Rozdział „Wprowadzenie”. Ogólna historia sztuki. Tom III. Sztuka renesansu. Autor: Yu.D. Kolpiński; pod redakcją generalną Yu.D. Kolpinsky i E.I. Rotenberg (Moskwa, Państwowe Wydawnictwo „Art”, 1962)
Renesans wyznacza początek nowego etapu w historii kultury światowej. Etap ten, jak zauważył F. Engels, był największą postępową rewolucją ze wszystkiego, czego ludzkość doświadczyła do tego czasu (por. K. Marks i F. Engels, Works, t. 20, s. 346). Pod względem znaczenia, jakie dla rozwoju kultury i sztuki miał renesans, można z nim porównać jedynie okres rozkwitu cywilizacji starożytnej w przeszłości. W okresie renesansu narodziła się nowoczesna nauka, zwłaszcza nauki przyrodnicze. Wystarczy przypomnieć genialne domysły naukowe Leonarda da Vinci, podstawy eksperymentalnej metody badań Francisa Bacona, teorie astronomiczne Kopernika, pierwsze sukcesy matematyki, odkrycia geograficzne Kolumba i Magellana.
Renesans miał szczególne znaczenie dla rozwoju sztuki, ugruntowania zasad realizmu i humanizmu w literaturze, teatrze i sztukach pięknych.
Kultura artystyczna renesansu ma dla ludzkości wyjątkową i trwałą wartość. Na jego bazie powstała i rozwinęła się zaawansowana kultura artystyczna czasów nowożytnych. Co więcej, sztuka realistyczna renesansu zasadniczo wyznacza pierwszy etap w historii sztuki współczesnej. Podstawowe zasady realizmu, sam system realistycznego języka sztuk pięknych czasów nowożytnych, rozwinął się w sztuce renesansu, zwłaszcza w malarstwie. Sztuka renesansu miała ogromne znaczenie dla całego dalszego rozwoju architektury i rzeźby. To samo tyczy się w dużej mierze teatru i literatury.
Rozkwit kultury i sztuki renesansu miał znaczenie światowo-historyczne. Nie oznacza to jednak wcale, że kultura wszystkich narodów świata podczas przejścia od feudalizmu do społeczeństwa burżuazyjnego przeszła przez okres renesansu jako obowiązkowy etap swojego rozwoju. Aby antyfeudalna, realistyczna i humanistyczna kultura artystyczna typu renesansowego wyłoniła się po raz pierwszy i zatriumfowała w głębinach społeczeństwa późnofeudalnego, aby wyłonił się zaawansowany świecki światopogląd, aby idea wolności i godności powstania osoby ludzkiej konieczne było splot pewnych warunków historycznych, co okazało się możliwe w pewnej części globu, a mianowicie w Europie Zachodniej i częściowo Środkowej.
Gospodarka i kultura średniowieczna Europa na pierwszych etapach rozwoju feudalizmu pozostawał w tyle za wcześnie kwitnącymi potężnymi kulturami Wschodu (Arabski Wschód, Chiny, Indie, Azja Środkowa). Później jednak to w Europie po raz pierwszy dojrzały w Europie przesłanki przejścia od feudalizmu do kapitalizmu, czyli do nowej, wyższej formacji społeczno-historycznej. Te nowe stosunki społeczne rozwinęły się w głębi europejskiego społeczeństwa feudalnego, w miastach handlowych i rzemieślniczych – gminach miejskich.
To właśnie fakt, że na niektórych z najbardziej rozwiniętych gospodarczo obszarów średniowiecznej Europy miasta uzyskały niezależność polityczną, ułatwił pojawienie się w nich wczesnych stosunków kapitalistycznych. Na tej podstawie otwarcie wrogi stary kulturę feudalną nowa kultura zwana kulturą renesansu (Rinascimento – po włosku, Renaissance – po francusku). W ten sposób pierwsza w dziejach ludzkości kultura antyfeudalna narodziła się w niezależnych państwach-miastach, które weszły drogą rozwoju kapitalistycznego, sporadycznie wplecionych w masyw kontynentu europejskiego, który na ogół znajdował się jeszcze w fazie feudalizmu.
Następnie przejście do akumulacji pierwotnej, burzliwa i bolesna restrukturyzacja całej gospodarki i systemu społecznego Zachodnia Europa spowodował powstanie narodów burżuazyjnych, powstanie pierwszych państw narodowych. W tych warunkach kultura Europy Zachodniej przeszła do kolejnego etapu swojego rozwoju, do okresu dojrzałego i późnego renesansu. Okres ten reprezentuje ogólnie wyższy etap rozwoju wczesnego kapitalizmu w ramach gnijącego feudalizmu. Jednak kształtowanie się kultury w tym okresie opierało się na asymilacji i dalszym rozwoju osiągnięć ideologicznych, naukowych i artystycznych, które osiągnięto w kulturze miejskiej poprzedniego etapu renesansu. Samo określenie „renesans” pojawiło się już w XVI wieku, zwłaszcza u autora Vasariego słynne biografie Włoscy artyści. Vasari postrzegał swoją epokę jako czas renesansu sztuki, który nastąpił po wiekach dominacji sztuki średniowiecza, którą teoretycy renesansu uważali za czas całkowitego upadku. W XVIII wieku, w epoce Oświecenia, terminem renesans zajął się Wolter, który wysoko cenił wkład tej epoki w walkę ze średniowiecznymi dogmatami. W 19-stym wieku termin ten został rozciągnięty przez historyków na całą kulturę włoską XV-XVI w., a następnie na kulturę innych krajów europejskich, które przeszły przez ten etap historii rozwój kulturowy.
W XIX – na początku XX wieku. Historia historyczna i sztuka, zarówno zachodnioeuropejska, jak i rosyjska, wiele zrobiła, aby dogłębnie zbadać literaturę, sztukę i kulturę tej wspaniałej epoki. Jednak tylko marksistowski nauka historyczna i historia sztuki potrafiły konsekwentnie ukazywać prawdziwe wzorce historyczne, które determinowały naturę kultury renesansu i jej postępowe, rewolucyjne znaczenie w rozwoju zasad realizmu i humanizmu.
W epoce imperializmu, a zwłaszcza w ostatnich dziesięcioleciach, w nauce burżuazyjnej rozpowszechniły się teorie otwarcie reakcyjne, próbujące zaprzeczyć zasadniczej opozycji renesansu do średniowiecza, zniweczyć świecki, antyfeudalny charakter jej sztuki i kultury. W innych przypadkach realistyczna sztuka renesansu jest interpretowana przez naukę burżuazyjną jako dekadencka, naturalistyczna, „materialistyczna” itp.
Współczesna zaawansowana nauka, a przede wszystkim radziecka historia sztuki, sprzeciwia się pragnieniu reakcyjnych naukowców, aby oczerniać tradycje realizmu i humanizmu renesansu, konsekwentną obroną i badaniem niezwykłego wkładu renesansu w kulturę ludzkości, podkreślając w każdy możliwy sposób jego naprawdę ogromną postępową, rewolucyjną rolę.
Ogromne znaczenie w kształtowaniu kultury renesansu miało odwołanie się do wielkiego realistycznego dziedzictwa starożytności, które nie zostało całkowicie utracone w średniowiecznej Europie.
Kultura i sztuka renesansu została zrealizowana ze szczególną kompletnością i konsekwencją we Włoszech, których kraina była pełna majestatycznych pozostałości starożytnej architektury i sztuki. Jednak decydującym czynnikiem, który zadecydował o wyłącznej roli Włoch w kształtowaniu kultury i sztuki renesansu, był fakt, że to właśnie we Włoszech gospodarka i kultura średniowiecznych miast-państw rozwijała się najkonsekwentniej i już w XII - XV wiek. nastąpiło przejście od średniowiecznego handlu i rzemiosła do wczesnych stosunków kapitalistycznych.
Kultura i sztuka renesansu rozwinęła się szeroko i wyjątkowo w północno-zachodniej Europie, zwłaszcza w zaawansowanych jak na tamte czasy holenderskich miastach XV wieku, a także w wielu regionach Niemiec (Nad Renem i miastami południowych Niemiec). Później, w okresie początkowej akumulacji i kształtowania się państw narodowych, znaczącą rolę odegrała kultura i sztuka Francji (koniec XV, a zwłaszcza XVI w.) i Anglii (koniec XVI - początek XVII w.).
Jeśli sztuka renesansu w swojej spójnej formie rozwinęła się tylko w niektórych krajach europejskich, to tendencje rozwojowe w kierunku humanizmu i realizmu, zasadniczo podobne do zasad sztuki renesansu, stały się bardzo powszechne w większości kraje europejskie. W Czechach w dziesięcioleciach poprzedzających wojny husyckie i w epoce wojen husyckich ukształtowała się charakterystyczna wersja kultury przejściowej, renesansowej. W XVI wieku W kulturze Republiki Czeskiej rozwinęła się sztuka późnego renesansu. Ewolucja sztuki renesansu w Polsce podążała własnymi, specyficznymi drogami. Ważnym wkładem w kulturę późnego renesansu była sztuka i literatura Hiszpanii. W XV wieku Kultura renesansu przeniknęła na Węgry. Jednak jego rozwój został przerwany po klęsce kraju przez Turków.
Niezwykłe kultury ludów Azji w swojej historycznej ewolucji nie znały renesansu. Stagnacja stosunków feudalnych, charakterystyczna dla tych krajów w późnym średniowieczu, ogromnie spowolniła ich rozwój gospodarczy, polityczny i gospodarczy. rozwój duchowy. Jeśli w V-XIV w. kultura narodów Indii, Azja centralna, Chiny i częściowo Japonia pod wieloma znaczącymi względami wyprzedziły kulturę narodów Europy, następnie, począwszy od renesansu, wiodącą rolę w rozwoju nauki i sztuki przeszła na kilka stuleci kultura narodów Europy Europa. Wynikało to z faktu, że ze względu na nierównomierny rozwój historyczny w Europie wcześniej niż gdziekolwiek indziej zaczęły dojrzewać przesłanki do przejścia od feudalizmu do wyższej fazy rozwoju społecznego - do kapitalizmu. To właśnie ten tymczasowy czynnik społeczno-historyczny, a nie mityczna „wyższość” rasy białej, jak próbowali twierdzić burżuazyjni reakcyjni ideolodzy i apologeci ekspansji kolonialnej, określiła ważny wkład Europy od czasów renesansu w światową kulturę artystyczną. Przykład wspaniałej starożytnej i średniowiecznej kultury Wschodu, a w naszych czasach szybkiego rozkwitu Kultura narodowa Narody Azji i Afryki, które weszły na drogę socjalizmu lub wyzwoliły się z jarzma kolonialnego, dość przekonująco obnażają fałszywość tych reakcyjnych teorii.
Wielkie osiągnięcia kultury renesansowej, jeśli nie bezpośrednio, to pośrednio przyczyniły się do rozwoju i zwycięstwa zaawansowanej kultury antyfeudalnej wszystkich narodów świata. Wszystkie narody, pokonując feudalny etap swojego rozwoju w walce o stworzenie nowej narodowo-demokratycznej kultury, innowacyjnie rozwijając oryginalne osiągnięcia realistyczne i humanistyczne, prędzej czy później zwróciły się w niektórych przypadkach bezpośrednio do dziedzictwa renesansu, w innych - do doświadczenie ich współczesnej zaawansowanej świeckiej, demokratycznej ideologii i realistycznej kultury czasów nowożytnych, która z kolei wyrosła na gruncie dalszego rozwoju, pogłębiania i twórczego przetwarzania dorobku renesansu.
I tak np. w okresie historycznego rozwoju Rusi, kultura narodu rosyjskiego przełomu XVII i XVIII wieku. stanął przed zadaniem zdecydowanego przezwyciężenia już przestarzałych konwencjonalnych i religijnych form starożytnej sztuki rosyjskiej i zwrócił się w stronę świadomie realistycznego odzwierciedlenia nowej rzeczywistości.
Proces ten został znacznie ułatwiony i przyspieszony dzięki możliwości uwzględnienia doświadczeń Europy Zachodniej sztuka realistyczna XVII w., który z kolei opierał się na osiągnięciach artystycznych renesansu.
Jakie są historyczne siły napędowe renesansu, jaka jest oryginalność ideologiczna i artystyczna tej epoki, jakie są główne chronologiczne etapy jej rozwoju?
W średniowiecznych miastach-państwach, w cechach rzemieślniczych i cechach kupieckich ukształtowały się nie tylko pierwsze zaczątki nowych stosunków produkcji, ale także poczyniono pierwsze nieśmiałe kroki w kierunku ukształtowania nowego podejścia do życia. W klasie robotniczej średniowiecznego miasta, w zniewolonych masach chłopskich żyła spontaniczna nienawiść do ciemiężycieli, marzenie o uczciwe życie dla wszystkich.
Siły te ostatecznie zadały pierwszy miażdżący cios stosunkom feudalnym i otworzyły drogę społeczeństwu burżuazyjnemu.
Jednak początkowo, w XII-XIV w., tendencje antyfeudalne w kulturze rozwinęły się w postaci czysto klasowej samoświadomości średniowiecznych mieszczan, którzy ugruntowali swoje interesy i swoją godność klasową w ramach istniejącego średniowiecznego społeczeństwa i jego kultura. Pomimo wzrostu momentów bezpośrednio realistycznego przedstawiania rzeczywistości, sztuka średniowiecznych miast na ogół zachowała charakter religijny i konwencjonalnie symboliczny. To prawda, że w literaturze średniowiecznej takie gatunki pełne naiwnego realizmu, jak na przykład „fabliaux”, powstały bardzo wcześnie w literaturze średniowiecznej - oryginalne baśnie-opowiadania, które sprzeciwiały się dominującej kulturze i literaturze epoki feudalnej. Ale nadal miały charakter bezpośrednio folklorystyczny i nie mogły pretendować do wiodącej pozycji w kulturze i sztuce. Postępowe jak na tamte czasy aspiracje ideowe objawiły się w postaci herezji religijnych, w których w zawoalowanej i wypaczonej formie istniała chęć przezwyciężenia ascezy i dogmatyzmu ideologii średniowiecznej.
Religijna w formie, a częściowo w treści, sztuka europejskiego średniowiecza odegrała swego czasu pewną postępową rolę w historii kultury światowej. Znamy już jego podboje. Jednak w miarę wzrostu samoświadomości społecznej głównych grup społecznych w miastach, które weszły na drogę rozwoju burżuazyjno-kapitalistycznego, cały system sztuki średniowiecznej, który miał na ogół charakter warunkowy i nierozerwalnie związany z ogólną strukturą kościelno-religijną, kultury duchowej, stała się hamulcem dalszego rozwoju realizmu. Nie chodziło już o rozwój indywidualnych wartości realistycznych w ramach konwencjonalnego systemu sztuki średniowiecznej, ale o stworzenie programowo świadomego, konsekwentnie realistycznego systemu artystycznego i rozwój konsekwentnie realistycznego języka. To przejście było organiczną częścią ogólnej rewolucji światopoglądowej, rewolucji w całej kulturze tej epoki. Kultura średniowieczna została zastąpiona nową, świecką, humanistyczną, wolną od dogmatów kościelnych i scholastycyzmu. Rosła potrzeba restrukturyzacji, a ponadto zniszczenia starego systemu artystycznego. Od chwili, gdy zasada świecka wypiera religijność, zachowując przed nią jedynie zewnętrzne motywy fabularne, gdy zainteresowanie prawdziwym życiem w jego głównych przejawach zwycięża idee religijne, kiedy świadomie osobista twórczość ma pierwszeństwo przed bezosobowymi tradycjami klasowymi i uprzedzeniami, rozpoczyna się renesans. Jej dorobek to dorobek kultury humanistycznej i sztuki realistycznej, potwierdzający piękno i godność człowieka znającego piękno świata, który uświadomił sobie potęgę twórczych możliwości swego umysłu i woli.
