ลัทธิคลาสสิกในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะของศตวรรษที่ 17 ความหรูหราและความรุนแรงของลัทธิคลาสสิกนิยมในศิลปะยุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ 17

ลัทธิคลาสสิกเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะและวรรณคดีของศตวรรษที่ 17 และ 18 ทิศทางนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยคุณสมบัติต่างๆ เช่น การยึดมั่นในบรรทัดฐานและกฎเกณฑ์อย่างเคร่งครัด และประเด็นสำคัญของพลเมืองระดับสูง การกำเนิดของลัทธิคลาสสิกเกิดจากการต่อสู้กับบาโรกที่สูงกว่า

ลัทธิคลาสสิกมาถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส: ในบทกวีขอบคุณ La Fontaine ในละคร - Racine, Moliere และ Corneille และในการวาดภาพผ่านผลงานของ Poussin ทิศทางของวรรณกรรมนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการใช้หลักการทางชนชั้นในประเภทต่างๆ

การข่มขืนสตรีชาวซาบีน นิโคลัส ปูสซิน

กวีนิพนธ์แนวคลาสสิก "แบ่ง" ทุกประเภทออกเป็น "ต่ำ" (นิทาน ตลก เสียดสี ฯลฯ) และ "สูง" (บทกวี โศกนาฏกรรม มหากาพย์) นอกจากนี้ เธอยังแยกความแตกต่างตามชั้นเรียน: ในรูปแบบต่ำ มีเพียงคนธรรมดาเท่านั้นที่เข้า และในประเภทสูง มีเพียงเจ้าชาย กษัตริย์ นายพล และข้าราชบริพารเท่านั้นที่สามารถเข้าร่วมได้ ฮีโร่ของหนังตลกควรจะทำให้ผู้ชมหัวเราะเท่านั้น และฮีโร่ของโศกนาฏกรรมก็มีสิทธิ์ที่จะสัมผัสพวกเขา นอกจากนี้การแบ่งประเภทของประเภทยังแสดงออกมาด้วยความแตกต่างในด้านพยางค์และภาษา ดังนั้นโศกนาฏกรรมจึงจำเป็นต้องเขียนด้วยบทกวีสไตล์สูงและไร้แนวคิดและแม้แต่คำพูดในชีวิตประจำวันธรรมดา ๆ อย่างแน่นอน โศกนาฏกรรมของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 เป็นโศกนาฏกรรมของการกระทำที่กล้าหาญ ไม่อนุญาตให้มีโคลงสั้น ๆ สิ่งมหัศจรรย์และปาฏิหาริย์

ลักษณะเฉพาะหลักของลัทธิคลาสสิคคือบรรทัดฐานและการยึดมั่นอย่างเข้มงวดต่อกฎเกณฑ์ทั้งหมดของหลักคำสอนแบบคลาสสิก บรรทัดฐานควรถูกมองว่าเป็นผลมาจากการขาดความคลาสสิกของการพึ่งพาเหตุผลและการคิดทางประวัติศาสตร์อย่างสมบูรณ์ นักคลาสสิกในยุคนั้นเชื่อว่ากฎแห่งเหตุผลที่ไม่เปลี่ยนแปลงและเป็นนิรันดร์ซึ่งมีอยู่ทั่วไปในสังคมทั้งหมดสร้าง "รสนิยมที่ดี" ในสาขาศิลปะ

ในงานทั้งหมดที่เป็นสไตล์คลาสสิกนั้น ทุกสิ่งจะต้องอยู่บนพื้นฐานของเหตุผลและเป็นธรรมด้วยสามัญสำนึก ความรู้สึกอันสูงส่งและสูงส่งของเหล่าฮีโร่สะท้อนให้เห็นในบทพูดที่มีความยาว

ฌาค-หลุยส์ เดวิด. "คำสาบานของ Horatii" (2327)

หลักการสำคัญของลัทธิคลาสสิค:

• ภารกิจหลักคือการก่อตั้งและเสริมสร้างความเข้มแข็งของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์
• สิ่งที่สมเหตุสมผลเท่านั้นที่ถือว่าสวยงาม เหตุผลเป็นพื้นฐานของทุกสิ่ง
• ประเด็นหลักคือความขัดแย้งระหว่างผลประโยชน์ของพลเมืองและส่วนตัวตลอดจนความรู้สึกและหน้าที่
• ศักดิ์ศรีสูงสุดของบุคคลคือการรับใช้แนวคิดของรัฐอย่างไม่มีข้อสงสัย
• สมัยโบราณ - เป็นแบบอย่างของการสืบทอด
• การเลียนแบบธรรมชาติที่ "ประดับประดา"
• ความงามเป็นตัวละครหลัก

ภาคเรียน ลัทธิคลาสสิก มักหมายถึงความเชื่อมโยงโดยตรงกับศิลปะโบราณ ในขณะเดียวกันในคำพูดนั้นเองลัทธิคลาสสิก มีการผสมผสานระหว่างคำศัพท์ทางประวัติศาสตร์และการตัดสินคุณค่า ภายใต้คลาสสิก เข้าใจคุณลักษณะที่ดีที่สุด เป็นแบบอย่าง และมีลักษณะเฉพาะที่สุดของประเภทใดๆ และขั้นตอนใดๆ ในประวัติศาสตร์ศิลปะ

ลัทธิคลาสสิกซึ่งเป็นรูปแบบทางศิลปะที่เน้นไปที่สมัยโบราณถือเป็นแบบอย่างในอุดมคติของเขา มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสย้อนกลับไปในXVIIศตวรรษ กล่าวคือ เป็นช่วงเวลาที่อาณาจักรบาโรกปกครองประเทศอื่น ศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศสตอนต้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในสถาปัตยกรรมและการละคร แต่ยังรวมถึงภาพวาด (ปูสซิน) และดนตรี (ลุลลี่) ด้วย

เช่นเดียวกับศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ ลัทธิคลาสสิกเต็มไปด้วยศรัทธาในเหตุผลของมนุษย์ พื้นฐานทางปรัชญาของมันคือเหตุผลนิยม เดการ์ต - ปรัชญาที่ยืนยันเหตุผลของมนุษย์เป็นวิธีการหลักในการรู้ความจริง

ศิลปินของขบวนการนี้ไม่ได้มุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดความเป็นจริงรอบตัวพวกเขา แต่สร้างโลกที่มีเกียรติทางกวีที่ซึ่งอุดมคติแห่งความดี ความยุติธรรม และศีลธรรมอันสูงส่งครอบงำ

ลัทธิคลาสสิกให้ความสำคัญอย่างยิ่งต่อหน้าที่ทางสังคมและการศึกษาของศิลปะ เขาหยิบยกฮีโร่คนใหม่: แข็งแกร่งและกล้าหาญในการเผชิญกับการทดสอบของชีวิต อดทนต่อชะตากรรมอย่างแน่วแน่ สามารถยึดผลประโยชน์ส่วนตัวให้เป็นประโยชน์ต่อสังคมได้ สิ่งสำคัญในลัทธิคลาสสิกคือการปฐมนิเทศต่อหลักการที่มีเหตุผลเนื่องจากเป็นเหตุผลที่สั่งให้บุคคลปฏิบัติหน้าที่ของตนให้สำเร็จ, และประเภทของหน้าที่ในสุนทรียภาพแห่งศิลปะคลาสสิกมีความสำคัญมากกว่าความสุขส่วนตัว

สถาปัตยกรรมคลาสสิก ใกล้เคียงกับสมัยโบราณซึ่งปรากฏชัดว่า

ในการใช้ระบบการสั่งซื้อ

ในด้านตรรกะ ความชัดเจนของการวางแผน

ในความสมเหตุสมผลของสัดส่วน เรขาคณิตของรูปแบบ

ในกรณีที่ไม่มีการตกแต่งมากเกินไปความเรียบง่ายของการออกแบบ

ในการสร้างพระราชวังและสวนสาธารณะ

โดยทั่วไปแล้ว อาคารแบบคลาสสิกจะโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่และความเงียบสงบที่เคร่งครัด อนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมคลาสสิกที่มีชื่อเสียงที่สุด -ด้านหน้าทิศตะวันออกของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (60ส XVIIศตวรรษ). สถาปนิก Claude Perrault ซึ่งสร้างอาคารเสร็จแล้วได้กลับมาสร้างใหม่เจ้าพระยาศตวรรษ. แนวเสาหินตามแบบฉบับของชาวโครินเธียนมีโครงยื่นออกมาสามแบบเป็นรูประเบียง (ตรงกลางและที่มุมด้านหน้าส่วนหน้า)

ที่จุดกำเนิดของการวาดภาพแบบคลาสสิกนิโคลัส ปูสซิน (ค.ศ. 1594-1665) ผู้อุทิศตนศึกษาเรื่องโบราณวัตถุ เขาวาดภาพเขียนโดยอิงจากเรื่องในตำนานที่นำมาจาก Ovid และ Torquato Tasso พัฒนาธีมที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อในพระคัมภีร์ไบเบิลและประวัติศาสตร์ และมักหันไปใช้ทิวทัศน์ ในด้านภูมิทัศน์ Poussin แสดงออกถึงความเรียบง่ายและความเงียบสงบอันงดงาม

ผู้เขียน “ภูมิทัศน์ในอุดมคติ” ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือคล็อด ลอร์เรน (1604-1682) ภาพเขียนของเขามักได้รับแรงบันดาลใจจากพระคัมภีร์บทกวีของ Virgil, Ovid หรือมหากาพย์ในยุคกลาง แต่ในความเป็นจริงแล้วภาพเหล่านี้อุทิศให้กับหัวข้อหลักเรื่องเดียว - ภาพสะท้อนของความกลมกลืนภายในของธรรมชาติ ("Ascanio และ the Deer")

ในฝรั่งเศส ละคร ลัทธิคลาสสิกทำให้ไททันส์เช่นคอร์เนล, ราซีน, โมลิแยร์. Corneille และ Racine สร้างตัวอย่างที่ดีที่สุดของโศกนาฏกรรมคลาสสิกใหม่และ Moliere - ตลก

ระหว่างกลาง ที่สิบแปดศตวรรษ หลักการของศิลปะคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงด้วยจิตวิญญาณแห่งสุนทรียศาสตร์แห่งการรู้แจ้ง โอเปร่าที่กล้าหาญของ Gluck ถือเป็นดนตรีคลาสสิกและในการวาดภาพภาพวาดของ David ก็กลายเป็นศูนย์รวมของศิลปะคลาสสิก

Queen's House - Queen's House, 1616-1636) ใน Greenwich สถาปนิก Inigo Jones

ถึงเวลาแล้วและความลึกลับอันสูงส่งของกอธิคที่ได้ผ่านการทดลองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้เปิดทางให้กับแนวคิดใหม่ ๆ ตามประเพณีของระบอบประชาธิปไตยโบราณ ความปรารถนาในความยิ่งใหญ่ของจักรวรรดิและอุดมการณ์ประชาธิปไตยได้เปลี่ยนเป็นการหวนกลับของการเลียนแบบคนสมัยก่อน - นี่คือลักษณะที่ลัทธิคลาสสิกปรากฏในยุโรป

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ประเทศในยุโรปหลายประเทศกลายเป็นอาณาจักรการค้า มีชนชั้นกลางเกิดขึ้น และการเปลี่ยนแปลงทางประชาธิปไตยเกิดขึ้น ศาสนาอยู่ภายใต้อำนาจทางโลกมากขึ้น มีเทพเจ้ามากมายอีกครั้ง และลำดับชั้นโบราณของอำนาจศักดิ์สิทธิ์และทางโลกก็มีประโยชน์ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าสิ่งนี้ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อแนวโน้มทางสถาปัตยกรรมได้

ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศสและอังกฤษรูปแบบใหม่เกิดขึ้นเกือบจะเป็นอิสระ - ลัทธิคลาสสิก เช่นเดียวกับสถาปัตยกรรมบาโรกร่วมสมัย สถาปัตยกรรมนี้กลายเป็นผลลัพธ์ตามธรรมชาติของการพัฒนาสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์และการเปลี่ยนแปลงในสภาพทางวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ และภูมิศาสตร์ที่แตกต่างกัน

ลัทธิคลาสสิก(คลาสสิกแบบฝรั่งเศสจากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) - รูปแบบศิลปะและทิศทางสุนทรียภาพในศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 19

ลัทธิคลาสสิกขึ้นอยู่กับความคิด เหตุผลนิยมมาจากปรัชญา เดการ์ต. จากมุมมองของลัทธิคลาสสิกงานศิลปะควรถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของหลักการที่เข้มงวดซึ่งจึงเผยให้เห็นถึงความกลมกลืนและตรรกะของจักรวาลเอง สิ่งที่น่าสนใจสำหรับลัทธิคลาสสิคนั้นเป็นเพียงนิรันดร์และไม่เปลี่ยนแปลง - ในแต่ละปรากฏการณ์นั้นมุ่งมั่นที่จะรับรู้เฉพาะคุณสมบัติที่สำคัญและมีลักษณะเฉพาะโดยละทิ้งลักษณะส่วนบุคคลแบบสุ่ม สุนทรียภาพแห่งศิลปะคลาสสิกให้ความสำคัญอย่างยิ่งต่อการทำงานทางสังคมและการศึกษาของศิลปะ ลัทธิคลาสสิกต้องใช้กฎเกณฑ์และหลักการมากมายจากศิลปะโบราณ (อริสโตเติล เพลโต ฮอเรซ...)

พิสดารมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคริสตจักรคาทอลิก ลัทธิคลาสสิกหรือรูปแบบบาโรกที่ควบคุมไม่ได้ ได้รับการยอมรับมากกว่าในประเทศโปรเตสแตนต์ เช่น อังกฤษ เนเธอร์แลนด์ เยอรมนีตอนเหนือ และในฝรั่งเศสคาทอลิกด้วย ซึ่งกษัตริย์มีความสำคัญมากกว่าสมเด็จพระสันตะปาปามาก ทรัพย์สมบัติของกษัตริย์ในอุดมคติควรมีสถาปัตยกรรมในอุดมคติ โดยเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ที่แท้จริงของพระมหากษัตริย์และอำนาจที่แท้จริงของพระองค์ “ฉันคือฝรั่งเศส” พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ประกาศ

ในทางสถาปัตยกรรม ลัทธิคลาสสิกถือเป็นรูปแบบสถาปัตยกรรมที่พบได้ทั่วไปในยุโรปในช่วงคริสต์ศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 คุณลักษณะหลักคือการดึงดูดรูปแบบของสถาปัตยกรรมโบราณให้เป็นมาตรฐานของความกลมกลืน ความเรียบง่าย ความเข้มงวด ความชัดเจนเชิงตรรกะ ความยิ่งใหญ่ และ ความสมเหตุสมผลของการเติมพื้นที่ สถาปัตยกรรมของความคลาสสิกโดยรวมนั้นโดดเด่นด้วยความสม่ำเสมอของรูปแบบและความชัดเจนของรูปแบบปริมาตร พื้นฐานของภาษาสถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกคือลำดับในสัดส่วนและรูปแบบที่ใกล้เคียงกับสมัยโบราณ องค์ประกอบตามแนวแกนที่สมมาตร ความยับยั้งชั่งใจในการตกแต่ง และระบบการวางผังเมืองตามปกติ

ปกติจะแบ่งกัน สองช่วงเวลาในการพัฒนาลัทธิคลาสสิก. ลัทธิคลาสสิกพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส ซึ่งสะท้อนถึงการผงาดขึ้นมาของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ศตวรรษที่ 18 ถือเป็นก้าวใหม่ในการพัฒนาเนื่องจากในเวลานั้นมันสะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติของพลเมืองอื่น ๆ ที่มีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดของเหตุผลนิยมเชิงปรัชญาของการตรัสรู้ สิ่งที่รวมทั้งสองช่วงเวลาเข้าด้วยกันคือแนวคิดเกี่ยวกับรูปแบบที่สมเหตุสมผลของโลก ของธรรมชาติที่สวยงามและสูงส่ง ความปรารถนาที่จะแสดงเนื้อหาทางสังคมที่ยอดเยี่ยม อุดมคติอันกล้าหาญและศีลธรรมอันสูงส่ง

สถาปัตยกรรมของความคลาสสิกนั้นโดดเด่นด้วยรูปแบบที่เข้มงวดความชัดเจนของการออกแบบเชิงพื้นที่การตกแต่งภายในทางเรขาคณิตความนุ่มนวลของสีและความพูดน้อยของการตกแต่งภายนอกและภายในของอาคาร ปรมาจารย์ด้านศิลปะคลาสสิกต่างจากอาคารสไตล์บาโรกตรงที่ไม่เคยสร้างภาพลวงตาเชิงพื้นที่ซึ่งบิดเบือนสัดส่วนของอาคาร และในสถาปัตยกรรมสวนสาธารณะที่เรียกว่า สไตล์ปกติโดยที่สนามหญ้าและเตียงดอกไม้ทั้งหมดมีรูปร่างที่ถูกต้อง และพื้นที่สีเขียวถูกวางไว้อย่างเคร่งครัดเป็นเส้นตรงและตัดแต่งอย่างระมัดระวัง ( สวนและสวนสาธารณะทั้งมวลของแวร์ซายส์)

ลัทธิคลาสสิกเป็นลักษณะของศตวรรษที่ 17 สำหรับประเทศที่มีกระบวนการก่อตั้งรัฐชาติอย่างแข็งขันและความแข็งแกร่งของการพัฒนาระบบทุนนิยมกำลังเติบโต (ฮอลแลนด์ อังกฤษ ฝรั่งเศส) ลัทธิคลาสสิกในประเทศเหล่านี้มีลักษณะใหม่ของอุดมการณ์ของชนชั้นกระฎุมพีที่กำลังเติบโต การต่อสู้เพื่อตลาดที่มั่นคงและการขยายกำลังการผลิต สนใจในการรวมศูนย์และการรวมชาติของรัฐต่างๆ ในฐานะฝ่ายตรงข้ามของความไม่เท่าเทียมกันทางชนชั้นที่ละเมิดผลประโยชน์ของชนชั้นกระฎุมพี นักอุดมการณ์ได้หยิบยกทฤษฎีของรัฐที่จัดระเบียบอย่างมีเหตุผลโดยยึดตามการอยู่ใต้บังคับบัญชาของผลประโยชน์ของชนชั้น การยอมรับเหตุผลเป็นพื้นฐานสำหรับการจัดระบบชีวิตของรัฐและสังคมได้รับการสนับสนุนจากข้อโต้แย้งเกี่ยวกับความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์ ซึ่งชนชั้นกระฎุมพีสนับสนุนทุกวิถีทาง แนวทางเชิงเหตุผลในการประเมินความเป็นจริงนี้ถูกถ่ายโอนไปยังสาขาศิลปะ ซึ่งอุดมคติของการเป็นพลเมืองและชัยชนะของเหตุผลเหนือพลังแห่งองค์ประกอบกลายเป็นหัวข้อสำคัญ อุดมการณ์ทางศาสนาอยู่ภายใต้อำนาจทางโลกมากขึ้นเรื่อยๆ และในหลายประเทศก็กำลังได้รับการปฏิรูป ผู้ที่นับถือลัทธิคลาสสิกเห็นตัวอย่างของระเบียบสังคมที่กลมกลืนกันในโลกยุคโบราณ ดังนั้นเพื่อแสดงออกถึงอุดมคติทางสังคม-จริยธรรมและสุนทรียภาพ พวกเขาจึงหันไปหาตัวอย่างของคลาสสิกโบราณ (เพราะฉะนั้นคำว่าคลาสสิก) การพัฒนาประเพณี ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาลัทธิคลาสสิกได้ดึงเอามรดกตกทอดมามากมาย พิสดาร.

สถาปัตยกรรมคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 พัฒนาขึ้นในสองทิศทางหลัก:

• ครั้งแรกมีพื้นฐานมาจากการพัฒนาประเพณีของโรงเรียนคลาสสิกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย (อังกฤษ, ฮอลแลนด์);
• ประการที่สอง - การฟื้นฟูประเพณีคลาสสิกพัฒนาประเพณีโรมันบาโรก (ฝรั่งเศส) ให้มากขึ้น

คลาสสิคอังกฤษ

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์และทางทฤษฎีของ Palladio ผู้ซึ่งฟื้นคืนมรดกโบราณในความสมบูรณ์ของเปลือกโลกและความกว้างทั้งหมด โดยเฉพาะอย่างยิ่งดึงดูดใจนักคลาสสิก มันมีผลกระทบอย่างมากต่อสถาปัตยกรรมของประเทศเหล่านั้นที่ใช้เส้นทางเร็วกว่าประเทศอื่นๆ เหตุผลนิยมทางสถาปัตยกรรม. ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 แล้ว ในสถาปัตยกรรมของอังกฤษและฮอลแลนด์ซึ่งได้รับอิทธิพลจากบาโรกค่อนข้างน้อย ลักษณะใหม่ๆ ถูกกำหนดภายใต้อิทธิพล ลัทธิคลาสสิกแบบพัลลาเดียน. สถาปนิกชาวอังกฤษมีบทบาทสำคัญในการพัฒนารูปแบบใหม่ อินิโก โจนส์ (อินิโก โจนส์) (1573-1652) - บุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่สดใสคนแรกและเป็นปรากฏการณ์ใหม่อย่างแท้จริงครั้งแรกในสถาปัตยกรรมอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 17 เขาเป็นเจ้าของผลงานศิลปะคลาสสิกแบบอังกฤษที่โดดเด่นที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17

ในปี 1613 โจนส์เดินทางไปอิตาลี ระหว่างทางเขาไปเยือนฝรั่งเศส ซึ่งเขาได้เห็นอาคารที่สำคัญที่สุดหลายแห่ง เห็นได้ชัดว่าการเดินทางครั้งนี้กลายเป็นแรงผลักดันที่สำคัญในการเคลื่อนไหวของสถาปนิกโจนส์ในทิศทางที่ Palladio ระบุ ถึงเวลานี้เองที่บันทึกของเขาเกี่ยวกับขอบบทความของ Palladio และในอัลบั้มย้อนกลับไป

เป็นลักษณะเฉพาะที่การตัดสินทั่วไปเพียงอย่างเดียวเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมในหมู่พวกเขานั้นอุทิศให้กับการวิพากษ์วิจารณ์อย่างมีเหตุผลเกี่ยวกับแนวโน้มบางอย่างในสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายของอิตาลี: โจนส์ตำหนิ ไมเคิลแองเจโลและผู้ติดตามของเขาว่าพวกเขาได้ริเริ่มการใช้การตกแต่งที่ซับซ้อนมากเกินไป และให้เหตุผลว่าสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ ค. ต่างจากการถ่ายภาพทิวทัศน์และอาคารที่มีแสงน้อยที่มีอายุสั้น จะต้องจริงจัง ปราศจากผลกระทบ และอยู่บนพื้นฐานของกฎเกณฑ์

ในปี 1615 โจนส์กลับมายังบ้านเกิดของเขา เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้ตรวจราชการกระทรวงพระราชกรณียกิจ ปีหน้าเขาจะเริ่มสร้างผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา Queen's House - Queen's House, 1616-1636) ในกรีนิช

ในควีนส์เฮาส์ สถาปนิกได้พัฒนาหลักการของพัลลาเดียนในด้านความชัดเจนและความชัดเจนแบบคลาสสิกของการแบ่งลำดับ ความสร้างสรรค์ที่มองเห็นได้ของรูปแบบ ความสมดุลของโครงสร้างสัดส่วน การผสมผสานทั่วไปและรูปแบบเฉพาะของอาคารมีรูปทรงเรขาคณิตและเหตุผลแบบคลาสสิก องค์ประกอบถูกครอบงำด้วยกำแพงที่สงบและผ่าเป็นเมตริก สร้างขึ้นตามลำดับที่สมส่วนกับขนาดของบุคคล ความสมดุลและความสามัคคีครอบงำในทุกสิ่ง แผนดังกล่าวแสดงให้เห็นความชัดเจนเช่นเดียวกันในการแบ่งพื้นที่ภายในออกเป็นพื้นที่เรียบง่ายและสมดุล

นี่เป็นอาคารหลังแรกของโจนส์ที่เข้ามาหาเรา ซึ่งไม่เคยมีแบบอย่างในเรื่องความรุนแรงและความเรียบง่ายเปลือยเปล่า และยังแตกต่างอย่างมากกับอาคารก่อนๆ อย่างไรก็ตาม อาคารไม่ควรได้รับการประเมิน (เหมือนที่ทำบ่อยๆ) ตามสภาพปัจจุบัน ตามความตั้งใจของลูกค้า (ควีนแอนน์ ภรรยาของเจมส์ที่ 1 สจ๊วต) บ้านหลังนี้ถูกสร้างขึ้นโดยตรงบนถนนโดเวอร์เก่า (ตำแหน่งปัจจุบันถูกทำเครื่องหมายด้วยเสายาวที่อยู่ติดกับอาคารทั้งสองด้าน) และเดิมประกอบด้วยอาคารสองหลัง มีถนนกั้น มีสะพานมีหลังคากั้นไว้ ความซับซ้อนขององค์ประกอบครั้งหนึ่งทำให้อาคารมีลักษณะ "อังกฤษ" ที่งดงามยิ่งขึ้น โดยเน้นที่ปล่องไฟแนวตั้งที่จัดเรียงเป็นกลุ่มแบบดั้งเดิม หลังจากปรมาจารย์เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1662 ช่องว่างระหว่างอาคารก็ถูกสร้างขึ้น นี่คือวิธีที่ปริมาตรที่ได้เป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสในแผน กะทัดรัดและแห้งในสถาปัตยกรรม โดยมีระเบียงที่ตกแต่งด้วยเสาบนฝั่งกรีนิชฮิลล์ และระเบียงและบันไดที่นำไปสู่ห้องโถงสองชั้นบนฝั่งแม่น้ำเทมส์

ทั้งหมดนี้แทบจะไม่สามารถพิสูจน์การเปรียบเทียบที่กว้างขวางระหว่าง Queenhouse และจัตุรัสซึ่งเป็นวิลล่าศูนย์กลางที่ Poggio a Caiano ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ซึ่งสร้างโดย Giuliano da Sangallo the Elder แม้ว่าความคล้ายคลึงกันในการวาดแผนขั้นสุดท้ายจะปฏิเสธไม่ได้ โจนส์กล่าวถึงเฉพาะวิลล่า โมลินี ซึ่งสร้างโดย Scamozzi ใกล้ปาดัว เพื่อเป็นต้นแบบของส่วนหน้าอาคารริมแม่น้ำ สัดส่วน - ความเท่าเทียมกันของความกว้างของ risalits และระเบียง, ความสูงที่มากขึ้นของชั้นสองเมื่อเทียบกับชั้นแรก, การทำชนบทโดยไม่เจาะหินแต่ละก้อน, ลูกกรงเหนือบัวและบันไดคู่โค้งที่ทางเข้า - ไม่ได้ ในลักษณะของปัลลาดิโอและชวนให้นึกถึงกิริยาท่าทางของอิตาลีเล็กน้อยและในขณะเดียวกันก็จัดองค์ประกอบคลาสสิกอย่างมีเหตุผล

มีชื่อเสียง ห้องจัดเลี้ยงในลอนดอน (ห้องจัดเลี้ยง - ห้องจัดเลี้ยง, 1619-1622)ในลักษณะที่ปรากฏมันใกล้เคียงกับต้นแบบของพัลลาเดียนมากขึ้น เนื่องจากความเคร่งขรึมอันสูงส่งและโครงสร้างที่สม่ำเสมอตลอดทั้งองค์ประกอบ จึงไม่มีรุ่นก่อนในอังกฤษ ในขณะเดียวกันในแง่ของเนื้อหาทางสังคม นี่เป็นโครงสร้างแบบดั้งเดิมที่ผ่านสถาปัตยกรรมอังกฤษมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 11 ด้านหลังส่วนหน้าของอาคารสองชั้น (ที่ด้านล่าง - อิออนที่ด้านบน - คอมโพสิต) มีห้องโถงสองแสงเดียวตามแนวเส้นรอบวงซึ่งมีระเบียงซึ่งให้การเชื่อมต่อเชิงตรรกะระหว่างภายนอกและภายใน . แม้จะมีความคล้ายคลึงกับส่วนหน้าของ Palladian แต่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญที่นี่: ทั้งสองชั้นมีความสูงเท่ากันซึ่งไม่เคยพบในปรมาจารย์ Vincentian และพื้นที่กระจกขนาดใหญ่ที่มีหน้าต่างแบบฝังเล็ก ๆ (เสียงสะท้อนของการก่อสร้างครึ่งไม้ในท้องถิ่น ) กีดกันผนังของลักษณะความเป็นพลาสติกของต้นแบบของอิตาลีทำให้มีลักษณะเป็นชาติอย่างชัดเจน คุณสมบัติภาษาอังกฤษ เพดานห้องโถงหรูหราพร้อมโถงลึก ( ต่อมาวาดโดยรูเบนส์) แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากเพดานแบนของพระราชวังอังกฤษในยุคนั้นตกแต่งด้วยแผงตกแต่งสีนูนอ่อน

พร้อมชื่อ อินิโก โจนส์ซึ่งเป็นสมาชิกของคณะกรรมาธิการอาคารหลวงตั้งแต่ปี พ.ศ. 2161 มีความเกี่ยวข้องกับงานการวางผังเมืองที่สำคัญที่สุดสำหรับศตวรรษที่ 17 - วางผังจากจตุรัสลอนดอนแห่งแรกที่สร้างขึ้นตามแบบแผนปกติ. ชื่อสามัญของมันคือ จัตุรัสโคเวนต์การ์เดน- พูดถึงต้นกำเนิดของแนวคิดของอิตาลี โบสถ์เซนต์พอล (ค.ศ. 1631) ตั้งอยู่ตามแนวแกนด้านตะวันตกของจัตุรัส โดยมีหน้าจั่วสูงและระเบียงทัสคานีสองเสาในส่วนหน้า เห็นได้ชัดว่าไร้เดียงสาในความหมายตามตัวอักษร โดยเลียนแบบวิหารอิทรุสกัน ในรูปของเซอร์ลิโอ ทางเดินแบบเปิดในชั้นหนึ่งของอาคารสามชั้นที่ล้อมรอบจัตุรัสจากทางเหนือและใต้ น่าจะเป็นเสียงสะท้อนของจัตุรัสใน Livorno แต่ในขณะเดียวกัน การออกแบบพื้นที่ในเมืองแบบคลาสสิกและเป็นเนื้อเดียวกันอาจได้รับแรงบันดาลใจจาก Parisian Place des Vosges ที่สร้างขึ้นเมื่อสามสิบปีก่อน

มหาวิหารเซนต์พอลบนจัตุรัส โคเวนท์ การ์เดน (โคเวนท์ การ์เดน) วัดแห่งแรกที่สร้างขึ้นทีละบรรทัดในลอนดอนหลังการปฏิรูป สะท้อนให้เห็นในความเรียบง่าย ไม่เพียงแต่ความปรารถนาของลูกค้า ดยุคแห่งเบดฟอร์ด ที่จะปฏิบัติตามพันธกรณีของเขาต่อสมาชิกของตำบลในราคาถูก แต่ยังรวมถึงข้อกำหนดที่สำคัญของ ศาสนาโปรเตสแตนต์ โจนส์สัญญากับลูกค้าว่าจะสร้าง “โรงนาที่สวยที่สุดในอังกฤษ” อย่างไรก็ตาม ด้านหน้าของโบสถ์ที่ได้รับการบูรณะหลังเพลิงไหม้ในปี 1795 มีขนาดใหญ่และสง่างามแม้จะมีขนาดเล็ก และความเรียบง่ายก็มีเสน่ห์พิเศษอย่างไม่ต้องสงสัย น่าสงสัยว่าทางเข้าประตูสูงใต้ระเบียงนั้นผิดเพราะด้านนี้ของโบสถ์มีแท่นบูชา

น่าเสียดายที่วงดนตรีโจนส์สูญหายไปอย่างสิ้นเชิง พื้นที่ของจัตุรัสถูกสร้างขึ้น อาคารต่างๆ ถูกทำลาย มีเพียงอาคารที่สร้างขึ้นในภายหลังในปี พ.ศ. 2421 ในมุมตะวันตกเฉียงเหนือเท่านั้นที่ทำให้เราสามารถตัดสินขนาดและลักษณะของ แผนเดิม

หากผลงานชิ้นแรกของโจนส์ต้องทนทุกข์ทรมานจากความเข้มงวดที่แห้งแล้ง จากนั้นอาคารอสังหาริมทรัพย์ในเวลาต่อมาก็จะถูกจำกัดน้อยลงด้วยความสัมพันธ์ของลัทธิแบบแผนคลาสสิก ด้วยอิสรภาพและความเป็นพลาสติก พวกเขาจึงคาดหวังถึงลัทธิพัลลาเดียนของอังกฤษในศตวรรษที่ 18 นี่คือตัวอย่างเช่น วิลตัน เฮาส์ (วิลตันเฮาส์, วิลต์เชียร์) ถูกไฟไหม้ในปี 1647 และสร้างขึ้นใหม่ จอห์น เวบบ์ผู้ช่วยที่รู้จักกันมานานของโจนส์

แนวคิดของ I. Jones ยังคงดำเนินต่อไปในโครงการต่อๆ ไป ซึ่งควรเน้นย้ำถึงโครงการฟื้นฟูลอนดอนของสถาปนิก คริสโตเฟอร์ เร็น (คริสโตเฟอร์ เร็น) (ค.ศ. 1632-1723) เป็นโครงการบูรณะเมืองในยุคกลางครั้งใหญ่ครั้งแรกหลังโรม (ค.ศ. 1666) ซึ่งใช้เวลาเกือบสองศตวรรษก่อนการฟื้นฟูปารีสครั้งยิ่งใหญ่ แผนดังกล่าวไม่ได้ถูกนำมาใช้ แต่สถาปนิกมีส่วนช่วยในกระบวนการทั่วไปของการเกิดขึ้นและการก่อสร้างแต่ละโหนดของเมืองโดยเฉพาะอย่างยิ่งกลุ่มที่คิดโดย Inigo Jones ที่โรงพยาบาลในกรีนิช(1698-1729) อาคารสำคัญอีกหลังของเร็นคือ อาสนวิหารเซนต์. พอลอยู่ในลอนดอน- มหาวิหารลอนดอนแห่งคริสตจักรแห่งอังกฤษ อาสนวิหารเซนต์. พาเวลเป็นจุดสนใจหลักของการพัฒนาเมืองในพื้นที่ของเมืองที่สร้างขึ้นใหม่ นับตั้งแต่การถวายของพระสังฆราชองค์แรกแห่งลอนดอน ออกัสติน (604) ตามแหล่งข่าวระบุว่า มีการสร้างโบสถ์คริสเตียนหลายแห่งบนเว็บไซต์นี้ อาสนวิหารเก่าแก่ของนักบุญเปโตรซึ่งสืบต่อมาจากอาสนวิหารในปัจจุบันคือ มหาวิหารเซนต์พอลซึ่งอุทิศในปี 1240 มีความยาว 175 ม. ยาวกว่าอาสนวิหารวินเชสเตอร์ 7 ม. ในปี ค.ศ. 1633–1642 อินิโก โจนส์ ได้ทำการบูรณะอาสนวิหารเก่าอย่างกว้างขวาง และเพิ่มส่วนหน้าอาคารด้านทิศตะวันตกในสไตล์พัลลาเดียนคลาสสิก อย่างไรก็ตาม มหาวิหารเก่าแก่แห่งนี้ถูกทำลายอย่างสิ้นเชิงในช่วงเหตุเพลิงไหม้ครั้งใหญ่ในลอนดอนในปี 1666 อาคารปัจจุบันสร้างโดยคริสโตเฟอร์ นกกระจิบในปี ค.ศ. 1675-1710; การรับใช้ครั้งแรกเกิดขึ้นในโบสถ์ที่ยังสร้างไม่เสร็จในเดือนธันวาคม ค.ศ. 1697

จากมุมมองทางสถาปัตยกรรม มหาวิหารเซนต์. อาคาร Paul's เป็นหนึ่งในอาคารทรงโดมที่ใหญ่ที่สุดในโลกของชาวคริสเตียน ซึ่งอยู่ในระดับเทียบเท่ากับมหาวิหารฟลอเรนซ์ หรือมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โซเฟียในกรุงคอนสแตนติโนเปิลและเซนต์ ปีเตอร์ในโรม มหาวิหารแห่งนี้มีรูปทรงไม้กางเขนแบบละตินยาว 157 ม. กว้าง 31 ม. ความยาวปีก 75 ม. พื้นที่รวม 155,000 ตร.ม. ม. ที่ไม้กางเขนตรงกลางที่ความสูง 30 ม. มีการวางฐานของโดมที่มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 34 ม. ซึ่งสูงถึง 111 ม. เมื่อออกแบบโดม Ren ใช้วิธีแก้ปัญหาที่ไม่เหมือนใคร เหนือไม้กางเขนตรงกลาง เขาสร้างโดมแรกด้วยอิฐโดยมีรูกลมสูง 6 เมตรที่ด้านบน (กลม) ซึ่งสมส่วนกับสัดส่วนภายในอย่างสมบูรณ์ เหนือโดมแรก สถาปนิกได้สร้างกรวยอิฐซึ่งทำหน้าที่รองรับโคมหินขนาดใหญ่ ซึ่งมีน้ำหนักถึง 700 ตัน และเหนือกรวยมีโดมที่สองที่หุ้มด้วยแผ่นตะกั่วบนกรอบไม้ซึ่งสัมพันธ์กับสัดส่วนกับ ปริมาตรภายนอกของอาคาร โซ่เหล็กวางอยู่ที่ฐานของกรวย ซึ่งจะรับแรงผลักด้านข้าง โดมแหลมเล็กน้อยซึ่งมีเสาทรงกลมขนาดใหญ่รองรับ มีลักษณะเด่นของอาสนวิหาร

ภายในตกแต่งด้วยหินอ่อนเป็นหลัก และเนื่องจากมีสีน้อยจึงดูเคร่งครัด ตามกำแพงมีสุสานของนายพลและผู้บัญชาการทหารเรือที่มีชื่อเสียงมากมาย กระเบื้องโมเสกแก้วที่ห้องใต้ดินและผนังของคณะนักร้องประสานเสียงแล้วเสร็จในปี พ.ศ. 2440

ขอบเขตขนาดใหญ่สำหรับกิจกรรมการก่อสร้างเปิดขึ้นหลังเหตุเพลิงไหม้ในลอนดอนในปี 1666 สถาปนิกนำเสนอของเขา แผนฟื้นฟูเมืองและได้รับคำสั่งให้บูรณะโบสถ์ประจำตำบลจำนวน 52 แห่ง Ren เสนอวิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ต่างๆ อาคารบางแห่งสร้างด้วยเอิกเกริกสไตล์บาโรกอย่างแท้จริง (เช่น โบสถ์เซนต์สตีเฟนในวอลบรูก) ยอดแหลมของพวกเขาพร้อมกับหอคอยของนักบุญ พอลสร้างภาพพาโนรามาอันงดงามของเมือง หนึ่งในนั้นได้แก่โบสถ์ของพระคริสต์ในถนนนิวเกต โบสถ์เซนต์เจ้าสาวในถนนฟลีท โบสถ์เซนต์เจมส์ในการ์ลิคฮิลล์ และโบสถ์เซนต์เวดาสต์ในฟอสเตอร์เลน หากจำเป็นต้องมีสถานการณ์พิเศษ เช่นในการก่อสร้างโรงเรียนเซนต์แมรีออลเดอร์แมรีหรือวิทยาลัยไครสต์เชิร์ชในอ็อกซ์ฟอร์ด (หอคอยทอมส์) นกกระจิบสามารถใช้องค์ประกอบแบบโกธิกตอนปลายได้ แม้ว่าในคำพูดของเขาเอง เขาไม่ชอบที่จะ "เบี่ยงเบนไปจากรูปแบบที่ดีที่สุด ".

นอกเหนือจากการก่อสร้างโบสถ์แล้ว Ren ยังดำเนินการตามคำสั่งส่วนตัว ซึ่งหนึ่งในนั้นคือการสร้างห้องสมุดใหม่ วิทยาลัยทรินิตี้(1676–1684) ในเคมบริดจ์ พ.ศ. 2212 ทรงได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าผู้คุมอาคารหลวง ในตำแหน่งนี้ เขาได้รับสัญญาสำคัญจากรัฐบาลหลายฉบับ เช่น การก่อสร้างโรงพยาบาลในพื้นที่เชลซีและกรีนิช ( โรงพยาบาลกรีนิช) และอาคารอีกหลายแห่งรวมอยู่ในนั้นด้วย คอมเพล็กซ์ของพระราชวังเคนซิงตันและ พระราชวังแฮมป์ตันคอร์ต.

