิจัยในช่วงทศวรรษที่ 1850 บันทึกที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงและเกือบจะน่าเศร้าปรากฏในภาพพิมพ์หินของเขา
กราฟิกภาพประกอบในเวลานี้นำเสนอโดยผลงานของ Gustave Doré ผู้สร้างจินตนาการอันมืดมนในวงจรการเรียบเรียงสำหรับพระคัมภีร์, Paradise Lost ของ Milton เป็นต้น
เมื่อสรุปการทบทวนศิลปะในช่วงกลางศตวรรษก็ควรจะกล่าวได้ว่าถัดจากศิลปะชั้นสูงของการเคลื่อนไหวที่สมจริงแล้วภาพวาดของร้านเสริมสวยยังคงมีอยู่ (จากชื่อห้องโถงแห่งหนึ่งของร้านเสริมสวยในจัตุรัสลูฟร์ซึ่งมีการจัดนิทรรศการ จัดขึ้นตั้งแต่ปี ค.ศ. 1667) การก่อตั้งเริ่มขึ้นในช่วงปีของระบอบกษัตริย์เดือนกรกฎาคม และเจริญรุ่งเรืองในช่วงจักรวรรดิที่สอง มันอยู่ไกลจากปัญหา "ความเจ็บปวด" ที่ลุกไหม้ในยุคสมัยของเรา แต่ตามกฎแล้วมีความโดดเด่นด้วยความเป็นมืออาชีพสูง: ไม่ว่าจะเป็นการพรรณนาถึงชีวิตของชาวกรีกโบราณเช่นเจอโรม ("หนุ่มชาวกรีกกำลังดูการชนไก่" Salon 1847) ตำนานโบราณ เช่นของ Cabanel (“The Birth of Venus”, Salon of 1863) หรือภาพวาดบุคคลในอุดมคติทางโลกและ “ประวัติศาสตร์ที่แต่งกาย” โดย Winterhalter หรือ Meissonnier ซึ่งเป็นส่วนผสมของความรู้สึกอ่อนไหวกับความเยือกเย็นทางวิชาการ ความเก๋ไก๋จากภายนอก และความอวดดีของ ลักษณะ "ความสง่างามของภาพและการพรรณนาถึงรูปแบบที่สง่างาม" ตามคำพูดที่เฉียบแหลมของนักวิจารณ์คนหนึ่ง
เพื่อไม่ให้กลับไปสู่ปัญหาวิวัฒนาการของการทาสีซาลอนเรามาดูกันทีหลัง โปรดทราบว่าภาพวาดร้านเสริมสวยของสาธารณรัฐที่สามก็มีความหลากหลายเช่นกัน นี่เป็นความต่อเนื่องโดยตรงของประเพณีการตกแต่งสไตล์บาโรกในภาพวาดของ Baudry (แผงสำหรับห้องโถงของ Paris Opera ซึ่งเป็นการผสมผสานที่งดงามตระการตาซึ่งผสมผสานอย่างลงตัวกับการตกแต่งภายในงานรื่นเริงที่ปิดทองของ Garnier) ในงานอนุสรณ์สถานของบอนน์ ( The Torment of St. Denis, Pantheon) และ Carolus-Durand ("The Triumph of Marie de Medici, โคมไฟเพดานของพระราชวังลักเซมเบิร์ก) ในภาพเขียนเชิงเปรียบเทียบอันแห้งแล้งของ Bouguereau และ "ภาพเปลือย" ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของ Enner หลายคนทำงานในการวาดภาพบุคคลทางโลกโดยสานต่อแนวของ Winterhalter (Bonna, Carolus-Durand) ภาพวาดประวัติศาสตร์และการต่อสู้ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในร้านเสริมสวย ฉากจากพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ ตำนานโบราณ ประวัติศาสตร์ยุคกลาง ชีวิตส่วนตัวของกษัตริย์มักจะถูกถ่ายทอดในรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวัน รายละเอียดตามธรรมชาติหรือในสัญลักษณ์ที่มีความหมาย สิ่งนี้ดึงดูดสาธารณชนทั่วไปให้มาเยี่ยมชมนิทรรศการของสาธารณรัฐที่สาม (ลอรองต์ “ การคว่ำบาตรของ Robert the Pious”, Salon 1875.; รายละเอียด “ Dream”, Salon 1888) ธีมตะวันออกซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของชาวโรแมนติกได้รับการพัฒนาโดย Eugene Fromentin ซึ่งเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกไม่ใช่สำหรับ "Falconry in Algeria" ของเขา แต่สำหรับหนังสือเกี่ยวกับงานศิลปะ "The Old Masters" เกี่ยวกับภาพวาดของ Flanders และ Holland ในวันที่ 17 ศตวรรษ. (พ.ศ. 2419) ในบรรดาศิลปินประเภทต่างๆ Bastien-Lepage (Country Love, 1882) และ Lhermitte เป็นผู้จัดแสดงผลงานที่ร้านเสริมสวยอยู่ตลอดเวลา แต่ธีมชาวนาภายใต้พู่กันของพวกเขาไม่มีทั้งความยิ่งใหญ่ของรูปแบบหรือความยิ่งใหญ่ของจิตวิญญาณของ Millet
เป็นภาพวาดร้านเสริมสวยที่รัฐซื้อมาตกแต่งผนังพิพิธภัณฑ์ลักเซมเบิร์กและคอลเลกชันของรัฐอื่น ๆ ซึ่งต่างจากภาพวาดของ Delacroix, Courbet หรือ Edouard Manet และผู้สร้างก็กลายเป็นอาจารย์ของโรงเรียนและสมาชิกของสถาบัน
กรอบของศิลปะร้านเสริมสวยไม่เหมาะกับผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น Puvis de Chavannes ผู้ซึ่งฟื้นคืนประเพณีของ Herculaneum และ Pompeii ในภาพเขียนขนาดใหญ่ (Pantheon, พิพิธภัณฑ์ Sorbonne, ศาลากลางแห่งใหม่ในปารีส) หรือ Gustave Moreau กับเขา ภาพลึกลับเหนือจริงที่ได้รับแรงบันดาลใจจากพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์หรือตำนานโบราณ
หนังสือเรียนนำเสนอเนื้อหาครอบคลุมประเด็นต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาวรรณกรรมภาษาฝรั่งเศสและอังกฤษในทิศทางสุนทรียศาสตร์นี้อย่างกระชับ นอกเหนือจากการนำเสนอเนื้อหาทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรมแล้ว คู่มือนี้ยังมีชิ้นส่วนจากงานศิลปะซึ่งกลายเป็นหัวข้อของการวิเคราะห์เชิงวิเคราะห์โดยละเอียด
