Encyklopedia szkolna. Ogólna charakterystyka sztuki renesansu. periodyzacja sztuki. Wartość dziedzictwa antyku dla kultury artystycznej renesansu

Renesans (renesans). Włochy. 15-16 wieków. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze codziennie prowadzą rozmowy ze swoimi patronami. Przez chwilę wydawało się, że ludem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.

Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Który zbudował także społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością jest człowiek (oczywiście nie licząc niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanina. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.

To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu trwa około 30 lat! Od 1490 do 1527 r Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.

Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat zdeterminowało główne cechy malarstwa europejskiego na 500 lat! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (kiedy głównym bohaterem i bohaterem jest osoba). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…

Niewiarygodne, że w ciągu tych 30 lat kilku genialnych mistrzów pracowało jednocześnie. Które w innych czasach rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Nie sposób jednak nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięć mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. .

14 wiek Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed wysokim renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie nie nadeszłaby.

Przed Giottem były ikony i freski. Powstały według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast krajobrazu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonce.

Guido da Siena. Pokłon Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają duże figury. Twarze szlachetnych ludzi. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegnich w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy kościół ten został otwarty dla parafian, napływały do ​​niego tłumy ludzi. Ponieważ nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. W pewnym sensie przełożył historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.

Giotto. Pokłon Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.

To będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.

Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Święty Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę linearną. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek należy już do przeszłości.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Podobnie jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wygnanie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio żył krótko. Zmarł niespodziewanie, podobnie jak jego ojciec. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do Kaplicy Brancacciego, aby uczyć się z jego fresków.

Tak więc innowacje Masaccio zostały przejęte przez wszystkich wielkich tytanów wysokiego renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.

Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Co kolosalnie wpłynęło na rozwój malarstwa.

To on podniósł rangę samego artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. Są to twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno wędrować od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Chertoryskich w Krakowie.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na ożywienie obrazów.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.

Ale potem Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zamazał linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się spowijać ledwo zauważalna mgła. Postacie ożyły.

. 1503-1519 Luwr, Paryż.

Od tego czasu sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często uważa się, że Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie był w stanie niczego dokończyć. I często nie kończył malowania. I wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). Ogólnie rzecz biorąc, został wrzucony do medycyny, a potem do muzyki. Kiedyś lubiła nawet sztukę serwowania.

Jednak pomyśl samodzielnie. 19 obrazów. I jest największym artystą wszechczasów i narodów. Niektóre z nich nie są nawet zbliżone wielkością. Jednocześnie napisał w swoim życiu 6000 płócien. Oczywiście, kto ma większą skuteczność.

O najsłynniejszym obrazie mistrza przeczytacie w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michał Anioł (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego koledzy z renesansu. Dlatego jego malarskie dziedzictwo jest nie mniej imponujące.

Można go rozpoznać przede wszystkim po rozwiniętych fizycznie postaciach. Ponieważ przedstawił idealnego mężczyznę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, wytrzymałe. Nawet kobiety i starcy.

Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałam ubrania na wierzch. Aby korpus był jak najbardziej wytłoczony.

Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż jest to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu pocierać farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający stromy i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przetrwać upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i smutku.

Ogólnie rzecz biorąc, ścieżka twórcza Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne dzieła są pochwałą ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Podobnie jak jego Dawid.

W ostatnich latach życia – to tragiczne obrazy. Celowo grubo ciosany kamień. Jakbyśmy mieli przed sobą pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrzcie na jego „Pietę”.

Rzeźby Michała Anioła w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w ciągu jednego życia przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu po XX wiek. Co zrobią następne pokolenia? Cóż, idź swoją drogą. Mając świadomość, że poprzeczka została ustawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany. I w ciągu życia. I po śmierci.

Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To on jest słusznie uważany za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich piękno zewnętrzne odzwierciedla duchowe piękno bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

Słynne słowa „Piękno zbawi świat” dokładnie wypowiedział Fiodor Dostojewski. To było jego ulubione zdjęcie.

Jednak zmysłowe obrazy to nie jedyna mocna strona Raphaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niedoścignionym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.

Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w pokojach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.

Rafael żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od przeziębień i błędów lekarskich. Jednak jego dziedzictwa nie można przecenić. Wielu artystów było idolem tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy na tysiącach płócien..

Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował także z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym i bystrym innowatorem.

Za taki blask talentu wszyscy go kochali. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.

Mówiąc o Tycjanie, chcę postawić wykrzyknik po każdym zdaniu. Przecież to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Połysk kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Marii. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari w Wenecji.

Pod koniec życia rozwinął niezwykłą technikę pisania. Uderzenia są szybkie. Gruby. pasztecik. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Dzięki temu obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. Fabuła jest jeszcze bardziej dynamiczna i dramatyczna.

Tycjanowski. Tarquinius i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Anglia.

Czy to Ci niczego nie przypomina? Oczywiście, jest to technika. I technika artystów XIX wieku: Barbizon i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przejdzie przez 500 lat malarstwa. Dlatego jest geniuszem.

Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.

Artyści renesansu to artyści o wielkiej wiedzy. Aby pozostawić po sobie takie dziedzictwo, trzeba było wiele wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy ich obraz skłania do refleksji. Dlaczego jest to pokazane? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Dlatego prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyślali swoją przyszłą pracę. Wykorzystując cały bagaż swojej wiedzy.

Byli czymś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśnianie nam świata poprzez malarstwo.

Dlatego zawsze będą dla nas niezwykle interesujące.

Renesans to fenomenalne zjawisko w historii ludzkości. Nigdy więcej nie było tak błyskotliwego błysku w dziedzinie sztuki. Rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (lista jest długa, ale poruszymy tych najsłynniejszych), których nazwiska są znane wszystkim, dali światu bezcenne.Wyjątkowi i wyjątkowi ludzie pokazali się nie w jednej dziedzinie, ale w kilku natychmiast.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans ma względne ramy czasowe. Zaczęło się we Włoszech - w latach 1420-1500. W tej chwili malarstwo i wszelka sztuka w ogóle nie różnią się zbytnio od niedawnej przeszłości. Po raz pierwszy zaczynają jednak pojawiać się elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. I dopiero w kolejnych latach rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (których lista jest bardzo obszerna), pod wpływem współczesnych warunków życia i postępowych trendów, ostatecznie porzucają średniowieczne fundamenty. Odważnie adoptują do swoich dzieł najlepsze przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólności, jak i w poszczególnych szczegółach. Ich nazwiska są znane wielu, skupmy się na najzdolniejszych osobistościach.

