นวัตกรรมหลักในวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 เกิดขึ้นเป็นหลักในกระแสหลักของสมัยใหม่ซึ่งกลายเป็นเส้นทางเฉพาะของความเสื่อมโทรมทางศิลปะของปัญหาในศตวรรษนี้ ประเพณีถูกปฏิเสธอย่างเด็ดขาดเพื่อสนับสนุนเปรี้ยวจี๊ด ลักษณะสำคัญคือการละทิ้งคุณค่าทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 18 และ 19 โดยหลักมาจากหลักการของความสมจริง การประกาศความเป็นอิสระของศิลปะจากความเป็นจริง การสร้างรูปแบบภาษาและเนื้อหารูปแบบใหม่ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะในวิจิตรศิลป์ ศิลปะ

หนึ่งในการเคลื่อนไหวที่มีชื่อเสียงที่สุดของสมัยใหม่ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 คือ Fauvism (จากแฟนชาวฝรั่งเศส - ป่า) ซึ่งแสดงโดยชื่อของจิตรกรชาวฝรั่งเศส - A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, A. Derain และอื่น ๆ พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะสร้าง ภาพศิลปะโดยเฉพาะด้วยความช่วยเหลือของสีที่สดใสและเจาะทะลุ พวกเขาใช้ธรรมชาติและภูมิทัศน์ไม่มากเท่ากับวัตถุของภาพ แต่เป็นเหตุผลในการสร้างองค์ประกอบสีที่เข้มข้น

ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 หนึ่งในแฟชั่นและมีอิทธิพลมากที่สุด วิธีการทางศิลปะมีการแสดงออก (จากสำนวนภาษาฝรั่งเศส - การแสดงออก) ขึ้นอยู่กับสัญชาตญาณเชิงปรัชญาของ A. Bergson และปรากฏการณ์วิทยาของ E. Husserl ผู้ชนะของขบวนการทางศิลปะนี้ (ศิลปินชาวเยอรมัน F. Mark, E. Nolde, P. Klee, ศิลปินชาวรัสเซีย V. Kandinsky, นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย A. Schoenberg, A. Berg ฯลฯ ) ประกาศว่าจุดประสงค์ของศิลปะไม่ใช่การพรรณนาถึงความเป็นจริงสมัยใหม่ แต่เป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของมันในโลกส่วนตัวของมนุษย์ พวกเขาต่อสู้ด้วยวิธีการทางภาพ ดนตรี ศิลปะวรรณกรรม(เอฟ. คาฟคา) สื่อถึงความตึงเครียด อารมณ์ของมนุษย์ความไร้เหตุผลของภาพที่เกิดขึ้นในตัวบุคคล ความผิดปกติของรูปร่างปกติเพื่อประโยชน์ในการถ่ายทอดความกลัวและความทุกข์ทรมานของมนุษย์ที่เพิ่มมากขึ้น ซึ่งมักปรากฏในรูปแบบของคอลเลกชันภาพฝันร้ายที่น่าอัศจรรย์กลายเป็นทิศทางหลักของงานของพวกเขา พวกเขาพรรณนาถึงโลกโดยรอบด้วยการเคลื่อนไหวที่ไม่มีที่สิ้นสุด การปะทะกันของกองกำลังที่วุ่นวายอย่างไม่อาจเข้าใจได้ซึ่งเป็นศัตรูกับสภาพธรรมชาติของมนุษย์ ความขัดแย้งอันเห็นได้ชัดในชีวิตของชาวยุโรปเมื่อต้นศตวรรษซึ่งรุนแรงเป็นพิเศษในสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและ การปฏิวัติเดือนตุลาคมในรัสเซียและในเยอรมนี ก่อให้เกิดการประท้วงอย่างดุเดือดต่อสงครามและความรุนแรง เรียกร้องให้มีภราดรภาพมนุษย์ในระดับสากล

การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่มีอิทธิพลอย่างหนึ่งในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 คือลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม (จากคิวบ์ของฝรั่งเศส - คิวบ์) - การเคลื่อนไหวแนวหน้าในศิลปกรรมที่เน้นการสร้างรูปแบบปริมาตรบนเครื่องบินและการใช้มุมมองหลายมิติแบบตื้น ซึ่งทำให้สามารถนำเสนอวัตถุที่ปรากฎในรูปแบบของเส้นตัดกันและรูปทรงเรขาคณิตมากมาย - ลูกบาศก์, กรวย, ทรงกระบอก ตามที่ผู้เขียนคำว่า "ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม", L. Vossel ในภาพเขียน ทิศทางนี้“หลายก้อน” ครองราชย์สูงสุด ปีต้นกำเนิดของเทรนด์นี้ถือเป็นปี 1907 เมื่อศิลปินที่โดดเด่น P. Picasso จัดแสดงภาพวาดลูกบาศก์แบบเป็นโปรแกรมของเขา "Les Demoiselles d'Avignon" ซึ่งเป็นแผงขนาดใหญ่ที่แสดงภาพฉากซ่อง ร่างผู้หญิงในภาพแทบจะไม่ใช่สามมิติ แบน ตัวละครแสดงเป็นสีชมพูในรูปทรงเรขาคณิต ใบหน้าของพวกเขาถูกวาดด้วยลายเส้นหยาบ ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม P. Picasso, J. Braque, H. Gris, F. Picabia, M. Duchamp, F. Leger และคนอื่น ๆ แสดงให้เห็นถึงความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาในการปฏิเสธที่จะสร้างพื้นที่ใหม่ผ่าน มุมมองเชิงเส้นโดยแทนที่ด้วยรูปภาพของวัตถุจากหลายมุมมองพร้อมกัน หากในระยะแรกของการพัฒนาลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม (พ.ศ. 2450 - 2456) เรียกว่า "การวิเคราะห์" ภาพทั้งหมดถูกบดขยี้เป็นระนาบและลูกบาศก์ขนาดเล็กซึ่งตามที่ผู้เขียนกล่าวไว้ช่วยให้เข้าใจลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับแก่นแท้ของวัตถุและปรากฏการณ์ ในขั้นตอนการสังเคราะห์มีการให้ความสนใจกับสีมากขึ้นเรื่อย ๆ ภาพวาดกลายเป็นนามธรรมตกแต่งและมีลักษณะทั่วไปมากขึ้นและโทนสีเขียวสีน้ำตาลและสีเทาที่นักพรตให้ความสว่างและตัดกันมากขึ้น ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมก็มี อิทธิพลใหญ่เกี่ยวกับการพัฒนาศิลปะแนวหน้า ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดการเกิดขึ้นของนามธรรมนิยม ลัทธิอนาคตนิยม และลัทธิซูพรีมาติซึม

Abstractionism ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางและมีอิทธิพลอย่างมากในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 - วิธีการสร้างสรรค์ศิลปะนามธรรมหรือไม่ใช่วัตถุประสงค์ ไม่ใช่เป็นรูปเป็นร่าง โดยเฉพาะการวาดภาพ ลัทธิความเชื่อด้านสุนทรียภาพวิธีการนี้จัดทำโดยศิลปินชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง V. Kandinsky ในหนังสือ "On Spiritual Art" (1910) ซึ่งเขาแย้งว่าศิลปินเป็นผู้เผยพระวจนะและนักกิจกรรม โดยดึง "เกวียนที่ติดอยู่แห่งมนุษยชาติ" ออกมาอย่างสุดความสามารถ แต่สิ่งนี้สามารถทำได้โดยการสร้าง "ความเป็นจริงใหม่" ซึ่งไม่มีอะไรมากไปกว่าความเป็นจริงเชิงอัตวิสัยภายในที่เล็ดลอดออกมาจากสติปัญญาและความรู้สึกของศิลปิน สาระสำคัญของศิลปะนามธรรมตามที่ผู้สนับสนุน (W. Kandinsky, P. Mondrian, F. Kupka ฯลฯ ) ก็คือภาพวาดนั้นซึ่งเป็นอิสระจากการพรรณนารูปแบบของความเป็นจริงที่มองเห็นได้สามารถแสดงออกถึงสิ่งที่มีอยู่ตามวัตถุประสงค์ได้อย่างลึกซึ้งและครบถ้วนยิ่งขึ้น .

มีสองทิศทางหลักในศิลปะนามธรรม ประการแรกซึ่งระบุโดยผลงานของ V. Kandinsky, F. Kupka และคนอื่น ๆ ให้ความสำคัญกับคุณค่าการแสดงออกที่เป็นอิสระของจุดสีความสมบูรณ์ของสีสันของความสัมพันธ์ของสีด้วยความช่วยเหลือที่ศิลปินมุ่งมั่นที่จะ แสดงถึง "ความจริงของการดำรงอยู่" อันล้ำลึก "แก่นแท้ของจิตวิญญาณ" ชั่วนิรันดร์ ไม่อยู่ภายใต้ความเป็นกลางของความเป็นจริง สิ่งนี้รวบรวมไว้ในรูปแบบที่ชัดเจนที่สุดในภาพวาดของ V. Kandinsky เรื่อง "Sketch 1 for Composition VII" (1913) ซึ่งมีสีแดง, ส้ม, เหลือง, น้ำเงินแกมเขียวสลับกับแถบสีดำซึ่งอยู่เหนือขึ้นไป รูปร่างสีแดงชวนให้นึกถึงทั้งใบหน้าและเชลโลควรแสดงท่วงทำนองที่ซับซ้อนของความรู้สึกอารมณ์และประสบการณ์ของบุคคลตามแผนของศิลปิน มันถูกเรียกว่าการแสดงออกเชิงนามธรรม

ทิศทางที่สองของศิลปะนามธรรมซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากผลงานของผู้ยิ่งใหญ่ จิตรกรชาวฝรั่งเศส P. Cezanne และ Cubists โดดเด่นด้วยการสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ พื้นที่ศิลปะโดยการผสมผสานรูปทรงเรขาคณิตทุกชนิด ระนาบสี เส้นตรงและเส้นขาด (K. Malevich, P. Mondrian, T. van Doesburg ฯลฯ) แสดงออกได้หลายรูปแบบ ได้แก่ Suprematism (จากภาษาละตินสูงสุด, สุดท้าย) ของ K . Malevich, Rayonism M. Larionov, การไม่เป็นกลางของ P. Mondrian ศิลปินที่โดดเด่น K. Malevich ซึ่งทำงานใน Vitebsk มาหลายปีได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกจาก "จัตุรัสสีดำ" ซึ่งเขาถือว่าไม่ใช่ "จัตุรัสว่างเปล่า" แต่เป็น "ความอ่อนแอต่อความว่างเปล่าอย่างแท้จริง" สีดำตามมาด้วยภาพสี่เหลี่ยมอื่นๆ - สีแดง หรือแม้แต่สีขาวบนพื้นหลังสีขาว ในปี 1914 ภาพวาด "Dynamic Suprematism" ปรากฏขึ้นซึ่งทำให้ชื่อของขบวนการทางศิลปะนี้ บนพื้นหลังสีขาวมีรูปสามเหลี่ยมสัมผัสกัน สถานที่ที่แตกต่างกันกับรูปทรงเรขาคณิตอื่นๆ สามเหลี่ยม วงกลมขนาดต่างๆ Malevich ถือว่า Suprematism เป็นผู้ที่มีความโดดเด่นอย่างแท้จริงในกิจกรรมทางศิลปะของความรู้สึก "บริสุทธิ์" ซึ่งเป็นอิสระจากการเชื่อมโยงใด ๆ กับความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์

เทคนิคเชิงนวัตกรรมที่พัฒนาขึ้นโดยกลุ่มผู้นับถือศิลปะนามธรรมมีอิทธิพลอย่างมากต่อการเกิดขึ้นและการพัฒนาของศิลปะป๊อป ศิลปะทางเลือก และมีการใช้กันอย่างแพร่หลายในการออกแบบสมัยใหม่ ศิลปะการออกแบบ โรงละคร ภาพยนตร์ และโทรทัศน์