Jak już wspomniano powyżej, odwoływanie się do dziedzictwa starożytności, szczególnie we Włoszech, znacznie przyspieszyło rozwój sztuki renesansowej i w pewnym stopniu zdeterminowało szereg jej cech, w tym znaczną liczbę dzieł napisanych na tematy mitologii i historii starożytnej . Jednak sztuka u zarania ery kapitalistycznej wcale nie oznaczała odrodzenia kultury starożytnego społeczeństwa niewolniczego. Jego patosem było radosne i namiętne pragnienie zrozumienia prawdziwego świata w całym jego zmysłowym uroku. Szczegółowy obraz otoczenia (naturalnego lub codziennego) na tle i w ścisłym związku z którym człowiek żyje i działa, miał w twórczości artystów renesansu nieproporcjonalnie większe znaczenie niż u ich starożytnych poprzedników. Od samego początku renesansu obraz człowieka wyróżniał się większą indywidualizacją i specyfiką psychologiczną niż w sztuce starożytnych klasyków. Odwoływanie się do starożytnego realizmu i jego twórczego przemyślenia spowodowane było wewnętrznymi potrzebami rozwoju społecznego swoich czasów i było im podporządkowane. We Włoszech, gdzie jest mnóstwo starożytnych zabytków, odwołanie się do starożytności było szczególnie ułatwione i szeroko rozwinięte. Duże znaczenie miał także ścisły związek średniowiecznych Włoch z Bizancjum. Kultura Bizancjum zachowała, choć w zniekształconej formie, wiele starożytnych tradycji literackich i filozoficznych. Proces opanowywania i przetwarzania starożytnego dziedzictwa został przyspieszony przez przesiedlenie greckich naukowców do Włoch z Bizancjum zdobytego przez Turków w 1453 roku. „W rękopisach ocalonych podczas upadku Bizancjum, w rękopisach wydobytych z ruin Rzymu antyczne posągi przed zdumionym Zachodem ukazał się nowy świat – grecka starożytność; duchy średniowiecza zniknęły przed jej jasnymi obrazami; we Włoszech nastąpił bezprecedensowy rozkwit sztuki, który był niejako odbiciem klasycznej starożytności i który nie mógł już nigdy się powtórzyć” (K. Marx i F. Engels, Works, t. 20, s. 345-346). .). Dzięki włoskim humanistom, poetom i artystom wiedza ta stała się własnością całości kultura europejska Renesans.
Choć zwycięstwo świeckiej zasady w kulturze odpowiadało interesom młodych, pełen siły burżuazji miast renesansowych, błędem byłoby sprowadzanie całego znaczenia sztuki renesansowej jedynie do wyrazu ideologii burżuazji renesansowej. Treść ideowa i żywotna twórczości takich tytanów renesansu jak Giotto, van Eyck, Masaccio, Donatello, Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Tycjan, Durer, Goujon była nieporównywalnie szersza i głębsza. Humanistyczna orientacja sztuki renesansu, jej heroiczny optymizm, dumna wiara w człowieka, szeroka narodowość jej obrazów obiektywnie wyrażały interesy nie tylko burżuazji, ale także odzwierciedlały postępowe aspekty rozwoju społeczeństwa jako całości.
Sztuka renesansu powstała w warunkach przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. Wraz z dalszym umacnianiem się stosunków kapitalistycznych w Europie kultura renesansu nieuchronnie musiała się rozpaść. Jego rozkwit wiązał się z okresem, gdy podstawy feudalnego sposobu życia społecznego i światopoglądu zostały (przynajmniej w miastach) gruntownie wstrząśnięte, a stosunki burżuazyjno-kapitalistyczne nie rozwinęły się jeszcze w całej ich kupieckiej prozaiczności, z całą ich podłą „ moralność” i bezduszną obłudę. W szczególności skutki burżuazyjnego podziału pracy i jednostronnej burżuazyjnej profesjonalizacji, szkodliwe dla wszechstronnego rozwoju jednostki, nie zdążyły jeszcze ujawnić się w zauważalnym stopniu. Na pierwszym etapie rozwoju renesansu osobista praca rzemieślnika, zwłaszcza przy produkcji artykułów gospodarstwa domowego, nie została jeszcze całkowicie wyparta, zniszczona przez manufakturę, która dopiero stawiała pierwsze kroki. Z kolei przedsiębiorczy kupiec czy bankier nie stał się jeszcze bezosobowym dodatkiem do swojego kapitału. Inteligencja osobista, odwaga i odważna zaradność nie straciły jeszcze na znaczeniu. O wartości osoby ludzkiej decydowała więc nie tylko i wyłącznie „cena” jej kapitału, ale także jej rzeczywiste przymioty. Co więcej, aktywny udział w takim czy innym stopniu każdego mieszkańca miasta w życiu publicznym, a także upadek starych feudalnych podstaw prawa i moralności, niestabilność i ruchliwość nowych, wciąż powstających stosunków, intensywna walka klas i majątków ziemskich, zderzenie interesów osobistych stworzyło szczególnie sprzyjające warunki do rozkwitu osobowości aktywnej, pełnej energii, nierozerwalnie związanej ze wszystkimi aspektami współczesnego życia społecznego. To nie przypadek, że w miejsce kryteriów moralności kościelnej, w miejsce podwójnego i dalekiego od życia ideału średniowiecznego człowieka – czy ascetycznego mnicha, czy wojownika – rycerz „bez strachu i wyrzutu” ze swym kodeks feudalnej, niewolniczej lojalności wobec władcy – nadchodzi nowy ideał wartość ludzka. To ideał jasnej, silnej osobowości, dążącej do szczęścia na ziemi, ogarniętej żarliwą chęcią rozwoju i ustanawiania Umiejętności twórcze jego aktywnego charakteru. To prawda, że warunki historyczne renesansu przyczyniły się do ugruntowania się wśród klas panujących pewnej obojętności moralnej lub wręcz niemoralności, a momenty te miały zniekształcający wpływ. Jednak te same przyczyny powszechnego i kulturalnego rozwoju jednocześnie przyczyniły się do uświadomienia zaawansowanym ideologom epoki piękna i bogactwa charakterów ludzkich. „Narodem, który założył nowoczesne panowanie burżuazji, było wszystko, ale nie ludzie ograniczeni do burżuazji. Wręcz przeciwnie, inspirowały się w mniejszym lub większym stopniu charakterystycznym dla tamtych czasów duchem odważnych poszukiwaczy przygód (K. Marks i F. Engels, Works, t. 20, s. 346.). Wszechstronną jasność postaci ludzi renesansu, która znalazła odzwierciedlenie w sztuce, w dużej mierze tłumaczy się faktem, że „bohaterowie tamtych czasów nie stali się jeszcze niewolnikami podziału pracy, ograniczania, tworzenia jednego- stronniczość, której wpływ tak często obserwujemy u ich następców.”
Ludzie zaawansowani, zwłaszcza w początkowej fazie rozwoju renesansu, nie byli w stanie w tym przejściowym czasie ogarnąć realnych wad i deformacji społecznych nadchodzącego kapitalizmu i w ogóle w większości nie dążyli do specyficznej analizy zjawisk społecznych. sprzeczności. Jednak pomimo pewnej naiwności i po części utopijnych wyobrażeń o życiu i człowieku, znakomicie odgadli realne możliwości rozwoju tkwiące w człowieku, uwierzyli w jego prawdziwe wyzwolenie się z niewolniczej zależności od sił natury i spontanicznie sprzecznego rozwijającego się społeczeństwa. Ich ideały estetyczne z punktu widzenia historii świata nie były złudzeniem.
W okresie renesansu sztuka odegrała wyjątkową rolę w kulturze i w dużej mierze zdeterminowała oblicze epoki. Poszczególne warsztaty i korporacje, konkurując ze sobą, dekorowały świątynie i place pięknem dzieła sztuki sztuka. Przedstawiciele zamożnych rodów patrycjuszowskich, zarówno z osobistych ambicji i kalkulacji politycznej, jak i z chęci pełnego korzystania ze swojego bogactwa, wznosili wspaniałe pałace, budowali drogie gmachy użyteczności publicznej oraz organizowali wspaniałe odświętne widowiska i procesje dla swoich współobywateli. Niezwykle ważną rolę, zwłaszcza w XIV i XV wieku, odegrały rozkazy z samego miasta.
Malarze, rzeźbiarze i architekci, kierując się duchem szlachetnej rywalizacji, dążyli do osiągnięcia w swoich dziełach jak największej doskonałości. Zwłaszcza sztuka XV w. miała charakter jawnie publiczny i była skierowana bezpośrednio do szerokich mas obywateli. Freski, obrazy, posągi i płaskorzeźby zdobiły katedry, ratusze, place i pałace.
Dlatego pod wieloma względami kultura renesansu, zwłaszcza we Włoszech w XV wieku. w pewnym stopniu przypominało kulturę klasyczna Grecja. To prawda, że rzeźba, a zwłaszcza architektura opierała się głównie na doświadczeniach starożytnego Rzymu, a nie na samej greckiej tradycji artystycznej. Jednak duch heroicznego humanizmu, wzniosłe obywatelstwo, bliska więź kultura artystyczna z duchowymi interesami mieszkańców miasta, ich dumny patriotyzm, chęć udekorowania i wyniesienia rodzinnego miasta w wizerunki sztuki, przybliżyła kulturę niezależnej, renesansowej gminy miejskiej do kultury wolnych, antycznych polis. Jednak szereg cech zdecydowanie odróżniało sztukę renesansu od sztuki Greków kojarzonej z wcześniejszym historycznym etapem rozwoju społeczeństwa – z niewolnictwem.
Po pierwsze, sztuka grecka okresu klasycznego, czyli kojarzona z okresem rozkwitu polis, nie charakteryzowała się głębokim poczuciem indywidualności, osobową niepowtarzalnością obrazu osoby, tak charakterystyczną dla sztuki renesansu. Po raz pierwszy w historii realizmu sztuka renesansu znalazła sposób na stworzenie obrazu, który łączył żywe ujawnienie indywidualnej wyjątkowości jednostki z identyfikacją najbardziej typowych społecznie i charakterystycznych cech człowieka. Właśnie wtedy położono podwaliny pod nowoczesny portret. To prawda, że sztuka starożytna stworzyła także wiele arcydzieł realistycznego portretu. Ale starożytny portret realistyczny rozkwitł w warunkach kryzysu i upadku kultury epoki klasycznej. Realistyczny portret renesansu nierozerwalnie wiąże się z okresem jego największego rozkwitu (portrety van Eycka, Leonarda da Vinci, Rafaela, Dürera, Tycjana, portrety rzeźbiarskie mistrzów włoskich. XV w.). Portret renesansu przesiąknięty jest patosem afirmacji jednostki, świadomością, że różnorodność i jasność jednostek jest niezbędną cechą normalnie rozwijającego się społeczeństwa. Afirmacja wolności jednostki i różnorodności jej talentów była w pewnym stopniu nieuniknioną konsekwencją walki z hierarchią feudalną, nierównością i barierami klasowymi średniowiecza i otworzyła drogę nowym stosunkom społecznym.
W sztuce renesansu, która położyła podwaliny pod kulturę artystyczną przyszłego społeczeństwa kapitalistycznego, kwestia odzwierciedlenia życia, „pracy i dni” mieszkańców gminy została rozwiązana inaczej niż w starożytnej Grecji. W klasycznej polis niewolniczej sfera zwyczajnych codziennych zainteresowań, warunków życia i warunków życia uznawana była za niegodna wielkiej sztuki i w bardzo słabym stopniu znalazła odzwierciedlenie jedynie w malarstwie wazowym i częściowo w drobnej sztuce plastycznej. Dla ludzi wolnego państwa-miasta wczesnego renesansu walka z ascezą i mistycyzmem średniowiecznej etyki, afirmacja piękna i godności tego ziemsko-ziemskiego życia z góry określiła radosne odbicie całego bogactwa i różnorodności życia i sposób życia w swoich czasach. Dlatego choć głównym bohaterem obrazu był piękny wizerunek idealnej osoby, tło kompozycji często wypełniały obrazy zaczerpnięte z życia, rozgrywające się w realistycznie przedstawionych wnętrzach lub na ulicach i placach jego rodzinnego miasta.
Cechą charakterystyczną sztuki renesansu był niespotykany dotąd rozkwit malarstwa realistycznego. W średniowieczu powstały niezwykłe monumentalne zespoły związane z architekturą świątyń, pełne wysublimowanej duchowości i podniosłej wielkości. Ale to właśnie w okresie renesansu malarstwo po raz pierwszy ujawniło tkwiące w nim możliwości obejmujące szeroki zakres życia, przedstawiające działalność człowieka i otaczające go środowisko życia. Charakterystyczna dla epoki pasja naukowa przyczyniła się do opanowania anatomii człowieka, opracowania realistycznej perspektywy, pierwszych sukcesów w oddaniu środowiska powietrznego, opanowania konstruowania kątów, czyli niezbędnej ilości wiedzy zawodowej, która pozwoliła malarzom realistycznie i zgodnie z prawdą przedstawić osobę i otaczającą ją rzeczywistość. W późnym renesansie uzupełniono to rozwojem systemu technik, które nadały pociągnięcia pędzla bezpośrednią emocjonalną ekspresję, bardzo teksturowaną powierzchnię obrazu i mistrzostwo w przenoszeniu efektów świetlnych, zrozumienie zasad światła i powietrza perspektywiczny. Związek z nauką w tej epoce miał charakter wyjątkowy i bardzo organiczny. Nie ograniczało się to do wykorzystania możliwości matematyki, anatomii eksperymentalnej, nauki przyrodnicze ogólnie rzecz biorąc, doskonalenie umiejętności malarzy, rzeźbiarzy i architektów. Patos rozumu, wiara w niego. nieograniczone siły, pragnienie zrozumienia świata w jego żywej, wyobraźniowej integralności, w równym stopniu przeniknęło zarówno artystyczne, jak i twórczość naukowa epoki, zdecydowały o ich ścisłym powiązaniu. Dlatego genialny artysta Leonardo da Vinci był także wielkim naukowcem, a dzieła najlepszych naukowców i myślicieli epoki przepojone były nie tylko duchem oryginalnej poezji i obrazowości, jak Francis Bacon, ale często najskrytszą esencją poglądy tych naukowców na społeczeństwo zostały wyrażone w formie fikcji („Utopia” Thomasa More’a).
Zasadniczo po raz pierwszy w historii sztuki środowisko, sytuacja życiowa, w której ludzie egzystują, działają i walczą, zostały ukazane w realistyczny i szczegółowy sposób. Jednocześnie w centrum uwagi artysty pozostaje osoba, która zdecydowanie dominuje nad otoczeniem i niejako kształtuje swoje warunki życia.