ในช่วงชีวิตอันยาวนานของเขา นกกระจิบรับใช้กษัตริย์ห้าพระองค์ติดต่อกันบนบัลลังก์อังกฤษและออกจากตำแหน่งในปี ค.ศ. 1718 เท่านั้น นกกระจิบสิ้นพระชนม์ที่แฮมป์ตันคอร์ตเมื่อวันที่ 26 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1723 และถูกฝังไว้ในอาสนวิหารเซนต์จอห์น พาเวล. แนวคิดของเขาถูกหยิบยกและพัฒนาโดยสถาปนิกรุ่นต่อไปโดยเฉพาะ เอ็น. ฮอว์กสมอร์ และ เจ. กิ๊บส์. เขามีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาสถาปัตยกรรมคริสตจักรในยุโรปและสหรัฐอเมริกา

ในบรรดาขุนนางอังกฤษแฟชั่นที่แท้จริงเกิดขึ้นสำหรับคฤหาสน์พัลลาเดียนซึ่งใกล้เคียงกับปรัชญาของการตรัสรู้ในยุคแรกในอังกฤษซึ่งสั่งสอนอุดมคติของความมีเหตุผลและความเป็นระเบียบเรียบร้อยซึ่งแสดงออกอย่างเต็มที่ในศิลปะโบราณ

วิลล่าอังกฤษพัลลาเดียนเป็นห้องที่มีขนาดกะทัดรัด ส่วนใหญ่มักเป็นอาคารสามชั้น อันแรกเป็นแบบชนบทส่วนหลักคือพื้นด้านหน้ามีชั้นสองมันถูกรวมเข้ากับด้านหน้าอาคารโดยมีลำดับขนาดใหญ่กับชั้นที่สาม - พื้นที่อยู่อาศัย ความเรียบง่ายและความชัดเจนของอาคารแบบพัลลาเดียน ความง่ายในการสร้างรูปแบบขึ้นมาใหม่ ทำให้อาคารที่คล้ายกันนี้พบเห็นได้ทั่วไปมากทั้งในสถาปัตยกรรมส่วนตัวในเขตชานเมืองและในสถาปัตยกรรมของอาคารสาธารณะและที่พักอาศัยในเมือง

ชาวพัลลาเดียนชาวอังกฤษมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการพัฒนางานศิลปะในสวนสาธารณะ แทนที่ความทันสมัยถูกต้องทางเรขาคณิต” ปกติ“สวนมาแล้ว” สวนสาธารณะภูมิทัศน์ต่อมาเรียกว่า “ภาษาอังกฤษ” สวนอันงดงามที่มีใบไม้หลากสีสลับกับสนามหญ้า สระน้ำธรรมชาติ และเกาะต่างๆ ทางเดินในสวนสาธารณะไม่ได้ให้มุมมองที่เปิดกว้าง และด้านหลังโค้งแต่ละโค้งก็เตรียมทิวทัศน์ที่ไม่คาดคิดไว้ รูปปั้น ศาลา และซากปรักหักพังซ่อนตัวอยู่ใต้ร่มไม้ ผู้สร้างหลักของพวกเขาในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คือ วิลเลียม เคนท์

ภูมิทัศน์หรือสวนภูมิทัศน์ถูกมองว่าเป็นความงามของธรรมชาติที่ได้รับการแก้ไขอย่างชาญฉลาด แต่การแก้ไขไม่จำเป็นต้องสังเกตเห็นได้ชัด

คลาสสิคแบบฝรั่งเศส

ความคลาสสิกในฝรั่งเศสก่อตัวขึ้นในสภาวะที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันมากขึ้น ประเพณีท้องถิ่น และอิทธิพลของบาโรกก็ส่งผลกระทบรุนแรงยิ่งขึ้น การเกิดขึ้นของลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นโดยมีฉากหลังของการหักเหที่แปลกประหลาดในสถาปัตยกรรมรูปแบบเรอเนซองส์ ประเพณีและเทคนิคแบบโกธิกตอนปลายที่ยืมมาจากยุคบาโรกของอิตาลีที่เกิดขึ้นใหม่ กระบวนการนี้มาพร้อมกับการเปลี่ยนแปลงประเภท: การเปลี่ยนแปลงที่เน้นจากการก่อสร้างปราสาทที่ไม่ใช่เมืองของขุนนางศักดินาไปสู่การก่อสร้างที่อยู่อาศัยในเมืองและชานเมืองสำหรับขุนนางอย่างเป็นทางการ

หลักการพื้นฐานและอุดมคติของลัทธิคลาสสิกถูกวางไว้ในฝรั่งเศส เราว่าทุกอย่างเริ่มต้นจากคำพูดของบุคคลที่มีชื่อเสียงสองคนคือพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 (คือพระเจ้าหลุยส์ที่ 14) ที่กล่าวว่า “ รัฐคือฉัน!”และนักปรัชญาชื่อดัง เรเน่ เดการ์ต ผู้กล่าวไว้ว่า “ ฉันคิด ฉันจึงมีอยู่"(นอกจากนั้นและถ่วงดุลกับคำพูดของเพลโต-" ฉันดำรงอยู่ ฉันจึงคิด") ในวลีเหล่านี้มีแนวคิดหลักของลัทธิคลาสสิคอยู่: ความภักดีต่อกษัตริย์เช่น สู่ปิตุภูมิและชัยชนะของเหตุผลเหนือความรู้สึก

ปรัชญาใหม่เรียกร้องให้แสดงออกไม่เพียงแต่ในปากของพระมหากษัตริย์และงานปรัชญาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะที่สังคมสามารถเข้าถึงได้ด้วย จำเป็นต้องมีภาพที่กล้าหาญโดยมุ่งเป้าไปที่การปลูกฝังความรักชาติและความมีเหตุผลในการคิดของพลเมือง การปฏิรูปวัฒนธรรมทุกแง่มุมจึงเริ่มต้นขึ้น สถาปัตยกรรมสร้างรูปแบบสมมาตรอย่างเคร่งครัดไม่เพียงพิชิตพื้นที่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงธรรมชาติด้วยพยายามที่จะเข้าใกล้สิ่งที่สร้างขึ้นอย่างน้อยเล็กน้อย คล็อด เลอโดซ์เมืองอุดมคติแห่งอนาคตแห่งยูโทเปีย ซึ่งยังไงก็ตามยังคงอยู่ในภาพวาดของสถาปนิกเท่านั้น (เป็นที่น่าสังเกตว่าโครงการนี้มีความสำคัญมากจนยังคงใช้ลวดลายในการเคลื่อนไหวทางสถาปัตยกรรมต่างๆ)

บุคคลที่โดดเด่นที่สุดในสถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศสตอนต้นคือ นิโคลัส ฟรองซัวส์ มันซาร์ท(Nicolas François Mansart) (1598-1666) - หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกของฝรั่งเศส ข้อดีของเขานอกเหนือจากการก่อสร้างอาคารโดยตรงคือการพัฒนาที่อยู่อาศัยในเมืองรูปแบบใหม่สำหรับชนชั้นสูง - "โรงแรม" - ด้วยรูปแบบที่สะดวกสบายและสะดวกสบายรวมถึงห้องโถง บันไดหลัก และ ห้องที่ปิดล้อม มักปิดล้อมลานบ้าน ส่วนแนวตั้งสไตล์โกธิคของส่วนหน้าอาคารมีหน้าต่างสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่ แบ่งเป็นพื้นอย่างชัดเจนและมีความเป็นพลาสติกสูง คุณสมบัติพิเศษของโรงแรม Mansar คือหลังคาสูงซึ่งมีพื้นที่ใช้สอยเพิ่มเติม - ห้องใต้หลังคาซึ่งตั้งชื่อตามผู้สร้าง ตัวอย่างที่ดีของหลังคาดังกล่าวคือพระราชวัง เมซง-ลาฟไฟต์(เมซง-ลาฟิตต์, 1642–1651) ผลงานอื่นๆ ของ Mansar ได้แก่: โฮเต็ล เดอ ตูลูส, โรงแรมมาซาริน และมหาวิหารปารีส วาล เดอ เกรซ(วัล-เดอ-เกรซ) แล้วเสร็จตามแบบของพระองค์ เลเมอร์ซและ เลอ มูเอต์.

ความเจริญรุ่งเรืองของยุคแรกของลัทธิคลาสสิกเกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 แนวความคิดเกี่ยวกับเหตุผลนิยมเชิงปรัชญาและลัทธิคลาสสิกที่เสนอโดยอุดมการณ์กระฎุมพีซึ่งแสดงโดยสมบูรณาญาสิทธิราชย์ พระเจ้าหลุยส์ที่ 14ถือเป็นหลักคำสอนของรัฐอย่างเป็นทางการ แนวคิดเหล่านี้อยู่ภายใต้ความประสงค์ของกษัตริย์อย่างสมบูรณ์และทำหน้าที่เป็นวิธีการเชิดชูพระองค์ในฐานะบุคคลที่สูงที่สุดของประเทศ โดยเป็นหนึ่งเดียวบนหลักการของระบอบเผด็จการที่สมเหตุสมผล ในทางสถาปัตยกรรม มีการแสดงออกสองประการ ในด้านหนึ่ง ความปรารถนาในการจัดองค์ประกอบอย่างมีเหตุผล ชัดเจนในเชิงเปลือกโลกและยิ่งใหญ่ เป็นอิสระจากเศษส่วน "ความสับสนหลายประการ" ของช่วงเวลาก่อนหน้า ในทางกลับกัน แนวโน้มที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ ต่อหลักการ volitional เดียวในองค์ประกอบ ไปสู่การครอบงำของแกนที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของอาคารและพื้นที่ที่อยู่ติดกัน ไปสู่การอยู่ใต้บังคับบัญชาของเจตจำนงของมนุษย์ ไม่เพียงแต่หลักการของการจัดพื้นที่ในเมืองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงธรรมชาติด้วย เปลี่ยนแปลงไปตามกฎแห่งเหตุผล เรขาคณิต ความงาม "ในอุดมคติ" แนวโน้มทั้งสองแสดงให้เห็นโดยเหตุการณ์สำคัญสองเหตุการณ์ในชีวิตทางสถาปัตยกรรมของฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17: เหตุการณ์แรก - การออกแบบและการก่อสร้างด้านหน้าอาคารด้านตะวันออกของพระราชวังในปารีส - พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์); ประการที่สอง - การสร้างที่อยู่อาศัยใหม่ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ซึ่งเป็นสถาปัตยกรรมและภูมิทัศน์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในแวร์ซาย

ด้านหน้าอาคารด้านทิศตะวันออกของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ถูกสร้างขึ้นจากการเปรียบเทียบสองโครงการ - โครงการหนึ่งที่มาจากปารีสจากอิตาลี ลอเรนโซ แบร์นินี(จาน ลอเรนโซ แบร์นีนี) (ค.ศ. 1598-1680) และชาวฝรั่งเศส คล็อด แปร์โรต์(โกลด แปร์โรลต์) (1613-1688) โปรเจ็กต์ของแปร์โรลต์ได้รับความนิยมมากกว่า (ดำเนินการในปี ค.ศ. 1667) โดยที่ตรงกันข้ามกับความกระสับกระส่ายของสไตล์บาโรกและความเป็นคู่ของเปลือกโลกของโปรเจ็กต์ของแบร์นีนี ส่วนส่วนหน้าอาคารที่ขยายออกไป (ความยาว 170.5 ม.) มีโครงสร้างที่ชัดเจนพร้อมห้องแสดงภาพสองชั้นขนาดใหญ่ ซึ่งถูกขัดจังหวะใน ตรงกลางและด้านข้างด้วย risalits แบบสมมาตร เสาคู่ตามแบบโครินเธียน (สูง 12.32 เมตร) มีบัวขนาดใหญ่ที่ออกแบบอย่างคลาสสิก พร้อมด้วยห้องใต้หลังคาและลูกกรง ฐานถูกตีความในรูปแบบของพื้นห้องใต้ดินเรียบซึ่งการออกแบบในองค์ประกอบของคำสั่งเน้นที่ฟังก์ชั่นโครงสร้างของการรองรับน้ำหนักหลักของอาคาร โครงสร้างที่ชัดเจน เป็นจังหวะและเป็นสัดส่วนนั้นขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ที่เรียบง่ายและความเป็นโมดูล และเส้นผ่านศูนย์กลางด้านล่างของคอลัมน์ถือเป็นค่าเริ่มต้น (โมดูล) เช่นเดียวกับในหลักการคลาสสิก ขนาดความสูงของอาคาร (27.7 เมตร) และองค์ประกอบขนาดใหญ่โดยรวมที่ออกแบบมาเพื่อสร้างจัตุรัสด้านหน้าด้านหน้าอาคาร ทำให้อาคารมีความสง่างามและเป็นตัวแทนที่จำเป็นสำหรับพระราชวัง ในเวลาเดียวกัน โครงสร้างทั้งหมดขององค์ประกอบมีความโดดเด่นด้วยตรรกะทางสถาปัตยกรรม รูปทรงเรขาคณิต และเหตุผลนิยมทางศิลปะ

การรวมตัวของแวร์ซายส์(Château de Versailles, 1661-1708) - จุดสุดยอดของกิจกรรมทางสถาปัตยกรรมในสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ความปรารถนาที่จะผสมผสานแง่มุมที่น่าดึงดูดของชีวิตในเมืองและชีวิตเข้ากับธรรมชาติได้นำไปสู่การสร้างอาคารที่ยิ่งใหญ่ รวมถึงพระราชวังที่มีสิ่งก่อสร้างสำหรับราชวงศ์และหน่วยงานรัฐบาล สวนสาธารณะขนาดใหญ่ และเมืองที่อยู่ติดกับพระราชวัง พระราชวังเป็นจุดโฟกัสที่แกนของสวนสาธารณะมาบรรจบกัน - ด้านหนึ่งและอีกด้านหนึ่ง - ทางหลวงสามเส้นของเมืองซึ่งทางตรงกลางทำหน้าที่เป็นถนนที่เชื่อมระหว่างแวร์ซายกับพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ พระราชวังซึ่งมีความยาวจากด้านข้างอุทยานมากกว่าครึ่งกิโลเมตร (580 ม.) โดยส่วนตรงกลางถูกผลักไปข้างหน้าอย่างแหลมคม และด้วยความสูง จึงมีการแบ่งส่วนอย่างชัดเจนในส่วนของชั้นใต้ดิน พื้นหลัก และ ห้องใต้หลังคา เมื่อเทียบกับพื้นหลังของเสาหลัก Ionic porticos มีบทบาทในการเน้นจังหวะที่รวมด้านหน้าเป็นองค์ประกอบตามแนวแกนที่สอดคล้องกัน

แกนของพระราชวังทำหน้าที่เป็นปัจจัยหลักทางวินัยในการเปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ เป็นสัญลักษณ์ของเจตจำนงอันไร้ขอบเขตของเจ้าของประเทศผู้ครองราชย์ โดยปราบองค์ประกอบของธรรมชาติทางเรขาคณิต สลับกันอย่างเข้มงวดด้วยองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมเพื่อจุดประสงค์ในสวนสาธารณะ เช่น บันได สระน้ำ น้ำพุ และรูปแบบสถาปัตยกรรมขนาดเล็กต่างๆ

หลักการของพื้นที่ตามแนวแกนซึ่งมีอยู่ในยุคบาโรกและโรมโบราณเกิดขึ้นที่นี่ในมุมมองแนวแกนอันยิ่งใหญ่ของพาร์แตร์สีเขียวและตรอกซอกซอยที่ลดหลั่นลงมาจากระเบียง ส่งผลให้ผู้สังเกตการณ์จ้องมองลึกเข้าไปในคลองที่อยู่ห่างไกล เป็นรูปไม้กางเขนในแผน และไกลออกไปอย่างไม่มีที่สิ้นสุด พุ่มไม้และต้นไม้ที่ตัดแต่งเป็นรูปปิรามิดเน้นความลึกเชิงเส้นและความประดิษฐ์ของภูมิทัศน์ที่สร้างขึ้นโดยกลายเป็นธรรมชาตินอกขอบเขตของมุมมองหลักเท่านั้น

ความคิด " ธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลงไป"สอดคล้องกับวิถีชีวิตใหม่ของพระมหากษัตริย์และขุนนาง นอกจากนี้ยังนำไปสู่แผนการวางผังเมืองใหม่ - การออกจากเมืองในยุคกลางที่วุ่นวายและในที่สุดก็นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดของเมืองตามหลักการของความสม่ำเสมอและการนำองค์ประกอบภูมิทัศน์เข้ามา ผลที่ตามมาคือการเผยแพร่หลักการและเทคนิคที่พัฒนาขึ้นในการวางแผนแวร์ซายส์ไปสู่การฟื้นฟูเมืองต่างๆ โดยเฉพาะปารีส

อังเดร เลอ โนเตร(André Le Nôtre) (1613-1700) - ผู้สร้างชุดสวนและสวนสาธารณะ แวร์ซาย- เกิดแนวคิดในการควบคุมแผนผังพื้นที่ส่วนกลางของปารีสซึ่งอยู่ติดกับพระราชวังลูฟร์และพระราชวังตุยเลอรีจากทางตะวันตกและตะวันออก พิพิธภัณฑ์ลูฟร์-แกนตุยเลอรีสอดคล้องกับทิศทางของถนนสู่แวร์ซายส์กำหนดความหมายของชื่อเสียงอันโด่งดัง” เส้นผ่านศูนย์กลางของปารีส"ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นทางสัญจรหลักของเมืองหลวง สวนตุยเลอรีและส่วนหนึ่งของถนน - ถนนของชองเอลิเซ่ - วางอยู่บนแกนนี้ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 Place de la Concorde ถูกสร้างขึ้น โดยรวม Tuileries กับ Avenue des Champs-Élysées และในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ประตูชัยแห่งดวงดาวอันยิ่งใหญ่ซึ่งวางไว้ตรงปลายถนนชองเอลิเซ่ตรงกลางจัตุรัสทรงกลม ได้สร้างวงดนตรีเสร็จเรียบร้อยแล้ว ซึ่งมีความยาวประมาณ 3 กม. ผู้เขียน พระราชวังแวร์ซายส์ จูลส์ ฮาร์ดูอิน-มานซาร์(Jules Hardouin-Mansart) (1646-1708) ยังได้สร้างสรรค์วงดนตรีที่โดดเด่นจำนวนหนึ่งในกรุงปารีสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ได้แก่แบบกลม จัตุรัสชัยชนะ(ปลาซ เดส์ วิกตัวร์) ทรงสี่เหลี่ยมผืนผ้า เพลส วองโดม(Place Vendome) คอมเพล็กซ์ของโรงพยาบาล Invalides ที่มีอาสนวิหารทรงโดม ลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ทรงรับเอาความสำเร็จในการพัฒนาเมืองของยุคเรอเนซองส์และโดยเฉพาะอย่างยิ่งยุคบาโรกมาใช้ พัฒนาและประยุกต์ใช้ในระดับที่ยิ่งใหญ่ยิ่งขึ้น

ในศตวรรษที่ 18 ระหว่างรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 (ค.ศ. 1715-1774) สไตล์โรโกโกได้รับการพัฒนาในสถาปัตยกรรมฝรั่งเศส เช่นเดียวกับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ซึ่งเป็นความต่อเนื่องอย่างเป็นทางการของแนวโน้มภาพของบาโรก ความคิดริเริ่มของสไตล์นี้ใกล้เคียงกับสไตล์บาร็อคและรูปแบบที่ซับซ้อนนั้นปรากฏให้เห็นเป็นหลักในการตกแต่งภายในซึ่งสอดคล้องกับชีวิตที่หรูหราและสิ้นเปลืองของราชสำนัก ห้องพักของรัฐได้รับความสะดวกสบายมากขึ้น แต่ยังมีลักษณะที่หรูหรามากขึ้นอีกด้วย ในการตกแต่งสถาปัตยกรรมของสถานที่มีการใช้กระจกและปูนปั้นที่ทำจากเส้นโค้งที่ประณีตมาลัยดอกไม้เปลือกหอย ฯลฯ ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย สไตล์นี้ยังสะท้อนให้เห็นอย่างมากในเฟอร์นิเจอร์ อย่างไรก็ตาม ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 มีการเคลื่อนไหวออกจากรูปแบบโรโกโกที่ซับซ้อน ไปสู่ความเข้มงวด ความเรียบง่าย และความชัดเจนที่มากขึ้น ช่วงเวลานี้ในฝรั่งเศสเกิดขึ้นพร้อมกับการเคลื่อนไหวทางสังคมในวงกว้างที่มุ่งต่อต้านระบบสังคมและการเมืองที่มีพระมหากษัตริย์เป็นประมุข และได้รับมติในการปฏิวัติชนชั้นกลางฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2332 ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และสามแรกของศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศสถือเป็นก้าวใหม่ในการพัฒนาลัทธิคลาสสิกและการแพร่กระจายอย่างกว้างขวางในประเทศยุโรป

ความคลาสสิกของครึ่งหลังของ XVIIIศตวรรษในหลาย ๆ ด้านได้พัฒนาหลักการทางสถาปัตยกรรมของศตวรรษก่อน อย่างไรก็ตาม อุดมคติแบบกระฎุมพี-เหตุผลนิยมแบบใหม่ - ความเรียบง่ายและความชัดเจนของรูปแบบคลาสสิก - ในปัจจุบันเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นสัญลักษณ์ของการทำให้งานศิลปะเป็นประชาธิปไตย ซึ่งได้รับการส่งเสริมภายใต้กรอบของการตรัสรู้ของชนชั้นกลาง ความสัมพันธ์ระหว่างสถาปัตยกรรมและธรรมชาติกำลังเปลี่ยนแปลงไป ความสมมาตรและแกนซึ่งยังคงเป็นหลักการพื้นฐานของการจัดองค์ประกอบภาพ ไม่ได้มีความสำคัญเท่ากันในการจัดวางภูมิทัศน์ธรรมชาติอีกต่อไป สวนสาธารณะประจำของฝรั่งเศสกำลังเปิดทางให้กับสวนสาธารณะที่เรียกว่าอิงลิชมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยมีองค์ประกอบภูมิทัศน์ที่งดงามเลียนแบบภูมิทัศน์ธรรมชาติ

สถาปัตยกรรมของอาคารค่อนข้างมีมนุษยธรรมและมีเหตุผลมากขึ้น แม้ว่าขนาดเมืองที่ใหญ่โตยังคงเป็นตัวกำหนดแนวทางการทำงานทางสถาปัตยกรรมที่กว้างขวาง เมืองที่มีอาคารในยุคกลางทั้งหมดถือเป็นวัตถุที่มีอิทธิพลทางสถาปัตยกรรมโดยรวม มีการเสนอแนวคิดสำหรับแผนสถาปัตยกรรมสำหรับทั้งเมือง ในขณะเดียวกัน ความสนใจด้านการขนส่ง ปัญหาการปรับปรุงสุขอนามัย ที่ตั้งของสิ่งอำนวยความสะดวกทางการค้าและอุตสาหกรรม และประเด็นทางเศรษฐกิจอื่น ๆ เริ่มเข้าครอบครองสถานที่สำคัญ ในการทำงานกับอาคารในเมืองประเภทใหม่ให้ความสนใจอย่างมากกับอาคารที่พักอาศัยหลายชั้น แม้ว่าการนำแนวความคิดการวางผังเมืองเหล่านี้ไปปฏิบัติจริงนั้นมีจำกัดมาก แต่ความสนใจในปัญหาของเมืองที่เพิ่มขึ้นก็มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของวงดนตรี ในเมืองใหญ่ วงดนตรีใหม่พยายามรวมพื้นที่ขนาดใหญ่ไว้ใน "ขอบเขตอิทธิพล" และมักจะมีลักษณะที่เปิดกว้าง