ลัทธิแห่งอนาคตเป็นหนึ่งในขบวนการแนวหน้าในวัฒนธรรมของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งแพร่หลายในอิตาลีและรัสเซียเป็นหลัก จุดเริ่มต้นคือการตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ปารีส Le Figaro เมื่อวันที่ 20 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2453 โดยกวีชาวอิตาลี F. Marinetti จากแถลงการณ์แห่งอนาคต สาระสำคัญของการเคลื่อนไหวนี้คือการประท้วงแบบอนาธิปไตยที่ต่อต้านวัฒนธรรมดั้งเดิม การขอโทษสำหรับความสำเร็จทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีล่าสุด และการเชิดชูเสียงคำรามของเมืองอุตสาหกรรมสมัยใหม่ พวกเขาพยายามขจัด “มะเร็ง” ของวัฒนธรรมดั้งเดิมออกไปด้วยมีดผ่าตัดของลัทธิเทคนิค ลัทธิเมือง และวิทยาศาสตร์ใหม่ วิธีการหลักในการทำความสะอาดโลกของขยะเก่า นักอนาคตนิยมชาวอิตาลี U. Boccioni, G. Balla, G. Severini และคนอื่นๆ พบเห็นได้ในสงครามและการปฏิวัติ หลังจากได้รับการต้อนรับสงครามโลกครั้งที่หนึ่งด้วยความยินดี หลายคนอาสาที่จะต่อสู้และเสียชีวิต สโลแกนของพวกเขา: “สงครามเป็นเพียงสุขอนามัยเดียวในโลก!” บางคนหลังสงครามเข้าร่วมพรรคฟาสซิสต์ของเผด็จการชาวอิตาลี บี. มุสโสลินี กวีนิพนธ์ของนักอนาคตนิยมมีความลึกซึ้ง โดยมีจุดมุ่งหมายเพื่อทำลายภาษาที่มีชีวิต และแสดงถึงความรุนแรงต่อคำศัพท์และไวยากรณ์ ในจิตรกรรมและวัฒนธรรม สิ่งเหล่านี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการปฏิเสธความกลมกลืนซึ่งเป็นหลักการพื้นฐานของศิลปะ การทำความคุ้นเคยกับการนำเสนอยอดนิยมเกี่ยวกับความสำเร็จของฟิสิกส์และจิตวิทยาทำให้เกิดความปรารถนาในหมู่นักอนาคตนิยมที่จะพรรณนาไม่ใช่วัตถุด้วยตัวมันเอง แต่รวมถึงสนามพลังงาน แม่เหล็ก และจิตวิทยาที่ก่อตัวเป็นวัตถุเหล่านั้น และการเคลื่อนไหวถูกพรรณนาโดยการซ้อนขั้นตอนที่ต่อเนื่องกันในภาพเดียว ส่งผลให้เฟรม "พร่ามัว" ปรากฏขึ้นในภาพเป็นม้าที่มี 20 ขา ซึ่งเป็นรถที่มีล้อหลายล้อ อีกหนึ่ง คุณสมบัติที่สำคัญลัทธิแห่งอนาคตคือความปรารถนาที่จะนำเสียงและเสียงของโลกทางเทคนิคมาสู่ทัศนศิลป์ด้วยความช่วยเหลือของวิธีการมองเห็น ตัวอย่างเช่น J. Balla เรียกภาพวาดของเขาว่า "ความเร็วรถ + แสง + เสียง"

ลัทธิแห่งอนาคตในรัสเซียแตกต่างอย่างมากจากภาษาอิตาลี แชมป์เปี้ยนของ A. Kruchenikh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky และพี่น้อง Burliuk มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาที่จะสร้างหลักการใหม่บนพื้นฐานของความขัดแย้งทางความหมายนวัตกรรม "การสร้างคำและนวัตกรรมคำ" ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนใน ความลึกซึ้งของ V. Khlebnikov พวกเขาโดดเด่นด้วยความรู้สึกที่เพิ่มมากขึ้นของ "การปฏิวัติโลก" ที่กำลังจะมาถึง "การล่มสลายของสิ่งเก่า" ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้และการเกิดขึ้นของ "มนุษยชาติใหม่" พวกเขาพยายามที่จะนำงานศิลปะของตนไปใช้ในการปฏิวัติ แต่เมื่ออายุ 20 ปี พวกเขาไม่เป็นที่ชื่นชอบของหน่วยงานใหม่ พวกเขาถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง และกลุ่มของพวกเขาก็ถูกสลายไป

การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่มีอิทธิพลมากที่สุดอย่างหนึ่งในวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 20 คือสถิตยศาสตร์ (จากสถิตยศาสตร์ของฝรั่งเศส, super-realism อย่างแท้จริง, over-realism) ซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ตัวแทนหลักคือนักเขียน A. Breton, G. Appolinaire, P. Eluard, F. Soupault, ศิลปิน S. Dali, P. Bloom, M. Ernst, H. Miro, นักเขียนบทละคร A. Artaud, J. Cheale, ผู้สร้างภาพยนตร์ I. Bergman, A. Hitchcock ฯลฯ ) ประกาศว่าแหล่งกำเนิดของศิลปะเป็นขอบเขตของจิตใต้สำนึก - สัญชาตญาณ, ความฝัน, ภาพหลอน, อาการหลงผิด, ความทรงจำในวัยทารกและวิธีการหลัก - การแทนที่การเชื่อมโยงเชิงตรรกะกับสมาคมอิสระ ในความเข้าใจของพวกเขา งานของศิลปินคือด้วยความช่วยเหลือของเส้น ระนาบ รูปร่างและสี เพื่อเจาะลึกจิตใต้สำนึกของมนุษย์ ซึ่งแสดงออกมาในความฝัน รวมเอาความเป็นจริงและความไม่จริงเข้าไว้ด้วยกันเป็นอันเดียว ที่สุด ศิลปินชื่อดังทิศทางนี้ - ซัลวาดอร์ ดาลีเรียกแนวทางการสร้างสรรค์ของเขาว่า "วิธีการวิพากษ์วิจารณ์แบบหวาดระแวง" ซึ่งช่วยให้ภาพที่เป็นที่รู้จักของจิตใจ เช่น ผู้คน สัตว์ อาคาร ทิวทัศน์ สามารถนำมารวมกันในลักษณะพิสดารได้ เช่น แขนขากลายเป็นปลา เนื้อตัวของผู้หญิงเป็นม้า และริมฝีปากของผู้หญิงที่เปิดกว้างกลายเป็นโซฟาสีชมพู ในภาพวาดชื่อดังของเขา Soft Construction with Boiled Beans: A Premonition สงครามกลางเมืองในสเปน (พ.ศ. 2479) "เรื่องเพศและความสยดสยองเกี่ยวพันกัน เนื้อผู้หญิงที่อ่อนนุ่มตรงกลางตัดกับมือที่หยาบกระด้าง ข้างหนึ่งจับหน้าอก อีกข้างกดลงดินเหมือนรากเก่า ต้นองุ่นกินถั่วต้มเป็นสัญลักษณ์ คนธรรมดาที่ตกเป็นเหยื่อของสงคราม

ด้วยความตกตะลึงกับหายนะของศตวรรษที่ 20 ต้าหลี่ทำให้ผู้ชมตกตะลึงด้วยการประพันธ์ที่น่าอัศจรรย์และดำเนินการอย่างเชี่ยวชาญซึ่งความกลัวของคอมเพล็กซ์เอดิปุสนั้นเชื่อมโยงกันอย่างประณีตโดยแสดงเป็นตัวเป็นตนในภาพบุคคลของวี : การปรากฏตัวของหกหัวของเลนินบนเปียโน” ( 2474) และในภาพถ่ายของเผด็จการฟาสซิสต์บนแผ่นทองใต้เงามืดมนของโทรศัพท์สีดำแขวนอยู่บนต้นไม้สับและปล่อยน้ำตาขนาดยักษ์ออกมาจากท่อ (" ความลึกลับของฮิตเลอร์" (1939) กับความน่าสะพรึงกลัวของสงคราม "The Face of War" (1940-1941) โดยที่กะโหลกศีรษะ ดวงตา และปากของศีรษะของผู้ตายเอียงอยู่เหนือกะโหลกอื่นๆ โผล่ออกมาจากจิตใต้สำนึกความฝันที่เย้ายวน ฝันร้ายและจินตนาการหวาดระแวงกลายเป็นความจริงที่ซ่อนอยู่ก่อตัวเป็นภาพที่ลอยไหวเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาซึ่งตรงกลางนั้นมักเป็นภาพของผู้หญิงที่แต่งตัวรัดรูปครึ่งตัวและเปลือยเปล่าอย่างสมบูรณ์ Elena Deluvina-Dyakonova) เป็นภรรยาอันเป็นที่รักของศิลปิน ซึ่งเขาอธิบายว่าเซ็กซี่และหลงใหลมาก

สถิตยศาสตร์มีผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมที่หลากหลาย อิทธิพลของมันสัมผัสได้จากศิลปะการถ่ายภาพ (F. Nadara, D. Cameron ฯลฯ ), "โรงละครแห่งความไร้สาระ" (E. Ionesco, S. Becket), ภาพยนตร์ (A . ทาร์คอฟสกี้ ฯลฯ )

วัฒนธรรมศิลปะ catharsis

ศตวรรษที่ 20 เป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญในประวัติศาสตร์ของมนุษย์และรูปแบบของกิจกรรมทางวัฒนธรรมของเขา เห็นด้วยกับสิ่งที่ระบุในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาจิตสำนึกทางศิลปะของมนุษยชาติ เราบันทึกไม่เพียงแต่ขอบเขตในการเปลี่ยนแปลงของภาพของโลก แต่ยังรวมถึงการเปลี่ยนแปลงระดับโลกด้วยแนวโน้มทางศิลปะก่อนหน้านี้ นี่ไม่ได้หมายความว่าอย่างนั้น เรากำลังพูดถึงเกี่ยวกับการเกิดในช่วงต้นศตวรรษของรูปแบบใหม่ที่ครอบคลุมเกี่ยวกับการก่อตัวของเทคนิคการแสดงออกทางศิลปะใหม่ ๆ นำไปสู่การก่อตัวของความมั่นคงและมีความสำคัญในระดับสากล รูปแบบศิลปะ- ในทางตรงกันข้าม เรากำลังพบเห็นการค้นหางานศิลปะโมเสกที่ไม่เข้ากันในสูตรเดียว

อย่างไรก็ตาม เราต้องไม่ลืมว่าแม้แต่ศตวรรษที่ 19 ก็ปรากฏในภาพพาโนรามาที่ไม่สามารถลดทอนลงเหลือเพียงสูตรการค้นหาทางศิลปะเพียงสูตรเดียวได้ อย่างไรก็ตาม กระบวนการทางศิลปะของศตวรรษที่ 19 สามารถแยกแยะได้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง แม้ว่าจะเป็นเพียงช่วงเวลาสั้นๆ แต่มีการกำหนดไว้ชัดเจนของการพัฒนาที่โดดเด่นของความสมจริง ธรรมชาตินิยม อิมเพรสชันนิสม์ และสัญลักษณ์นิยม ความแตกต่างพื้นฐาน กระบวนการทางศิลปะศตวรรษที่ XX การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แตกต่างกันนั้นไม่ได้พัฒนาตามลำดับ แต่เป็นแบบคู่ขนานและในเวลาเดียวกันก็ถูกมองว่าเท่าเทียมกัน ความหลากหลายทั้งหมด (สมัยใหม่, นามธรรมนิยม, สถิตยศาสตร์, ลัทธิหลังสมัยใหม่ ฯลฯ ) สร้างความครอบคลุม ภาพโดยรวมชายแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

