โรงละครรัสเซียแห่งแรกของศตวรรษที่ 19 ชีวิตการแสดงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 การแสดงตลก การแสดง และละครเป็นประเภทยอดนิยม แม้ว่าภายใต้อิทธิพลของความรู้สึกสาธารณะ เพลงก็เปลี่ยนไป: มันยังคงโดดเด่นด้วยโครงเรื่องเบา ๆ แต่วงกลมของตัวละครก็ขยายออกไป: เจ้าหน้าที่ผู้ช่วยผู้บังคับการเรือ ชาวสลัม และชาวรัสเซียก็ปรากฏตัวบนเวที มันเหมาะกับรสนิยม ละครได้รับความนิยม: มันบอกเป็นนัยถึงบางสิ่งที่ไม่สามารถพูดได้โดยตรง ประเภทของละครประโลมโลกและตลกเล็ก ๆ ที่แสดงถึงชีวิตของคนทั่วไปได้รับการพัฒนา

ความสำคัญและความเกี่ยวข้องของบทละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19

แต่งานเหล่านี้ง่ายเกินไปสำหรับผู้ชมที่มีความคิดซึ่งต้องการเห็นความเป็นจริงที่แท้จริงบนเวทีพร้อมกับปัญหาทางสังคม คุณธรรม และปรัชญา หัวข้อที่เร่งด่วนที่สุดคือการดึงดูดความทันสมัยของรัสเซีย

สิ่งนี้กำหนดลักษณะละครและละครของโรงละครแห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งทำให้เกิดคำถามที่สำคัญที่สุด:

• ปัญหาของพ่อและลูก
• ตำแหน่งของผู้หญิง
• การปฏิบัติที่ทุจริต
• เสรีภาพส่วนบุคคลของบุคคล

วีรบุรุษแห่งยุคใหม่คือผู้มีปัญญาสามัญ: นี่คืออุดมคติของผู้ชมที่ถูกครอบงำด้วยแนวคิดเรื่องประชาธิปไตยและประชานิยม

Ostrovsky - การทดลองครั้งแรกกับความเป็นจริงของรัสเซีย

แก่นแท้ของความเป็นจริงของรัสเซียได้รับศูนย์รวมที่สมบูรณ์ที่สุดในผลงานของ บทละครของ Ostrovsky บรรยายถึงแง่มุมที่ไม่น่าดูที่สุดของชีวิต: การกักตุน, ความไม่รู้, ผู้หญิงรัสเซียจำนวนมาก, ตำแหน่งที่น่าอับอายของปัญญาชน เปิดเผยถึงลักษณะความขัดแย้งทางศีลธรรมและสังคมของความเป็นจริงร่วมสมัยแก่ผู้ชม บทบาทพิเศษในละครและคอเมดี้ของเขาคือการตีความทางจิตวิทยาของพฤติกรรมและลักษณะของตัวละคร

Ostrovsky ได้สร้างวิธีการละครแบบใหม่ซึ่งเริ่มพูดถึงปัญหาที่เกี่ยวข้องกับสังคมรัสเซีย .

หมู่บ้านหลังการปฏิรูป: การปะทะกันของค่านิยมปิตาธิปไตยและระบบทุนนิยม

ปัญหาเร่งด่วนที่สุดประการหนึ่งของยุค 60-70 มีคำถามเกี่ยวกับสถานการณ์ของชาวนา: หมู่บ้านหลังการปฏิรูป, การทำลายโครงสร้างปิตาธิปไตย, ความสัมพันธ์ระหว่างโลกทุนนิยมและโลกเกษตรกรรม ปัญหาเหล่านี้ทำให้ผู้ชมกังวลและสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักเขียนบทละคร

ผลงานชิ้นแรก ๆ คือบทละคร A.F. Pisemsky “ชะตากรรมอันขมขื่น”. ในนั้นเป็นครั้งแรกบนเวทีรัสเซียที่มีการนำเสนอภาพลักษณ์ของชาวนาในอุดมคติ: ขยันหมั่นเพียรทำงานหนักมีมโนธรรมซึ่งเมื่อก่ออาชญากรรมแล้วยังยอมจำนนต่อมือแห่งความยุติธรรมไม่สามารถรับมือกับความรู้สึกได้ ของความรู้สึกผิด แต่ผู้ชมมีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างเยือกเย็นต่อละครเรื่องนี้: มันไม่ได้ประณามความเป็นทาส, ภาพลักษณ์ของนายช่างนุ่มนวลเกินไป, และบทละครของหญิงชาวนารัสเซียยังไม่ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่

อุทิศให้กับหัวข้อระบบทุนนิยมซึ่งส่งผลเสียต่อชนบท ละครโดย V. A. Krylov "ใกล้เงิน". ยุคใหม่นำมาซึ่งความเมาสุรา ความมึนเมา ความกระหายผลกำไรมาสู่หมู่บ้าน และตามที่ผู้เขียนกล่าวไว้ ทำลายอุดมคติแห่งศีลธรรมและความบริสุทธิ์ Krylov เชื่อว่าลัทธิทุนนิยมคือสิ่งชั่วร้ายที่นำไปสู่ความเสื่อมโทรมส่วนบุคคล

ปัญหาที่คล้ายกันเป็นเรื่องปกติสำหรับ ละครโดย L.N. Tolstoy “พลังแห่งความมืด”. ผู้เขียนพรรณนาถึงหมู่บ้านในรัสเซียซึ่งเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจ หลักการทางศีลธรรมกำลังถูกทำลาย และโลกทุนนิยมซึ่งพยายามจะบังคับใช้กฎหมายของตัวเอง ก็เป็นศัตรูกับชีวิตของชาวนารัสเซีย รากฐานเก่ากำลังพังทลายลง: เงินมีบทบาทสำคัญในความสัมพันธ์ระหว่างผู้คน ผู้พิทักษ์ประเพณีเสียชีวิต อาชญากรรมร้ายแรงต่อมโนธรรม ศีลธรรม และบุคลิกภาพมีความมุ่งมั่นบนพื้นฐานของผลประโยชน์ส่วนตัวเท่านั้น แต่ฮีโร่ในบทละครของตอลสตอยไม่ได้สูญเสียตัวเองไปโดยสิ้นเชิงในที่สุดพวกเขาก็เห็นแสงสว่างและกลับใจอย่างสุดซึ้ง

เมื่อพูดถึงชะตากรรมของหมู่บ้านรัสเซียนักเขียนบทละครให้ความสนใจเป็นพิเศษกับปัญหาทางศีลธรรมของกระบวนการใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ของสังคม พวกเขาสนใจความขัดแย้งระหว่างวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ การทำลายหลักศีลธรรม การเกิดขึ้นของชาวนารูปแบบใหม่ และปัญหาในอนาคต

ละครประวัติศาสตร์: ประเภทใหม่สำหรับโรงละครรัสเซีย

โรงละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 เปิดตัวในละคร ประเภทละครอิงประวัติศาสตร์. เหตุผลในการปรากฏตัวคือความสนใจในประวัติศาสตร์รัสเซียที่เพิ่มขึ้น ในตอนแรก ละครจะถูกจัดแสดงบนเวทีโดยที่องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์เป็นเพียงพื้นหลังของโครงเรื่องแนวเมโลดราม่า:

“Goff-Junker” โดย Kukolnik, “Oprichnina” และ “Ice House” โดย Lazhechnikov

อย่างไรก็ตาม ต่อมาความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ก็ปรากฏให้เห็น การเล่นเริ่มขึ้น

“ The Tsar’s Bride” ของ L. Mey ต่อด้วยบทละครของ Ostrovsky เรื่อง “ Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, “ Tushino”, “ การสังหารหมู่ของ Mamaevo” ของ D. V. Averkiev, “ Kashirskaya Antiquity”, “ The Death of Ivan the Terrible” ของ A. K. Tolstoy

ผู้เขียนพยายามค้นหาคำอธิบายในอดีตเกี่ยวกับกระบวนการที่เกิดขึ้นในชีวิตทางสังคมและการเมืองของรัสเซีย แต่ละคนมีแนวทางที่แตกต่างกัน: Ostrovsky และ Tolstoy ประณามลัทธิเผด็จการ Averkiev ทำให้วิถีชีวิตแบบดั้งเดิมในอุดมคติ

ความสมจริงของบทละครที่แยกจากความเป็นจริง

ความต้องการความสมจริงบนเวทีในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 บางครั้งก็นำไปสู่การพรรณนาความเป็นจริงตามแผนผัง ผลงานที่เสร็จสมบูรณ์อย่างมีเหตุผลกลายเป็นชุดภาพวาดซึ่งผู้เขียนได้กำหนดความคิดของเขาขึ้นมา ความพยายามที่จะอธิบายความสัมพันธ์ระหว่างเหตุและผลของปรากฏการณ์นี้หรือปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงอย่างละเอียดถี่ถ้วน บางครั้งนำไปสู่ความเบื่อหน่ายและไร้การแสดงออก นักเขียนบทละครสร้างละครครึ่งละครและครึ่งคอเมดี้ เกณฑ์ด้านสุนทรียภาพคือความเป็นจริงของรัสเซียที่แท้จริง แต่ความเป็นจริงนี้ในทุกรูปแบบเป็นสิ่งที่แปลกแยกจากความสมจริงอย่างแท้จริง ความลึกซึ้งความจริงใจและจิตวิทยาได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่การดูถูกความงามที่แท้จริงก็ปรากฏขึ้นโดยที่โรงละครไม่สามารถดำรงอยู่ได้ในรูปแบบศิลปะ สิ่งนี้นำไปสู่ขบวนการสร้างกระดูกเกือบจะสมบูรณ์ของประเภทละคร

นักเขียนบทละครส่วนใหญ่พยายามปฏิบัติตามประเพณีของ Ostrovsky แต่พวกเขาคัดลอกความเป็นจริงเท่านั้นโดยพยายามทำให้มีศีลธรรมอย่างไม่เหมาะสม บทละครของพวกเขาห่างไกลจากวรรณกรรมของแท้มากขึ้นเรื่อยๆ และสามารถสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมที่มีรสนิยมแย่มากเท่านั้น ฉากเวทีสูญเสียความจริงของภาพและสูญเสียความเป็นเอกเทศไป ฉากต่างๆ ย้ายจากละครหนึ่งไปอีกเรื่องหนึ่ง บ่อยครั้งไม่เกี่ยวข้องกับธรรมชาติของงาน เช่นเดียวกับเครื่องแต่งกายของตัวละคร

ศิลปะการแสดงแห่งศตวรรษ

การแสดงได้รับความเดือดร้อน นักแสดงคัดลอกสไตล์การเล่นของ Sadovsky แต่เสริมด้วยเอฟเฟกต์อันไพเราะ เชื่อกันว่าไม่จำเป็นต้องซ้อมบทบาท: แรงบันดาลใจควรพูดเพื่อนักแสดง

การละเลยการพัฒนาบทบาทและการผลิตเสียงทำให้การเคลื่อนไหวแบบพลาสติกและความสวยงามของเกมหายไป นักแสดงต้องการลอกเลียนแบบรุ่นก่อนโดยไม่ต้องเจาะลึกถึงตัวละครและเนื้อหาของบทละคร

ศิลปะการแสดงก็เสื่อมถอยลง มักเกิดขึ้นว่ามีนักแสดงหนึ่งคนและคนพิเศษไร้ความสามารถมากมาย พวกเขาไม่สามารถเข้าถึงบทละครคลาสสิกได้ โมเดลเก่าหายไป โมเดลใหม่ไม่ปรากฏ และแทนที่จะแสดงภาพผู้คน มีเพียงบทบาทของพวกเขาเท่านั้นที่ถูกนำเสนอบนเวที โรงละครกำลังพังทลาย และชีวิตที่นักแสดงและนักเขียนบทละครพยายามอย่างหนักที่จะรวบรวมเอาไว้ก็กำลังจะจากไป

ความสมจริงในโรงละครรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 หลุดลอยไปจากชีวิตจริง และแทนที่ด้วยการแสดงที่ผิดพลาด ปัญหานี้ได้รับการแก้ไขเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

คุณชอบมันไหม? อย่าซ่อนความสุขของคุณจากโลก - แบ่งปันมัน

สถาบันการศึกษางบประมาณของรัฐบาลกลาง

การศึกษาวิชาชีพชั้นสูง

"มหาวิทยาลัยสถาปัตยกรรมศาสตร์และวิศวกรรมโยธา Nizhny Novgorod"

คณะสถาปัตยกรรมศาสตร์และการวางผังเมือง

ภาควิชาประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมแห่งชาติ

หัวข้อ: “ชีวิตการแสดงละครของรัสเซียใน ศตวรรษที่สิบเก้า»

เสร็จสิ้นโดย: Kolosova E.V. ปีที่ 1

ตรวจสอบโดย: รองศาสตราจารย์ A.V. Grebenyuk

นิจนี นอฟโกรอด

การแนะนำ

บทที่ 1 ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะการแสดงละคร

1การเกิดขึ้นของโรงละครภาครัฐและเอกชน อุปกรณ์และการควบคุม

2 ละคร

บทที่ 3 นักเขียนบทละครและนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่

บทสรุป

การแนะนำ

ในศตวรรษที่ 19 โรงละครกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซีย และความนิยมในศิลปะการแสดงละครก็เพิ่มมากขึ้น ไม่เพียงแต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตทางสังคมและเป็นศูนย์กลางของการสื่อสารทางสังคมของเมืองหลวงและประชาชนในจังหวัดเท่านั้น แต่ยังเป็นปัจจัยสำคัญในชีวิตสาธารณะและรูปแบบการแสดงออกที่เป็นเอกลักษณ์ จิตสำนึกสาธารณะ. ในยุคของเรา ความสนใจในศิลปะการแสดงละครไม่ได้หายไป ดังนั้นหัวข้อที่ฉันเลือกยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน ศตวรรษที่ 19 ในชีวิตของโรงละครรัสเซียคือ "ยุคทอง" ซึ่งเป็นช่วงที่พวกเขาถูกสร้างขึ้น ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดละครคลาสสิก, โรงเรียนการแสดงรัสเซีย นี่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาโรงละครรัสเซียและวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียโดยทั่วไป

จุดประสงค์ของการเขียนเรียงความของฉันคือเพื่อเพิ่มพูนความรู้ของฉันในด้านนี้เพื่อประเมินผล ศตวรรษที่ 19เป็นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซีย

ในการทำเช่นนี้ ฉันต้องศึกษาเนื้อหาจำนวนมากเกี่ยวกับประวัติศาสตร์การพัฒนาศิลปะการแสดงละครของรัสเซีย ค้นหาว่ากระแสในโรงละครเปลี่ยนแปลงไปอย่างไร เรียนรู้เกี่ยวกับนักเขียนบทละครและนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

งานของฉันประกอบด้วย 2 บทที่ฉันจะพยายามเปิดเผยหัวข้อของฉันให้ครบถ้วนที่สุด

บทที่ 1 ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในศิลปะการแสดงละคร

1 การเกิดขึ้นของโรงละครภาครัฐและเอกชน อุปกรณ์และการควบคุม

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 โรงละครป้อมปราการประจำจังหวัดยังคงเปิดดำเนินการต่อไป แม้ว่าโรงละครดังกล่าวจำนวนมากที่สุดจะตั้งอยู่ในมอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: จากโรงละครป้อมปราการในเมือง 103 แห่ง, 53 แห่งดำเนินการในมอสโก, 27 แห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและ 23 แห่งในเมืองอื่น ๆ ของยุโรปรัสเซีย ในเวลาเดียวกันการแพร่กระจายของสถาบันการแสดงละครในบริเวณรอบนอกมีความสำคัญ: ในจังหวัดมอสโกมีโรงละคร 63 แห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - 30 แห่งใน Penza, Kursk, Oryol, Nizhny Novgorod - 5-7, Vladimir, Voronezh, Smolensk, Poltava - 2-4 และสุดท้ายใน Vologda, Volyn, Pskov, Simbirsk - 1 โรงละครต่อจังหวัด

การดำรงอยู่อย่างต่อเนื่องของโรงละครสาธารณะเอกชนนั้นขึ้นอยู่กับความต้องการของผู้ชม โรงละครสามารถดำรงอยู่ได้เฉพาะในเมืองเหล่านั้นซึ่งมีผู้ชมละครตามความจำเป็นเท่านั้น ตัวอย่างเช่นโรงละครของเจ้าของที่ดิน Esipov ในคาซานซึ่งเป็นศูนย์กลางการค้าการบริหารและวัฒนธรรมขนาดใหญ่ของภูมิภาคโวลก้าตอนกลางและตอนล่างและโรงละครของเจ้าชาย Shakhovsky ใน นิจนี นอฟโกรอด. ความใกล้ชิดกับงาน Makaryevskaya Fair หลังนี้มีส่วนทำให้มีความเจริญรุ่งเรือง โรงละครโนฟโกรอดก่อตั้งขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 และได้รับการสร้างขึ้นใหม่และขยายในปี พ.ศ. 2354 มีกล่อง 27 กล่อง ที่นั่งในแผงลอย 100 ที่นั่ง เก้าอี้ 50 ที่นั่ง และในแกลเลอรี 200 ที่นั่ง ฤดูละครโดดเด่นด้วยระยะเวลาที่ยาวนาน: มีการแสดงสัปดาห์ละสามครั้งตั้งแต่เดือนกันยายนถึงกลางเดือนมิถุนายน

โรงละคร Kamensky ในเมือง Orel ซึ่ง Herzen บรรยายในภายหลังในเรื่อง "The Thieving Magpie" มีชื่อเสียงมาก Kamensky โดดเด่นด้วยความโหดร้ายการกดขี่ข่มเหงและนิสัยใจคอมากมาย อย่างไรก็ตามความหลงใหลในโรงละครอย่างจริงใจช่วยให้เขาสร้างคณะที่ยอดเยี่ยมได้ซึ่งนักแสดงตลก Kozlov และนักแสดงที่มีพรสวรรค์ Kozmina โดดเด่นเป็นพิเศษ ในปีพ. ศ. 2361 Kamensky พยายามซื้อนักแสดงเสิร์ฟชื่อดัง M. S. Shchepkin แต่เจ้าชาย Repnin เอาชนะเขา

อย่างไรก็ตาม การฟื้นฟูโรงละครเสิร์ฟในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 นั้นเกิดขึ้นได้ไม่นาน ในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 พวกเขาหยุดอยู่จริงโดยหลีกทางให้กับคณะละครส่วนตัวที่ประกอบด้วยนักแสดงพลเรือนและกลุ่มโรงละครของรัฐ

โรงละครของรัฐหรือที่เรียกกันว่าโรงละครของรัฐปรากฏในเมืองหลวงของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 มีหลายแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นี่ โรงละครในพระราชวังในอาศรม แกรนด์เธียเตอร์- อาคารสี่ชั้นขนาดใหญ่ตั้งอยู่ระหว่าง Moika และคลอง Catherine และโรงละคร Maly สร้างขึ้นในปี 1801 โดยสถาปนิก Brenna ใกล้สะพาน Anichkov นอกเหนือจากโอเปร่า บัลเล่ต์ และคณะละครของรัสเซียแล้ว ยังมีชาวต่างชาติแสดงที่นั่น - ฝรั่งเศสและอิตาลี มีการใช้เงินจำนวนมากโดยเฉพาะในการบำรุงรักษาส่วนหลัง

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ระบบการจัดการโรงละครของรัฐในเมืองหลวงได้รับการจัดโครงสร้างใหม่ และมีการก่อตั้งการผูกขาดการแสดงละครขึ้น ในปีพ.ศ. 2346 มีการออกพระราชกฤษฎีกาให้โรงละครของรัฐมีสิทธิ์แต่เพียงผู้เดียวในการจัดงานสวมหน้ากากในที่สาธารณะและจัดพิมพ์ โปสเตอร์โรงละคร. ในเวลาเดียวกัน โรงละครเอกชนที่เปิดดำเนินการในสามเมืองก็ปิดตัวลง ดังนั้นในปี 1803 คณะละครส่วนตัวจึงถูกชำระบัญชีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและคณะละครของเยอรมันในปี 1805 และโรงละครที่ครอบครองบนจัตุรัสพระราชวังก็กลายเป็นของรัฐ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2348 การผูกขาดโรงละครของจักรวรรดิในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ก่อตั้งขึ้นอย่างเป็นทางการ แรงจูงใจเบื้องหลังมาตรการนี้คือการพิจารณาทางการเมืองและเศรษฐกิจ ความนิยมที่เพิ่มขึ้นของการแสดงละคร การอภิปรายบนหน้านิตยสาร และความปรารถนาของสาธารณชนที่ก้าวหน้าในการเปลี่ยนโรงละครให้กลายเป็นเวทีสำหรับแนวคิดรักอิสระ กระตุ้นความกลัวและความปรารถนาของรัฐบาลที่จะให้การแสดงละครรองอยู่ภายใต้การควบคุม ในเวลาเดียวกัน การจัดตั้งรัฐผูกขาดโรงละครในเมืองหลวง ควบคู่ไปกับการห้ามโรงละครเอกชนในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก จะส่งผลให้รายได้บ็อกซ์ออฟฟิศเพิ่มขึ้นจากสถาบันบันเทิงของรัฐ ซึ่งไม่มี มีความสำคัญเล็กน้อยเนื่องจากค่าใช้จ่ายในการอุดหนุนโรงละครของรัฐมีจำนวนมาก

อันเป็นผลมาจากการปรับโครงสร้างองค์กรการจัดการโรงละครของรัฐได้ดำเนินการโดยผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิซึ่งรับผิดชอบสำนักงานมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ผู้อำนวยการไม่เพียงควบคุมด้านการเงินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครของโรงละครองค์ประกอบของคณะละครและรายละเอียดทั้งหมดของชีวิตการแสดงละครด้วย บ่อยครั้งที่การควบคุมนี้กลายเป็นการดูแลเล็กน้อยตามอำเภอใจ

การปรับโครงสร้างองค์กรนี้มีส่วนทำให้รัฐบาลควบคุมกิจกรรมของโรงละครและการบริหารระบบราชการของโรงละครให้เข้มงวดยิ่งขึ้น

เจ้าหน้าที่ที่ไม่มีความรู้เกี่ยวกับงานศิลปะถูกตั้งข้อหากำกับผลงานของนักเขียนบทละครและนักแสดง

นโยบายการแสดงละครที่คล้ายกันนี้ได้รับการปฏิบัติอย่างเคร่งครัดโดยฝ่ายบริหารของโรงละครของจักรวรรดิ เจ้าหน้าที่ที่แท้จริงได้ใช้ความพยายามอย่างมากในการเสริมสร้างการควบคุมของรัฐบาลเหนือโรงละคร ภายใต้เขาปัญหาเชิงสร้างสรรค์ได้รับการแก้ไขโดยฝ่ายบริหารโดยเฉพาะ พวกเขาเฝ้าดูละครอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษ โดยพยายามเติมเต็มด้วยผลงานที่มีลักษณะภักดีหรือให้ความบันเทิงล้วนๆ

ตำแหน่งของนักแสดงในสภาวะเช่นนี้เป็นเรื่องยากเป็นพิเศษ ด้วยความที่เป็นอิสระอย่างเป็นทางการ พวกเขาจึงขึ้นอยู่กับความเด็ดขาดของฝ่ายบริหาร เจ้าหน้าที่ และเจ้าหน้าที่ตำรวจโดยสิ้นเชิง เมื่อเข้าสู่เวทีของรัฐนักแสดงได้ทำสัญญากับฝ่ายบริหารเป็นเวลาสามปี ตามนั้นพวกเขาจำเป็นต้องเล่นโดยไม่ล้มเหลวในบทบาทที่ฝ่ายบริหารจะมอบให้พวกเขา นักแสดงที่ประสบความสำเร็จร่วมกับสาธารณชนยังได้รับสิ่งที่เรียกว่าการแสดงเพื่อประโยชน์ ซึ่งรายได้ส่วนใหญ่จะถูกโอนไปยังศิลปิน อย่างไรก็ตามการประท้วงเงื่อนไขของสัญญาเพียงเล็กน้อยอาจนำไปสู่การยุติสัญญาและส่งผลให้นักแสดงตกงาน

ความเป็นไปได้ที่จะได้รับแรงกดดันจากฝ่ายบริหารต่อนักแสดงนั้นรุนแรงขึ้นจากตำแหน่งที่ไม่เท่าเทียมกันซึ่ง "คนรับใช้ของ Melpomene" พบว่าตัวเองอยู่ในขณะนั้น ในสายตาของตัวแทนของ "สังคมชั้นสูง" ศิลปินของโรงละครของจักรวรรดิมีความแตกต่างกันเล็กน้อยจากนักแสดงที่เป็นทาสโดยเป็น "นักแสดง" "นักแสดงตลก" คนเดียวกันและการทรยศต่อสังคม