* * *
ส่วนเกริ่นนำของหนังสือที่กำหนด ประวัติศาสตร์วรรณกรรมต่างประเทศศตวรรษที่ 19: สัจนิยม (O. N. Turysheva, 2014)จัดทำโดยพันธมิตรหนังสือของเรา - บริษัท ลิตร
ความสมจริงแบบฝรั่งเศส
ประการแรก ให้เราระลึกถึงเหตุการณ์สำคัญๆ ของประวัติศาสตร์ฝรั่งเศส ซึ่งเป็นหัวข้อที่ต้องเข้าใจในวรรณคดีเกี่ยวกับสัจนิยมหรือเกี่ยวข้องกับการพัฒนาอย่างมาก
พ.ศ. 2347–2357 - สมัยรัชสมัยของนโปเลียน (จักรวรรดิที่ 1)
พ.ศ. 2357–2373 - ช่วงเวลาแห่งการฟื้นฟู (การฟื้นฟูราชวงศ์บูร์บงซึ่งถูกโค่นล้มโดยการปฏิวัติฝรั่งเศส)
พ.ศ. 2373 (ค.ศ. 1830) - การล่มสลายของระบอบการฟื้นฟูอันเป็นผลมาจากการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมและการสถาปนาสถาบันกษัตริย์เดือนกรกฎาคม
พ.ศ. 2391 (ค.ศ. 1848) – การล่มสลายของระบอบกษัตริย์เดือนกรกฎาคมอันเป็นผลมาจากการปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์และการสถาปนาสาธารณรัฐที่สอง
พ.ศ. 2394 (ค.ศ. 1851) – การสถาปนาจักรวรรดิที่สองอันเป็นผลมาจากการรัฐประหารและการขึ้นสู่อำนาจของนโปเลียนที่ 3
พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) – ความพ่ายแพ้ในสงครามกับปรัสเซีย การถอดถอนนโปเลียนที่ 3 ออกจากอำนาจ และการประกาศสาธารณรัฐที่ 3
พ.ศ. 2414 (ค.ศ. 1871) – คอมมูนแห่งปารีส
การก่อตัวของความสมจริงแบบฝรั่งเศสเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 30 และ 40 ในเวลานี้ ความสมจริงยังไม่ได้ต่อต้านแนวโรแมนติก แต่มีปฏิสัมพันธ์กับมันอย่างมีประสิทธิผล ตามข้อมูลของ A. V. Karelsky เขา "โผล่ออกมาจากแนวโรแมนติกตั้งแต่วัยเด็กหรือวัยหนุ่มของเขา" ความสัมพันธ์ระหว่างความสมจริงของฝรั่งเศสในยุคแรกและแนวโรแมนติกนั้นชัดเจนในผลงานยุคแรกและผู้ใหญ่ของ Frederic Stendhal และ Honore de Balzac ผู้ซึ่งไม่ได้เรียกตัวเองว่านักสัจนิยม คำว่า "ความสมจริง" ที่เกี่ยวข้องกับปรากฏการณ์ที่พิจารณาในวรรณคดีเกิดขึ้นในภายหลังมาก - ในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 ดังนั้นจึงนำมาประยุกต์ย้อนหลังกับงานของ Stendhal และ Balzac. ผู้เขียนเหล่านี้เริ่มได้รับการพิจารณาว่าเป็นผู้ก่อตั้งสุนทรียศาสตร์ที่สมจริงแม้ว่าพวกเขาจะไม่ได้แตกแยกกับแนวโรแมนติกเลยก็ตาม แต่พวกเขาใช้เทคนิคโรแมนติกในการสร้างภาพของวีรบุรุษและพัฒนาธีมสากลของวรรณกรรมโรแมนติก - ธีมของการประท้วงของบุคคลต่อสังคม โดยทั่วไปแล้ว Stendhal เรียกตัวเองว่าเป็นคนโรแมนติก แม้ว่าการตีความแนวโรแมนติกที่เขาเสนอจะมีความเฉพาะเจาะจงมากและเห็นได้ชัดว่าคาดว่าจะมีการก่อตัวของการเคลื่อนไหวใหม่ซึ่งต่อมาเรียกว่าความสมจริงในวรรณคดีฝรั่งเศส ดังนั้นในบทความของเขาเรื่อง "Racine and Shakespeare" เขาจึงนิยามแนวโรแมนติกว่าเป็นศิลปะที่ควรสนองความต้องการของสาธารณชนในการทำความเข้าใจชีวิตสมัยใหม่
การโต้เถียงแบบเปิดด้วยความโรแมนติกและการปฏิเสธบทกวีโรแมนติกเกิดขึ้นในภายหลัง - ภายในกรอบของยุคหน้าในการพัฒนาวรรณกรรมที่สมจริง ช่วงเวลานี้กรอบลำดับเหตุการณ์ซึ่งเป็นช่วงทศวรรษที่ 50-60 ถูกแยกออกจากความสมจริงในยุคแรกโดยการปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์ปี พ.ศ. 2391 ซึ่งเรียกว่า "การประท้วงตามระบอบประชาธิปไตย" ซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อจำกัดอำนาจของชนชั้นสูงและพ่ายแพ้ ความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ การสถาปนาจักรวรรดิที่สอง และการมาถึงของยุคอนุรักษ์นิยมและการตอบโต้หลังปี 1850 ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกทัศน์ของนักเขียนและกวีชาวฝรั่งเศส ในที่สุดก็ทำให้มุมมองที่โรแมนติกของโลกเสื่อมเสีย เราจะดูการสะท้อนของการเปลี่ยนแปลงทางอุดมการณ์ในวรรณคดีโดยใช้ตัวอย่างผลงานของ Gustave Flaubert และ Charles Baudelaire
สัจนิยมของฝรั่งเศส ค.ศ. 1830–1840
เฟรเดริก สเตนดาล (1783–1842)
.
สเตนดาลเกิดที่เมืองเกรอน็อบล์ในจังหวัด หลังจากออกจากบ้านเกิดเมื่ออายุ 16 ปี ด้วยความหวังอันเปล่าประโยชน์ที่จะได้ประกอบอาชีพในเมืองหลวง เมื่ออายุ 17 ปี เขาได้สมัครเป็นทหารในกองทัพนโปเลียน และในฐานะผู้ตรวจสอบบัญชีและพลาธิการ ได้เข้าร่วมในบริษัทในยุโรปทั้งหมดของนโปเลียน การรณรงค์ของอิตาลีในการทำสงครามกับรัสเซียในปี พ.ศ. 2355 เขาได้เห็นการต่อสู้ที่ Borodino และสัมผัสกับความน่าสะพรึงกลัวของการล่าถอยจากรัสเซียของนโปเลียนเป็นการส่วนตัวซึ่งเขาอธิบายรายละเอียดไว้ในสมุดบันทึกของเขาอย่างไรก็ตามค่อนข้างแดกดัน ดังนั้นเขาจึงเปรียบเทียบการมีส่วนร่วมในการรณรงค์ของรัสเซียกับการจิบน้ำมะนาว นักเขียนชีวประวัติของ Stendhal อธิบายการประชดดังกล่าวในการบรรยายเหตุการณ์ที่น่าเศร้าอย่างลึกซึ้งว่าเป็นปฏิกิริยาป้องกันของจิตสำนึกที่ตกตะลึงโดยพยายามรับมือกับประสบการณ์ที่กระทบกระเทือนจิตใจด้วยการประชดและความองอาจ