คำว่าความทันสมัย ​​(จากภาษาฝรั่งเศส - ใหม่) หมายถึงความใหม่ ศิลปะสมัยใหม่ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และเกี่ยวข้องกับวิกฤตโลก วัฒนธรรมยุโรป Prokhorov A. M. พจนานุกรมสารานุกรมโซเวียต M. , 1985. ความส่วนตัวของโลกทัศน์อยู่ที่ความจริงที่ว่าพื้นฐานของการทดลองด้านสุนทรียภาพเป็นเรื่องส่วนตัว แนวทางของแต่ละบุคคล- การต่อต้านรูปแบบใหม่ที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบที่กลมกลืนกันของศิลปะคลาสสิก วิกฤตการณ์ทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 เป็นผลมาจากวิกฤตโลก รอบ XIX-XXศตวรรษ (สงครามโลกครั้งที่ การปฏิวัติ ความขัดแย้งทางชาติพันธุ์ - องค์ประกอบของความไม่มั่นคงของยุคเปลี่ยนผ่าน) วิกฤตดังกล่าวแสดงออกมาในทุกด้านของวัฒนธรรม: ในด้านวิทยาศาสตร์ ปรัชญา จริยธรรม กฎหมาย แต่ที่สำคัญที่สุดคือในงานศิลปะ โดยหลักๆ คือในการวาดภาพ เวทีอุดมการณ์ของรูปแบบสมัยใหม่ใหม่คือปรัชญาของ Nietzsche จิตวิเคราะห์ของ Freud และ Jung และอัตถิภาวนิยมของ Heidegger และ Jaspers ความหมายของปรัชญานี้คือ มีและไม่สามารถมีความหวังใด ๆ ในโลกได้ บุคคลต้องตระหนักว่าเขามีชีวิตอยู่เพียงวันนี้เท่านั้นและไม่มีพรุ่งนี้ กล่าวคือ เขาไม่มีอนาคต และถ้ามีอนาคตก็จะไม่ใช่ของเขา และสำหรับผู้ที่มาภายหลังเขาแต่สำหรับพวกเขานี่ไม่ใช่อนาคตอีกต่อไป แต่เป็นปัจจุบัน ดังนั้นเราต้องอยู่กับปัจจุบัน อยู่กับปัจจุบัน และกระทำในปัจจุบัน บุคคลสามารถมีชีวิตอยู่ได้ด้วยการกังวลเกี่ยวกับอนาคตจนกว่าเขาจะพบกับเรื่องไร้สาระ มันเป็นเรื่องไร้สาระที่ทำให้คนมองโลก ด้วยดวงตาที่เปิดกว้างไม่ได้อยู่ในความอ่อนน้อมถ่อมตนและไม่ยอมแพ้ต่อชะตากรรมดังนั้นบุคคลจึงจำเป็นต้องดำเนินชีวิตตามมาตรฐานของพฤติกรรมและการกระทำที่สอดคล้องกับโครงสร้างทางจิตของเขาอย่าสร้างความรู้สึกไม่สบายให้กับตัวเองและหากสิ่งนี้ต้องอาศัยความเหงาที่ถูกบังคับเขาก็ต้องหลุดออกไป ของสังคมปกติ ศิลปะสมัยใหม่เป็นการสังเคราะห์แนวโรแมนติกและอารมณ์อ่อนไหวของศตวรรษที่ 19 และ 18 และอุดมการณ์ทางปรัชญาของศตวรรษที่ 20 สมัยใหม่มีทัศนคติที่ว่าความขัดแย้งไม่สามารถแก้ไขได้ ยุคสมัยใหม่และในที่สุดก็มาถึงการปฏิเสธความจริงทางจิตวิญญาณและศีลธรรม

การค้นหาสิ่งใหม่ ๆ กลายเป็นความปรารถนาที่จะฟื้นฟูความสมบูรณ์และความเป็นธรรมชาติ การดำรงอยู่ของมนุษย์อยู่ในกรอบของระบบจักรวาลวิทยาระบบเดียวโดยวิธีทางศิลปะ กล่าวคือ ในงานศิลปะเขากลับคืนสู่วิธีสร้างตำนานเพื่อสร้างรูปแบบ ศิลปะดึกดำบรรพ์ไปจนถึงแบบฟอร์ม ความคิดสร้างสรรค์ของเด็กกล่าวคือ ในรูปแบบที่บุคคลรู้สึกสมานฉันท์ในโลกนี้ ไม่มีความเท็จ ไม่มีความรุนแรงต่อมนุษย์

วิกฤตทางศิลปะแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพ ศิลปินส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 20 เลิกวาดภาพโลกตามที่เราเห็น โลกดูเหมือนผิดเพี้ยนไปในบางครั้งจนเกินกว่าจะยอมรับได้ เนื่องจากศิลปินถูกชี้นำด้วยจินตนาการของตนเองมากขึ้น การจากไปของความสมจริงไม่ใช่เรื่องไร้สาระ ศิลปินต้องการพูดว่า: "โลกไม่ได้เป็นอย่างที่เราเห็นเลย: มัน มันไม่มีความหมายและไร้สาระโดยเนื้อแท้ มันเป็นอย่างที่เราแสดงไว้ในภาพวาดของเรา"

Avant-garde คือการเคลื่อนไหวในวัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 20 ซึ่งแหวกแนวกับบรรทัดฐานและประเพณีที่มีอยู่ เปลี่ยนแปลงความแปลกใหม่ วิธีการแสดงออกเป็นจุดสิ้นสุดในตัวเอง Prokhorov A. M. พจนานุกรมสารานุกรมโซเวียต M. , 1985 ลัทธิเปรี้ยวจี๊ดมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับลัทธิสมัยใหม่ แนวคิดของลัทธิสมัยใหม่นั้นกว้างกว่าลัทธิเปรี้ยวจี๊ดซึ่งหมายถึงเฉพาะวัฒนธรรมทางศิลปะและความทันสมัยในทุกสิ่งใหม่ ในแนวหน้าของศตวรรษที่ 20 มีหลายทิศทาง แนวโน้มที่มีอยู่คู่ขนาน มักจะข้ามกัน แทนที่หรือยกเลิกซึ่งกันและกัน การเคลื่อนไหวทั้งสามได้รับสถานะเป็นนิรันดร์: นามธรรมนิยม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, สถิตยศาสตร์ (เหนือความเป็นจริง) ความประทับใจแรกเมื่อเจอกับเปรี้ยวจี๊ดคือทุกอย่างผิดไปหมด สูตรหลัก: หากไม่เคยทำมาก่อน ก็ต้องทำให้สำเร็จ ซึ่งเป็นสัญญาณที่คงที่: การล้มล้างแนวคิดดั้งเดิมอย่างมีสติ คนแนวหน้าไม่ได้พยายามให้กำเนิดศิลปะ แต่เป็นวิธีการแห่งความรู้ และเพื่อให้มันมาแทนที่ปรัชญาดั้งเดิม ดังนั้นศิลปินแนวหน้าจึงสร้างบางสิ่งที่พิเศษในงานของพวกเขาซึ่งรวมถึงปัญหาของการคิดเชิงนามธรรม ความคิดทางอ้อมของการเป็น และโลกแห่งความคิดที่เข้มข้น ดังนั้น ศิลปะนามธรรมจึงไม่ใช่สไตล์ แต่เป็นวิธีคิด ช่วงเวลา: ตั้งแต่ Art Nouveau (XIX) ไปจนถึง "Les Demoiselles d'Avignon" (ภาพวาดลูกบาศก์ชิ้นแรกของ Picasso) มีลักษณะเฉพาะด้วยการปรับโครงสร้างของงานศิลปะแบบดั้งเดิม ภาษาของเปรี้ยวจี๊ดยังไม่ได้รับการพัฒนาดังนั้นศิลปิน ถูกบังคับให้อธิบายหลักสมมุติฐานของจุดยืนของตนด้วยตนเอง

Abstractionism เป็นทิศทางในงานศิลปะที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 10 ของศตวรรษที่ 20 โดยปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงวัตถุและปรากฏการณ์จริง Prokhorov A. M. พจนานุกรมสารานุกรมโซเวียต ม., 1985. ศิลปะนามธรรมปฏิเสธงานด้านความรู้ความเข้าใจ ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเป็นการแสดงให้เห็นอย่างสุดขั้วของความทันสมัย ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมคือ Wassily Kandinsky สาระสำคัญของการเคลื่อนไหวนี้คือด้วยความช่วยเหลือของแปรงและดินสอคุณสามารถสร้างการสั่นสะเทือนพิเศษของจิตวิญญาณและแนะนำให้รู้จักกับจิตวิญญาณแห่งดนตรี สื่อศิลปะ: จุดแสง เส้น รูปทรงเรขาคณิต นามธรรม ศิลปะนามธรรมชวนให้นึกถึงดนตรี และ Kandinsky ได้สร้างภาษาการวาดภาพนามธรรมของเขาเอง โดยแต่ละสีมีความหมายเชิงสัญลักษณ์บางอย่าง ตัวแทนของศิลปะนามธรรมอีกคนคือ Kazimir Malevich ผลงานของเขา "Black Square" (1913) ได้รับการจัดแสดงเป็นสัญลักษณ์ดาวเคราะห์ชนิดใหม่

ขบวนการสมัยใหม่ - สถิตยศาสตร์ที่เกี่ยวข้องกับซัลวาดอร์ดาลีเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีเสถียรภาพในช่วงปี 25-26 สถิตยศาสตร์ประกาศว่าแหล่งกำเนิดของศิลปะเป็นขอบเขตของจิตใต้สำนึก (สัญชาตญาณ ความฝัน ภาพหลอน) และวิธีการของศิลปะที่จะทำลายการเชื่อมโยงเชิงตรรกะ แทนที่ด้วยความเชื่อมโยงเชิงอัตวิสัย โลกแห่งความเป็นจริงคือโลกที่อยู่ในจิตใต้สำนึกของเรา . สถิตยศาสตร์ไม่เพียงแสดงออกมาในภาพวาดเท่านั้น แต่ยังปรากฏอยู่ในงานประติมากรรมและภาพยนตร์ด้วย

ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นการปฏิวัติทางสุนทรียภาพที่เกิดขึ้นในยุโรปในช่วงทศวรรษที่ 60-70 โดยเริ่มใช้ในปี พ.ศ. 2522 นี่ไม่ใช่สไตล์ แต่กำลังยกตัวอย่างที่รู้จักกันดี แต่ในลักษณะที่ไร้สาระโดยเจตนาและคุณลักษณะหลักคือการผสมผสาน (การรวมกันขององค์ประกอบต่าง ๆ - ตะวันออก, ตะวันตก, แอฟริกา, วัฒนธรรมยุโรป) เส้นทางนี้วางจุดเริ่มต้นและจุดไว้ด้านหนึ่ง การพัฒนาที่สูงขึ้น- ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นผลมาจากการเคลื่อนไหวของนักศึกษา มันเป็นปฏิกิริยาต่อสังคมผู้บริโภค พวกเขาพยายามนำเสนอแนวคิดสุดยอดใหม่ๆ ให้กับสังคมที่ไม่มีอุดมการณ์ ศิลปินที่แท้จริงในโลกถูกรายล้อมไปด้วยศัตรู ดังนั้นลัทธิหลังสมัยใหม่จึงเป็นรูปแบบหนึ่งของการกบฏทางสุนทรียภาพและถูกเปล่งออกมาโดยแนวคิดเรื่องการปฏิวัติทางเพศครั้งใหม่และราคะใหม่ ทั้งลัทธิสมัยใหม่และลัทธิหลังสมัยใหม่ไม่สามารถอ้างสิทธิ์ในความนิยมในวงกว้างได้ กล่าวคือ พวกมันเกิดขึ้นในฐานะชนชั้นสูง อย่างไรก็ตาม ความทันสมัยและลัทธิหลังสมัยใหม่กลายเป็นขั้นตอนในการพัฒนาวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 20 ซึ่งไม่เพียงแต่สรุปภาพรวมทั้งหมดเท่านั้น จุดปวดแต่ยังกลายเป็นศิลปะที่เชื่อมโยงยุคศตวรรษที่ 20 กับนิรันดร์ที่ถูกลืมไปในความพลุกพล่าน