กลุ่มสถาปัตยกรรมที่ใหญ่ที่สุดและโดดเด่นที่สุดของศิลปะคลาสสิกแบบฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 - Place de la Concorde ในปารีสสร้างขึ้นตามโครงการ อังฌ์-ฌาคส์ กาเบรียล (อังฌ์-ฌาค กาเบรียล(พ.ศ. 2241 - 2325) ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 ของศตวรรษที่ 18 และได้รับการสร้างเสร็จครั้งสุดท้ายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 จัตุรัสขนาดใหญ่แห่งนี้ทำหน้าที่เป็นพื้นที่จำหน่ายสินค้าริมฝั่งแม่น้ำแซน ระหว่างสวนตุยเลอรีที่อยู่ติดกับพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และถนนสายกว้างของถนนชองเอลิเซ่ คูน้ำแห้งที่มีอยู่เดิมทำหน้าที่เป็นขอบเขตของพื้นที่สี่เหลี่ยม (ขนาด 245 x 140 ม.) เค้าโครงแบบ "กราฟิก" ของจัตุรัสซึ่งได้รับความช่วยเหลือจากคูน้ำแห้ง ราวบันได และกลุ่มประติมากรรม ถือเป็นรอยประทับของผังระนาบของสวนแวร์ซายส์ ตรงกันข้ามกับจตุรัสปิดของปารีสในศตวรรษที่ 17 (Place Vendôme ฯลฯ) Place de la Concorde เป็นตัวอย่างของจัตุรัสเปิดซึ่งจำกัดด้านเดียวด้วยอาคารสมมาตรสองหลังที่สร้างโดย Gabriel ซึ่งสร้างแกนขวางที่ตัดผ่านจัตุรัสและ Rue Royale ที่สร้างโดยสิ่งเหล่านั้น แกนได้รับการแก้ไขในจัตุรัสด้วยน้ำพุสองแห่งและที่จุดตัดของแกนหลักมีการสร้างอนุสาวรีย์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 และต่อมาก็มีเสาโอเบลิสก์สูง) ช็องเซลิเซ่, สวนตุยเลอรี, พื้นที่ของแม่น้ำแซนและเขื่อนต่างๆ นั้นเป็นความต่อเนื่องของสถาปัตยกรรมชุดนี้ ซึ่งมีขอบเขตอันใหญ่โตในทิศทางตั้งฉากกับแกนขวาง

การบูรณะศูนย์กลางใหม่บางส่วนด้วยการจัดตั้ง "จตุรัสหลวง" ตามปกติยังครอบคลุมถึงเมืองอื่นๆ ของฝรั่งเศส (แรนส์, แร็งส์, รูอ็อง ฯลฯ) Royal Square ใน Nancy (Place Royalle de Nancy, 1722-1755) โดดเด่นเป็นพิเศษ ทฤษฎีการวางผังเมืองกำลังพัฒนา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเป็นที่น่าสังเกตว่างานทางทฤษฎีเกี่ยวกับจัตุรัสกลางเมืองของสถาปนิกแพตซึ่งประมวลผลและตีพิมพ์ผลการแข่งขัน Place Louis XV ในปารีสซึ่งจัดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18

การพัฒนาการวางแผนพื้นที่ของอาคารสไตล์คลาสสิกแบบฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ไม่สามารถแยกออกจากกลุ่มคนในเมืองได้ แนวคิดหลักยังคงเป็นลำดับขนาดใหญ่ที่มีความสัมพันธ์ที่ดีกับพื้นที่เมืองที่อยู่ติดกัน ฟังก์ชันเชิงสร้างสรรค์จะถูกส่งกลับไปยังลำดับ มักใช้ในรูปแบบของระเบียงและแกลเลอรีโดยขยายขนาดของมันให้ใหญ่ขึ้นซึ่งครอบคลุมความสูงของปริมาตรหลักทั้งหมดของอาคาร นักทฤษฎีลัทธิคลาสสิกของฝรั่งเศส ม.เอ. ลอจิเยร์ ม.เอ.โดยพื้นฐานแล้วปฏิเสธคอลัมน์คลาสสิกซึ่งมันไม่รับภาระจริงๆ และวิพากษ์วิจารณ์การวางคำสั่งซื้อหนึ่งไว้ทับอีกคอลัมน์หนึ่งหากเป็นไปได้จริงๆ ที่จะผ่านไปด้วยการสนับสนุนเพียงครั้งเดียว เหตุผลนิยมเชิงปฏิบัติได้รับการให้เหตุผลทางทฤษฎีอย่างกว้างๆ

พัฒนาการของทฤษฎีได้กลายเป็นปรากฏการณ์ทั่วไปในศิลปะของฝรั่งเศสตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 นับตั้งแต่การก่อตั้ง French Academy (1634) การก่อตั้ง Royal Academy of Painting and Sculpture (1648) และ Academy of Architecture (1671 ). ในทางทฤษฎีความสนใจเป็นพิเศษคือการสั่งซื้อและสัดส่วน การพัฒนาหลักคำสอนเรื่องสัดส่วน ฌาคส์ ฟรองซัวส์ บลอนเดล(1705-1774) - นักทฤษฎีชาวฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 Laugier ได้สร้างระบบทั้งหมดที่มีสัดส่วนที่พิสูจน์ได้ทางตรรกะ โดยยึดตามหลักการที่มีความหมายอย่างมีเหตุผลของความสมบูรณ์แบบที่แท้จริง ในเวลาเดียวกัน ในสัดส่วน เช่นเดียวกับในสถาปัตยกรรมโดยทั่วไป องค์ประกอบของความมีเหตุผลซึ่งอยู่บนพื้นฐานของกฎองค์ประกอบทางคณิตศาสตร์ที่ได้มาจากการเก็งกำไรได้รับการปรับปรุง ความสนใจในมรดกสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากำลังเพิ่มขึ้น และในตัวอย่างเฉพาะของยุคเหล่านี้ พวกเขามุ่งมั่นที่จะเห็นการยืนยันเชิงตรรกะของหลักการที่หยิบยกขึ้นมา วิหารแพนธีออนของโรมันมักถูกอ้างถึงว่าเป็นตัวอย่างในอุดมคติของความเป็นเอกภาพของประโยชน์ใช้สอยและหน้าที่ทางศิลปะ และตัวอย่างที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของสถาปัตยกรรมคลาสสิกเรอเนซองส์ก็คืออาคารของปัลลาดิโอและบรามันเต โดยเฉพาะเทมเปียตโต ตัวอย่างเหล่านี้ไม่เพียงแต่ได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบ แต่ยังมักทำหน้าที่เป็นต้นแบบโดยตรงของอาคารที่ถูกสร้างขึ้นอีกด้วย

สร้างขึ้นในช่วงทศวรรษปี 1750-1780 ตามการออกแบบ Jacques Germain Soufflot(Jacques-Germain Soufflot) (1713 - 1780) โบสถ์เซนต์ เจเนวีฟในปารีสซึ่งต่อมาได้กลายเป็นวิหารแพนธีออนของฝรั่งเศสประจำชาติ เราสามารถมองเห็นการกลับคืนสู่อุดมคติทางศิลปะของสมัยโบราณและตัวอย่างที่เป็นผู้ใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีอยู่ในเวลานี้ องค์ประกอบ กางเขนในแผน มีความโดดเด่นด้วยความสอดคล้องของโครงร่างโดยรวม ความสมดุลของส่วนต่างๆ ทางสถาปัตยกรรม และความชัดเจนและชัดเจนของการก่อสร้าง ระเบียงกลับคืนสู่รูปแบบโรมัน สู่วิหารแพนธีออนกลองที่มีโดม (ยาว 21.5 เมตร) มีลักษณะคล้ายองค์ประกอบ เทมปิเอตโต. ด้านหน้าอาคารหลักช่วยเติมเต็มทิวทัศน์ของถนนเส้นตรงสั้นๆ และทำหน้าที่เป็นสถานที่สำคัญทางสถาปัตยกรรมที่โดดเด่นที่สุดแห่งหนึ่งในปารีส

เนื้อหาที่น่าสนใจที่แสดงให้เห็นถึงการพัฒนาความคิดทางสถาปัตยกรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 คือการตีพิมพ์โครงการทางวิชาการที่มีการแข่งขันสูงในปารีสซึ่งได้รับรางวัลสูงสุด (กรังด์ปรีซ์) หัวข้อทั่วไปที่ดำเนินโครงการเหล่านี้ทั้งหมดคือการเคารพในสมัยโบราณ เสาที่ไม่มีที่สิ้นสุด, โดมขนาดใหญ่, ระเบียงที่ทำซ้ำ ฯลฯ พูดถึงการแตกหักกับความสง่างามของชนชั้นสูงของโรโคโคในอีกด้านหนึ่งของการออกดอกของความโรแมนติกทางสถาปัตยกรรมที่มีเอกลักษณ์เฉพาะสำหรับการดำเนินการซึ่งอย่างไรก็ตาม ไม่มีพื้นฐานในความเป็นจริงทางสังคม

ก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ (พ.ศ. 2332-37) ได้ก่อให้เกิดความปรารถนาในความเรียบง่ายที่เข้มงวดทางสถาปัตยกรรม การค้นหารูปทรงเรขาคณิตที่ยิ่งใหญ่ และสถาปัตยกรรมใหม่ที่ไร้ระเบียบ (C. N. Ledoux, E. L. Bullet, J. J. Lequeu) การค้นหาเหล่านี้ (ยังได้รับอิทธิพลจากการแกะสลักทางสถาปัตยกรรมของ G.B. Piranesi ด้วย) ถือเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับช่วงหลังของลัทธิคลาสสิก - สไตล์จักรวรรดิ

ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติแทบไม่มีการก่อสร้างเลย แต่มีโครงการเกิดขึ้นจำนวนมาก แนวโน้มทั่วไปในการเอาชนะรูปแบบบัญญัติและแผนการคลาสสิกแบบดั้งเดิมถูกกำหนดไว้

ความคิดเชิงวัฒนธรรมผ่านไปอีกรอบก็จบลงที่เดิม ภาพวาดของทิศทางการปฏิวัติของลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศสแสดงโดยละครที่กล้าหาญของภาพประวัติศาสตร์และภาพเหมือนของ J. L. David ในช่วงหลายปีของจักรวรรดินโปเลียนที่ 1 ความเป็นตัวแทนอันงดงามในสถาปัตยกรรมเพิ่มขึ้น (C. Percier, L. Fontaine, J. F. Chalgrin)

ศูนย์กลางระหว่างประเทศของศิลปะคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 คือโรมซึ่งประเพณีทางวิชาการครอบงำในงานศิลปะด้วยการผสมผสานระหว่างรูปแบบที่สูงส่งและอุดมคติเชิงนามธรรมที่เยือกเย็นไม่ใช่เรื่องแปลกสำหรับลัทธิเชิงวิชาการ (จิตรกรชาวเยอรมัน A. R. Mengs จิตรกรภูมิทัศน์ชาวออสเตรีย J. A. Koch ประติมากร - ชาวอิตาลี A. Canova, Dane B. Thorvaldsen)

ในศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ลัทธิคลาสสิกได้ก่อตัวขึ้น ในสถาปัตยกรรมดัตช์- สถาปนิก เจค็อบ ฟาน แคมเปน(จาค็อบ ฟาน แคมเปน, ค.ศ. 1595-165) ซึ่งก่อให้เกิดรูปแบบที่จำกัดไว้เป็นพิเศษ การเชื่อมโยงข้ามกับศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศสและดัตช์ รวมไปถึงยุคบาโรกตอนต้น ส่งผลให้เกิดการออกดอกที่สวยงามในระยะสั้น ความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมสวีเดนปลายศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 - สถาปนิก นิโคเดมัส เทสซินผู้น้อง(นิโคเดมัส เทสซิน อายุน้อยกว่า 1654-1728)

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 หลักการของลัทธิคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงด้วยจิตวิญญาณแห่งสุนทรียศาสตร์แห่งการรู้แจ้ง ในสถาปัตยกรรมการอุทธรณ์ต่อ "ความเป็นธรรมชาติ" หยิบยกข้อกำหนดสำหรับเหตุผลเชิงสร้างสรรค์ขององค์ประกอบลำดับขององค์ประกอบในการตกแต่งภายใน - การพัฒนารูปแบบที่ยืดหยุ่นสำหรับอาคารที่อยู่อาศัยที่สะดวกสบาย การตั้งค่าที่เหมาะสมที่สุดสำหรับบ้านคือภูมิทัศน์ของสวนสาธารณะ "อังกฤษ" การพัฒนาอย่างรวดเร็วของความรู้ทางโบราณคดีเกี่ยวกับสมัยโบราณของกรีกและโรมัน (การขุดค้น Herculaneum, Pompeii ฯลฯ ) มีอิทธิพลอย่างมากต่อลัทธิคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ผลงานของ I. I. Winkelman, I. V. Goethe และ F. Militsiya ได้มีส่วนร่วมในทฤษฎีลัทธิคลาสสิก ในศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีการกำหนดประเภทสถาปัตยกรรมใหม่: คฤหาสน์ที่ใกล้ชิดอย่างประณีต อาคารสาธารณะในพิธีการ จัตุรัสกลางเมืองแบบเปิด

ในประเทศรัสเซียลัทธิคลาสสิกต้องผ่านหลายขั้นตอนในการพัฒนาและถึงระดับที่ไม่เคยมีมาก่อนในรัชสมัยของแคทเธอรีนที่ 2 ซึ่งถือว่าตัวเองเป็น "กษัตริย์ผู้รู้แจ้ง" ติดต่อกับวอลแตร์และสนับสนุนแนวคิดของการตรัสรู้ของฝรั่งเศส

แนวคิดเรื่องความสำคัญ ความยิ่งใหญ่ และความน่าสมเพชอันทรงพลังนั้นใกล้เคียงกับสถาปัตยกรรมคลาสสิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

จากภาษาละติน classicus – เป็นแบบอย่าง รูปแบบหรือการเคลื่อนไหวทางวรรณคดีและศิลปะในช่วงคริสต์ศตวรรษที่ 17 – ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 19 ซึ่งหันมาใช้มรดกโบราณเป็นบรรทัดฐานและแบบอย่างในอุดมคติ ลัทธิคลาสสิกพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 ในประเทศฝรั่งเศส. ในศตวรรษที่ 18 ลัทธิคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับการตรัสรู้ จากแนวคิดเกี่ยวกับเหตุผลนิยมเชิงปรัชญา แนวคิดเกี่ยวกับความสม่ำเสมอที่สมเหตุสมผลของโลก เกี่ยวกับธรรมชาติที่สวยงามและสง่างาม เขามุ่งมั่นที่จะแสดงเนื้อหาทางสังคมที่ยอดเยี่ยม อุดมคติอันกล้าหาญและศีลธรรมอันสูงส่ง และต่อการจัดองค์กรที่เข้มงวดของภาพที่มีเหตุผล ชัดเจน และกลมกลืน ตามแนวคิดทางจริยธรรมอันประเสริฐและโปรแกรมการศึกษาด้านศิลปะ สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิกได้กำหนดลำดับชั้นของประเภท - "สูง" (โศกนาฏกรรม มหากาพย์ บทกวี ประวัติศาสตร์ ตำนาน ภาพวาดทางศาสนา ฯลฯ ) และ "ต่ำ" (ตลก การเสียดสี นิทาน จิตรกรรมประเภทต่างๆ เป็นต้น) ในวรรณคดี (โศกนาฏกรรมโดย P. Corneille, J. Racine, Voltaire, คอเมดี้โดย Molière, บทกวี "The Art of Poetry" และถ้อยคำโดย N. Boileau, นิทานโดย J. Lafontaine, ร้อยแก้วโดย F. La Rochefoucauld, J. La Bruyèreในฝรั่งเศสผลงานในยุคไวมาร์โดย I.V. Goethe และ F. Schiller ในเยอรมนีบทกวีของ M.V. Lomonosov และ G.R. Derzhavin โศกนาฏกรรมของ A.P. Sumarokov และ Ya.B. Knyazhnin ในรัสเซีย) บทบาทนำแสดงโดยความขัดแย้งทางจริยธรรมที่สำคัญและ รูปภาพพิมพ์เชิงบรรทัดฐาน สำหรับศิลปะการแสดงละคร [Mondory, T. Duparc, M. Chanmele, A.L. Lequin, F.J. Talma, Rachel in France, F.K. นอยเบอร์ในเยอรมนี F.G. วอลคอฟ ไอเอ Dmitrevsky ในรัสเซีย] มีลักษณะพิเศษด้วยโครงสร้างการแสดงที่เคร่งขรึมและคงที่และการอ่านบทกวี ในละครเพลง ความกล้าหาญ ความอิ่มเอิบในสไตล์ ความชัดเจนเชิงตรรกะของละคร ความโดดเด่นของการบรรยาย (โอเปร่าของ J.B. Lully ในฝรั่งเศส) หรือความสามารถด้านการร้องในอาเรีย (ละครโอเปร่าของอิตาลี) ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความประณีต (ปฏิรูปโอเปร่าของ K.V. Gluck ใน ออสเตรีย) คลาสสิกในสถาปัตยกรรม (J. Ardouin - mansard, J.A. Gabriel, C.N. Ledoux ในฝรั่งเศส, K. Ren ในอังกฤษ, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.N. Voronikhin, A.D. .Zakharov, K.I.Rossi ในรัสเซีย) โดดเด่นด้วยความชัดเจนและรูปทรงเรขาคณิตของรูปแบบ , ความชัดเจนที่สมเหตุสมผลของเค้าโครง, การผสมผสานระหว่างผนังเรียบกับการสั่งซื้อและการตกแต่งที่จำกัด วิจิตรศิลป์ (จิตรกร N. Poussin, C. Lorrain, J.L. David, J.O.D. Ingres, ประติมากร J.B. Pigalle, E.M. Falconet ในฝรั่งเศส, I.G. Shadov ในเยอรมนี, B Thorvaldsen ในเดนมาร์ก, A. Canova ในอิตาลี, จิตรกร A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, ประติมากร M.P. Matros ในรัสเซีย) มีความโดดเด่นด้วยการพัฒนาเชิงตรรกะของโครงเรื่อง, ความสมดุลขององค์ประกอบที่เข้มงวด, ความชัดเจนของพลาสติกของรูปแบบ, ความกลมกลืนที่ชัดเจนของจังหวะเชิงเส้น .

ศิลปะ.

ในศตวรรษที่ 18 สไตล์ศิลปะใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - ลัทธิคลาสสิก ชื่อ "ลัทธิคลาสสิก" สามารถแปลได้อย่างแท้จริงว่า "อิงจากความคลาสสิก", "เป็นแบบอย่าง" การเกิดขึ้นของมันเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงในชีวิตทางการเมืองและความคิดเชิงปรัชญา

รูปแบบพิเศษของรัฐบาล - ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่เกี่ยวข้องกับพระนามของกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 มีการแสดงออกตามคำทำนายและครบถ้วนในสูตรหนึ่งของราชวงศ์: "รัฐคือฉัน"

ทิศทางปรัชญาใหม่ - เหตุผลนิยม - ประกาศลำดับความสำคัญของจิตใจมนุษย์ กฎแห่งความงามค่อนข้างเข้าใจได้ด้วยเหตุผล ซึ่งหมายความว่าศิลปะจะต้องอยู่บนพื้นฐานของกฎเกณฑ์บางประการ งานของศิลปะคือศูนย์รวมของระเบียบในอุดมคติ

สมัยโบราณถูกเรียกว่าอุดมคติ แต่ลัทธิคลาสสิกซึ่งเรียกร้องให้มีการดำเนินการตามประเพณีของศิลปะคลาสสิกนั้นแท้จริงแล้วยังห่างไกลจากโลกกรีกที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิต สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดสำหรับผู้ที่เรียกว่า: "ก้าวไปข้างหน้าสู่อดีต!" บางทีอาจเป็นปรัชญาของโรมันสโตอิกที่เรียกร้องให้รักษาความแข็งแกร่งที่ไม่สั่นคลอนท่ามกลางความสับสนวุ่นวายทั่วไป

ลัทธิคลาสสิกในยุคแรกนั้นถูกต้องเกินไป เป็นการเก็งกำไรและเป็นนามธรรมเกินไป นักเขียนในยุคนั้น - ส่วนใหญ่เป็นนักเขียนบทละคร Corneille, Racine, Moliere - พัฒนาทฤษฎีของลัทธิคลาสสิกและนำไปปฏิบัติ ความชั่วร้ายและคุณธรรมในละครคลาสสิกมีการกระจายอย่างชัดเจน ไม่มีน้ำเสียงและฮาล์ฟโทนในตัวละคร: ถ้าเป็นฮีโร่ก็เต็มร้อยเปอร์เซ็นต์ ถ้าเป็นตัวโกงก็สองร้อยเปอร์เซ็นต์ ความขัดแย้งหลักของโศกนาฏกรรมของลัทธิคลาสสิกคือความขัดแย้งระหว่างความรู้สึกและหน้าที่และเป็นหน้าที่ที่ชนะ ในทางที่น่าแปลกใจคือ ทฤษฎีและการปฏิบัติของลัทธิคลาสสิกผสมผสานกันในศิลปะการจัดสวนภูมิทัศน์ ดังนั้นสวนสาธารณะที่ประทับของราชวงศ์ในแวร์ซายส์จึงถูกจัดวางตามกฎหมายที่เข้มงวด: สระว่ายน้ำที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่ชัดเจน, ซอยตรง, เส้นแนวนอนที่สะอาด เตียงดอกไม้มีลักษณะคล้ายไม้ปาร์เก้สีที่สมบูรณ์แบบและแม้แต่พุ่มไม้และต้นไม้ก็ไม่ได้รับอนุญาตให้มีเสรีภาพใด ๆ มงกุฎของพวกเขามีรูปร่างเป็นรูปทรงกรวยและทรงกลมโดยใช้กรรไกรและกรรไกรตัดแต่งกิ่ง รูปแบบปกติที่เข้มงวดของปรมาจารย์แห่งสวนและสวนสาธารณะ Le Nôtre เป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิก

นีโอคลาสซิซิสซึ่มเจริญรุ่งเรืองในยุคของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ (พ.ศ. 2332 - 2337) อารมณ์แบบมีรสนิยมและความรักแบบโรโคโคนั้นตรงกันข้ามกับความเรียบง่ายของรูปแบบความน่าสมเพชของการปฏิบัติหน้าที่พลเมืองอุดมการณ์และความถูกต้อง

ในการวาดภาพ ศิลปะคลาสสิกแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดด้วยผลงานของ Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin และ Auguste Dominique Ingres ตัวแทนที่สอดคล้องกันมากที่สุดของนีโอคลาสสิกคือนักร้องแห่งการปฏิวัติ Jacques Louis David

ความฝัน ในฝรั่งเศส นักคิดเรื่องการตรัสรู้ซึ่งเป็นบรรพบุรุษทางจิตวิญญาณของการปฏิวัติได้เลี้ยงดูกระแสนิยมในการวาดภาพอย่างขยันขันแข็งเพื่อปฏิเสธโรโคโค การเปลี่ยนแปลงในมุมมองนี้ ซึ่งในตอนแรกเกี่ยวข้องกับเนื้อหามากกว่าสไตล์ มีสาเหตุมาจากความนิยมอย่างฉับพลันของ Jean-Baptiste Greuze (1735 - 1850) ในช่วงอายุหกสิบเศษของศตวรรษที่ 18 "เจ้าสาวในชนบท" ของเขาก็เหมือนกับภาพวาดอื่นๆ ของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แสดงให้เห็นฉากหนึ่งจากชีวิตชนชั้นล่างของพวกเขา มีความแตกต่างจากจิตรกรรมประเภทก่อนๆ ในเรื่องการแสดงละครขององค์ประกอบที่ยืมมาจาก "ฉากเงียบๆ" ของโฮการ์ธ แต่ในงานของ Greuze ไม่มีการเยาะเย้ยหรือเสียดสี ภาพทางศีลธรรมของเขาทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของการเทศนาทางสังคมของ Jean-Jacques Rousseau: คนยากจนซึ่งแตกต่างจากขุนนางที่ผิดศีลธรรมมีลักษณะเฉพาะโดยคุณธรรม "ตามธรรมชาติ" และความรู้สึกที่แท้จริง ทุกสิ่งในภาพได้รับการออกแบบมาเพื่อเตือนเราถึงสิ่งนี้ เริ่มต้นด้วยท่าทางที่น่าสมเพชและการแสดงออกทางสีหน้าของตัวละครที่ปรากฎ และลงท้ายด้วยรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญที่สุด นั่นคือแม่ไก่ที่มีลูกไก่มากมายที่เราเห็นอยู่เบื้องหน้า ไก่ตัวหนึ่งละทิ้งพี่น้องและเกาะอยู่บนขอบชามน้ำ และเจ้าสาวกำลังจะจากครอบครัวไป “The Country Bride” ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอก และ Denis Diderot อัครสาวกแห่งเหตุผลและธรรมชาติก็ยกย่องผลงานชิ้นนี้ดังที่สุด ในที่สุดเขากล่าวว่าศิลปินปรากฏตัวขึ้นซึ่งปฏิบัติภารกิจทางสังคมดึงดูดความรู้สึกทางศีลธรรมของผู้ชมและไม่เพียง แต่มุ่งมั่นที่จะให้ความสุขเหมือนที่ศิลปินไร้สาระแห่งยุคโรโกโกทำ! ในความยินดีครั้งแรก Diderot ประเมินโครงเรื่องของภาพวาดของ Grese ตามสูตรของ Poussin ว่าเป็น "การกระทำที่สูงส่งและจริงจังของมนุษย์"

เดวิด. ต่อมาเมื่อศิลปินที่มีพรสวรรค์มากกว่านั้น Jean-Louis David (1748 - 1825) "นักนีโอปูซินิสต์" ผู้เคร่งครัดปรากฏตัวในที่เกิดเหตุ Diderot ก็เปลี่ยนมุมมองของเขา เมื่อพิจารณาจากภาพวาด "ความตายของโสกราตีส" ที่วาดในปี พ.ศ. 2330 เดวิดมีความเป็น "ปูสซิน" มากกว่าตัวปูสซินเอง องค์ประกอบแผ่ออกไปราวกับโล่งอกขนานกับระนาบของภาพและร่างนั้นดูใหญ่โตและไม่เคลื่อนไหวเหมือนรูปปั้น เดวิดนำรายละเอียดที่ไม่คาดคิดมาสู่ภาพ - การจัดแสง มีการโฟกัสอย่างคมชัดและสร้างเงาที่ชัดเจน เขายืมเทคนิคที่เหมือนจริงอย่างสมบูรณ์นี้จากคาราวัจโจ ดังนั้นภาพเขียนจึงเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้น ซึ่งค่อนข้างน่าประหลาดใจในศูนย์รวมหลักคำสอนของรูปแบบในอุดมคติใหม่ โดยยึดถือสมัยโบราณเป็นตัวอย่างของการเป็นพลเมืองและความรักในอิสรภาพ เขาจึงกลายเป็นผู้ก่อตั้งสิ่งที่เรียกว่า การปฏิวัติคลาสสิกของปลายศตวรรษที่ 18 แสดงผลงานที่มีการสะท้อนต่อสาธารณะอย่างมากซึ่งมีองค์ประกอบและจังหวะที่เข้มงวด (“The Oath of the Horatii,” 1784) และภาพบุคคล (“The Doctor A. Levoy,” 1783) ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส ผู้จัดงานชีวิตทางศิลปะ ผู้สร้างภาพบุคคล ภาพวาดประวัติศาสตร์ รวมถึง อุทิศให้กับเหตุการณ์ร่วมสมัยในปัจจุบัน (“The Death of Marat”, 1793) ตั้งแต่ปี 1804 “ศิลปินคนแรก” ของนโปเลียนที่ 1 ได้วาดภาพองค์ประกอบพิธีการอันตระการตา (“พิธีราชาภิเษกของโจเซฟิน”, 1805 – 1807) ในปี พ.ศ. 2359 เขาอพยพไปเบลเยียม

วรรณกรรมโลก.

นักคลาสสิกพยายามเลียนแบบตัวอย่างศิลปะโบราณและปฏิบัติตามบรรทัดฐานที่กำหนดโดยนักทฤษฎีศิลปะโบราณ (อริสโตเติลและฮอเรซ) ลัทธิคลาสสิกสร้างความประทับใจด้วยจิตวิญญาณของพลเมือง ขนาด ความเคร่งขรึม และรูปแบบที่กลมกลืนกัน

นักคลาสสิกมองเห็นจุดประสงค์ของศิลปะจากความรู้แห่งความจริง ซึ่งทำหน้าที่เป็นอุดมคติแห่งความงาม นักคลาสสิกได้เสนอวิธีการเพื่อให้บรรลุผลดังกล่าว โดยพิจารณาจากสุนทรียศาสตร์หลักสามประเภท ได้แก่ เหตุผล ตัวอย่าง รสชาติ หมวดหมู่เหล่านี้ทั้งหมดถือเป็นหมวดหมู่วัตถุประสงค์ของศิลปะ จากมุมมองของนักคลาสสิก ผลงานที่ยอดเยี่ยมไม่ได้เกิดจากพรสวรรค์ ไม่ใช่แรงบันดาลใจ แต่เป็นของจินตนาการที่ไม่มีศิลปะ แต่เป็นการวิจัยอย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับคำสั่งของเหตุผล การศึกษาผลงานคลาสสิกในสมัยโบราณ และความรู้เกี่ยวกับกฎแห่งรสนิยม ดังนั้นนักคลาสสิกจึงนำกิจกรรมทางศิลปะเข้ามาใกล้กับกิจกรรมทางวิทยาศาสตร์มากขึ้น นั่นคือเหตุผลที่วิธีการเชิงเหตุผลเชิงปรัชญาของนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส Rene Descartes (1596 - 1650) ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของความรู้ทางศิลปะในลัทธิคลาสสิกจึงกลายเป็นที่ยอมรับสำหรับพวกเขา

หมวดหมู่ที่สำคัญที่สุดอันดับสองของสุนทรียภาพแบบคลาสสิกคือแบบจำลอง นักคลาสสิกเชื่อว่าอุดมคติทางสุนทรีย์นั้นคงอยู่ชั่วนิรันดร์และเหมือนเดิมตลอดเวลา แต่เฉพาะในสมัยโบราณเท่านั้นที่รวมอยู่ในงานศิลปะด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ดังนั้นเพื่อที่จะทำซ้ำอุดมคติอีกครั้ง คุณต้องหันไปหางานศิลปะโบราณและศึกษากฎหมายของมันอย่างรอบคอบ นั่นคือเหตุผลว่าทำไมการเลียนแบบแบบจำลองจึงมีคุณค่าโดยนักคลาสสิกสูงกว่าความคิดสร้างสรรค์ดั้งเดิม เมื่อหันไปหาสมัยโบราณ นักคลาสสิกจึงละทิ้งการเลียนแบบแบบจำลองของคริสเตียน และยังคงต่อสู้ดิ้นรนของนักมานุษยวิทยายุคเรอเนสซองส์เพื่องานศิลปะที่ปราศจากหลักคำสอนทางศาสนา

ลัทธิแห่งเหตุผลจำเป็นต้องมีการปรับโครงสร้างเนื้อหาและรูปแบบของงานใหม่ทั้งหมด หลักการของการจำแนกประเภท และระบบของแนวเพลง นักคลาสสิกได้ประกาศหลักการเลียนแบบธรรมชาติโดยจำกัดสิทธิ์ในจินตนาการของศิลปินอย่างเคร่งครัด ศิลปะเข้าใกล้ชีวิตทางการเมืองมากขึ้นงานที่สำคัญที่สุดคือการศึกษาของพลเมืองที่แท้จริงในประเทศของเขา ดังนั้นปัญหาผลประโยชน์ของชาติจึงเป็นหัวใจสำคัญของงานแนวคลาสสิก

ในศิลปะแห่งความคลาสสิก ความสนใจไม่ได้จ่ายไปที่บุคคลใดบุคคลหนึ่งเป็นการสุ่ม แต่เป็นการเอาใจใส่โดยทั่วไป ดังนั้นตัวละครของฮีโร่ในวรรณคดีจึงไม่มีลักษณะเฉพาะตัวซึ่งทำหน้าที่เป็นลักษณะทั่วไปของคนทุกประเภท หลักการของการพิมพ์แบบคลาสสิกนำไปสู่การแบ่งฮีโร่ที่ชัดเจนออกเป็นเชิงบวกและเชิงลบไปสู่ความจริงจังและตลก ในเวลาเดียวกัน เสียงหัวเราะก็กลายเป็นการเสียดสีมากขึ้นเรื่อยๆ เพราะส่วนใหญ่มุ่งเป้าไปที่ตัวละครเชิงลบ

ประเภทของเหตุผลกลายเป็นศูนย์กลางในการก่อตัวของความขัดแย้งทางศิลปะรูปแบบใหม่ที่เปิดโดยลัทธิคลาสสิก: ความขัดแย้งระหว่างเหตุผล หน้าที่ต่อรัฐ - และความรู้สึก ความต้องการส่วนบุคคล ความสนใจ เมื่อค้นพบสิ่งมีชีวิตสองชนิดในมนุษย์ - สาธารณะและส่วนบุคคล นักเขียนยังมองหาวิธีประสานเหตุผลและความรู้สึกและเชื่อในชัยชนะสูงสุดของความสามัคคี นี่เป็นหนึ่งในแหล่งที่มาหลักของการมองโลกในแง่ดีในวรรณคดีคลาสสิก

นักคลาสสิกให้อิทธิพลอย่างมากต่อทฤษฎีแนวเพลง พวกเขาได้รับคำแนะนำจากหลักการของลำดับชั้นซึ่งมีประเภทหลักและไม่ใช่ประเภทหลัก ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 มีความเห็นเป็นที่ยอมรับว่าประเภทวรรณกรรมที่สำคัญที่สุดคือโศกนาฏกรรม (ในสถาปัตยกรรม - วังในภาพวาด - ภาพเหมือนในพิธีการ ฯลฯ ) ร้อยแก้วถือว่าด้อยกว่าบทกวี โดยเฉพาะนิยาย ดังนั้นประเภทร้อยแก้วเช่นคำเทศนาจดหมายบันทึกความทรงจำซึ่งตามกฎแล้วไม่ได้ออกแบบมาเพื่อการรับรู้เชิงสุนทรีย์จึงแพร่หลายมากขึ้น วรรณกรรมร้อยแก้วโดยเฉพาะนวนิยายพบว่าตัวเองถูกลืมเลือน หลักการของลำดับชั้นแบ่งแนวเพลงออกเป็น "สูง" และ "ต่ำ" และขอบเขตทางศิลปะบางอย่างถูกกำหนดให้กับแนวเพลง ดังนั้นประเภท "สูง" (โศกนาฏกรรมบทกวี ฯลฯ ) จึงถูกกำหนดให้เป็นประเด็นระดับชาติ พวกเขาสามารถพูดถึงกษัตริย์นายพลและขุนนางชั้นสูงเท่านั้น ภาษาของงานเหล่านี้มีบุคลิกที่ร่าเริงและเคร่งขรึม (“ ความสงบสูง” ). ในประเภท "ต่ำ" (ตลก นิทาน เสียดสี ฯลฯ ) เป็นไปได้ที่จะพูดถึงเฉพาะปัญหาส่วนตัวหรือความชั่วร้ายที่เป็นนามธรรม (ความตระหนี่ ความหน้าซื่อใจคด ความไร้สาระ ฯลฯ ) ซึ่งทำหน้าที่เป็นลักษณะส่วนตัวของตัวละครมนุษย์โดยสมบูรณ์ วีรบุรุษในประเภท "ต่ำ" อาจเป็นตัวแทนของชนชั้นล่างของสังคมในขณะที่การแนะนำบุคคลผู้สูงศักดิ์นั้นได้รับอนุญาตเฉพาะในกรณีพิเศษเท่านั้น (ผู้ที่สูงกว่าสามารถชื่นชมความกล้าหาญของ Moliere ซึ่งทำให้ภาพลักษณ์ของ Marquis เป็นการ์ตูนถาวร รูป). ในภาษาของงานดังกล่าวอนุญาตให้ใช้ความหยาบคายคำใบ้คลุมเครือการเล่นคำ (“ ความสงบต่ำ”) การใช้คำว่า "ความสงบสูง" ที่นี่ตามกฎแล้วมีลักษณะเป็นการล้อเลียน ตามหลักการของเหตุผลนิยมนักคลาสสิกได้หยิบยกความต้องการความบริสุทธิ์ของแนวเพลง แนวเพลงผสม เช่น โศกนาฏกรรม กำลังถูกบีบออก สิ่งนี้กระทบต่อความสามารถของประเภทใดประเภทหนึ่งในการสะท้อนความเป็นจริงอย่างครอบคลุม จากนี้ไปมีเพียงระบบประเภททั้งหมดเท่านั้นที่สามารถแสดงความหลากหลายของชีวิตได้

ลัทธิคลาสสิกในฐานะสไตล์คือระบบของการมองเห็นและการแสดงออกซึ่งสื่อถึงความเป็นจริงผ่านปริซึมของตัวอย่างโบราณ ซึ่งถูกมองว่าเป็นอุดมคติของความสามัคคี ความเรียบง่าย ความคลุมเครือ และความสมมาตรที่เป็นระเบียบ ดังนั้น สไตล์นี้จึงทำซ้ำเฉพาะเปลือกนอกของวัฒนธรรมโบราณที่มีการจัดลำดับอย่างมีเหตุผล โดยไม่ถ่ายทอดแก่นแท้ของศาสนา ซับซ้อน และแบ่งแยกไม่ได้ แก่นแท้ของสไตล์คลาสสิกไม่ได้อยู่ในเครื่องแต่งกายโบราณ แต่อยู่ในการแสดงออกของโลกทัศน์ของบุคคลในยุคที่สมบูรณ์ มันโดดเด่นด้วยความชัดเจนความยิ่งใหญ่ความปรารถนาที่จะลบทุกสิ่งที่ไม่จำเป็น (หลักการประหยัดเงิน) สร้างความประทับใจเดียวและครบถ้วน ลัทธิคลาสสิกเป็นขบวนการที่พัฒนาแตกต่างกันในประเทศยุโรป ดังนั้นในฝรั่งเศสสิ่งนี้จึงเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1590 กลายเป็นกระแสหลักในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ขึ้นถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 60 และ 70 จากนั้นก็ประสบกับวิกฤติบางอย่าง ในทางกลับกันในอังกฤษอิทธิพลของมันปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในช่วงปลายศตวรรษเท่านั้น

ผลงานของจอห์น มิลตัน กวีชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 (ค.ศ. 1608 - 1674) ถือได้ว่าเป็นตัวอย่างหนึ่งของลัทธิคลาสสิกแบบอังกฤษ (โดยเฉพาะบทกวีในเวลาต่อมาของเขา) มิลตันเกิดที่ลอนดอน ในครอบครัวทนายความ และก่อตั้งขึ้นในฐานะบุคคลที่อยู่ภายใต้อิทธิพลของกลุ่มพิวริตัน (ในครอบครัวที่โรงเรียนเซนต์ปอล ที่มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์) หลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยในปี 1632 มิลตันตั้งรกรากในเมืองฮอร์ตันซึ่งเขาเริ่มอาชีพวรรณกรรม ที่นี่เขาวาดภาพแบบจุ่ม "L'allegro" (ร่าเริง) และ "Il penseroso" (รอบคอบ) ซึ่งเขาพรรณนาถึงความกลมกลืนของความรู้สึกและเหตุผลโดยให้เหตุผลกับฝ่ามือ ในปี 1638 - 1640 มิลตันเดินทางไปทั่วยุโรป ในอิตาลี เขาได้รับเลือกให้เป็นกวีและนักวิทยาศาสตร์คนสำคัญ แต่ข่าวการประชุมรัฐสภาในอังกฤษและจุดเริ่มต้นของการปฏิวัติทำให้เขาต้องกลับไปยังบ้านเกิดและมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการต่อสู้เพื่อการฟื้นฟูสังคม

ช่วงที่สองในงานของมิลตัน (ค.ศ. 1640 - 1660) เกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วมในการปฏิวัติชนชั้นกลางของอังกฤษและกิจกรรมสื่อสารมวลชนเป็นหลัก

มิลตันเป็นกวีที่ยอดเยี่ยม บทกวีของเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของสุนทรียศาสตร์คลาสสิก ดังนั้นในบทกวี "เชคสเปียร์" มิลตันจึงกล่าวถึง "อนุสาวรีย์" ของฮอเรซซ้ำ: เชคสเปียร์สร้างอนุสาวรีย์ให้ตัวเองสูงขึ้นและแข็งแกร่งกว่าปิรามิด กวีเปรียบเทียบงานของเช็คสเปียร์กับวรรณกรรมสมัยใหม่ซึ่งเขาพูดด้วยความเศร้า: “ อะไรจะเปรียบเทียบกับเพลงฟรีของคุณ? // และทุกวันนี้ ศิลปะเป็นเพียงภาพลวงตา // การเป็นอิสระ”

ช่วงสุดท้ายของงานของมิลตันครอบคลุมระหว่างปี 1660 - 1674 ด้วยความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติและจุดเริ่มต้นของการฟื้นฟูสจ๊วต ช่วงเวลาอันมืดมนสำหรับกวีก็เริ่มต้นขึ้น เขารอดจากการประหารชีวิตและคุกได้อย่างหวุดหวิด ในเดือนสิงหาคม ค.ศ. 1660 ตามพระราชกฤษฎีกาของกษัตริย์ หนังสือวารสารศาสตร์ของมิลตันเรื่อง "The Iconoclast" และ "Defense of the English People" ถูกเผาในที่สาธารณะ ในช่วงเวลานี้ มีการเขียนผลงานที่โด่งดังที่สุดของนักเขียน - บทกวี "Paradise Lost!" (1658 - 1667) และ "Paradise Regained" (1671) โศกนาฏกรรม "Samson the Fighter" (1671)

นีโอคลาสสิกกับแนวโรแมนติก

ประวัติความเป็นมาของขบวนการทั้งสองนี้ครอบคลุมประมาณหนึ่งศตวรรษ ตั้งแต่ประมาณปี 1750 ถึง 1850 ในทางหนึ่ง นีโอคลาสสิกนิยมถือเป็นเพียงแง่มุมหนึ่งของแนวโรแมนติก และในทางกลับกัน กระแสต่อต้านมัน ปัญหาคือคำทั้งสองนี้เข้ากันได้ไม่ดีพอ ๆ กับคำว่า "tetrapods" และ "สัตว์กินเนื้อ" นีโอคลาสซิซิสซึ่มแสดงถึงการฟื้นฟูใหม่ของสมัยโบราณ โดยมีความสอดคล้องมากกว่าการเคลื่อนไหวแบบคลาสสิกก่อนหน้านี้ และอย่างน้อยก็ในตอนแรกมีความเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ในทางตรงกันข้าม ยวนใจไม่ได้หมายถึงรูปแบบใดโดยเฉพาะ แต่หมายถึงวิธีคิดที่สามารถแสดงออกในทางใดทางหนึ่ง รวมถึงในจิตวิญญาณของคลาสสิกด้วย ดังนั้นแนวโรแมนติกจึงเป็นแนวคิดที่กว้างกว่ามากและดังนั้นจึงยากกว่ามากในการให้คำจำกัดความ ความซับซ้อนนั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้นด้วยความจริงที่ว่านักนีโอคลาสสิกและนักโรแมนติกอาศัยอยู่ในเวลาเดียวกันและประกาศตัวเองในช่วงที่รุ่งเรืองของสไตล์โรโคโค ตัวอย่างเช่น Goya และ David เกิดห่างกันเพียงไม่กี่ปีและในอังกฤษตัวแทนชั้นนำของ Rococo, Neoclassicism และ Romanticism - Reynolds, West และ Fuseli - แบ่งปันความคิดของกันและกันเป็นส่วนใหญ่แม้ว่าพวกเขาจะมีความแตกต่างกันอย่างชัดเจนในตำแหน่งและสไตล์ของพวกเขาก็ตาม

ยุคแห่งการตรัสรู้.