Masaccio - geniusz malarstwa europejskiego

To on wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa, stając się wielkim reformatorem. Florencki mistrz urodził się w 1401 roku w rodzinie rzemieślników artystycznych, więc zmysł smaku i chęć tworzenia miał we krwi. W wieku 16-17 lat przeprowadził się do Florencji, gdzie pracował w warsztatach. Za jego nauczycieli uważa się Donatello i Brunelleschi, wielcy rzeźbiarze i architekci. Komunikacja z nimi i nabyte umiejętności nie mogły nie wpłynąć na młodego malarza. Od początku Masaccio zapożyczył nowe rozumienie ludzkiej osobowości, charakterystyczne dla rzeźby. U drugiego mistrza - podstawa Za pierwsze wiarygodne dzieło badacze uważają Tryptyk San Giovenale (na pierwszym zdjęciu), które odkryto w małym kościółku niedaleko miasteczka, w którym urodził się Masaccio. Głównym dziełem są freski poświęcone historii życia św. Piotra. Artysta brał udział w powstaniu sześciu z nich, a mianowicie: „Cud ze staterem”, „Wypędzenie z raju”, „Chrzest neofitów”, „Podział majątku i śmierć Ananiasza”, „Zmartwychwstanie Syna Teofila”, „Św. Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem” i „Święty Piotr w ambonie”.

Włoscy artyści renesansu to ludzie, którzy całkowicie poświęcili się sztuce, nie zwracając uwagi na zwykłe codzienne problemy, które czasami prowadziły ich do nędznej egzystencji. Masaccio nie jest wyjątkiem: genialny mistrz zmarł bardzo wcześnie, w wieku 27–28 lat, pozostawiając po sobie wielkie dzieła i ogromną liczbę długów.

Andrea Mantegna (1431-1506)

To przedstawiciel szkoły malarzy padewskich. Podstawy umiejętności otrzymał od swojego przybranego ojca. Styl ten ukształtował się pod wpływem twórczości Masaccio, Andrei del Castagno, Donatello i malarstwa weneckiego. To określiło nieco surowe i surowe zachowanie Andrei Mantegny w porównaniu do Florentczyków. Był kolekcjonerem i koneserem dzieł kultury okresu starożytnego. Dzięki swojemu stylowi, jak żaden inny, zasłynął jako innowator. Jego najbardziej znane dzieła to: „Martwy Chrystus”, „Triumf Cezara”, „Judyta”, „Bitwa bogów morza”, „Parnas” (na zdjęciu) itp. Od 1460 roku aż do śmierci pracował jako malarz nadworny w rodzinie książąt Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli to pseudonim, prawdziwe imię to Filipepi. Nie od razu wybrał drogę artysty, ale początkowo studiował jubilerstwo. W pierwszych niezależnych dziełach (kilka Madonn) wyczuwalny jest wpływ Masaccio i Lippiego. W przyszłości sławił się także jako portrecista, większość zamówień pochodziła z Florencji. Wyrafinowany i wyrafinowany charakter jego prac z elementami stylizacji (uogólnianie obrazów przy użyciu konwencjonalnych technik - prostota formy, koloru, objętości) wyróżnia go na tle innych mistrzów tamtych czasów. Współczesny Leonardo da Vinci i młody Michał Anioł pozostawili jasny ślad w sztuce światowej („Narodziny Wenus” (zdjęcie), „Wiosna”, „Pokłon Trzech Króli”, „Wenus i Mars”, „Boże Narodzenie” itp. .). Jego malarstwo jest szczere i wrażliwe, a jego droga życiowa jest złożona i tragiczna. Romantyczne postrzeganie świata w młodym wieku zostało zastąpione mistycyzmem i religijną egzaltacją w okresie dojrzałości. Ostatnie lata swojego życia Sandro Botticelli żył w biedzie i zapomnieniu.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Malarz włoski i kolejny przedstawiciel wczesnego renesansu, pochodzący z Toskanii. Styl autora ukształtował się pod wpływem florenckiej szkoły malarstwa. Oprócz talentu artysty Piero della Francesca posiadał wybitne zdolności matematyczne i poświęcił jej ostatnie lata swojego życia, próbując połączyć ją ze sztuką wysoką. Efektem były dwa traktaty naukowe: „O perspektywie w malarstwie” i „Księga pięciu prawidłowych brył”. Jego styl wyróżnia się powagą, harmonią i szlachetnością obrazów, równowagą kompozycyjną, precyzją linii i konstrukcji, delikatną gamą barw. Piero della Francesca posiadał niesamowitą wiedzę na temat technicznej strony malarstwa i specyfiki perspektywy tamtych czasów, co zapewniło mu wysoki prestiż wśród współczesnych. Najsłynniejsze dzieła: „Historia królowej Saby”, „Biczowanie Chrystusa” (na zdjęciu), „Ołtarz Montefeltro” itp.

Malarstwo wysokiego renesansu

Jeśli protorenesans i epoka wczesna trwały odpowiednio prawie półtora wieku, to okres ten obejmuje zaledwie kilka dekad (we Włoszech od 1500 do 1527 roku). To był jasny, olśniewający błysk, który dał światu całą galaktykę wielkich, wszechstronnych i błyskotliwych ludzi. Wszystkie gałęzie sztuki szły w parze, dlatego wielu mistrzów to także naukowcy, rzeźbiarze, wynalazcy, a nie tylko artyści renesansu. Lista jest długa, ale szczyt renesansu przypadł na twórczość L. da Vinci, M. Buanarottiego i R. Santiego.

Niezwykły geniusz Da Vinci

Być może jest to najbardziej niezwykła i wybitna osobowość w historii światowej kultury artystycznej. Był osobą uniwersalną w pełnym tego słowa znaczeniu, posiadał najwszechstronniejszą wiedzę i talenty. Artysta, rzeźbiarz, teoretyk sztuki, matematyk, architekt, anatom, astronom, fizyk i inżynier – to wszystko o nim. Co więcej, w każdym z obszarów Leonardo da Vinci (1452-1519) dał się poznać jako innowator. Do chwili obecnej zachowało się jedynie 15 jego obrazów oraz wiele szkiców. Posiadając ogromną witalność i głód wiedzy, był niecierpliwy, fascynował go sam proces poznania. Już w bardzo młodym wieku (20 lat) został mistrzem cechu św. Łukasza. Jego najważniejszymi dziełami były fresk „Ostatnia wieczerza”, obrazy „Mona Lisa”, „Madonna Benois” (na zdjęciu powyżej), „Dama z gronostajem” itp.

Portrety artystów renesansu są rzadkie. Woleli pozostawiać swoje wizerunki na obrazach o wielu twarzach. Tak więc wokół autoportretu da Vinci (na zdjęciu) spory nie ustępują do dziś. Podaje się wersje, że dokonał tego w wieku 60 lat. Według biografa, artysty i pisarza Vasariego, wielki mistrz umierał w ramionach swojego bliskiego przyjaciela króla Franciszka I w swoim zamku Clos Luce.

Rafael Santi (1483-1520)

Artysta i architekt pochodzący z Urbino. Jego nazwisko w sztuce niezmiennie kojarzy się z ideą wzniosłego piękna i naturalnej harmonii. Przez dość krótkie życie (37 lat) stworzył wiele światowej sławy obrazów, fresków i portretów. Fabuła, którą przedstawiał, była bardzo różnorodna, ale zawsze pociągał go obraz Matki Bożej. Całkowicie słusznie Rafael nazywany jest „mistrzem Madonn”, szczególnie znane są te, które namalował w Rzymie. W Watykanie pracował od 1508 roku do końca życia jako oficjalny artysta na dworze papieskim.