การบุกรุกไม่ได้ รูปแบบคลาสสิก“ Krivtsun ในด้านทัศนศิลป์ ดนตรี และวรรณกรรม ในตอนแรกถูกมองว่าเป็นสัญญาณที่ชัดเจนของการตายของศิลปะ เนื่องจากการทำลายล้างบางสิ่งที่สำคัญมากซึ่งการปฏิบัติทางศิลปะของศตวรรษที่ 19 ยังคงอยู่ จากข้อมูลของ Krivtsun จำเป็นต้องประกาศวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับการตายของงานศิลปะเพื่อให้สามารถฟื้นฟูระยะใหม่ของการพัฒนาได้ ความเป็นเอกลักษณ์ของระยะใหม่ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะคือการแก้ไขแนวคิดก่อนหน้านี้ทั้งหมดเกี่ยวกับความเป็นไปได้และวัตถุประสงค์ของงานศิลปะ

ลักษณะทั่วไป วัฒนธรรมทางศิลปะศตวรรษที่ XX ขั้นพื้นฐาน เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์- ขั้นตอนของการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 20 การพัฒนากระบวนการบูรณาการในด้านเศรษฐศาสตร์และวัฒนธรรม สงครามโลก การปฏิวัติ และอิทธิพลที่มีต่อการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะ การปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี การปฏิวัติ "อิเล็กทรอนิกส์" และผลกระทบต่อวัฒนธรรมทางศิลปะ เร่งก้าวของการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะ ความหายนะระดับโลกในยุคนั้นและศูนย์รวมในงานศิลปะ (P. Picasso, I. Stravinsky, M. Gorky, R. Tagore, T. Mann, B. Brecht, A. Berg, A. Scriabin, S. Eisenstein, A. Platonov ,เอฟ คาฟคา, ดี. ออร์เวลล์ ฯลฯ) การพัฒนาวัฒนธรรมของชาติและการเสวนาระหว่างกัน ระดับชาติและเป็นสากลในวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ยี่สิบ

ขยายขอบเขตเฉพาะและประเภทของศิลปะ การเปลี่ยนแปลงโครงสร้างทางสัณฐานวิทยาของโลกศิลปะ การสร้างรูปแบบชายแดน กิจกรรมสร้างสรรค์- ศิลปะประเภทใหม่ บทบาทที่โดดเด่นของวัฒนธรรมทางศิลปะในรูปแบบที่งดงามและความหลากหลายของแนวเพลง

วัฒนธรรมมวลชนและชนชั้นสูง การดัดแปลงทางศิลปะ วัฒนธรรมและศิลปะของ "ทิศทางที่สาม" ใหม่ในการทำงานของวัฒนธรรมศิลปะ การพัฒนาต่อไปวิธีการสื่อสารมวลชน วิธีการทางเทคนิคในการบันทึก การจัดเก็บ และการแพร่ภาพกระจายเสียง การทำซ้ำงานศิลปะ วิธีใหม่ของการผลิตงานศิลปะและการบริโภคงานศิลปะรูปแบบใหม่ (การสร้างภาพยนตร์ การบันทึกเสียง การบันทึกวิดีโอ " ศิลปะคอมพิวเตอร์" โทรทัศน์และวิทยุกระจายเสียง เป็นต้น) การศึกษาศิลปะและการศึกษาในศตวรรษที่ยี่สิบ

ขั้นพื้นฐาน ทิศทางศิลปะและตัวแทนของพวกเขา

ความสมจริง การปรับเปลี่ยนระดับชาติและสังคม (B. Brecht, T. Mann, E. Remarque, A. Barbusse, L. Aragon, R. Rolland, M. Carne, T. Dreiser, C. Chaplin, M. Sholokhov, A. Fadeev , A. Tolstoy, S. Eisenstein ฯลฯ )

การแสดงออกเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมเยอรมันและยุโรปในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ยี่สิบ ลักษณะเฉพาะของโลกทัศน์และทัศนคติที่รวมอยู่ในศิลปะการแสดงออก การปลูกฝังสภาวะทางอารมณ์เชิงลบที่รุนแรง ดึงดูดด้านลบของความเป็นจริง ความคิดริเริ่มของวิธีการแสดงออกและรูปแบบของศิลปะการแสดงออก "New Viennese School" ในดนตรี, กลุ่ม "Bridge" และ "Blue Rider" ในการวาดภาพ, การแสดงออกในภาพยนตร์ ("Homunculus" โดย R. Reinert, "The Cabinet of Doctor Caligari" โดย R. Wiene ฯลฯ )

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในการวาดภาพ (P. Picasso, J. Braque) รัสเซีย Cubo-Futurism (กลุ่ม " แจ็ค ออฟ ไดมอนด์- Suprematism (K. Malevich และสมาคม Unovis) อิทธิพลของลัทธิซูพรีมาติสต์ต่อศิลปะรัสเซียและยุโรปในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 20) การแสดงออกเชิงนามธรรมโดย V. Kandinsky บทความของเขาเรื่อง “จิตวิญญาณในงานศิลปะ” บทบาทของผลงานของ V. Kandinsky และ A. Scriabin ในการเกิดขึ้นของดนตรีสี

สถิตยศาสตร์ บรรพบุรุษของสถิตยศาสตร์ การประกาศของสถิตยศาสตร์ อุทธรณ์ไปยัง "ความเป็นจริงของความฝัน" ธีมและภาพของผลงานเหนือจริง เทคนิคและวิธีการแสดงออก สถิตยศาสตร์ในบทกวี (L. Aragon, A. Breton, R. Vitrak, R. Desnos, M. Moriz ฯลฯ ), ภาพวาด (S. Dali, R. Magritte, I. Tanguy ฯลฯ ) ภาพยนตร์ (L. บูนูเอล)

โรงเรียนและขบวนการอื่น ๆ ในศิลปะแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

13. วัฒนธรรมศิลปะของรัสเซีย ขั้นตอนหลักของการก่อตัวและการพัฒนา มาตุภูมิโบราณ Kievan Rus (ศตวรรษที่ X-XII) ช่วงเวลาเฉพาะของประวัติศาสตร์ มาตุภูมิโบราณ(ที่สองในสามของศตวรรษที่ 12 - กลางศตวรรษที่ 15) มอสโกมาตุภูมิ (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 - 16) การยอมรับศาสนาคริสต์ อิทธิพลของพระองค์ต่อวัฒนธรรมรวมทั้งศิลปะ อิทธิพลซึ่งกันและกันของลัทธินอกรีตและศาสนาคริสต์ การกำเนิดของการเขียน การก่อตัวของประเพณีหนังสือเขียนด้วยลายมือ การแบ่งแยกวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 12-15 ศูนย์กลางหลักของคริสตจักรและวัฒนธรรมทางศาสนา สถาปัตยกรรมทางศาสนา อนุสาวรีย์หลัก การออกแบบสถาปัตยกรรมของโบสถ์ทรงโดมไขว้ ความหมายของการตกแต่งภายนอก การตกแต่งภายในวัด (จิตรกรรมฝาผนัง โมเสก ไอคอน) อิทธิพลของศีลไบแซนไทน์ โรงเรียนวาดภาพไอคอนหลัก คุณสมบัติของโรงเรียนวาดภาพไอคอนระดับภูมิภาค การก่อตัวของวัฒนธรรมรัสเซียที่เป็นหนึ่งเดียว มอสโกเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมของ Ancient Rus' ในช่วงครึ่งปีหลัง ศตวรรษที่ 15 – 16 มอสโก เครมลิน. คุณสมบัติทางสถาปัตยกรรม- สไตล์เต็นท์ในสถาปัตยกรรม การตกแต่งที่เป็นสัญลักษณ์ของมหาวิหารมอสโกเครมลิน ผลงานของ F. Greek, A. Rublev, Dionysius ในฐานะความสำเร็จสูงสุดของการวาดภาพไอคอนรัสเซียโบราณ การทำให้วัฒนธรรมรัสเซียกลายเป็นฆราวาสในศตวรรษที่ 17 งานฝีมือและศิลปะและงานฝีมือ “Naryshkinskoe (Moscow) Baroque” ในสถาปัตยกรรม การเปลี่ยนแปลง ภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของไอคอน ส. อูชาคอฟ พาร์ซัน โรงละครศาล.

วัฒนธรรมศิลปะแห่งศตวรรษที่ XX.

ศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยนวัตกรรมทางศิลปะและวรรณกรรมมากมายที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงอันหายนะ จิตสำนึกสาธารณะในช่วงการปฏิวัติและสงครามโลกรวมถึงการก้าวกระโดดทางวิทยาศาสตร์อย่างก้าวกระโดด การพัฒนาทางเทคนิคสังคม. เงื่อนไขใหม่ของความเป็นจริงทางสังคมมีผลกระทบต่อวัฒนธรรมศิลปะโดยรวม ในด้านหนึ่งให้ลมหายใจใหม่แก่ประเพณีคลาสสิก และอีกด้านหนึ่งให้กำเนิดงานศิลปะใหม่ - เปรี้ยวจี๊ด(จากภาษาฝรั่งเศส "เปรี้ยว" - ขั้นสูงและ "ผู้พิทักษ์" - การปลดประจำการ) หรือ สมัยใหม่(จากภาษาละติน modernus - ใหม่, ทันสมัย) ซึ่งสะท้อนถึงยุคสมัยได้อย่างเต็มที่ที่สุด โดยพื้นฐานแล้วคำว่า "สมัยใหม่" หมายถึง แนวโน้มทางศิลปะการเคลื่อนไหว โรงเรียน และกิจกรรมของปรมาจารย์แต่ละคนในศตวรรษที่ 20 ซึ่งประกาศเสรีภาพในการแสดงออกเป็นพื้นฐานของวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขา

สถาปนิกต้องเผชิญกับภารกิจ: เพื่อเอาชนะการผสมผสาน, กลับไปสู่องค์กรโวหารของสถาปัตยกรรมและในเวลาเดียวกันก็ย้ายออกจากรูปแบบคลาสสิก, การวางแผนอย่างสม่ำเสมอ, คำตอบสำหรับความท้าทายนี้คือ ทันสมัย. สถาปัตยกรรมสมัยใหม่มีความโดดเด่นด้วยการปฏิเสธเส้นตรงและมุม โดยหันไปใช้เส้นที่ "เป็นธรรมชาติ" ที่เป็นธรรมชาติมากกว่า และการใช้เทคโนโลยีใหม่ (โลหะ แก้ว)เช่นเดียวกับรูปแบบอื่น ๆ สถาปัตยกรรมสมัยใหม่ก็โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะสร้างอาคารที่มีทั้งความสวยงามและประโยชน์ใช้สอย สไตล์อาร์ตนูโวที่สมบูรณ์แบบที่สุดแสดงออกในการก่อสร้างพระราชวัง คฤหาสน์ และประเภทของอาคารอพาร์ตเมนต์แต่ละแห่ง โดยให้ความสำคัญกับความไม่สมดุลในการจัดกลุ่มปริมาณอาคารและตำแหน่งของช่องหน้าต่างและประตู อาร์ตนูโวมีอิทธิพลต่อศิลปะและงานฝีมือและวัฒนธรรมในชีวิตประจำวัน ไม่เพียงแต่ได้รับความสนใจเป็นอย่างมากเท่านั้น รูปร่างอาคารต่างๆ แต่ยังรวมไปถึงการตกแต่งภายในซึ่งได้รับการตกแต่งอย่างระมัดระวัง องค์ประกอบโครงสร้างทั้งหมด: บันได ประตู เสา ระเบียง ได้รับการประมวลผลอย่างมีศิลปะ
สถาปนิกในการค้นหาของพวกเขาได้สัมผัสกับภารกิจในการประสานสุนทรียภาพทางสุนทรียะของสังคมไม่เพียง แต่ในการก่อสร้างส่วนบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการก่อสร้างอาคารอุตสาหกรรมสถานีรถไฟสถาบันสาธารณะและเชิงพาณิชย์อาคารทางศาสนาอาคารอพาร์ตเมนต์ที่ทำกำไร รวมถึงบ้านของ “อพาร์ตเมนต์ราคาถูก” สำหรับคนงานด้วย ในหลายเมือง บ้านเหล่านี้ยังคงเป็นพื้นที่ส่วนใหญ่ของการพัฒนาที่อยู่อาศัยในศูนย์กลางประวัติศาสตร์ของพวกเขา ไม่ว่าสถาปนิกสไตล์อาร์ตนูโวจะออกแบบอะไรก็ตาม พวกเขาเริ่มต้นจากภายใน จากการจัดพื้นที่ภายในที่เหมาะสมและสะดวกที่สุดให้สอดคล้องกับวัตถุประสงค์การใช้งาน นี่คือจุดเริ่มต้นของศิลปะการออกแบบตกแต่งภายในสมัยใหม่ ปรมาจารย์สมัยใหม่ห่างไกลจากรุ่นก่อนในแง่ของความสมบูรณ์แบบของการจัดระเบียบพื้นที่ภายในและฟังก์ชันการทำงาน

คาซา มิลา, บาร์เซโลนา โค้ง. อ. เกาดี้

พื้นฐานสำหรับ " สถาปัตยกรรมใหม่» S. E. Le Corbusier (1887-1965) ค้นหารูปทรงเรขาคณิต เส้นตรงมุมขวา การผสมผสานที่ลงตัวระหว่างแนวนอนและแนวตั้ง และสีขาวล้วน Villa Savoy ที่มีชื่อเสียงโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์แบบของรูปแบบและสัดส่วนที่ชัดเจนความสามัคคีแบบออร์แกนิกกับธรรมชาติและความเป็นไปได้ของความเป็นส่วนตัวอย่างสมบูรณ์

อาคารที่อยู่อาศัยในมาร์เซย์- แบบจำลองบ้านในอุดมคติสำหรับบุคคล ออกแบบมาสำหรับ 350 ครอบครัว สะท้อนแนวคิดของผู้เขียนอย่างชัดเจนว่า "บ้านคือเครื่องจักรในการดำรงชีวิต" ประกอบด้วยอพาร์ทเมนท์ 2 ชั้นจำนวน 337 ห้อง ร้านค้า โรงแรม สวนดาดฟ้า ห้องออกกำลังกาย สระว่ายน้ำ โรงเรียนอนุบาลนั่นคือทุกสิ่งที่บุคคลต้องการเพื่อชีวิตที่สะดวกสบาย

วัฒนธรรมทางศิลปะกำลังประสบกับการสลายตัวอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในการเคลื่อนไหวที่แตกต่างกันอย่างมาก ในการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่มีชีวิตชีวาและมากมายเหล่านี้ สามารถแยกแยะการเคลื่อนไหวหลักๆ หลายประการได้: Fauvism, Expressionism, Abstractivism, Futurism, Cubism, Surrealism, Purism, Orphism, Constructivism
ลัทธิโฟวิสม์(จากภาษาฝรั่งเศส Les Fauves - "นักล่าที่ดุร้าย") มีพื้นฐานมาจากความสว่างของสีที่ผิดปกติและความหยาบของรูปแบบโดยเจตนา Fauves เพิ่มความโดดเด่นของจุดสีให้สูงสุดผ่านคอนทราสต์ด้วยโทนสีเพิ่มเติม โดยไม่สนใจสีที่แท้จริงของวัตถุ ในเวลาเดียวกันสีสันที่มากเกินไปของภาพวาดของพวกเขาซึ่งเป็น "ความก้าวร้าวทางสายตา" นำไปสู่รูปแบบที่เรียบง่ายอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้การปรากฏตัวของรูปทรงที่คมชัดซึ่งแยกจุดสว่างของสี Fauves ทำงานเป็นภาพทิวทัศน์เป็นหลัก ซึ่งบางครั้งก็แสดงภาพฉากต่างๆ ภายใน พวกเขาไม่ค่อยหันไปใช้การถ่ายภาพบุคคล และหากเกิดเหตุการณ์เช่นนี้ การวาดภาพบุคคลของพวกเขาจะโดดเด่นด้วยการประชดเล็กน้อยที่เกี่ยวข้องกับแบบจำลองที่กำลังแสดง ถือเป็นหัวหน้าโรงเรียนแห่งนี้ ศิลปินชาวฝรั่งเศสอองรี มาติส ที่ทำการเลิกรากันโดยสิ้นเชิง สีแสง- ในภาพวาดของเขา จมูกของผู้หญิงอาจเป็นสีเขียวได้หากทำให้จมูกดูแสดงออกและมีองค์ประกอบ Matisse กล่าวว่า: “ฉันไม่วาดภาพผู้หญิง ฉันวาดภาพ".

สาระสำคัญของการไหล ความเป็นนามธรรม(จากภาษาลาตินนามธรรม - สิ่งที่ทำให้ไขว้เขว การกำจัด) ประกอบด้วยการปฏิเสธที่จะพรรณนาวัตถุและปรากฏการณ์ที่แท้จริงในการวาดภาพ กราฟิก และประติมากรรม โดยสมบูรณ์ ศิลปินเริ่มแปลกแยกจากความเป็นจริง ตามคำกล่าวของศิลปินชาวเยอรมัน Paul Klee “ยิ่งโลกเลวร้ายเท่าไหร่ ศิลปะนามธรรมก็ยิ่งมากขึ้นเท่านั้น” ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะนามธรรมคือศิลปินชาวรัสเซีย วาซิลี คันดินสกี้(พ.ศ. 2409-2487) ซึ่งในงานของเขาเราเห็นความโดดเด่นของสีเหนือภาพโดยสิ้นเชิง ในองค์ประกอบของเขา วงกลมหลากสี สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม รวมกับเส้นสีดำตรงบนพื้นหลังสีขาว ทำให้เกิดการเชื่อมโยงวัตถุต่างๆ Kandinsky เชื่อมโยงการวาดภาพกับสภาวะจิตใจและเสียง โลกวัตถุประสงค์(“ ไวโอลินสีม่วง”, “เสียงสีเหลือง”)

Wassily Kandinsky "คอสแซค"

รูปแบบ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม(จากคิวบิสม์ฝรั่งเศสที่มาจากคิวบ์ - คิวบ์) เนื่องจากการเคลื่อนไหวอิสระในวิจิตรศิลป์ได้รับการส่งเสริมโดยนิทรรศการภาพวาดของ Cezanne ในปี 1904 ซึ่งเรียกร้องให้ศิลปินลดโลกที่มองเห็นทั้งหมดให้เหลือเพียงรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด เลขชี้กำลังที่โดดเด่นของลัทธิลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมคือ Georges Braque ชาวฝรั่งเศส (พ.ศ. 2425-2506) และ Pablo Picasso ชาวสเปน (พ.ศ. 2424-2516) Braque ย่อรูปแบบเป็นลูกบาศก์เล็ก ๆ สร้างระนาบที่พันกันแสดงให้เห็นวัตถุราวกับว่าทันทีด้วย มุมที่แตกต่างกันจึงมีการเขียนไว้เช่นนี้ "ท่าเรือในนอร์มังดี"- ปิกัสโซอยู่ภายใต้อิทธิพลของความเป็นพลาสติก "ป่า" ของประติมากรรมนิโกร รูปแบบธรรมชาติความผิดปกติทางเรขาคณิต ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพวาดของเขา ซึ่งเป็นโปรแกรมสำหรับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม "หญิงสาวแห่งอาวีญง"ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวจนได้รับฉายาว่า “ป้ายซ่อง” ตัวที่อยู่ในนั้นผ่าด้วยขอบแบนขนาดใหญ่และแรเงาด้วยสี ทำให้เกิดภาพนูนที่แข็งแกร่งและมีชีวิตชีวา

Georges Braque "ท่าเรือในนอร์มังดี"

สถิตยศาสตร์เนื่องจากเป็นหนึ่งในกระแสทางศิลปะ ก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงต้นทศวรรษปี ค.ศ. 1920 การเคลื่อนไหวใหม่นี้ได้ชื่อมาจากคำภาษาฝรั่งเศส "surrealisme" ซึ่งแปลว่า "super-realism" คุณสมบัติที่โดดเด่นทิศทางนี้คือการใช้ชุดค่าผสมที่ขัดแย้งกัน รูปแบบต่างๆและการพาดพิง พื้นฐานของแนวคิดเรื่องสถิตยศาสตร์ทั้งหมดคือความเหนือจริงซึ่งแสดงออกโดยการผสมผสานระหว่างความเป็นจริงกับความฝัน เป็นหลัก แนวทางที่สร้างสรรค์นักสถิตยศาสตร์เสนอการผสมผสานภาพที่เป็นธรรมชาติและขัดแย้งกันอย่างไร้สาระ เป้าหมายหลักมีการแยกฝ่ายวิญญาณออกจากวัตถุและความสูงส่งของมัน
ศิลปินสร้างภาพวัตถุธรรมดาๆ ที่ดูไร้เหตุผลและน่ากลัวด้วยความแม่นยำในการถ่ายภาพ หรือใช้เทคนิคการวาดภาพที่ไม่ได้มาตรฐานซึ่งทำให้สามารถแสดงออกถึงจิตใต้สำนึกได้ เพื่อที่จะเข้าถึงส่วนลึกของจิตใต้สำนึก ศิลปินใช้วิธีการที่หลากหลาย บางครั้งก็รุนแรง มีหลายกรณีที่นักสถิตยศาสตร์ทำงานภายใต้อิทธิพลของความหิวโหย ยา การสะกดจิต การอดนอน หรือการดมยาสลบ แม้ว่าภาพจะสับสนวุ่นวายไปหมด แต่ก็ยังสามารถแยกแยะความรอบคอบบางอย่างในภาพเหล่านั้นได้เป็นระยะๆ นักสถิตยศาสตร์ที่มีชื่อเสียงที่สุด: Salvador Dali (1904-1989), Rene Magritte (1898-1967) Salvador Dali รู้วิธีสร้างเอฟเฟกต์ให้กับภาพวาดของเขา ภาพลวงตาผสมผสานการแสดงภาพที่เป็นธรรมชาติเข้ากับธีมที่ไร้สาระ ในภาพเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา “ความคงอยู่ของความทรงจำ”นำเสนอบนพื้นหลังทะเลทราย สัตว์ประหลาดมีลักษณะคล้ายซากสัตว์ทะเลบางชนิด ในนั้นคุณสามารถเห็นลักษณะใบหน้าของบุคคลและหอยทากที่ไม่มีเปลือกไปพร้อมๆ กัน มีนาฬิกาอยู่รอบๆ พวกมันทำให้คุณนึกถึงความเปราะบางของชีวิตมนุษย์ ความลื่นไหล และความซ้ำซากจำเจของเวลา

ซัลวาดอร์ ดาลี "ความคงอยู่แห่งความทรงจำ"