Rozwiązując problemy o charakterze nowym, malarstwo odpowiednio rozwinęło i udoskonaliło swoje środki techniczne. Freski (Giotto, Masaccio, Raphael, Michelangelo) doczekały się szerokiego rozwoju w malarstwie monumentalnym (szczególnie we Włoszech). Mozaiki zniknęły prawie całkowicie, umożliwiając osiągnięcie wyjątkowo mocnych i bogatych efektów kolorystycznych i świetlnych, ale mniej niż fresk, przystosowany do realistycznego przekazywania brył i ich rozmieszczenia w środowisku przestrzennym, do przedstawiania skomplikowanych kątów. Technika tempery, zwłaszcza w sztuce wczesnego renesansu, osiąga najwyższą doskonałość. Duże znaczenie zaczęło zyskiwać od XV wieku. obraz olejny. W XVI wieku staje się techniką dominującą. Szczególną rolę w jego rozwoju odegrali holenderscy mistrzowie wczesnego renesansu, poczynając od Jana van Eycka.
Dalszy rozwój malarstwa sztalugowego, chęć jak najbardziej realistycznego komunikowania związku postaci z otaczającym ją środowiskiem powietrznym, zainteresowanie plastycznie ekspresyjnym modelowaniem formy, a także przebudzenie w latach 20-30. 16 wiek zainteresowanie emocjonalnym pociągnięciem pędzla zrodziło się w wyniku dalszego wzbogacania technik malarstwa olejnego. Największym mistrzem tej techniki był Tycjan, który odegrał niezwykle ważną rolę w późniejszym rozwoju malarstwa.
Pragnienie szerokiego artystycznego ujęcia rzeczywistości i pewnego poszerzenia kręgu „konsumentów” sztuki doprowadziło, zwłaszcza w północnych krajach Europy, do rozkwitu grawerowania. Udoskonalono grawerowanie drewna, grawerowanie metalu osiągnęło szczególnie wysoki poziom rozwoju, narodziła się akwaforta i osiągnęła pierwsze sukcesy. W krajach takich jak Niemcy, a zwłaszcza Holandia, szerokie ruchy ludowe i niespotykana dotąd skala walki politycznej stwarzają potrzebę sztuki, która szybko i elastycznie odpowiada na wymagania czasu, aktywnie i bezpośrednio uczestnicząc w walce ideologicznej i politycznej. Przede wszystkim grawerowanie stało się tą formą sztuki, która zajmowała znaczące miejsce w twórczości m.in wybitni artyści jak Durer, Holbein i Bruegel.
Dla rozkwitu grawerowania ogromne znaczenie miało przejście od książek pisanych ręcznie do drukowanych. Odkrycie i powszechne upowszechnienie druku książek miało ogromne postępowe znaczenie w demokratyzacji nauki i kultury, poszerzając i wzmacniając ideologiczną rolę edukacyjną literatury. Grawerowanie było wówczas jedyną techniką, która dawała możliwość doskonałego artystycznego zaprojektowania i zilustrowania drukowanej książki. Rzeczywiście, to właśnie w okresie renesansu ukształtowała się nowoczesna sztuka ilustracji i projektowania książek. Wielu wydawców we Włoszech, Holandii i Niemczech tworzy publikacje artystyczne, które wyróżniają się wysokim kunsztem, jak Elseviers i Aldines (ich nazwy pochodzą od nazwisk znanych wówczas typografów i wydawców).
W rzeźbie, zwłaszcza w posągach poświęconych postaciom mitologicznym, biblijnym, a także prawdziwym nowożytnym, utrwalone są one w formie heroicznej i monumentalnej typowe cechy i cechy człowieka tamtych czasów, ujawniają się namiętna siła i energia jego charakteru. Powstaje portret rzeźbiarski. Perspektywa płaskorzeźby wielofigurowej staje się powszechna. Artysta połączył w nim plastyczną klarowność rzeźby i charakterystyczną dla malarstwa głębię perspektywicznie konstruowanej przestrzeni, a także starał się przedstawić złożone wydarzenia z udziałem dużej liczby osób.
Jednak pod względem zakresu tematycznego sztuka piękna renesansu, z wyjątkiem portretów indywidualnych i zbiorowych (pejzaż i obraz historyczny choć powstały w tym czasie, nie były szeroko rozwinięte), w dalszym ciągu zwraca się głównie w stronę tradycyjnych motywów zaczerpniętych z mitów i opowieści chrześcijańskich, szeroko uzupełniając je wątkami z mitologii starożytnej. Znaczna część dzieł pisanych o tematyce religijnej przeznaczona była dla kościołów i katedr i miała cel kultowy. Ale w swojej treści dzieła te miały charakter zdecydowanie realistyczny i w istocie poświęcone były afirmacji ziemskiego piękna człowieka.
Jednocześnie czysto świeckie rodzaje malarstwa i rzeźby wyłaniają się jako pełnoprawne, niezależne gatunki, sięgające, jak już wspomniano, wysoki poziom rodzi się portret indywidualny i grupowy. W późnym renesansie pejzaż i martwa natura zaczęły wyłaniać się jako niezależne gatunki.
W okresie renesansu nowy charakter nabrała także sztuka użytkowa. Istotą nowości, jaką renesans wniósł do rozwoju sztuki użytkowej, było nie tylko powszechne wykorzystanie antycznych motywów zdobniczych oraz nowe formy i proporcje samych przedmiotów (naczyń, biżuterii, częściowo mebli) zapożyczonych z antyku, choć w sam miał bardzo ważne. W porównaniu ze średniowieczem nastąpiła zdecydowana sekularyzacja sztuki użytkowej. Gwałtownie wzrósł udział dzieł sztuki użytkowej i wystroju architektonicznego zdobiących wnętrza pałaców patrycjuszowskiej szlachty miejskiej, ratuszy i domów zamożnych obywateli. Jednocześnie, jeśli w okresie rozwiniętego średniowiecza osiągnięto najdoskonalsze rozwiązania stylistyczne przy tworzeniu dzieł związanych z kultem kościelnym, a odnalezione formy wpłynęły na całą dziedzinę sztuk użytkowych, to w okresie renesansu, zwłaszcza wysokiego i częściowo późno, zależność ta była raczej odwrotna. Renesans był okresem niezwykle wysokiego rozwoju sztuki użytkowej, tworzącej wraz z architekturą, malarstwem i rzeźbą jednolity styl epoki.
Jednocześnie, w przeciwieństwie do średniowiecza i początków renesansu, gdzie wszystkie rodzaje sztuki były jeszcze ściśle powiązane z rzemiosłem artystycznym, wśród rzemieślników następowała stopniowa separacja malarza i rzeźbiarza. Na początku wysokiego renesansu mistrzem malarstwa lub rzeźby był artysta, bystra, utalentowana osobowość twórcza, całkowicie oddzielona od reszty masy rzemieślników. Jeśli mu się to uda, będzie bogatym człowiekiem, zajmującym poczesne miejsce w życiu publicznym swoich czasów. Pozorna osobista swoboda twórczości miała swoje zalety, ale kryła też niebezpieczeństwo niepewnego losu osobistego, niosła ze sobą elementy rywalizacji i rywalizacji osobistej, przygotowywała charakterystyczne dla epoki rewolucji twórcy oddzielenie się od życia ludu. rozwinięty kapitalizm. Nowa pozycja artysty w społeczeństwie skrywała także niebezpieczeństwo rozłamu pomiędzy sztuką „wysoką” a „rzemieślniczą”. Ale to niebezpieczeństwo odbiło się szkodliwie na sztuce użytkowej dopiero znacznie później. W okresie renesansu związek ten nie został całkowicie zerwany – wystarczy przypomnieć wspaniałą biżuterię późnorenesansowego rzeźbiarza Celliniego, dzieło Francuza Pallisiego, który połączył w swojej osobie wybitnego humanistę i wspaniałego mistrza majoliki. Dlatego nie jest przypadkiem, że w okresie renesansu rozkwitły nie tylko prawie wszystkie znane wcześniej rodzaje sztuki użytkowej, ale także osiągnęły nowy poziom swojego technicznego i umiejętności artystyczne takich dziedzin jak jubilerstwo, szkło artystyczne, malarstwo fajansowe itp. Charakterystyczna jest radość i dźwięczność barw, pełna wdzięku szlachetność form, trafne wyczucie możliwości materiału, doskonała technika i głębokie poczucie jedności stylu sztuki użytkowej renesansu.
W architekturze ideały humanizmu afirmującego życie i pragnienie harmonijnie czystego piękna form były nie mniej potężne niż w innych formach sztuki i spowodowały zdecydowaną rewolucję w rozwoju architektury.
Po pierwsze, szeroko rozwinięto struktury o przeznaczeniu świeckim. Architektura cywilna – ratusze, loggie, fontanny targowe, domy dobroczynności itp. – zostaje wzbogacona o nowe zasady. Ten typ architektury powstał w głębi średniowiecznej gminy miejskiej i służył potrzebom publicznym i potrzebom miasta. W okresie renesansu, zwłaszcza w jego wczesnym okresie, architektura cywilna stała się szczególnie rozpowszechniona i nabrała wyraźnie monumentalnego i świeckiego charakteru. Jednocześnie wraz z architekturą służącą potrzebom publicznym miasta wyłania się zupełnie nowy w stosunku do średniowiecza typ architektury: dom zamożnego mieszczanina zamienia się w monumentalny pałac – pałac przesiąknięty ducha świątecznej pogody. Renesansowe pałace, zwłaszcza we Włoszech, wraz z ratuszami i świątyniami w dużej mierze zdeterminowały wygląd architektoniczny renesansowego miasta.
Jeśli na północ od Alp (Holandia, Niemcy) nowy typ architektury miasta renesansowego w pierwszych etapach powstał głównie poprzez przeróbkę architektury gotyckiej w duchu większej harmonii i wzmożonej świętości form, to we Włoszech zerwanie z architekturą średniowieczną był bardziej otwarty i konsekwentny. Szczególne znaczenie miało odwołanie się do starożytnego porządku porządkowego, racjonalność i logika konstruowania obiektu architektonicznego oraz identyfikacja logiki tektonicznej budowli. Nie mniej ważne było humanistyczne podłoże porządku, korelacja jego skal i proporcji ze skalami i proporcjami ludzkiego ciała.
Stąd powszechne odwołanie do uroczystych i uroczystych budowli architektonicznych, tak charakterystycznych dla renesansu, na tle których stoi wizerunek osoby ucieleśnionej w monumentalnej rzeźbie i obrazach, dominującej nad światem lub aktywnie walczącej w nim o osiągnięcie swoich celów. Stąd ziemski, świecki charakter charakterystyczny dla większości budynków sakralnych powstałych we Włoszech w XV i XVI wieku.
Jak już wspomniano, odwoływanie się do motywów starożytnych było charakterystyczne nie tylko dla architektów. Warto zauważyć, że nawet gdy artyści renesansu rozwiązywali problem tworzenia obrazów heroicznych poprzez reinterpretację dawnych mitów i opowieści chrześcijańskich, często odwoływali się, czasem nieco naiwnie, do autorytetu starożytnych. Tak więc wielki artysta niemieckiego renesansu Albrecht Dürer, sugerując, że wiele starożytnych traktatów o sztuce nie dotarło do jego czasów, ponieważ „te szlachetne księgi zostały zniekształcone i zniszczone wraz z nadejściem Kościoła z nienawiści do pogańskich bożków, ” – zauważa dalej, zwracając się do Kościoła ojców: „Nie zabijajcie dla zła szlachetnej sztuki, która została znaleziona i zgromadzona z wielkim trudem i pilnością. Przecież sztuka jest wielka, trudna i szlachetna, a my możemy ją zamienić na chwałę Boga. Bo tak jak oni dali swojemu bożkowi Apollinowi proporcje najpiękniejszej postaci ludzkiej, tak my chcemy zastosować te same miary dla naszego Pana Chrystusa, najpiękniejszego na całym świecie. Ponadto Dürer dochodzi swojego prawa do ucieleśnienia wizerunku Maryi w formie Najpiękniejsza kobieta Wenus i Samson w przebraniu Herkulesa (A. Durer, Księga o malarstwie. Pamiętniki, listy, traktaty, t. L.-M., 1957, s. 20.).
W istocie oznaczało to nic innego jak zdecydowaną zmianę całej aktualnej treści dawnych tematów i motywów chrześcijańskich w sztukach wizualnych. Piękno natury ludzkie uczucia, poezja prawdziwego życia zdecydowanie zastąpiła mistyczną przemianę i uroczystą alienację obrazów średniowiecza.
Kształtowanie się sztuki renesansowej w walce z pozostałościami sztuki średniowiecznej, wzrost i rozkwit kultury artystycznej renesansu, a następnie kryzys w późnym okresie jej istnienia przebiegały odmiennie w poszczególnych krajach, w zależności od specyficznych uwarunkowań historycznych.
We Włoszech, gdzie renesans osiągnął najpełniejszy i spójny rozwój, jego ewolucja przebiegała przez następujące etapy: tzw. protorenesans („przedrenesans”), czyli okres przygotowawczy, kiedy pojawiły się pierwsze znaki zwiastujące renesans. Wskazano początek rewolucji artystycznej, a następnie renesans właściwy, w którym należy rozróżnić renesans wczesny, wysoki i późny.
Charakterystyczną cechą protorenesansu (ostatnia trzecia XIII - początek XIV wieku) jest to, że w sztuce jego największych przedstawicieli - malarza Giotta, rzeźbiarzy Piccolo i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio - stopniowo realistyczny tendencje humanistyczne przejawiają się w dużej mierze w formach religijnych.
Na północy okres w pewnym stopniu zbliżony do prarenesansu nie jest już tak jednoznacznie zidentyfikowany i rozwija się, w odróżnieniu od Włoch, w oparciu o postępowe nurty późnego gotyku. W Holandii zaczyna się pod koniec XIV wieku. a kończy się w latach 10. XV wieku w twórczości braci Limburgii i rzeźbiarza Klausa Slutera. W Niemczech i Francji te tendencje przejściowe nie doprowadziły do powstania nowego etapu artystycznego, wyraźnie odróżniającego się od postępowych ruchów sztuki późnogotyckiej. W Czechach, które wraz z Włochami i Holandią były wówczas jednym z najbardziej rozwiniętych gospodarczo regionów Europy, w drugiej połowie XIV wieku. W głębi sztuki gotyckiej narodził się realistyczny i humanistyczny ruch artystyczny, przygotowujący powstanie sztuki renesansowej (w szczególności dzieła Teodoryka i Mistrza Ołtarza Trebon). Kryzys wywołany rewolucją husycką i jej klęską przerwał tę pierwotną linię rozwoju sztuki czeskiej.
Sztuka renesansu rozwijała się głównie zgodnie z dwoma etapami powstania, a następnie początkowego okresu rozwoju kapitalizmu w Europie, do których Marks nawiązywał w Kapitale: „...pierwsze zaczątki produkcji kapitalistycznej spotyka się sporadycznie w poszczególnych miast nad Morzem Śródziemnym już w XIV i XV wieku, jednak początek ery kapitalistycznej datuje się dopiero na wiek XVI. Tam, gdzie nadchodzi, pańszczyzna już dawno została zniszczona, a wspaniała karta średniowiecza – wolne miasta – wyblakła” (K. Marx i F. Engels, Works, t. 23, s. 728).