ตำแหน่ง "ต่ำ" ของนักแสดงได้รับการเน้นย้ำอย่างต่อเนื่องโดยเจ้าหน้าที่ของผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิซึ่งบังคับให้พวกเขาถูกดูหมิ่นและลงโทษตามอำเภอใจอย่างต่อเนื่อง แม้ว่าศิลปินจะไม่ถูกลงโทษทางร่างกาย แต่มีเพียงช่างไม้ในโรงละคร คนสโต๊คเกอร์ และพนักงานบนเวทีระดับต่ำอื่นๆ เท่านั้นที่ถูกลงโทษ การจับกุม "ที่สำนักงาน" หรือ "ที่โรงละคร" ถือเป็นการวัดอิทธิพลของฝ่ายบริหารที่มีต่อ นักแสดงชาย. ยิ่งไปกว่านั้น นักแสดงมักถูกลงโทษดังกล่าว ไม่ใช่เพราะการละเมิดทางวินัย แต่เพื่อความเป็นอิสระในการสร้างสรรค์

ชีวิตทางศิลปะในสมัยนั้นมีน้อยมาก แม้แต่ศิลปินของโรงละครของรัฐที่ได้รับเงินเดือนจำนวนหนึ่งและต้องพึ่งพารายรับจากบ็อกซ์ออฟฟิศน้อยกว่าศิลปินในต่างจังหวัดก็ประสบปัญหาทางการเงินอย่างต่อเนื่อง ตามกฎแล้วเงินเดือนของนักแสดงในโรงละครของจักรวรรดิมีขนาดเล็กและส่วนใหญ่ไม่เพียงพอที่จะเลี้ยงดูครอบครัว ซื้อเครื่องแต่งกาย และความต้องการอื่น ๆ ในชีวิตของนักแสดง ดังนั้นการดำเนินการด้านผลประโยชน์จึงมีบทบาทสำคัญในงบประมาณของครอบครัวโดยเริ่มเตรียมการล่วงหน้า ในตอนแรกนักแสดงกำลังยุ่งอยู่กับการเลือกละคร เชิญชวนเพื่อนฝูงให้มีส่วนร่วมในการแสดง และวาดโปสเตอร์ให้ใหญ่ที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้พร้อมชื่อเรื่องที่ดึงดูดใจที่สุด คำคุณศัพท์ "ลึกลับ" "แย่มาก" และ "นองเลือด" เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เช่นเดียวกับการอ้างอิงถึงกระสุนปืน ดอกไม้ไฟ และสิ่งมหัศจรรย์อื่น ๆ ของดอกไม้ไฟ ผู้ได้รับประโยชน์จากครอบครัวซึ่งหวังว่าจะได้สัมผัสผู้ชม มักจะเพิ่มความหลากหลายให้กับการแสดง โดยที่ลูกๆ ของพวกเขาจะอ่านนิทานหรือเต้นรำ

โวลต์ ดังนั้นเรามาสรุปทั้งหมดข้างต้นโดยเน้นสิ่งสำคัญที่โรงละครรัสเซียมีประเพณีอันยาวนานอยู่แล้วเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการพัฒนาที่เพิ่มขึ้นของโรงละครรัสเซีย: ความนิยมในศิลปะการแสดงละครกำลังเพิ่มขึ้น โรงละครทาสถูกแทนที่ด้วย "โรงละครอิสระ" - รัฐและเอกชน ข่าวละครและการอภิปรายเกี่ยวกับโรงละครปรากฏในวารสารเกือบทุกฉบับของต้นศตวรรษที่ 19 ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ระบบการจัดการโรงละครของรัฐในเมืองหลวงได้รับการจัดโครงสร้างใหม่ และมีการก่อตั้งการผูกขาดการแสดงละครขึ้น ตำแหน่งของนักแสดงนั้นยากเป็นพิเศษ - โดยพื้นฐานแล้วพวกเขาขึ้นอยู่กับความเด็ดขาดของฝ่ายบริหารเจ้าหน้าที่และเจ้าหน้าที่ตำรวจโดยสิ้นเชิง

1.2การเปลี่ยนแปลงจากความคลาสสิกและแนวโรแมนติกไปสู่ความสมจริง

เมื่อถึงทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 ประเพณีของศิลปะคลาสสิกในโรงละครรัสเซียเริ่มเสื่อมถอยลง ประเพณีนิยมของโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกที่มีเอกภาพบังคับของเวลาและสถานที่ของการกระทำโดยมีการต่อต้าน "เหตุผล" กับ "ความหลงใหล" ของมนุษย์และสุดท้ายคือการพูดเกินจริงในการพรรณนาถึงคุณสมบัติเชิงบวกและเชิงลบของตัวละครมนุษย์ ไม่เกิดความเห็นอกเห็นใจในหอประชุมอีกต่อไป

ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ลัทธิอ่อนไหวซึ่งให้ความสนใจต่อโลกภายในของมนุษย์เป็นอันดับแรก พร้อมด้วยแรงบันดาลใจในระบอบประชาธิปไตย ได้รับความนิยมอย่างเป็นธรรมชาติทั้งในด้านวรรณกรรมและละคร

นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าอิทธิพลของยุคนั้นทำเครื่องหมายไว้สำหรับรัสเซียโดยวิกฤตที่เพิ่มขึ้นของระบบศักดินา - ทาสและการเติบโต เอกลักษณ์ประจำชาติซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในเหตุการณ์สงครามรักชาติปี 1812 ไม่เพียงแสดงออกมาในการกระตุ้นความคิดทางสังคมและการเคลื่อนไหวทางสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อเรียกร้องใหม่ที่มีต่อศิลปะโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโรงละครด้วย ในการแสดงละครผู้ชมในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 พร้อมด้วยความบันเทิงที่ร่าเริงกำลังมองหา "รูปร่างหน้าตาของชีวิต" ยิ่งไปกว่านั้นชีวิตสมัยใหม่ที่มีปัญหาและความขัดแย้งสมัยใหม่ สำหรับฮีโร่ความคล้ายคลึงกันของความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ธรรมดา .

N.M. มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของอารมณ์อ่อนไหวบนเวที Karamzin ซึ่งพูดอย่างกว้างขวางในหน้าของ Moscow Journal และ Vestnik Evropy ในฐานะนักทฤษฎีศิลปะและนักวิจารณ์การละคร ในบทความของเขาเขาประณามประเพณีของลัทธิคลาสสิกอย่างรุนแรง นอกจากนี้แม้จะมีการกลั่นกรองมุมมองทางสังคมและการเมืองของเขา Karamzin ผู้ซึ่งตระหนักดีถึงความชั่วร้ายของการเป็นทาสและเผด็จการที่มีอยู่ทั่วไปของรัฐบาลกลางก็ประกาศแนวคิดเรื่องความเท่าเทียมกันทางศีลธรรมของผู้คนดึงดูดความสนใจของนักเขียนและ นักเขียนบทละครถึง ธีมพื้นบ้าน. หลักการเหล่านี้ถูกนำมาใช้โดยนักเขียนบทละครเช่น N.I. Ilyin และ V.M. เฟโดรอฟ

ละครแนวอารมณ์อ่อนไหวในละครรัสเซียได้รับการพัฒนาแบบคู่ แนวโน้มที่ก้าวหน้าของความรู้สึกอ่อนไหวมีส่วนทำให้ศิลปะมีความเข้มแข็งในความคิดเรื่องสัญชาติ มนุษยนิยมทางสังคม และความสนใจในโลกภายในของมนุษย์ ในเรื่องนี้ความรู้สึกอ่อนไหวได้เตรียมการก่อตัวของสุนทรียศาสตร์ที่โรแมนติกและปฏิวัติของผู้หลอกลวง

ในทางกลับกัน ผลงานเหมือนกับละครของ Fedorov ถือเป็นจุดเริ่มต้นของละครแนวราชาธิปไตยพื้นบ้านหลอก

ในการสร้างผลงานละคร นักเขียนที่มีอารมณ์อ่อนไหวได้ละทิ้งหลักการทางสุนทรีย์ของลัทธิคลาสสิก แอ็กชันของบทละครไม่ถูกจำกัดด้วยแบบแผน (ความสามัคคีของเวลา สถานที่ และการกระทำ) พัฒนาขึ้นอย่างอิสระตามความขัดแย้งชั้นนำของโครงเรื่อง แต่เช่นเดียวกับโศกนาฏกรรมคลาสสิก ละครซาบซึ้งยังคงรักษาลักษณะนิสัยที่มีคุณธรรมและมีศีลธรรมไว้ ในการแสดงครั้งสุดท้ายของการเล่น ตามกฎแล้วรองถูกลงโทษ คุณธรรมมีชัย

ในศิลปะการแสดง ความรู้สึกอ่อนไหวแสดงออกด้วยความอ่อนไหวมากขึ้น แต่ในขณะเดียวกันก็รักษากฎเกณฑ์เก่าๆ หลายประการของพฤติกรรมบนเวที ตัวอย่างเช่น เช่นเดียวกับในโศกนาฏกรรมคลาสสิก ในละครซาบซึ้ง (และต่อมาในละครโรแมนติก) การแต่งหน้า น้ำเสียง และการแสดงออกทางสีหน้าของพระเอกในแง่บวกแตกต่างอย่างมากจากพระเอกเชิงลบ “พระเอกมีหัวหยิกใหญ่ วิกผมแดงไม่เรียบร้อย หัวห้อยต่ำ ดวงตาโปนดุร้าย มีประกายไฟจากใต้คิ้วเป็นภาพคนร้าย อันแรกมีน้ำเสียงไพเราะ อันที่สองมีเสียงหายใจดังฮืด ๆ. เสียงหอนอย่างดุเดือดจากด้านหนึ่งและอีกด้านหนึ่งเป็นเครื่องบ่งชี้ถึงการเพิ่มขึ้นภายใน” นักแสดงคนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เล่า สิ่งสำคัญสำหรับนักแสดงในละครซาบซึ้งคือการแสดงความเห็นอกเห็นใจ ความสงสาร และความอ่อนโยนต่อตัวละครเชิงบวกที่มีคุณธรรม มีการเล่นฉากการกลับใจ การอำลา ฯลฯ อย่างซาบซึ้งเป็นพิเศษ

ยวนใจเหมือน การเคลื่อนไหวทางศิลปะในศิลปะการแสดงละครของรัสเซียมีการเผยแพร่ส่วนใหญ่ตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19

ในด้านสังคมและศิลปะ ลัทธิโรแมนติกในละครมีความคล้ายคลึงกันบางประการกับลัทธิอารมณ์อ่อนไหว เช่นเดียวกับละครโรแมนติกที่ซาบซึ้งซึ่งตรงกันข้ามกับเหตุผลนิยมของโศกนาฏกรรมคลาสสิกเผยให้เห็นความน่าสมเพชของประสบการณ์ของบุคคลที่ปรากฎ อย่างไรก็ตาม ในขณะที่ยืนยันถึงความสำคัญของบุคลิกภาพของมนุษย์กับโลกภายในของแต่ละบุคคล แนวโรแมนติกในขณะเดียวกันก็ให้ความสำคัญกับการพรรณนาถึงตัวละครที่โดดเด่นในสถานการณ์พิเศษ ละครโรแมนติก เช่น นวนิยายและเรื่องราว มีลักษณะเป็นโครงเรื่องที่น่าอัศจรรย์หรือมีการนำสถานการณ์ลึกลับหลายประการเข้ามา เช่น การปรากฏของผี การประจักษ์ ลางบอกเหตุทุกชนิด เป็นต้น ในเวลาเดียวกัน ละครโรแมนติกก็แต่งขึ้น มีพลวัตมากกว่าโศกนาฏกรรมคลาสสิกและละครแนวซาบซึ้ง ซึ่งเนื้อเรื่องมีการอธิบายเป็นหลักในบทพูดของตัวละคร ในละครโรแมนติกเป็นการกระทำของเหล่าฮีโร่ที่กำหนดไว้ล่วงหน้าข้อไขเค้าความเรื่องของโครงเรื่องในขณะที่มีปฏิสัมพันธ์กับ สภาพแวดล้อมทางสังคมร่วมกับประชาชน

ละครโรแมนติก เช่น อารมณ์อ่อนไหว เริ่มพัฒนาจากยุค 20 ถึง 40 ในสองทิศทาง สะท้อนถึงแนวสังคมอนุรักษ์นิยมและขั้นสูง ผลงานละครที่แสดงออกถึงอุดมการณ์ที่ภักดีถูกต่อต้านโดยการสร้างสรรค์ละคร ละคร และโศกนาฏกรรมของ Decembrist ที่เต็มไปด้วยการกบฏทางสังคม

ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับศิลปะการแสดงละครยังกำหนดข้อกำหนดพิเศษสำหรับงานละครด้วย “ ฉันมักจะชอบสิ่งที่ทำให้จิตวิญญาณสั่นไหวสิ่งที่ยกระดับสิ่งที่สัมผัสหัวใจ” A. Bestuzhev เขียนถึงพุชกินในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2368 เกี่ยวกับเนื้อหาของบทละคร นอกเหนือจากพล็อตเรื่องที่น่าสัมผัสและประเสริฐในละครตามที่ A. Bestuzhev เชื่อแล้ว ควรมีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างความดีและความชั่วซึ่งควรเปิดเผยและตำหนิด้วยการเสียดสีอยู่ตลอดเวลา นั่นคือเหตุผลที่ "Polar Star" ยินดีต้อนรับการปรากฏตัวของภาพยนตร์ตลกของ A. S. Griboedov เรื่อง "Woe from Wit" อย่างกระตือรือร้น นักเขียนบทละครที่มีความสามารถของขบวนการ Decembrist ก็คือ P. A. Katenin สมาชิกของสมาคมลับนักเขียนบทละครนักแปลนักเลงผู้ละเอียดอ่อนและคนรักการละครอาจารย์ของนักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่นหลายคน ด้วยความเป็นคนรอบรู้และมีพรสวรรค์ เขาแปลบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสชื่อ Racine และ Corneille และมีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในทฤษฎีการละคร ปกป้องอุดมคติของสัญชาติและความคิดริเริ่มของศิลปะการแสดง รวมถึงความคิดอิสระทางการเมือง Katenin ยังเขียนผลงานละครของเขาเองด้วย โศกนาฏกรรมของเขา "Ariadne" และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Andromache" เต็มไปด้วยความรักอิสระและจิตวิญญาณของพลเมือง การแสดงที่กล้าหาญของ Katenin กระตุ้นความไม่พอใจของเจ้าหน้าที่และในปี พ.ศ. 2365 ผู้ชมละครที่ไม่น่าเชื่อถือก็ถูกไล่ออกจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ขั้วตรงข้ามของละครโรแมนติกแสดงโดยผลงานของนักเขียนแนวอนุรักษ์นิยม ผลงานดังกล่าวรวมถึงบทละครของ Shakhovsky, N. Polevoy, Kukolnik และนักเขียนบทละครที่คล้ายกัน ผู้เขียนผลงานดังกล่าวมักใช้โครงเรื่องจากประวัติศาสตร์รัสเซีย ตัวอย่างเช่น บทละครของ Shakhovsky เรื่อง "Roslavlev" (เขียนจากนวนิยายของ Zagoskin เรื่อง "Roslavlev หรือ the Russians in 1812") และ "Peasants, or the Meeting of the Uninvited" ถูกสร้างขึ้นในธีมของสงครามล่าสุดในปี 1812 ตามความประสงค์ของผู้เขียน การแสดงละครเวทีด้วยการยิง ฉากการต่อสู้ นักร้องประสานเสียงทหาร และการเต้นรำก็ถูกสร้างขึ้นบนเวที โครงเรื่องเต็มไปด้วยแนวโน้มที่ภักดี

ดังนั้นละครโรแมนติกซึ่งเข้ามาแทนที่โศกนาฏกรรมคลาสสิกและละครซาบซึ้งบางส่วนบนเวทีจึงได้นำและรักษาคุณลักษณะบางอย่างไว้ ละครโรแมนติกยังคงรักษาศีลธรรมและเหตุผลที่มีอยู่ในรูปแบบละครก่อนหน้านี้ บทพูดยาวๆ ที่อธิบายประสบการณ์ภายในของพระเอกหรือทัศนคติของเขาต่อตัวละครอื่น ๆ จิตวิทยาดั้งเดิม พร้อมด้วยเนื้อเรื่องที่สนุกสนานและมีชีวิตชีวา อารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มขึ้น และพื้นฐานทางอุดมการณ์ที่แตกต่างกัน ลักษณะเฉพาะของตัวละคร อย่างไรก็ตาม ประเภทของละครโรแมนติกส่วนใหญ่เกิดจากการพรรณนาความรู้สึกอันประเสริฐและ แรงกระตุ้นที่สวยงามและเนื้อเรื่องที่สนุกสนาน กลับกลายเป็นว่าค่อนข้างคงทนและรอดพ้นจากการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

บนเวทีโรงละครมอสโกครองราชย์ P. S. Mochalov หนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เขาเริ่มอาชีพการแสดงบนเวทีในฐานะนักแสดงโศกนาฏกรรมคลาสสิก อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความหลงใหลในละครแนวเมโลดราม่าและละครโรแมนติก ความสามารถของเขาจึงพัฒนาขึ้นในด้านนี้ และเขาได้รับความนิยมในฐานะนักแสดงโรแมนติก ในช่วงหลายปีแห่งปฏิกิริยาทางการเมืองที่ตามมาหลังจากความพ่ายแพ้ของการจลาจลของผู้หลอกลวง งานของ Mochalov สะท้อนให้เห็นถึงความรู้สึกของสาธารณชนที่ก้าวหน้า

ผู้ก่อตั้งความสมจริงบนเวทีของรัสเซียคือ M.S. Shchepkin ลูกชายของทาสซึ่งแสดงบนเวทีโรงละครทาสตั้งแต่ยังเด็กเขาเป็นชายที่เป็นผู้ใหญ่และเป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียงแล้วได้รับการไถ่ถอนจากการเป็นทาส เมื่อไม่ได้รับการศึกษาอย่างจริงจังในวัยเด็ก Shchepkin ก็ได้รับความรู้ด้วยตัวเขาเองอ่านหนังสือมากมายสื่อสารกับผู้คนชั้นนำในยุคของเขา

หลังจากได้กลายเป็นหนึ่งในนักแสดงที่เก่งที่สุดบนเวทีรัสเซีย Shchepkin ได้ทำอะไรมากมายเพื่อเปลี่ยนแปลงมัน ด้วยผลงานของเขาเขาได้วางรากฐานของความสมจริงบนเวทีรัสเซีย Shchepkin กำลังจะนำเสนอเนื้อหาของวิธีการของเขาและความคิดมากมายเกี่ยวกับการแสดงในเล่มที่สองของ "บันทึก" อัตชีวประวัติของเขา แต่ไม่มีเวลาทำสิ่งนี้ อย่างไรก็ตาม ข้อความของเขาเกี่ยวกับโรงละครและศิลปะการแสดงได้รับการเก็บรักษาไว้ในความทรงจำของนักเรียนและคนที่รักเป็นจดหมายถึงเพื่อนและสหายบนเวที ข้อความเหล่านี้ทำให้สามารถนำเสนอมุมมองของ Shchepkin ในฐานะระบบศิลปะบนเวทีที่สมจริงที่กลมกลืนกัน

โวลต์ ให้เราสรุปได้ว่าในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ละครกระตุ้นความสนใจอย่างมากในสังคมรัสเซีย ซึ่งประเมินว่าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดของประเทศ ในช่วงเวลานี้ ละครรัสเซียเปลี่ยนจากศิลปะคลาสสิกไปสู่ความรู้สึกอ่อนไหวและโรแมนติกและจากนั้นไปสู่ความสมจริง โรงเรียนแห่งการแสดงกำลังเกิดขึ้นซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการใหม่ในการสะท้อนความเป็นจริงซึ่งทำให้โลกเป็นปรมาจารย์บนเวทีเช่น M. Shchepkin, P. Mochalov และ คนอื่น.

บทที่ 2 ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

1 องค์กรธุรกิจการละคร ศิลปินและผู้ชม

ในช่วงปลายยุค 50 และต้นยุค 60 ละครกระตุ้นความสนใจอย่างมากในสังคมรัสเซียซึ่งประเมินว่าเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดของประเทศ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความรักอิสระที่แพร่หลาย โรงละครแห่งนี้จึงถูกมองว่าเป็น "ทริบูนในการปกป้องมนุษย์" สันนิษฐานว่าศิลปะการละครไม่เพียงแต่พรรณนาเท่านั้น แต่ยังอธิบายความเป็นจริงสมัยใหม่ด้วย: มันจะให้ความกระจ่างแก่ "คำถามสาปแช่ง" ทั้งหมด นอกจากนี้ โรงละครยังได้รับการเรียกร้องให้เผยแพร่แนวความคิดเกี่ยวกับสุนทรียภาพทางศิลปะและแนวความคิดขั้นสูง หน้าที่ด้านการศึกษาของโรงละครมีความสำคัญอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับชนชั้นกลางและชั้นล่างของชาวรัสเซีย ซึ่งในจำนวนนี้มีผู้ไม่รู้หนังสือและไม่รู้หนังสือจำนวนมาก

ความสนใจของสาธารณชนในวงกว้างแสดงออกมาในการเผยแพร่ข้อมูลเกี่ยวกับโรงละคร หนังสือพิมพ์และนิตยสารของทิศทางต่างๆ ตีพิมพ์บทความ บทวิจารณ์ บทวิจารณ์ ครอบคลุมด้านต่างๆ ของกิจกรรมการแสดงละคร - การบริหาร ละคร และศิลปะของนักแสดง นิตยสารโรงละครพิเศษก็ปรากฏเช่นกัน: "กระดานข่าวดนตรีและละคร" (พ.ศ. 2399-2403), "เวทีรัสเซีย" (พ.ศ. 2407-2408), "ดนตรีและละคร" (พ.ศ. 2410-2411) เป็นต้น

หนังสือพิมพ์ยังเขียนเกี่ยวกับโรงละครมากมาย: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - "Northern Bee", "Petersburg Leaflet", "Golos", มอสโก - "Moskovskie Vedomosti", "Russkie Vedomosti", "Den" โดยเฉพาะหนังสือพิมพ์โรงละคร "Intermission" ". สื่อมวลชนประจำจังหวัดไม่ได้อยู่ห่างจากความสนใจด้านการแสดงละคร (Kievlyanin, Odessky Vestnik, Kavkaz ฯลฯ )

หนังสือพิมพ์และนิตยสารจำนวนหนึ่งมีคอลัมน์ถาวรสำหรับการวิจารณ์ละครและผู้วิจารณ์พิเศษซึ่งเป็นนักเขียนและนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียง: ใน St. Petersburg Gazette - V. Krylov, V.P. Burenin, A.S. สุวรินทร์ ใน “The Voice” - ศศ.ม. Zagulyaev, D.V. Averkiev ใน "Modern Chronicle" - N.S. Nazarov และ N.S. เลสคอฟ ใน Sovremennik วัสดุการแสดงละครได้รับการตีพิมพ์โดย I.I. Panaev และ M.E. Saltykov-Shchedrin ใน "ห้องสมุดเพื่อการอ่าน" - P.D. โบบอรีคิน.

จำนวนโรงภาพยนตร์เพิ่มขึ้นอย่างมาก อาคารโรงละครพิเศษถูกสร้างขึ้นใหม่หรือเพื่อแทนที่อาคารที่ล้าสมัยใน Nizhny Novgorod, Arkhangelsk, Kyiv, Nikolaev, Tambov, Uralsk, Ufa, Ryazan, Orel, Kostroma, Rostov-on-Don, Smolensk, Saratov, Sumy, Kaluga, Taganrog และ Novocherkassk .