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ก็ได้ถือกำเนิดขึ้น ภาพยนตร์- อันดับแรก หนังสั้น(ความสูง 15-20 เมตร การสาธิตประมาณ 1.5 นาที) ส่วนใหญ่เป็นสารคดี แต่ในละครตลกของพี่น้อง Lumiere เรื่อง “The Watered Waterman” แนวโน้มของการปรากฏตัวของภาพยนตร์สารคดีก็สะท้อนให้เห็นแล้ว
ภาพยนตร์เรื่องแรกความยาวสั้นเกิดจากความไม่สมบูรณ์ทางเทคนิคของอุปกรณ์สร้างภาพยนตร์ อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษปี 1900 ความยาวของภาพยนตร์ได้เพิ่มขึ้นเป็น 200-300 เมตร (การสาธิต 15-20 นาที) การปรับปรุงเทคโนโลยีการถ่ายทำและการฉายภาพส่งผลให้ภาพยนตร์มีความยาวเพิ่มขึ้น การเพิ่มเทคนิคทางศิลปะในการถ่ายทำ การแสดง และการกำกับในเชิงคุณภาพและเชิงปริมาณ และการจำหน่ายภาพยนตร์ที่แพร่หลายและได้รับความนิยมทำให้มั่นใจได้ถึงความสามารถในการทำกำไรทางเศรษฐกิจซึ่งไม่สามารถส่งผลกระทบต่อคุณค่าทางศิลปะของภาพยนตร์ที่ถ่ายทำได้ ในช่วงเวลานี้ เมื่อเนื้อเรื่องของภาพยนตร์มีความซับซ้อนและยาวขึ้น แนวภาพยนตร์ก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ความคิดริเริ่มทางศิลปะก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง และชุดเทคนิคการมองเห็นเฉพาะสำหรับแต่ละแนวก็ถูกสร้างขึ้น
โรงภาพยนตร์ "เงียบ" ขึ้นถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงที่ภาพยนตร์ได้ก่อตั้งขึ้นอย่างสมบูรณ์ในรูปแบบศิลปะอิสระ มีของตัวเอง วิธีการทางศิลปะ- ภาพยนตร์การ์ตูนที่นำแสดงโดยชาร์ลี แชปลิน ประสบความสำเร็จอย่างมาก ภาพยนตร์เสียงเรื่องแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2471 และไม่ได้รับการยอมรับในทันที หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ภาพยนตร์ยุโรปประสบปัญหาความเสื่อมถอย และภาพยนตร์อเมริกันเข้ามาอันดับหนึ่ง
ในพื้นที่ที่งดงามใกล้กับลอสแอนเจลิส สตูดิโอภาพยนตร์ที่ใหญ่ที่สุดในอเมริกาเริ่มเข้มข้นขึ้น วันเกิดอย่างเป็นทางการของฮอลลีวูดคือปี 1913 อันดับแรก ความสำเร็จครั้งใหญ่เข้ามาสู่วอลต์ ดิสนีย์ (พ.ศ. 2444-2509) ในปี พ.ศ. 2472 ด้วยภาพยนตร์เรื่อง Silly Symphonies และแอนิเมชั่นเรื่องแรกของโลกเรื่อง Snow White and the Seven Dwarfs (พ.ศ. 2480) ระหว่างภาพยนตร์เหล่านี้ พลูโตและกู๊ฟฟี่ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งได้รับความนิยมอื่นๆ ฮีโร่ดิสนีย์รวมถึงภาพยนตร์สีเรื่องแรกกับมิกกี้เมาส์ - “The Concert” การเผยแพร่รูปแบบศิลปะใหม่ให้แพร่หลายได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยรางวัลที่มอบให้จากความสำเร็จในด้านภาพยนตร์ การนำเสนอรางวัลครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 19 พฤษภาคม พ.ศ. 2472 และที่นี่มีการตัดสินใจจัดตั้งรางวัลประจำปีซึ่งเรียกว่าออสการ์ ประเพณีการจัดเทศกาลภาพยนตร์นานาชาติในยุโรปมีมาตั้งแต่ปี 1932 เทศกาลภาพยนตร์นานาชาติครั้งแรกจัดขึ้นที่เมืองเวนิส และในปี พ.ศ. 2478 เทศกาลภาพยนตร์นานาชาติครั้งแรกจัดขึ้นที่กรุงมอสโก

หลังจากทำความคุ้นเคยกับเนื้อหาที่นำเสนอแล้ว คุณต้องทำการตรวจสอบและ งานควบคุมนำเสนอที่นี่ ในกรณีที่จำเป็น, วัสดุควบคุมถูกส่งไปยังอีเมล์ของอาจารย์: [ป้องกันอีเมล]

วัฒนธรรมศิลปะ วัฒนธรรมศิลปะรัสเซียต้นศตวรรษที่ 20

วัฒนธรรมศิลปะของรัสเซียต้นศตวรรษที่ 20 อยู่ในภาวะวิกฤติทางจิตวิญญาณที่เกี่ยวข้องกับอารมณ์ของ "ชายแดน" การเติบโตของแนวโน้มปัจเจกบุคคล การปฏิเสธความสมจริงและความเป็นสังคมในงานศิลปะ ตาม M.V. Nesterov ยุคของ "การประเมินค่าใหม่โดยทั่วไป" ได้มาถึงแล้ว ปรากฏการณ์อย่างหนึ่งในยุคนั้นคือความเสื่อมโทรม - การครอบงำของแรงจูงใจที่เสื่อมโทรม ความสิ้นหวัง และการปฏิเสธชีวิต ส่วนใหญ่มักมีอยู่ในขบวนการสมัยใหม่ แนวคิดของ "สมัยใหม่" (French moderne - modern) บ่งบอกถึงกระแสใหม่ในวรรณคดีและศิลปะที่ขัดแย้งกับประเพณีที่สมจริงของปีก่อน ๆ ผู้ติดตามลัทธิสมัยใหม่กำลังมองหาวิธีที่จะแสดงออกถึงความเป็นบุคคลในงานศิลปะ โดยถอยห่างจากความเป็นจริงเชิงวัตถุวิสัย และปฏิเสธการไตร่ตรองตามความเป็นจริงของตนอย่างแสดงให้เห็น ลัทธินีโอโรแมนติกนิยมแพร่หลายในวรรณคดี ภาพวาด และดนตรี

สำหรับวรรณคดีรัสเซียต้นศตวรรษที่ 20 - ช่วงพิเศษ ครั้งนี้ถือเป็นปีสุดท้ายของชีวิตและการทำงานของ L.N. ตอลสตอย. ในนวนิยายเรื่อง “การฟื้นคืนชีพ” (พ.ศ. 2442) ผู้เขียนประณามความอยุติธรรมทางสังคมและแสดงความเห็นอกเห็นใจต่อกองกำลังปฏิวัติ การที่ตอลสตอยเลิกกับคริสตจักร (พ.ศ. 2444) ทำให้ "ลัทธิตอลสตอย" กลายเป็นนิกายที่เป็นศัตรูกับออร์โธดอกซ์ ผลงานของเอ.พี.ได้รับความนิยมอย่างมาก Chekhov ซึ่งในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขียนนวนิยายและเรื่องราวที่ดีที่สุดของเขา - "My Life", "Men", "House with a Mezzanine", "Lady with a Dog", "Bride" รวมถึงละครเรื่อง "The Seagull" และ " The Cherry Orchard” จัดแสดงบนเวทีของ Moscow Art Theatre ผลงานของเชคอฟกลายเป็นบันทึกเหตุการณ์ชีวิตของปัญญาชนชาวรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เชคอฟต่างจาก "การเมือง" คาดหวังชีวิตใหม่ที่มีความสุขสำหรับเพื่อนร่วมชาติของเขาที่ต้องทำงาน "เพื่ออนาคตที่ดี" ผลงานของ A.M. "หญิงชรา Izergil" ของ Gorky, "Chelkash", "หญิงสาวและความตาย", "เพลงของเหยี่ยว", "เพลงของนกนางแอ่น" และอื่น ๆ เชิดชูความปรารถนาของมนุษย์เพื่ออิสรภาพและความรักความพร้อมของเขาในการเสียสละตนเองในการต่อสู้เพื่อ อุดมคติอันสูงส่ง กอร์กีประกาศทิศทางใหม่ในวรรณคดี - "ความสมจริงของวีรบุรุษ" ซึ่งไม่เพียง แต่พรรณนาถึงชีวิตเท่านั้น แต่ยังสามารถ "อยู่เหนือมันดีกว่าสวยงามยิ่งขึ้น" ในปี 1906 กอร์กีเขียนละครเรื่อง "Enemies" และนวนิยายเรื่อง "Mother" ด้วยการแสดงความสามัคคีกับนักปฏิวัติ เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเขียนชนชั้นกรรมาชีพ ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ วรรณกรรมรัสเซียได้รับการเติมเต็มด้วยชื่อของนักเขียนรุ่นเยาว์ที่มีพรสวรรค์ - I.A. Bunin และ A.I. คูปริญ ผู้สืบสานประเพณีที่สมจริงของศตวรรษที่ 19

การถ่วงดุลกับความสมจริงในวรรณคดีคือ ขบวนการสมัยใหม่– สัญลักษณ์, ความเฉียบแหลม, ลัทธิแห่งอนาคต

หลักการของสัญลักษณ์ซึ่งเกิดขึ้นในปี 1890 ได้รับการประกาศโดย D.S. Merezhkovsky และ K.D. บัลมอนต์. Merezhkovsky เชื่อว่าสาเหตุของการเสื่อมถอยของวรรณกรรมคือความเหนือกว่าของความสมจริง ซึ่งตรงกันข้ามกับ "อุดมคตินิยมอันศักดิ์สิทธิ์" ในความเห็นของเขา พื้นฐานของศิลปะแบบใหม่คือการกลายเป็น "เนื้อหาลึกลับ" ที่แสดงออกมาด้วย "สัญลักษณ์" ผู้แสดงสัญลักษณ์ – A.A. บล็อค, วี.ยา. Bryusov, K.D. บัลมอนต์, เอ. เบลี, เอฟ.เค. โซโลกุบ, D.S. Merezhkovsky และคนอื่น ๆ กวักมือเรียกผู้อ่านด้วยความเหลือเชื่อ โลกในอุดมคติดำเนินชีวิตตามกฎแห่ง "ความงามอันเป็นนิรันดร์" ด้วยความหลงใหลในงานศิลปะที่ "บริสุทธิ์" ซึ่งนำความสุขทางสุนทรีย์มาสู่ผู้สร้าง พวก Symbolists ให้ความสำคัญกับปัจเจกนิยม การหลงตัวเอง และค้นหาโลกศักดิ์สิทธิ์ที่ซึ่ง "อัจฉริยะที่เกิดขึ้นเอง" ของพวกเขาจะได้รับชัยชนะ สิ่งนี้ทำให้พวกเขาเข้าใกล้แนวคิดเรื่อง "ซูเปอร์แมน" ของ F. Nietzsche มากขึ้น พวกสัญลักษณ์หลีกเลี่ยงความเป็นจริงทางสังคม ในปี 1905 พวกเขายอมรับ "ธงแดงแห่งการปฏิวัติ" (A. Bely) อย่างกระตือรือร้น แต่ "ลัทธิปฏิวัติ" ของพวกเขานี้เป็นเพียงการกบฏ "ที่สวยงาม" เท่านั้นซึ่งห่างไกลจากของแท้ ละครประวัติศาสตร์- มีเพียงนักสัญลักษณ์ที่มีความสามารถมากที่สุดเท่านั้นที่สามารถก้าวข้ามสุนทรียศาสตร์ที่ "บริสุทธิ์" ได้ เอเอ Blok เขียนบทกวีหลายรอบเรื่อง "มาตุภูมิ" และ "บนทุ่งคูลิโคโว" โดยเน้นหัวข้อจากชีวิตพื้นบ้านและประวัติศาสตร์รัสเซีย ความคิดสร้างสรรค์ของ Blok และ A. Bely ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาอยู่ภายใต้ อิทธิพลที่แข็งแกร่งบทกวีโดย N.A. เนกราโซวา.