หากเราพิจารณาว่ายุคสมัยใหม่เริ่มต้นขึ้นระหว่างการปฏิวัติอเมริกาในปี 1776 และการปฏิวัติฝรั่งเศสในปี 1789 เราต้องจำไว้ว่าความหายนะเหล่านี้นำหน้าด้วยการปฏิวัติในจิตใจที่เริ่มขึ้นเมื่อครึ่งศตวรรษก่อนหน้านี้ ผู้ถือมาตรฐานคือนักคิดเรื่องการตรัสรู้ในอังกฤษ ฝรั่งเศส และเยอรมนี - เดวิด ฮูม, ฟรองซัวส์-มารี วอลแตร์, ฌอง-ฌาคส์ รุสโซ, ไฮน์ริช ไฮเนอ และคนอื่นๆ - พวกเขาต่างประกาศว่าบุคคลในพฤติกรรมของตนควรได้รับการชี้นำด้วยเหตุผลและ ความปรารถนาเพื่อประโยชน์ส่วนรวม ไม่ใช่ตามประเพณีและหน่วยงานที่เป็นที่ยอมรับ ในงานศิลปะเช่นเดียวกับในชีวิตกระแสนิยมที่มีเหตุผลนี้มุ่งตรงไปที่สไตล์ที่โดดเด่นในขณะนั้น - โรโคโคที่ได้รับการขัดเกลาและเป็นชนชั้นสูง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 การเรียกร้องให้กลับคืนสู่สามัญสำนึก สู่ธรรมชาติ และศีลธรรมหมายถึงการที่ศิลปะกลับคืนสู่ยุคโบราณ ท้ายที่สุดแล้ว นักปรัชญาคลาสสิกเป็นผู้วางรากฐานสำหรับลัทธินี้ไม่ใช่หรือ มีเหตุผลเหรอ? มุมมองนี้ถูกกำหนดครั้งแรกโดย Johann Joachim Winckelmann นักประวัติศาสตร์และนักทฤษฎีศิลปะชาวเยอรมันผู้ประกาศจุดยืนที่มีชื่อเสียงเกี่ยวกับ "ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความยิ่งใหญ่อันเงียบสงบ" ของศิลปะกรีก (ในงานของเขา "ความคิดเกี่ยวกับการเลียนแบบผลงานกรีกในจิตรกรรม และวัฒนธรรม” เขียนเมื่อ พ.ศ. 2298) อย่างไรก็ตาม จิตรกรส่วนใหญ่มีความรู้น้อยมากเกี่ยวกับศิลปะสมัยโบราณ สำหรับพวกเขา การหวนคืนสู่ความคลาสสิกหมายถึงการทำตามรูปแบบและทฤษฎี "เชิงวิชาการ" ของปูสซิน รวมกับการใช้รายละเอียดสูงสุดของประติมากรรมโบราณที่ค้นพบระหว่างการขุดค้นทางโบราณคดีในเฮอร์คาโลนัมและ ปอมเปอี.

สถาปัตยกรรม.

การฟื้นตัวของความสนใจใน Palladio

อังกฤษกลายเป็นแหล่งกำเนิดของนีโอคลาสสิกในสถาปัตยกรรม หลักฐานแรกสุดของลัทธินีโอคลาสสิกคือการกลับมาสู่สไตล์พัลลาเดียนในช่วงปีที่ 12 ของศตวรรษที่ 18 โดยได้รับการสนับสนุนจากลอร์ดเบอร์ลิงตัน สถาปนิกสมัครเล่นผู้มั่งคั่ง Chiswick House สร้างขึ้นโดยเขาในสไตล์วิลล่า Rotunda เป็นอาคารที่เรียบง่าย กะทัดรัด และมีรูปทรงเรขาคณิต ซึ่งตรงกันข้ามกับเอิกเกริกสไตล์บาโรก นีโอคลาสซิซิสซึ่มแตกต่างจากสไตล์คลาสสิกก่อนหน้านี้ไม่มากนักในการแสดงออกภายนอกเช่นเดียวกับแรงจูงใจที่นำไปสู่การอุทธรณ์ นักนีโอคลาสสิกไม่พอใจกับการพยายามพิสูจน์ความเหนือกว่าของสถาปัตยกรรมโบราณ พวกเขาพยายามให้แน่ใจว่าอาคารต่างๆ ตรงตามข้อกำหนดตามวัตถุประสงค์ของตน ดังนั้นจึงดู "เป็นธรรมชาติ" มากกว่าอาคารสไตล์บาโรก แนวทางที่มีเหตุผลนี้อธิบายถึงรูปลักษณ์ที่เย็นชาและผสมผสานกันอย่างชัดเจนของ Chiswick House: พื้นผิวเรียบและไม่ถูกรบกวน การตกแต่งที่เบาบาง มุขวิหารที่ยื่นออกมาอย่างรวดเร็วจากตัวอาคารซึ่งมีลักษณะคล้ายโครงสร้างบล็อก

ซัฟโฟล. (ค.ศ. 1713 – 1780) สถาปนิกชาวฝรั่งเศส ตัวแทนของความคลาสสิค โบสถ์ Sainte-Genevieve ในปารีส (พ.ศ. 2298 - 2332 จากวิหารแพนธีออนในปี พ.ศ. 2334) ซึ่งมีโดมอันยิ่งใหญ่ โดดเด่นด้วยความชัดเจนของการแบ่งแยก ความยิ่งใหญ่ที่เข้มงวด และแนวทางที่สร้างสรรค์ที่กล้าหาญ

นีโอคลาสสิกและสมัยโบราณ

เหตุการณ์สำคัญในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 คือการฟื้นฟูความสนใจในศิลปะกรีกในฐานะแหล่งที่มาที่แท้จริงของสไตล์คลาสสิก และการขุดค้นเมืองเฮอร์คาโลนัมและเมืองปอมเปอี ซึ่งเป็นครั้งแรกที่ทำให้สามารถทำความคุ้นเคยกับชีวิตของ สมัยโบราณและได้เห็นภาพศิลปะและงานฝีมือในสมัยนั้นอย่างครบถ้วน ในอังกฤษและฝรั่งเศส หนังสือที่มีภาพประกอบมากมายเริ่มตีพิมพ์ในอะโครโพลิสและเอเธนส์ วิหารที่ปาเอสตุม และพบจากการขุดค้นที่เฮอร์กาโลนัมและเมืองปอมเปอี โบราณคดีได้ครอบงำจิตใจของเรา

อดัม. ทั้งหมดนี้นำไปสู่การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ในการตกแต่งภายในซึ่งเป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดที่เราเห็นในผลงานของชาวอังกฤษ Robert Adam (1728 - 1792) โดยเฉพาะในการตกแต่งห้องนั่งเล่นด้านหน้าใน Home House การตกแต่งสะท้อนถึงการตกแต่งภายในในสไตล์โรโคโค แต่เน้นลักษณะเฉพาะของนีโอคลาสสิกบนพื้นผิวเรียบ และการรักษาความสมมาตรและความแม่นยำทางเรขาคณิต

เจฟเฟอร์สัน. ในเวลาเดียวกัน ลัทธิพัลลาดินซึ่งฟื้นขึ้นมาโดยลอร์ดเบอร์ลิงตัน แพร่กระจายไปไกลกว่าโลกเก่าไปยังอาณานิคมของอเมริกา ซึ่งได้รับชื่อสไตล์จอร์เจียน ตัวอย่างที่สำคัญที่สุดของสไตล์นี้คือคฤหาสน์ Monticello ของ Thomas Jefferson ก่ออิฐฉาบด้วยไม้ไม่ดูเคร่งครัดเหมือนบ้านชีวิก แทนที่จะใช้คำสั่งแบบโครินเธียน เจฟเฟอร์สัน (1743 - 1826) เลือกคำสั่งแบบโรมันดอริก แม้ว่าในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 จะใช้คำสั่งแบบกรีกแบบดอริกที่เข้มงวดกว่าก็ตาม เป็นครั้งแรกที่อังกฤษแสดงความเคารพต่อขั้นต่อไปของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม - การฟื้นฟูสถาปัตยกรรมกรีกโบราณ แต่มีขนาดเล็ก ภายหลังจากอังกฤษ สไตล์นี้จึงถูกนำมาใช้อย่างรวดเร็วในที่อื่นๆ เนื่องจากถือว่าสะท้อนถึง "ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความยิ่งใหญ่อันเงียบสงบ" ของศิลปะกรีกคลาสสิกมากกว่าศิลปะกรีกแบบหลังๆ ที่มีลักษณะเป็น "ผู้ชาย" น้อยกว่า ระเบียบแบบดอริกของกรีกไม่ยืดหยุ่นเท่าที่ควร ทำให้เป็นเรื่องยากที่จะปรับให้เข้ากับวัตถุประสงค์สมัยใหม่ แม้ว่าจะรวมกับองค์ประกอบของโรมันหรือเรอเนซองส์ก็ตาม แทบจะไม่เคยถูกใช้เป็นแบบจำลองโดยตรงสำหรับโครงสร้างสถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิก

ดนตรียุโรป.

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 ในที่สุดการครอบงำดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปก็ถูกกำหนดในประเทศต่างๆ ของยุโรปตะวันตก ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงได้พัฒนาภายใต้อิทธิพลของแนวคิดแบบคลาสสิกแห่งการตรัสรู้

คีตกวีชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 18 เน้นไปที่โอเปร่า นักร้องได้รับการฝึกฝนส่วนใหญ่ในเรือนกระจกซึ่งเปิดในโรงพยาบาล นักดนตรีชาวอิตาลีชื่อดังสอนอยู่ที่นั่น ครูสอนร้องเพลงที่โดดเด่นคือ Nicola Porpora (1686 - 1768) หนึ่งในนักประพันธ์เพลงโอเปร่าที่มีผลงานมากที่สุดคนหนึ่งของโรงเรียน Neopalin

แม้ในช่วงชีวิตของหัวหน้าโรงเรียนนี้ A. Scarlatti ผู้สร้างซีรีส์โอเปร่าความขัดแย้งทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันก็ถูกเปิดเผยซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการวิจารณ์อย่างรุนแรงต่อมัน ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มที่จะมีการกำหนดไว้ล่วงหน้าของซีรีส์โอเปร่าที่ซ้ำซากจำเจ ไปสู่ความเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้นระหว่างดนตรีและละคร สิ่งนี้แสดงออกอย่างชัดเจนในผลงานของ M. Yomelli และ T. Traetta นักแต่งเพลงของ New Neapolitan School G. Sarti, P. Guglielmi และคนอื่น ๆ ผู้ที่เชื่อมั่นในคนใหม่คือ A. Sacchini และ A. Salieri

การต่อต้านที่รุนแรงที่สุดต่อโอเปร่าซีรีย์ที่กล้าหาญตามอัตภาพคือโอเปร่าบัฟฟา (โอเปร่าการ์ตูน) ประเภทประชาธิปไตยใหม่ ตัวอย่างคลาสสิกตัวแรกถือเป็นโอเปร่าของนักแต่งเพลง Giovanni Batista Pergolesi (1710 - 1736) "The Maid and Mistress" (1733)

ในช่วงทศวรรษที่ 1760 ในโอเปร่าบัฟฟาแนวโน้มของโคลงสั้น ๆ - อารมณ์อ่อนไหวเริ่มปรากฏขึ้นซึ่งสะท้อนให้เห็นในผลงานของ Niccolo Piccinni (1728 - 1800) ในปี 1776 ที่ปารีส N. Piccinni ถูกดึงเข้าสู่การต่อสู้ระหว่าง "Gluckists" และ "Piccinists" ฝ่ายตรงข้ามของการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck พยายามเปรียบเทียบดนตรีโอเปร่าของ Piccinni กับงานศิลปะของเขา นักแต่งเพลงทำงานในเนื้อเรื่องของโอเปร่า "Iphigenia in Tauris" ที่แข่งขันกัน ส่งผลให้กลัคชนะ

ขั้นตอนสุดท้ายในการพัฒนาโอเปร่าบัฟฟา ได้แก่ ผลงานของ Giovanni Paisiello (1740 - 1816) และ Domenico Cimorosa (1749 - 1801) นักแต่งเพลงทั้งสองทำงานที่ศาลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในเวลาที่ต่างกัน

นักแต่งเพลงชาวอิตาลีมีส่วนสำคัญในดนตรีบรรเลง ศิลปะไวโอลินเป็นหนี้บุญคุณของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในสาขานี้ Giuseppe Tartini (1692 – 1770) นักไวโอลิน นักแต่งเพลง และนักทฤษฎีดนตรีชาวอิตาลี หัวหน้าโรงเรียนไวโอลินปาดัว เขาพัฒนาประเภทของคอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา (รวม 125) ไวโอลินโซนาต้า (รวม 175) รวมถึง “ The Devil's Trill” โซนาต้าทั้งสาม; บทความเกี่ยวกับดนตรี ก่อตั้งสถาบันดนตรีในเมืองปาดัว (ค.ศ. 1727)

Luige Boccherini (1743 – 1805) นักแต่งเพลงและนักเล่นเชลโลชาวอิตาลี โดดเด่นด้วยดนตรีเชลโล เขามีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงและซิมโฟนีคลาสสิกแชมเบอร์ ตั้งแต่ช่วงปลายยุค 60 อาศัยอยู่ในกรุงมาดริด คอนแชร์โตสำหรับเชลโลและวงออเคสตรา แคลิฟอร์เนีย ซิมโฟนี 30 เพลง โซนาต้าบรรเลง วงดนตรี ฯลฯ การเรียบเรียงของเขาผสมผสานองค์ประกอบสไตล์กล้าหาญ (โรโกโก) เข้ากับสุนทรียภาพก่อนโรแมนติก

ผู้ริเริ่มดนตรีคีย์บอร์ดอย่างแท้จริงคือ Domenico Scarlatti (1685 - 1775) นักแต่งเพลงและผู้เล่นระดับชาวอิตาลี บุตรชายของเอ. สการ์ลัตติ ทำงานในลิสบอนและมาดริด เขาสร้างสไตล์การเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจ ในโซนาตาของเขาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (เซนต์ 550 เรียกว่า "แบบฝึกหัด") โซนาตาอัลเลโกรได้ถูกสร้างขึ้น โอเปร่า แคนทาทาส ฯลฯ โซนาตาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดของเขาได้กลายเป็นสารานุกรมประเภทหนึ่งเกี่ยวกับศิลปะคลาเวียร์

อันโตนิโอ วิวัลดี นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด (1678 - 1741) นักไวโอลินฝีมือดี มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวเพลงบรรเลง ผู้สร้างประเภทของคอนเสิร์ตบรรเลงเดี่ยว (228 รายการสำหรับไวโอลิน) และ (พร้อมด้วย A. Corelli) คอนแชร์โตกรอสโซ (รวม 49 รายการ) วัฏจักรของเขา "The Seasons" (1725) เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกสุดของการเขียนโปรแกรมด้านดนตรี โอเปร่า, oratorios, cantatas กว่า 40 รายการ; คอนเสิร์ตบรรเลงเพลงต่างๆ (465) ฯลฯ ในเซียนา - สถาบันอิตาลีตั้งชื่อตาม A. วิวัลดี งานของเขามีลักษณะเฉพาะของยุคบาโรกตอนปลาย

ในดนตรีฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 18 ให้ความสำคัญกับแนวดนตรีและละคร ในช่วงปี ค.ศ. 1730 – 1760 ตำแหน่งผู้นำในโรงละครโอเปร่าในราชสำนัก - Royal Academy of Music - ถูกยึดครองโดย Jean Philippe Rameau นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสรายใหญ่ที่สุด (1683 - 1764) นักทฤษฎีดนตรี ด้วยการใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาได้ปรับเปลี่ยนสไตล์ของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ และเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ "Hippolytus and Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India" (1735), บทละครฮาร์ปซิคอร์ด ฯลฯ ผลงานทางทฤษฎีของเขาเป็นเวทีสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนของ ความสามัคคี.

จนถึงปลายทศวรรษที่ 1740 การต่อสู้ระหว่าง "Ramists" และ "Lyulists" ไม่ได้บรรเทาลงเกี่ยวกับงานละครเวทีของเขา อย่างหลังถือว่าดนตรีของ Rameau เรียนรู้มากเกินไปและเป็น "โปรอิตาลี" อันที่จริงผู้แต่งแสดงความสนใจอย่างสร้างสรรค์ในภาษาอิตาลีโดยให้ความเคารพต่อประเพณีของ J.B. Lully เป็นอย่างมาก ด้วยการสร้างตัวอย่างที่ชัดเจนของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ และโอเปร่าบัลเล่ต์ Rameau ได้ปรับปรุงรูปแบบดนตรีและการแสดงออกของประเภทโอเปร่าและเพิ่มสไตล์การร้องและการตำหนิของโอเปร่าฝรั่งเศสด้วยรูปแบบเพลงของอิตาลี

ภายในกลางศตวรรษที่ 18 โอเปร่าในตำนานที่กล้าหาญ Lyuli, Rameau และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ หยุดสนองความต้องการด้านสุนทรียภาพของผู้ชม รสนิยมของเธอได้รับความพึงพอใจมากขึ้นจากการแสดงที่เสียดสีอย่างรุนแรง (ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 17) ในโรงละครที่ยุติธรรม โอเปร่าฝรั่งเศสแนวใหม่ค่อยๆ เติบโต - การ์ตูนโอเปร่า การเสริมความแข็งแกร่งให้กับตำแหน่งของเขาได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการมาถึงของคณะโอเปร่าอิตาลีไปยังปารีสในปี ค.ศ. 1752 ซึ่งมีผู้ชื่นชอบโอเปร่าหลายคน (รวมถึง "The Maid and Madam" ของ Pergolesi) ในบรรดานักเขียนโอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศสกลุ่มแรกๆ ได้แก่ Egilio Duni (1709 – 1795) และ François André Philidor (1726 – 1795) Philidor (ชื่อจริง Danican Philidor) นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้สร้างประเภทโอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศส (พล็อตจากชีวิตของคนธรรมดา): "Sadonik และปรมาจารย์ของเขา" (1761), "The Blacksmith" (1761) เขาเป็นนักเล่นหมากรุกที่แข็งแกร่งที่สุดในยุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 งาน "วิเคราะห์เกมหมากรุก"

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 การ์ตูนโอเปร่าเริ่มเข้าใกล้ "การแสดงตลกจริงจัง" มากขึ้น ตัวแทนทั่วไปของเทรนด์นี้คือ Pierre Alexandre Monsigny (1729 - 1813) นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้สร้างโอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศส เขานำมันเข้าใกล้ดราม่าซาบซึ้ง (“The Deserter”, 1769 ฯลฯ)

ขอบเขตเชิงอุปมาอุปไมยและศิลปะของโอเปร่าได้รับการขยายอย่างมีนัยสำคัญโดยนักแสดงตลก Andre Grétry (1741 - 1787) นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เบลเยียมโดยกำเนิด ปรมาจารย์แห่งประเภทโอเปร่า (ตั้งแต่ตลกขำขันไปจนถึงโอเปร่าโรแมนติก) โอเปร่า "Lucille" (1769), "Richard the Lionheart" (1784) ฯลฯ เขาทิ้งร่องรอยอันลึกซึ้งไว้ในสาขาความคิดทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์

แนวคิดของการตรัสรู้ของฝรั่งเศสเกี่ยวกับการฟื้นฟูความสามัคคีของศิลปะที่มีอยู่ในโรงละครโบราณเป็นพื้นฐานสำหรับการปฏิรูปโอเปร่าของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ Christophor Willibald Gluck (1714 - 1787) ผลงานของ Gluck (ภาษาเยอรมันโดยกำเนิด) เป็น "การปฏิวัติแบบหัวรุนแรง" ที่รอคอยมานานในโอเปร่า สร้างโดยเขาในทศวรรษที่ 1760 ในกรุงเวียนนามีการแสดงโอเปร่า "Orpheus and Eurydice", "Alceste" และอื่น ๆ และในปี 1770 ในสถานการณ์ก่อนการปฏิวัติในปารีส “ Armida”, “ Iphigenia in Tauris” และอื่น ๆ ก่อให้เกิดโอเปร่าสไตล์ใหม่ - ละครเพลงคลาสสิก ความสำเร็จหลักของผู้แต่งคือการอยู่ใต้บังคับบัญชาของการแสดงออกของการแสดงทั้งหมดให้เป็นแนวคิดที่น่าทึ่งเพียงอย่างเดียว

ภายใต้อิทธิพลของแนวความคิดของการปฏิวัติฝรั่งเศส นาฏศิลป์แห่งชาติมีลักษณะเป็นประชาธิปไตยแบบพลเมือง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของเพลงปฏิวัติคือ "Marseillaise" ของ Claude Joseph Rouget de Lille (1760 - 1836) เขียนโดยเขาในปี 1792 เขาเป็นวิศวกรทหาร กวี และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เขาเขียนเพลงสวด เพลง โรแมนติก