ยุค "นโปเลียน" สิ้นสุดลงด้วยการ "อพยพ" เจ็ดปีของสเตนดาห์ลไปยังอิตาลี ความรู้อย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับศิลปะอิตาลีและความชื่นชมในคุณลักษณะประจำชาติของอิตาลีได้กำหนดแก่นเรื่องที่สำคัญที่สุดและเจาะจงในงานต่อมาของสเตนดาห์ล: การต่อต้านของชาวอิตาลีในฐานะผู้ถือธรรมชาติที่ครบถ้วนและหลงใหลต่อชาวฝรั่งเศสซึ่งธรรมชาติของชาติไร้สาระ ตามคำกล่าวของ Stendhal เขาได้ทำลายความสามารถในการเสียสละและความหลงใหล แนวคิดนี้ได้รับการพัฒนาอย่างละเอียดในบทความเรื่อง On Love (1821) โดยที่ Stendhal เปรียบเทียบความรัก-ความหลงใหล (ความรักแบบอิตาลี) กับความรัก-ความไร้สาระ (ความรู้สึกแบบฝรั่งเศส)
หลังจากการสถาปนาระบอบกษัตริย์ในเดือนกรกฎาคม สเตนดาลดำรงตำแหน่งกงสุลฝรั่งเศสในอิตาลี โดยสลับหน้าที่ทางการทูตกับกิจกรรมทางวรรณกรรม นอกเหนือจากการวิจารณ์ศิลปะ อัตชีวประวัติ ชีวประวัติ และวารสารศาสตร์การเดินทางแล้ว Stendhal ยังเป็นเจ้าของผลงานเรื่องสั้น (คอลเลกชัน "Italian Chronicles" (1829)) และนวนิยายที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Red and Black" (1830), "Red และสีขาว” (ยังไม่เสร็จ ), “อารามปาร์มา” (1839)
สุนทรียศาสตร์ของ Stendhal ถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของประสบการณ์ที่เกิดจากการเข้าร่วมในการรณรงค์ในรัสเซียของนโปเลียน งานด้านสุนทรียศาสตร์หลักของสเตนดาห์ลคือบทความเรื่อง Racine and Shakespeare (1825) ในนั้นความพ่ายแพ้ของนโปเลียนถูกตีความว่าเป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์วรรณกรรม: ตามที่ Stendhal กล่าวว่าประเทศที่รอดชีวิตจากการล่มสลายของจักรพรรดิต้องการวรรณกรรมใหม่ นี่ควรเป็นวรรณกรรมที่มุ่งเป้าไปที่การบรรยายภาพชีวิตสมัยใหม่ที่เป็นจริงและเป็นกลางและความเข้าใจในกฎอันลึกซึ้งของการพัฒนาอันน่าเศร้า
ความคิดของสเตนดาลเกี่ยวกับวิธีการบรรลุเป้าหมายนี้ (เป้าหมายของการพรรณนาถึงความทันสมัยอย่างเป็นรูปธรรม) มีอยู่แล้วในสมุดบันทึกช่วงแรกๆ ของเขา (ค.ศ. 1803–1804) ที่นี่สเตนดาห์ลได้กำหนดหลักคำสอนเรื่องการตระหนักรู้ในตนเองส่วนบุคคลในวรรณคดี ชื่อของมัน - "Bailism" - มาจากชื่อของ Henri Bayle เอง ("Stendhal" เป็นหนึ่งในนามแฝงของนักเขียน) ภายในกรอบของการประกันตัวความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมถือเป็นความรู้ทางวิทยาศาสตร์รูปแบบหนึ่งเกี่ยวกับมนุษย์นั่นคือเป็นวิธีการศึกษาเนื้อหาวัตถุประสงค์ของชีวิตจิตวิญญาณมนุษย์ จากมุมมองของสเตนดาห์ล ความรู้ดังกล่าวสามารถจัดหาได้จากวิทยาศาสตร์เชิงบวกและคณิตศาสตร์เป็นหลัก “ นำคณิตศาสตร์ไปประยุกต์ใช้กับหัวใจมนุษย์” - นี่คือวิธีที่ผู้เขียนกำหนดแก่นแท้ของวิธีการของเขา ในวลีนี้ คณิตศาสตร์หมายถึงแนวทางเชิงตรรกะ มีเหตุผล และเชิงวิเคราะห์อย่างเคร่งครัดในการศึกษาจิตใจของมนุษย์ ตามคำกล่าวของ Stendhal ตามเส้นทางนี้ เราสามารถระบุปัจจัยที่เป็นวัตถุประสงค์เหล่านั้นได้ภายใต้อิทธิพลที่ชีวิตภายในของบุคคลเป็นรูปเป็นร่าง เมื่อคำนึงถึงปัจจัยดังกล่าว สเตนดาห์ลจึงยืนกรานเป็นพิเศษต่อบทบาทของสภาพอากาศ สถานการณ์ทางประวัติศาสตร์ กฎหมายสังคม และประเพณีทางวัฒนธรรม ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของการประยุกต์ใช้วิธี "ทางคณิตศาสตร์" กับขอบเขตของความรู้สึกคือบทความ "On Love" (1821) ซึ่ง Stendhal วิเคราะห์ความรักจากมุมมองของกฎสากลของการพัฒนา แนวคิดหลักประการหนึ่งของบทความนี้เชื่อมโยงคุณลักษณะของประสบการณ์ความรักกับการเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมประจำชาติ สเตนดาห์ลถือว่าคนที่มีความรักเป็นผู้ถือลักษณะประจำชาติซึ่งเกือบจะเป็นตัวกำหนดพฤติกรรมความรักของเขาอย่างสมบูรณ์
ดังนั้นการวิเคราะห์จิตวิทยามนุษย์ผ่านการศึกษาปัจจัยภายนอกของพฤติกรรมของเขาตามความสำเร็จและวิธีการทางวิทยาศาสตร์เป็นไปตาม Stendhal ซึ่งเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการดำเนินงานโครงการวรรณกรรมในรูปแบบของความรู้เชิงวัตถุเกี่ยวกับสาระสำคัญ ของชีวิตจริง เป็นวรรณกรรมประเภทนี้ที่ผู้ร่วมสมัยที่รอดชีวิตจากการปฏิวัติและความพ่ายแพ้ของนโปเลียนต้องการ เหตุการณ์เหล่านี้ในประวัติศาสตร์ฝรั่งเศสตามที่ Stendhal กล่าวไว้ ได้ยกเลิกทั้งความเกี่ยวข้องของลัทธิคลาสสิก (ท้ายที่สุดแล้ว มันไม่ได้โดดเด่นด้วยความสมจริงในการพรรณนาถึงความขัดแย้ง) และความเกี่ยวข้องของการเขียนแนวโรแมนติก (ทำให้ชีวิตในอุดมคติ) อย่างไรก็ตาม สเตนดาห์ลยังเรียกตัวเองว่าโรแมนติก แต่เขาให้ความหมายที่แตกต่างจากชื่อตัวเองนี้มากกว่าชื่อที่ได้รับมอบหมายให้เป็นแนวโรแมนติกในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 30 สำหรับเขา ยวนใจเป็นศิลปะที่สามารถบอกบางสิ่งที่สำคัญเกี่ยวกับชีวิตสมัยใหม่ ปัญหาและความขัดแย้งของมัน