ศูนย์ระดับจังหวัดและระดับภูมิภาคมากกว่า 50 แห่งได้รับการเยี่ยมชมโดยคณะละครมืออาชีพอย่างต่อเนื่อง

ในหลาย ๆ เมืองต่างจังหวัดมีโรงละครถาวรพร้อมทีมนักแสดงที่แข็งแกร่ง (ใน Kharkov, Kazan, Kyiv, Odessa, Voronezh, Nizhny Novgorod, Astrakhan, Saratov, Novocherkassk, Vilna และ Tiflis)

โรงละครเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตประจำวันไม่เพียงแต่ในเมืองหลวงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเมืองต่างจังหวัดด้วย

ใน กลางวันที่ 19ศตวรรษตามการผูกขาดการแสดงละครในเมืองหลวงมีเพียงเวทีของรัฐในมอสโก - โรงละคร Bolshoi และ Maly ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - บอลชอย (ต่อมาถูกไฟไหม้ - N. Ya.), Alexandrinsky, Mikhailovsky และตั้งแต่ปี พ.ศ. 2403 Mariinsky โครงสร้างการจัดการของโรงละครอิมพีเรียลซึ่งก่อตั้งในปี 1842 ยังคงดำรงอยู่ไม่เปลี่ยนแปลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หน่วยงานสูงสุดในการบริหารการละครคือ Directorate of Imperial Theatres ซึ่งรับผิดชอบทั้งละครและละครเพลง โรงเรียนการละครและห้องสมุด ผู้บริหารของคณะกรรมการคือสำนักงานเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก ผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียลเป็นของกระทรวงศาล ฝ่ายหลังควบคุมชีวิตการแสดงละครของเมืองหลวงผ่านผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิ ผู้อำนวยการกำหนดละคร องค์ประกอบของคณะ และการแบ่งบทบาท ในขณะเดียวกันก็มีการสร้างเงื่อนไขที่ดีที่สุดสำหรับบัลเล่ต์ซึ่งเป็นที่นิยมในแวดวงชนชั้นสูง โอเปร่าอิตาลีโรงละครฝรั่งเศสซึ่งได้รับการอุดหนุนจากคลัง

งานละครได้รับการเซ็นเซอร์ทั่วไปที่ Main Directorate for Press Affairs จากนั้นได้รับการตรวจสอบโดยคณะกรรมการการละครและวรรณกรรมเรื่องความเหมาะสมบนเวที คำสั่งนี้ซึ่งทำให้การผลิตละครซับซ้อนและชะลอลง เป็นเรื่องยากโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับโรงละครประจำจังหวัดซึ่งต้องรอหลายเดือนเพื่อขออนุญาตจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสำหรับละครที่กำหนดไว้สำหรับละครแล้ว

การเซ็นเซอร์เป็นการปกป้องศักดิ์ศรีของพระสงฆ์ เจ้าหน้าที่ และเจ้าหน้าที่ ไม่อนุญาตให้มีการแสดงที่ตัวแทนของชนชั้นเหล่านี้ปรากฏใน "รูปแบบที่ไม่เหมาะสม" เหตุการณ์ทางการเมืองทั้งในประเทศและต่างประเทศจะต้องได้รับการคุ้มครองตามเจตนารมณ์ของรัฐบาล บุคคลของซาร์ได้รับอนุญาตให้ปรากฏตัวบนเวทีเฉพาะในกรณีที่รัสเซียได้รับเกียรติเท่านั้น

แน่นอนว่ามีละครหลายเรื่องถูกแบน เช่น "The Case" ของ Sukhovo-Kobylin (จนถึงปี 1882), "The Death of Tarelkin" (จนถึงปี 1900) และ "Shadows" ของ Saltykov-Shchedrin (จนถึงปี 1914) เป็นต้น

ความปรารถนาของชุมชนการแสดงละครที่จะหลีกเลี่ยงการกดขี่การเซ็นเซอร์และการผูกขาดโรงละครของรัฐในยุค 60 เริ่มปรากฏให้เห็นในการจัดแสดงในการประชุมสาธารณะประเภทต่างๆ ดังนั้นตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 60 ในมอสโกภายใต้ Artistic Circle ซึ่งเกิดขึ้นจากความคิดริเริ่มของ A. N. Ostrovsky และ P. G. Rubinstein โรงละครจึงถูกสร้างขึ้นซึ่งเปิดดำเนินการจนถึงยุค 80 ยกเลิกการผูกขาดการแสดงละครซึ่งตามมาในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2425 โดยให้สิทธิ์แก่ผู้ประกอบการในการเปิดโรงละครเอกชนในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

โรงละครส่วนตัวแห่งแรกหลังจากการยกเลิกการผูกขาดโรงละครมีความแตกต่างกันเล็กน้อยจากกิจการของสโมสรในช่วงทศวรรษที่ 1860-1880 โรงละครส่วนตัวขนาดใหญ่เริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 19 โรงละครส่วนตัวแห่งแรกและทนทานที่สุดแห่งหนึ่งในเมืองหลวงคือโรงละคร F. A. Korsh ในมอสโก (พ.ศ. 2425-2460) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2425-2426 โรงละครของสมาคมนักแสดงใน Fontanka โรงละครส่วนตัว "แฟนตาซี" บน Moika และโรงละครส่วนตัวสาธารณะใน Mikhailovsky Manege ได้เปิดขึ้น

หลังจากยกเลิกการผูกขาดการแสดงละคร โรงละครของรัฐยังคงอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงราชวงศ์อิมพีเรียลและได้รับการจัดการโดยคณะกรรมการ แต่สถานการณ์ของพวกเขามีความซับซ้อนจากการเกิดขึ้นของคู่แข่งในรูปแบบของโรงละครส่วนตัวซึ่งบางครั้งนักแสดงที่ดีก็ไปซึ่งมีการแสดงละครที่กำหนดไว้สำหรับการผลิตบนเวทีของรัฐ ในเรื่องนี้ผู้จัดการคนใหม่ของ Theatre Directorate I. A. Vsevolozhsky ชาวยุโรป ผู้มีการศึกษานักเขียนแบบที่ดีผู้รักศิลปะโดยเฉพาะบัลเล่ต์พยายามปฏิรูปเวทีของรัฐให้เป็นแบบอย่างสำหรับโรงละครเอกชน ภายใต้เขานักเขียนบทละครและ คนละคร. ดังนั้น A. A. Potekhin จึงกลายเป็นผู้จัดการคณะละครของ Alexandria Theatre ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2425 ถึง พ.ศ. 2436 จากนั้น V. A. Krylov

พื้นฐานของละครของโรงละครเหล่านี้คือละครคลาสสิก อย่างไรก็ตามการปรับปรุงบางส่วนไม่ได้ขจัดข้อบกพร่องหลักในการจัดการโรงละครของรัฐ

ฐานะทางการเงินของศิลปิน - เงินเดือนจำนวนผลประโยชน์ - ยังขึ้นอยู่กับ "การอนุญาต" ของผู้อำนวยการกลุ่มใหญ่และเล็กซึ่งก่อให้เกิดความเป็นทาสและแผนการทุกประเภทใน สภาพแวดล้อมทางการแสดงละคร. บทบาทหลักในละครมอบให้กับนักแสดง กิจกรรมของผู้กำกับมักจะเน้นไปที่การระบุฉาก การผลิตไม่เป็นไปตามข้อกำหนดที่สำคัญใดๆ ในโรงละครชั้นหนึ่งอย่างอเล็กซานเดรีย มีการใช้ระบบฉากมาตรฐาน เช่น ปราสาทยุคกลาง ห้องธรรมดา ภูมิทัศน์ฤดูหนาว ฯลฯ พวกมันอพยพจากการผลิตไปสู่การผลิต ซึ่งมักจะไม่สอดคล้องกับยุคหรืออื่นๆ ตัวชี้วัดการกระทำบนเวที สุวรินทร์ตั้งข้อสังเกตในเรื่องนี้ว่า “บนเวทีอเล็กซานเดรีย... พวกเขาไม่รู้ว่าจะจัดเฟอร์นิเจอร์อย่างไร และไม่เข้าใจว่าคนรวยเลี้ยงชีวิตอย่างมั่งคั่ง และคนจนก็เลี้ยงชีวิตอย่างย่ำแย่” เครื่องแต่งกายยังไม่ค่อยสอดคล้องกับเวลาที่ปรากฎ ดังนั้นที่โรงละคร Maly Moscow ตัวละครของ "Woe from Wit" จึงแสดงในเครื่องแต่งกายในยุค 60 และ 70 ของศตวรรษที่ 19

โดยทั่วไปส่วนการผลิตถือเป็นปัจจัยรอง

เมื่อธุรกิจโรงละครพัฒนาขึ้น จำนวนคนงานละครเวทีก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน: นักแสดง นักออกแบบเครื่องแต่งกาย พนักงานประกอบฉาก คนงานเสริม ฯลฯ เวิร์คช็อปการแสดงได้รับการเติมเต็มโดยอดีตนักแสดงของโรงละครทาส ผู้ประกอบการ ตลอดจนช่างตัดเสื้อละครและช่างทำผม ชายหนุ่มจากชนชั้นกระฎุมพีหรือบุตรชายพ่อค้า ละทิ้งเคาน์เตอร์และบ้านพ่อแม่ เดินจากปากต่อปากไปเดินเล่นกับคณะละครในต่างจังหวัด

องค์ประกอบทางสังคมของสภาพแวดล้อมการแสดงค่อยๆเปลี่ยนไป - ขุนนางจำนวนมากปรากฏตัวพร้อมกับผู้คนจากชนชั้นกระฎุมพีซึ่งโรงละครกลายเป็นกระแสเรียกในชีวิต ศิลปินกลายเป็นนักเรียนมัธยมปลาย นักเรียน เจ้าหน้าที่ ที่จากไป บริการสาธารณะ,เจ้าหน้าที่เกษียณอายุราชการ. ด้วยเหตุนี้ สถานะทางสังคมศิลปินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เปลี่ยนแปลงไปอย่างมากเมื่อเทียบกับช่วงก่อนหน้า ก่อนอื่นชื่อ "นักแสดงตลก" ที่น่าอับอายหายไปจากชีวิตประจำวัน - ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นสมาชิกที่เท่าเทียมกันของสังคม ผู้ทรงคุณวุฒิของโรงละครในเมืองหลวงซึ่งได้รับการยกย่องอย่างสมควรและได้รับเงินเดือนจำนวนมากได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมและสังคมของประเทศ ระดับวัฒนธรรมของศิลปินก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดซึ่งไม่ใช่เรื่องแปลกที่จะเห็นผู้คนด้วย อุดมศึกษาโดยเฉพาะในหมู่เยาวชนด้านศิลปะในยุค 80 และ 90 นอกจาก Varlamov ผู้ได้รับการศึกษาระดับรองที่บ้าน Savina ซึ่งเรียนที่โรงยิมสองสามปีบนเวทีของโรงละคร Maly Moscow หุ้นส่วนของ Ermolova ผู้โด่งดังคือ A. I. Sumbatov-Yuzhin - ศิลปินและนักเขียนบทละครที่ สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในวัยหนุ่ม หนึ่งในบุคคลที่มีการศึกษามากที่สุดในโรงละครคือ M. I. Pisarev; ผู้ที่มีการศึกษาระดับสูงก็พบได้ในหมู่นักแสดงประจำจังหวัด - นักแสดงประจำจังหวัดที่ใหญ่ที่สุด V.N. Andreev-Burlak เป็นนักเรียนอาสาสมัครที่มหาวิทยาลัยคาซาน นักเขียนบทละครและนักวิจารณ์ละคร N. A. Potekhin แสดงในจังหวัดในฐานะนักแสดงและผู้กำกับเป็นเวลาหลายปี

ในเวลาเดียวกัน นักแสดงหลายคนยังคงเป็นคนที่ไม่มีวัฒนธรรมไร้ความสนใจทางปัญญา ตามที่ Ostrovsky กล่าว การแสดงรอบปฐมทัศน์ที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในยุค 70 คือผู้คนที่ "ด้อยพัฒนา ไม่ได้รับการศึกษา และฉลาดมาก ไม่คุ้นเคยกับวรรณกรรมใดๆ ไม่รวมวรรณกรรมของพวกเขาเอง"

เข้ายัง ในระดับที่มากขึ้นคุณสมบัติเชิงลบเหล่านี้มีอยู่ในตัวแสดงระดับจังหวัดซึ่งไม่เพียงแต่ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของผู้บังคับบัญชาเท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับรสนิยมและการอ้างสิทธิ์ของขุนนางและพ่อค้าในท้องถิ่นในระดับต่ำของข้อเรียกร้องของลัทธิปรัชญาในเมืองและที่สำคัญที่สุด - บน ผู้ประกอบการ. สถานการณ์ทางการเงินของนักแสดงจังหวัดแย่กว่านักแสดงที่แสดงบนเวทีในเมืองหลวง นอกจากนี้ การแสดงละครใหม่ๆ อย่างต่อเนื่องในบางครั้งทุกวัน (โดยมีผู้ชมต่างจังหวัดจำกัด จำเป็นต้องมีการรวบรวม) ความไม่สงบในชีวิตประจำวัน และการเคลื่อนไหวบ่อยครั้งทำให้เหนื่อยล้า

อย่างไรก็ตาม ในบรรดานักแสดงประจำจังหวัดมีผู้มีความสามารถจำนวนมากที่ทุ่มเทความแข็งแกร่งทั้งหมดให้กับเวทีนี้และยังชอบให้โรงละครของรัฐเป็นเจ้าของด้วยซ้ำ ศิลปินประจำจังหวัดที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยม N. Kh. Rybakov ซึ่งแสดงบทบาทของ Hamlet, Othello, King Lear ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากและ V. N. Andreev-Burlak - "นักแสดงตลกที่มีอคติต่อโศกนาฏกรรมอย่างรุนแรง" ผู้อุทิศ สถานที่ใหญ่ในงานของเขาในหัวข้อ "ชายร่างเล็ก"

ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 เนื่องจากการเกิดขึ้นของโรงละครส่วนตัวในเมืองหลวงสภาพของนักแสดงชาวรัสเซียจึงเปลี่ยนไปอย่างมาก เงินเดือนของผู้นำเสนอเพิ่มขึ้นมากจนไม่เพียงแต่ทำให้พวกเขามีชีวิตที่สะดวกสบายเท่านั้น แต่ยังทำให้พวกเขากลายเป็นคนร่ำรวย (ซึ่งทำให้เกิดความขุ่นเคืองในหมู่ "ชนชั้นล่าง" ทางศิลปะ) ลักษณะของชีวิตของนักแสดงที่ปรากฎในบทละครของ Ostrovsky กลายเป็นเรื่องในอดีต มีการสร้างสายสัมพันธ์ระหว่างนักแสดงไม่เพียงแต่กับตัวแทนของปัญญาชนทางศิลปะ (นักเขียน นักข่าว ศิลปิน) แต่ยังรวมถึงแพทย์ วิศวกร และครูด้วย

ผู้ชมมีความหลากหลายพอๆ กันและค่อยๆ เปลี่ยนไปตามสภาพแวดล้อมในการแสดง

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ส่วนหลักและกระตือรือร้นที่สุดของผู้เข้าชมโรงละครส่วนใหญ่เป็นกลุ่มปัญญาชน ซึ่งประกอบด้วยอาจารย์และนักศึกษาจากสถาบันการศึกษาระดับสูง ทนายความ แพทย์ นักข่าว นักเขียน นักเรียนมัธยมปลาย และเจ้าหน้าที่ของรัฐ

โรงละครในเมืองหลวงได้รับการเยี่ยมชมเป็นหลักโดย "ผู้รักศิลปะที่เข้มงวดและจริงใจ" - นักวิจารณ์ละคร นักเขียน นักข่าว จากนั้นอาจารย์และนักศึกษา ซึ่งประกอบขึ้นเป็นส่วนสำคัญเชิงตัวเลขของผู้ชมและข้าราชการระดับกลาง พ่อค้าค่อยๆเข้ามามีส่วนร่วมในโรงละคร ในตอนแรก - เฉพาะรุ่นน้องเท่านั้น

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 70 ความนิยมของละครลดลงเนื่องจากสถานการณ์หลายประการ คลื่นของขบวนการปฏิวัติซึ่งทำให้เกิดการสะท้อนที่แข็งแกร่งในสังคมสงครามรัสเซีย - ตุรกีในปี พ.ศ. 2420-2421 วิกฤตการณ์ทางอุตสาหกรรมและเกษตรกรรมที่ตามมา - ทั้งหมดนี้เบี่ยงเบนความสนใจของผู้ร่วมสมัยจากฉากละคร ความยากลำบากในชีวิตทำให้เกิดความปรารถนาในการแสดงแสงสีเพื่อความบันเทิง - โอเปร่า, ละครสัตว์, การแสดงวาไรตี้ต่างๆ ในขณะที่คนอื่น ๆ - ความหลงใหลในดนตรีไพเราะ, โอเปร่า, บัลเล่ต์ แต่ในขณะเดียวกัน ดังที่นักประชาสัมพันธ์ A.V. Amfiteatrov ตั้งข้อสังเกตว่า "ในทศวรรษที่มืดมนของทศวรรษที่ 80 และ 90 คนหนุ่มสาวที่เหนื่อยล้าจากโรงเรียนคลาสสิก... ไปอาศัยและตายในโรงภาพยนตร์ " แท้จริงแล้ว คนหนุ่มสาวที่ชาญฉลาด ไม่ว่าจะเป็นนักเรียน นักเรียนมัธยมปลาย และนักเรียนนายร้อย ยังคงติดตามการแสดงละครเวทีอย่างกระตือรือร้น การแสดงศิลปะชั้นสูงของโรงละครในเมืองหลวงจำหน่ายหมดอย่างต่อเนื่อง

2 ละคร

ความสมจริงของศิลปะการแสดงละคร

ในช่วงต้นครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 การแสดงละครประเภทเดียวกันซึ่งครอบงำในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษนั้นได้รับชัยชนะบนเวทีละครรัสเซีย - ละครตลกและเพลง การแสดงตลกและเพลงซึ่งมีลักษณะเบาบางและสนุกสนาน ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ดังนั้นเพลง "Vitsmundir" ของ P. A. Karatygin จึงไม่ออกจากเวทีจนกระทั่งปี 1875

ในเวลาเดียวกัน เนื้อหาของเพลงได้รับการเปลี่ยนแปลงบางอย่างภายใต้อิทธิพลของความรู้สึกสาธารณะ - แม้ว่าโครงเรื่องจะยังคงอิงจากเหตุการณ์เล็ก ๆ น้อย ๆ แต่ช่วงของตัวละครก็ขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญ ละครเรื่องนี้เริ่มนำเสนอผู้คนจำนวนมากจากสถานะทางสังคมและอาชีพต่างๆ นักข่าวและนักเขียน F.A. Koni ในภาพยนตร์ "Petersburg Apartments" แสดงให้เห็นชาวเมืองทั้งชุดที่ได้รับการเยี่ยมเยียนโดยเจ้าหน้าที่ฮีโร่เพื่อค้นหาอพาร์ทเมนต์ใหม่ ความปรารถนาที่จะนำคนธรรมดาชาวรัสเซียขึ้นเวทีเพื่อแสดงชีวิตของพวกเขานี้แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของ " โรงเรียนธรรมชาติ" ซึ่งแนะนำวีรบุรุษหน้าใหม่ในวรรณคดีรัสเซีย - เจ้าหน้าที่ผู้บังคับการเรือ ภารโรงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และชาวสลัมในเมือง แนวโน้มที่จะแสดงชีวิตชาวรัสเซียบนเวที ประเภทของชาวรัสเซียภายใต้อิทธิพลของเวลาและผู้ชมใหม่นี้จะมีอิทธิพลเหนือในละครของยุค 60-70 และกำหนดทิศทางหลักประการหนึ่ง “ละครเมโลดราม่าและโวเดอวิลล์กำลังค่อยๆ หลีกทางให้ คอเมดี้ในประเทศ. การนับอย่างสง่างาม, ขุนนางที่มีมารยาทไร้ที่ติ, โจรผู้สูงศักดิ์จากละครประโลมโลกชาวฝรั่งเศสถูกบังคับให้เปิดทางให้กับฮีโร่ในเครื่องแบบราชการ, นามบัตร, เสื้อโค้ตท้ายรถ และบางครั้งก็สวมซิปและรองเท้าบูททาน้ำมันด้วยซ้ำ”

ในยุค 60 โอเปร่าได้รับความนิยมโดยเฉพาะบนเวทีของโรงละครอเล็กซานเดรีย ดังนั้นในปี พ.ศ. 2407 จึงมีการแสดงละคร Suppe "Ten Brides and No Grooms" และ "Orpheus in Hell" ของ Offenbach การแสดงที่สนุกสนานและเบาสบายได้รับความเห็นอกเห็นใจจากผู้ชม นอกจากนี้ ละครบางครั้งยังบอกเป็นนัยถึงสิ่งต่าง ๆ ที่ไม่อยู่ภายใต้การอภิปรายอย่างเปิดเผย อย่างไรก็ตาม ผู้ที่รักงานศิลปะจำนวนมากถือว่าการแสดงดังกล่าวบนเวทีละครที่ใหญ่ที่สุดถือเป็นการดูหมิ่น

Melodrama ครอบครองสถานที่สำคัญในละครของโรงละครรัสเซียในยุค 60-70 ในยุค 60 ประชาชนได้รับความสนใจเป็นพิเศษจาก “The Spanish Nobleman” โดย A. Dennery และ F. Dumanoir, “A Mother’s Blessing” โดย A. Dennery และ G. Lemoine และ “Love and Prejudice” โดย Melville ในยุค 70 "Paris Beggars", "The Child Thief", "Murder on Peace Street" ฯลฯ ได้รับความนิยม

นอกจากเรื่องประโลมโลกแล้ว ประเภทของคอเมดีขนาดเล็กยังได้รับการพัฒนาอีกด้วย โดยมี "ฉาก" หลากหลายประเภท "รูปภาพจาก ... " เช่น "ในหมู่บ้าน", "ริมแม่น้ำ", "บนผืนทราย" เป็นต้น ภาพฉากและภาพวาดเหล่านี้ ส่วนใหญ่ชีวิตของชนชั้นล่าง สามัญชน ผู้ช่วยผู้บังคับการเรือ พ่อค้าชนชั้นกลาง ส่วนมากจะมีนิสัยตลกขบขัน

แต่ทั้งเรื่องประโลมโลกและบทละครก็ไม่สามารถตอบสนองความต้องการของผู้ชมได้มากกว่านี้ แม้ว่าละครในโรงละครรัสเซียจะรวมถึงละครคลาสสิกด้วย - คอเมดี้ของ Griboyedov, Gogol รับบทโดย Shakespeare, Schiller, Hugo หนังสือพิมพ์วารสารที่แสดงความสนใจของสาธารณชนที่ก้าวหน้าเรียกร้องให้นักเขียนบทละครหันมาสู่ความทันสมัยในชีวิตประจำวัน ชีวิตถึงความเจ็บปวด ปัญหาสังคมเวลานั้น. ผู้ชมในเมืองหลวงและจังหวัดต่างๆ ต้องการเห็นความเป็นจริงของรัสเซียบนเวที ออสตรอฟสกี้ตั้งข้อสังเกตว่า “ประชาชนที่ไม่มีถิ่นที่อยู่ ซึ่งตอนนี้เดินทางมาที่มอสโคว์เพื่อชมเครมลินและสถานที่ท่องเที่ยวทางประวัติศาสตร์ อันดับแรกเลยต้องการเห็นชีวิตชาวรัสเซียและประวัติศาสตร์รัสเซียบนเวที”

ความเกี่ยวข้องของธีมและการวางแนวอุดมการณ์กำลังกลายเป็นลักษณะเฉพาะของละครเรื่องใหม่ ละครเริ่มสะท้อนชีวิตของประชากรรัสเซียทุกกลุ่มและประเด็นสำคัญทางสังคมจำนวนหนึ่ง - ประเด็นต่อไปนี้ปรากฏบนเวที: ปัญหาของพ่อและลูก, ปัญหาของผู้หญิง (สถานะทางสังคมและการสมรสของผู้หญิง), การบอกเลิก การติดสินบนและการยักยอกเจ้าหน้าที่และการอนุมัติของพนักงานที่ชาญฉลาดที่ซื่อสัตย์คำถามเกี่ยวกับเสรีภาพส่วนบุคคลและสิทธิของเขา ฯลฯ ฯลฯ เช่นเดียวกับนวนิยายใหม่บทละครในยุค 60 และต้นยุค 70 ถูกสร้างขึ้นตามความรู้สึกประชาธิปไตยของผู้ชม . มาตรฐานเฉพาะสำหรับการสร้างผลงานละครดังกล่าวได้รับการพัฒนา: ผู้ถือความชั่วคือคนฆราวาสหรือคนรวยมาก เหยื่อเป็นเด็กสาวดีบริสุทธิ์ ไม่รวย และต่ำต้อย ครูหนุ่ม (นักเรียนหรือแพทย์) ต่อต้านความชั่วร้ายที่อยู่รอบข้างและยืนหยัดเพื่อเหยื่อผู้บริสุทธิ์อย่างกล้าหาญ ในเวลาเดียวกันภาพลักษณ์ของผู้มีปัญญาผู้ยากจนและมีเกียรติ - สามัญชน - เริ่มปรากฏให้เห็นในละครเกือบทุกเรื่อง เนื่องจากจำนวนละครดังกล่าวมีจำนวนมาก พร้อมด้วยผลงานศิลปะ จึงมีละครวันเดียวที่อ่อนแอหลายเรื่องในหมู่พวกเขา

ธีมประจำชาติได้รับการนำไปใช้อย่างสมบูรณ์และเป็นศิลปะที่สุดในผลงานของ Alexander Nikolaevich Ostrovsky เกิดในปี 1823 ในครอบครัวของเจ้าหน้าที่มอสโกผู้ไม่สำคัญ เขาเริ่มสนใจโรงละคร Maly ในช่วงต้นซึ่งในเวลานั้นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเช่น P. S. Mochalov, M. S. Shchepkin, P. M. Sadovsky, L. P. Nikulina แสดง -Kositskaya งานอดิเรกในวัยเยาว์ก็กลายเป็นสิ่งที่เรียกร้องชีวิตในไม่ช้า ทั้งชีวิตของ Ostrovsky อุทิศให้กับโรงละคร