Wszechstronnie utalentowany, podobnie jak wielu innych wielkich artystów renesansu, Rafał był także architektem, zajmował się także wykopaliskami archeologicznymi. Według jednej wersji to ostatnie hobby ma bezpośredni związek z przedwczesną śmiercią. Prawdopodobnie podczas wykopalisk zaraził się rzymską febrą. Wielki mistrz jest pochowany w Panteonie. Zdjęcie przedstawia jego autoportret.

Michał Anioł Buoanarroti (1475-1564)

Długi 70-latek tego człowieka był bystry, pozostawił swoim potomkom niezniszczalne dzieła nie tylko malarskie, ale także rzeźbiarskie. Podobnie jak inni wielcy artyści renesansu, Michał Anioł żył w czasach pełnych wydarzeń historycznych i wstrząsów. Jego sztuka jest piękną nutą końcową całego renesansu.

Mistrz przedłożył rzeźbę ponad wszystkie inne sztuki, ale z woli losu stał się wybitnym malarzem i architektem. Jego najbardziej ambitnym i niezwykłym dziełem jest obraz (na zdjęciu) w pałacu w Watykanie. Powierzchnia fresku przekracza 600 metrów kwadratowych i zawiera 300 postaci ludzkich. Najbardziej imponująca i znana jest scena Sądu Ostatecznego.

Artyści włoskiego renesansu byli wszechstronnymi talentami. Niewiele osób wie, że Michał Anioł był także wielkim poetą. Ten aspekt jego geniuszu objawił się w pełni pod koniec jego życia. Do dziś zachowało się około 300 wierszy.

Malarstwo późnorenesansowe

Okres końcowy obejmuje okres od 1530 r. do 1590-1620 r. Według Encyclopædia Britannica renesans jako okres historyczny zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w 1527 r. Mniej więcej w tym samym czasie w południowej Europie zatriumfowała kontrreformacja. Nurt katolicki z obawą patrzył na wszelką wolnomyślność, w tym na intonowanie piękna ludzkiego ciała i odrodzenie się sztuki starożytnej, czyli wszystkiego, co było filarami renesansu. Zaowocowało to szczególnym nurtem – manieryzmem, charakteryzującym się utratą harmonii między tym, co duchowe i fizyczne, człowiekiem i naturą. Ale nawet w tym trudnym okresie niektórzy znani artyści renesansu stworzyli swoje arcydzieła. Wśród nich są Antonio da Correggio (uważany za twórcę klasycyzmu i palladianizmu) i Tycjan.

Tycjan Vecellio (1488-1490 - 1676)

Słusznie uważany jest za tytana renesansu, obok Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Jeszcze zanim skończył 30 lat, Tycjan był znany jako „król malarzy i malarz królów”. Zasadniczo artysta malował obrazy o tematyce mitologicznej i biblijnej, ponadto zasłynął jako wspaniały portrecista. Współcześni wierzyli, że odciśnięcie pędzla wielkiego mistrza oznacza uzyskanie nieśmiertelności. I rzeczywiście tak jest. Rozkazy dla Tycjana pochodziły od najbardziej szanowanych i szlachetnych osób: papieży, królów, kardynałów i książąt. Oto tylko kilka, najsłynniejszych jego dzieł: „Wenus z Urbino”, „Porwanie Europy” (na zdjęciu), „Niesienie krzyża”, „Koronacja cierniowa”, „Madonna Pesaro”, „Kobieta z lustro” itp.

Nic nie powtarza się dwa razy. Epoka renesansu dała ludzkości genialne, niezwykłe osobowości. Ich nazwiska wpisane są złotymi literami w światową historię sztuki. Architekci i rzeźbiarze, pisarze i artyści renesansu – ich lista jest bardzo długa. Dotknęliśmy jedynie tytanów, którzy tworzyli historię, nieśli na świat idee oświecenia i humanizmu.

Renesans spowodował głębokie zmiany we wszystkich obszarach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która staje się coraz bardziej niezależna od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć wciąż daleka jest od całkowitej niezależności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odradzają się nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył Akademię Platońską we Florencji, przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W epoce renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na uniwersytetach europejskich”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna lub filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich dziełach rozwijają się myśli, że filozofia nie powinna badać Boga nadprzyrodzonego, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury .

Rozprzestrzenianiu się naturalnych poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Najważniejszym z nich był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w poglądach na świat.

Należy jednak zaznaczyć, że ówczesne poglądy naukowe i filozoficzne nadal pozostają pod zauważalnym wpływem religii i teologii. Takie poglądy często przybierają formę panteizm w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, lecz On jest rozpuszczony w naturze, utożsamiany z nią. Do tego musimy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to ma miejsce nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najbardziej znaczące zmiany przyniósł renesans kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.

W średniowieczu sztuka znajdowała szerokie zastosowanie w przyrodzie, wplatała się w samo życie i miała je ozdabiać. W epoce renesansu sztuka po raz pierwszy zyskuje samoistną wartość, staje się niezależnym obszarem piękna. Jednocześnie po raz pierwszy u postrzegającego widza powstaje czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie ze względu na cel, któremu służy.

Nigdy wcześniej sztuka nie cieszyła się tak wielkim honorem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji praca artysty w swoim znaczeniu społecznym była zauważalnie gorsza od działalności polityka i obywatela. Jeszcze skromniejsze miejsce zajmował artysta w starożytnym Rzymie.

Teraz miejsce i rola artysty w społeczeństwie rośnie niepomiernie. Po raz pierwszy uznawany jest za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, naukowca i myśliciela, wyjątkową indywidualność. W okresie renesansu sztuka postrzegana jest jako jeden z najpotężniejszych środków wiedzy i pod tym względem utożsamiana jest z nauką. Leonardo da Vinci uważa naukę i sztukę za dwa całkowicie równorzędne sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Jeszcze bardziej cenioną sztukę jako twórczość. Artysta renesansu pod względem zdolności twórczych utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Rafael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów Komedia Dantego nazywana była także „Boską”.

Sama sztuka podlega głębokim przemianom. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do obrazu realistycznego i wiarygodnego. Środki wyrazu artystycznego stają się nowe. Opierają się obecnie na perspektywie linearnej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka we wszystkim stara się być wierna rzeczywistości, osiągnąć obiektywność, autentyczność i witalność.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła swój najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Świetne nazwiska są też w innych krajach, ale Włochy są bezkonkurencyjne.

We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek.
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza tercja XVI w
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami prarenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantego wielu próbom. Był prześladowany za udział w walce politycznej, błąkał się, zmarł na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą epoki nowożytnej. Te dwa początki – stary i nowy – są w jego twórczości bardzo ściśle ze sobą powiązane.

Pierwsze dzieła Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne wiersze o treści miłosnej poświęcone jego ukochanej Beatrice, którą poznał raz we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował miłość na całe życie. Teksty Dantego pod względem gatunkowym nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Damy”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, naznaczonymi wyjątkową indywidualnością.