Acmeism (กรีก "acme" - จุดสูงสุด, เวลาที่เบ่งบาน) ในบทกวีของรัสเซียเกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อสัญลักษณ์ด้วยการปฏิเสธความเป็นจริง ผู้ก่อตั้ง Acmeism คือ N.S. Gumilev และ S.M. โกโรเดตสกี้ ในปี 1910 Gumilyov ได้จัด "สุนทรพจน์งานศพ" เพื่อเป็นสัญลักษณ์ และในปี 1911 เขาได้ก่อตั้งแวดวงวรรณกรรมชื่อ "Workshop of Poets" Acmeists N.S. Gumilev, A.A. อัคมาโตวา, O.E. Mandelstam, MA คุซมิน, G.V. Ivanov และคณะ หันไปหา "ปัญหาทางโลก" ที่แท้จริงด้วยความสวยงามและ ภาพที่ตระการตา- พวกเขาถือว่ากวีนิพนธ์เป็นอาชีพ เป็นงานฝีมือ (จึงเรียกว่า "กิลด์") และพยายามคิดใหม่เกี่ยวกับความจริงในชีวิตประจำวันที่เรียบง่าย โดยจงใจหลีกเลี่ยงภารกิจทางสังคมและปรัชญา คอลเลกชันบทกวีชุดแรกของ Anna Akhmatova เรื่อง "Evening" ได้รับการตอบรับอย่างมีชีวิตชีวาจากสาธารณชน ความเป็นวิชาการของสไตล์ของเธอและการรุกเข้าสู่โลกถูกตั้งข้อสังเกต จิตวิญญาณของมนุษย์, เชื่อมั่น. กวี Acmeist ที่โดดเด่นคือ Gumilyov บทกวีของเขาเกี่ยวกับประเด็นทางประวัติศาสตร์และธรรมชาติที่แปลกใหม่มีความแม่นยำและแม่นยำเป็นพิเศษ อุดมคติของฮีโร่โคลงสั้น ๆ สำหรับ Gumilyov คือการพึ่งพาตนเองได้และมีบุคลิกที่เข้มแข็งเอาแต่ใจ

ในปี พ.ศ. 2453-2455 ลัทธิแห่งอนาคตปรากฏในบทกวีของรัสเซีย ชื่อของขบวนการนี้บ่งบอกถึงความปรารถนาของผู้ติดตามที่จะเป็นกวีแห่ง "อนาคต" มีแวดวงแห่งอนาคตมากมาย ที่ใหญ่ที่สุด - cubo-futurists - D.D. เบอร์ลิอัก, วี.วี. Khlebnikov, A.E. ครูเชนิค, วี.วี. คาเมนสกี้, วี.วี. มายาคอฟสกี้. ผู้นำของกลุ่มผู้มีอัตตาอนาคตคือ I.V. ชาวเหนือ. บี.แอล. Pasternak และ N.N. Aseev เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของเขาในแวดวงแห่งอนาคต "Centrifuge" ลัทธิแห่งอนาคตประกาศเสรีภาพในการพูดบทกวี ความเป็นสากล และการปฏิเสธประเพณีวรรณกรรมในนามของคำใหม่ รูปแบบใหม่ ฮีโร่ใหม่ โลกใหม่ Khlebnikov ประกาศตัวเองว่าเป็น "ประธานของโลก" และทำนาย "การเกิดใหม่ของภาษา" - การสร้าง "ภาษาที่ขาดหายไป" ที่จะรวมผู้คนเข้าด้วยกัน ในแถลงการณ์เรื่อง "A Slap in the Face of Public Taste" (1912) พวกฟิวเจอร์ริสต์เรียกร้องให้โยน Pushkin, Dostoevsky และ Tolstoy ออกจาก "เรือกลไฟแห่งความทันสมัย" และในการประชุมของพวกเขาในปี 1913 พวกเขาได้สร้างโรงละคร Budetlyanin ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของ ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็น "จัตุรัสสีดำ" ของ Malevich งานของ Mayakovsky ครอบครองสถานที่พิเศษ บทกวียุคแรกของเขาเต็มไปด้วยบทกวี ไหวพริบ การประท้วงอย่างจริงใจต่อความดื้อรั้นและความเสื่อมโทรมทางสังคม ตลอดจนความเต็มใจที่จะมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ๆ ในทางปฏิบัติ

ปรากฏการณ์ที่แท้จริงของวรรณคดีรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 กลายเป็น “กวีของประชาชน” ด้วยมุมมองสุนทรีย์ใหม่โดยสิ้นเชิง เอส.เอ. เยเซนิน เอ็น.เอ. Klyuev, S.A. คลิชคอฟ, พี.วี. โอเรชิน, A.V. ศิริยาเวตส์, P.A. Radimov และคนอื่น ๆ ร้องเพลงธรรมชาติจิตวิญญาณและประเพณีของชาวนารัสเซียอย่างดูดดื่มศรัทธาออร์โธดอกซ์ของผู้คนความปรารถนาที่จะมีชีวิตที่ดีขึ้น (คอลเลกชัน "Radunitsa" และ "Rural Book of Hours" โดย Yesenin, "Pines Chime" และ "Pesnoslov" ” โดย Klyuev, "เพลง" และ " The Secret Garden" โดย Klychkov บทกวีโคลงสั้น ๆ และกบฏของ Oreshin) กวีชาวนาเป็นสมาชิกของแวดวงและสังคมต่าง ๆ - สถาบันกษัตริย์ในจิตวิญญาณ "สังคมเพื่อการฟื้นฟูศิลปะมาตุภูมิ" ที่มหาวิหาร Feodorovsky Sovereign ใน Tsarskoye Selo (2458), กลุ่ม "ความงาม" (2458) และสังคม "Strada" (พ.ศ. 2458-2460) ในเปโตรกราด. จนถึงปี 1917 ธีมของการปฏิวัติและ "การต่อสู้ทางชนชั้น" ไม่ได้เห็นได้ชัดเจนมากนักในงานของพวกเขา แม้ว่า Klychkov จะเข้าร่วมในการลุกฮือที่มอสโกในปี 1905 และ Klyuev อยู่ในคุกเป็นเวลา 6 เดือนในข้อหา "ทางการเมือง" กวีทั้งสองเห็นใจนักปฏิวัติ Klyuev ชื่นชมการเสียสละของพวกเขาต่อ "สาเหตุอันศักดิ์สิทธิ์" เมื่อเปรียบเทียบกับผู้พลีชีพคริสเตียนกลุ่มแรกและคร่ำครวญถึง "เกรียม โค้งงอ ถูกฆ่า" โลกทัศน์เชิงกวีของ Oreshin มีอารมณ์อ่อนไหวน้อยกว่า ฮีโร่ของเขาเป็นชาวนาที่ยากจน "กวีจากประชาชน" รวมเป็นหนึ่งเดียวกันในความคิดเกี่ยวกับอดีต ปัจจุบัน และอนาคตของชาวนารัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ด้วย "สวรรค์เปลือกไม้เบิร์ช" หรือเช่นเดียวกับใน Klyuev "พื้นที่กระท่อม" และ "พระผู้ช่วยให้รอดชาวนา" ของพวกเขาเอง

ในทางวิจิตรศิลป์สิ่งสำคัญคือ สหภาพสร้างสรรค์ยังคงเป็นสมาคมนักเดินทางซึ่งรวมกันเป็นหนึ่ง จิตรกรที่เก่งที่สุดรัสเซีย. ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 รวมถึง V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, I.E. เรพิน, V.E. มาคอฟสกี้, V.D. โปเลนอฟ, I.I. เลวีตัน, A.I. Kuindzhi และคนอื่น ๆ ภาพวาดของพวกเขาโดดเด่นด้วยการพรรณนาถึงชีวิตพื้นบ้านที่มีจินตนาการสูงและเป็นจริงเรื่องราวเกี่ยวกับประวัติศาสตร์รัสเซีย ธรรมชาติพื้นเมือง- ศิลปิน A.P. มีความใกล้ชิดกับ Wanderers Ryabushkin, A.M. Vasnetsov, V.V. Vereshchagin และคนอื่น ๆ ประเพณีของโรงเรียนนี้ส่วนใหญ่สืบทอดมาจากจิตรกรที่ได้รับชื่อเสียงเมื่อต้นศตวรรษที่ 20: M.A. วรูเบล, เวอร์จิเนีย เซรอฟ, เค.เอ. โคโรวิน, M.V. Nesterov และคนอื่น ๆ

อิมเพรสชันนิสม์กลายเป็นทิศทางใหม่ในการวาดภาพ ตัวแทนที่โดดเด่นคือ K.A. โคโรวิน, เวอร์จิเนีย เซรอฟ I.E. กราบาร์, F.A. Malyavin และคนอื่นๆ ในงานของพวกเขา พวกเขาจับภาพโลกที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วรอบตัวพวกเขาอย่างเป็นกลาง ผลงานของ Serov เต็มไปด้วยบทกวีที่กระตือรือร้นของมนุษย์ นักศึกษา มศว. Repin, Serov บรรยายถึงจิตวิทยาเชิงลึกของภาพมนุษย์อย่างชำนาญ และยังได้รับชื่อเสียงจากทิวทัศน์และภาพวาดทางประวัติศาสตร์ของเขาอีกด้วย สัญลักษณ์ถูกนำเสนอในผลงานของ M.A. Vrubel ผู้สร้างความมหัศจรรย์ของเขา โลกนางฟ้าและมุ่งมั่นที่จะเปิดเผยโลกภายในที่ซับซ้อนของมนุษย์ และ V.E. โบริโซวา-มูซาโตวา Art Nouveau ได้รับการพัฒนาในผลงานของโลกแห่งศิลปะ: A.N. เบอนัวส์, เอ.ไอ. คูอินด์ซี อี.อี. Lansere และคนอื่นๆ ในทางตรงกันข้าม ศิลปิน K.S. Petrov-Vodkin, M.F. Larionov และคนอื่นๆ ปฏิบัติตามประเพณีการพิมพ์และการวาดภาพไอคอนยอดนิยมของรัสเซีย ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ธีมของ Ancient Rus ดึงดูดความสนใจของศิลปินอย่างใกล้ชิด สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ V.M. Vasnetsova, N.K. โรริช, ไอ.ยา. บิลิบีน่า. ความเข้าใจเชิงปรัชญาพบหลักการพื้นฐานของชีวิตชาวรัสเซียออร์โธดอกซ์มรดกทางประวัติศาสตร์และจิตวิญญาณของชาวรัสเซีย งานยุคแรกเอ็มวี เนสเตโรวา

หลังการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2448 กระแสนิยมสมัยใหม่ที่รุนแรงในการวาดภาพก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น ในปี 1910 เปรี้ยวจี๊ดเกิดขึ้นซึ่งรวมถึงลัทธิแห่งอนาคตของ A.V. Lentulov ลัทธินามธรรมโดย V.V. Kandinsky และ K.S. Malevich ฯลฯ ในปี พ.ศ. 2453-2454 ศิลปินแนวหน้าได้ก่อตั้งสังคม "Jack of Diamonds" ตามคำจำกัดความของ Malevich เปรี้ยวจี๊ดเป็นศิลปะที่มีรูปแบบ "บริสุทธิ์" และไม่เป็นกลาง ในปี 1915 มีการนำเสนอแนวคิดการสร้าง "Black Square" ของ Malevich ในนิทรรศการที่ Petrograd การทดลองโดย V.V. คันดินสกี้ อาร์.อาร์. ฟัลกา, พี.เอ็น. Filonova, M.Z. Chagall และศิลปินแนวหน้าคนอื่นๆ ไม่ได้ทุ่มเทให้กับเรื่องเฉพาะเจาะจง โลกแห่งความจริงแต่กลับไปสู่แผนการจินตภาพของโครงสร้างโลก