ช่วงแรกของงานนักเขียนบทละครที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลโดยตรงของ "โรงเรียนธรรมชาติ" - เขาไม่เพียงพยายามดิ้นรนเพื่อการทำซ้ำชีวิตชาวรัสเซียที่เป็นจริงที่สุด (แสดงโดยพ่อค้าเป็นหลัก) แต่ยังเพื่อแสดงด้านมืดความหลงใหลพื้นฐาน ความเฉื่อยและความไม่รู้ คุณสมบัติความคิดสร้างสรรค์ของ Ostrovsky เหล่านี้ปรากฏในละครเรื่องแรกของเขา - "เราจะเป็นคนของเราเอง" (1850), "อย่านั่งเลื่อนของคุณเอง" (1853), "ความยากจนไม่ใช่รอง" (1854) “อย่าใช้ชีวิตตามที่คุณต้องการ” (1854) นักเขียนบทละครแสดงให้เห็นว่าชีวิตของชนชั้นกลางของประชากรรัสเซียนั้นมืดมนเต็มไปด้วยอคติและความเชื่อโชคลางที่ไร้สาระ พระเอกของละครเรื่อง "Hard Days" Dosuzhev พูดถึงสภาพแวดล้อมดังกล่าว: "ผู้คนเชื่อมั่นอย่างแน่วแน่ว่าโลกยืนอยู่บนปลาสามตัว และตามข่าวล่าสุด ดูเหมือนว่ามีใครคนหนึ่งเริ่มเคลื่อนไหว นั่นหมายความว่าสิ่งต่าง ๆ แย่; ที่ซึ่งผู้คนป่วยจากนัยน์ตาปีศาจและได้รับการรักษาด้วยความเห็นอกเห็นใจ ที่มีนักดาราศาสตร์เฝ้าดูดาวหางและมองดูคนสองคนบนดวงจันทร์ ที่ซึ่งมีนโยบายเป็นของตัวเองและได้รับการจัดส่งด้วย แต่เฉพาะจาก White Arapia และประเทศที่อยู่ติดกันเท่านั้น” แต่สิ่งที่เลวร้ายยิ่งกว่าความไม่รู้คือความหลงใหลอันมืดมนของผู้คน เช่น ความโลภ การแสวงหาผลกำไรไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม ความใฝ่ฝัน ซึ่งบิดเบือนบุคลิกภาพและชะตากรรมของผู้คน ในเรื่องนี้เนื้อเรื่องของหนังตลกเรื่อง Our People - We Will Be Numbered เป็นเรื่องปกติซึ่งมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวของการล้มละลายอันเป็นเท็จของพ่อค้าผู้มั่งคั่ง Sampson Silych Bolshov เพื่อไม่ให้ชำระค่าใช้จ่ายและเงินกู้ Bolshov ตัดสินใจประกาศตัวเองถูกกล่าวหาว่าล้มละลายโดยโอนเอกสารทั้งหมดในทรัพย์สินของเขาไปยัง Podkolyuzin ซึ่งแต่งงานกับลูกสาวของเขา แต่อย่างหลังเมื่อได้รับโอกาสในการกำจัดโชคลาภของ Bolshov ก็ปฏิเสธที่จะคืนให้เจ้าของ Lipochka ลูกสาวของ Bolshov ก็เห็นด้วยอย่างเต็มที่กับสามีของเธอ แม้ว่าพ่อของเธอจะต้องติดคุกของลูกหนี้ก็ตาม

เมื่อเวลาผ่านไป แก่นของการกักตุนและการกักตุนของพ่อค้า Zamoskvoretsky ที่ร่ำรวยถูกแทนที่ด้วยการพรรณนาถึงหนึ่งในปรากฏการณ์พื้นฐานของความเป็นจริงของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - การพัฒนาความสัมพันธ์ของชนชั้นกลาง และแทนที่พ่อค้าเผด็จการอย่าง Tit Titovich Bozhkov ("ในงานเลี้ยงของคนอื่นมีอาการเมาค้าง") นักธุรกิจผู้ขัดเกลาของโลกทุนนิยมก็ปรากฏตัวขึ้นเช่น Paratov ใน "Dowry" ซึ่งพูดอย่างเปิดเผยเกี่ยวกับตัวเอง: "ฉัน Mokiy Parmenovich ไม่มีอะไรน่าหวงแหน ถ้าฉันทำกำไรได้ฉันจะขายทุกอย่างอะไรก็ได้” ความโหดร้ายของโลกของคนเก็บเงินยังรอคอยความรุนแรงของความขัดแย้งทางสังคมอีกด้วย ผ่านปากของช่างเครื่องที่เรียนรู้ด้วยตนเองที่มีพรสวรรค์ Kuligin ใน "Groza" Ostrovsky กล่าวว่า: " ศีลธรรมที่โหดร้ายท่านในเมืองของเราพวกเขาโหดร้าย! ในลัทธิปรัชญานิยม คุณจะไม่มองเห็นอะไรเลยนอกจากความหยาบคายและความยากจนที่เปลือยเปล่า และพวกเรา ท่านก็จะไม่มีวันออกไปจากเปลือกโลกนี้ เพราะด้วยความซื่อสัตย์เราจะไม่มีรายได้มากไปกว่าอาหารประจำวันของเรา และใครก็ตามที่มีเงินก็พยายามทำให้คนจนเป็นทาสเพื่อที่เขาจะได้เงินมากขึ้นจากการทำงานอิสระของเขา และในหมู่พวกเขาเองพวกเขามีชีวิตอยู่ได้อย่างไร! พวกเขาบ่อนทำลายการค้าขายของกันและกัน และไม่มากไปจากผลประโยชน์ของตนเองเท่ากับความอิจฉา เป็นศัตรูกัน...”

ภายใต้อิทธิพลของสถานการณ์ทางสังคมในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ธีมและตัวละครที่หลากหลายในผลงานของ Ostrovsky ได้ขยายออกไป นักเขียนบทละครกล่าวถึงโลกแห่งระบบราชการ ที่นี่ก็มีการแสวงหาผลกำไรเช่นกัน และหนทางในการได้มาซึ่งความมั่งคั่งก็คือการติดสินบน เมื่อนึกถึงสมัยก่อน เจ้าหน้าที่ยูซอฟ ("สถานที่ที่ทำกำไรได้") ยอมรับด้วยความเสียใจ: "ระบบราชการกำลังล่มสลาย... และชีวิตจะเป็นเช่นไร... เราว่าย แค่ว่าย..." และถึงตอนนี้เขาก็สอนว่า: “จงทำในลักษณะที่ผู้สมัครไม่ขุ่นเคืองและเพื่อให้คุณพอใจ” โลกของเจ้าหน้าที่รับสินบน เช่นเดียวกับพ่อค้าที่แย่งเงิน ทำให้คนซื่อสัตย์พิการ Zhadov ชายหนุ่มผู้มีการศึกษาและซื่อสัตย์ ซึ่งในตอนแรกเต็มไปด้วยความคิดและแรงบันดาลใจอันสูงส่ง จบลงที่บทละครเพื่อขอ "ตำแหน่งที่ทำกำไร" หัวข้อที่ใกล้เคียงกับ "สถานที่ทำกำไร" คือ "The Death of Pazukhin" โดย Saltykov-Shchedrin และไตรภาค Sukhovo-Kobylin "งานแต่งงานของ Krechinsky" "The Affair" และ "The Death of Tarelkin" ซึ่งมีการเสียดสีที่คมชัดในระบบราชการ . ในแง่ของอำนาจในการเปิดเผย สิ่งเหล่านั้นถือเป็นการสืบสานประเพณีของ "ผู้ตรวจราชการ" ของโกกอลโดยตรง

ลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมร่วมสมัยคือการผสมผสานระหว่างแนวโน้มการวิพากษ์วิจารณ์และการกล่าวหาเข้ากับความรู้สึกของมนุษยนิยมอย่างลึกซึ้ง Ostrovsky อุทิศผลงานของเขาจำนวนหนึ่งเพื่อชะตากรรมของ " สารพัด" - ผู้คนที่ซื่อสัตย์และสวยงามทางจิตวิญญาณซึ่งในจำนวนนี้มีชื่อเสียงในด้านบทเพลงพิเศษ ภาพผู้หญิง.

“คำถามของผู้หญิง” นั่นคือคำถามเกี่ยวกับครอบครัวและสถานะทางแพ่งของผู้หญิง ในยุค 60 หนึ่งในปัญหาที่รุนแรงและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดซึ่งทั้งละครและละครต่างก็มองข้าม ในละครของ Ostrovsky หลายเรื่องในยุค 70-80 นางเอกเป็นผู้หญิง - Lyudmila Margaritova, Natalya Sizakova, Yulia Tugina, Larisa Ogudalova, Elena Kruchinina ฯลฯ สิ่งเหล่านี้มีลักษณะที่แตกต่างกันมากในสถานการณ์ชีวิตส่วนตัว แต่พวกเขาก็รวมกันเป็นหนึ่งเดียว ด้วยความรู้สึกถึงศักดิ์ศรี ความรัก ความสง่างามของมนุษย์ และพวกเขาทั้งหมดไม่มีความสุข แล้วใน "พายุฝนฟ้าคะนอง" (1859) เราคุ้นเคยจากโรงเรียน ความรู้สึกตามธรรมชาติของมนุษย์ ความบริสุทธิ์ และความซื่อสัตย์ของ Katerina ขัดแย้งกับความเฉื่อย ความหน้าซื่อใจคด ความหน้าซื่อใจคด และเผด็จการของ Kabanikha และ Dikiy เหตุการณ์ในละครครอบครัวเริ่มกลายเป็นโศกนาฏกรรมระดับชาติ “สินสอด” ที่เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2422 จบลงด้วยการเสียชีวิตของนางเอกเช่นกัน

บทละครของ Ostrovsky มีเนื้อหากว้างขวางซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงแง่มุมต่าง ๆ ของชีวิตของรัสเซียหลังการปฏิรูปนำเสนอประเภทสังคมที่มีลักษณะเฉพาะมากมายตั้งแต่พ่อค้าปิตาธิปไตยก่อนการปฏิรูปเจ้าหน้าที่ทุกระดับไปจนถึงนักธุรกิจนักล่าชนชั้นกระฎุมพีที่มีความซับซ้อนเจ้าของที่ดินที่ล้มละลายและตัวแทน ของปัญญาชนทั่วไป

ในงานของเขาเขาได้รวบรวมความคิดที่มีมนุษยธรรมและศรัทธาในชัยชนะแห่งความดีเหนือความชั่ว หัวใจสำคัญของการสร้างสรรค์ของเขาคือหลักการระดับชาติอยู่เสมอ ละครประวัติศาสตร์และพงศาวดารของเขา "Kuzma Zakharovich Minin-Sukhoruk", "Voevoda" ("Dream on the Volga"), "Dmitry the Pretender และ Vasily Shuisky", "Tushino", "Vasilisa Melentyevna" ก็ตื้นตันใจกับแนวคิดระดับชาติเช่นกัน ทั้งหมดนี้ให้สิทธิ์พิจารณา A. N. Ostrovsky ผู้สร้างละครระดับชาติและเป็นประชาธิปไตยของรัสเซีย นี่คือวิธีที่ผู้ร่วมสมัยของเขาประเมินความสำคัญของมัน I. A. Goncharov เขียนถึงเขาว่า: “ คุณเพียงผู้เดียวที่สร้างอาคารเสร็จบนรากฐานที่ Fonvizin, Griboyedov, Gogol ได้วางรากฐานที่สำคัญ แต่หลังจากที่คุณทำได้แล้ว พวกเราชาวรัสเซียก็พูดอย่างภาคภูมิใจว่า: "เรามีโรงละครแห่งชาติรัสเซียเป็นของตัวเอง" . ควรจะเรียกว่า "โรงละคร Ostrovsky" อย่างถูกต้อง

ความดึงดูดใจของนักเขียนบทละครที่มีต่อชีวิตประจำวันและยามว่าง รวมถึงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของผู้คนในชีวิตประจำวัน มีความสำคัญอย่างยิ่งในการสร้างหลักการของ "การเล่นของผู้หญิง" ที่สมจริง ออสตรอฟสกี้เชื่อว่าจิตวิทยาของมนุษย์ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดใน "ชีวิตในบ้าน" และเขาสามารถเปิดเผยความสัมพันธ์ในครอบครัวและชีวิตประจำวันของผู้คนในฐานะความสัมพันธ์ทางสังคม - จิตวิทยาและที่สำคัญทางสังคม

Ostrovsky พัฒนาวิธีการใหม่ในการสร้างละครที่สมจริง - โครงงานของเขามีพื้นฐานมาจากความขัดแย้งทางศีลธรรมและสังคมที่ลึกซึ้งซึ่งก็เหมือนกับ ลักษณะทางจิตวิทยาตัวละครจะถูกเปิดเผยเมื่อการกระทำดำเนินไป ภาษาของบทละครของ Ostrovsky มีความโดดเด่นด้วยความร่ำรวยที่ไม่ธรรมดาและสัญชาติที่แท้จริง ความสำคัญของงานของเขาในการพัฒนาฉากละครรัสเซียนั้นยิ่งใหญ่และยั่งยืน บทละครของ Ostrovsky ยืนหยัดผ่านการทดสอบของกาลเวลาและยังคงประสบความสำเร็จในโรงละครรัสเซียจนถึงทุกวันนี้

หนึ่งในหัวข้อที่ได้รับความนิยมมากที่สุดทั้งในด้านความคิดทางสังคมและวรรณกรรม และการละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือคำถามของชาวนา: สถานการณ์ในหมู่บ้านก่อนและหลังการปฏิรูป ลักษณะของชาวนารัสเซีย ลักษณะประจำชาติแสดงให้เห็นในนั้นความสัมพันธ์ระหว่างอดีตทาสและเจ้านายการแทรกซึมของอิทธิพลของชนชั้นกลางใหม่เข้าสู่หมู่บ้านรัสเซีย - ปัญหาทั้งหมดนี้ดึงดูดความสนใจของนักเขียนบทละครและสะท้อนให้เห็นในงานของพวกเขา

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ละครที่สำคัญที่สุดเรื่องหนึ่งที่อุทิศให้กับหมู่บ้านก่อนการปฏิรูปคือละครเรื่อง Bitter Fate ของ A. F. Pisemsky ผู้เขียนซึ่งทำงานเป็นเจ้าหน้าที่ในรัฐบาลจังหวัด Kostroma มาหลายปี งานพิเศษเอาโครงเรื่องมาจากการพิจารณาคดีท้องถิ่น ด้วยความเป็นจริงที่ "โรแมนติก" ผู้เขียนจึงจัดสื่อในชีวิตประจำวันตามกฎของเวที ตัวละครหลักของละครเรื่องนี้คือ Ananiy Yakovlev - "คนงานในปีเตอร์สเบิร์ก" นั่นคือชาวนาที่ถูกปล่อยตัวให้ทำงานใน "การค้าส้วม" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเป็นชายที่เข้มแข็งฉลาดและซื่อสัตย์ ในระหว่างที่เขาไม่อยู่ Lizaveta ภรรยาของ Anania ได้ให้กำเนิดลูกจาก Cheglov-Sokovin เจ้านายของเธอ เมื่ออานาเนียกลับมาทราบเรื่องนี้ก็ให้อภัยภรรยาของเขา แต่เรียกร้องให้เธอจากไปกับเขา เอลิซาเบธซึ่งตกหลุมรักเจ้านาย พยายามป้องกันไม่ให้เขาจากไปด้วยข้ออ้างต่างๆ เชโกลอฟยังต้องการจับกุมอานาเนียสด้วย เมื่อถูกตามล่าโดยผู้ใหญ่บ้านผู้ชั่วร้ายและ "โลก" ที่ยอมจำนนต่อเขา อานาเนียจึงสังหาร "ลูกหลานของนาย" และหนีออกจากหมู่บ้าน แต่หลังจากนั้นไม่นาน เมื่อรู้สึกผิด เขาก็ยอมจำนนต่อมือของความยุติธรรม เนื้อเรื่องตื้นตันไปด้วยความรู้สึกเป็นประชาธิปไตย

อย่างไรก็ตามสาธารณชนทักทายการผลิตบทละครของ Pisemsky ค่อนข้างไม่แยแสบางส่วนไร้ความกรุณาซึ่งอธิบายเบื้องต้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าคาดว่าจะมีการประณามความเป็นทาสที่รุนแรงยิ่งขึ้นจากละครซึ่งปรากฏบนเวทีเกือบจะในทันทีหลังจากการปฏิรูปชาวนาในปี 2404 นักเขียนบทละครพรรณนาภาพลักษณ์ของอาจารย์ Cheglov ในฐานะผู้ชายที่อ่อนแอ แต่อ่อนโยนผู้รัก Lizaveta หญิงชาวนาอย่างจริงใจและไร้เดียงสา อาชญากรรมร้ายแรงสามีของเธอ. ต่อมาในช่วงทศวรรษที่ 70 เมื่อ P. A. Strepetova รับบท Lizaveta เป็นละครของผู้หญิงรัสเซียธรรมดา ๆ ที่เปิดเผย

ละครประวัติศาสตร์ครอบครองสถานที่พิเศษในละครของโรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความสนใจในอดีตของประเทศของพวกเขาซึ่งสังคมรัสเซียแสดงให้เห็นในช่วงเวลานี้นั้นแสดงออกมาด้วยความนิยมอย่างมากในละครประวัติศาสตร์ ในช่วงสองทศวรรษของทศวรรษที่ 60 และ 70 มีการแสดงละครประวัติศาสตร์ใหม่มากกว่า 40 เรื่องในโรงละครของเมืองหลวง รวมถึง Boris Godunov ของพุชกิน

ละครอิงประวัติศาสตร์มีความแตกต่างกันอย่างมาก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ละครเช่น "Gough Junker" ของ Kukolnik, "Oprichnina" และการแสดงละคร "The Ice House" ของ Lazhechnikov ยังคงอยู่ที่นั่น อย่างไรก็ตาม บทละครในไม่ช้าซึ่งเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เป็นเพียงฉากหลังของการวางแผนอันไพเราะทำให้เกิดความเข้าใจอันน่าทึ่งครั้งใหม่เกี่ยวกับข้อเท็จจริงที่เชื่อถือได้ในอดีต นักเขียนบทละครคนแรกของกระแสนี้คือแอล. เมย์ ซึ่งอยู่ในละครที่โด่งดังที่สุดของเขาเรื่อง "The Tsar's Bride" แม้ว่าเนื้อหาจะมีลักษณะทางเมโลดราม่าก็ตาม โดยอิงตามข้อมูลทางประวัติศาสตร์

ด้วยความหลากหลายของละคร จึงมีการระบุแนวโน้มสองประการอย่างชัดเจน ในด้านหนึ่ง มีด้านการค้าที่เน้นไปที่รายรับของบ็อกซ์ออฟฟิศและนำเสนอโดยบทละครเพื่อความบันเทิงเป็นหลัก แนวโน้มอีกประการหนึ่งซึ่งมีนัยสำคัญกว่าคือการแสดงออกในละครที่สมจริงในลักษณะสัจนิยมพื้นบ้านในยุคนี้ โดยมีอคติต่อทัศนคติต่อความดีและความชั่ว ความจริงและความยุติธรรม

โวลต์ ด้วย​เหตุ​นี้ ละคร​รัสเซีย​ได้​หยิบยก​ปัญหา​สังคม​และ​ศีลธรรม​จำนวน​หนึ่ง​ที่​โรง​ละคร​รัสเซีย​ต้อง​เผชิญ. ละครใหม่ยังจำเป็นต้องมีวิธีการใหม่ในการดำเนินการอีกด้วย ลักษณะที่เฉียบแหลมของความคิดสร้างสรรค์ของ Ostrovsky ความฉลาดของ Turgenev และจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนจำเป็นต้องมีวิธีการใหม่ ๆ ในศิลปะบนเวที

บทสรุป

ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมพันปีของ "ห้ารัสเซีย" - ตั้งแต่เคียฟมาตุภูมิไปจนถึงจักรวรรดิรัสเซียศตวรรษที่ 19 ครอบครองสถานที่พิเศษ นี่คือการผงาดขึ้นของพระวิญญาณ การเพิ่มขึ้นทางจิตวิญญาณ ซึ่งถือได้ว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการอันยิ่งใหญ่ของรัสเซียอย่างถูกต้อง นักเขียนสี่สิบคนให้อาหารฝ่ายวิญญาณแก่มวลมนุษยชาติตลอดสองศตวรรษ! ศตวรรษที่ 19 มีเอกลักษณ์เฉพาะในการค้นหาเสรีภาพ ความยุติธรรม ภราดรภาพของมนุษย์ และความสุขสากลทางปรัชญาและศีลธรรมเป็นหลัก ศตวรรษที่ 19 ถือเป็นความสำเร็จครั้งสำคัญของการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเก้าศตวรรษ และเป็นเหตุการณ์สำคัญที่สำคัญมากในการปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของประเพณีและนวัตกรรมบนธรณีประตูของศตวรรษที่ 20 ในที่สุด นี่เป็นช่วงเวลาของการพัฒนาระบบเช่นวัฒนธรรมทางศิลปะอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนซึ่งกลายเป็นคลาสสิกในศตวรรษที่ 19

รายชื่อวรรณกรรมและแหล่งที่มาที่ใช้

1. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 9 - 19 หลักสูตรการบรรยาย - ม.: การตีพิมพ์ของพรรคเสรีประชาธิปไตยแห่งรัสเซีย 2547 - 488 น.

ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย หลักสูตรการบรรยายสำหรับความเชี่ยวชาญพิเศษที่ไม่ใช่ด้านมนุษยธรรม - MS: o-vo "ความรู้" สหพันธรัฐรัสเซีย, 1993.

จอร์จีวา ที.เอส. วัฒนธรรมรัสเซีย: ประวัติศาสตร์และความทันสมัย: หนังสือเรียน - ม.: Yurayt, 1998. - 576 หน้า

ยาโคฟคินา เอ็น.เอ็น. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย: ศตวรรษที่ XIX ฉบับที่ 2, ลบแล้ว. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: สำนักพิมพ์ Lan, 2545 - 576 หน้า - (โลกแห่งวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ และปรัชญา)

บทความเกี่ยวกับวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ต. 6. วัฒนธรรมศิลปะ - อ.: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยมอสโก, 2545 - 496 หน้า ยู. คอชแมน [I.A. เฟโดซอฟ]

ประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซีย, เอ็ด. วี.วี. Kollash และ N.E. Efros ด้วยการมีส่วนร่วมอย่างใกล้ชิดของ A.A. Bakhrushin และ N.A. โปโปวา; เค.เอ. โคโรวิน. เล่มที่ 1 มอสโก - พ.ศ. 2457 - สำนักพิมพ์ "สหภาพ" - 364 วิ

พงศาวดารของโรงละครรัสเซีย อาราปอฟ. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Triblena Printing House and Comp. คุณ. เผ็ด พ.ศ. 2404 - 404 น.