การปรากฏตัวของธีมที่กล้าหาญในดนตรีทำให้ศิลปะแห่งการปฏิวัติคลาสสิกมีชีวิตชีวา นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ได้แก่ F.J. Gossec, E. Megul, J.F. Lesueur, L. Cherubini François Joseph Gossec (1734 - 1829) กลายเป็นผู้ก่อตั้งซิมโฟนีฝรั่งเศส Luigi Cherubini (1760 - 1842) นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่อาศัยอยู่ในฝรั่งเศส เป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลง "rescue opera"

ศิลปะดนตรีของเยอรมนีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 โดดเด่นด้วยผลงานของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) ในดนตรีของเขา การเคลื่อนไหวทางดนตรีก่อนหน้าเกือบทั้งหมดในช่วงหนึ่งศตวรรษครึ่งได้รับการสรุปและเสร็จสิ้น ความคิดสร้างสรรค์ที่สั่งสมมายาวนานกว่า 50 ปี มีเพียง 5 ปีเท่านั้นที่ Bach สนใจดนตรีฆราวาส เขาทำงานที่โบสถ์มาเกือบตลอดชีวิต นักแต่งเพลงผู้แสดงความเคารพต่อศิลปะดนตรีเกือบทุกแขนงได้ข้ามแนวเพลงชั้นนำในยุคของเขานั่นคือโอเปร่า บาคซึ่งห่างไกลจากทุกสิ่งที่ผิวเผินและความบันเทิง ยังเป็นคนต่างด้าวกับโอเปร่าในศาล ภารกิจอันสร้างสรรค์ของเขาซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีของนิกายลูเธอรัน สอดคล้องกับบรรยากาศของอาสนวิหาร อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จทางศิลปะที่สำคัญที่สุดของละครเพลงแทรกซึมเข้าไปในผลงานของเขาอย่างลึกซึ้ง ซึ่งทำให้ดนตรีอันรุนแรงของนิกายลูเธอรันอ่อนลง

มรดกอันยิ่งใหญ่ของบาคประกอบด้วยผลงานประเภทต่างๆ มากกว่า 1,000 ชิ้น ครอบคลุมสามด้าน ได้แก่ ออร์แกน เสียงร้อง-ละคร และเครื่องดนตรี ในงานออร์แกนของนักแต่งเพลง รูปแบบของวงจรโพลีโฟนิกขนาดเล็กได้ถูกสร้างขึ้น ซึ่งประดิษฐานอยู่ในบทโหมโรงและความทรงจำ 48 บทของ "คลาเวียร์อารมณ์ดี" ในบรรดาผลงานบรรเลงของ Bach มีคอนเสิร์ตคอนแชร์โตสำหรับวงออเคสตรา (คอนเสิร์ตกรอสโซ) หกเพลงของบรันเดนบูร์กที่โดดเด่น ซึ่งเขาได้สืบสานประเพณีของวิวาลดี

ผลงานการร้องและละครของ Bach ได้แก่ แคนทาตาทางจิตวิญญาณประมาณ 300 ชิ้น oratorios ("John Passion", "Matthew Passion" และอื่น ๆ ) แคนทาตาทางโลกแตกต่างจากงานทางจิตวิญญาณเพียงเล็กน้อย สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือ Coffee Cantata และ Peasant Cantata ซึ่งคาดว่าจะมีการแสดงโอเปร่าการ์ตูนของเยอรมัน

ชะตากรรมของ George Frideric Handel (1685 - 1759) ซึ่งได้รับการยอมรับจากชาวยุโรปในช่วงชีวิตของเขาแตกต่างออกไป ความปรารถนาของเขาที่จะได้รับการอนุมัติจากสาธารณะต่องานศิลปะของเขา ผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตยในวงกว้าง และการแสดงละครที่มีชีวิตชีวาของแนวเพลงฆราวาสไม่พบสิ่งที่เหมาะสมในเยอรมนี ตั้งแต่ปี 1717 เขาอาศัยอยู่อย่างถาวรในอังกฤษ กิจกรรมของเขามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีอังกฤษ ฮันเดลปรับให้เข้ากับรสนิยมและความต้องการทางศิลปะของสาธารณชนชาวอังกฤษได้อย่างง่ายดาย โดยสร้างโอเปร่าในสไตล์อิตาลีมากกว่า 40 รายการ เขากลายเป็นปรมาจารย์ด้าน oratorios ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งประเพณีของชาติเยอรมันผสมผสานอย่างเชี่ยวชาญเข้ากับลักษณะที่มีอยู่ในแนวเสียงร้องและเครื่องดนตรีภาษาอังกฤษ

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในศิลปะดนตรีของออสเตรีย ตัวแทนของโรงเรียน Old Viennese ที่เรียกว่ามีส่วนในการพัฒนาแนวดนตรีบรรเลง (โซนาต้า, คอนแชร์โต) และพยายามแนะนำองค์ประกอบที่น่าทึ่งในโอเปร่า

ในปี 1748 การผลิตโอเปร่าที่ Burgtheater นำโดย K. V. Gluck; ภายใต้เขาโรงละครได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของชีวิตทางดนตรีของยุโรป ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1754 บัลเล่ต์ได้พัฒนาเป็นแนวเพลงอิสระ ดอน จิโอวานนี บัลเลต์ของ Gluck คาดเดาถึงความพยายามของนักปฏิรูปในโอเปร่าเป็นส่วนใหญ่ ในยุค 60 การต่อสู้เกิดขึ้นระหว่างคู่ต่อสู้และผู้ปกป้องละครตลกพื้นบ้านเวียนนาซึ่งมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ความต้องการโอเปร่าระดับชาติมีชัย และ Singspiegel ชาวออสเตรียก็สถาปนาตัวเองบนเวที Burgtheater ตามพระราชกฤษฎีกาของจักรพรรดิ คณะโอเปร่าในประเทศได้ถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2321 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาก่อตั้งขึ้นในประเทศออสเตรีย หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือโจเซฟ ไฮเดิน (1732 – 1809) เขาได้กำหนดคุณลักษณะเฉพาะของโรงเรียนร่วมกับ Gluck และ Mozart Haydn เป็นผู้ก่อตั้งวงซิมโฟนีคลาสสิกของเวียนนาและเป็นหม้อแปลงไฟฟ้าในสาขาดนตรีบรรเลง ผู้เขียนซิมโฟนี 104 ซิมโฟนี เขาอนุมัติวงจรซิมโฟนีสี่ตอนและได้องค์ประกอบถาวรที่เรียกว่าคลาสสิกของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ผลงานของนักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791) เป็นหนึ่งในเวทีที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาโอเปร่า ซิมโฟนี คอนเสิร์ต และแชมเบอร์มิวสิคระดับโลก ศิลปะของโมสาร์ทซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีความชัดเจนและสดใสที่กลมกลืนกันนั้นคล้ายกับลัทธิคลาสสิกแห่งการตรัสรู้พร้อมกับลัทธิแห่งเหตุผลและในขณะเดียวกันก็มีอารมณ์อ่อนไหว

มรดกอันยิ่งใหญ่ของผู้แต่ง เขาเขียนซิมโฟนีประมาณ 50 บทโดยสามเพลงสุดท้ายครอบครองสถานที่พิเศษ เป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดและนักไวโอลินที่โดดเด่น เขากลายเป็นผู้ก่อตั้งโซนาตาและคอนแชร์โตรูปแบบใหม่ โมสาร์ทก้าวไปอีกขั้นในการแก้ไขหลักการและประเพณีของละครเพลง เขาเปลี่ยนโฉมโอเปร่าการ์ตูนและอารมณ์อ่อนไหวในชีวิตประจำวัน และสร้างโอเปร่าที่สมจริงรูปแบบใหม่ ในการสังเคราะห์ดนตรีและละคร โมสาร์ททิ้งความเป็นอันดับหนึ่งให้กับดนตรี โดยพัฒนาระบบการอยู่ใต้บังคับบัญชาของผู้แต่งบทเพลงต่อผู้แต่งอย่างสมบูรณ์ คำพูดของเขาเป็นที่รู้จัก: "บทกวีเป็นลูกสาวที่เชื่อฟังของดนตรี"

จากโอเปร่าบัฟฟาของอิตาลี (และโอเปร่าซีรีส์บางส่วน) โมสาร์ทเขียนโอเปร่าคอมเมดี้เรื่อง "The Marriage of Figaro" (1786) และละครโอเปร่าเรื่อง "Don Giovanni" (1787) ซึ่งเป็นผลงานละครเวทีที่ดีที่สุดของเขา ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของโมสาร์ทในฐานะนักเขียนบทละครคือการสร้างสรรค์ผลงานเพลงคลาสสิกระดับชาติเรื่อง Singspiel - “The Abduction from the Seraglio” (1782) และ “The Magic Flute” (1791)

งาน "บังสุกุล" เริ่มต้นขึ้นครึ่งปีก่อนที่ผู้แต่งจะเสียชีวิต พิธีมิสซางานศพสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง วงดนตรีเดี่ยวทั้งสี่คน และวงออเคสตราขนาดใหญ่นี้ เป็นหนึ่งในผลงานที่สร้างสรรค์อย่างล้ำลึกที่สุดของโมสาร์ทในด้านความคิดและการแสดงออก “บังสุกุล” ซึ่งสั่งโดยไม่เปิดเผยตัวตนโดยเคานต์ เอฟ. วอลเซกก์-สตุปพัค ยังคงสร้างไม่เสร็จ (ตัวเลขที่หายไปเขียนโดยนักเรียนของโมสาร์ท F. X. Süssmayr)

เพลงรัสเซีย

ศตวรรษที่ 18 เปิดศักราชใหม่ในการพัฒนาดนตรีรัสเซีย หลังจากหลายปีของการแยกศิลปะดนตรีมืออาชีพและการอยู่ใต้บังคับบัญชาของคริสตจักรมาหลายปี การพัฒนาอย่างรวดเร็วของแนวเพลงฆราวาสก็เริ่มขึ้น การผสมผสานอย่างรวดเร็วของความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรียุโรปตะวันตกนำไปสู่การสร้างประเพณีประจำชาติของตนเอง ในช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษ โรงเรียนนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียได้ถือกำเนิดขึ้น

การพัฒนาดนตรีรัสเซียจนถึงปลายคริสต์ทศวรรษ 1720 มีความเกี่ยวข้องกับการปฏิรูปของพระเจ้าปีเตอร์ที่ 1 ซึ่งปูทางไปสู่การเผยแพร่การทำดนตรีในรูปแบบของยุโรป วงดนตรีทหารเล่นในงานเฉลิมฉลองในที่สาธารณะ งานบอลศาล และการชุมนุม

จนถึงกลางศตวรรษที่ 18 คอนเสิร์ตร้องเพลงประสานเสียงยังคงพัฒนาต่อไป ในบรรดาปรมาจารย์ของประเภทนี้ Nikolai Kalashnikov, Nikolai Bavykin และ Fyodor Rednikov มีชื่อเสียง

ในศตวรรษที่ 18 panegyric โต๊ะ และลาดกะลาสีได้ถูกสร้างขึ้น เนื้อหาความรักเกิดแล้ว พวกเขามักจะใช้ท่วงทำนองของการเต้นรำที่กล้าหาญของยุโรปส่วนใหญ่มักจะเป็นเพลงไมนูเอต

ภายใต้จักรพรรดินีแอนนา Ioannovna ในปี 1734 คณะโอเปร่าอิตาลีชุดแรกมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ละครของเธอส่วนใหญ่ประกอบด้วยการแสดงสลับฉากและการแสดงตลกในสไตล์เดลลาร์เต อย่างไรก็ตาม ละครโอเปร่าของอิตาลีมีความสอดคล้องกับความยิ่งใหญ่ของพิธีกรรมในพระราชวังมากกว่า คณะละครอิตาลีภายใต้การดูแลของ Francesco Araya มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาละครโอเปร่าในรัสเซีย

สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการผลิตโอเปร่า Cephalus และ Procris ของ Araya (1755) ซึ่งเป็นบทที่เขียนโดย A.P. ซูมาโรคอฟ นี่เป็นการแสดงโอเปร่าครั้งแรกในภาษารัสเซียและนักร้องหนุ่มชาวรัสเซียก็แสดงบทบาทหลัก

ในช่วงปลายทศวรรษ 1750 โอเปร่าซีเรียถูกแทนที่ด้วยแนวเพลงที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้น - โอเปร่าบัฟฟา ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1757 คณะโอเปร่าของอิตาลีได้แสดงในรัสเซีย มีส่วนสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียโดย B. Galuppi, T. Traetta, G. Paisiello และ D. Cimarosa

Galuppi Baldassare (1706 – 1785) นักแต่งเพลงชาวอิตาลี เขากำกับโบสถ์ของมหาวิหารซานมาร์โกในเมืองเวนิส ในปี พ.ศ. 2308-2311 เขาทำงานในรัสเซีย ตัวแทนของโรงเรียน Venetian ปรมาจารย์ด้านโอเปร่า (The Village Philosopher, 1754 และคนอื่นๆ)

Traetta Tommaso (1727 – 1779) นักแต่งเพลงชาวอิตาลี ในปี ค.ศ. 1768 - 1776 หัวหน้าวงดนตรีศาลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาได้เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck ด้วยการเปลี่ยนแปลงและปรับปรุงประเพณีของละครโอเปร่า โอเปร่า (รวมมากกว่า 50): "Iphigenia in Tauris" (1763), "Antigone" (1772), "Lucius Verus" (1774) และอื่น ๆ ; oratorio, "ความหลงใหล", มิสซาและงานคริสตจักรอื่น ๆ

Cimarosa Domenico (1749 - 1801) นักแต่งเพลงชาวอิตาลี นักฮาร์ปซิคอร์ด นักไวโอลิน และนักร้อง ในปี พ.ศ. 2330-2334 เขาทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปรมาจารย์แห่งโอเปร่าบัฟฟา (มากกว่า 70 รวมถึงสิ่งที่ดีที่สุด - "The Secret Marriage", 1792) ละครโอเปร่าเรื่อง "Horaces and Curations" (1796) และอื่น ๆ

บทบาทที่สำคัญไม่แพ้กันในการพัฒนาดนตรีรัสเซียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งประเภทโอเปร่าที่เล่นโดยการ์ตูนโอเปร่าฝรั่งเศส คณะโอเปร่าฝรั่งเศสซึ่งได้รับเชิญจาก Catherine II นำเสนอการ์ตูนโอเปร่าสองเวอร์ชัน: การเสียดสีในชีวิตประจำวัน (F. Philidor) และโอเปร่าที่ซาบซึ้ง (A. E. M. Grétry และ P. A. Monsigny)

โอเปร่าฝรั่งเศสประสบความสำเร็จในการแสดงในโรงละครเสิร์ฟของมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โรงละครป้อมปราการของ N.P. Sheremetyev เป็นหนึ่งในศูนย์กลางดนตรีฝรั่งเศสที่ยอดเยี่ยมที่สุด

โรงเรียนการประพันธ์เพลงของรัสเซียก่อตั้งขึ้นในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงชาวรัสเซียพยายามที่จะผสมผสานหลักการและรูปแบบของดนตรีคลาสสิกของยุโรปตอนต้นเข้ากับโครงสร้างอันไพเราะของเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย คอลเลกชันแรกของเพลงรัสเซียปรากฏขึ้น - โดย V. F. Trutovsky, N. A. Lvov และ I. Pracha ย้อนกลับไปในปี 1740 - 1760 "คอลเลกชันของ Kirsha Danilov" ปรากฏขึ้นซึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงมหากาพย์ แนวโอเปร่าครอบครองสถานที่สำคัญที่สุดในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ในตอนแรก อุปรากรรัสเซียยังคงสืบทอดประเพณีของละครเพลงฝรั่งเศสต่อไป ตัวอย่างแรกของโรงละครโอเปร่าคือ "The Miller-Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker" (1779) โดย Mikhail Matveevich Sokolovsky ดนตรีของโอเปร่ายืมมาจากคอลเลกชันของ Trutovsky เป็นหลัก ในปีเดียวกันนั้นผลงานของนักแต่งเพลงโอเปร่าที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 18 Vasily Alekseevich Pashkevich (1742 - 1797) "Misfortune from the Carriage" ปรากฏขึ้น Pashkevich ได้รับชื่อเสียงในฐานะปรมาจารย์ด้านการเขียนบท (“ตระหนี่”, “เมื่อคุณมีชีวิตอยู่คุณก็จะเป็นที่รู้จัก”) โอเปร่าที่เขียนโดย Pashkevich ตามคำร้องขอของ Catherine II ในบทของเธอไม่ประสบความสำเร็จ

Evstigney Ipatovich Fomin (1761 - 1800) ในผลงานของเขาก้าวขึ้นสู่ระดับนักดนตรีชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด (“ Coachmen on a Stand”, “ Orpheus”) องค์ประกอบที่ละเอียดอ่อนและตลกขบขันที่มีอยู่ในโอเปร่าของ Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825) - "Falcon" และ "Rival Son" เขาทำงานในหลากหลายประเภท

เพลงแชมเบอร์รูปแบบใหม่พร้อมดนตรีประกอบ - "เพลงรัสเซีย" - ปรากฏในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ปรมาจารย์ของประเภทร้องในห้อง - Fyodor Mikhailovich Dubyansky (1796 - 1860) และ Osip Antonovich Kozlovsky (1757 - 1831)

นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 18 ซึ่งแต่งดนตรีบรรเลงเป็นหลักคือ Ivan Evstrapovich Khandoshkin (1747 - 1804) เขาเป็นผู้ประพันธ์ไวโอลินเดี่ยวหรือไวโอลินหลายรูปแบบในธีมเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและโซนาตาไวโอลินเดี่ยว รูปแบบต่างๆ สำหรับเปียโนเขียนโดย Trutovsky และ Karaulov รูปแบบโซนาตาของประเภทคลาสสิกยุคแรกได้รับการพัฒนาโดย Bortnyansky องค์ประกอบของซิมโฟนิซึมของรัสเซียเติบโตเต็มที่ในการทาบทามโอเปร่า ส่วนหนึ่งเป็นดนตรีบัลเล่ต์

ปรมาจารย์ด้านดนตรีประสานเสียงชื่อดัง Maxim Sozotovich Berezovsky (1745 - 1777) ได้เปลี่ยนจากยุคบาโรกไปสู่ลัทธิคลาสสิกในสาขาความสามัคคีและรูปแบบดนตรี Berezovsky และ Bortnyansky กำหนดเวทีใหม่ในการพัฒนาดนตรีประสานเสียงของคริสตจักรในรัสเซีย ผลงานของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้โดดเด่นด้วยความลึกของการแสดงออกของความรู้สึกของมนุษย์ ความชัดเจนแบบคลาสสิก และความกลมกลืนของรูปแบบ พวกเขาสร้างคอนเสิร์ตร้องเพลงประเภทหนึ่งที่ใช้ความสำเร็จของโอเปร่า ศิลปะโพลีโฟนิกแห่งศตวรรษที่ 18 และดนตรีบรรเลงแนวคลาสสิก

จากประวัติศาสตร์

***ในศตวรรษที่ 18 อาชีพนักดนตรีเทียบได้กับงานฝีมือเลยทีเดียว ตรงกันข้ามกับความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรม ผลงานของนักดนตรีและจิตรกรเป็นเรื่องน่าละอายสำหรับคนชั้นสูง นักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่มาจากคนทั่วไป - ข้ารับใช้ (Degtyarev) ทหาร (Fomin) ช่างฝีมือ (Khandoshkin) ในบันไดลำดับชั้นทางสังคม พวกเขายืนอยู่ในระดับเดียวกับพวกขี้ข้า หน้าที่ของพวกเขาคือสร้างความบันเทิงให้กับประชาชน

***โรงละครบอลชอยในมอสโกมีอายุย้อนไปถึงปี 1776 จากนั้นเจ้าชาย P.V. Urusov ก็ได้รับสิทธิพิเศษในการ "เป็นเจ้าของการแสดงละครทั้งหมดในมอสโก ... " และร่วมกับผู้ประกอบการ M.E. Madokson ได้สร้างอาคารโรงละครพิเศษ ("Petrovsky House" หรือ "Opera House") นี่เป็นโรงละครถาวรแห่งแรก ที่นี่ยังมีการแสดงบัลเล่ต์และการแสดงละครพร้อมกับโอเปร่าอีกด้วย

การกำเนิดของโรงละคร Mariinsky ย้อนกลับไปในปี 1783 เมื่อโรงละคร Stone (Bolshoi) ถูกสร้างขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและตามคำสั่งของ Catherine II ได้มีการจัดตั้งคณะขึ้น "... ไม่เพียง แต่สำหรับคอเมดีเท่านั้น แต่ยังสำหรับโอเปร่าด้วย... ”

ดังนั้นศิลปะโรโกโกจึงแยกออกจากโบสถ์ โดยผลักดันประเด็นทางศาสนาไปไกลถึงเบื้องหลัง จากนี้ไปทั้งภาพวาดและสถาปัตยกรรมควรจะดูสว่างและน่ารื่นรมย์ สังคมที่กล้าหาญแห่งศตวรรษที่ 18 เบื่อหน่ายกับศีลธรรมและการเทศนา ผู้คนต้องการมีชีวิตที่สนุกสนานและได้รับความเพลิดเพลินสูงสุดจากชีวิต ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Rococo คือ Francois Boucher ซึ่งเปลี่ยนภาพวาดของเขาให้เป็นงานตกแต่ง...

มันไม่ได้งดงามอย่างแน่นอน ปรมาจารย์ด้านศิลปะปกป้องหลักการด้านสุนทรียศาสตร์ของตนอย่างกระตือรือร้น - พวกเขายืนยันสิ่งหนึ่งและปฏิเสธอีกสิ่งหนึ่ง โดยทั่วไปวรรณกรรมยุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ 17-18 นำปรมาจารย์ชั้นหนึ่งจำนวนมากสู่เวทีโลกและนำผลงานที่มีคุณค่าทางศิลปะสูงมาสู่คลังศิลปะโลก ถ้าเราหมายถึงความคิดริเริ่มทางศิลปะแล้ว...