Kultura wczesnego renesansu w swojej unikalnej historycznie formie mogła powstać jedynie w warunkach całkowitej lub prawie całkowitej niezależności politycznej takich miast-państw. Etap ten najkonsekwentniej i najpełniej ujawnił się w sztuce Włoch i Holandii. We Włoszech obejmuje cały XV wiek aż do lat 80. i 90. XX wieku; w Niderlandach – czas pierwszych dziesięcioleci XV wieku. i do początków XVI w.; w Niemczech – prawie cała druga połowa XV wieku.
Rozkwit sztuki wczesnego renesansu we Włoszech i Niemczech kończy się wraz z tzw. Wysokim Renesansem (lata 90. XV w. - początek XVI w.). Sztuka wysokiego renesansu, kończąca się w XV wieku. i doprowadzenie jego postępowych tendencji do najwyższego wyrazu, stanowiło jednak szczególny, jakościowo oryginalny etap w rozwoju renesansu jako całości, z jego pragnieniem harmonijnej przejrzystości i monumentalnego heroizmu obrazu człowieka. Wysoki renesans dał światu takich tytanów jak Leonardo da Vinci, Raphael, Bramante, Michelangelo, Giorgione, Tycjan, Durer, Holbein.
W innych krajach, takich jak Holandia i Francja, okres wysokiego renesansu był znacznie mniej jasno zdefiniowany. W niektórych z nich jest całkowicie nieobecny.
Do lat 30-40. 16 wiek Kultura renesansu wkracza w końcową fazę swojego rozwoju. W kontekście kształtowania się państw narodowych i likwidowania niezależności politycznej miast, w większości krajów nabiera ona charakteru kultury narodowej.
Cechy sztuki późnego renesansu, obejmującego ostatnie dwie trzecie XVI wieku, a w Anglii początek XVII wieku, wynikają z faktu, że rozwinęła się ona w okresie początkowej akumulacji kapitału, rozwój manufaktur, głęboki kryzys i upadek starych patriarchalnych feudalnych form gospodarki, które częściowo zawładnęły obszarami wiejskimi każdego kraju, burzliwa ekspansja kolonialna i wzrost ruchów antyfeudalnych mas ludowych. Ruch ten w Holandii przekształcił się w pierwszą udaną rewolucję burżuazyjną. W tym okresie walka ideologiczna Siły reakcji i postępu nabierają szczególnie szerokiego i ostrego charakteru.
Na polu walki społecznej i ideologicznej był to z jednej strony czas wzrostu i ekspansji zarówno ruchu antyfeudalnego burżuazji miejskiej, a nawet części szlachty, jak i potężnego zrywu rewolucyjnego mas. Walka ideologiczna wyrażająca te procesy często toczyła się w skorupie religijnej, która powstała w pierwszych dziesięcioleciach XVI wieku. zreformować ruchy antykatolickie od umiarkowanego luteranizmu do wojującego kalwinizmu lub plebejskiego egalitarnego anabaptyzmu. Z kolei okres późnego renesansu przypada na czas konsolidacji i restrukturyzacji sił reakcji feudalnej, przede wszystkim Kościoła katolickiego – tzw. kontrreformacji, z którą ściśle wiąże się powstanie zakonu jezuitów .
Sztuka późnego renesansu rozwijała się w różnych krajach Europy bardzo nierównomiernie i w głęboko unikalnych formach. W wyniku Wielkich Odkryć Geograficznych Włochy znalazły się na uboczu głównych ośrodków dalszego rozwoju gospodarczego i politycznego Europy. Zaawansowanym siłom Włoch nie udało się stworzyć jednego państwa narodowego, a kraj stał się obiektem walk i grabieży pomiędzy rywalizującymi mocarstwami – Francją i Hiszpanią. Stąd tragiczny charakter, jaki nabrało w tym czasie późniejsze dzieło Michała Anioła, Tycjana i sztuka Tintoretta. Spośród wielkich realistycznych mistrzów późnego włoskiego renesansu tylko Veronese, z wyjątkiem ostatnich lat jego życia, pozostaje zewnętrznie obcy tragicznym problemom epoki. Ogólnie rzecz biorąc, artystyczny wkład postępowych włoskich mistrzów późnego renesansu kultura światowa był bardzo znaczący. Jednocześnie we Włoszech tego okresu, wcześniej niż gdziekolwiek indziej, rozwinęła się wrogość do realizmu. ruch artystyczny, wyrażający ideologiczne interesy reakcji feudalnej - tzw. manieryzm.
Niemcy, po krótkotrwałym rozkwicie sztuki, podobnym charakterem do wysokiego renesansu we Włoszech, weszły w okres długiego i ciężkiego upadku spowodowanego upadkiem wczesnej rewolucji burżuazyjnej i politycznym rozbiciem kraju.
W Holandii przeżywającej okres rozkwitu rewolucyjnego, we Francji, która wkroczyła w okres konsolidacji państwa narodowego, w Anglii, gdzie w ramach umacniania się absolutyzmu nastąpił gwałtowny rozwój gospodarki i kultury , okres późnego renesansu, z całą charakterystyczną dla niego ostrością kontrastów społecznych, etycznych i estetycznych, był czasem rozwoju kultury i sztuki, który dał ludzkości Goujona i Bruegla, Rabelais i Szekspira.
Bardzo znacząca w okresie późnego renesansu była rola kultury Hiszpanii, nasyconej ostrymi sprzecznościami, która stała się w XVI wieku. przez krótki czas jedną z najpotężniejszych potęg w Europie.
Jednak monarchia hiszpańska, w przeciwieństwie do absolutyzmu we Francji i Anglii, postawiła sobie za cel nie wzmocnienie państwa narodowego, ale stworzenie kosmopolitycznego imperium światowego. Zadanie to w warunkach kolejnego okresu konsolidacji narodów burżuazyjnych miało charakter reakcyjno-utopijny. II imperium klerycko-katolickie, które na krótki czas zjednoczyło pod swoim berłem Hiszpanię, Holandię, Niemcy i znaczną część Włoch, pod koniec XVI wieku rozpadło się, wyczerpując i krwawiąc samą Hiszpanię.
W epoce późnego renesansu po raz pierwszy w historii sztuki walka realizmu z wrogimi mu trendami, walka postępu z reakcją pojawia się w dość otwartej i spójnej formie. Z jednej strony w dziełach zmarłego Tycjana, Michała Anioła, Goujona, Rabelais, Bruegla, Szekspira, Cervantesa realizm wznosi się na jeszcze jeden poziom w swym pragnieniu opanowania bogactwa życia, aby zgodnie z prawdą, z humanistycznego punktu widzenia, wyrazić jego sprzeczności, do opanowania nowych aspektów życia świata - ukazywanie mas ludzkich, starć i konfliktów charakterów, oddanie poczucia złożonej „polifonicznej” dynamiki życia. Z drugiej strony twórczość włoskich manierystów, holenderskich powieściopisarzy i wreszcie sztuka pełna tragicznych sprzeczności, pełna pasji Artysta hiszpański Twórczość El Greco nabiera mniej lub bardziej konsekwentnie antyhumanistycznego charakteru. Sprzeczności i konflikty życia w ich sztuce interpretowane są w sposób mistycznie zniekształcony, subiektywnie arbitralny.
Ogólnie rzecz biorąc, późny renesans stanowi jakościowo nowy i ważny etap rozwoju sztuki renesansowej. Utraciwszy harmonijną radość wczesnego i wysokiego renesansu, sztuka późnego renesansu wnika głębiej w kompleks wewnętrzny świat człowieka, szerzej ujawnia jego powiązania ze światem zewnętrznym. Sztuka późnego renesansu dopełnia całą wielką epokę renesansu, wyróżniającą się wyjątkową oryginalnością ideologiczną i artystyczną, a jednocześnie przygotowuje przejście do następnej epoki w rozwoju kultury artystycznej ludzkości.
- Wysoki renesans.
- Dzieła Leonarda da Vinci, Tycjana, Rafaela, Michała Anioła.
- Renesans północny: sztuka Holandii i Niemiec.
Wysoki renesans
Sztuka wysokiego renesansu obejmuje koniec XV i pierwsze trzy dekady XVI wieku. "Złoty wiek" Sztuka włoska chronologicznie był bardzo krótki i jedynie w Wenecji trwał dłużej, bo do połowy stulecia. Ale to właśnie w tym czasie powstały wspaniałe dzieła tytanów renesansu.
Najwyższy rozwój kultury nastąpił w najtrudniejszym okresie historycznym w życiu Włoch, w warunkach gwałtownego osłabienia gospodarczego i politycznego państw włoskich. Podboje tureckie na Wschodzie, odkrycie Ameryki i nowe trasa morska w przypadku Indii włoskie miasta są pozbawiane roli głównych ośrodków handlowych; brak jedności i ciągłe wewnętrzne konflikty czynią z nich łatwy łup dla rosnących, scentralizowanych stanów północno-zachodnich. Przemieszczanie się kapitału w kraju od handlu i przemysłu do rolnictwa oraz stopniowe przekształcanie się burżuazji w klasę obszarników przyczyniło się do szerzenia się reakcji feudalnej. Najazd wojsk francuskich w 1494 r., wyniszczające wojny pierwszych dziesięcioleci XVI wieku i klęska Rzymu znacznie osłabiły Włochy. To właśnie w tym czasie, gdy nad krajem zawisła groźba całkowitego zniewolenia przez obcych najeźdźców, ujawniła się siła narodu, który wkroczył w walkę o niepodległość narodową, o republikańską formę rządów, jej rozwój tożsamość narodowa. Świadczą o tym ruchy ludowe początku XVI wieku w wielu włoskich miastach, a zwłaszcza we Florencji, gdzie rządy republikańskie panowały dwukrotnie: od 1494 do 1512 i od 1527 do 1530. Ogromny wzrost społeczny stał się podstawą rozkwitu potężnej kultury wysokiego renesansu. W trudnych warunkach pierwszych dziesięcioleci XVI wieku ukształtowały się zasady kultury i sztuki nowego stylu.
Charakterystyczną cechą kultury wysokiego renesansu było niezwykłe poszerzenie horyzontów społecznych jej twórców, skala ich wyobrażeń o świecie i przestrzeni. Zmienia się pogląd człowieka i jego stosunek do świata. Sam typ artysty, jego światopogląd i pozycja w społeczeństwie zdecydowanie odbiegają od tej, jaką zajmowano przez mistrzów XV wieku, wciąż w dużej mierze kojarzonych z klasą rzemieślników. Artyści wysokiego renesansu byli nie tylko ludźmi wielkiej kultury, ale jednostkami twórczymi, wolnymi od ram cechowych, zmuszających przedstawicieli klas panujących do uwzględnienia ich planów.
W centrum ich twórczości, uogólnionej w języku artystycznym, znajduje się obraz ideału Wspaniała osoba doskonały fizycznie i duchowo, nie oderwany od rzeczywistości, ale pełen życia, wewnętrznej siły i znaczenia, tytanicznej mocy samoafirmacji. Oprócz Florencji najważniejszymi ośrodkami nowej sztuki początku XVI wieku były papieski Rzym i patrycjuszowska Wenecja. Od lat trzydziestych XVI wieku w środkowych Włoszech narasta reakcja feudalno-katolicka, a wraz z nią rozprzestrzenia się dekadencki ruch w sztuce, zwany manieryzmem. A już w drugiej połowie XVI wieku pojawiły się nurty w sztuce antymanierystycznej.
W tym późnym okresie, kiedy swoją rolę zachowują jedynie pojedyncze ośrodki kultury renesansowej, to właśnie one tworzą najważniejsze dzieła o wartości artystycznej. Są to późne dzieła Michała Anioła, Palladia i wielkich Wenecjan.
Dzieła Leonarda da Vinci
Pewne nurty w sztuce wysokiego renesansu antycypowano w twórczości wybitnych artystów XV wieku i wyrażały się one w pragnieniu wielkości, monumentalizacji i uogólnieniu obrazu. Jednak prawdziwym założycielem stylu wysokiego renesansu był Leonardo da Vinci, geniusz, którego twórczość zapoczątkowała imponującą zmianę jakościową w sztuce. Znaczenie jego wszechstronnej działalności naukowej i artystycznej stało się jasne dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów Leonarda. Jego notatki i rysunki zawierają błyskotliwe spostrzeżenia z różnych dziedzin nauki i technologii. Był, jak to ujął Engels, „nie tylko wielkim malarzem, ale także wielkim matematykiem, mechanikiem i inżynierem, któremu najróżniejsze gałęzie fizyki zawdzięczają ważne odkrycia”.
Sztuka była dla Leonarda sposobem na zrozumienie świata. Wiele jego szkiców służy ilustrowaniu prac naukowych, a jednocześnie jest dziełami wysoki poziom artystyczny. Leonardo ucieleśniał nowy typ artysty - naukowca, myśliciela, uderzającego szerokością poglądów i wszechstronnością talentu.
Leonardo urodził się w wiosce Anchiano, niedaleko miasta Vinci. Był nieślubnym synem notariusza i prostej wieśniaczki. Studiował we Florencji, w pracowni rzeźbiarza i malarza Andrei Verrocchio. Jedno z wczesnych dzieł Leonarda – postać anioła z obrazu Verrocchia „Chrzest” (Florencja, Uffizi) – wyróżnia się wśród zamrożonych postaci subtelną duchowością i świadczy o dojrzałości twórcy.
Do wczesnych dzieł Leonarda należy przechowywana w Ermitażu „Madonna z kwiatem” (tzw. „Madonna Benois”, ok. 1478 r.), która zdecydowanie różni się od licznych Madonn z XV wieku. Odrzucając gatunek i staranne detale charakterystyczne dla dzieł mistrzów wczesnego renesansu, Leonardo pogłębia cechy i uogólnia formy. Postacie młodej matki z dzieckiem, subtelnie modelowane bocznym światłem, wypełniają niemal całą przestrzeń obrazu. Ruchy organicznie ze sobą powiązanych postaci są naturalne i plastyczne. Wyraźnie wyróżniają się na ciemnym tle ściany. Czyste, błękitne niebo otwierające się w oknie łączy postacie z naturą, z rozległym światem zdominowanym przez człowieka. W zrównoważonej konstrukcji kompozycji wyczuwalny jest wewnętrzny wzór. Ale to nie wyklucza ciepła, naiwnego uroku obserwowanego w życiu.
W 1480 roku Leonardo miał już własny warsztat i otrzymywał zamówienia. Jednak pasja do nauki często odwracała jego uwagę od studiów artystycznych. Nieukończona pozostała wielka kompozycja ołtarzowa „Pokłon Trzech Króli” (Florencja, Uffizi) i „Święty Hieronim” (Rzym, Watykan Pinakoteka). W pierwszym artysta starał się przekształcić złożoną monumentalną kompozycję obrazu ołtarzowego w łatwo widoczną grupę w kształcie piramidy, oddającą głębię ludzkich uczuć. W drugim - do prawdziwego przedstawienia skomplikowanych kątów ludzkiego ciała, przestrzeni krajobrazu.
Brak odpowiedniego uznania dla jego talentu na dworze Lorenzo Medici Ze swoim kultem wyrafinowania Leonardo wszedł na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Najbardziej owocny okazał się mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Tutaj wszechstronność jego talentu jako naukowca, wynalazcy i artysty ujawniła się z całą mocą.