ส่งใบสมัครของคุณโดยระบุหัวข้อตอนนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา

โรงละครแห่งศตวรรษที่ 19 มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบทพูดคนเดียวที่เต็มไปด้วยความหลงใหล ตำแหน่งอันตระการตาที่เตรียมการแสดงละครนั่นคือเมื่อฉากของเขาเสร็จสิ้นอย่างมีประสิทธิภาพแล้วนักแสดงก็เดินออกไปอย่างเน้นย้ำในการแสดงละครทำให้เกิดเสียงปรบมือจากผู้ชม ประสบการณ์ชีวิตและความคิดที่ซับซ้อนหายไปเบื้องหลังความรู้สึกในการแสดงละคร แทนที่จะเป็นตัวละครที่สมจริงที่ซับซ้อน บทบาทบนเวทีที่ตายตัวกลับสะสม เจ้าหน้าที่ที่ดูแลโรงละคร "จักรวรรดิ" พยายามอย่างต่อเนื่องที่จะเปลี่ยนสถานที่เหล่านั้นให้เป็นสถานที่แห่งความบันเทิงเบาๆ

เหตุการณ์สำคัญสองเหตุการณ์ในชีวิตการแสดงละครถือเป็นการสิ้นสุดของศตวรรษที่ 19 - การกำเนิดของละครของ Anton Pavlovich Chekhov และการสร้าง Art Theatre ในละครเรื่องแรกของ Chekhov เรื่อง "Ivanov" มีการเปิดเผยคุณสมบัติใหม่: การขาดการแบ่งตัวละครออกเป็นฮีโร่และผู้ร้ายจังหวะของการกระทำที่สบาย ๆ พร้อมความตึงเครียดภายในมหาศาล ในปี พ.ศ. 2438 เชคอฟได้เขียนบทละครสำคัญเรื่อง The Seagull อย่างไรก็ตาม การแสดงที่จัดแสดงโดยโรงละครอเล็กซานเดรียจากละครเรื่องนี้ล้มเหลว ละครจำเป็นต้องมีหลักการบนเวทีใหม่: Chekhov ไม่สามารถแสดงบนเวทีโดยไม่มีทิศทาง การทำงานที่เป็นนวัตกรรมได้รับการชื่นชมจากนักเขียนบทละครและครูสอนละคร Nemirovich-Danchenko ใครร่วมกับนักแสดงและผู้กำกับ Stanislavsky ได้สร้าง Art Theatre แห่งใหม่ กำเนิดที่แท้จริงของโรงละครศิลปะเกิดขึ้นในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2441 ระหว่างการผลิตซาร์ฟีโอดอร์ ไอโออันโนวิชแห่งเชคอฟ บนเวทีพวกเขาไม่ได้เห็นนักแสดงเล่นต่อหน้า "ผู้ชม" แต่เห็นผู้คนที่ยังมีชีวิตอยู่พูดคุยกันด้วยน้ำเสียงที่ธรรมดาที่สุด ไม่สูงส่ง ราวกับอยู่ที่บ้าน ผู้คนเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระและแม้กระทั่งหันหลังให้ผู้ชม (ซึ่งดูกล้าหาญเป็นพิเศษ) ความจริงใจและความเรียบง่ายของการเล่น ความเป็นธรรมชาติของฮาล์ฟโทนและการหยุดชั่วคราวทำให้ทุกคนสัมผัสได้ด้วยความจริงใจ ยิ่งไปกว่านั้น แม้แต่ผู้ที่เล่นในช่วงสุดสัปดาห์และไร้คำพูดก็ไม่ใช่หุ่นจำลอง แต่สร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ของตัวเองขึ้นมา สมาชิกในทีมที่สร้างการแสดงตามเจตจำนงของผู้กำกับ ถูกเติมเต็มและเชื่อมเข้าด้วยกันด้วยงานเดียว และสิ่งนี้ได้สร้างวงดนตรีที่ไม่เคยมีมาก่อนในโรงละครรัสเซียจนกระทั่งถึงตอนนั้น โดยโดดเด่นด้วยความสม่ำเสมอโดยรวม ในเดือนธันวาคม มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของ “The Seagull” ซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ของโรงละครตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การแสดงนี้สร้างขึ้นจากอารมณ์โดยสิ้นเชิง ในการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณซึ่งแทบจะสังเกตไม่เห็นในการแสดงออกภายนอก ภาพที่ผิดปกติซึ่งไม่สามารถแสดงหรือบรรยายได้ เราต้องผสานเข้ากับพวกเขา พวกเขาต้องมีชีวิตอยู่ การผลิต “The Seagull” มีส่วนทำให้เกิดสูตรอันโด่งดัง “ไม่ใช่เพื่อการแสดง แต่เพื่ออยู่บนเวที” สำหรับละครเรื่องนี้ Stanislavsky ได้นำเสนอฉากที่ไม่เคยมีมาก่อนในโรงละคร ดังนั้นเมื่อร่วมกับเชคอฟจึงสร้างความหลากหลายซึ่งกำหนดการพัฒนาโรงละครต่อไปเป็นส่วนใหญ่ สิ่งนี้จำเป็นต้องมีเทคนิคการแสดงใหม่ ท้ายที่สุดแล้วการใช้ชีวิตบนเวทีนั้นยากกว่าการแสดงหลายเท่า และสตานิสลาฟสกีได้สร้างระบบความสมจริงทางจิตวิทยาของตัวเองขึ้นมา โดยมีเป้าหมายเพื่อสร้าง "ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์" และเนมิโรวิช-ดันเชนโกได้พัฒนาหลักคำสอนของ "แผนสอง" เมื่อสิ่งที่พูดกันมากกลับไม่ได้พูดออกไป
ในปี พ.ศ. 2445 ด้วยเงินทุนจากบริษัทใหญ่ที่สุด ผู้ใจบุญชาวรัสเซีย S. T. Morozov ได้สร้างอาคาร Moscow Art Theatre ที่มีชื่อเสียง Stanislavsky ยอมรับว่า "ผู้ริเริ่มหลักและผู้สร้างชีวิตทางสังคมและการเมือง" ของโรงละครของพวกเขาคือ Maxim Gorky การแสดงละครของเขาเรื่อง "Three", "Bourgeois", "At the Bottom" แสดงให้เห็นคนงานจำนวนมากที่ยากลำบากและ "ชนชั้นล่างในสังคม" สิทธิของพวกเขา และการเรียกร้องให้มีการปรับโครงสร้างใหม่ การแสดงเกิดขึ้นในห้องโถงที่มีผู้คนหนาแน่น
การสนับสนุนเพิ่มเติมในการผลิตละครเวทีของกอร์กีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Vera Fedorovna Komissarzhevskaya ซึ่งอยู่ใกล้กับแวดวงการปฏิวัติ ด้วยความเบื่อหน่ายกับระบบราชการที่บีบรัดเวทีของจักรพรรดิ เธอจึงละทิ้งมันและสร้างโรงละครของตัวเองในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปี 1904 รอบปฐมทัศน์ของ "Dachniki" เกิดขึ้นที่นี่ บทละครของกอร์กีกลายเป็นบทละครชั้นนำในละครของโรงละคร Komissarzhevskaya

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น ในปี 1908 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก V. A. Kazansky ได้เปิดโรงละครเดี่ยวแห่งแรกในรัสเซีย โรงละคร Liteiny เป็นโรงละครแห่งที่สามของผู้ประกอบการ (รองจาก Nevsky Farce และ Modern) โปสเตอร์ของโรงละครเต็มไปด้วยชื่อที่น่ากลัว: “Death in the Arms”, “On the Gravestone” และอื่นๆ นักวิจารณ์เขียนว่าโรงละครกำลังทำสิ่งที่ต่อต้านศิลปะและฉุนเฉียว ผู้ชมหลั่งไหลเข้ามา Foundry Theatre มีรุ่นก่อน - โรงละครแห่ง "ความรู้สึกอันแรงกล้า" ของปารีสซึ่งนำโดยผู้สร้างและผู้แต่งบทละคร Andre de Lorde โรงละครรัสเซียเลียนแบบเขาตั้งแต่ละครไปจนถึงวิธีการเฉพาะในการมีอิทธิพลต่อสาธารณชน แต่จิตวิญญาณแห่งชีวิตชาวรัสเซียไม่เหมือนกับบรรยากาศของชาวปารีส แรงดึงดูดต่อผู้น่ากลัวผู้น่ารังเกียจได้ยึดครองประชาชนชาวรัสเซียหลายชั้น หลังจากนั้นสองเดือน ความสนใจในโรงละครก็จางหายไป เหตุผลหลักคือโรงละครสยองขวัญไม่สามารถแข่งขันกับความน่าสะพรึงกลัวของความทันสมัยของรัสเซียได้ รายการของโรงละครเปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก และสามปีต่อมา โรงละครก็ได้รับฉายาประเภท "Theatre of Miniatures" จำนวนโรงละครขนาดจิ๋วเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดหลังปี 1910 เพื่อผลกำไร นักแสดงจึงย้ายจากละครไปสู่โรงละครขนาดจิ๋ว โรงละครหลายแห่งหาเงินเลี้ยงชีพได้ และโรงละครขนาดจิ๋วก็เติบโตราวกับเห็ดหลังฝนตก แม้จะมีชื่อและประเภทที่แตกต่างกันของโรงละครที่เพิ่งเกิดใหม่ แต่ลักษณะของการแสดงก็ยังคงเหมือนเดิม รายการนี้สร้างขึ้นจากละครตลก โอเปร่า โอเปเรตตา และบัลเล่ต์

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ความหลงใหลในการผลิตที่หรูหราไร้ความคิดทางศิลปะโดยสิ้นเชิงเป็นลักษณะของสไตล์ของบอลชอยก่อนการปฏิวัติและ โรงละคร Mariinsky. ระดับเฟิร์สคลาสในแบบของตัวเอง องค์ประกอบทางศิลปะวงดนตรีของโรงละครโอเปร่าหลายแห่งได้รับความสำเร็จอย่างสร้างสรรค์ผ่านการต่อสู้ที่ยากลำบากและเข้มข้นเท่านั้น S.P. Diaghilev หนึ่งในผู้ก่อตั้งสมาคม World of Art ได้จัด Russian Seasons ในปารีส - การแสดงของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียในปี 1909-1911 คณะประกอบด้วย M. M. Fokin, A. P. Pavlova, V. F. Nezhensky และคนอื่น ๆ Fokine เป็นนักออกแบบท่าเต้นและผู้กำกับศิลป์ การแสดงได้รับการออกแบบโดยศิลปินชื่อดัง A. Benois และ N. Roerich การแสดงของ La Sylphide (ดนตรีของโชแปง) ถูกแสดง การเต้นรำของชาวโปลอฟเชียนจากโอเปร่า "Prince Igor" โดย Borodin, "The Firebird" และ "Petrushka" (ดนตรีโดย Stravinsky) เป็นต้น การแสดงถือเป็นชัยชนะของศิลปะการออกแบบท่าเต้นของรัสเซีย ศิลปินได้พิสูจน์แล้ว บัลเล่ต์คลาสสิกสามารถทันสมัยและปลุกเร้าผู้ชมได้ ผลงานที่ดีที่สุดของ Fokine ได้แก่ "Petrushka", "The Firebird", "Scheherazade", "The Dying Swan" ซึ่งมีการรวมดนตรี ภาพวาด และการออกแบบท่าเต้นเข้าด้วยกัน

ที่มาและการก่อตัวของโรงละครรัสเซีย

ประวัติศาสตร์ได้เก็บรักษาข้อมูลเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับวัฒนธรรมรัสเซียดึกดำบรรพ์: ศาสนาคริสต์ซึ่งต่อมาได้กลายเป็น ศาสนาหลักในรัสเซีย ต่อสู้กับลัทธินอกรีต ทำลายอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรม อย่างไรก็ตาม ลัทธินอกรีตยังคงรักษาลักษณะพื้นฐานไว้ในวัฒนธรรมและศิลปะหลายแขนง รวมทั้ง และปรับตัวให้เข้ากับศาสนาออร์โธดอกซ์และยึดติดกับมันในรูปแบบของสัญลักษณ์ที่กลายมาเป็นคริสเตียนตามหลักบัญญัติ

จากการกระทำพิธีกรรมดังกล่าวทำให้เกิดการพัฒนาโรงละครรัสเซียในฐานะโรงละครพื้นบ้านโรงละครพื้นบ้านที่นำเสนอในหลายรูปแบบ - โรงละครหุ่นกระบอก (Petrushka ฉากการประสูติ ฯลฯ ) บูธ (raek หมีสนุก ฯลฯ ) การเดินทาง นักแสดง (นักเล่นพิณ นักร้อง นักเล่าเรื่อง นักกายกรรม ฯลฯ) ฯลฯ จนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 17 โรงละครในรัสเซียพัฒนาเป็นโรงละครพื้นบ้านเท่านั้นไม่มีรูปแบบการแสดงละครอื่น ๆ ซึ่งแตกต่างจากในยุโรป จนกระทั่งคริสต์ศตวรรษที่ 10-11 โรงละครรัสเซียพัฒนาขึ้นตามเส้นทางลักษณะของโรงละครแบบดั้งเดิมของตะวันออกหรือแอฟริกา - พิธีกรรมพื้นบ้านศักดิ์สิทธิ์สร้างขึ้นจากตำนานดั้งเดิม โรงละครดังกล่าวแสดงถึงการสนทนากับเหล่าทวยเทพ และรวมอยู่ในพิธีกรรมในชีวิตของผู้คนด้วย ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 11 สถานการณ์กำลังเปลี่ยนแปลงในตอนแรกค่อย ๆ แล้วรุนแรงยิ่งขึ้นซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงพื้นฐานในการพัฒนาโรงละครรัสเซียและการก่อตัวเพิ่มเติมภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมยุโรป

ตัวแทนคนแรกของโรงละครมืออาชีพคือตัวตลกซึ่งทำงานในการแสดงริมถนนเกือบทุกประเภท หลักฐานแรกของตัวตลกย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 11 ซึ่งทำให้สามารถยืนยันได้ว่าศิลปะตัวตลกเป็นปรากฏการณ์ที่ก่อตัวมานานแล้วและเข้ามาในชีวิตประจำวันของทุกชั้นในสังคมในขณะนั้น การก่อตัวของศิลปะควายดั้งเดิมของรัสเซียที่มาจากพิธีกรรมและพิธีกรรมก็ได้รับอิทธิพลจาก "ทัวร์" ของการเดินทางของนักแสดงตลกชาวยุโรปและไบแซนไทน์ - ประวัติศาสตร์, เร่ร่อน, คนจรจัด มีกระบวนการสืบสานวัฒนธรรมประเพณีร่วมกัน Buffoons - ทั้งนักแสดงแต่ละคนและผู้ที่รวมตัวกันในสิ่งที่เรียกว่า “แก๊ง” (ต้นแบบของคณะผู้ประกอบการ) มีส่วนร่วมในวันหยุดของหมู่บ้านและงานแสดงสินค้าในเมือง ใช้ชีวิตเหมือนตัวตลกและความสนุกสนานในคฤหาสน์โบยาร์และราชวงศ์ Ivan the Terrible ในงานเลี้ยงชอบแต่งตัวเป็นตัวตลกและเต้นรำกับพวกเขา ความสนใจในศิลปะการตลกของบุคคลผู้สูงศักดิ์นำไปสู่การเกิดขึ้นของจุดเริ่มต้นของโรงละครฆราวาสดังที่เห็นได้จากนักร้องสมัครเล่น Sadko, Dobrynya Nikitich และคนอื่น ๆ ที่กล่าวถึงในมหากาพย์ Buffoons ในเวลานั้นใน Rus 'เป็นคนที่ค่อนข้างนับถือ

การกล่าวถึงควายครั้งแรกเกิดขึ้นพร้อมกับเหตุการณ์ที่กลายเป็นกุญแจสำคัญสำหรับประวัติศาสตร์ทั้งหมดของรัสเซีย - การบัพติศมาของมาตุภูมิและการรับเอาศาสนาคริสต์ ( ซม. โบสถ์ออร์โธดอกซ์รัสเซีย) สิ่งนี้มีผลกระทบอย่างมากต่อทุกด้านของชีวิต รวมถึงโรงละครด้วย แต่ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 9 รัฐมนตรีที่เป็นคริสเตียนประณามหน้ากาก (มาสก์) ซึ่งเป็นหนึ่งในวิธีแสดงออกที่พบบ่อยที่สุดในโรงละครพื้นบ้าน สถานะทางสังคมของควายกำลังลดลง การพัฒนาศิลปะควายโดยเฉพาะ ทิศทางเสียดสี– และการข่มเหงที่รุนแรงขึ้นก็ดำเนินไปพร้อมๆ กัน มติของสภาสโตกลาวีในปี ค.ศ. 1551 ทำให้พวกควายถูกขับไล่ออกไปจริงๆ ภาพสะท้อนการเปลี่ยนแปลงสถานะตัวตลกในคำศัพท์ก็น่าสนใจ โรงละครควายถูกเรียกว่า "ความอับอาย" (คำนี้ไม่มีความหมายเชิงลบที่มาจากภาษารัสเซียโบราณ "เพื่อดู" - เพื่อดูคำนี้ยังคงอยู่จนถึงศตวรรษที่ 17) อย่างไรก็ตามการประหัตประหารควายทำให้เกิดความหมายเชิงลบของคำนี้ (ดังนั้นในภาษารัสเซียสมัยใหม่ "ความอัปยศ") ในศตวรรษที่ 18 เมื่อโรงละครกลับเข้าสู่บริบทของชีวิตวัฒนธรรมรัสเซียอีกครั้ง คำว่า "โรงละคร" และ "ละคร" ได้ถูกสร้างขึ้น และ "ความอับอาย" ในอดีตก็ถูกเปลี่ยนให้เป็น "การแสดงที่น่าตื่นตาตื่นใจ"

เมื่อถึงศตวรรษที่ 16 ในรัสเซียคริสตจักรก่อตัวขึ้น อุดมการณ์ของรัฐ(โดยเฉพาะพระสงฆ์ได้รับมอบหมายให้สร้างสถาบันการศึกษา) และแน่นอนว่าเธอไม่สามารถผ่านโรงละครซึ่งเป็นอิทธิพลอันทรงพลังได้

เส้นทางของโรงละครในโบสถ์รัสเซียแตกต่างจากในยุโรป: โดยข้ามผ่านบทละครพิธีกรรม ความลึกลับ และปาฏิหาริย์ นี่เป็นเพราะไม่เพียง แต่ต่อมากลายเป็นคริสต์ศาสนาของมาตุภูมิเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความแตกต่างระหว่างประเพณีออร์โธดอกซ์และนิกายโรมันคาทอลิกซึ่งมีแนวโน้มที่จะเอิกเกริกและแสดงละครในบริการ แม้ว่าในออร์โธดอกซ์พิธีกรรมเช่น "ล้างเท้า" และ "ขบวนแห่บนลา" จะถูกจัดขึ้นอย่างน่าประทับใจทีเดียว (และในสิ่งที่เรียกว่า การกระทำของถ้ำแม้แต่เทคนิคบางอย่างของ "บทสนทนาที่น่าขบขัน" ก็ยังรวมอยู่ด้วย) โรงละครของโบสถ์ในรัสเซียไม่ได้มีรูปร่างเป็นระบบสุนทรียภาพ ดังนั้นบทบาทหลักในการพัฒนาศิลปะการแสดงละครในศตวรรษที่ 17-18 เล่นละครโรงเรียน-โบสถ์

โรงละครของโรงเรียนและโบสถ์

มหาวิหารรัสเซีย "ร้อยกลาวี" โบสถ์ออร์โธดอกซ์พ.ศ. 1551 มีบทบาทสำคัญในการสร้างแนวคิดเรื่องความสามัคคีระหว่างศาสนาและรัฐและมอบหมายให้คณะสงฆ์มีหน้าที่รับผิดชอบในการสร้างสถาบันการศึกษาทางศาสนา ในช่วงเวลานี้มีการแสดงละครของโรงเรียนและการแสดงของโบสถ์ในโรงเรียนซึ่งจัดแสดงในโรงละครของสถาบันการศึกษาเหล่านี้ (วิทยาลัย, สถาบันการศึกษา) ตัวเลขที่แสดงสถานะ, โบสถ์, โอลิมปัสโบราณ, ภูมิปัญญา, ความศรัทธา, ความหวัง, ความรัก ฯลฯ ปรากฏบนเวทีโดยถ่ายโอนจากหน้าหนังสือ “นักเรียนที่ยากจนของสถาบันการศึกษาที่ก่อตั้ง Artels เดินทางไปยังจังหวัดและกองทหารชานเมืองต่าง ๆ เพื่อรวบรวมบิณฑบาต... (พวกเขา) นำเสนอบทสนทนา ตลก โศกนาฏกรรม ฯลฯ การเดินเหล่านี้เรียกว่าการซ้อม” ดังนั้นการแสดงของโรงเรียนจึงถูกนำออกจากกำแพงของสถาบันการศึกษาและนำเสนอต่อประชาชน ครูชาวตะวันตกที่ต้องการสอนนักเรียนให้พูดภาษาลาติน ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 15 นักเรียนเริ่มแนะนำบทละครในภาษาลาตินในการฝึกฝนชีวิตในโรงเรียน ครูคนอื่นๆ ที่ต่อต้านละครโบราณและพบว่ามันอันตรายและไม่สะดวก จึงเริ่มเขียนบทละครด้วยตนเอง โรงละครของโรงเรียนได้รับการพิจารณาว่าเป็นการแสดงที่ไร้คุณค่าทางศิลปะมานานแล้ว แต่ในช่วงแรกของการพัฒนา เวทีของโรงเรียนได้สนองความต้องการเร่งด่วนในการแสดงละคร ฉากเงียบๆ ภาพวาดเงา และไอคอนต่างๆ ถูกนำมาใช้ในละครของโรงเรียนในช่วงเวลาที่น่าสมเพช ทำให้พวกเขามีคุณภาพคงที่ “ความทุกข์ทรมานเป็นการกระทำที่เจ็บปวดและเจ็บปวดเมื่อมีการแสดงความตาย การทรมาน และการบาดเจ็บบนเวที ซึ่งผู้ส่งสารจะบรรยายเป็นเรื่องราวหรือเป็นภาพเงาก็ได้” ( เคียฟ ปิติกา, 1696) ตัวละครที่จริงจังของละครพูดด้วยคำพูดที่ไพเราะและไพเราะ และภาษาของตัวละคร "การ์ตูน" ในการแสดงสลับฉากนั้นมีพื้นฐานมาจากภาษาถิ่นที่มีการเล่นการ์ตูนเกี่ยวกับข้อบกพร่องในการพูดและสำเนียง ในด้านท่าทาง โรงละครของโรงเรียนอนุมัติท่าทาง "กล่าวสุนทรพจน์" แบบกว้างๆ โดยส่วนใหญ่ใช้มือขวา และผู้เขียนถูกห้ามไม่ให้ใช้ถุงมือ เนื่องจากมือเป็น องค์ประกอบที่สำคัญการแสดงบนเวที โรงละครของโรงเรียนใช้สัญลักษณ์ซึ่งทำให้ผู้ชมเดาสาระสำคัญของตัวละครแต่ละตัวได้จากรูปลักษณ์ของพวกเขา สิ่งนี้ใช้ได้กับบุคคลในตำนานและเชิงเปรียบเทียบโดยเฉพาะ ดังนั้น สำหรับละคร “พระคุณของพระเจ้า” ซึ่งเป็นละครเชิงเปรียบเทียบในเทศกาลคริสต์มาสและอีสเตอร์ จึงจำเป็นต้องมี “หัวใจที่ลุกเป็นไฟ ถูกลูกศรแทง และถ้วยที่มีมงกุฎลอเรลบนศีรษะ” ความหวังถูกพรรณนาด้วยสมอเรือ ศรัทธาด้วยไม้กางเขน ความรุ่งโรจน์ด้วยแตร ความยุติธรรมด้วยตาชั่ง และดาวอังคารในตำนานถือดาบอยู่ในมือ ในตอนแรก การแสดงจะดำเนินการกลางแจ้ง ในโรงละครของโรงเรียนประถมมีเวทีพร้อมการตกแต่งซึ่งถือเป็นสถานที่หลักในการดำเนินการไปพร้อมๆ กัน

มีต้นกำเนิดใน Kyiv โรงละครในโบสถ์ของโรงเรียนเริ่มปรากฏในเมืองอื่น ๆ : มอสโก, Smolensk, Yaroslavl, Tobolsk, Polotsk, ตเวียร์, Rostov, Chernigov ฯลฯ เขาเติบโตขึ้นมาภายในกำแพงของโรงเรียนเทววิทยา เขาเสร็จสิ้นการแสดงละครพิธีกรรมของโบสถ์: พิธีสวด พิธีสัปดาห์ศักดิ์สิทธิ์ คริสต์มาส อีสเตอร์ และพิธีกรรมอื่นๆ โรงละครของโรงเรียนได้แยกนักแสดงและเวทีออกจากผู้ชมและหอประชุมเป็นครั้งแรกบนผืนแผ่นดินของเรา ที่เกิดขึ้นในสภาพชีวิตของชนชั้นกระฎุมพีที่เกิดขึ้นใหม่ และเป็นครั้งแรกที่นำไปสู่ภาพบนเวทีที่แน่นอนสำหรับทั้งนักเขียนบทละครและ นักแสดงชาย. เป็นลักษณะเฉพาะที่ในขณะที่ปฏิบัติภารกิจการสอนของเขาสำเร็จเขายังสร้างระบบทฤษฎีการละครที่สอดคล้องกันแม้ว่าจะไม่เป็นอิสระ แต่ครอบคลุมปรากฏการณ์ทั้งหมดโดยรวม ละครของวิทยาลัยเคียฟ-โมฮีลา (ตั้งแต่ปี 1701 สถาบันศาสนศาสตร์เคียฟ): อเล็กซี่, คนของพระเจ้า (ละครเพื่อเป็นเกียรติแก่ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช, 2217) ผลกระทบต่อความหลงใหลของพระคริสต์ถูกตัดออกไป (1686), อาณาจักรแห่งธรรมชาติของมนุษย์ (1698), อิสรภาพจากหลายศตวรรษแห่งความปรารถนาโดยธรรมชาติของมนุษย์ (1707), ภูมิปัญญานิรันดร์ (1703), วลาดิมีร์...เฟโอฟาน โปรโคโปวิช (1705) ชัยชนะแห่งธรรมชาติของมนุษย์ (1706), โจเซฟ, พระสังฆราช Levreniya Gorka (1708), ความเมตตาของพระเจ้า ยูเครน... ผ่านบ็อกดาน... คเมลนิตสกี้... ได้รับการปลดปล่อยเฟโอฟาน โทรฟิโมวิช (1728) ภาพอันทรงพลังแห่งความรักของพระเจ้าต่อมนุษยชาติมิโตรฟาน โดฟกาเลฟสกี (1757), โศกนาฏกรรมเกี่ยวกับการให้รางวัลในโลกนี้กับการกระทำสินบนที่ใฝ่ฝันในชีวิตนิรันดร์ในอนาคต (เกี่ยวกับความไร้สาระของโลกนี้) วาร์ลาม ลาชเชฟสกี (1742), งานการกุศลของมาร์คัส ออเรลิอุสมิคาอิล โคซาชินสกี (1744) การฟื้นคืนชีพของคนตายจอร์จ โคนิสสกี (1747) โศกนาฏกรรมที่เรียกว่าโฟติอุสเกออร์กี ชเชอร์บิทสกี้ (1749) ละครของโรงเรียนของอาราม Zaikonospassky (ตั้งแต่ปี 1678 สถาบันสลาฟ - กรีก - ละติน): อุปมาตลกเรื่องบุตรสุรุ่ยสุร่ายซิเมียนแห่งโปลอตสค์ (1670) เกี่ยวกับกษัตริย์เนคัดเนสซาร์ เกี่ยวกับร่างสีทอง และเกี่ยวกับเด็กหนุ่มสามคนที่ไม่ถูกเผาในถ้ำ Simeon of Polotsk (1673) ฯลฯ ละครของโรงเรียนศัลยกรรมที่โรงพยาบาลมอสโก: จูดิธ (1710), พระราชบัญญัติเกี่ยวกับราชินีผู้รุ่งโรจน์ที่สุดของปาเลสไตน์ (1711), ความรุ่งโรจน์ของรัสเซีย F. Zhuravsky (1724) ละครของวิทยาลัยศาสนศาสตร์โนฟโกรอด: สเตฟาโนโตโกสผู้บริสุทธิ์ Odrovonzh-Migalevich (1742) ละครของโรงเรียน Polotsk ที่ อารามศักดิ์สิทธิ์: บทสนทนาของคนเลี้ยงแกะซิเมียนแห่งโปลอตสค์ (1658) ละครของโรงเรียน Rostov Bishops: ละครคริสต์มาส (1702), การกระทำของรอสตอฟ (1702), สำนึกผิด(1705) - ละครทั้งหมดของ Dmitry of Rostov ละครของวิทยาลัยศาสนศาสตร์ Smolensk: ปฏิญญามานูอิล บาซิเลวิช (1752) ที่โรงเรียนโทโบลสค์บิชอป - ละครอีสเตอร์ (1734).