สเตนดาห์ลยังได้ประกาศความเข้าใจในวรรณกรรมดังกล่าว ซึ่งโต้แย้งด้วยการปฏิเสธที่จะพรรณนาร้อยแก้วแห่งชีวิตในนวนิยายเรื่อง "แดงและดำ" โดยโรแมนติก
เนื้อเรื่องของนวนิยายเรื่องนี้เป็นคำอธิบายห้าปีในชีวิตของ Julien Sorel ชายหนุ่มที่มีต้นกำเนิดทางสังคมต่ำซึ่งหมกมุ่นอยู่กับความตั้งใจอันไร้ประโยชน์ในการได้รับตำแหน่งที่คู่ควรในสังคม เป้าหมายของเขาไม่ใช่แค่ความเป็นอยู่ที่ดีในสังคมเท่านั้น แต่ยังเป็นการเติมเต็ม "หน้าที่ที่กล้าหาญ" ที่เขากำหนดไว้ด้วยตนเอง Julien Sorel เชื่อมโยงหน้าที่นี้กับการตระหนักรู้ในตนเองอย่างสูงซึ่งเป็นตัวอย่างที่เขาพบในร่างของนโปเลียน - "ผู้หมวดที่ไม่รู้จักและยากจน" ซึ่ง "กลายเป็นผู้ปกครองโลก" ความปรารถนาที่จะดำเนินชีวิตตามไอดอลและ "พิชิต" สังคมเป็นแรงจูงใจหลักในพฤติกรรมของฮีโร่ เริ่มต้นอาชีพของเขาในฐานะครูสอนพิเศษให้กับลูกหลานของนายกเทศมนตรีของเมือง Verrieres จังหวัดเขาประสบความสำเร็จในตำแหน่งเลขานุการของขุนนางชาวปารีส Marquis de La Mole กลายเป็นเจ้าบ่าวของลูกสาวของเขา Matilda แต่เสียชีวิตด้วยกิโยตินหลังจากถูกตัดสินลงโทษ ของการพยายามฆ่าคนรักคนแรกของเขาซึ่งเป็นแม่ของนักเรียน Verrieres ของเขา มาดามเดอเรนัลซึ่งเปิดเผยเขาโดยไม่เจตนาในสายตาของ M. de La Mole ในฐานะผู้ล่อลวงลูกสาวของเขาอย่างเห็นแก่ตัว เรื่องราวเกี่ยวกับเรื่องนี้แม้จะพิเศษแต่เป็นเรื่องราวส่วนตัวที่มาพร้อมคำบรรยาย “พงศาวดารแห่งศตวรรษที่ 19” คำบรรยายนี้ทำให้โศกนาฏกรรมของ Julien Sorel เป็นเสียงทั่วไป: มันไม่เกี่ยวกับชะตากรรมของบุคคลแต่ละคน แต่เกี่ยวกับแก่นแท้ของตำแหน่งของบุคคลในสังคมฝรั่งเศสในยุคฟื้นฟู Julien Sorel เลือกความหน้าซื่อใจคดเป็นวิธีหนึ่งในการตระหนักถึงคำกล่าวอ้างอันทะเยอทะยานของเขา ฮีโร่ไม่ได้จินตนาการถึงวิธีอื่นใดในการยืนยันตนเองในสังคมที่ทำให้สิทธิมนุษยชนต้องพึ่งพาต้นกำเนิดทางสังคมโดยตรง อย่างไรก็ตาม “กลยุทธ์” ที่เขาเลือกขัดแย้งกับศีลธรรมตามธรรมชาติและความอ่อนไหวสูง เบื่อหน่ายกับวิธีการที่เลือกไว้เพื่อให้บรรลุเป้าหมาย แต่ฮีโร่ยังคงฝึกฝนพวกเขาโดยอาศัยความจริงที่ว่าบทบาทที่เขาเล่นจะช่วยให้มั่นใจว่าการเข้าสังคมของเขาจะประสบความสำเร็จ ความขัดแย้งภายในที่ฮีโร่ประสบสามารถอธิบายได้ว่าเป็นการเผชิญหน้าในใจของเขาระหว่างสองนางแบบ - นโปเลียนและทาร์ทัฟ: Julien Sorel ถือว่านโปเลียนเป็นแบบจำลองสำหรับการดำเนินการตาม "หน้าที่ของวีรบุรุษ" แต่เรียกทาร์ทัฟว่า "ครู" ของเขาซึ่ง กลยุทธ์พฤติกรรมที่เขาทำซ้ำ
อย่างไรก็ตาม ความขัดแย้งในใจของฮีโร่ยังคงคลี่คลายลงทีละน้อย สิ่งนี้เกิดขึ้นในตอนที่บรรยายถึงอาชญากรรมของเขา และการจำคุกและการพิจารณาคดีที่ตามมา การพรรณนาถึงอาชญากรรมในนวนิยายเรื่องนี้เป็นเรื่องผิดปกติ: ผู้เขียนไม่มีคำอธิบายประกอบ ดังนั้นแรงจูงใจในการพยายามลอบสังหารมาดามเดอเรนัลของจูเลียน โซเรลจึงดูเหมือนไม่สามารถเข้าใจได้ นักวิจัยผลงานของ Stendhal เสนอผลงานหลายฉบับ ตามที่หนึ่งในนั้นการยิงไปที่ Madame de Renal เป็นปฏิกิริยาหุนหันพลันแล่นของฮีโร่ต่อการเปิดเผยความยุติธรรมซึ่งเขาอดไม่ได้ที่จะรับรู้และในขณะเดียวกันก็เป็นการแสดงออกถึงความผิดหวังอย่างหุนหันพลันแล่นใน "วิญญาณเทวดา" ของมาดาม เดอ เรนัล พวกเขากล่าวว่าในสภาวะแห่งความสิ้นหวังที่โกรธเกรี้ยวฮีโร่กล่าวว่าเป็นครั้งแรกที่กระทำการที่ไม่ได้ควบคุมโดยเหตุผลและเป็นครั้งแรกที่กระทำตามนิสัย "อิตาลี" ที่หลงใหลของเขาซึ่งเป็นอาการที่จนถึงขณะนี้เขามี ถูกระงับเพื่อเป้าหมายในอาชีพการงาน
ในอีกเวอร์ชันหนึ่ง อาชญากรรมของฮีโร่ถูกตีความว่าเป็นทางเลือกที่มีสติ ซึ่งเป็นความพยายามอย่างมีสติในสถานการณ์ที่เกิดภัยพิบัติเพื่อให้ยังคงปฏิบัติตามหน้าที่ที่กำหนดไว้ในการตระหนักรู้ในตนเองในระดับสูง ตามการตีความนี้ฮีโร่เลือกการทำลายตนเองแบบ "กล้าหาญ" อย่างมีสติ: เพื่อตอบสนองต่อข้อเสนอที่มีกำไรจาก Marquis de La Mole ซึ่งพร้อมที่จะจ่าย Julien สำหรับคำสัญญาของเขาที่จะออกจาก Matilda ฮีโร่จึงยิง Madame de Renal การกระทำที่ดูเหมือนบ้าบอนี้ตามแผนของฮีโร่ ควรหักล้างความสงสัยทั้งหมดที่ว่าเขาได้รับแรงบันดาลใจจากผลประโยชน์ของตนเอง “ฉันถูกดูถูกอย่างโหดร้ายที่สุด ฉันฆ่าแล้ว” เขาจะพูดในภายหลังโดยยืนกรานในพฤติกรรมของเขาที่มีเนื้อหาสูง