Szczytem dzieła Dantego był "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Wiersz ten w swej konstrukcji wpisuje się także w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który dostał się do podziemi. Wiersz składa się z trzech części – Piekło, Czyściec i Raj, z których każda zawiera 33 pieśni zapisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzająca się liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej nauki o Trójcy. W trakcie tej historii Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie pozwala swojemu towarzyszowi z dziewięciu kręgów piekła i czyśćca – rzymskiemu poecie Wergiliuszowi – wejść do raju, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Poecie towarzyszy tu jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w jego myślach i sądach, w podejściu do portretowanych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco nie zgadza się z nauką chrześcijańską. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest zawarta w naturze samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paola ze zrozumieniem i współczuciem. chociaż ich miłość jest powiązana ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także przy innych okazjach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Franciszek Petrarka. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był szeroko rozumianym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Twórczość Petrarki także częściowo wpisuje się w ramy średniowiecznej liryki dworskiej. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa związki z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia – miłość, ból, rozpacz, tęsknota – pojawiają się znacznie ostrzej i bardziej nago. Mają silniejszy charakter osobisty.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanniego Boccaccio(1313-1375). światowej sławy autor Dekameron”. Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami powieści są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie zawierają nudnego moralizowania, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie błyszczy miłością do życia i zabawy. Fabuła niektórych z nich ma charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego prarenesansu w sztukach wizualnych. Jego głównym gatunkiem były malowidła freskowe. Wszystkie napisane są na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje początek renesansu. Giotto w swojej twórczości porzuca średniowieczne konwencje na rzecz realizmu i wiarygodności. To dla niego doceniana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.

W jego pracach naturalny krajobraz jest dość realistycznie przedstawiony, na którym wyraźnie widać drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, jawią się jako żywe osoby, obdarzone fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania zarysowują naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasną kolorystyką i malowniczością, delikatną plastycznością.

Głównym dziełem Giotta jest obraz przedstawiający kaplicę del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Największe wrażenie robi cykl ścienny, w skład którego wchodzą sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Opłakiwanie Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Położenie ich ciał, gesty, stan emocjonalny, poglądy, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma swój niepowtarzalny klimat.

Tak więc w scenie „Lot do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwą dynamiką, ostrymi i zdecydowanymi działaniami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Scena „Opłakiwanie Chrystusa” naznaczona jest szczególnym dramatem. Przepełnione jest tragiczną rozpaczą, nieznośnym bólem i cierpieniem, niepocieszonym żalem i smutkiem.

Wczesny renesans ostatecznie został zatwierdzony nowe zasady estetyczne i artystyczne sztuki. Jednocześnie historie biblijne są nadal bardzo popularne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, ze średniowiecza niewiele w nim zostało.

Ojczyzna Wczesny renesans stała się Florencją, a architektem są „ojcowie renesansu”. Philippe’a Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny architektury renesansowej, odkrył nowe formy istniejące przez wieki. Zrobił wiele, aby opracować prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stanął przed wyjątkowo trudnym zadaniem, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Dzięki oryginalnemu projektowi genialnie wychodzi z trudnej sytuacji. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielka budowla na planie prostokąta, nakryta pośrodku kopułą. Wewnątrz wyłożona jest białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza miejsca kultu i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie wykazując prawdziwą innowację. Donatello w swojej twórczości wykorzystuje dziedzictwo starożytne, opierając się na głębokim badaniu natury, odważnie aktualizując środki wyrazu artystycznego.

Bierze udział w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia rzeźbiarski portret i obraz nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Donatello swoją twórczością wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania przedstawianej osoby zostało wyraźnie przejawione w posąg młodego Dawida. W tej pracy David jawi się jako młody, piękny, pełen sił psychicznych i fizycznych młodzieniec. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tułów. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada heroizmu jest silna i wyraźna posąg św. Jerzy, który stał się jednym z szczytów twórczości Donatello. Tutaj w pełni udało mu się ucieleśnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, szczupły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby starożytnej.

Klasycznym dziełem Donatello jest posąg z brązu dowódcy Gattamelatty – pierwszy pomnik jeździecki w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co przybliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, wyraźna i precyzyjna plastyczność, naturalna postawa jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy wywodzące się od Giotto. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele udało mu się zrobić. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego, współczesnego okresu renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie zbliżył się tak do współczesnych mistrzów jak Masaccio”.

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, które opowiadają o epizodach z legend o św.

Choć freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni na nim Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń sprawiają wrażenie całkiem ziemskich ludzi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkiem naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco autentycznie ukazano nagiego młodzieńca drżącego z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję wykorzystując nie tylko perspektywę linearną, ale także powietrzną.

Z całego cyklu na szczególne wyróżnienie zasługuje fresk „Wypędzenie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widać postacie Adama i Ewy, które opuściły bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i wiarygodnie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyrażony jest stan wewnętrzny bohaterów. Adam, który szedł szeroko, ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Łkając, Eve odchyliła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim dzięki muralom, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Botticelli preferował malarstwo sztalugowe. Jego najbardziej znane obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy szczyt, Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, przeżywa niespotykany rozkwit. To właśnie w tym czasie tworzyli tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu kojarzony jest z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zadecydował o rozwoju architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namalował swój słynny fresk Ostatnia Wieczerza. Jej świetność rozpoczyna się od małej kaplicy tzw Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie i stał się swego rodzaju „manifestem” wysokiego renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką wyrazistością. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem twórczości Bramantego jest rekonstrukcja Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem projektu katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmują Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacznie od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach opierał się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm późniejszych wieków.

Ich pierwotną przeciwwagą i antypodem była szkoła wenecka. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych szkół włoskich Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może to właśnie tutaj jego pasja badawczo-eksperymentalna znalazła właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze pomiędzy „starymi i nowymi” artystami, ten ostatni oparł się na przykładzie Wenecji. To tu rozpoczęły się trendy, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Weronese. W Wenecji El Greco otrzymał ładunek twórczy, który pozwolił mu zaszokować hiszpańskie malarstwo. Velazquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich artystach Rubensie i Van Dycku.

Będąc miastem portowym, Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Doświadczyła wpływów północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Dürer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początek XVI w. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner przysłuchiwał się tu śpiewowi gondolierów (1857), pod którego natchnieniem napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała formy płynne i mobilne, a nie wyraźne struktury geometryczne. Wenecja skłaniała się nie tyle do rozumu ze swoimi rygorystycznymi zasadami, ile do uczuć, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. Tematem tej poezji była natura – jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta – ekscytujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z urzekających dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej preferowali nie formę i wzór, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w ciele najbardziej żywym i czującym.