โรงละครศาล.

การก่อตั้งโรงละครศาลในรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช ช่วงเวลาแห่งการครองราชย์ของพระองค์มีความเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของอุดมการณ์ใหม่ที่มุ่งเน้นการขยายความสัมพันธ์ทางการฑูตกับยุโรป การปฐมนิเทศสู่วิถีชีวิตของชาวยุโรปทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงมากมายในชีวิตของราชสำนักรัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ 1660 มอสโกเครมลินได้ถูกสร้างขึ้นใหม่ภายในห้องต่างๆ และ ที่อยู่อาศัยของประเทศลวดลายตกแต่งของพระราชวังของกษัตริย์แห่งยุโรปปรากฏขึ้น ไม่เพียงแต่ชาวรัสเซียเท่านั้น แต่ยังมีช่างฝีมือชาวต่างชาติอีกด้วยที่มีส่วนร่วมในงานตกแต่ง ความพยายามของ Alexei Mikhailovich ในการจัดระเบียบโรงละครในศาลแห่งแรกย้อนกลับไปในปี 1660: ใน "รายการ" ของคำสั่งซื้อและการซื้อสำหรับซาร์พ่อค้าชาวอังกฤษ Hebdon เขียนโดย Alexei Mikhailovich โดยมีภารกิจ "เพื่อเรียกรัฐมอสโกจากดินแดนเยอรมัน ปรมาจารย์ในการสร้างตลก” อย่างไรก็ตาม ความพยายามนี้ยังคงไม่ประสบความสำเร็จ การแสดงครั้งแรกของโรงละครในราชสำนักรัสเซียเกิดขึ้นในปี 1672 เท่านั้น ในวันที่ 15 พฤษภาคม ค.ศ. 1672 ซาร์ได้ออกพระราชกฤษฎีกาซึ่งพันเอกนิโคไล ฟอน สตาเดน (เพื่อนของโบยาร์ มัตวีฟ) ได้รับคำสั่งให้ค้นหาผู้คนในต่างประเทศที่สามารถ ” Staden “เพื่อความบันเทิงแห่งความยิ่งใหญ่” เชิญนักแสดงชื่อดัง Johann Felston และ Anna Paulson แต่ด้วยความหวาดกลัวกับเรื่องราวเกี่ยวกับ Muscovy ผู้ลึกลับนักแสดงตลกจึงปฏิเสธที่จะไปและ Staden ก็พานักดนตรีเพียงห้าคนมาที่มอสโก Matveev ได้เรียนรู้ว่า Johann Gottfried Gregory ครูของโรงเรียนคริสตจักรในเยอรมันซึ่งมาถึงมอสโกเมื่อปี 1658 รู้วิธี "สร้างคอเมดี" เมื่อวันที่ 4 มิถุนายน ค.ศ. 1672 มีคำสั่งให้ "ยาแกน กอตต์ฟรีด ชาวต่างชาติแสดงตลกและแสดงตลกจากพระคัมภีร์ หนังสือของเอสเธอร์ และให้ดำเนินการจัดเตรียมคฤหาสน์อีกครั้งและสำหรับโครงสร้าง" ของคฤหาสน์นั้นและสิ่งที่ต้องซื้อจากพระราชกฤษฎีกาของพิธี Volodymyr และตามพระราชกฤษฎีกาของกษัตริย์ผู้ยิ่งใหญ่นั้น โรงแสดงตลกได้ถูกสร้างขึ้นในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye พร้อมอุปกรณ์ทั้งหมดที่คฤหาสน์นั้นต้องการ”

ตามคำสั่งของราชวงศ์ Gregory และผู้ช่วย Ringuber ของเขาเริ่มรวบรวมเด็ก ๆ และสอนศิลปะการละครให้พวกเขา รับสมัครทั้งหมด 69 คน ภายในสามเดือนการเล่นก็เรียนรู้เป็นภาษาเยอรมันและสลาฟ “Comedy Hall” ซึ่งสร้างเสร็จในเวลานี้ เป็นอาคารไม้ที่ประกอบด้วยสองส่วน ภายในมีเวที ที่นั่งจัดอยู่ในอัฒจันทร์ และม้านั่ง ใช้ผ้าสีแดงและสีเขียวจำนวนมากสำหรับหุ้มเบาะของชิ้นส่วนภายใน พระที่นั่งซึ่งยื่นออกมาข้างหน้าหุ้มด้วยผ้าสีแดง และสำหรับพระราชินีและเจ้าชายก็มีกล่องที่มีตะแกรงอย่างดีซึ่งพวกเขามองไปที่เวทีโดยยังคงซ่อนตัวจากผู้ชมที่เหลือ เวทีซึ่งยกสูงเหนือพื้น มีราวกั้นกั้นจากผู้ชม ม่านถูกวางลงบนเวที ซึ่งปิดไว้เมื่อมีความจำเป็นในการจัดเรียงใหม่บนเวที ทิวทัศน์นี้สร้างโดยจิตรกรชาวดัตช์ ปีเตอร์ อิงลิส ซาร์มอบเงิน 40 sables มูลค่า 100 รูเบิลให้กับ Gregory และอีกสองสามรูเบิลสำหรับเงินเดือนของเขาสำหรับการแสดงตลกเกี่ยวกับรัชสมัยของ Artaxerxes Ringuter เขียนเกี่ยวกับการแสดงนี้ในสมุดบันทึกของเขา: "การแสดงเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 17 ตุลาคม ค.ศ. 1672 กษัตริย์รู้สึกประหลาดใจกับการแสดงนี้และนั่งเป็นเวลาสิบชั่วโมงเต็มโดยไม่ลุกขึ้น" ละครเรื่องนี้ดำเนินการโดย: Blumentrost, Friedrich Gossen, Ivan Meva, Ivan และ Pavel Berner, Pyotr Carlson และคนอื่น ๆ พวกเขามีส่วนร่วมในการแสดงจนถึงครึ่งหลังของปี 1673 ในวันครบรอบแต่งงานซาร์ต้องการจัดการแสดง แต่ ไม่อยากไป Preobrazhenskoye ดังนั้นจึงมี "การเต้นรำตลก" ถูกสร้างขึ้นในวอร์ดแม้ว่าพวกเขาจะทำไม่เสร็จทันเวลาก็ตาม Alexey Mikhailovich กลายเป็นผู้มาเยี่ยมชมการแสดงละครบ่อยครั้ง

เมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ Maslenitsa ปรากฏการณ์ครั้งใหม่เกิดขึ้น - บัลเล่ต์ที่สร้างจากเรื่องราวของ Orpheus และ Eurydice นักแสดงได้รับการสอนศิลปะบัลเล่ต์โดยวิศวกร Nikolai Lim ในช่วงฤดูร้อน (ตั้งแต่วันที่ 15 พฤษภาคมถึง 16 มิถุนายน) นักแสดงชาวเยอรมันถูกแทนที่ด้วยชาวรัสเซีย ประวัติศาสตร์ยังคงรักษาชื่อของพวกเขา - Vaska Meshalkin, Nikolai และ Rodion Ivanov, Kuzma Zhuravlev, Timofey Maksimov, Luka Stepanov และคนอื่น ๆ - เพราะพวกเขาลงนามในคำอุทธรณ์เป็นลายลักษณ์อักษรถึงซาร์ “ อธิปไตยผู้เมตตาซาร์และแกรนด์ดุ๊กอเล็กซี่มิคาอิโลวิช! โปรดให้เราเป็นผู้รับใช้ของพระองค์ องค์อธิปไตยทรงสั่งให้เราทำอาหารประจำวันตามเงินเดือนขององค์อธิปไตยอันมหาศาล เพื่อที่เราในฐานะผู้รับใช้ของท่านในธุรกิจตลกนั้นจะไม่ตายด้วยความหิวโหย ซาร์อธิปไตย โปรดเมตตา” กษัตริย์ทรงอนุญาตให้พระราชทานเงินวันละ 4 เหรียญแก่นักแสดงตลกแต่ละคน

การแสดงกลายเป็นหนึ่งในความบันเทิงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศาลมอสโก มีนักแสดงชาวรัสเซีย 26 ​​คน เด็กผู้ชายเล่นบทบาทผู้หญิง บทบาทของเอสเธอร์ใน การออกฤทธิ์ของอาร์ทาเซอร์ซีสรับบทโดยลูกชายของบลูเมนรอสต์ ทั้งนักแสดงชาวต่างชาติและชาวรัสเซียได้รับการฝึกฝนในโรงเรียนพิเศษซึ่งเปิดเมื่อวันที่ 21 กันยายน พ.ศ. 2215 ที่ลานบ้านของเกรกอรีในชุมชนชาวเยอรมัน การฝึกอบรมนักเรียนชาวรัสเซียและชาวต่างชาติกลายเป็นเรื่องยากและในช่วงครึ่งหลังของปี 1675 โรงเรียนการละครสองแห่งเริ่มเปิดดำเนินการ: ที่ศาลโปแลนด์ - สำหรับชาวต่างชาติใน Meshchanskaya Sloboda - สำหรับรัสเซีย ผลงานละคร: การออกฤทธิ์ของอาร์ทาเซอร์ซีส (1672), ตลกเกี่ยวกับโทเบียสผู้น้อง (1673), จูดิธ (1674),การกระทำของเทมีร์-อัคซาคอฟ (1675), หนังตลกเล็กๆ น้อยๆ เกี่ยวกับโจเซฟ(1675), ตลกเกี่ยวกับเดวิดและโกลิอัท (1676), ตลกเกี่ยวกับแบคคัสกับวีนัส(1676) เป็นต้น

เกรกอรีเสียชีวิตเมื่อวันที่ 16 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1675 Yuri Gyutner กลายเป็นผู้สืบทอดของเขาจากเขาความเป็นผู้นำส่งต่อไปยัง Blumentrost และปริญญาตรี Ivan Volosheninov ต่อมาตามคำแนะนำของผู้ว่าราชการ Smolensk เจ้าชาย Golitsyn ครูจึงกลายเป็นผู้นำ ภาษาละตินสเตฟาน ไชซินสกี้.

ในปี 1676 Alexey Mikhailovich เสียชีวิต ผู้สร้างแรงบันดาลใจในแนวคิดเรื่องโรงละคร Boyar Matveev ถูกเนรเทศ เมื่อวันที่ 15 ธันวาคม พ.ศ. 2220 พระราชกฤษฎีกาดังต่อไปนี้: "เภสัชกรสั่งให้ห้องที่เต็มไปด้วยการแสดงตลกทำความสะอาดและสิ่งที่อยู่ในห้อง อวัยวะ และโอกาสในการขายอุปกรณ์การแสดงตลกทุกประเภท นำทุกอย่างไปที่สนามหญ้าของ Nikita Ivanovich Romanov”

ทั้งหมดนี้ทำให้เกิดเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของโรงละครสาธารณะแห่งชาติ เพื่อจุดประสงค์นี้ในปี ค.ศ. 1752 คณะของ Volkov ถูกเรียกจาก Yaroslavl ไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นักแสดงสมัครเล่นที่มีความสามารถได้รับเลือกให้ศึกษาใน Gentry Corps - A. Popov, I. Dmitrevsky, F. และ G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov ฯลฯ ในหมู่พวกเขามีผู้หญิงสี่คน: A. Musina-Pushkina, A. . Mikhailova น้องสาว M. และ O. Ananyev

รัสเซียถาวรคนแรก โรงละครสาธารณะเปิดในปี 1756 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในบ้าน Golovkin นักแสดงจำนวนหนึ่งจากคณะ Yaroslavl ของ F. Volkov รวมถึงนักแสดงการ์ตูน Ya. Shumsky ถูกเพิ่มเข้ามาในนักแสดงที่ได้รับการฝึกฝนใน Gentry Corps โรงละครแห่งนี้นำโดย Sumarokov ซึ่งมีโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกเป็นพื้นฐานของละคร สถานที่แรกในคณะถูกครอบครองโดย Volkov ซึ่งเข้ามาแทนที่ Sumarokov ในฐานะผู้อำนวยการและครอบครองสถานที่นี้จนกระทั่งเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2306 (โรงละครแห่งนี้ในปี พ.ศ. 2375 จะได้รับชื่อ Alexandrinsky - เพื่อเป็นเกียรติแก่ภรรยาของ Nicholas I.)

การแสดงต่อสาธารณะครั้งแรกในมอสโกย้อนกลับไปในปี 1756 เมื่อนักศึกษาโรงยิมของมหาวิทยาลัยภายใต้การนำของผู้อำนวยการกวี M. Kheraskov ได้ก่อตั้งคณะละครขึ้นภายในกำแพงของมหาวิทยาลัย ตัวแทนของสังคมชั้นสูงของมอสโกได้รับเชิญให้เข้าร่วมการแสดง ในปี พ.ศ. 2319 บนพื้นฐานของคณะมหาวิทยาลัยเดิมมีการสร้างโรงละครละครซึ่งได้รับชื่อ Petrovsky (หรือที่รู้จักในชื่อโรงละคร Medox) โรงละครบอลชอย (โอเปร่าและบัลเล่ต์) และโรงละคร Maly (ละคร) ของรัสเซียมีต้นกำเนิดมาจากโรงละครแห่งนี้

ทั้งคณะละครในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกรู้สึกว่าขาดนักแสดงหญิง ไม่มีผู้หญิงเลยในคณะ Yaroslavl ของ Volkov ชายหนุ่มเล่นบทบาทของผู้หญิง อย่างไรก็ตามในเวลาต่อมาเมื่อคัดเลือกนักแสดงชุดแรกด้วยความยากลำบากพวกเขาก็ปรากฏตัวบนเวทีในบทบาทของหญิงสาวเท่านั้นบทบาทของหญิงชราในการ์ตูนยังคงถูกเก็บรักษาไว้โดยผู้ชายเป็นเวลานาน ตามที่ผู้เห็นเหตุการณ์กล่าวว่า Ya. Shumsky ฉายแววด้วยทักษะพิเศษในเรื่องนี้

หลังจากการเสียชีวิตของ Volkov Dmitrevsky กลายเป็นนักแสดงคนแรกของคณะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก กิจกรรมของเขามีความหลากหลายมาก ในปี พ.ศ. 2310 เขาเดินทางไปต่างประเทศโดยได้รับมอบหมายอย่างเป็นทางการให้รับสมัครนักแสดงให้กับคณะฝรั่งเศสในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเขียนบทละครที่จัดแสดงบนเวทีและรับค่าตอบแทนที่ดีทำงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียตรวจสอบผลงานของโรงละคร และฝึกฝนนักแสดงรุ่นเยาว์ ในความเป็นจริงนักแสดงหลักทั้งหมดของรุ่นต่อไปคือนักเรียนของเขา - A. Krutitsky, K. Gomburov, S. Rakhmanov, A. D. Karatygina, S. Sandunova, T. Troepolskaya, P. Plavilshchikov และคนอื่น ๆ ในปี 1771 Dmitrevsky พยายามจัดระเบียบใหม่ และเป็นผู้นำโรงละครมหาวิทยาลัยมอสโก (แข่งขันกับ Sumarokov ซึ่งตกงานในเวลานั้น) แต่โครงการนี้ไม่เกิดขึ้น

เมื่อโรงละครรัสเซียพัฒนาขึ้น บทบาทของพวกเขาในการกำหนดอุดมการณ์และความรู้สึกสาธารณะก็ชัดเจนมากขึ้นต่อรัฐบาล ในปี พ.ศ. 2309 ตามคำสั่งของแคทเธอรีนที่ 2 ได้มีการจัดตั้งคณะกรรมการโรงละครอิมพีเรียลขึ้นภายใต้เขตอำนาจศาลที่โรงละครชั้นนำทั้งหมดในรัสเซียเข้ามาในที่สุด

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 โรงละครเสิร์ฟกำลังแพร่หลาย ผู้เชี่ยวชาญด้านการละคร - นักแสดง นักออกแบบท่าเต้น นักแต่งเพลง - ได้รับเชิญให้มาฝึกร่วมกับนักแสดงที่นี่ โรงละครเสิร์ฟบางแห่ง (Sheremetev ใน Kuskovo และ Ostankino, Yusupov ใน Arkhangelsk) เหนือกว่าโรงละครของรัฐในด้านความสมบูรณ์ของการผลิต ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เจ้าของโรงละครทาสบางแห่งเริ่มเปลี่ยนพวกเขาให้กลายเป็นสถานประกอบการเชิงพาณิชย์ (Shakhovskoy และคนอื่น ๆ ) นักแสดงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงหลายคนมาจากโรงละครทาสซึ่งมักถูกปล่อยให้เช่าเพื่อเล่นในโรงภาพยนตร์ "ฟรี" - รวมไปถึง บนเวทีจักรวรรดิ (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya ฯลฯ )

โดยทั่วไปแล้วกระบวนการก่อตั้งโรงละครมืออาชีพในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 สิ้นสุดแล้ว ต่อมาศตวรรษที่ 19 กลายเป็นช่วงเวลาแห่งการพัฒนาอย่างรวดเร็วของโรงละครรัสเซียทุกทิศทาง

โรงละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในรัสเซียมีเหตุการณ์สำคัญสองเหตุการณ์ที่มีอิทธิพลต่อชีวิตสาธารณะทั้งหมด รวมถึงโรงละครด้วย

ประการแรกคือสงครามต่อต้านนโปเลียนฝรั่งเศส ซึ่งทำให้ความรู้สึกรักชาติเพิ่มขึ้นอย่างมาก สำหรับละครเวที สิ่งนี้มีความหมายสองประการ ประการแรก วงการปกครองและกลุ่มปัญญาชนตระหนักถึงบทบาทและความเป็นไปได้ของศิลปะการแสดงละครในการก่อตัวของอุดมการณ์สาธารณะ ประเด็นที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาละครในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 ถูกหารือในการประชุมของสมาคมผู้รักวรรณกรรม วิทยาศาสตร์ และศิลปะเสรี I. Pnin ผู้ติดตามของ Radishchev ในหนังสือของเขา ประสบการณ์เกี่ยวกับการตรัสรู้ที่เกี่ยวข้องกับรัสเซีย(1804) แย้งว่าละครควรมีส่วนช่วยในการพัฒนาสังคม ประการที่สอง ความเกี่ยวข้องของโศกนาฏกรรมความรักชาติที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ เต็มไปด้วยการพาดพิงถึงสถานการณ์สมัยใหม่ ( เอดิปุสในกรุงเอเธนส์และ มิทรี ดอนสกอย V. Ozerov รับบทโดย F. Schiller และ W. Shakespeare) มีส่วนทำให้เกิดแนวโรแมนติก ซึ่งหมายความว่ามีการสร้างหลักการใหม่ในการแสดงความปรารถนาที่จะปรับแต่งตัวละครบนเวทีให้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเปิดเผยความรู้สึกและจิตวิทยาของพวกเขา รูปแบบการเล่นที่โรแมนติกเผยให้เห็นความสามารถของศิลปินรุ่นต่อไป - Y. Shusherin, A. Yakovlev, E. Semenova ซึ่ง A.S. Pushkin ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากความสามารถ ในบรรดานักแสดงตลก V. Rykalov, I. Sosnitsky, M. Valberkhova โดดเด่น (การแสดง ขี้ฟ้องแคปนิสต้า, นายพลจัตวาและ ส่วนน้อยฟอนวิซินา, ร้านแฟชั่นและ บทเรียนสำหรับลูกสาวครีโลวา ฯลฯ) ชัยชนะเหนือฝรั่งเศสได้เสริมสร้างแนวโน้มความรักชาติและโรแมนติก - จิตวิทยาในศิลปะการแสดงละครสิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานละครและละคร - ทฤษฎีของพุชกินซึ่งปกป้องหลักการของสัญชาติที่แท้จริงในโรงละครรัสเซีย

ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 การแยกโรงละครรัสเซียอย่างเป็นทางการครั้งแรกออกเป็นทิศทางที่แยกจากกันเกิดขึ้น (ก่อนหน้านี้คณะละครทำงานร่วมกับคณะโอเปร่าและบัลเล่ต์และนักแสดงคนเดียวกันมักแสดงในประเภทต่าง ๆ ) ในปี พ.ศ. 2367 โรงละคร Medox ในอดีตถูกแบ่งออกเป็นสองคณะ - คณะละคร (โรงละคร Maly) และคณะโอเปร่าและบัลเล่ต์ (โรงละครบอลชอย) มาลีเธียเตอร์รับ อาคารแยกต่างหาก. (ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คณะละครถูกแยกออกจากคณะดนตรีในปี พ.ศ. 2346 แต่ก่อนที่จะย้ายไปยังอาคารที่แยกจากกันของโรงละครอเล็กซานดรินสกี้ในปี พ.ศ. 2379 ก็ยังคงทำงานร่วมกับคณะโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่โรงละคร Mariinsky)

อย่างไรก็ตาม การพัฒนาวรรณกรรมและละครโดยเสรีถูกระงับในปี พ.ศ. 2368 เมื่อการจลาจลของ Decembrist นำไปสู่การตอบโต้ที่เข้มข้นขึ้น ในปี พ.ศ. 2369 โรงละครของรัฐถูกโอนไปยังเขตอำนาจศาลของกระทรวงศาลอิมพีเรียล ในปีพ.ศ. 2371 มีการเซ็นเซอร์บทละครเพิ่มเติมใน “แผนกที่สามของสำนักนายกรัฐมนตรี” ในปีพ.ศ. 2372 การจัดการโรงละครวิทยาลัยถูกแทนที่ด้วยความสามัคคีในการบังคับบัญชาของผู้อำนวยการที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของรัฐบาล การเซ็นเซอร์ห้ามการผลิตสิ่งที่ดีที่สุด ผลงานละครเวลานั้น: วิบัติจากใจ A. Griboyedov (พ.ศ. 2367 การห้ามถูกยกเลิกในปี พ.ศ. 2374); บอริส โกดูนอฟ A. Pushkin (พ.ศ. 2368 การห้ามถูกยกเลิกในปี พ.ศ. 2409); หน้ากาก M. Lermontov (พ.ศ. 2378 การห้ามถูกยกเลิกในปี พ.ศ. 2405) พื้นฐานของละครของโรงละครรัสเซียในยุคนี้คือเพลงโวเดอวิลล์และบทละครของราชาธิปไตยโดย N. Kukolnik, N. Polevoy, P. Obodovsky และคนอื่น ๆ เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้การผลิตหนังตลกของ N. Gogol ทำให้เกิดการสะท้อนของสาธารณชนอย่างมาก ผู้ตรวจสอบบัญชี (1836).