ภาพสะท้อนในคุกของฮีโร่บ่งบอกว่าเขากำลังประสบกับการประเมินค่านิยมใหม่ Sorel อยู่คนเดียวยอมรับว่าทิศทางชีวิตของเขาผิด เขาระงับความรู้สึกที่แท้จริงเพียงอย่างเดียว (ความรู้สึกต่อมาดามเดอเรนัล) เพื่อเป้าหมายที่ผิดพลาด - เป้าหมายของการขัดเกลาทางสังคมที่ประสบความสำเร็จซึ่งเข้าใจว่าเป็น "หน้าที่ที่กล้าหาญ" ผลลัพธ์ของ "การรู้แจ้งทางจิตวิญญาณ" ของฮีโร่ (การแสดงออกของ A.V. Karelsky) คือการปฏิเสธที่จะอยู่ในสังคมเนื่องจากตามที่ Julien Sorel กล่าวมันย่อมทำให้บุคคลหนึ่งถึงความหน้าซื่อใจคดและการบิดเบือนบุคลิกภาพของเขาโดยสมัครใจอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ฮีโร่ไม่ยอมรับความเป็นไปได้ของความรอด (สามารถทำได้ค่อนข้างมากโดยต้องเสียค่าใช้จ่ายในการกลับใจ) และแทนที่จะพูดคนเดียวที่มีความผิดเขากล่าวสุนทรพจน์กล่าวหาต่อสังคมสมัยใหม่ด้วยเหตุนี้จึงลงนามในหมายมรณกรรมของเขาเองอย่างมีสติ ดังนั้นการล่มสลายของแนวคิดเรื่อง "หน้าที่ของวีรบุรุษ" ส่งผลให้เกิดการฟื้นฟูตัวตนที่แท้จริงของฮีโร่ การปฏิเสธหน้ากากและเป้าหมายที่ผิดพลาด และในทางกลับกัน ทำให้เกิดความผิดหวังในที่สาธารณะ ชีวิตและการจากไปอย่างมีสติภายใต้สัญลักษณ์ของการประท้วงอย่างกล้าหาญโดยไม่มีเงื่อนไข
คุณลักษณะที่โดดเด่นของสไตล์ของสเตนดาห์ลในนวนิยายเรื่อง "แดงและดำ" คือการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาเชิงลึก หัวข้อนี้ไม่ได้เป็นเพียงจิตวิทยาและจิตสำนึกของบุคคลที่ขัดแย้งกับโลกสังคมและกับตัวเขาเองเท่านั้น แต่ยังเป็นการตระหนักรู้ในตนเองนั่นคือความเข้าใจของฮีโร่เองเกี่ยวกับแก่นแท้ของกระบวนการที่เกิดขึ้นในจิตวิญญาณของเขา สเตนดาห์ลเองก็เรียกสไตล์ของเขาว่า "อัตตา" เนื่องจากเน้นไปที่การพรรณนาชีวิตภายในของฮีโร่ผู้ไตร่ตรอง สไตล์นี้พบการแสดงออกในการทำซ้ำการต่อสู้ระหว่างหลักการที่ขัดแย้งกันสองประการในใจของ Julien Sorel: ความประเสริฐ (ความสูงส่งตามธรรมชาติของธรรมชาติของฮีโร่) และฐาน (กลวิธีเสแสร้ง) ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ชื่อของนวนิยายเรื่องนี้มีการต่อต้านของสองสี (สีแดงและสีดำ) บางทีมันอาจเป็นสัญลักษณ์ของความขัดแย้งภายในที่ฮีโร่ประสบตลอดจนความขัดแย้งของเขากับโลก
วิธีการหลักในการสร้างจิตวิทยาของฮีโร่ขึ้นมาใหม่คือการวิจารณ์ของผู้เขียนและบทพูดคนเดียวภายในของฮีโร่ เพื่อเป็นตัวอย่าง เรานำเสนอชิ้นส่วนจากบทสุดท้ายของนวนิยายเรื่องนี้ซึ่งบรรยายถึงประสบการณ์ของ Julien Sorel ก่อนการประหารชีวิต
“เย็นวันหนึ่ง จูเลียนคิดอย่างจริงจังว่าเขาควรฆ่าตัวตายหรือไม่ จิตวิญญาณของเขาถูกทรมานด้วยความสิ้นหวังอย่างสุดซึ้งซึ่งการจากไปของมาดามเดอเรนัลทำให้เขาจมดิ่งลง ไม่มีอะไรครอบงำเขาอีกต่อไป ทั้งในชีวิตจริงหรือในจินตนาการของเขา<…>มีบางสิ่งที่สูงส่งและไม่มั่นคงปรากฏขึ้นในตัวเขา เหมือนกับนักเรียนหนุ่มชาวเยอรมัน เขาสูญเสีย...ความภาคภูมิใจอันกล้าหาญของเขาไปอย่างเงียบๆ”
ความต่อเนื่องของชิ้นส่วนก่อให้เกิดบทพูดภายในของฮีโร่:
“ฉันรักความจริง... และมันอยู่ที่ไหน?.. ทุกหนทุกแห่งมีความหน้าซื่อใจคดหรืออย่างน้อยก็เป็นคนหลอกลวง แม้แต่ในหมู่ผู้มีคุณธรรมสูงสุด แม้แต่ในหมู่ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดก็ตาม! - และริมฝีปากของเขาโค้งงอด้วยความรังเกียจ - ไม่ บุคคลไม่สามารถไว้วางใจบุคคลได้<…>ความจริงอยู่ที่ไหน? อยู่ในศาสนาหรือเปล่า...<…>โอ้ถ้ามีศาสนาที่แท้จริงในโลกนี้!..<…>แต่ทำไมฉันถึงยังเป็นคนหน้าซื่อใจคดสาปแช่งคนหน้าซื่อใจคด? ท้ายที่สุดแล้ว ไม่ใช่ความตาย ไม่ใช่คุก ไม่ใช่ความชื้น แต่เป็นความจริงที่ว่า Madame de Renal ไม่ได้อยู่กับฉัน - นั่นคือสิ่งที่ทำให้ฉันหดหู่<…>
– นี่คืออิทธิพลของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน! – เขาพูดออกมาดัง ๆ หัวเราะอย่างขมขื่น – ฉันกำลังพูดกับตัวเองเพียงลำพัง ห่างจากความตายไปสองก้าว แต่ฉันก็เป็นคนหน้าซื่อใจคด... โอ้ ศตวรรษที่ 19!<…>และเขาก็หัวเราะเหมือนหัวหน้าปีศาจ “ช่างเป็นบ้าอะไรที่ต้องคาดเดาคำถามสำคัญๆ เหล่านี้!”
1. ฉันไม่หยุดเป็นคนหน้าซื่อใจคดราวกับว่ามีคนที่นี่ที่ฟังฉัน
2. ฉันลืมที่จะมีชีวิตอยู่และรัก ในเมื่อฉันเหลือเวลาอยู่อีกไม่กี่วัน…”
การวิเคราะห์เชิงลึกของส่วนนี้ชัดเจน: ให้ทั้งการวิเคราะห์ของผู้เขียนเกี่ยวกับสภาพจิตใจของฮีโร่และการวิเคราะห์ที่ฮีโร่เองก็ดำเนินการโดยสัมพันธ์กับเหตุผลและประสบการณ์ของเขา การนับวิทยานิพนธ์ที่พระเอกทำเน้นย้ำถึงลักษณะการวิเคราะห์ของความคิดของเขาเป็นพิเศษ
ออนอเร เดอ บัลซัค (1799–1850)
ข้อเท็จจริงพื้นฐานของชีวประวัติและความคิดสร้างสรรค์ .