Nie wystarczyła im realistyczna wiarygodność i niezawodność. Starali się odkryć bogactwa tkwiące w samym malarstwie. To Wenecja zasługuje na zasługę odkrycia czystej zasady malarstwa, czyli malowniczości w najczystszej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malowniczości od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązywania problemów malarskich za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość uznania malowniczości za cel sam w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i wyrazistości, będzie podążało tą drogą. Według niektórych ekspertów od Tycjana można przejść do Rubensa i Rembrandta, następnie do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne’a itp.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachował się jak prawdziwy innowator. W końcu wygrywa dla niego świecki początek i zamiast o tematyce biblijnej woli pisać o tematyce mitologicznej i literackiej. W jego twórczości następuje ustanowienie malarstwa sztalugowego, które nie przypomina już ikony czy obrazu ołtarzowego.

Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować z natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy skupia uwagę na mobilności, zmienności i płynności. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To Giorgione zaczął poszukiwać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, będąc prekursorem Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła o różnych gatunkach i tematach - „Country Concert” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było „Śpiąca Wenus”„. To zdjęcie jest pozbawione jakiejkolwiek fabuły. Śpiewa o pięknie i uroku nagiego kobiecego ciała, przedstawiając „nagość dla samej nagości”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość jego długiego życia przypada na późny renesans.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowację Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Mają niezwykłą zmysłowość, dzięki czemu wywierają potężny wpływ na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzyczne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało smaku, a według Delacroix i Van Gogha muzyki. Jego płótna malowane są otwartym pociągnięciem pędzla, które jest zarazem lekkie, swobodne i przejrzyste. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza i pochłania formę, a zasada obrazowa po raz pierwszy zyskuje autonomię, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości zamienia się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Śpiewa o zmysłowej zasadzie, ludzkim ciele tryskającym zdrowiem, wiecznym pięknie ciała, fizycznej doskonałości człowieka. Jest to tematyka jego płócien takich jak „Miłość na ziemi i w niebie”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na zdjęciu dominuje zmysłowy początek „Pokutująca Magdalena”, chociaż jest poświęcony sytuacji dramatycznej. Ale i tutaj pokutujący grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające, promienne ciało, pełne i zmysłowe usta, rumiane policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przepełnione jest przenikliwym liryzmem.

W twórczości drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do tego, co duchowe i dramatyczne. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne, gdy ucieleśniają tematy i wątki, do których wielki artysta poruszał się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego, porzuconego przez ludzi cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i pięknem fizycznym. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Koronowanie cierniem”, poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie przystojny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W monachijskiej wersji, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazywany znacznie głębiej, bardziej kompleksowo i wymownie. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenie. Teraz najważniejsze nie jest ukoronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychologiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych dziełach Tycjana tragiczne brzmienie ulega coraz większemu nasileniu. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.

Renesans ma znaczenie światowe w historii powstawania i rozwoju kultury w krajach Europy Zachodniej i Wschodniej. Okres rozwoju ideologicznego i kulturalnego przypada na wiek XIV-XVI, kiedy to w miejsce dominacji religijnej i systemu wasala powstała kultura świecka. Odradza się zainteresowanie, od którego wziął swoją nazwę okres renesansu.

Historia występowania

Pierwsze oznaki początku ery pojawiły się już w XIII-XIV wieku. we Włoszech, jednak ugruntowała się dopiero w latach 20. XIV wieku. Niezachwiany ustrój feudalny średniowiecza zaczyna się rozluźniać – miasta handlowe wkraczają w walkę o prawa do samorządu i własną niezależność.

W tym czasie pojawił się ruch społeczno-filozoficzny zwany „humanizmem”.

Obecnie osobę postrzega się jako osobę, pojawia się kwestia wolności i aktywności osobistej.Świeckie centra sztuki i nauki powstają w dużych miastach, funkcjonując poza całkowitą kontrolą Kościoła. Następuje aktywne odrodzenie starożytności - uosabia żywy przykład nieascetycznego humanizmu. W połowie XV wieku wynaleziono druk, dzięki któremu nowy światopogląd i dziedzictwo starożytne rozprzestrzeniły się szeroko w całej Europie. Szczyt początków renesansu przypada na koniec XV wieku, ale już za niecałe stulecie narasta kryzys ideologiczny. To położyło podwaliny pod pojawienie się dwóch kierunków stylistycznych: i.

Okresy

Protorenesans

Protorenesans rozpoczął się w drugiej połowie XIII wieku, a zakończył pod koniec XIV wieku.

Jest to tzw. pierwszy krok w przygotowaniu na nadejście renesansu. Do 1337 roku słynny architekt i artysta Giotto di Bondone wypracowywał nowe podejście do przedstawiania figur przestrzennych. Wypełnił kompozycje religijne treściami świeckimi, zarysował przejście od obrazu płaskiego do obrazu reliefowego, a także przedstawił w malarstwie wnętrze. Pod koniec XIII wieku wzniesiono katedrę Santa Maria del Fiore (Florencja). Autorem tej głównej konstrukcji świątynnej jest Arnoldo di Cambio. Giotto zaprojektował dzwonnicę katedry we Florencji, kontynuując w ten sposób dzieło Arnolda.

Po śmierci Giotta di Bondone we Włoszech nawiedza epidemia dżumy i aktywny rozwój tego okresu dobiega końca.

Wczesny renesans

Okres wczesnego renesansu trwał nie dłużej niż 80 lat (1420-1500). Na tym etapie nie nastąpiły istotne zmiany w dziedzinie sztuki, a jedynie niektóre elementy pochodzące z starożytności uzupełniały twórczość ówczesnych artystów. Ale pod koniec XV wieku średniowieczne fundamenty zostały całkowicie zastąpione przykładami kultury starożytnej, co widać zarówno w koncepcji obrazów, jak i w drobnych szczegółach.

Wysoki renesans

Najkrótszym, ale jednocześnie wspaniałym okresem renesansu był trzeci etap, zwany Wysokim Renesansem. Trwało to tylko 27 lat (1500-1527). Po wstąpieniu na tron ​​Juliusza II ośrodek wpływów sztuki włoskiej przenosi się do Rzymu. Nowy papież ściągnął na dwór najzdolniejszych artystów włoskich, co doprowadziło do aktywnego rozwoju kultury i sztuki:

• Wznoszone są luksusowe monumentalne budynki.
• Malowane są obrazy i freski.
• Powstają niepowtarzalne dzieła rzeźbiarskie.

Każda dziedzina sztuki jest ze sobą ściśle powiązana, harmonizując i harmonijnie się rozwijając. Istnieje bardziej szczegółowe badanie starożytności.

Późny renesans

Ostatni okres renesansu przypada na lata około 1590-1620. Jego cechą wyróżniającą jest różnorodność kultury i sztuki. Na obszarze Europy Południowej aktywnie rozwijała się kontrreformacja. Ruch ten nie akceptował wolnego myślenia, protestował przeciwko odrodzeniu się starożytności w kulturze i sztuce oraz śpiewaniu ludzkiego ciała.

Kontrreformacja to ruch katolicki, którego celem było przywrócenie wiary chrześcijańskiej i rzymskokatolickiej. Początek rozwoju zaobserwowano po wyrażeniu swoich idei przez Kalwina, Zwingliego, Lutra i innych reformatorów europejskich.

We Florencji sprzeczności doprowadziły do ​​powstania ruchu zwanego manieryzmem.