Swoją działalność rozpoczął od wykonania pomnika rzeźbiarskiego – pomnika konnego ojca księcia Ludovico Moro, Francesco Sforzy. Wielki model pomnika, jednomyślnie chwalony przez współczesnych, został zniszczony podczas zdobywania Mediolanu przez Francuzów w 1499 roku. Zachowały się jedynie rysunki – szkice różnych wersji pomnika, wizerunki bądź to pełnego dynamiki konia stającego na dębie, bądź konia występującego uroczyście, przypominającego rozwiązania kompozycyjne Donatello i Verrocchia. Najwyraźniej tę ostatnią opcję zamieniono na model posągu. Był znacznie większy niż pomniki Gattamelaty i Colleoniego, co spowodowało, że współcześni i sam Leonardo nazwali pomnik „wielkim kolosem”. Praca ta pozwala nam uznać Leonarda za jednego z największych rzeźbiarzy tamtych czasów.
Nie dotarł do nas żaden zrealizowany projekt architektoniczny Leonarda. A jednak jego rysunki i projekty budynków, plany stworzenia idealnego miasta mówią o jego darze jako wybitnego architekta.
Okres mediolański obejmuje obrazy o dojrzałym stylu - „Madonna w grocie” i „Ostatnia wieczerza”. „Madonna w grocie” (1483-1494, Paryż, Luwr) to pierwsza monumentalna kompozycja ołtarzowa okresu wysokiego renesansu. Jej bohaterowie, Maria, Jan, Chrystus i anioł, nabrali cech wielkości, poetyckiej duchowości i pełni życiowej wyrazistości. Zjednoczeni nastrojem zamyślenia i działania – Dzieciątko Chrystus błogosławi Jana – w harmonijnej piramidalnej grupie, jakby rozwiewanej lekką mgiełką światłocienia, bohaterowie legendy ewangelii wydają się być ucieleśnieniem idealnych obrazów spokojnego szczęścia.
Najważniejszym z monumentalne obrazy Leonardo - „Ostatnia wieczerza”, wykonywana w latach 1495-1497 dla klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie. Odchodząc od tradycyjnej interpretacji epizodu ewangelicznego, Leonardo proponuje nowatorskie rozwiązanie tematu, kompozycję głęboko odsłaniającą ludzkie uczucia i przeżycia. Minimalizując zarys wyposażenia refektarza, celowo zmniejszając wielkość stołu i wysuwając go na pierwszy plan, skupia uwagę na dramatycznej kulminacji wydarzenia, na kontrastujących cechach ludzi o różnych temperamentach, przejawie złożonego asortymentu uczuć, wyrażających się w mimice i gestach, którymi apostołowie odpowiadają na słowa Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Zdecydowany kontrast w stosunku do apostołów stanowią umieszczone w centrum kompozycji obrazy na pozór spokojnego, ale niestety zamyślonego Chrystusa i zdrajcy Judasza, opartego o krawędź stołu, którego szorstki, drapieżny profil zanurzony jest w cień. Zamieszanie, podkreślone gestem dłoni gorączkowo ściskającej portfel i ponury wygląd wyróżniają go spośród innych apostołów, na których oświetlonych twarzach można odczytać wyraz zdziwienia, współczucia i oburzenia. Leonardo nie oddziela postaci Judasza od pozostałych apostołów, jak to czynili mistrzowie wczesnego renesansu. A jednak odrażający wygląd Judasza jeszcze ostrzej i głębiej ukazuje ideę zdrady. Wszystkich dwunastu uczniów Chrystusa rozmieszczonych jest w grupach po trzy osoby, po obu stronach nauczyciela. Niektórzy z nich podekscytowani zrywają się z miejsc, zwracając się do Chrystusa. Artysta podporządkowuje rygorystycznemu porządkowi różnorodne wewnętrzne poruszenia apostołów. Kompozycja fresku zadziwia jednością, integralnością, jest ściśle zrównoważona, centryczna w konstrukcji. Monumentalizacja obrazów i skala obrazu sprawiają wrażenie głębokiego znaczenia obrazu, podporządkowującego wszystko duża przestrzeń refektarz. Leonardo znakomicie rozwiązuje problem syntezy malarstwa i architektury. Ustawiając stół równolegle do ściany, którą zdobi fresk, potwierdza jego płaszczyznę. Przedstawiona na fresku perspektywiczna redukcja ścian bocznych zdaje się kontynuować rzeczywistą przestrzeń refektarza.
Fresk jest poważnie uszkodzony. Eksperymenty Leonarda z nowymi materiałami nie przetrwały próby czasu, późniejsze nagrania i rekonstrukcje niemal zakryły oryginał, który został dopuszczony dopiero w 1954 roku. Jednak zachowane ryciny i rysunki przygotowawcze umożliwiają uzupełnienie wszystkich szczegółów kompozycji.
Po zajęciu Mediolanu przez wojska francuskie Leonardo opuścił miasto. Rozpoczęły się lata tułaczki. Na zlecenie Republiki Florenckiej wykonał tekturę do fresku „Bitwa pod Anghiari”, który miał ozdobić jedną ze ścian Izby Rady w Palazzo Vecchio (budynek władz miejskich). Tworząc tę tekturę, Leonardo wdał się w konkurencję z młodym Michałem Aniołem, który realizował zamówienie na fresk „Bitwa pod Casciną” na inną ścianę tej samej sali. Jednak te kartony, które otrzymałem powszechne uznanie współcześni nie przetrwali do dziś. Dopiero stare kopie i ryciny pozwalają ocenić innowacyjność geniuszy wysokiego renesansu w dziedzinie malarstwa batalistycznego.
W pełnej dramatyzmu i dynamiki kompozycji Leonarda, epizod walki o sztandar, podany jest moment Wysokie napięcie walczące siły, ukazuje się okrutna prawda o wojnie. Z tego czasu datuje się powstanie portretu Mony Lisy („La Gioconda”, ok. 1504, Paryż, Luwr), jednego z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego. Niezwykła jest głębia i znaczenie kreowanego obrazu, w którym indywidualne cechy łączą się z dużym uogólnieniem. Innowacja Leonarda była również widoczna w rozwoju portretu renesansowego.
Plastycznie szczegółowa, zamknięta w sylwetce majestatyczna postać młodej kobiety dominuje w odległym krajobrazie spowitym niebieskawą mgłą, pomiędzy którą wiją się skały i kanały wodne. Złożony, na poły fantastyczny krajobraz subtelnie współgra z charakterem i inteligencją portretowanej osoby. Wydaje się, że niestabilną zmienność samego życia wyczuwa się w wyrazie jej twarzy, ożywionej subtelnym uśmiechem, w jej spokojnym, pewnym, przenikliwym spojrzeniu. Twarz i smukłe dłonie patrycjusza pomalowane są z niezwykłą starannością i delikatnością. Najcieńsza, jakby topniejąca mgiełka światłocienia (tzw. sfumato), otaczająca sylwetkę, zmiękcza kontury i cienie; Na obrazie nie ma ani jednej ostrej kreski ani konturu kątowego.
W ostatnich latach życia Leonardo większość czasu poświęcił badaniom naukowym. Zmarł we Francji, dokąd przybył na zaproszenie króla Francji Franciszka I i gdzie mieszkał zaledwie dwa lata.
Jego twórczość, badania naukowe i teoretyczne, a także sama osobowość wywarły ogromny wpływ na rozwój kultury światowej. W jego rękopisach znajdują się niezliczone notatki i rysunki, które świadczą o uniwersalności geniuszu Leonarda. Są tam starannie narysowane kwiaty i drzewa, szkice nieznanych narzędzi, maszyn i aparatury. Obok analitycznie dokładnych obrazów pojawiają się rysunki, które wyróżniają się niezwykłym rozmachem, epickością czy subtelnym liryzmem. Zapalony wielbiciel wiedzy eksperymentalnej, Leonardo dążył do jej krytycznego zrozumienia i poszukiwał uogólniających praw. „Doświadczenie jest jedynym źródłem wiedzy” – mówił artysta. „Księga malarstwa” ujawnia jego poglądy jako teoretyka sztuki realistycznej, dla którego malarstwo jest zarówno „nauką, jak i prawowitą córką natury”. W traktacie znajdują się wypowiedzi Leonarda na temat anatomii i perspektywy, szuka on wzorców w budowie harmonijnej sylwetki ludzkiej, pisze o współdziałaniu kolorów i odruchach. Wśród naśladowców i uczniów Leonarda nie było jednak ani jednego, który pod względem talentu zbliżałby się do nauczyciela; pozbawieni samodzielnego spojrzenia na sztukę, jedynie zewnętrznie przyswoili sobie jego styl artystyczny.
Malarstwo i biografia Tiziano Vecellio
|
|||||||||||||||||||||||||
 |
 |
 |
 |
 |
| Świecka miłość (Marność ziemskich) 1515 |
Młodzież z podartą rękawiczką, 1515-1520 | Flora 1515 |
Francesco della Rovere 1538 |
Portret młodej kobiety, 1536 |
 Miłość ziemska i niebiańska, 1515 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Portret Pietro Aretina 1545 |
Portret Karola V 1548 |
Danae 1554 |
Syzyf 1549 |
Wenus z lustrem 1555 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Wniebowzięcie Marii (Assunta), 1518 | Tarquin i Lukrecja 1568-1571 |
Złożenie do grobu 1524-1526 |
Świętego Sebastiana 1570 |
Opłakiwanie Chrystusa 1576 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Madonna z rodu Pesaro, 1519-1526 | Bachus i Ariadna 1522 |
Wprowadzenie do świątyni 1534-1538 |
, 1546 | Alegoria czasu 1565 |
|
|
|||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
1514, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń
Lata 60. XVI w., Ermitaż w Petersburgu
| motywy mitologiczne („Święto Wenus”, 1518, Prado, Madryt; „Złożenie do grobu”, lata 20. XVI w., Luwr; „Wprowadzenie do świątyni”, 1538, Galleria dell’Accademia, Wenecja; „Wenus z Urbino”, 1538, Uffizi), charakteryzuje się dźwięczną kolorystyką opartą na intensywnych kontrastach niebieskich i czerwonych plam barwnych, bogatymi tłami architektonicznymi, w których artysta umieścił drobne sceny rodzajowe i codzienne detale. Koniec lat trzydziestych XVI wieku to okres rozkwitu sztuki portretowej Tycjana. Z niezwykłą wnikliwością artysta przedstawił swoich współczesnych, wychwytując różne, czasem sprzeczne cechy ich charakterów: hipokryzję i podejrzliwość, pewność siebie i godność („Ippolito de' Medici”, 1532, „La Bella”, 1538, wszystko w Galerii Palatyn , Florencja). Przepełnione głęboką tragedią późne obrazy religijne Tycjana charakteryzują się integralnością charakteru i stoicką odwagą („Pokutująca Maria Magdalena”, lata 60. XVI w., Ermitaż, St. Petersburg; „Korona cierniowa”, lata 70. XVI w., Alte Pinakothek, Monachium; „Opłakiwanie Chrystusa ”, 1575 i „Pieta”, 1576, obie – Galleria dell’Accademia, Wenecja). Kolorystyka późniejszych dzieł Tycjana opiera się na najdoskonalszej chromatyzmie barwnym: kolorystyka, na ogół podporządkowana złotemu tonowi, zbudowana jest na subtelnych odcieniach brązu, stalowego błękitu, różowoczerwonego i wyblakłej zieleni. |
|
|
|
|
|
| Świecka miłość (Marność ziemskich) 1515 |
Młodzież z podartą rękawiczką, 1515-1520 | Flora 1515 |
Francesco della Rovere 1538 |
Portret młodej kobiety, 1536 |
| W późnym okresie swojej twórczości Tycjan osiągnął szczyty zarówno w swoich umiejętnościach malarskich, jak i emocjonalnej i psychologicznej interpretacji tematów religijnych i mitologicznych. Podnoszące na duchu piękno ludzkiego ciała, bogactwo otaczającego świata stały się motywem przewodnim prac artysty o tematyce zaczerpniętej z mitologii starożytnej („Danae”, ok. 1554 r., Prado w Madrycie i Ermitaż w Petersburgu; „Wenus przed lustrem”, lata 50. XVI w., National Gallery of Art, Waszyngton, „Diana i Actaeon”, 1556 oraz „Diana i Callisto”, 1556-1559, oba obrazy w National Gallery of Scotland w Edynburgu). |
Miłość ziemska i niebiańska, 1515 |
|
|
|
|
|
| Portret Pietro Aretina 1545 |
Portret Karola V 1548 |
Danae 1554 |
Syzyf 1549 |
Wenus z lustrem 1555 |
| Pędzel artysty staje się wyjątkowo swobodny; kompozycja, kształt i kolor budowane są za pomocą śmiałego modelowania plastycznego; farby nakłada się na płótno nie tylko pędzlem, ale także szpachelką, a nawet palcami. Przezroczyste szkliwa nie przesłaniają podmalówki, lecz w niektórych miejscach odsłaniają ziarnistą fakturę płótna. Dzięki połączeniu elastycznych pociągnięć powstają obrazy pełne żywej witalności i dramatyzmu. W latach pięćdziesiątych XVI wieku zmienił się charakter twórczości Tycjana, nasilił się dramatyczny początek jego kompozycji religijnych („Męczeństwo św. Wawrzyńca”, 1555, kościół Gesuiti, Wenecja; „Złożenie do grobu”, 1559, Prado). Jednocześnie ponownie zwraca się ku wątkom mitologicznym, motywowi rozkwitu kobiecego piękna („Syzyf”, 1549–1550; „Danae”, 1554; „Wenus i Adonis”, 1554, wszystkie - Prado, Madryt; „Perseusz i Andromeda”, 1556, Kolekcja Wallace’a, Londyn). Bliska tym obrazom jest także gorzko płacząca Maria Magdalena z obrazu o tym samym tytule. |
|
|
|
|
|
| Wniebowzięcie Marii (Assunta), 1518 | Tarquin i Lukrecja 1568-1571 |
Złożenie do grobu 1524-1526 |
Świętego Sebastiana 1570 |
Opłakiwanie Chrystusa 1576 |
| Istotny punkt zwrotny w twórczości artysty przypada na przełom lat 1550-1560. Świat jawi się jako pełen dynamiki, zamętu, silnych impulsów namiętności w serii mitologicznych kompozycji opartych na wątkach Metamorfoz Owidiusza, napisanych przez Tycjana dla Filipa II: „Diana i Akteon” oraz „Diana i Kallisto” (1559, Galeria Narodowa , Edynburg), „Gwałt Europy” (1562, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), „Polowanie na Dianę” (ok. 1565, National Gallery, Londyn). W tych płótnach, przesiąkniętych szybkim ruchem i wibracją koloru, pojawia się już element tzw. „późnej maniery”, charakterystycznej dla ostatnich dzieł Tycjana („Święty Sebastian”, 1565-1570, Ermitaż; „Pasterz i nimfa” , 1570, Muzeum Historii Sztuki, Wiedeń; „Kara Marsjasza”, lata 70. XVI w., Galeria Obrazów, Kromeriz; „Lamentacja Chrystusa”, 1576, Galeria Accademia, Wenecja). |
|
|
|
|
|
| Madonna z rodu Pesaro, 1519-1526 | Bachus i Ariadna 1522 |
Wprowadzenie do świątyni 1534-1538 |
Papież Paweł III z wnukami Farnese, 1546 | Alegoria czasu 1565 |
| Płótna te wyróżniają się złożoną strukturą obrazową, zatartymi granicami pomiędzy formami a tłem; powierzchnia płótna sprawia wrażenie utkanej z pociągnięć nakładanych szerokim pędzlem, czasem rozcieranych palcami. Odcienie uzupełniających się, przenikających lub kontrastujących tonów tworzą swego rodzaju jedność, z której rodzą się formy lub stonowane, połyskujące kolory. Innowacyjność „późnego sposobu” nie została zrozumiana przez współczesnych i została doceniona dopiero później. Sztuka Tycjana, która najpełniej ujawniła oryginalność szkoły weneckiej, wywarła ogromny wpływ na formację największych artystów XVII wieku od Rubensa i Velazqueza po Poussina. Technika malarska Tycjana wywarła wyjątkowy wpływ na dalszy rozwój światowej sztuki plastycznej aż do XX wieku. |
Twórczość Rafaela Santiego
Idea najjaśniejszych i najbardziej wzniosłych ideałów renesansowego humanizmu została najpełniej zawarta w jego twórczości Raphaela Santi (1483-1520). Młodszy współczesny Leonardowi, żyjący krótko i niezwykle burzliwie, Rafael dokonał syntezy dorobku swoich poprzedników i stworzył swój ideał pięknej, harmonijnie rozwiniętej osoby otoczonej majestatyczną architekturą lub krajobrazem. Rafael urodził się w Urbino, w rodzinie malarza, który był jego pierwszym nauczycielem. Później uczył się u Timoteo della Viti i Perugino, doskonaląc styl tego ostatniego. Od Perugino Raphael przejął tę gładkość linii, tę swobodę pozycjonowania postaci w przestrzeni, która stała się charakterystyczna dla jego dojrzałych kompozycji. Jako siedemnastoletni chłopiec ujawnia prawdziwą dojrzałość twórczą, tworząc cykl obrazów pełnych harmonii i duchowej przejrzystości.