บัลซัคมาจากครอบครัวของข้าราชการซึ่งมีบรรพบุรุษเป็นชาวนาชื่อบัลซา พ่อของเขาแทนที่นามสกุลของครอบครัวด้วยเวอร์ชันชนชั้นสูง "บัลซัค" และผู้เขียนเองก็เพิ่มคำนำหน้าอันสูงส่ง "de" เข้าไปด้วย จากการสังเกตของ A. V. Karelsky บัลซัครุ่นเยาว์อยู่ในประเภทจิตวิทยาที่สเตนดาห์ลแสดงในรูปของจูเลียน โซเรล ด้วยความหลงใหลในความกระหายชื่อเสียงและความสำเร็จ Balzac แม้จะศึกษาด้านกฎหมาย แต่ก็เลือกวรรณกรรมเป็นขอบเขตแห่งการยืนยันตนเองซึ่งในตอนแรกเขาคิดว่าเป็นแหล่งรายได้ที่ดี ในช่วงทศวรรษที่ 20 โดยใช้นามแฝงต่างๆ เขาได้ตีพิมพ์นวนิยายที่มีจิตวิญญาณแบบโกธิก ทีละเล่ม โดยมีเป้าหมายหลักคือได้รับค่าลิขสิทธิ์สูง ต่อจากนั้นเขาจะเรียกยุค 20 ว่าเป็น "ความขี้อายทางวรรณกรรม" (ในจดหมายถึงน้องสาวของเขา)
เชื่อกันว่าความคิดสร้างสรรค์ของ Balzac ของแท้เริ่มต้นขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 30 ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 30 Balzac ได้พัฒนาแผนดั้งเดิมซึ่งเป็นแนวคิดในการผสมผสานผลงานทั้งหมดของเขาให้เป็นวงจรเดียวโดยมีเป้าหมายในการพรรณนาชีวิตของสังคมฝรั่งเศสร่วมสมัยที่กว้างที่สุดและหลากหลายที่สุด ในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 ชื่อของวงจรได้ถูกสร้างขึ้น - "The Human Comedy" ชื่อนี้สื่อถึงการพาดพิงถึง Divine Comedy ของดันเตหลายคุณค่า
การดำเนินการตามแผนอันยิ่งใหญ่ดังกล่าวจำเป็นต้องมีงานจำนวนมหาศาลและเกือบจะเสียสละ: นักวิจัยคำนวณว่าบัลซัคเขียนข้อความมากถึง 60 หน้าทุกวันโดยอุทิศตัวเองให้กับงานอย่างเป็นระบบโดยรับเข้ามาจาก 18 ถึง 20 ชั่วโมงต่อวัน
ในเชิงองค์ประกอบแล้ว “Human Comedy” (เช่นเดียวกับ “Divine Comedy” ของดันเต้) ประกอบด้วยสามส่วน:
– “ Etudes on Morals” (ผลงาน 71 ชิ้นที่โด่งดังที่สุดคือเรื่องสั้น“ Gobsek”, นวนิยาย“ Eugenia Grande”, “ Père Goriot”, “ Lost Illusions”);
– “การศึกษาเชิงปรัชญา” (ผลงาน 22 เรื่อง รวมถึงนวนิยายเรื่อง “Shagreen Skin”, เรื่อง “The Unknown Masterpiece”);
– “การศึกษาเชิงวิเคราะห์” (ผลงานสองชิ้นที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “สรีรวิทยาของการแต่งงาน”)
สุนทรียศาสตร์ของบัลซัคเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของความคิดทางวิทยาศาสตร์ในสมัยของเขา และประการแรกคือวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ใน “คำนำ” ถึง “The Human Comedy” (1842) บัลซัคหมายถึงแนวคิดของเจฟฟรอย เดอ แซงต์-ฮิแลร์ บรรพบุรุษของดาร์วิน ซึ่งเป็นศาสตราจารย์ด้านสัตววิทยาผู้หยิบยกแนวคิดเรื่องความสามัคคีของทั้งมวล โลกอินทรีย์ ตามแนวคิดนี้ ธรรมชาติที่มีชีวิตซึ่งมีความหลากหลายทั้งหมด เป็นตัวแทนของระบบเดียว ซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนการพัฒนาสิ่งมีชีวิตอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากรูปแบบระดับล่างไปสู่ระดับสูง บัลซัคใช้แนวคิดนี้เพื่ออธิบายชีวิตทางสังคม สำหรับเขา “สังคมก็เหมือนธรรมชาติ” (ตามที่เขาเขียนไว้ใน “คำนำ” ของ “Human Comedy”) และดังนั้นจึงเป็นตัวแทนของสิ่งมีชีวิตที่เป็นส่วนประกอบ มีการพัฒนาตามกฎแห่งวัตถุประสงค์และตรรกะของเหตุและผลบางประการ
ศูนย์กลางความสนใจของบัลซัคอยู่ที่ชนชั้นกลางร่วมสมัยซึ่งก็คือชนชั้นกลาง ซึ่งเป็นเวทีในการวิวัฒนาการของโลกสังคม แผนของบัลซัคมุ่งเป้าไปที่การค้นหากฎหมายที่เป็นรูปธรรมซึ่งกำหนดแก่นแท้ของชีวิตชนชั้นกลาง
ชุดแนวคิดที่อธิบายไว้ได้กำหนดหลักการพื้นฐานด้านสุนทรียภาพของความคิดสร้างสรรค์ของบัลซัค มาแสดงรายการกัน
1. ความปรารถนาที่จะมีภาพลักษณ์ที่เป็นสากลและครอบคลุมทุกด้านของสังคมฝรั่งเศส มีการนำเสนออย่างชัดเจนในโครงสร้างการเรียบเรียงของส่วนแรกของ "Human Comedy" - "Etudes on Morals" นวนิยายชุดนี้ประกอบด้วยหกส่วนตามแง่มุมของชีวิตทางสังคมที่พวกเขาสำรวจ: "ฉากชีวิตส่วนตัว", "ฉากชีวิตในชนบท", "ฉากชีวิตชาวปารีส", "ฉากชีวิตทหาร", "ฉากการเมือง ชีวิต”, “ภาพชีวิตหมู่บ้าน” ในจดหมายถึง Evelina Ganskaya บัลซัคเขียนว่า "Etudes on Morals" จะพรรณนาถึง "ปรากฏการณ์ทางสังคมทุกอย่าง ดังนั้น [ไม่มีอะไร]<…>จะไม่ถูกลืม”
2. เน้นภาพลักษณ์ของสังคมเป็นระบบเดียวคล้ายกับสิ่งมีชีวิตตามธรรมชาติ ตัวอย่างเช่น พบการแสดงออกในลักษณะของ The Human Comedy คือการมีความเชื่อมโยงที่หลากหลายที่สุดระหว่างตัวละครที่อยู่ในระดับที่แตกต่างกันมากของบันไดทางสังคม ดังนั้นขุนนางในโลกของบัลซัคจึงกลายเป็นผู้ถือปรัชญาทางศีลธรรมแบบเดียวกับนักโทษ แต่ทัศนคตินี้แสดงให้เห็นโดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยหลักการของตัวละคร "ผ่าน": ใน "The Human Comedy" ฮีโร่จำนวนหนึ่งย้ายจากงานหนึ่งไปอีกงานหนึ่ง ตัวอย่างเช่น Eugene Rastignac (เขาปรากฏใน "ฉาก" เกือบทั้งหมดตามที่ Balzac อธิบายเอง) หรือนักโทษ Vautrin ตัวละครดังกล่าวทำให้แนวคิดของบัลซัคเป็นรูปธรรมอย่างชัดเจนว่าชีวิตทางสังคมไม่ใช่กลุ่มของเหตุการณ์ที่แตกต่างกัน แต่เป็นความสามัคคีภายในกรอบที่ทุกสิ่งเชื่อมโยงกับทุกสิ่งทุกอย่าง