Manieryzm to zachodnioeuropejski styl artystyczny i literacki, który powstał w XVI wieku. Cechy manieryzmu: utrata harmonii między tym, co duchowe i fizyczne, człowiekiem i naturą.

Nie ma dokładnych dat dla Late Stage jako takiego. Encyclopædia Britannica podaje, że renesans zakończył się wraz z upadkiem Rzymu (1527).

Budynki w stylu manierystycznym

Wnętrze

Na nowe rozumienie przestrzeni wewnętrznej duży wpływ miały proste i przejrzyste wnętrza Filippo Brunelleschiego. Widać to na przykładzie kaplicy Pazzi (kościół Santa Croce, Francja). Utalentowany rzeźbiarz i architekt użył jasnych kolorów do wykończenia przyciemnianych otynkowanych ścian, dodając architektoniczne reliefowe artykulacje z szarego kamienia. W bogatych domach i pałacach szczególną uwagę zwracano na hole, w których przyjmowano gości. Na biblioteki przeznaczono ogromne pomieszczenia. Pojawienie się druku natychmiast przyciągnęło uwagę bogatych w Europie. Jadalnie jako takie nie istniały, a stoły do ​​jadalni były przeważnie składane. Oni, którzy odegrali ważną rolę w domach wiejskich i miejskich. Obrazy na meblach były pozbawione odcieni, niemal monochromatyczne. Najpopularniejsze kompozycje dekoracyjne:

• Liść akantu.
• Martwa natura.
• Krajobrazy miejskie.
• Kręcone łodygi.
• Instrumenty muzyczne.

Na drzwiach rzeźbionych kredensów, szafek i innych detali mebli zastosowano wzór pozytywowo-negatywny. Technologia produktu wyglądała następująco:

• Dwa arkusze sklejki pomalowano na różne kolory i nałożono jeden na drugi.
• Wycięto fragment pewnego wzoru.
• Gotowy wzór przyklejono do podłoża.
• Fragmenty różniące się kolorem, ale identycznym wzorem, zamieniły się miejscami.

Motywy i sposoby zdobienia powierzchni mebli zmieniały się i rozszerzały: stosowano malowane drewno, pojawiały się kompozycje figuratywne, groteskowe, opanowano technikę tonowania gorącym piaskiem.

Sztuka

W XIV-wiecznych Włoszech zaczęli pojawiać się prekursorzy sztuki renesansowej. Tworząc płótna o tematyce religijnej, artyści oparli się na międzynarodowym gotyku. Gotyk międzynarodowy to jedna z odmian stylistycznych, która rozwinęła się w północnych Włoszech, Burgundii i Czechach (1380-1430). Cechy wyróżniające: wyrafinowanie form, barwność, wyrafinowanie, dekoracyjny charakter. Nie brakuje też przejawów manieryzmu: groteski, ostrości i wyrazistości jasnych form, grafiki. Uzupełnili swoje obrazy o nowe techniki artystyczne:

• Zastosowanie kompozycji wolumetrycznych.
• W tle wizerunek krajobrazu.

Dzięki zastosowaniu tych technik artystom udało się oddać realizm obrazu i jego żywotność.

Aktywny rozwój sztuk pięknych rozpoczyna się w pierwszym etapie renesansu - protorenesansie. W historii sztuk wizualnych we Włoszech jest kilka okresów:

• XIII w. - Duncento (dwieście). Międzynarodowy gotyk.
• 14 wiek - trecento (trzysta). Protorenesans.
• XV w. - quattrocento (czterysta). Wczesny – wysoki etap.
• XVI w. - cinquecento (pięćset). Wysoki - późny renesans.

Wszystkie subtelności renowacji łazienki:

Jak powstały epoki: Świat oczami Leonarda da Vinci

Jedną z kluczowych postaci w powstawaniu renesansu był Leonardo da Vinci. To wielki twórca, artysta, twórca i założyciel rozwoju nauki we Florencji. Więcej informacji na temat jego twórczości można znaleźć w tym filmie. Miłego oglądania!

wnioski

W epoce renesansu nastał bezprecedensowy czas, który powstał w postaci odbicia klasycznej starożytności w stylu Empire. W oparciu o kulturę renesansu powstało wiele gałęzi stylistycznych, dzięki którym pojawiły się nowe dzieła sztuki z zakresu malarstwa, architektury i rzeźby. Przykładowo, gdzie za podstawę przyjęto jasne kolory ponurej Skandynawii. Lub szeroko stosowany w Ameryce.

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Hostowane pod adresem http://www.allbest.ru/

Kultura i sztuka renesansu

1. Charakterystyka renesansu

Kultura zachodnioeuropejska XIV-XIV wieku. zwana kulturą renesansu. Terminu „renesans” (renesans) po raz pierwszy użył D. Vasari w książce „Biografia najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów” (1550): miał na myśli odrodzenie kultury starożytnej w nowej epoce historycznej. Wyróżnia się następujące główne etapy renesansu: renesans wczesny (Petrarka, Alberti, Boccaccio), renesans wysoki (Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Rafael), renesans późny (Szekspir, Cervantes).

Renesans powstaje we Włoszech, a następnie rozprzestrzenia się na inne kraje europejskie: Anglię, Niemcy, Francję, Hiszpanię itp., Nabywając cechy i cechy narodowe. Kultura renesansu pod wieloma względami okazała się przeciwieństwem kultury średniowiecza, gdyż autorytetowi pisma duchowego i Kościoła przeciwstawiało się indywidualne prawo człowieka do własnego życia i twórczości duchowej.

W epoce renesansu kultura ostatecznie traci swój kultowy, sakralny charakter i staje się „produktem” człowieka, jego „mądrości” i „czynu”. Według humanistów to Człowiek jest prawdziwym twórcą kultury i koroną całego wszechświata. Dlatego sama kultura kieruje się indywidualnym rodzajem aktywności duchowej, która staje się podstawą całego późniejszego rozwoju kulturalnego. Idea człowieka jako osoby wolnej i niezależnej, zdolnej do przekraczania swoich fizycznych, skończonych granic kosztem własnych wysiłków, była głównym odkryciem humanizmu i oznaczała narodziny nowego spojrzenia na człowieka, jego naturę i cel na świecie. Jednak rodząca się gospodarka kapitalistyczna opierała się na ludności trzeciego stanu, która była potomkiem mieszczan, którzy opuścili średniowieczne chłopi pańszczyźniane i przenieśli się do miast. Z tej wolnej populacji pierwszych miast rozwinęły się pierwsze elementy burżuazji, które charakteryzowały się przede wszystkim pragmatyzmem i rozwagą, obce tragizmowi światopoglądu i poszukiwaniu duchowości. Z jednej strony wzrósł szacunek do osoby, która jest w stanie zmienić świat i własny los, z drugiej strony ci ludzie często okazali się nie twardo stąpający po ziemi i dalecy od romantyzmu i chęci duchowego samodoskonalenia bez którego człowiek nie mógłby stać się Człowiekiem.