มาถึงตอนนี้ทิศทางการพัฒนาศิลปะการแสดงที่เป็นประชาธิปไตยได้กระจุกตัวอยู่ในมอสโกที่โรงละครมาลี คณะที่แข็งแกร่งซึ่งนำโดย P. Mochalov และ Shchepkin รวมตัวกันที่นั่น Shchepkin พัฒนาแนวจิตวิทยาในการแสดงโดยคาดการณ์ทิศทางเชิงสุนทรีย์ของความสมจริงเชิงวิพากษ์วิจารณ์ และทำให้โรงละครเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้น ศิลปินที่โดดเด่นคนอื่น ๆ ของ Maly Theatre ก็เป็นของโรงเรียน Shchepkin - M. Lvova-Sinetskaya, P. Orlova, V. Zhivokini และคนอื่น ๆ Mochalov เป็นตัวแทนของทิศทางของโศกนาฏกรรม - โรแมนติก, กบฏ, แรงบันดาลใจ ความรู้สึกสูงและความปรารถนาอันแรงกล้า

ทิศทางที่แตกต่างในศิลปะการแสดงปรากฏในผลงานของนายกรัฐมนตรีของโรงละคร Alexandrinsky V. Karatygin ซึ่งสะท้อนให้เห็นลักษณะของการประชุมแบบคลาสสิกและพิธีการอย่างเป็นทางการอย่างชัดเจน ขอบคุณบทความโดย V. Belinsky และความคิดเห็นของฉันเกี่ยวกับเกมของ Mr. Karatygin(พ.ศ. 2378) และ แฮมเล็ต ละครของเช็คสเปียร์ โมชาลอฟเป็นแฮมเล็ต(พ.ศ. 2381) Karatygin และ Mochalov กลายเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์โรงละครของโรงเรียนการแสดงทางเลือกรัสเซียสองแห่งในศตวรรษที่ 19 ค่อนข้างเป็นแผนผังสามารถกำหนดได้ว่าเป็นเหตุเป็นผล (Karatygin) และสร้างขึ้นจากแรงบันดาลใจเท่านั้น (Mochalov)

ภายในปี ค.ศ. 1830–1840 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา จำนวนโรงละครประจำจังหวัดในรัสเซียเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ และข้อมูลแรกปรากฏเกี่ยวกับนักแสดงที่โดดเด่นของจังหวัดรัสเซีย เช่น K. Solenik, L. Mlotkovskaya และคนอื่น ๆ

เวทีใหม่ในการพัฒนาโรงละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 เกี่ยวข้องกับผลงานของนักเขียนบทละคร A. Ostrovsky การปรากฏตัวของบทละครของเขาทำให้โรงละครมีละครระดับชาติที่สมจริงอย่างกว้างขวาง การแสดงละครของ Ostrovsky ต้องการจากนักแสดงบนเวทีโดยอาศัยความสามารถในการสร้างตัวละครในชีวิตประจำวัน ใช้คำเพื่อถ่ายทอดภาษาที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวละคร ความคล้ายคลึงกันของตำแหน่งทางสุนทรีย์นำไปสู่การทำงานร่วมกันอย่างใกล้ชิดและมีประสิทธิภาพของ Ostrovsky กับ Maly Theatre งานด้านละครของเขามีส่วนช่วยในการพัฒนาทักษะการแสดงของคณะและการแสดงความสามารถของนักแสดงก็ถูกกำหนดไว้ ความสำเร็จบนเวทีและเพิ่มความนิยมให้กับนักเขียนบทละคร ละครที่สมจริงของ Ostrovsky ก่อตัวและฝึกฝนความสามารถของนักแสดงเช่น P. Sadovsky, I. Samarin, S. Shumsky, L. Kositskaya, G. Fedotova, S. Vasiliev, N. Rykalova, S. Akimova, N. Musil, N. Nikulina และคนอื่น ๆ ควบคู่ไปกับทิศทางที่สมจริงในชีวิตประจำวันแนวโศกนาฏกรรมโรแมนติกได้รับการพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จที่โรงละคร Maly ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของ M. Ermolova ผู้ยิ่งใหญ่ (การแสดง เอมิเลีย กาลอตติเลสซิ่ง, ฟูเอนเต้ โอเวจูน่าโลเป เด เวก้า, พายุออสตรอฟสกี้ แมรี่ สจ๊วตชิลเลอร์ ฯลฯ)

ช่วงเวลานี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยกลุ่มชื่อละครทั้งหมด - นักแสดงและผู้กำกับ ชีวิตการแสดงละครเต็มไปด้วยความผันผวนในเมืองหลวงทั้งสองแห่ง กองกำลังที่ดีที่สุดจังหวัดโรงละครรัสเซีย

ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก” รูปสำคัญ“ ในเวลานี้มี V. Komissarzhevskaya หลังจากเปิดตัวบนเวทีโรงละคร Alexandrinsky ในปี พ.ศ. 2439 (ก่อนหน้านั้นเธอเคยเล่นในการแสดงสมัครเล่นของ Stanislavsky) นักแสดงหญิงเกือบจะในทันทีที่ได้รับความรักอันแรงกล้าจากผู้ชม โรงละครของเธอเองซึ่งเธอสร้างขึ้นในปี 1904 มีบทบาทอย่างมากในการสร้างกาแล็กซีที่ยอดเยี่ยมของการกำกับของรัสเซีย ที่โรงละคร Komissarzhevskaya ในปี พ.ศ. 2449-2550 เป็นครั้งแรกบนเวทีของเมืองหลวง Meyerhold ได้กำหนดหลักการของโรงละครธรรมดา (ต่อมาเขาทำการทดลองต่อไปในโรงละครของจักรวรรดิ - Alexandrinsky และ Mariinsky รวมถึงในโรงเรียน Tenishevsky และใน สตูดิโอโรงละครบนถนน Borodinskaya) ในฤดูกาล พ.ศ. 2449-2550 A. Tairov เล่นบนเวทีที่โรงละคร Komissarzhevskaya (ในปี พ.ศ. 2450 เขาย้ายไปที่โรงละครสาธารณะเคลื่อนที่แห่งแรกที่มีชื่อเสียงไม่น้อยที่ Ligovsky People's House ซึ่งสร้างโดย P. Gaideburov) ในปี พ.ศ. 2451-2552 การแสดงได้จัดแสดงในโรงละครของเธอโดย N. Evreinov ผู้สร้างโรงละครโบราณในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งมีการแสดงในยุคกลางของฝรั่งเศสและยุคเรอเนซองส์ของสเปนได้รับการสร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบเก๋ไก๋ โดยช่วงทศวรรษที่ 1910 ที่เรียกว่า รูปแบบการแสดงละครขนาดเล็ก ได้แก่ ศิลปะคาบาเร่ต์ Stray Dog, Halt ของนักแสดงตลก และ Crooked Mirror สร้างชื่อเสียงให้กับผู้กำกับ นักแสดง ศิลปิน นักเขียน และได้เข้าสู่ประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซีย เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กยังกลายเป็นบ้านเกิดของโรงละครเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย - ในปี 1913 สหภาพเยาวชนได้เปิดโรงละครแห่งอนาคตแห่งใหม่ (โอเปร่าโดย A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, M. Matyushin และ K. Malevich ชัยชนะเหนือดวงอาทิตย์และโศกนาฏกรรมของ V. Mayakovsky วี.วี. มายาคอฟสกี้).

ในมอสโก ศูนย์กลางของชีวิตการแสดงละครคือโรงละครศิลปะมอสโก มีการรวบรวมกลุ่มนักแสดงที่ยอดเยี่ยมที่เล่นในการแสดงที่ดึงดูดผู้ชมจำนวนมาก: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov ฯลฯ หลายคน ทิศทางถูกสร้างขึ้นที่นี่ การกำกับสมัยใหม่: นอกจาก Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko แล้วยังเป็นผลงานของ L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov; จี. เครกผู้โด่งดังระดับโลกก็มาร่วมสร้างด้วย โรงละครศิลปะมอสโกวางรากฐานสำหรับฉากสมัยใหม่: M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev และคนอื่น ๆ มีส่วนร่วมในการแสดงของพวกเขา Moscow Art Theatre ในเวลานั้นได้กำหนดชีวิตศิลปะทั้งหมดของ มอสโก รวมทั้ง – และการพัฒนารูปแบบการแสดงละครขนาดเล็ก โรงละครคาบาเรต์มอสโกที่ได้รับความนิยมมากที่สุด "The Bat" ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการละเล่นของโรงละครศิลปะมอสโก เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ โรงละครอื่นๆ ในมอสโกจึงดูค่อนข้างซีด บางทีกลุ่มเดียวที่ทำงานเกี่ยวกับหลักการทางศิลปะอื่น ๆ และในขณะเดียวกันก็มีผู้ชมเป็นของตัวเองก็คือ Chamber Theatre ที่สร้างขึ้นในปี 1914 โดย Tairov

โรงละครรัสเซียหลังปี 1917

หลังจากการปฏิวัติในปี 1917 ซึ่งเปลี่ยนวิถีชีวิตทั้งหมดในรัสเซีย เวทีใหม่และในชีวิตการแสดงละครของประเทศ

รัฐบาลใหม่เข้าใจถึงความสำคัญของศิลปะการแสดงละคร: เมื่อวันที่ 9 พฤศจิกายน พ.ศ. 2460 มีการออกพระราชกฤษฎีกาสภา ผู้บังคับการตำรวจในการโอนโรงละครรัสเซียทั้งหมดไปยังเขตอำนาจศาลของแผนกศิลปะของคณะกรรมการการศึกษาแห่งรัฐ และเมื่อวันที่ 26 สิงหาคม พ.ศ. 2462 มีพระราชกฤษฎีกาเกี่ยวกับการทำให้โรงละครเป็นของชาติเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของรัสเซียที่โรงละครกลายเป็นเรื่องของรัฐโดยสิ้นเชิง (ในกรีกโบราณนโยบายของรัฐดังกล่าวได้ดำเนินการย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช) . โรงละครชั้นนำได้รับรางวัลทางวิชาการ: ในปี 1919 - โรงละคร Maly, ในปี 1920 - โรงละครศิลปะมอสโกและโรงละคร Alexandrinsky (เปลี่ยนชื่อเป็นโรงละครวิชาการแห่งรัฐ Petrograd) โรงภาพยนตร์ใหม่กำลังเปิด ในมอสโก - สตูดิโอแห่งที่ 3 ของโรงละครศิลปะมอสโก (พ.ศ. 2463 ต่อมาคือโรงละคร Vakhtangov); โรงละครแห่งการปฏิวัติ (พ.ศ. 2465 ต่อมา - โรงละครมายาคอฟสกี้); โรงละคร MGSPS (พ.ศ. 2465 ปัจจุบัน – โรงละคร Mossovet); โรงละครมอสโกสำหรับเด็ก (พ.ศ. 2464 ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2479 - โรงละครเด็กกลาง) ใน Petrograd - โรงละครบอลชอย (2462); GOSET (2462 จากปี 2463 ย้ายไปมอสโก); โรงละครสำหรับผู้ชมรุ่นเยาว์ (2465)

ในช่วงเวลานี้ทิศทางของโรงละครสาธารณะโฆษณาชวนเชื่อลึกลับกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ตั้งอยู่ในเปโตรกราด การดำเนินการเกี่ยวกับนานาชาติที่สาม(1919), ความลึกลับของแรงงานที่ถูกปลดปล่อย สู่ประชาคมโลก การยึดพระราชวังฤดูหนาว(ทั้งหมด – 1920); ในมอสโก - ละครใบ้แห่งการปฏิวัติครั้งใหญ่(พ.ศ. 2461); ในโวโรเนซ - ยกย่องการปฏิวัติ(พ.ศ. 2461); ในอีร์คุตสค์ - การต่อสู้ระหว่างแรงงานและทุน(พ.ศ. 2464) ฯลฯ สโลแกนของศิลปะมวลชนนำไปสู่การเพิ่มขึ้นอย่างมากในการแสดงละครสมัครเล่น - โรงละคร Proletkult ต่อมา - กลุ่ม TRAM และกลุ่ม Blue Blouse

ในงานศิลปะโดยทั่วไปและโดยเฉพาะการละครมันเป็นเรื่องมาก ช่วงเวลาที่ยากลำบาก. ศิลปิน (เช่นเดียวกับคนทั้งประเทศ) ถูกแบ่งออกเป็นผู้สนับสนุนและฝ่ายตรงข้ามของการปฏิวัติ การทำให้เข้าใจง่ายขึ้นเราสามารถพูดได้ว่าในขอบเขตสุนทรียภาพการแบ่งเกิดขึ้นโดยสัมพันธ์กับประเพณีของวัฒนธรรมโลก ความตื่นเต้นของการทดลองทางสังคมที่มุ่งสร้างสังคมใหม่นั้นมาพร้อมกับความตื่นเต้นทางศิลปะของศิลปะการทดลอง การปฏิเสธ ประสบการณ์ทางวัฒนธรรมของอดีต ในปี 1920 เมเยอร์โฮลด์ได้เสนอโครงการ Theatre October ซึ่งประกาศการทำลายงานศิลปะเก่าโดยสิ้นเชิงและการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่บนซากปรักหักพัง เป็นเรื่องที่ขัดแย้งกันที่ Meyerhold เป็นผู้ศึกษาโรงละครแบบดั้งเดิมอย่างลึกซึ้งซึ่งกลายเป็นนักอุดมการณ์ของกระแสนี้ แต่ความอิ่มอกอิ่มใจในการทำลายล้างของการฟื้นฟูทางสังคมก็มาพร้อมกับความอิ่มอกอิ่มใจของการทดลองทางศิลปะซึ่งได้รับการสนับสนุนจากรัฐบาลและส่งถึงผู้ชมใหม่

กุญแจสู่ความสำเร็จในช่วงเวลานี้คือการทดลอง นวัตกรรม - จากธรรมชาติที่แตกต่างกันและทิศทาง บางทีนี่อาจเป็นสิ่งที่กำหนดการดำรงอยู่ในช่วงเวลาเดียวกันของ "การประชุมการแสดง" ทางการเมืองแห่งอนาคตของเมเยอร์โฮลด์และจิตวิทยาสังคมเชิงสังคมที่ได้รับการขัดเกลาและเน้นย้ำของ Tairov " ความสมจริงที่ยอดเยี่ยม"Vakhtangov และการทดลองการแสดงสำหรับเด็กโดย N. Sats รุ่นเยาว์, โรงละครบทกวีในพระคัมภีร์ไบเบิล Habima และ FEKS ที่แปลกประหลาด ฯลฯ โรงละครที่มีทิศทางแบบดั้งเดิมมากกว่า (Moscow Art Theatre, Maly, อดีต Alexandrinsky ฯลฯ ) จ่ายส่วยให้กับความทันสมัย ด้วยการแสดงที่ปฏิวัติโรแมนติกและเสียดสี แต่แหล่งข่าวระบุว่าช่วงปี ค.ศ. 1920 กลายเป็นช่วงเวลาแห่งวิกฤตที่สร้างสรรค์สำหรับพวกเขา

โรงละครรัสเซียยุคใหม่เริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2475 โดยมติของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์แห่งสหภาพบอลเชวิคทั้งหมด "ในการปรับโครงสร้างองค์กรวรรณกรรมและศิลปะ" วิธีการหลักในงานศิลปะได้รับการยอมรับว่าเป็นวิธีการของสัจนิยมสังคมนิยม เวลาของการทดลองทางศิลปะสิ้นสุดลงแล้วแม้ว่าจะไม่ได้หมายความว่าในปีต่อ ๆ มาจะไม่นำความสำเร็จและความสำเร็จใหม่มาในการพัฒนาศิลปะการแสดงละคร เพียงแต่ว่า "อาณาเขต" ของงานศิลปะที่ได้รับอนุญาตนั้นแคบลง การแสดงการเคลื่อนไหวทางศิลปะบางอย่างได้รับการอนุมัติ - ตามกฎแล้วมีความสมจริง และมีเกณฑ์การประเมินเพิ่มเติมปรากฏขึ้น: อุดมการณ์และเฉพาะเรื่อง ตัวอย่างเช่นความสำเร็จอย่างไม่มีเงื่อนไขของโรงละครรัสเซียตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1930 ถือเป็นการแสดงที่เรียกว่า “ เลนิน” ซึ่งนำภาพลักษณ์ของวี. เลนินขึ้นเวที ( ผู้ชายที่มีปืนที่โรงละคร Vakhtangov ในบทบาทของ Lenin - B. Shchukin; จริงป้ะที่ Theatre of the Revolution ในบทบาทของ Lenin - M. Strauch ฯลฯ ) การแสดงใด ๆ ที่สร้างจากบทละครของ "ผู้ก่อตั้งสัจนิยมสังคมนิยม" M. Gorky นั้นถึงวาระที่จะประสบความสำเร็จ นี่ไม่ได้หมายความว่าการแสดงที่สอดคล้องกับอุดมการณ์ทุกครั้งนั้นไม่ดี แต่เป็นเพียงเกณฑ์ทางศิลปะ (และบางครั้งความสำเร็จของผู้ชม) การประเมินของรัฐการแสดงหยุดชี้ขาดแล้ว

สำหรับบุคคลจำนวนมากในโรงละครรัสเซีย ช่วงทศวรรษที่ 1930 (และครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1940 ซึ่งเป็นช่วงที่การเมืองเชิงอุดมการณ์ยังคงดำเนินต่อไป) กลายเป็นเรื่องน่าเศร้า อย่างไรก็ตาม โรงละครรัสเซียยังคงพัฒนาต่อไป ชื่อผู้กำกับใหม่ปรากฏขึ้น: A. Popov, Yu. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V Sakhnovsky, B. Sushkevich, I. Bersenev, A. Bryantsev, E. Radlov และคนอื่น ๆ ชื่อเหล่านี้ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับมอสโกวและเลนินกราดและโรงเรียนกำกับของโรงละครชั้นนำของประเทศ อย่างไรก็ตามผลงานของผู้กำกับหลายคนในเมืองอื่น ๆ ของสหภาพโซเวียตก็มีชื่อเสียงเช่นกัน: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorky, Volgograd) ฯลฯ

นักแสดงรุ่นใหม่ก็เกิดขึ้นเช่นกัน ที่โรงละครศิลปะมอสโกพร้อมด้วยผู้ทรงคุณวุฒิเช่น O. Knipper-Chekhova, V. Kachalov, L. Leonidov, I. Moskvin, M. Tarkhanov, N. Khmelev, B. Dobronravov, O. Androvskaya, K. Elanskaya, A . Tarasova, A. Gribov, B. Livanov, M. Yanshin, M. Prudkin และคนอื่น ๆ นักแสดงและผู้อำนวยการของโรงเรียน Moscow Art Theatre - I. Bersenev, S. Birman, S. Giatsintova - ประสบความสำเร็จในการทำงานที่ Moscow Lenin Komsomol โรงละคร (เดิมชื่อ TRAM) ในโรงละคร Maly พร้อมด้วยนักแสดงรุ่นเก่า A. Yablochkina, V. Massalitinova, V. Ryzhova, E. Turchaninova, A. Ostuzhev, P. Sadovsky และคนอื่น ๆ สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยนักแสดงหน้าใหม่ที่ได้รับชื่อเสียงอยู่แล้ว สมัยโซเวียต: V Pashennaya, E. Gogoleva, N. Annenkov, M. Zharov, M. Tsarev, I. Ilyinsky (ซึ่งย้ายมาที่นี่หลังจากพักกับ Meyerhold) ในอดีตโรงละคร Alexandrinsky (ซึ่งในปี 1937 ได้รับการตั้งชื่อตาม A. Pushkin) ปรมาจารย์เก่าที่มีชื่อเสียง - E. Korchagina-Alexandrovskaya, V. Michurina-Samoilova, E. Time, B. Gorin-Goryainov, I. Pevtsov, Yu. Yuryev และ คนอื่น ๆ ... ปรากฏตัวบนเวทีพร้อมกับนักแสดงรุ่นเยาว์ - N. Rashevskaya, E. Karyakina, E. Wolf-Israel, A. Borisov, N. Simonov, B. Babochkin, N. Cherkasov ฯลฯ B. ประสบความสำเร็จในการทำงานที่ โรงละคร Vakhtangov Shchukin, A. Orochko, Ts. Mansurova และคนอื่น ๆ กำลังก่อตั้งคณะที่แข็งแกร่งที่โรงละคร Mossovet (เดิมคือ MGSPS และ MOSPS) ซึ่งประกอบด้วยนักเรียนของ Yu. Zavadsky - V. Maretskaya, N. Mordvinov เป็นหลัก R. Plyatt, O. Abdulov และคนอื่น ๆ แม้จะมีชะตากรรมของผู้กำกับหลักผลงานของนักแสดงของ Chamber Theatre A. Koonen รวมถึงนักแสดงหลายคนของ Revolution Theatre และ Meyerhold Theatre: M. Babanova, M . Astangov, D. Orlov, M. Strauch, Yu. Glizer, S. Martinson, E. Garin

ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ โรงละครรัสเซียหันมาใช้เป็นหลัก ธีมรักชาติ. บทละครที่เขียนในช่วงเวลานี้มีการจัดฉาก ( การบุกรุกแอล. ลีโอโนวา ด้านหน้าอ. คอร์นีย์ชุก ผู้ชายจากเมืองของเราและ คนรัสเซีย K. Simonov) และเล่นกับธีมทางประวัติศาสตร์และความรักชาติ ( ปีเตอร์ ไออ. ตอลสตอย จอมพลคูตูซอฟ V. Solovyova และคนอื่น ๆ) ความสำเร็จ การแสดงละครคราวนี้เขาหักล้างความถูกต้องของสำนวนทั่วไปที่ว่า “เมื่อปืนพูด รำพึงก็เงียบ” สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม โรงละครเมือง (ต่อมาคือโรงละคร Komissarzhevskaya) และโรงละครดนตรีตลกซึ่งทำงานที่นี่ตลอดการปิดล้อมดึงดูดผู้ชมได้เต็มบ้านแม้จะขาดเครื่องทำความร้อนและมักมีแสงสว่างการวางระเบิดและกระสุนปืนและความหิวโหยของมนุษย์ ในทางตรงกันข้าม ยิ่งสภาพความเป็นอยู่ในเมืองเลวร้ายลงเท่าใด ความต้องการของเลนินกราดสำหรับงานศิลปะเพื่อช่วยให้พวกเขามีชีวิตรอดก็รุนแรงมากขึ้นเท่านั้น ผู้คนต่างยินดีกับการแสดงกลางแจ้งและคอนเสิร์ตในแนวหน้าด้วยความยินดี กองทหารแนวหน้าก่อตั้งขึ้นในโรงละครหลายแห่งทั่วประเทศ ไม่เพียงแต่แสดงในกองทัพที่ประจำการเท่านั้น แต่ยังแสดงในโรงพยาบาลด้วย

ช่วงปี พ.ศ. 2484-2488 ส่งผลอีกประการหนึ่งต่อชีวิตการแสดงละครของรัสเซียและสหภาพโซเวียต: การเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญในระดับศิลปะของโรงละครประจำจังหวัด การอพยพโรงละครในมอสโกและเลนินกราดและงานบริเวณรอบนอกทำให้โรงละครท้องถิ่นมีชีวิตใหม่ มีส่วนทำให้เกิดการบูรณาการศิลปะการแสดงและการแลกเปลี่ยนประสบการณ์ที่สร้างสรรค์

อย่างไรก็ตาม หลังจากสิ้นสุดสงคราม ศิลปะการแสดงละครในช่วงสงครามที่มีความรักชาติเพิ่มขึ้นก็เสื่อมถอยลง มติของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์ All-Union แห่งบอลเชวิคเมื่อวันที่ 26 สิงหาคม พ.ศ. 2489 "เกี่ยวกับโรงละครและมาตรการในการปรับปรุง" ทำให้การควบคุมและการเซ็นเซอร์ทางอุดมการณ์เข้มงวดขึ้น ศิลปะรัสเซียโดยทั่วไป และโดยเฉพาะโรงละคร กำลังประสบกับวิกฤตที่เกี่ยวข้องกับวิกฤตสังคม

โรงละครสะท้อนให้เห็นถึงสภาพของสังคม และการขึ้นใหม่บนเวทีรัสเซียก็เป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงทางสังคมเช่นกัน: การเปิดเผยลัทธิบุคลิกภาพ (1956) และความอ่อนแอของการเมืองเชิงอุดมคติที่เรียกว่า "ละลาย"

โรงละครรัสเซียในปี พ.ศ. 2493-2523

การต่ออายุโรงละครรัสเซียเริ่มต้นด้วยการกำกับ สุนทรียภาพทางการแสดงละครแบบใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่างอีกครั้งในมอสโกและเลนินกราด

ในเลนินกราด กระบวนการนี้ดำเนินไปอย่างไม่สดใสนัก ไม่ได้เป็นการปฏิวัติมากนัก แต่เป็นแบบวิวัฒนาการ มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ G. Tovstonogov ซึ่งตั้งแต่ปี 1949 เป็นหัวหน้าโรงละคร Leningrad Komsomol และในปี 1956 ก็กลายเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ BDT คณะละครที่ยอดเยี่ยม (E. Lebedev, K. Lavrov, G. Yanovskoy, N. Sheiko และคนอื่น ๆ ส่วนใหญ่สามารถตระหนักถึงศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของพวกเขาในมอสโก

นักแสดงเลนินกราดหลายคนมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการก่อตัวของศิลปะการแสดงละครรัสเซีย: I. Gorbachev, N. Simonov, Yu. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freundlich, O. Lebzak, L. Shtykan, N. Burov และคนอื่น ๆ (โรงละคร ตั้งชื่อตาม พุชกิน); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich และคนอื่น ๆ (โรงละคร Lensovet); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke และคนอื่น ๆ (โรงละคร Lenin Komsomol); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik และคนอื่น ๆ (โรงละคร Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin และคนอื่น ๆ (โรงละครตลก); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova และคนอื่น ๆ (โรงละคร ผู้ชมรุ่นเยาว์); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar และคนอื่น ๆ (MDT หรือที่เรียกว่า Theatre of Europe)