3. มุ่งเน้นการศึกษาชีวิตของสังคมจากมุมมองทางประวัติศาสตร์ บัลซัคใน "คำนำ" ตำหนิวิทยาศาสตร์ประวัติศาสตร์ในสมัยของเขาโดยไม่สนใจประวัติศาสตร์ศีลธรรม โดยเน้นย้ำถึงลักษณะทางประวัติศาสตร์ของ "ตลกมนุษย์" ความทันสมัยสำหรับเขาเป็นผลมาจากการพัฒนาประวัติศาสตร์ทางธรรมชาติ เขาเห็นว่าจำเป็นต้องมองหาต้นกำเนิดในเหตุการณ์การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ในปี ค.ศ. 1789 ไม่ใช่เพื่ออะไรที่เขาเรียกตัวเองว่าเป็นนักประวัติศาสตร์ของชีวิตชนชั้นกลางสมัยใหม่ และเรียก The Human Comedy ว่า "หนังสือเกี่ยวกับฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 19"
จบส่วนเกริ่นนำ
ความสมจริงแบบฝรั่งเศส
ความสมจริงของยุค 30-40
ความสมจริงคือการสะท้อนความเป็นจริงตามความเป็นจริงและเป็นกลาง ความสมจริงเกิดขึ้นในฝรั่งเศสและอังกฤษภายใต้เงื่อนไขแห่งชัยชนะของคำสั่งชนชั้นกลาง การต่อต้านสังคมและข้อบกพร่องของระบบทุนนิยมเป็นตัวกำหนดทัศนคติเชิงวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงของนักเขียนแนวสัจนิยมที่มีต่อระบบทุนนิยม พวกเขาประณามการขัดสนเรื่องเงิน ความไม่เท่าเทียมทางสังคมที่โจ่งแจ้ง ความเห็นแก่ตัว และความหน้าซื่อใจคด ในความเด็ดเดี่ยวทางอุดมการณ์ มันกลายเป็นความสมจริงเชิงวิพากษ์วิจารณ์ ควบคู่ไปกับแนวคิดมนุษยนิยมและความยุติธรรมทางสังคม ในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 30 และ 40 Opore de Balzac ได้สร้างผลงานที่สมจริงที่สุดของเขา ซึ่งเขียนเรื่อง "Human Comedy" จำนวน 95 เล่ม; Victor Hugo - "Notre Dame de Paris", "ปีที่เก้าสิบสาม", "Les Miserables" ฯลฯ
โพสต์บน Ref.rf
Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "การศึกษาความรู้สึก", "Salambo" Prosper Merimo - ปรมาจารย์เรื่องสั้น "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen" ผู้แต่งบทละครประวัติศาสตร์พงศาวดาร "Chronicle of the Times of Charles10” `` ฯลฯ
โพสต์บน Ref.rf
ในยุค 30 และ 40 ในประเทศอังกฤษ Charles Dickens เป็นนักเสียดสีและนักอารมณ์ขันที่โดดเด่น ผลงานของเขา "Dombey and Son", "Hard Times", "Great Expectations" ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของความสมจริง William Makepeace Thackeray ในนวนิยายเรื่อง "Vanity Fair" ในงานประวัติศาสตร์ "The History of Henry Esmond" และในการรวบรวมบทความเสียดสี "The Book of Snobs" แสดงให้เห็นเป็นรูปเป็นร่างถึงความชั่วร้ายที่มีอยู่ในสังคมชนชั้นกลาง ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมของประเทศสแกนดิเนเวียได้รับการสะท้อนไปทั่วโลก ก่อนอื่นนี่คือผลงานของนักเขียนชาวนอร์เวย์: Heinrich Ibsen - ละครเรื่อง "A Doll's House" ("Nora"), "Ghosts", "Enemy of the People" เรียกร้องให้มีการปลดปล่อยบุคลิกภาพของมนุษย์จากชนชั้นกลางที่หน้าซื่อใจคด ศีลธรรม ละครของบียอร์นสันเรื่อง "ล้มละลาย", "เกินกำลังของเรา" และบทกวี Knut Hamsun - นวนิยายแนวจิตวิทยา "Hunger", "Mysteries", "Pan", "Victoria" ซึ่งพรรณนาถึงการกบฏของบุคคลต่อสภาพแวดล้อมของชาวฟิลิสเตีย
การปฏิวัติในปี 1789ᴦ. ช่วงเวลาแห่งการต่อสู้ทางการเมืองอันเข้มข้น ในฝรั่งเศส ระบอบการเมือง 5 ประการมีการเปลี่ยนแปลง: 1.) ช่วงปี ค.ศ. 1795 - 1799 ของสารบบ 2.) ช่วงปี 1799 - 1804 ของสถานกงสุลของนโปเลียน 3) พ.ศ. 2347 - พ.ศ. 2357 - ช่วงเวลาของจักรวรรดินโปเลียนและสงคราม 4) พ.ศ. 2358 - พ.ศ. 2373 - ช่วงเวลาแห่งการฟื้นฟู 5) พ.ศ. 2373 - พ.ศ. 2391 ช่วงเวลาของระบอบกษัตริย์เดือนกรกฎาคม 6) การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2391 การเสริมสร้างความเข้มแข็งของชนชั้นกระฎุมพี ความสมจริงในฝรั่งเศสเป็นรูปเป็นร่างทั้งทางทฤษฎีและเป็นคำพูด วรรณคดีแบ่งออกเป็นสองขั้นตอน: Balzacian และ Flaubertian ฉัน) 30-ปี ความสมจริง หมายถึง การสืบพันธุ์ของปรากฏการณ์ทางธรรมชาติต่างๆ ยุค 40 ความสมจริง - ฉากสำหรับการพรรณนาถึงชีวิตสมัยใหม่ ไม่เพียงแต่ขึ้นอยู่กับจินตนาการเท่านั้น แต่ยังอาศัยการสังเกตโดยตรงด้วย คุณสมบัติ: 1) การวิเคราะห์ชีวิต 2) ยืนยันหลักการของการพิมพ์ 3) หลักการของวัฏจักร 4) การปฐมนิเทศต่อวิทยาศาสตร์ 5) การสำแดงของจิตวิทยา ประเภทชั้นนำคือนวนิยาย ครั้งที่สอง) 50 วินาทีจุดเปลี่ยนในแนวคิดเรื่องความสมจริงซึ่งเกี่ยวข้องกับงานภาพของ Courbet เขาและ Chanfleury ได้กำหนดโปรแกรมใหม่ขึ้นมา ร้อยแก้ว ความจริงใจ ความเป็นกลางในสิ่งที่สังเกต