Ideałem renesansu był obraz Człowieka Uniwersalnego, który tworzy siebie. Wysoko ceniono wykształcenie (ale już świeckie), rozwój walorów moralnych i wszechstronnie rozwinięte zainteresowania jednostki, jej doskonałość fizyczną. Obraz ten był nie tyle bezpośrednim odzwierciedleniem epoki, ile wielkim marzeniem humanistów, zdobywających w sztuce żywe ciało i krew. Dlatego sztuka bardziej niż inne formy kultury duchowej tamtej epoki potrafiła odzwierciedlić ducha renesansu.

W renesansie nie tylko jego idee, ale także ich praktyczne wdrożenie miało istotne znaczenie. Leonardo da Vinci zauważył: „Kto lubi praktykę bez nauki, jest jak sternik wchodzący na statek bez steru i kompasu”. Wybitne postacie renesansu, poprzez swoje zainteresowanie starożytnością, położyły podwaliny pod nową kulturę humanitarną, świecką, skierowaną do człowieka i z niego emanującą. Ludzkość ponownie poczuła potrzebę sztuki utraconego „złotego wieku” kultury starożytnej, z jej nieodłącznym naśladownictwem cielesnych form fizycznych świata przyrody, postrzeganych bezpośrednio zmysłami.

To, co człowiek stworzył, zdaniem humanistów renesansu, utożsamia go z Bogiem, gdyż swoją pracą dopełnia dzieła stworzenia świata. Dzięki swoim zdolnościom człowiek udoskonala, uszlachetnia i udoskonala to, co bezpośrednio daje mu natura, wierzyli humaniści, jest w stanie wznieść się ponad ograniczenia swojej fizycznej egzystencji, robiąc krok w stronę wolności. Wracając do dziedzictwa kultury starożytnej, humaniści traktowali Platona, Arystotelesa, Lukrecjusza i innych autorów tamtej epoki ze szczególnym szacunkiem. Przyciągała ich nie tylko głębia koncepcji, ale także wszechstronne wykształcenie i wyśmienity gust, umiejętność tworzenia teorii filozoficznych i estetycznych, a jednocześnie rozumienia sztuki współczesnej, udowadniając nierozerwalny związek teorii z praktyką.

Wskrzeszając starożytną tradycję postrzegania sztuki jako odbicia życia, humaniści nie podążali za nią ślepo. Ich zdaniem sztuka nie polega jedynie na utożsamianiu realnych przedmiotów i osoby, ale stara się odzwierciedlić to, co ogólne, nie zapominając o jednostce. Metoda artystyczna renesansu nie kopiuje metody artystycznej starożytności, podnosząc jej zasady do absolutu, ale twórczo je rozwija. Starożytność uogólniała i racjonalnie konstruowała swoje obrazy artystyczne w sztuce z pozycji uogólnionego ideału, tworząc swoje arcydzieła. A renesansowi udało się odzwierciedlić osobę i rzeczywistość z pozycji nowego ideału estetycznego, skupiając się z jednej strony na ich indywidualności i niepowtarzalności, uznając człowieka za niepowtarzalny twór natury i Boga, z drugiej zaś realizując że realna osoba jest często tak niedoskonała, że ​​sztuka musi konstruować swoje indywidualne cechy we wspólną całość.

2. Gatunek portretowy

W gatunku portretu malarstwo utrwaliło szczególny typ twarzy ludzkiej - godnej i szlachetnej, świadomej swoich możliwości i przepełnionej wolą twórcy własnego losu.

Poczucie godności ludzkiej znalazło odzwierciedlenie już w sztuce okresu przejściowego późnego średniowiecza w malarstwie freskowym artysty Giotta i Boskiej Komedii Dantego, jednego z humanistów renesansu.

Przejście od myśli średniowiecznej do ideałów renesansu następowało stopniowo. Mistycyzm i niekwestionowany autorytet Kościoła na długo zdominowały myślenie i życie codzienne człowieka tamtej epoki. Nie od razu malarstwo i poezja z kategorii rzemiosł niższych, jak to miało miejsce w starożytności, przeszły do ​​kategorii wolnych zawodów. Dlatego rodzina Michała Anioła uważała za wstyd, że członek jej rodziny wyraził typowe dla tamtych czasów pragnienie zostania artystą. Jednak ujawnił się już inny pogląd. Sytuacja ta odzwierciedlała głębszy trend, który ujawnił się w okresie renesansu, kiedy jeden światopogląd jeszcze nie umarł całkowicie, a inny już się narodził. Wyrażało to wielkość i tragedię renesansu, którego kultura wchłonęła wszystkie jego sprzeczności.

Wraz z ideami humanistycznymi autorytety średniowieczne w osobie św. Augustyn (błogosławiony) nadal żył w nowym pokoleniu poetów i artystów - Petrarki i Boccaccio, Albertiego i Dürera i innych. Petrarka uważała, że ​​poezja nie jest sprzeczna z teologią, która w rzeczywistości jest tą samą poezją, tyle że skierowaną do Boga. Jego zdaniem sami ojcowie Kościoła posługiwali się formą poetycką, gdyż psalmy są tą samą poezją. Boccaccio nazwał poezję siostrą teologii, organiczną częścią Biblii, przyczyniającą się do osiągnięcia cnót. Zadaniem poezji widział w kierowaniu myśli ludzkich ku wartościom boskim. A potępienie poezji oznaczało potępienie metody samego Chrystusa. Dla myślicieli wczesnego renesansu, podobnie jak dla średniowiecznych ojców kościoła, najwyższa doskonałość pochodziła od Boga. Według Albertiego i Leonarda da Vinci artysta powinien być jak kapłan w pobożności i cnocie. A sam obraz powinien stać się boski, przepojony miłością do Boga. Powtarzając słowa Dantego, Leonardo da Vinci napisał, że artyści są „wnukami Boga”.

Zatem świecki kierunek w sztuce renesansu nie pojawił się natychmiast i nie poprzez ogólne odrzucenie boskiego celu. Powstał stopniowo w wyniku wkroczenia w sferę duchową próśb opartych w dużej mierze na interesach materialnych nowej klasy społecznej i rosnącym zainteresowaniu klasycznym dziedzictwem kultury starożytnej. Poeci i artyści zabiegali o szacunek dla siebie nie tylko swoimi cnotami moralnymi, ale także zdolnościami intelektualnymi. W społeczeństwie coraz bardziej ceniono wszechstronną edukację oraz umiejętności i zdolności w różnych dziedzinach ludzkiej działalności. Prawdziwy poeta, zdaniem Boccaccia, musi posiadać wiedzę z zakresu gramatyki, retoryki, archeologii, historii, geografii, a także różnych dziedzin sztuki.

Powinien mieć jasny, wyrazisty język i bogate słownictwo. Kryterium sztuki stał się wysiłek włożony przez artystę i niezbędna wszechstronna wiedza. To nie przypadek, że wielkich ludzi tamtych czasów nazywano „tytanami”. Raczej oni sami byli prototypami idealnego Człowieka, którego ogłoszono koroną natury.