แก่นของชีวิตและแรงบันดาลใจทางสังคมของชาวนาความปรารถนาในการปรับโครงสร้างทางสังคมที่ยุติธรรม ("ความเจริญรุ่งเรืองทั่วไป") ในวันก่อนและหลังการปฏิวัติในปี 1917 ได้รับการเปิดเผยอย่างครอบคลุมในงานของ E.V. Chestnyakov และศิลปินพื้นบ้านอื่น ๆ

การพัฒนาอุตสาหกรรมของประเทศนำไปสู่การปฏิวัติทางสถาปัตยกรรม วัสดุก่อสร้างใหม่ (คอนกรีตเสริมเหล็ก โครงสร้างโลหะ) ช่วยเร่งการพัฒนาเมืองและเปลี่ยนรูปลักษณ์ของเมือง สถาปัตยกรรมสไตล์อาร์ตนูโวและนีโอรัสเซียโดดเด่น สไตล์นีโอรัสเซีย ตามประเพณีและจิตวิญญาณของสถาปัตยกรรมรัสเซียโบราณ ผสมผสานกับกระแสสมัยใหม่ได้อย่างกลมกลืน ตัวแทนของสไตล์อาร์ตนูโวและนีโอรัสเซีย - F.O. เชคเทล, แอล.เอ็น. Kekushev, V.M. Vasnetsov, A.V. Shchusev และคนอื่น ๆ มีส่วนร่วมในการก่อสร้างอาคารโดยมีวัตถุประสงค์ที่กำหนดโดยความต้องการของยุคนั้น นอกจากโบสถ์และคฤหาสน์แล้ว สิ่งเหล่านี้ยังเป็นสถานีรถไฟ ธนาคาร ตลาดแลกเปลี่ยน โทรเลข โรงงาน โรงงาน และร้านค้าที่กลายมาเป็นเครื่องประดับของเมืองในรัสเซีย

เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครของรัสเซียคือการเปิดโรงละครศิลปะมอสโก (MAT) ในปี พ.ศ. 2441 ซึ่งสร้างโดย K.S. Stanislavsky และ V.I. Nemirovich-Danchenko - ผู้สร้าง โรงเรียนใหม่การแสดงและการกำกับ Stanislavsky เสนอให้สร้างโรงละครแห่งใหม่ “สมเหตุสมผล มีศีลธรรม และทุกคนสามารถเข้าถึงได้” การผลิตครั้งแรกของ Moscow Art Theatre คือละครของ A.K. "ซาร์ฟีโอดอร์ไอโออันโนวิช" ของตอลสตอยและในตอนท้ายของปี 1898 มีการเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ของ "The Seagull" ของเชคอฟซึ่งต่อมากลายเป็นสัญลักษณ์ของโรงละครศิลปะมอสโก ละครของโรงละครประกอบด้วยละครของเชคอฟและกอร์กีเกือบทั้งหมด ในปี พ.ศ. 2445 ได้รับทุนจากผู้ใจบุญ S.T. Morozov อาคารโรงละครศิลปะมอสโกถูกสร้างขึ้น (สถาปนิก F.O. Shekhtel) โรงละครศิลปะมอสโกได้กลายเป็นตัวอย่างของการผสมผสานระหว่างประเพณีการแสดงละครคลาสสิกกับความต้องการเร่งด่วนในยุคของเรา ประสบการณ์ของโรงละครศิลปะมอสโกได้รับความสำคัญทางสังคมอย่างมาก ความปรารถนาที่จะถ่ายทอด "ความจริงของชีวิต" บนเวทีทำให้เกิดการถกเถียงกันอย่างดุเดือด คู่ต่อสู้ที่ดุเดือดของ Moscow Art Theatre คือนักสัญลักษณ์ V.Ya. Bryusov และ V.E. เมเยอร์โฮลด์. Bryusov วิพากษ์วิจารณ์โรงละครศิลปะมอสโกเรื่อง "ความจริงที่ไม่จำเป็น" Meyerhold เปรียบเทียบหลักการที่สมจริงและเป็นประชาธิปไตยของ Moscow Art Theatre กับการทดลองด้านสุนทรียศาสตร์ของโรงละครทั่วไป ในปี 1904 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเปิดทำการ ละครวี.เอฟ. Komissarzhevskaya มีความใกล้ชิดกับ Moscow Art Theatre และกลุ่มปัญญาชนในระบอบประชาธิปไตย

นักบัลเล่ต์ในตำนาน A.P. นำชื่อเสียงไปทั่วโลกมาสู่บัลเล่ต์รัสเซีย Pavlova และนักออกแบบท่าเต้นชื่อดัง M.M. โฟคิน. ภาพร่างท่าเต้น “The Dying Swan” โดยนักแต่งเพลง C. Saint-Saens ดำเนินการโดย Anna Pavlova และถ่ายโดยศิลปิน V.A. Serov กลายเป็นสัญลักษณ์ของศิลปะบัลเล่ต์ ในปี 1911 Diaghilev สร้างขึ้นจาก ศิลปินที่ดีที่สุดบัลเล่ต์ที่รวบรวมเพื่อเข้าร่วมใน "Russian Seasons" คณะถาวร - "Russian Ballets of Sergei Diaghilev" ผู้ช่วยของ Diaghilev คือ M.M. ผู้ริเริ่มที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย Fokine ผู้มองเห็น "ชุมชนแห่งการเต้นรำ ดนตรี และภาพวาด" ในบัลเล่ต์

พัฒนาการของรัสเซีย ศิลปะดนตรีรวมอยู่ในความคิดสร้างสรรค์ นักแต่งเพลงที่โดดเด่นและในการสร้างระบบ การศึกษาด้านดนตรี- ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เรือนกระจกแห่งใหม่ถูกเปิดใน Saratov, Odessa และ Kyiv รูปแบบของการศึกษาดนตรีนอกหลักสูตรปรากฏ: ในปี 1906 ในมอสโกตามความคิดริเริ่มของ S.I. Taneyev เปิดเรือนกระจกของประชาชน

มีความสนใจในดนตรีเพิ่มมากขึ้น โลกภายในบุคคล “สัญลักษณ์แห่งเวลา” คือการเสริมสร้างหลักการโคลงสั้น ๆ นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ N.A. Rimsky-Korsakov ทายาทของประเพณี "Mighty Handful" เขียนบทเพลงโอเปร่า "The Tsar's Bride" (1898) แรงจูงใจที่เป็นโคลงสั้น ๆสะท้อนให้เห็นในผลงานของ S.V. Rachmaninov และ A.N. Scriabin - ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory อย่างไรก็ตาม Rachmaninov ผู้เชี่ยวชาญด้านการแก้ปัญหาดั้งเดิมได้ปฏิบัติตามประเพณีของรัสเซียคลาสสิกและเป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์ของ P.I. ไชคอฟสกี้. งานของ Scriabin มีความซับซ้อน สร้างสรรค์ และปรัชญามากขึ้น ดนตรีโดย I.F. Stravinsky ประสบความสำเร็จบนเวทีบัลเล่ต์ (บัลเล่ต์ "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring") นักแต่งเพลงแสดงความสนใจในประวัติศาสตร์อันห่างไกลของชาวรัสเซียและนิทานพื้นบ้านของพวกเขา

Mariinsky และ Moscow ยังคงเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางดนตรี โรงละครบอลชอย- นักร้องโอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่แสดงที่นี่ - F.I. ชลยาปิน, L.V. Sobinov, A.V. เนจดานอฟ. แต่อำนาจของโอเปร่าส่วนตัวของ S.I. ก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน Mamontov จากนั้น S.I. ซิมิน่า. บนเวทีโอเปร่า Mamontov เปิดเผยตัวเองเป็นครั้งแรก ความสามารถพิเศษนักแสดงและนักร้องชลีพินซึ่งตามคำกล่าวของ A.M. กอร์กี ซึ่งเป็น "ยุค" เดียวกันในศิลปะรัสเซีย "เหมือนพุชกิน"

ภาพยนตร์ได้กลายเป็นศิลปะรูปแบบใหม่และได้รับความนิยมอย่างมาก ผู้ประกอบการภาพยนตร์ชาวรัสเซียคนแรก A.A. Khanzhonkov ในปี 1907-1908 เริ่มผลิตภาพยนตร์สารคดีในประเทศ เขาสร้างโรงงานผลิตภาพยนตร์ในมอสโกรวมถึงโรงภาพยนตร์ "Khudozhestvenny", "Moscow" (ปัจจุบันคือ Khanzhonkov House) ฯลฯ ในบรรดาภาพยนตร์สารคดีเรื่องแรกของรัสเซีย ได้แก่ "Prince Silver" (1907), "Stenka Razin and the Princess " (2451), " ปีเตอร์มหาราช" (2453), "การป้องกันเซวาสโทพอล" (2454)

คำถามควบคุมและงานต่างๆ

1. ลักษณะสำคัญของโครงสร้างการบริหารการเมืองคืออะไร จักรวรรดิรัสเซียในตอนต้นของศตวรรษที่ 20?

2. ปัจจัยใดที่เป็นตัวกำหนดการเปลี่ยนจากการแบ่งชนชั้นในสังคมรัสเซียไปสู่การแบ่งชนชั้น?

3. ผลลัพธ์และผลกระทบทางสังคมและการเมืองของการปฏิวัติปี 1905-1907 คืออะไร?

4. จากเนื้อหาของกฎหมายพื้นฐานปี 1906 ให้วิเคราะห์ลักษณะของการเปลี่ยนแปลง ระบบของรัฐรัสเซีย. ระบบนี้กลายเป็นรัฐธรรมนูญหรือไม่?

5. อะไรคือสาเหตุของความไม่สมบูรณ์ของการปฏิรูปเกษตรกรรม Stolypin?

6. แรงจูงใจอะไรเป็นแนวทางรัสเซียในการเลือกพันธมิตรนโยบายต่างประเทศเมื่อต้นศตวรรษที่ 20? อะไรคือความยากลำบากในการเลือกพันธมิตร?

7. อะไรคือความขัดแย้งหลักในการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซีย? ยุคเงิน»?

วรรณกรรม:

1. อำนาจและการปฏิรูป จากเผด็จการไปจนถึง โซเวียต รัสเซีย/ ตัวแทน เอ็ด บี.วี. อนานิช. ม., 2549.

2. บันทึกประจำวันของจักรพรรดินิโคลัสที่ 2 และจักรพรรดินีอเล็กซานดรา เฟโอโดรอฟนา: ใน 2 เล่ม / ตัวแทน เอ็ด. คอมพ์ วี.เอ็ม. ครัสทาเลฟ. ม., 2012.

3. Kiryanov Yu.I. พรรคฝ่ายขวาในรัสเซีย พ.ศ. 2454-2460 ม., 2544.

4. การปฏิวัติครั้งแรกในรัสเซีย: มองผ่านศตวรรษ ม., 2548.

5. พรรคการเมืองของรัสเซีย ปลายคริสต์ศตวรรษที่ 19 – คริสต์ศตวรรษที่ 20 สารานุกรม. ม., 1996.

6. เรปนิคอฟ เอ.วี.แนวคิดอนุรักษ์นิยมสำหรับการฟื้นฟูรัสเซีย ม., 2550.

7. Tyukavkin V.G.- ชาวนารัสเซียผู้ยิ่งใหญ่และการปฏิรูปเกษตรกรรมสโตลีปิน ม., 2544.

8. แชตซิลโล เค.เอฟ.- จากสันติภาพพอร์ตสมัธถึงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง นายพลกับการเมือง. ม., 2000.

9. Shelokhaev V.V.- อุดมการณ์และการจัดองค์กรทางการเมืองของชนชั้นกลางเสรีนิยมรัสเซีย: 1907-1914 ม., 1991.