Delikatny liryzm i subtelna duchowość wyróżniają jedno z jego wczesnych dzieł - „Madonna Conestabile” (1502, Petersburg, Ermitaż), oświecony obraz młodej matki przedstawiony na tle przezroczystego krajobrazu Umbrii. Umiejętność swobodnego rozmieszczania postaci w przestrzeni, łączenia ich ze sobą i z otoczeniem przejawia się także w kompozycji „Zaręczyny Maryi” (1504, Mediolan, Galeria Brera). Przestronność w konstrukcji krajobrazu, harmonia form architektonicznych, równowaga i integralność wszystkich części kompozycji świadczą o wyłonieniu się Rafaela jako mistrza wysokiego renesansu.
Rafael po przybyciu do Florencji z łatwością przyswaja najważniejsze osiągnięcia artystów szkoły florenckiej z jej wyraźnym początek plastikowy i szerokie ujęcie rzeczywistości. Treść jego twórczości pozostaje lirycznym tematem jasnej miłości matczynej, do której przywiązuje szczególne znaczenie. Dojrzały wyraz uzyskała w takich dziełach jak „Madonna w zieleni” (1505, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), „Madonna ze szczygiełkiem” (Florencja, Uffizi), „Piękny ogrodnik” (1507, Paryż, Luwr). Zasadniczo wszystkie różnią się tym samym typem kompozycji, złożonej z postaci Maryi, Dzieciątka Chrystus i Chrzciciela, tworzących się na pięknym tle wiejski krajobraz grupy piramidalne na wzór tych znalezionych wcześniej przez Leonarda techniki kompozytorskie. Naturalność ruchów, miękka plastyczność form, gładkość melodyjnych linii, piękno idealny typ Madonny, klarowność i czystość tła pejzażowego pozwalają odkryć wzniosłą poezję figuratywnej struktury tych kompozycji.
W 1508 roku Rafael został zaproszony do pracy w Rzymie, na dworze papieża Juliusza II, człowieka potężnego, ambitnego i energicznego, który zabiegał o powiększenie skarbów artystycznych swojej stolicy i przyciągnięcie do swoich usług najzdolniejszych osobistości kultury tamtych czasów. Na początku XVI w. Rzym budził nadzieje na narodowe zjednoczenie kraju. Ideały porządku narodowego stworzyły grunt dla twórczego rozwoju, dla ucieleśnienia zaawansowanych dążeń w sztuce. Tutaj, w bliskim sąsiedztwie dziedzictwa starożytności, talent Rafaela rozkwita i dojrzewa, uzyskując nowy zakres i cechy spokojnej wielkości.
Rafael otrzymuje zlecenie na pomalowanie sal reprezentacyjnych (tzw. zwrotek) Pałacu Watykańskiego. Dzieło to, kontynuowane z przerwami od 1509 do 1517 roku, umieściło Rafaela w gronie największych mistrzów włoskiej sztuki monumentalnej, którzy z pewnością rozwiązali problem syntezy architektury renesansowej i malarstwa. Talent Rafaela jako monumentalisty i dekoratora objawił się w całej okazałości podczas malowania Stanzi della Segnatura (drukarni). Na długich ścianach tej sali, przykrytych sklepieniami żaglowymi, widnieją kompozycje „Spór” i „ Szkoła ateńska”, na wąskich - „Parnas” i „Mądrość, umiar i siła”, uosabiające cztery obszary ludzkiej działalności duchowej: teologię, filozofię, poezję i orzecznictwo. Sklepienie podzielone na cztery części zdobią figury alegoryczne, które tworzą jeden system zdobniczy z malowidłami ściennymi. W ten sposób cała przestrzeń pomieszczenia została wypełniona malarstwem.
 |
 |
 |
 |
 |
| Adam i Ewa 1510 |
Szkoła ateńska 1509 |
Triumf Galatei 1511 |
Spór 1510 |
Prorok Izajasz 1512 |
Połączenie w obrazach obrazów religii chrześcijańskiej i mitologii pogańskiej świadczyło o szerzeniu się wśród ówczesnych humanistów idei pojednania religii chrześcijańskiej z kulturą starożytną i bezwarunkowego zwycięstwa zasady świeckiej nad kościołem. Nawet w „Sporze” (sporze między ojcami kościoła na temat komunii), poświęconej przedstawieniu postaci kościelnych, wśród uczestników sporu można rozpoznać poetów i artystów Włoch - Dantego, Fra Beato Angelico i innych malarzy i pisarze. O triumfie idei humanistycznych w sztuce renesansu i jej związku z starożytnością świadczy kompozycja „Szkoła ateńska”, wychwalająca umysł piękna i silny mężczyzna, starożytna nauka i filozofia. Obraz postrzegany jest jako ucieleśnienie marzenia o świetlanej przyszłości. Z głębi amfilady okazałych przęseł łukowych wyłania się grupa starożytnych myślicieli, w centrum której znajduje się majestatyczny siwobrody Platon i pewny siebie, natchniony Arystoteles, gestem ręki wskazującym na ziemię, twórcy idealistycznych i filozofia materialistyczna. Poniżej, po lewej stronie przy schodach, w otoczeniu uczniów pochylał się nad książką Pitagoras, po prawej Euklides, a tu, na samym brzegu, Rafael przedstawił siebie obok malarza Sodomy. To młody mężczyzna o delikatnej, atrakcyjnej twarzy. Wszystkich bohaterów fresku łączy nastrój wzniesienia duchowego i głębokiej refleksji. Tworzą grupy nierozerwalne w swojej integralności i harmonii, w których każda postać precyzyjnie zajmuje swoje miejsce, a sama architektura, w swojej ścisłej regularności i majestacie, pomaga odtworzyć atmosferę wysokiego wzrostu twórczej myśli.
Fresk „Wypędzenie Eliodora” w Stanza d’Eliodoro wyróżnia się intensywną dramaturgią. Nagłość zachodzącego cudu – wypędzenia złodzieja świątynnego przez niebiańskiego jeźdźca – oddaje szybka przekątna głównego ruchu i wykorzystanie efektu świetlnego. Papież Juliusz II jest przedstawiony wśród widzów obserwujących wypędzenie Eliodora. Jest to aluzja do współczesnych wydarzeń Rafaela – wypędzenia wojsk francuskich z Państwa Kościelnego.
Rzymski okres twórczości Rafaela naznaczony był wysokimi osiągnięciami w dziedzinie portretu. Nabywają ostre cechy portretu pełen życia postacie z „Mszy w Bolsena” (freski w Stanza d’Eliodoro). Rafael sięgnął także do gatunku portretu w malarstwie sztalugowym, ukazując tu swoją oryginalność, odsłaniając to, co najbardziej charakterystyczne i znaczące w modelu. Malował portrety papieża Juliusza II (1511, Florencja, Uffizi), papieża Leona X z kardynałami Ludovico dei Rossi i Giulio dei Medici (ok. 1518, tamże) oraz inne obrazy portretowe. Wizerunek Madonny nadal zajmuje w jego twórczości ważne miejsce, nabierając cech wielkiej majestatu, monumentalności, pewności siebie i siły. Taka jest „Madonna della sedia” („Madonna w fotelu”, 1516, Florencja, Galeria Pitti) ze swoją harmonijną, zamkniętą w kole kompozycją.
W tym samym czasie Rafael stworzył swoje najwspanialsze dzieło „Madonnę Sykstyńską” (1515-1519, Drezno, Galeria Sztuki), przeznaczone dla kościoła św. Sixta w Piacenzie. W odróżnieniu od wcześniejszych, lżejszych nastrojowo, lirycznych Madonn, jest to obraz majestatyczny, pełen głębokiego znaczenia. Zasłony rozsunięte od góry na boki ukazują Maryję z łatwością przechadzającą się po chmurach z dzieckiem na rękach. Jej spojrzenie pozwala zajrzeć w świat jej przeżyć. Poważnie, ze smutkiem i niepokojem patrzy gdzieś w dal, jakby przepowiadając tragiczny los syna. Po lewej stronie Madonny znajduje się papież Sykstus z entuzjazmem kontemplujący cud, po prawej św. Barbara z szacunkiem spuszczająca wzrok. Poniżej dwa anioły, spoglądające w górę i jakby przywracające nas do głównego obrazu - Madonny i jej dziecinnie zamyślonego dziecka. Nienaganna harmonia i dynamiczna równowaga kompozycji, subtelny rytm gładkich liniowych konturów, naturalność i swoboda ruchu składają się na nieodpartą moc tego solidnego, pięknego obrazu. Prawda życiowa i idealne cechy łączą się z duchową czystością złożonego tragicznego charakteru Madonny Sykstyńskiej. Niektórzy badacze odnajdywali jego pierwowzór w rysach „Damy w zasłonie” (ok. 1513 r., Florencja, Galeria Pitti), jednak sam Rafael w liście do przyjaciela Castiglione pisał, że jego metoda twórcza opierała się na zasadzie selekcji i podsumowania obserwacje życiowe: „Aby namalować piękno, muszę zobaczyć wiele piękności, ale z braku… pięknych kobiet, kieruję się jakimś pomysłem, który przychodzi mi do głowy”. W rzeczywistości więc artysta odnajduje cechy odpowiadające swemu ideałowi, który wznosi się ponad przypadkowość i przemijalność.
Rafael zmarł w wieku trzydziestu siedmiu lat, pozostawiając niedokończone obrazy Willi Farnesina, loggii watykańskich i szereg innych dzieł wykonanych z kartonów i rysunków swoich uczniów. Swobodne, pełne wdzięku i swobodne rysunki Raphaela stawiają ich twórcę wśród największych rysowników na świecie. Jego prace z zakresu architektury i sztuki użytkowej świadczą o nim jako o wszechstronnie utalentowanej postaci wysokiego renesansu, która zyskała wielką sławę wśród swoich współczesnych. Samo imię Rafaela później zmieniło się rzeczownikiem pospolitym idealny artysta.
Liczni włoscy uczniowie i naśladowcy Rafaela podnieśli metodę twórczą nauczyciela do rangi niepodważalnego dogmatu, co przyczyniło się do szerzenia naśladownictwa w sztuce włoskiej i zwiastowało rodzący się kryzys humanizmu.
Dzieła Michała Anioła Buonarrotiego
Zwieńczeniem Wysokiego Renesansu i jednocześnie odzwierciedleniem głębokich sprzeczności w kulturze epoki, było dzieło trzeciego z tytanów sztuki włoskiej – Michała Anioła Buonarrotiego (1475-1564). Nawet w porównaniu z Leonardem i Rafaelem, którzy uderzają wszechstronnością, Michał Anioł wyróżnia się tym, że w każdym obszarze twórczości artystycznej pozostawił dzieła o ogromnej skali i mocy, ucieleśniające najbardziej postępowe idee epoki. Michał Anioł był znakomitym rzeźbiarzem, malarzem, architektem, rysownikiem, inżynierem wojskowym, poetą, a jednocześnie bojownikiem o wysokie ideały humanistyczne, obywatelem, który z bronią w ręku bronił wolności i niepodległości swojej ojczyzny.
Wielki artysta i wojownik są nierozłączni w idei Michała Anioła. Całe jego życie to nieustanna, heroiczna walka o ugruntowanie prawa człowieka do wolności i kreatywności. Przez cały długi czas ścieżka twórcza artysta skupił się na osobie sprawnej, aktywnej, gotowej do wyczynu i przepełnionej wielką pasją. W swoich pracach późny okres odzwierciedla tragiczny upadek ideałów renesansu.
Michał Anioł urodził się w Caprese (niedaleko Florencji), w rodzinie gubernatora miasta. Jako trzynastoletni chłopiec wstąpił do warsztatu Ghirlandaio, a rok później Szkoła Artystyczna na dworze Wawrzyńca Medici Wspaniałego. Tutaj, w tzw. ogrodach Medyceuszy przy klasztorze San Marco, kontynuował naukę pod okiem Bertoldo di Giovanni, zagorzałego wielbiciela starożytności. Zapoznawszy się z bogatą, wyrafinowaną kulturą dworu Medyceuszy, z niezwykłymi dziełami sztuki starożytnej i współczesnej, ze znanymi poetami i humanistami, Michał Anioł nie izolował się w eleganckim dworskim otoczeniu. Już jego wczesne niezależne prace potwierdziły jego pociąg do wielkich monumentalnych obrazów, pełnych bohaterstwa i siły. Płaskorzeźba „Bitwa centaurów” (początek lat 90. XIX wieku, Florencja, Casa Buonarroti) odsłania dramat i burzliwą dynamikę bitwy, nieustraszoność i energię wojowników, potężną plastyczność połączonych ze sobą silnych postaci, przesiąkniętych jednym szybkim rytmem.