ดังนั้น การอภิปรายความหมายทางปรัชญาของธรรมชาติจึงต้องอาศัยการวิเคราะห์ความสัมพันธ์ไม่เพียงแต่ระหว่างธรรมชาติกับการผลิตเท่านั้น แต่ยังคำนึงถึงความสัมพันธ์ด้านสุนทรียภาพ คุณธรรม และสังคม และการประเมินธรรมชาติด้วย 2. ปรัชญายุโรปในศตวรรษที่ 17-18 ปรัชญายุโรปของศตวรรษที่ 17 เรียกตามอัตภาพว่าปรัชญาแห่งยุคใหม่ ช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยการพัฒนาทางสังคมที่ไม่สม่ำเสมอ ...

และสิ่งนี้สำเร็จได้ด้วยการแก้ไขเนื้อหาของวิชาคลาสสิก และประการแรกคือสาขาวิชาคณิตศาสตร์ด้วย อุดมศึกษา. ศตวรรษที่ XVII – XVIII – ช่วงเวลาของการพัฒนาการศึกษาระดับอุดมศึกษาอย่างรวดเร็วในยุโรปตะวันตก สิ่งที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาการศึกษาในมหาวิทยาลัยก็คือ ประการแรก เนื้อหาครอบคลุมถึงวิทยาศาสตร์ธรรมชาติอย่างกว้างขวาง ดังนั้น...

คำจำกัดความของลัทธิคลาสสิก (จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) คือรูปแบบศิลปะและการเคลื่อนไหวในศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 17 - 19 มันขึ้นอยู่กับแนวคิดของเหตุผลนิยมซึ่งเป้าหมายหลักคือการให้ความรู้แก่ประชาชนบนพื้นฐานของอุดมคติแบบจำลองซึ่งคล้ายกับสมัยใหม่ วัฒนธรรมของโลกยุคโบราณเป็นตัวอย่างเช่นนี้ กฎเกณฑ์และหลักปฏิบัติของลัทธิคลาสสิกมีความสำคัญยิ่ง ศิลปินทุกคนที่ทำงานภายใต้กรอบทิศทางและสไตล์นี้จะต้องสังเกตพวกเขา

คำจำกัดความของความคลาสสิก

ความคลาสสิกเป็นสไตล์แทนที่รูปลักษณ์ภายนอกอันเขียวชอุ่มและโอ่อ่า ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 สังคมยุโรปเต็มไปด้วยแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ซึ่งสะท้อนให้เห็นในวัฒนธรรมและศิลปะ ความสนใจของสถาปนิกและประติมากรถูกดึงดูดด้วยความเข้มงวด ความเรียบง่าย ความชัดเจน และความรัดกุมของวัฒนธรรมโบราณ โดยเฉพาะภาษากรีกโบราณ สถาปัตยกรรมกลายเป็นเรื่องของการเลียนแบบและการยืม

ในฐานะของการเคลื่อนไหว ลัทธิคลาสสิกได้นำเอาศิลปะทุกประเภทเข้ามาใช้ ไม่ว่าจะเป็นจิตรกรรม ดนตรี วรรณกรรม สถาปัตยกรรม

ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นของสไตล์คลาสสิก: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ลัทธิคลาสสิกซึ่งมีเป้าหมายหลักคือการให้ความรู้แก่สาธารณชนบนพื้นฐานของอุดมคติและความสอดคล้องกับหลักปฏิบัติที่ยอมรับโดยทั่วไปนั้นตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิงซึ่งปฏิเสธกฎเกณฑ์ทั้งหมดและเป็นการกบฏต่อประเพณีทางศิลปะใด ๆ ในทุกทิศทาง

ความคลาสสิกประจำจังหวัดในรัสเซีย

นี่เป็นลักษณะเฉพาะของสถาปัตยกรรมรัสเซียเท่านั้น อาคารประวัติศาสตร์ส่วนใหญ่ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก, ยาโรสลาฟล์, ปัสคอฟสร้างขึ้นในแบบคลาสสิกของจังหวัด ต้นกำเนิดของมันมีอายุย้อนกลับไปถึงยุคทอง ตัวแทนคลาสสิกของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่สร้างขึ้นในสไตล์คลาสสิก: อาสนวิหารคาซาน, อาสนวิหารเซนต์นิโคลัสคอซแซค ฯลฯ

ช่วงเวลา: ต้น กลาง ปลาย (สูง)

ในการพัฒนาลัทธิคลาสสิกมี 3 ยุค ซึ่งสามารถระบุได้ดังนี้:

1. ช่วงต้น (ทศวรรษที่ 1760 - ต้นทศวรรษที่ 1780) - ความเจริญรุ่งเรืองของการเคลื่อนไหวการนำแนวคิดของรูปแบบใหม่มาใช้การกำหนดเหตุผลและสาเหตุที่รูปแบบดังกล่าวจึงเป็นของลัทธิคลาสสิกโดยเฉพาะ
2. เข้มงวดหรือปานกลาง (พ.ศ. 2323 - 2333) - การสร้างรูปแบบคำอธิบายในงานวรรณกรรมและภาพการก่อสร้างอาคาร
3. สายหรือสูงเรียกว่า (30 ปีแรกของศตวรรษที่ 19)

ภาพถ่ายแสดงให้เห็น Arc de Triomphe ในปารีส - ตัวอย่างที่โดดเด่นของความคลาสสิค

ลักษณะและคุณสมบัติของสไตล์โลก

ลักษณะของความคลาสสิกในทุกด้านของความคิดสร้างสรรค์:

• รูปทรงเรขาคณิตที่ชัดเจน
• วัสดุคุณภาพสูง
• การตกแต่งอันสูงส่งและความยับยั้งชั่งใจ

ความสง่างามและความกลมกลืนความสง่างามและความหรูหรา - นี่คือคุณสมบัติหลักที่โดดเด่นของความคลาสสิค คุณสมบัติเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในภายหลังในการตกแต่งภายในในสไตล์

ลักษณะเฉพาะของความคลาสสิคในการตกแต่งภายในที่ทันสมัย

คุณสมบัติสไตล์ที่สำคัญ:

• ผนังเรียบพร้อมลวดลายดอกไม้อันนุ่มนวล
• องค์ประกอบของสมัยโบราณ พระราชวังและเสา
• ปูนปั้น;
• ไม้ปาร์เก้ที่สวยงาม;
• วอลล์เปเปอร์ผ้าบนผนัง
• เฟอร์นิเจอร์หรูหราสง่างาม

ลักษณะเฉพาะของสไตล์คลาสสิกของรัสเซียคือรูปทรงสี่เหลี่ยมอันเงียบสงบถูกควบคุมและในเวลาเดียวกันการออกแบบตกแต่งที่หลากหลายสัดส่วนที่แม่นยำรูปลักษณ์ที่สง่างามความสามัคคีและรสนิยม

ภายนอกของทิศทางคลาสสิก: อาคาร

สัญญาณภายนอกของความคลาสสิคในสถาปัตยกรรมแสดงออกมาอย่างชัดเจนและสามารถระบุได้ตั้งแต่แรกเห็นที่อาคาร

1. โครงสร้าง: มั่นคง ใหญ่โต เป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า และโค้ง มีการวางแผนองค์ประกอบไว้อย่างชัดเจน สังเกตความสมมาตรที่เข้มงวด
2. รูปทรง: รูปทรงที่ชัดเจน ปริมาตร และความยิ่งใหญ่ รูปปั้น เสา ซอก หอกลม ซีกโลก หน้าจั่ว สลักเสลา
3. เส้น: เข้มงวด; ระบบการวางแผนอย่างสม่ำเสมอ ภาพนูนต่ำนูนต่ำ เหรียญ ลายเรียบ
4. วัสดุ: หิน อิฐ ไม้ ปูนปั้น
5. หลังคา : รูปทรงซับซ้อนซับซ้อน
6. สีเด่น: สีขาวเข้ม, เขียว, ชมพู, ม่วง, ฟ้า, ทอง
7. องค์ประกอบลักษณะ: การตกแต่งที่ถูกควบคุม, เสา, เสา, เครื่องประดับโบราณ, บันไดหินอ่อน, ระเบียง
8. Windows: ครึ่งวงกลม, สี่เหลี่ยม, ยาวขึ้นไป, ตกแต่งอย่างเรียบง่าย
9. ประตู: สี่เหลี่ยม กรุ มักตกแต่งด้วยรูปปั้น (สิงโต สฟิงซ์)
10. เครื่องประดับ: การแกะสลัก, การปิดทอง, บรอนซ์, หอยมุก, การฝัง

ภายใน: สัญญาณของแนวคลาสสิกและสถาปัตยกรรม

ภายในสถานที่ของยุคคลาสสิกประกอบด้วยความสูงส่ง ความยับยั้งชั่งใจ และความสามัคคี อย่างไรก็ตาม ของตกแต่งภายในทั้งหมดดูไม่เหมือนนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์ แต่เน้นเพียงรสนิยมทางศิลปะที่ละเอียดอ่อนและความเคารพของเจ้าของเท่านั้น

ห้องมีรูปทรงที่ถูกต้อง เต็มไปด้วยบรรยากาศแห่งความหรูหรา ความสะดวกสบาย ความอบอุ่น และความหรูหราประณีต ไม่ได้มีรายละเอียดมากเกินไป

ศูนย์กลางในการตกแต่งภายในถูกครอบครองโดยวัสดุจากธรรมชาติ ส่วนใหญ่เป็นไม้ หินอ่อน หิน และผ้าไหม

• เพดาน: สว่าง สูง มักมีหลายระดับ มีปูนปั้นและเครื่องประดับ
• ผนัง: ตกแต่งด้วยผ้า สว่างแต่ไม่สว่าง อาจใช้เสาและเสา การปั้นปูนปั้นหรือทาสี
• พื้น: ไม้ปาร์เก้ที่ทำจากไม้อันมีค่า (เมอร์เบา, สีแดงเข้ม, ไม้สัก, จาโตบา) หรือหินอ่อน
• แสงสว่าง: โคมไฟระย้าทำจากคริสตัลหินหรือแก้วราคาแพง โคมไฟระย้าปิดทองพร้อมเฉดสีเทียน
• คุณลักษณะภายในที่จำเป็น: กระจก, เตาผิง, เก้าอี้นวมเตี้ยแสนสบาย, โต๊ะน้ำชาต่ำ, พรมทำมือสีอ่อน, ภาพวาดพร้อมฉากโบราณ, หนังสือ, แจกันตั้งพื้นสไตล์โบราณขนาดใหญ่, ขาตั้งดอกไม้

ลวดลายโบราณมักใช้ในการตกแต่งห้อง: คดเคี้ยว, พู่ห้อย, มาลัยลอเรล, สร้อยไข่มุก สิ่งทอราคาแพงใช้ในการตกแต่ง เช่น สิ่งทอ ผ้าแพรแข็ง และกำมะหยี่

เฟอร์นิเจอร์

เฟอร์นิเจอร์จากยุคคลาสสิกโดดเด่นด้วยคุณภาพและความน่าเชื่อถือทำจากวัสดุราคาแพงซึ่งส่วนใหญ่เป็นไม้ที่มีคุณค่า เป็นที่น่าสังเกตว่าพื้นผิวของไม้ไม่เพียงทำหน้าที่เป็นวัสดุเท่านั้น แต่ยังเป็นองค์ประกอบตกแต่งอีกด้วย เฟอร์นิเจอร์ทำด้วยมือ ตกแต่งด้วยงานแกะสลัก การปิดทอง งานฝัง หินมีค่า และโลหะ แต่รูปแบบเรียบง่าย เส้นเข้มงวด สัดส่วนที่ชัดเจน โต๊ะและเก้าอี้ในห้องรับประทานอาหารทำด้วยขาแกะสลักอันหรูหรา จานเป็นพอร์ซเลน เนื้อบาง เกือบใส มีลวดลายและปิดทอง เลขานุการที่มีรูปทรงลูกบาศก์บนขาสูงถือเป็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของเฟอร์นิเจอร์

สถาปัตยกรรม: โรงละคร โบสถ์ และอาคารอื่นๆ

ลัทธิคลาสสิกหันไปสู่พื้นฐานของสถาปัตยกรรมโบราณ ไม่เพียงแต่ใช้องค์ประกอบและลวดลายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลวดลายในการออกแบบด้วย พื้นฐานของภาษาสถาปัตยกรรมคือลำดับที่มีความสมมาตรที่เข้มงวด สัดส่วนขององค์ประกอบที่สร้างขึ้น ความสม่ำเสมอของเค้าโครง และความชัดเจนของรูปแบบปริมาตร

ลัทธิคลาสสิกเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับความอวดรู้และการตกแต่งที่มากเกินไป

พระราชวังและสวนและสวนสาธารณะที่ไม่มีป้อมปราการถูกสร้างขึ้นซึ่งต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานของสวนฝรั่งเศสโดยมีตรอกซอกซอยที่เหยียดตรงสนามหญ้าที่ตัดแต่งเป็นรูปกรวยและลูกบอล รายละเอียดทั่วไปของความคลาสสิก ได้แก่ บันไดที่เน้นเสียง การตกแต่งแบบโบราณสุดคลาสสิก โดมในอาคารสาธารณะ

ลัทธิคลาสสิกตอนปลาย (สไตล์จักรวรรดิ) ได้รับสัญลักษณ์ทางการทหาร (“Arc de Triomphe” ในฝรั่งเศส) ในรัสเซียเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสามารถเรียกได้ว่าเป็นหลักการของรูปแบบสถาปัตยกรรมแบบคลาสสิกในยุโรป ได้แก่ เฮลซิงกิวอร์ซอดับลินเอดินบะระ

ประติมากรรม: แนวคิดและการพัฒนา

ในยุคคลาสสิก อนุสาวรีย์สาธารณะที่รวบรวมความกล้าหาญทางทหารและภูมิปัญญาของรัฐบุรุษแพร่หลาย ยิ่งไปกว่านั้น วิธีแก้ปัญหาหลักสำหรับช่างแกะสลักคือแบบจำลองของการวาดภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงในรูปของเทพเจ้าโบราณ (เช่น Suvorov - ในรูปแบบของดาวอังคาร) กลายเป็นที่นิยมในหมู่บุคคลทั่วไปในการสั่งทำป้ายหลุมศพจากช่างแกะสลักเพื่อสืบสานชื่อของพวกเขา โดยทั่วไปแล้ว ประติมากรรมในยุคนั้นมีลักษณะเฉพาะคือความสงบ ความยับยั้งชั่งใจในท่าทาง การแสดงออกที่ไร้อารมณ์ และเส้นสายที่บริสุทธิ์

แฟชั่น: เสื้อผ้าจากยุโรปและรัสเซีย

ความสนใจในสมัยโบราณในเสื้อผ้าเริ่มปรากฏให้เห็นในช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในชุดผู้หญิง อุดมคติใหม่ของความงามเกิดขึ้นในยุโรป โดยเฉลิมฉลองรูปทรงที่เป็นธรรมชาติและเส้นสายที่สวยงามของผู้หญิง ผ้าเนื้อเรียบที่ดีที่สุดในสีอ่อนโดยเฉพาะสีขาวกำลังเป็นที่นิยม

ชุดเดรสของผู้หญิงไม่มีโครง ซับใน และกระโปรงชั้นใน และใช้รูปแบบของเสื้อคลุมยาวจับจีบ ตัดด้านข้างแล้วผูกด้วยเข็มขัดใต้หน้าอก พวกเขาสวมทับกางเกงรัดรูปสีเนื้อ รองเท้าแตะที่มีริบบิ้นทำหน้าที่เป็นรองเท้า ทรงผมถูกคัดลอกมาตั้งแต่สมัยโบราณ แป้งที่ใช้ปกปิดใบหน้า มือ และเนินอก ยังคงเป็นแฟชั่นอยู่

เครื่องประดับ ได้แก่ ผ้าโพกหัวมัสลินประดับด้วยขนนก ผ้าพันคอตุรกี หรือผ้าคลุมไหล่แคชเมียร์

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 ชุดทางการเริ่มเย็บด้วยรถไฟและคอเสื้อลึก และในชุดเดรสประจำวันคอเสื้อก็คลุมด้วยผ้าพันคอลูกไม้ ทรงผมจะค่อยๆเปลี่ยนไปและแป้งก็หมดไป แฟชั่นได้แก่ ผมเกรียนสั้น ม้วนเป็นลอน ผูกด้วยริบบิ้นสีทองหรือประดับด้วยมงกุฎดอกไม้

แฟชั่นของผู้ชายได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของอังกฤษ เสื้อคลุมผ้าแบบอังกฤษ, redingotes (แจ๊กเก็ตที่มีลักษณะคล้ายโค้ตโค้ต), jabots และแขนเสื้อกำลังเป็นที่นิยม มันเป็นยุคแห่งความคลาสสิคที่ความสัมพันธ์ของผู้ชายกลายเป็นแฟชั่น

ศิลปะ

จิตรกรรมและวิจิตรศิลป์

ในการวาดภาพศิลปะคลาสสิกนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยความยับยั้งชั่งใจและความรุนแรง องค์ประกอบหลักของรูปแบบคือเส้น แสง และเงา สีท้องถิ่นเน้นความเป็นพลาสติกของวัตถุและตัวเลขและแบ่งแผนผังเชิงพื้นที่ของภาพ ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 – ลอร์เรน คล็อด ผู้มีชื่อเสียงจาก “ทิวทัศน์ในอุดมคติ” ความน่าสมเพชและบทกวีถูกรวมเข้าด้วยกันใน "ภูมิทัศน์ตกแต่ง" ของจิตรกรชาวฝรั่งเศส Jacques Louis David (ศตวรรษที่ 18) ในบรรดาศิลปินชาวรัสเซียสามารถแยกแยะ Karl Bryullov ซึ่งผสมผสานความคลาสสิกเข้ากับ (ศตวรรษที่ 19) ได้

ดนตรีคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อที่ยิ่งใหญ่เช่น Mozart, Beethoven และ Haydn ซึ่งเป็นผู้กำหนดการพัฒนาศิลปะดนตรีต่อไป

วรรณกรรม: วีรบุรุษและบุคลิกภาพในผลงาน

วรรณกรรมในยุคคลาสสิกส่งเสริมการใช้เหตุผลในการพิชิตความรู้สึก ความขัดแย้งระหว่างหน้าที่และความหลงใหลเป็นพื้นฐานของโครงเรื่องของงานวรรณกรรมซึ่งบุคคลมีความตึงเครียดอยู่ตลอดเวลาและต้องเลือกว่าจะตัดสินใจอะไร การปฏิรูปภาษาดำเนินไปในหลายประเทศและมีการวางรากฐานของศิลปะบทกวี ตัวแทนชั้นนำของทิศทาง ได้แก่ Francois Malherbe, Corneille, Racine หลักการจัดองค์ประกอบหลักของงานคือความสามัคคีของเวลา สถานที่ และการกระทำ

ในรัสเซียลัทธิคลาสสิกพัฒนาขึ้นภายใต้การอุปถัมภ์ของการตรัสรู้ซึ่งมีแนวคิดหลักคือความเสมอภาคและความยุติธรรม ผู้เขียนวรรณกรรมที่เก่งที่สุดในยุคคลาสสิกของรัสเซียคือ M. Lomonosov ผู้วางรากฐานของความสามารถรอบด้าน แนวเพลงหลักคือตลกและเสียดสี Fonvizin และ Kantemir ทำงานในทิศทางนี้

“ ยุคทอง” ถือเป็นยุคของศิลปะการแสดงคลาสสิกซึ่งมีการพัฒนาอย่างไดนามิกและได้รับการปรับปรุง โรงละครค่อนข้างเป็นมืออาชีพ และนักแสดงบนเวทีไม่เพียงแต่แสดง แต่ยังใช้ชีวิต มีประสบการณ์ และยังคงเป็นตัวของตัวเอง รูปแบบการแสดงละครได้รับการประกาศให้เป็นศิลปะแห่งการประกาศ

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (สถาปัตยกรรม);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (ประติมากรรม);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (จิตรกรรม);
• วอลแตร์, ซามูเอล จอห์นสัน, เดอร์ชาวิน, ซูมาโรคอฟ, เคมนิตเซอร์ (วรรณกรรม)

วิดีโอ: ประเพณีและวัฒนธรรม ลักษณะเด่น ดนตรี

บทสรุป

แนวคิดจากยุคคลาสสิกถูกนำมาใช้อย่างประสบความสำเร็จในการออกแบบสมัยใหม่ ยังคงไว้ซึ่งความสง่างามและความสง่างาม ความงดงาม และความยิ่งใหญ่ คุณสมบัติหลักคือภาพวาดฝาผนัง ผ้าม่าน ปูนปั้น เฟอร์นิเจอร์ที่ทำจากไม้ธรรมชาติ มีการตกแต่งน้อยชิ้นแต่ทั้งหมดก็ดูหรูหรา เช่น กระจก ภาพวาด โคมไฟระย้าขนาดใหญ่ โดยทั่วไปแล้วสไตล์ยังคงบ่งบอกลักษณะของเจ้าของว่าเป็นคนที่น่านับถือห่างไกลจากคนจน

ต่อมาก็มีอีกสิ่งหนึ่งปรากฏขึ้นซึ่งถือเป็นการมาถึงของยุคใหม่ - สิ่งนี้ กลายเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบสมัยใหม่หลายรูปแบบ ซึ่งไม่เพียงแต่คลาสสิกเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงบาโรก (ในภาพวาด) วัฒนธรรมโบราณ และยุคเรอเนซองส์