เบรันจ์ ปิแอร์-ฌอง- นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ผลงานชิ้นสำคัญประเภทนี้ชิ้นแรกของบีคือแผ่นพับของเขา นโปเลียนฉัน: ``King Iveto'', ``บทความทางการเมือง'' แต่ความรุ่งเรืองของการเสียดสีของ B. ตกอยู่ที่ยุคแห่งการฟื้นฟู การกลับคืนสู่อำนาจของ Bourbons และบรรดาขุนนางผู้อพยพซึ่งไม่ได้เรียนรู้อะไรและไม่ลืมอะไรเลยในช่วงหลายปีของการปฏิวัติกระตุ้นให้เกิดเพลงและแผ่นพับชุดยาวใน B. ซึ่งระบบสังคมและการเมืองทั้งหมดของ ยุคสมัยพบภาพสะท้อนเสียดสีที่ยอดเยี่ยม พวกเขาดำเนินต่อไปด้วยเพลงแผ่นพับที่ต่อต้าน หลุยส์ ฟิลิปป์เป็นตัวแทนของชนชั้นกระฎุมพีทางการเงินบนบัลลังก์ ในเพลงเหล่านี้ซึ่ง B. เองเรียกว่าลูกศรที่ยิงใส่บัลลังก์, โบสถ์, ระบบราชการ, ชนชั้นกลาง, กวีปรากฏเป็นทริบูนทางการเมืองผ่านความคิดสร้างสรรค์บทกวีที่ปกป้องผลประโยชน์ของลัทธิปรัชญาที่ทำงานซึ่งมีบทบาทในการปฏิวัติ ยุคของบีซึ่งต่อมาส่งต่อไปยังชนชั้นกรรมาชีพในที่สุด ในการต่อต้านนโปเลียนในรัชสมัยของเขา บี. ยืนยันลัทธิความทรงจำของเขาในช่วงบูร์บงและหลุยส์ ฟิลิปป์ ในบทเพลงของวัฏจักรนี้ นโปเลียนมีอุดมคติในฐานะตัวแทนของอำนาจการปฏิวัติที่เกี่ยวข้องกับมวลชน แรงจูงใจหลักของวัฏจักรนี้: ศรัทธาในพลังแห่งความคิด อิสรภาพในฐานะความดีเชิงนามธรรม และไม่ใช่ผลลัพธ์ที่แท้จริงของการต่อสู้ทางชนชั้น ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งที่เกี่ยวข้องกับความรุนแรง ("ความคิด", "ความคิด") ในเพลงหนึ่งในรอบนี้ B. เรียกครูของเขาว่า: โอเว่น, ลา ฟงแตน, ฟูริเยร์. ดังนั้นเราจึงมีผู้ติดตามลัทธิสังคมนิยมยุคก่อนมาร์กเซียนยูโทเปียอยู่เบื้องหน้าเรา บทกวีชุดแรกทำให้เขาไม่ได้รับความโปรดปรานจากผู้บังคับบัญชาในมหาวิทยาลัยที่เขารับใช้ในขณะนั้น คอลเลกชันที่สอง ข. ถูกดำเนินคดีซึ่งสิ้นสุดในโทษจำคุกสามเดือน ฐานดูหมิ่นศีลธรรม คริสตจักร และอำนาจของกษัตริย์ คอลเลกชันที่สี่ส่งผลให้ผู้เขียนได้รับโทษจำคุกครั้งที่สอง คราวนี้เป็นเวลา 9 เดือน ด้วยเหตุนี้การมีส่วนร่วมของ B. ในชีวิตทางการเมืองในความหมายที่ถูกต้องของคำ (หากเราไม่เกี่ยวข้องกับผลของการปฏิวัติของเพลง) ส่งผลให้เกิดรูปแบบที่ค่อนข้างปานกลางเป็นต้น
โพสต์บน Ref.rf
ในรูปแบบของการสนับสนุนพวกเสรีนิยมในการปฏิวัติปี 1830 ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา B. ถอนตัวจากชีวิตสาธารณะโดยตั้งรกรากใกล้ปารีสย้ายงานของเขาจากแรงจูงใจทางการเมืองไปสู่สังคมพัฒนาพวกเขาด้วยจิตวิญญาณของประชานิยม ("Red Jeanne" , "คนจรจัด", "ฌาคส์" ฯลฯ)
บัลซัค, โอนอร์เร่(Balzac, Honoré de) (1799–1850) นักเขียนชาวฝรั่งเศสผู้สร้างภาพชีวิตทางสังคมในยุคของเขาขึ้นมาใหม่ ความพยายามที่จะสร้างรายได้มหาศาลในธุรกิจการพิมพ์และการพิมพ์ (พ.ศ. 2369-2371) ทำให้บัลซัคมีหนี้สินจำนวนมาก เขาหันมาเขียนนวนิยายอีกครั้งในปี พ.ศ. 2372 ช่วงสุดท้าย. นี่เป็นหนังสือเล่มแรกที่ตีพิมพ์ภายใต้ชื่อของเขาเอง พร้อมด้วยคำแนะนำตลกๆ สำหรับสามี สรีรวิทยาของการแต่งงานพ.ศ. 2372 (ค.ศ. 1829) เธอดึงดูดความสนใจของสาธารณชนมายังผู้เขียนคนใหม่ จากนั้นงานหลักในชีวิตของเขาก็เริ่มขึ้น: ในปี 1830 งานแรก ฉากชีวิตส่วนตัวซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่ต้องสงสัย บ้านแมวเล่นบอลในปีพ.ศ. 2374 ครั้งแรก นวนิยายและเรื่องราวเชิงปรัชญา. บัลซัคทำงานเป็นนักข่าวอิสระเป็นเวลาหลายปี แต่ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2373 ถึง พ.ศ. 2391 ความพยายามหลักของเขาคือการอุทิศให้กับนวนิยายและเรื่องราวมากมายซึ่งเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในชื่อ ตลกของมนุษย์ในปีพ.ศ. 2377 บัลซัคมีแนวคิดที่จะเชื่อมโยงผลงานที่เขียนขึ้นตั้งแต่ปี พ.ศ. 2372 กับผลงานในอนาคตที่มีตัวละครร่วมกัน และรวมเข้าด้วยกันเป็นมหากาพย์ ซึ่งต่อมาเรียกว่า "Human Comedy" บัลซัคได้รวบรวมแนวคิดเรื่องการพึ่งพาซึ่งกันและกันในระดับสากลในโลก โดยคิดการศึกษาศิลปะที่ครอบคลุมเกี่ยวกับสังคมและมนุษย์ชาวฝรั่งเศส กรอบปรัชญาของอาคารทางศิลปะแห่งนี้คือวัตถุนิยมในศตวรรษที่ 18 ทฤษฎีวิทยาศาสตร์ธรรมชาติร่วมสมัยกับบัลซัค และละลายองค์ประกอบของ คำสอนลึกลับ Human Comedy มีสามส่วน I. ภาพร่างมารยาท: 1) ฉากชีวิตส่วนตัว; 2) ฉากชีวิตในต่างจังหวัด 3) ฉากชีวิตชาวปารีส 4) ฉากชีวิตทางการเมือง 5) ฉากชีวิตทหาร 6) ฉากชีวิตในชนบท ครั้งที่สอง การศึกษาเชิงปรัชญา สาม. การศึกษาเชิงวิเคราะห์ สิ่งเหล่านี้เป็นวงกลมสามวงที่ไต่ขึ้นจากข้อเท็จจริงไปสู่สาเหตุและรากฐาน (ดูคำนำของ The Human Comedy, Collected
โพสต์บน Ref.rf
soch., เล่ม 1, M., I960) “Human Comedy” รวมผลงาน 90 เรื่อง บัลซัค บีเป็นนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่คนแรกที่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับภูมิหลังทางวัตถุและ "รูปลักษณ์" ของตัวละครของเขา ต่อหน้าเขา ไม่มีใครวาดภาพความใฝ่ฝันและอาชีพที่โหดเหี้ยมเป็นแรงจูงใจหลักในชีวิต กอบเซกพ.ศ. 2373) ใน ผลงานชิ้นเอกที่ไม่รู้จัก (1831), เอฟเจเนีย แกรนด์, จดหมายถึงคนแปลกหน้าเกี่ยวกับความรักต่อคุณหญิงชาวโปแลนด์