Ostateczne ukształtowanie się świadomości społecznej Michała Anioła nastąpiło w czasie wypędzenia Medyceuszy z Florencji i ustanowienia tam ustroju republikańskiego. Wyjazdy do Bolonii i Rzymu przyczyniają się do uzupełnienia edukacji artystycznej. Antyk otwiera przed nim gigantyczne możliwości drzemiące w rzeźbie. W Rzymie powstała grupa marmurowa „Pieta” (1498-1501, Rzym, Katedra św. Piotra) - pierwsze duże oryginalne dzieło mistrza, przepojone wiarą w triumf humanistycznych ideałów renesansu. Rzeźbiarz rozwiązuje dramatyczny temat żałoby Chrystusa przez Matkę Bożą w sposób głęboko psychologiczny, wyrażając niezmierzony żal poprzez przechylenie głowy, dokładnie odnaleziony w geście lewej ręki Madonny. Moralna czystość obrazu Maryi, szlachetna powściągliwość Jej uczuć ujawniają siłę charakteru i są przekazane w klasycznie przejrzystych formach, z zadziwiającą perfekcją. Obie figury układają się w nierozerwalną grupę, w której żaden szczegół nie narusza zamkniętej sylwetki i jej plastycznej wyrazistości.
 |
 |
 |
 |
| Dawid | Pieta | Madonna z Dzieciątkiem | Mojżesz |
Głębokie przekonanie i podekscytowanie człowieka pragnącego dokonać wyczynu oddaje posąg Dawida (Florencja, Akademia Sztuk Pięknych), wykonany w latach 1501-1504 po powrocie rzeźbiarza do Florencji. Idea wyczynu cywilnego, odważnego męstwa i bezkompromisowości została zawarta w obrazie legendarnego bohatera. Michał Anioł porzucił styl narracyjny swoich poprzedników. W przeciwieństwie do Donatello i Verrocchio, którzy przedstawiali Dawida po pokonaniu wroga, Michał Anioł przedstawił go przed bitwą. Skoncentrował się na opanowaniu silnej woli i intensywności wszystkich mocy bohatera, przekazywanych za pomocą plastycznych środków. Ten kolosalny posąg wyraźnie wyraża specyfikę plastycznego języka Michała Anioła: dzięki pozornie spokojnej pozie bohatera, całej jego sylwetce z potężnym tułowiem i znakomicie wymodelowanymi ramionami i nogami, jego piękna, natchniona twarz wyraża najwyższą koncentrację sił fizycznych i duchowych. Wszystkie mięśnie wydają się być przesiąknięte ruchem. Sztuka Michała Anioła przywróciła nagości etyczne znaczenie, jakie miała w starożytnej rzeźbie. Wizerunek Dawida nabiera także szerszego znaczenia, jako wyraz twórczych sił wolnego człowieka. Już w tamtych czasach Florentczycy rozumieli obywatelski patos pomnika i jego znaczenie, instalując go w centrum miasta przed Palazzo Vecchio jako wezwanie do obrony ojczyzny i sprawiedliwych rządów.
Po znalezieniu przekonującej formy posągu (z podparciem na jednej nodze), mistrzowskim modelowaniu go, Michał Anioł pozwolił mu zapomnieć o trudnościach, jakie musiał pokonać w pracy z materiałem. Posąg został wyrzeźbiony z bloku marmuru, który według wszystkich został zniszczony przez nieszczęsnego rzeźbiarza. Michałowi Aniołowi udało się zmieścić figurę w gotowej bryle marmuru tak, że mieści się w niej wyjątkowo kompaktowo.
Równolegle z posągiem Dawida wykonano tekturę do malowania Sali Rady Palazzo Vecchio „Bitwa pod Casciną” (znaną z rycin i kopii obrazkowej). Rywalizując z Leonardem, młody Michał Anioł zyskał większe uznanie opinii publicznej za swoją pracę; Temat demaskowania wojny i jej okrucieństw przeciwstawił gloryfikacji wzniosłych uczuć męstwa i patriotyzmu żołnierzy florenckich, którzy na wezwanie trąby rzucili się na pole bitwy, gotowi do bohaterstwa.
Otrzymawszy rozkaz od papieża Juliusza II, aby zbudować swój nagrobek, Michał Anioł, nie kończąc bitwy pod Casciną, przeniósł się w 1505 roku do Rzymu. Tworzy projekt majestatycznego mauzoleum, ozdobionego licznymi rzeźbami i płaskorzeźbami. Aby przygotować materiał – bloki marmuru – rzeźbiarz udał się do Carrary. Podczas jego nieobecności papież stracił zainteresowanie ideą budowy grobowca. Obrażony Michał Anioł opuścił Rzym i dopiero po uporczywych wezwaniach papieża wrócił. Tym razem otrzymał nowe, wspaniałe zamówienie - malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej, które przyjął z wielką niechęcią, ponieważ uważał się przede wszystkim za rzeźbiarza, a nie malarza. Obraz ten stał się jednym z najwspanialszych dzieł sztuki włoskiej.
W najtrudniejszych warunkach Michał Anioł pracował przez cztery lata (1508-1512), własnoręcznie wykonując całe malowanie ogromnego sufitu (600 m2). Zgodnie z architekturą kaplicy podzielił pokrywające ją sklepienie na kilka pól, umieszczając w szerokim centralnym polu dziewięć kompozycji przedstawiających sceny biblijne o stworzeniu świata i życiu pierwszych ludzi na ziemi: „Oddzielenie światła od ciemności”, „Stworzenie Adama”, „Upadek” , „Odurzenie Noego” itp. Po ich bokach, na zboczach sklepienia, przedstawiono postacie proroków i sybilli (wróżbici), w rogach pól - siedzą nadzy młodzi mężczyźni; w żaglach sklepienia, szalunkach i lunetach nad oknami znajdują się epizody z Biblii i tzw. przodków Chrystusa. Imponujący zespół, liczący ponad trzysta postaci, wydaje się być natchnionym hymnem na cześć piękna, mocy i inteligencji człowieka, wychwalającym jego twórczy geniusz i bohaterskie czyny. Nawet w obrazie Boga – majestatycznego, potężnego starca, podkreślany jest przede wszystkim impuls twórczy wyrażający się w ruchach Jego rąk, jakby rzeczywiście zdolnych do tworzenia światów i dawania życia człowiekowi. Tytaniczna siła, inteligencja, wnikliwa mądrość i wzniosłe piękno charakteryzują wizerunki proroków: głęboko zamyślonego, żałobnego Jeremiasza, natchnionego poezją Izajasza, potężnej Sybilli Kumajskiej, pięknej młodej Sybilli Delfickiej. Postacie stworzone przez Michała Anioła mają ogromną siłę generalizacji; dla każdej postaci znajduje specjalną pozę, obrót, ruch, gest.
Jeśli tragiczne myśli ucieleśniały się w poszczególnych obrazach proroków, to w obrazach nagich młodych mężczyzn, tak zwanych niewolników, przekazywane jest poczucie radości istnienia, niepohamowanej siły i energii. Ich postacie, przedstawione w skomplikowanych kątach i ruchach, otrzymują najbogatszy rozwój plastyczny. Wszystkie, nie niszcząc płaszczyzny sklepień, wzbogacają je, odsłaniają tektonikę, potęgując ogólne wrażenie harmonii. Połączenie imponującej skali, surowej siły działania, piękna i koncentracji kolorów rodzi poczucie wolności i pewności w triumfie człowieka.
Renesans północny
Odrodzenie było zjawiskiem międzynarodowym, które oprócz Włoch, gdzie wyraziło się najmocniej, obejmowało także Holandię, Niemcy, Francję i Hiszpanię. Dziś pojawił się specjalny termin „renesans północny”, który opisuje cechy renesansu w innych krajach europejskich. Mają przez to na myśli „nie tylko czysto cechy geograficzne, ale także pewne cechy renesansu w Anglii, Niemczech, Hiszpanii, Holandii, Szwajcarii i Francji. Bardzo ważna cecha Renesans północny było to, że miało to miejsce w okresie reformacji, a także, że w kulturze narodów tych krajów, ze względów historycznych, nie było takiej obfitości zabytków starożytności, jak we Włoszech”.
Reformacja(z łac. reformatio - transformacja) był tym samym potężnym ruchem religijnym, jakim jest na przykład fundamentalizm obecnie w krajach islamskich. Obydwaj opowiadali się za powrotem do pierwotnych wartości wiary (do jej podstaw) i domagali się poważnych zmian (reformacji) dotychczasowej praktyki religijnej.
Reformacja rozpoczęła się od przemówienia Marcina Lutra (1483-1546) w Niemczech w 1517 r., który wysunął 95 tez odrzucających podstawowe zasady katolicyzmu. Ideolodzy reformacji zaprzeczali takiej potrzebie Kościół katolicki wraz z jego hierarchią i duchowieństwem w ogóle, prawa Kościoła do majątku ziemskiego, odrzucając w całości katolicką Świętą Tradycję. Wojny chłopskie lat 1524-1526 toczyły się pod ideologicznym sztandarem reformacji. w Niemczech, Holandii i rewolucji angielskiej. Reformacja zapoczątkowała protestantyzm (w w wąskim znaczeniu reformacja – przeprowadzanie reform religijnych w swoim duchu).
Niemiecki renesans był końcem kryzysu duchowego (reforma luterańska) i społecznego (powstanie chłopstwa), który trwał pół wieku i ogromnie zmienił średniowieczne Niemcy. Ze „złotym wiekiem” malarstwa niemieckiego wiąże się twórczość trzech artystów – Grunewalda (w latach 1470–1475–1528), Dürera (1471–1528) i Holbeina Młodszego (1497 lub 1498–1543). Pozbawiony integralności renesansu włoskiego, renesans niemiecki rozwinął się w krótkim chronologicznie okresie i nie miał swojej logicznej kontynuacji.
Wybitnym przedstawicielem renesansu w Niemczech, którego twórczość na długo zdeterminowała sztukę niemiecką, był malarz i rytownik Dürer. Uważa się, że Dürer był równie utalentowany jako malarz, rytownik i rysownik; rysowanie i grawerowanie zajmują mu dużo czasu, czasem nawet czołowe miejsce. Dziedzictwo Dürera jako kreślarza, liczące ponad 900 arkuszy, można porównać jedynie z dziedzictwem Leonarda da Vinci w jego ogromie i różnorodności. Wspaniale opanował wszystkie znane wówczas techniki graficzne – od srebrnej pinezki i pióra trzcinowego po włoski ołówek, węgiel, akwarelę.Dla mistrzów włoskich rysunek stał się dla niego najważniejszym etapem pracy nad kompozycją, w tym szkicami, studiami nad głowy, ramiona, nogi, draperie. To narzędzie do badania charakterystycznych typów - chłopów, inteligentnych dżentelmenów, norymberskich fashionistek. Dürer wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki niemieckiej pierwszej połowy XVI wieku. Największy mistrz rytownictwa w Europie Dürer zasłynął cyklem dzieł o tematyce Apokalipsy (1498).
Jego wszechstronna działalność stała się jednym z ucieleśnień „tytanizmu” renesansu. Jest jedynym mistrzem renesansu północnego, który w kierunku i wszechstronności swoich zainteresowań pragnie opanowania praw sztuki, rozwoju doskonałych proporcji sylwetki ludzkiej i zasad konstrukcja perspektywiczna można porównać z największymi mistrzami włoskiego renesansu. Okres rozkwitu niemieckiej sztuki renesansu nazywany jest często „erą Dürera”.
Współczesnymi Dürerowi byli wielcy mistrzowie malarstwa Hans Holbein Młodszy, Grunewald i Lucas Cranach Starszy (1472-1553).
Dokładne, wyraźne portrety (obrazy i rysunki) Holbeina Młodszego, jego obrazy o tematyce religijnej i ryciny charakteryzują się realizmem, wyrazistością i wielkością sztuki renesansu oraz monumentalną integralnością kompozycji („Martwy Chrystus”, 1521). Grunewald, którego życie jest wciąż mało poznane, reprezentuje inny kierunek niemieckiego renesansu: dla niego uczucia dominują nad rozumem, a subiektywność nad obiektywną analizą. Geniusz artysty został ucieleśniony w głównym dziele - „Ołtarzu z Isenheim” (1512–1515), w którym obrazy mistyczne współistnieją z humanistycznymi, oświeconymi. Jego twórczość, kojarzona z ideologią klas niższych i herezjami, jest pełna dramatycznej siły, napięcia i dynamiki.
Wśród utalentowanych twórców niemieckiego renesansu honorowe miejsce zajmuje portrecista Łukasz Cranach Starszy, nadworny artysta Fryderyka Mądrego i przyjaciel M. Lutra, dzięki któremu krajobraz zyskał szczególny rozwój. Położył podwaliny pod szkołę krajobrazu zwaną szkołą naddunajską.
Renesans w Anglii. ANGIELSKI Renesans zasłynął nie tyle z malarstwa i architektury, co z teatru. Jego rozkwit nastąpił pod koniec XVI - na początku XVII wieku, osiągając swój szczyt w twórczości Williama Szekspira (1564-1616). Koniec XVI wieku to okres bezprecedensowego odrodzenia życia teatralnego w Anglii, czas wzrostu gospodarczego i przekształcenia kraju w potęgę światową. Nazywa się ją także „erą elżbietańską”. Wzrósł prestiż teatru; aktorzy, wcześniej pogardzani wędrownymi komediantami, otaczali uwagę wszystkich, cieszyli się patronatem szlacheckich mecenasów. W 1576 roku otwarto w Londynie pierwszy teatr publiczny, którego w połowie lat 80. było już kilka. Trupa Szekspira, która otrzymała status królewski w 1589 r., przechodziła niejeden etap, aż w końcu w latach 1598-1599. nie zbudowano dla niego stałego obiektu zwanego Globe Theatre. Współwłaścicielem teatru został dramaturg Szekspir. Sztuki Szekspira (w sumie jest ich 37) odzwierciedlały życie polityczne i duchowe Anglii tamtej epoki.
Pierwsze komedie Szekspira, zwłaszcza Wiele hałasu o nic (1598), są przepojone optymizmem. Jednakże na przełomie XVI i XVII w. zmienił się jego światopogląd. Ostatnie lata Panowanie Elżbiety naznaczone było niepokojami społecznymi i upadkiem gospodarczym. Upadała władza państwa i Kościoła. Tragedie „Romeo i Julia” (1595), „Hamlet” (1601), „Otello” (1604) i „Król Lear” (1605) ukazują kryzys uniwersalnych ludzkich wartości i moralności. Bohaterami Szekspira są myślące, czujące i cierpiące jednostki, które doświadczają utraty wskazówek życiowych świat nie mogą pomóc im się odnaleźć.
Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk, w tym teatru, literatury i muzyki, ale niewątpliwie najważniejszą z nich, która najpełniej wyraziła ducha swoich czasów, była sztuka piękna.
To nie przypadek, że istnieje teoria, że renesans rozpoczął się od tego, że artyści przestali zadowalać się ramami dominującego stylu „bizantyjskiego” i w poszukiwaniu wzorców swojej twórczości jako pierwsi zwrócili się ku starożytności. Jako jeden z pierwszych porzucił „mandrę bizantyjską” i zaczął wykorzystywać na freskach rzeźbę światłocieniową przedstawiającą postacie Pietro Cavalliniego. Jednak największy mistrz prarenesansu, Giotto, po raz pierwszy zamiast ikon zaczął tworzyć obrazy, jako pierwszy starał się przekazywać chrześcijańskie idee etyczne poprzez przedstawianie prawdziwych ludzkich uczuć i przeżyć, zastępując symbolikę obrazami przestrzeni rzeczywistej i konkretnych obiektów. Na słynnych freskach Giotta w Kaplicy Areny w Padwie obok świętych można zobaczyć bardzo niezwykłe postacie: pasterzy czy przędzarkę. Każda indywidualna osoba u Giotta wyraża bardzo specyficzne doświadczenia, specyficzny charakter.