ในมอสโกการก่อตัวของสุนทรียภาพทางการแสดงแบบใหม่เกิดขึ้นอย่างรวดเร็วและชัดเจนยิ่งขึ้น ก่อนอื่นควรกล่าวถึงชื่อของ A. Efros ซึ่งไม่ได้กลายเป็นธงของการปฏิวัติการแสดงละครใด ๆ แม้ว่าการแสดงแต่ละครั้งของเขาจะกระตุ้นความสนใจอย่างมากในหมู่นักวิจารณ์และผู้ชมก็ตาม หลังจากเป็นหัวหน้าโรงละครเด็กกลางในปี 2497 Efros ได้รวบรวมกลุ่มเยาวชนที่มีความสามารถรอบตัวเขา - O. Efremova, O. Tabakov, L. Durova และคนอื่น ๆ โปรแกรมศิลปะส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นที่นี่ซึ่งนำไปสู่การเปิดโรงละคร Sovremennik ในปี พ.ศ. 2501 นี่เป็นการมาถึงของยุคใหม่ของเวทีรัสเซีย Sovremennik ผสมผสานสุนทรียภาพของโรงละครจิตวิทยาที่สมจริงเข้ากับการค้นหาวิธีใหม่ในการแสดงออกทางศิลปะ คณะหนุ่ม - O. Efremov, O. Tabakov, E. Evstigneev ในโรงละครกลางของกองทัพแดง (ปัจจุบันคือโรงละครวิชาการกลางของกองทัพรัสเซีย) A. Popov และ B. Lvov-Anokhin ประเพณีของโรงละครจิตวิทยาได้รับการอนุรักษ์ไว้ (ซึ่งต่อมาเป็นหัวหน้าโรงละคร Stanislavsky และจัดแสดงมากมายที่ มาลีเธียเตอร์) การแสดงของ B. Rovensky เป็นที่รู้จักกันดี - ที่โรงละคร Pushkin และในโรงละคร Maly การทำงานในโรงละครต่างๆ Efros ยังคงรักษาอำนาจทางศิลปะสูงสุดไว้เป็นเวลาหลายทศวรรษ M. Zakharov เข้ารับการฝึกอบรมในโรงละครเสียดสีและต่อมาได้รวบรวมสุนทรียศาสตร์ของเขาในโรงละคร เลนิน คมโสมล. ในปี 1970 ความสำเร็จมาพร้อมกับการเปิดตัวของผู้กำกับ A. Vasilyev และ B. Morozov แต่บางทีโรงละครรัสเซียที่ดังที่สุดในช่วงทศวรรษ 1970-1980 ก็คือโรงละคร Moscow Taganka และผู้กำกับ Yu. Lyubimov

ในช่วงเวลานี้นักแสดงที่ยอดเยี่ยมหลายชั่วอายุคนได้ก่อตั้งขึ้นในมอสโกจากโรงเรียนต่าง ๆ มีความเป็นมืออาชีพสูงและมีบุคลิกที่สดใส จริงอยู่เป็นเวลาหลายปีที่สถานการณ์ในคณะละครมอสโกอาร์ตเธียเตอร์น่าเศร้า - "ชายชรามอสโกอาร์ตเธียเตอร์เธียเตอร์" ในตำนานยังคงเปล่งประกายบนเวที แต่การต่ออายุของคณะเริ่มเกิดขึ้นในปี 1970 เมื่อโรงละครมุ่งหน้าไป โดย Efremov. พวกเขามาที่นี่ นักแสดงชื่อดังก่อตั้งขึ้นในโรงละครต่าง ๆ แต่สามารถสร้างวงดนตรีอันงดงามใหม่ได้: E. Evstigneev, A. Kalyagin, A. Popov, I. Smoktunovsky, V. Lanovoy, O. Yankovsky, A. Abdulov, A. Zbruev, I. Churikova , N. Karachentsov, T. Dogileva, E. Shanina ฯลฯ ใน Sovremennik นักแสดงจะถูกเพิ่มเข้ามาในแกนกลางของคณะซึ่งชื่อมีชื่อเสียงไม่น้อย: M. Neelova, L. Akhedzhakova, V. Gaft, E. Yakovleva , A. Leontyev ฯลฯ ที่โรงละครบน Malaya Bronnaya ซึ่ง L. Sukharevskaya และ B. Tenin ฉายในช่วงต้นทศวรรษ 1960, O. Yakovleva, L. Durov, N. Volkov, M. Kozakov, A. Grachev, G. Saifullin และอื่น ๆ หลังจากรอบปฐมทัศน์ที่โรงละคร Stanislavsky ลูกสาวคนโตของชายหนุ่ม(ผลิตโดย A. Vasiliev) และ ซีราโน เดอ เบอร์เชอรัก(ผลิตโดย B. Morozov) ชื่อของ A. Filozov, S. Shakurov, V. Korenev, E. Vitorgan, A. Balter กลายเป็นที่รู้จัก บุคลิกของ L. Polishchuk, E. Gerchakov, V. Gvozditsky และคนอื่น ๆ ถูกเปิดเผยที่โรงละคร Hermitage ภายใต้การดูแลของ M. Levitin ความสามารถพิเศษได้รับการก่อตัวและเสริมความแข็งแกร่งที่โรงละคร Mayakovsky

ในแง่หนึ่ง ความสำเร็จทางการแสดงละครของโรงละครรัสเซียในช่วงทศวรรษ 1960-1980 ไม่ได้ชนะมาง่ายๆ บ่อยครั้งที่การแสดงที่ดีที่สุดเข้าถึงผู้ชมด้วยความยากลำบาก หรือแม้กระทั่งถูกแบนเนื่องจากการพิจารณาทางอุดมการณ์ ในขณะที่มีการมอบรางวัลและรางวัลให้กับการแสดงที่ธรรมดาแต่มีความสอดคล้องในอุดมคติ ในทางกลับกัน สถานะกึ่งทางการของโรงละคร "ฝ่ายค้าน" มักจะทำให้การแสดงมี "ทุนผู้ชม" เพิ่มเติมเสมอ: ในตอนแรกพวกเขาได้รับโอกาสประสบความสำเร็จในบ็อกซ์ออฟฟิศมากขึ้นและได้รับการพิจารณาว่าเป็นชัยชนะที่สร้างสรรค์ (บ่อยครั้งโดยไม่คำนึงถึงศิลปะที่แท้จริง ระดับ). ประวัติความเป็นมาของโรงละคร Taganka เป็นพยานถึงสิ่งนี้: การแสดงใด ๆ ในช่วง "Lubimov" แรกในสภาพแวดล้อมแบบเสรีนิยมถือว่ายอดเยี่ยม การวิพากษ์วิจารณ์ข้อบกพร่องอย่างมืออาชีพมักถูกมองว่าเป็นการหยุดงานประท้วง บนเวทีรัสเซียในเวลานั้น สัญลักษณ์เปรียบเทียบ การพาดพิง และการพาดพิงถึงความเป็นจริงสมัยใหม่ ครอบงำ - นี่คือกุญแจสู่ความสำเร็จของผู้ชม ในเวลาเดียวกันเราไม่ควรลืมว่าในสถานการณ์ทางสังคมของโรงละครของรัฐ การทดลองการแสดงละครทั้งหมด (รวมถึงทางการเมือง) ได้รับการสนับสนุนทางการเงินจากรัฐ ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 อาคารโรงละครแห่งใหม่พร้อมอุปกรณ์ทางเทคนิคที่ทันสมัยได้ถูกสร้างขึ้นสำหรับ Taganka กึ่งเสียศักดิ์ศรี บ่อยครั้งที่เกณฑ์ทางการเมืองและสังคมในการประเมินการแสดงมักจะมีน้ำหนักมากกว่าเกณฑ์ทางศิลปะ ทั้งในการประเมินที่เป็นทางการและไม่เป็นทางการ ทัศนคติที่สมดุลและเพียงพอต่อการแสดงในยุคนั้นแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย น้อยคนนักที่จะเข้าใจสิ่งนี้ในตอนนั้น

การเปลี่ยนแปลงรูปแบบทางการเมืองในช่วงต้นทศวรรษ 1990 และความหายนะทางเศรษฐกิจมายาวนานทำให้ชีวิตของโรงละครรัสเซียเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง ช่วงแรกของการอ่อนตัวลง (และหลัง - และการยกเลิก) การควบคุมทางอุดมการณ์มาพร้อมกับความอิ่มเอมใจ: ตอนนี้คุณสามารถแสดงและแสดงทุกสิ่งให้ผู้ชมเห็นได้ หลังจากยกเลิกการรวมศูนย์โรงละครแล้ว กลุ่มใหม่ก็ถูกจัดตั้งขึ้นเป็นจำนวนมาก เช่น โรงภาพยนตร์ในสตูดิโอ สถานประกอบการ ฯลฯ อย่างไรก็ตาม มีเพียงไม่กี่คนที่รอดชีวิตในเงื่อนไขใหม่ - ปรากฎว่านอกเหนือจากการกำหนดทางอุดมการณ์แล้ว ยังมีการกำหนดผู้ชมด้วย: ประชาชนจะรับชมเฉพาะสิ่งที่ต้องการเท่านั้น และหากในเงื่อนไขของการระดมทุนของรัฐสำหรับโรงละครการเติมหอประชุมไม่สำคัญมากดังนั้นด้วยความพอเพียงบ้านเต็มหลังในห้องโถงจึงเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดเพื่อความอยู่รอด ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ อาชีพของผู้จัดการและโปรดิวเซอร์อาจเป็นที่ต้องการในโรงละครโดยเฉพาะ ซึ่งนอกเหนือจากการศึกษาความต้องการของผู้ชมแล้ว ยังจะค้นหาผู้สนับสนุนและนักลงทุนอีกด้วย อย่างไรก็ตามในปัจจุบันผู้ผลิตละครที่มีความสามารถและประสบความสำเร็จมากที่สุดคือผู้กำกับและนักแสดง (ตัวอย่างหนึ่งคือ Tabakov) ผู้กำกับที่มีความสามารถอย่างแท้จริง (โดยเฉพาะผู้ที่ผสมผสานความสามารถเชิงสร้างสรรค์เข้ากับความสามารถในการปรับตัวให้เข้ากับสถานการณ์ของเศรษฐกิจตลาด) สามารถ "เอาตัวรอด" และได้รับโอกาสในการพัฒนาความคิดของตนอย่างเต็มที่

A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov รวมถึงศิลปินที่อายุน้อยกว่าและเปรี้ยวจี๊ด: B. Yukhananov, A. Proudin, A. Moguchiy, V. Kramer, Klim ฯลฯ ทิศทางของเหตุการณ์และการติดตั้ง ติดกับโรงละครกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน I. Eppelbaum เริ่มต้นจากสุนทรียศาสตร์ของโรงละครหุ่นกระบอก ทดลองกับส่วนประกอบทั้งหมดของการแสดงในโรงละคร "Shadow" ของเขา E. Grishkovets คิดค้นสุนทรียศาสตร์ในการแสดงละครของเขาเอง โครงการเปิดดำเนินการในปี พ.ศ. 2545 Theater.docสร้างขึ้นจากการปฏิเสธ พื้นฐานวรรณกรรมการแสดง: เนื้อหาสำหรับพวกเขาคือบันทึกการสัมภาษณ์จริงกับตัวแทนของกลุ่มสังคมที่ซึ่งเป็นวีรบุรุษแห่งการผลิตในอนาคต และนี่ไม่ใช่การทดลองแสดงละครทั้งหมดในปัจจุบัน

การพัฒนาโรงละครรัสเซียรอบใหม่ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากโดยการเข้าถึงวัฒนธรรมโลกและประสบการณ์การแสดงละครซึ่งจะช่วยให้เข้าใจงานของตนเองและก้าวไปสู่ขั้นต่อไป

ปัจจุบันมีการพูดคุยถึงความจำเป็นในการปฏิรูปโรงละครอย่างกว้างขวาง คำถามเกี่ยวกับความจำเป็นเร่งด่วนในการปฏิรูปโรงละครถูกหยิบยกขึ้นครั้งแรกในช่วงต้นทศวรรษ 1980 จริงอยู่ในเวลานั้นมีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงกฎหมายแรงงานสำหรับการทำงานของนักแสดง ความจริงก็คือมีหลายคนที่ไม่ได้รับบทบาทมาหลายปีในคณะละครของรัฐพร้อมกับนักแสดงยอดนิยม อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะไล่พวกเขาออก ซึ่งหมายความว่าการจ้างสมาชิกใหม่ของคณะเป็นไปไม่ได้ กระทรวงวัฒนธรรมของ RSFSR ได้ทำการทดลองแนะนำสิ่งที่เรียกว่าในโรงภาพยนตร์บางแห่งในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ระบบการเลือกตั้งใหม่เมื่อมีการสรุปสัญญากับนักแสดงเพียงไม่กี่ปี ระบบนี้ทำให้เกิดการถกเถียงและความไม่พอใจอย่างมาก ข้อโต้แย้งหลักคือการตำหนิความไม่มั่นคงทางสังคม อย่างไรก็ตามการเปลี่ยนแปลงในรูปแบบทางการเมืองของรัสเซียได้ทำลายความเกี่ยวข้องของการปฏิรูปดังกล่าว: เศรษฐกิจตลาดเองก็เริ่มควบคุมจำนวนคณะละคร

ในยุคหลังโซเวียตรูปทรงของการปฏิรูปโรงละครเปลี่ยนไปอย่างมากโดยส่วนใหญ่ย้ายไปที่กลุ่มการจัดหาเงินทุนสำหรับกลุ่มโรงละครความต้องการ การสนับสนุนจากรัฐวัฒนธรรมโดยทั่วไปและโดยเฉพาะการแสดงละคร เป็นต้น การปฏิรูปที่เป็นไปได้คือการสร้างความคิดเห็นที่หลากหลายและการถกเถียงอย่างดุเดือด ขั้นตอนแรกของการปฏิรูปนี้คือกฤษฎีกาของรัฐบาลรัสเซียในปี 2548 เกี่ยวกับการระดมทุนเพิ่มเติมสำหรับโรงละครและสถาบันการศึกษาการละครหลายแห่งในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อย่างไรก็ตาม ยังมีหนทางอีกยาวไกลก่อนที่การพัฒนาแผนการปฏิรูปโรงละครอย่างเป็นระบบ มันจะเป็นอย่างไรก็ยังไม่ชัดเจน

ทาเทียน่า ชาบาลินา

วรรณกรรม:

Vsevolodsky-Gerngross V.N. โรงละครรัสเซีย ตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18. ม., 2500
กอร์ชาคอฟ เอ็น. บทเรียนกำกับจาก Vakhtangov. ม., 2500
Vsevolodsky-Gerngross V.N. โรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18ม., 1960
บทกวีละครนั่ง. บทความ ม., 1960
รุดนิทสกี้ เค.แอล. กำกับโดย เมเยอร์โฮลด์ม., 1969
เวเลโฮวา เอ็น.เอ. Okhlopkov และโรงละครข้างถนนม., 1970
ละครรัสเซียตอนต้น(XVII - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18). ตท. 1–2. ม., 1972
Zavadsky Yu.A. ครูและนักเรียนม., 1975
Zolotnitsky D.I. รุ่งอรุณแห่งละครเดือนตุลาคม. ล., 1976
Zolotnitsky D.I. โรงละครวิชาการบนเส้นทางเดือนตุลาคม. ล., 1982
มิคาอิล เซเมโนวิช ชเชปคิน ชีวิตและศิลปะเล่มที่ 1–2. ม., 1984
เชคอฟ เอ็ม. มรดกทางวรรณกรรม จำนวน 2 เล่มม., 1986
ลิคาเชฟ ดี.เอส. การก่อตัวของโรงละครในบทความ วรรณคดีรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 17เรื่องราว วรรณกรรมโลกใน 9 เล่ม ต. 4 ม. 2530
ศิลปะการกำกับของ Tairov. ม., 1987
ละครพื้นบ้าน. ม., 1988
ซาสลาฟสกี้ จี. “ละครกระดาษ”: แนวหน้า กองหลัง หรือใต้ดินของโรงละครสมัยใหม่?"แบนเนอร์", 2542, ลำดับที่ 9
อีวานอฟ วี. ฤดูกาลของโรงละครรัสเซีย« ฮาบิมะ" ม., 1999
สเมลยันสกี้ เอ.เอ็ม. สถานการณ์ที่เสนอ จากชีวิตของโรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ. ม., 1999
Stanislavsky K.S. รวบรวมผลงานเล่มที่ 1–9. ม., 1988–1999
ละครสารคดี. การเล่น(Theater.doc). ม., 2547
ดยาโควา อี. ละครละคร.“โนวายา กาเซต้า”, 2547, 15 พฤศจิกายน
ซาสลาฟสกี้ จี. ซีรีส์ "การปฏิรูปโรงละคร""เนซาวิซิมายา กาเซตา" พ.ศ. 2547 30 พฤศจิกายน
วิริปาเยฟ ไอ. โรงละครละครรัสเซียได้ตายไปนานแล้ว รัสเซียจำเป็นต้องปฏิรูปโรงละครหรือไม่?อิซเวสเทีย 2548 6 เมษายน



ตัวตลกให้ความบันเทิงแก่ผู้คนด้วยเพลงและการเต้นรำและยังแสดงฉากตลกอีกด้วย ในงานแสดงสินค้าแผงลอยได้เชิญผู้คน และในจัตุรัส ศิลปินนักเดินทางได้ร้องเพลง เต้นรำ และท่องบทเพลงเพื่อให้ความบันเทิงแก่สาธารณชน

ศิลปกรรมสองแขนง

โรงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 พัฒนาขึ้นในสองทิศทาง ศิลปท้องถิ่นสืบสานประเพณีควายๆ การแสดงจัดขึ้นในที่โล่งหรือในห้องพิเศษ - บูธ

การแสดงของโรงละครในราชสำนักได้รับการบันทึกไว้เป็นครั้งแรกในรัชสมัยของมิคาอิล โรมานอฟ ผู้ก่อตั้งราชวงศ์บนบัลลังก์รัสเซีย ผู้ริเริ่มความบันเทิงใหม่คือ Boyar Artamon Matveev ชายคนนี้ทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อความเป็นรัฐของรัสเซีย เขาเป็นหัวหน้าเอกอัครราชทูต Prikaz - กระทรวงการต่างประเทศในเวลานั้น Artamon Matveev มักเดินทางไปต่างประเทศ เขาหลงใหลในวัฒนธรรมของหลายประเทศอย่างลึกซึ้งและพยายามปลูกฝังประเพณีของชาวยุโรปในรัสเซีย Artamon Matveev ถือเป็นชาวตะวันตกคนแรก

ผู้ก่อตั้งละครและการกำกับ

โรงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 คงจะดำรงอยู่ไม่ได้หากไม่มีชายผู้มีหลายแง่มุมคนนี้ ในนามของเขาได้จัดตั้งคณะมืออาชีพขึ้น และละครเรื่องแรกที่ฉายในรัสเซียคือเรื่องราวในพระคัมภีร์ของอาร์ทาเซอร์ซีส มีการสร้างห้องแยกต่างหากเพื่อความบันเทิงของราชวงศ์ จักรพรรดิ์ชอบการแสดงนี้ และผู้แต่งก็ได้รับรางวัลอย่างไม่เห็นแก่ตัว แล้วใครคือนักเขียนบทละครและผู้กำกับชาวรัสเซียคนแรก? ประวัติศาสตร์ได้รักษาชื่อของเขาไว้ นี่คือชาวเยอรมัน โยฮันน์ เกรกอรี ซึ่งอาศัยอยู่ในมอสโก

ความบันเทิงรูปแบบใหม่เกิดขึ้นอย่างรวดเร็ว ในบ้านที่ร่ำรวยหลายแห่งในสมัยนั้นพวกเขาก็ทำงานเหมือนกัน คนฟรีและเสิร์ฟ

ยุคยิ่งใหญ่

โรงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของปีเตอร์มหาราช ในรัชสมัยของพระองค์ ศิลปะมีความเจริญรุ่งเรือง ปีเตอร์มักเชิญคณะทัวร์ต่างประเทศมาที่รัสเซีย พวกเขาไม่เพียงแสดงการแสดงใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังนำเสนอแนวคิดที่ก้าวหน้าและสร้างแรงบันดาลใจอีกด้วย นักเขียนชาวรัสเซีย. ปีเตอร์สร้างโรงละครบนจัตุรัสแดง ถูกทำลายในเวลาต่อมา

โรงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ไม่เพียงพัฒนาในมอสโกเท่านั้น แต่ยังพัฒนาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วย สถาบันที่มีนักแสดงชาวรัสเซียเปิดขึ้นที่ศาลของ Anna Ioannovna นักเขียนบทละครชื่อดัง Alexander Sumarokov เขียนบทละครให้เขา

การพัฒนาต่อไป

ภายใต้ Elizabeth Petrovna โรงละครของจักรวรรดิที่เรียกว่าก็ปรากฏตัวขึ้น สถาบันของรัฐเหล่านี้ดำรงอยู่ด้วยค่าใช้จ่ายของคลัง ผู้อำนวยการของเกาะจักรวรรดิคือ Sumarokov

โรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 ในรัสเซียยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องในรัชสมัยของแคทเธอรีนที่ 2 คณะละครสัตว์มืออาชีพหลายคนทำงานที่ศาลของเธอ นักร้องโอเปร่าชาวอิตาลีดำรงตำแหน่งพิเศษ คณะละครรัสเซียก็ทำงานเช่นกัน ในช่วงเวลานี้ โรงละครได้หยุดเป็นเพียงความบันเทิงในพระราชวังเท่านั้น สถานบันเทิงสาธารณะเปิดในเมืองซึ่งมีศิลปินทั้งรัสเซียและต่างประเทศทำงานอยู่

ผลงานของ Ivan Dmitrevsky

โรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 ในรัสเซียรู้จักชื่อของผู้ประกอบการที่มีชื่อเสียง: Titov, Belmonti, Medox ในเวลานี้ คณะเจ้าของที่ดินยังคงอยู่ในจังหวัดที่ศิลปินทาสแสดง Ivan Dmitrevsky เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม เขามีอาชีพที่โดดเด่น ในคณะละครรัสเซียมืออาชีพชุดแรกของ Volkov หนุ่ม Dmitrevsky รับบทเป็นผู้หญิง ต่อมาเขากลายเป็นนักแสดงหลักของโรงละคร Imperial บนเกาะ Vasilyevsky เพื่อพัฒนาทักษะของเขา Catherine the Second จึงส่ง Dmitrevsky ไปต่างประเทศ ในปารีสเขาศึกษาบทละครของ Lequesne โศกนาฏกรรมผู้โด่งดังและในลอนดอนเขาดูการแสดงโดยมีส่วนร่วมของ Garrick ผู้ยิ่งใหญ่ เมื่อกลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Dmitrevsky ได้เปิดโรงเรียนการละคร ต่อมาเขาได้เป็นหัวหน้าผู้ตรวจสอบสถานบันเทิงของจักรวรรดิ

แนวโน้มการพัฒนาหลัก

โรงละครในศตวรรษที่ 18 ในรัสเซียสามารถอธิบายสั้น ๆ ได้ว่าเป็นนักคลาสสิก ทิศทางนี้ครอบงำในยุโรปในศตวรรษที่ 17 ในยุคต่อมา ลัทธิคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้นของการตรัสรู้ ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เน้นไปที่ความมีเหตุผล ลำดับชั้นของประเภท และหลักการที่เข้มงวด ละครเวทีแบ่งออกเป็นโศกนาฏกรรมและคอเมดี้อย่างเคร่งครัด ไม่อนุญาตให้ผสมพวกมัน

โรงละครและดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 ในรัสเซียมีความเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก โอเปร่าอาจกลายเป็นรูปแบบความบันเทิงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ปรากฏตัวที่ศาลของ Anna Ioannovna บทแรกในภาษารัสเซียเขียนโดย Alexander Sumarokov โอเปร่าคลาสสิกก็เหมือนกับละครที่มุ่งไปสู่การแบ่งประเภทที่เข้มงวด งานโศกนาฏกรรมถูกแต่งขึ้นใน ประเพณีของอิตาลีและโดดเด่นด้วยดนตรีไพเราะ คอเมดี้ถือว่า ประเภทรองมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีรัสเซียของบูธนิทรรศการ ลักษณะเด่นของโอเปร่าที่ร่าเริงดังกล่าวคือบทสนทนาและบทเพลง นักแต่งเพลง Sokolovsky, Pashkevich, Bortnyansky เขียนผลงานให้กับโรงละคร โอเปร่าดำเนินการเป็นภาษาฝรั่งเศสและรัสเซีย

เทรนด์ใหม่

โรงละครแห่งศตวรรษที่ 18-19 ในรัสเซียพัฒนาขึ้นตามแนวของในปี 1782 ภาพยนตร์ตลกของ Denis Fonvizin เรื่อง "The Minor" ได้แสดงบนเวที นี่เป็นครั้งแรกที่ผู้เขียนแสดงการเสียดสีสังคมรัสเซียสมัยใหม่อย่างมีพรสวรรค์มาก ฟอนวิซินอธิบายประเภทของชนชั้นสูงในยุคนั้นด้วยความแม่นยำอย่างน่าทึ่ง Prostakova ผู้ชั่วร้ายสามีและลูกชายโง่ ๆ ของเธอ Mitrofanushka สร้างชื่อเสียงให้กับผู้เขียนในช่วงชีวิตของเขา การให้เหตุผลที่ชาญฉลาดของ Starodum เกี่ยวกับเกียรติและศักดิ์ศรียังคงสร้างความตื่นเต้นให้กับผู้ชมในปัจจุบัน แม้จะมีความธรรมดาของตัวละคร แต่ก็มีความจริงใจและการแสดงออกอยู่ในตัว อ่าน Pushkin, Gogol และนักเขียนคนอื่น ๆ เธอได้รับความชื่นชมจากผู้ชมหลายชั่วอายุคน “Nedorosl” ยังคงครองตำแหน่งอันทรงเกียรติในละครของโรงละครชั้นนำของประเทศ งานนี้จารึกด้วยตัวอักษรสีทองใน