(((Era wczesnego renesansu w sztuce, rozwój starożytności dziedzictwo artystyczne kształtują się nowe ideały etyczne, artyści zwracają się do osiągnięć nauki (matematyki, geometrii, optyki, anatomii). Wiodąca rola w kształtowaniu ideologii i zasady stylu Florencja odgrywa rolę w sztuce wczesnego renesansu. W obrazach takich mistrzów jak Donatello i Verrocchio dominują zasady heroiczne i patriotyczne („Św. Jerzy” i „Dawid” Donatello oraz „Dawid” Verrocchio).
Założycielem malarstwa renesansowego jest Masaccio (obrazy Kaplicy Brancaccich, „Trójca”). Masaccio wiedział, jak oddać głębię przestrzeni, połączył postać i pejzaż jedną koncepcją kompozycyjną, nadawał jednostkom wyrazistość portretu. Ale powstanie i ewolucja portretu malarskiego, który odzwierciedlał zainteresowanie kulturą renesansu człowiekiem, wiąże się z nazwiskami artystów szkoły umbijskiej: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Twórczość artysty Sandro Botticellego wyróżnia się we wczesnym renesansie. Obrazy, które stworzył, są duchowe i poetyckie. Badacze zwracają uwagę na abstrakcję i wyrafinowany intelektualizm w twórczości artysty, jego chęć tworzenia mitologicznych kompozycji o skomplikowanej i zaszyfrowanej treści („Wiosna”, „Narodziny Wenus”).
Kulminacją rozwoju zasad ideologicznych i artystycznych włoskiego renesansu jest Wysoki Renesans. Leonardo da Vinci, wielki artysta i naukowiec, uważany jest za twórcę sztuki wysokiego renesansu.
Stworzył wiele arcydzieł: „Mona Lisa” („La Gioconda”), „Benois Madonna” i „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”. W swojej twórczości Leonardo starał się wyrazić ducha człowieka renesansu. Szukał źródeł doskonałe formy sztuka z natury, ale właśnie tę sztukę N. Bierdiajew uważa za odpowiedzialną za nadchodzący proces mechanizacji i mechanizacji życie człowieka, która oddzieliła człowieka od natury.
Malarstwo osiąga w twórczości Rafaela klasyczną harmonię. Jego sztuka ewoluuje od wczesnych, chłodnych, powściągliwych umbryjskich wizerunków Madonn („Madonna Conestabile”) do świata „szczęśliwego chrześcijaństwa” dzieł florenckich i rzymskich. „Madonna ze szczygłem” i „Madonna w fotelu” są miękkie, ludzkie, a nawet zwyczajne w swoim człowieczeństwie.)))
Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337), tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, wychodzili od tradycji międzynarodowego gotyku, ale zaczęli zastosować nowe techniki artystyczne: konstrukcję kompozycji wolumetrycznej, wykorzystanie pejzażu w tle, co pozwoliło na nadanie obrazom bardziej realistycznego i animowanego charakteru. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu. W odniesieniu do ich twórczości używa się terminu protorenesans.
Epokę włoskiego renesansu tradycyjnie dzieli się na kilka etapów:
Protorenesans (Ducento) - XII-XIV wiek.
Wczesny renesans (tricento i quattrocento) - od połowy XIV - XV wieku.
Wysoki renesans (cinquecento) - do drugiej tercji XVI wieku.
Późny renesans – druga tercja XVI – pierwsza połowa XVII wieku.
Renesans lub renesans (włoski Rinascimento, francuski renesans) - przywrócenie starożytnej edukacji, odrodzenie klasycznej literatury, sztuki, filozofii, ideałów starożytnego świata, zniekształconych lub zapomnianych w „ciemnym” i „zacofanym” okresie średniowiecza dla Zachodu Europa. Była to forma, jaką ruch kulturowy znany pod nazwą humanizmu przyjmował od połowy XIV do początków XVI wieku (zobacz brief i artykuły na ten temat). Należy odróżnić humanizm od renesansu, co jest jedynie najbardziej charakterystyczną cechą humanizmu, który oparcia dla swojego światopoglądu szukał w starożytności klasycznej. Kolebką renesansu są Włochy, gdzie starożytna tradycja klasyczna (grecko-rzymska), mająca dla Włochów charakter narodowy, nigdy nie zanikła. We Włoszech ucisk średniowiecza nigdy nie był szczególnie odczuwalny. Włosi nazywali siebie „Latynosami” i uważali się za potomków starożytnych Rzymian. Choć początkowy impuls do renesansu pochodził częściowo z Bizancjum, udział w nim Greków bizantyjskich był znikomy.
Renesans. Wideo
We Francji i Niemczech styl antyczny mieszał się z elementami narodowymi, które w pierwszym okresie renesansu, wczesnym renesansie, pojawiały się ostrzej niż w kolejnych epokach. Późny renesans rozwinął starożytne przykłady w bardziej luksusowe i potężne formy, z których stopniowo rozwinął się barok. Podczas gdy we Włoszech duch renesansu przenikał niemal jednolicie wszystkie sztuki, w innych krajach antyczne wzorce miały wpływ jedynie na architekturę i rzeźbę. Renesans przeszedł także obróbkę narodową w Holandii, Anglii i Hiszpanii. Po przekształceniu się renesansu w rokoko, nadeszła reakcja, wyrażająca się w najściślejszym trzymaniu się sztuki starożytnej, wzorców greckich i rzymskich w całej ich prymitywnej czystości. Ale to naśladownictwo (szczególnie w Niemczech) doprowadziło w końcu do nadmiernej suchości, która na początku lat 60. XIX wieku. próbował go przezwyciężyć, powracając do renesansu. Jednak to nowe panowanie renesansu w architekturze i sztuce trwało tylko do 1880 roku. Od tego czasu barok i rokoko zaczęły obok niego ponownie kwitnąć.
Sztuka renesansu
Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk (teatru, muzyki, malarstwa, architektury, literatury itp.). Będę rozmawiać o literaturze i sztukach pięknych.
Literatura renesansowa- główny nurt w literaturze, integralna część całej kultury renesansu. Zajmuje okres od XIV do XVI wieku. Różni się od literatury średniowiecznej tym, że opiera się na nowych, postępowych ideach humanizmu. Synonimem renesansu jest termin „renesans” pochodzenia francuskiego. Idee humanizmu pojawiły się najpierw we Włoszech, a następnie rozprzestrzeniły się w całej Europie. Również literatura renesansu rozprzestrzeniła się w całej Europie, ale w każdym kraju nabrała własnego charakteru narodowego. Termin renesans oznacza odnowę, odwołanie się artystów, pisarzy, myślicieli do kultury i sztuki starożytności, naśladowanie jej wzniosłych ideałów.
Pojęcie humanizmu
Pojęcie „humanizm” zostało wprowadzone do użytku przez naukowców XIX wieku. Pochodzi od łacińskich słów humanitas (natura ludzka, kultura duchowa) i humanus (człowiek) i oznacza ideologię skierowaną ku człowiekowi. W średniowieczu panowała ideologia religijno-feudalna.
W okresie renesansu nastąpiło odejście od ideologii feudalno-kościelnej, pojawiły się idee emancypacji jednostki, pojawiła się afirmacja wysokiej godności człowieka jako wolnego twórcy ziemskiego szczęścia. Idee stały się decydujące dla rozwoju kultury jako całości, wpłynęły na rozwój sztuki, literatury, muzyki, nauki i znalazły odzwierciedlenie w polityce. Humanizm jest światopoglądem o charakterze świeckim, antydogmatycznym i antyscholastycznym. Rozwój humanizmu rozpoczyna się w XIV wieku, w dziełach humanistów takich jak Dante, Petrarka, Boccaccio itp. W XVI wieku proces rozwoju nowego światopoglądu ulega spowolnieniu pod wpływem reakcji feudalno-katolickiej . Zastępuje ją Reformacja.
Literatura renesansowa w ogóle
Mówiąc o renesansie, mówimy bezpośrednio o Włoszech, jako nosicielu głównej części kultury starożytnej, oraz o tzw. Renesansie północnym, który miał miejsce w krajach północnej Europy: Francji, Anglii, Niemczech, Holandii , Hiszpanii i Portugalii.
Literaturę renesansu charakteryzują wspomniane ideały humanistyczne. Epoka ta wiąże się z pojawieniem się nowych gatunków i powstaniem wczesnego realizmu, zwanego „realizmem renesansowym” (lub renesansem), w przeciwieństwie do późniejszych etapów, edukacyjnych, krytycznych, socjalistycznych.
Dzieła takich autorów jak Petrarka, Rabelais, Szekspir, Cervantes wyrażają nowe rozumienie życia jako osoby, która odrzuca niewolnicze posłuszeństwo głoszone przez Kościół. Przedstawiają człowieka jako najwyższe dzieło natury, próbując ukazać piękno jego wyglądu fizycznego oraz bogactwo jego duszy i umysłu. Realizm renesansowy charakteryzuje się skalą obrazów (Hamlet, Król Lear), poetyzacją obrazu, zdolnością do wielkich uczuć, a jednocześnie dużą intensywnością tragicznego konfliktu (Romeo i Julia), odzwierciedlającą zderzenie osobę z wrogimi mu siłami.
Literaturę renesansu charakteryzuje różnorodność gatunków. Przeważyły jednak pewne formy literackie. Najpopularniejszym gatunkiem było opowiadanie, zwane opowiadaniem renesansowym. W poezji najbardziej charakterystyczną formą staje się sonet (zwrotka składająca się z 14 wersów z określonym rymem). Dramaturgia przeżywa ogromny rozwój. Do najwybitniejszych dramaturgów renesansu zalicza się Lope de Vega w Hiszpanii i Szekspir w Anglii.
Powszechne jest dziennikarstwo i proza filozoficzna. We Włoszech Giordano Bruno w swoich dziełach potępia Kościół i tworzy własne, nowe koncepcje filozoficzne. W Anglii Thomas More wyraża idee utopijnego komunizmu w swojej książce Utopia. Powszechnie znani są także autorzy tacy jak Michel de Montaigne („Eksperymenty”) i Erazm z Rotterdamu („Pochwała szaleństwa”).
Wśród pisarzy tamtych czasów koronowano głowy. Książę Lorenzo de' Medici pisze wiersze, a Małgorzata z Nawarry, siostra króla Francji Franciszka I, znana jest jako autorka zbioru Heptameron.
Sztuka piękna renesansu
Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tego czasu, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337), tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, wychodzili z tradycji międzynarodowego gotyku (Cechy charakterystyczne międzynarodowego malarstwa gotyckiego: barwność, wyrafinowanie i dekoracyjność, egzaltacja, wyrafinowanie.), zaczęto jednak stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwoliło im na urealnienie obrazów i animowane. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu. W odniesieniu do ich twórczości używa się terminu protorenesans.
Różne stulecia w historii sztuki włoskiej mają nazwy pochodzące od odpowiednich cyfr:
Ducento – 1200 rok. Z włoskiego duento (dwieście). Międzynarodowy gotyk.
Trecento – 1300 r. Z włoskiego trecento (trzysta). Protorenesans.
Quattrocento – 1400 rok. Z włoskiego quattrocento (czterysta). Wczesny renesans, wysoki renesans.
Cinquecento – XVI w. Z włoskiego cinquecento (pięćset). Koniec wysokiego renesansu, późny renesans.
Wczesny renesans
Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi (1377-1446), florencki uczony i architekt, odkrył i opisał prawa perspektywy liniowej w malarstwie. Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.
Kolejnym ważnym krokiem było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.
Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Niccolo Pizzolo ( 1421-1497).1453), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1445-1510).
Rzeźba stała się powszechna. W twórczości rzeźbiarzy rozwinęło się wiele form: posąg, płaskorzeźba, popiersie itp. Osiągnęły nowe wyżyny w przedstawianiu plastyczności ludzkiego ciała: emocji, ruchów ciała, skomplikowanych scen w wielopłaszczyznowych, perspektywicznych płaskorzeźbach. Najsłynniejszymi rzeźbiarzami tego okresu są Donatello (1386-1466) i Lorenzo Ghiberti (1381-1456).
Wysoki renesans
Największy rozkwit sztuki renesansu przypadł na pierwszą ćwierć XVI wieku, którą nazwano „wysokim renesansem”. Dzieła Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphaela Santiego (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tycjana (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.
Podchodząc do malarstwa z punktu widzenia przyrodnika, Leonardo da Vinci osiągnął wysoki poziom umiejętności przekazywania mimiki twarzy i ciała człowieka, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały. Innowacje te zostały później opracowane przez Rafaela Santi.
Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarrotiego pełne są heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy wychwalają siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie
Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.
Późny renesans
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna zwana manieryzmem. Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu – Parmigianino, Pontormo, Bronzino – mieszkali i pracowali na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi. W latach 90. XVI w. manieryzm został zastąpiony sztuką barokową (figury przejściowe – Tintoretto i El Greco)
Renesans północny
Artyści mieszkający na północ od Alp nie mieli przed oczami przykładów sztuki starożytnej. Wymiar archeologiczny włoskiego renesansu, który polegał na badaniu nowo odkrytych zabytków starożytnych, był im zupełnie obcy. Tradycje i umiejętności sztuki gotyckiej zachowały się tu przez długi czas, mniej uwagi poświęcano badaniu starożytnego dziedzictwa i znajomości anatomii człowieka. Portretom artystów północnych (np. Holbeina) brakuje harmonizacji i idealizacji rzeczywistości, charakterystycznej dla ich południowych odpowiedników; w swoim realizmie dochodzą do naturalizmu. Z drugiej strony nie zrywają z elementami ludowości, życia chłopskiego i tradycji folklorystycznych; Szczególnie wyraźna jest pod tym względem twórczość Pietera Bruegla Starszego.
Na styku międzynarodowych trendów gotyku i przedrenesansu w burgundzkich Niderlandach w pierwszej połowie XV wieku narodziła się sztuka staroniderlandzka. Złożoną ikonografię i misterną symbolikę połączono ze szczególną dbałością o szczegóły użytku domowego. Przejście od tempery do malarstwa olejnego pozwoliło artyście wyraźniej i wszechstronniej oddać różnorodność, głębię i blask obiektywnego świata. Wszystkie te osiągnięcia kojarzą się z nazwiskami Roberta Campina i jego uczniów – braci van Eykovy, Rogera van der Weydena. W drugiej połowie stulecia w twórczości Memlinga misternie splatały się wpływy gotyku i Włoch.
Choć Włochy w epoce Quattrocento z zainteresowaniem śledziły osiągnięcia artystów holenderskich, Wpływy włoskie zaczął penetrować te rejony dopiero w XVI wieku, kiedy Bawarczyk Albrecht Durer wyjechał doskonalić swoją sztukę do Wenecji, a w Holandii powstała szkoła manieryzmu antwerpskiego, do której należał zwłaszcza Mabuse. Wraz z początkiem reformacji zakazano malarstwa religijnego w północnej Europie, ale zaczęły powstawać nowe gatunki, oparte nie tyle na ponownym przemyśleniu dorobku artystycznego poprzednich pokoleń (jak we Włoszech), ile na bezpośredniej obserwacji natury - mianowicie pejzażu , martwa natura, malarstwo rodzajowe.