Rzeczywiście, rola artysty w społeczeństwie w okresie renesansu była tak ważna i szlachetna, że ​​podstawą jego twórczości mogła być jedynie wiedza uniwersalna, dlatego artysta musiał być także filozofem, mędrcem jednocześnie. Boccaccio uważał, że poeci nie naśladują mędrców, ale sami nimi są. Leonardo da Vinci wprost stwierdził, że malarstwo jest filozofią, gdyż jest pełne głębokiej refleksji nad ruchem i formą. Daje prawdziwą wiedzę, bo „odzwierciedla w kolorach” prawdziwą istotę zjawisk przyrodniczych i samego człowieka. Ponadto artysta nie tylko odzwierciedla i kopiuje naturę, ale także krytycznie zastanawia się nad wszystkim, co widzi. W Traktacie o malarstwie Leonardo da Vinci radzi artystom, aby „wyczekiwali” piękna natury i człowieka, obserwowali je w tych momentach, kiedy objawia się ono w nich najpełniej: „Wieczorem zwracajcie uwagę na twarze mężczyźni i kobiety przy złej pogodzie, jaki urok i czułość jest w nich widoczna.

Według Albertiego piękno jako „rodzaj harmonii i współbrzmienia części” zakorzenione jest w naturze samych rzeczy, a zadaniem artysty jest naśladowanie piękna naturalnego. Piękne dla humanistów ma charakter obiektywny, a artysta musi niczym w lustrze odbijać piękno istniejące w świecie, stając się jak lustro. Jednocześnie wśród rodzajów sztuki preferowano malarstwo, które wpływało na inne rodzaje sztuki, w tym na literaturę. To właśnie w dziedzinie malarstwa renesansu dokonano znaczących odkryć - perspektywy liniowej i powietrznej, światłocienia, koloru lokalnego i tonalnego, proporcji. Lojalność wobec natury nie oznaczała dla humanistów jej ślepego naśladowania. Piękno przelewa się w poszczególne przedmioty, a w dziele sztuki artysta musi dążyć do ich połączenia. Niemożliwe – pisał A. Dürer – aby artysta „mógł narysować piękną postać z jednej osoby. Nie ma bowiem na ziemi tak pięknej osoby, która nie mogłaby być jeszcze piękniejsza.

3. Metoda artystyczna renesansu

Osobliwością metody artystycznej renesansu było to, że kierowała się ona stworzeniem za pomocą sztuki pewnego ideału, którego należy przestrzegać. Pod tym względem metoda renesansowa naprawdę przypominała metodę artystyczną starożytności.

Były jednak pewne osobliwości. Cechą taką było pojawienie się w malarstwie wielu wizerunków kobiecych, co nie było typowe dla sztuki poprzednich epok. Renesansowy artysta interesował się nie tylko wizerunkiem Matki Bożej, jak w średniowieczu, czy bogiń, jak w starożytności, ale przede wszystkim świeckimi kobietami, których portrety stały się niedostępnymi przykładami harmonii i doskonałości. Wzniosły ideał kobiecego piękna kultywowano nie tylko w malarstwie za sprawą Rafaela, Leonarda da Vinci, Tycjana, Botticellego i innych artystów, ale także w literaturze, co doprowadziło do narodzin jasnego obrazu Laury Petrarki, który nadal pozostaje niedostępne w poezji światowej.

Jednak pomimo idealizacji obrazów artystycznych za pomocą sztuki, zasady estetyczne renesansu były realistyczne i ściśle powiązane z ówczesną praktyką artystyczną. Zastanówmy się nad głównymi etapami rozwoju sztuki renesansowej, z których każdy przejawiał swoje charakterystyczne cechy i cechy.

4. Główne etapy rozwoju sztuki renesansu

4.1 Wczesny renesans

Etap wczesnego renesansu (XV w.) był niezwykle owocny dla rozwoju całego świata, nie tylko sztuki włoskiej. Wczesny renesans (Quattrocento) oznaczał pojawienie się i rozkwit wielu jednostek zajmujących się niemal wszystkimi formami sztuki i działalności artystycznej. Wiara humanistów w rozum i nieograniczone możliwości człowieka zaowocowała. Artyści byli bardzo cenieni i szanowani. Rzymscy papieże, książęta i królowie zapraszani na swój dwór. Jednak ich sztuka nie stała się dworska. Wysoko ceniono wolność osobistą artysty.

O wolności człowieka i jego miejscu w świecie wielki humanista P. Mirandolla pisał: „U kresu dni stworzenia Bóg stworzył człowieka, aby poznał prawa wszechświata, nauczył się kochać jego piękno, zachwycać się jego wielkością. Ja – powiedział twórca Adamowi – nie przywiązałem korony do jakiegoś miejsca, nie zobowiązałem się do określonego czynu, nie krępowałem konieczności, abyś ty sam, na własną prośbę, wybrał miejsce, czyn i cel, którego dobrowolnie zapragnąłeś i posiadałeś je... Stworzyłem cię jako istotę nie niebiańską, ale nie tylko ziemską, nie śmiertelną, ale też nie nieśmiertelną, abyś... stał się swoim własnym twórcą i całkowicie wykuł swój własny obraz . Otrzymałeś możliwość upadku do poziomu zwierzęcia, ale także możliwość wzniesienia się do poziomu istoty boskiej - wyłącznie dzięki Twojej wewnętrznej woli.

Za twórców sztuk pięknych wczesnego renesansu uważa się malarza Masaccio, rzeźbiarza Donatello, a także architekta i rzeźbiarza Brunelleschiego. Wszyscy w pierwszej połowie pracowali we Florencji. XV w., lecz ich twórczość wywarła zauważalny wpływ na życie artystyczne całego renesansu. Masaccio nazywany był artystą „męskiego stylu”, ponieważ udało mu się stworzyć w malarstwie trójwymiarowe „rzeźbiarskie” obrazy, wykorzystując trójwymiarową przestrzenną głębię płótna. W nowy sposób zobaczył realny świat i w nowy sposób uchwycił go za pomocą malarstwa, co nieuchronnie doprowadziło do zmiany nie tylko języka artystycznego, ale także myślenia przestrzennego i artystycznego w ogóle. Donatello przypisuje się stworzenie szkoły sztuki reliefowej, a także okrągłych posągów, które swobodnie istnieją poza całością architektoniczną.

Brunelleschi zdołał stworzyć świecką w duchu, pełną wdzięku i lekką architekturę, wskrzeszając tradycje antyku na nowym gruncie, doprowadzając do perfekcji racjonalizm i harmonię. Odziedziczona od Greków i oparta na racjonalizmie metoda artystyczna zaczęła żyć nowym życiem w okresie renesansu.

Artysta zmarłego Quattrocento, Sandro Botticelli, w swoich pracach stworzył zaskakująco uduchowione i piękne wizerunki kobiet („Wiosna” i „Narodziny Wenus”) i inne. S. Botticelli miał rzadki dar łączenia w swojej sztuce cech mitologii starożytnej i chrześcijańskiej. Kolejną cechą jego sposobu bycia była skłonność do gotyku. Poprzez umiejętnie skonstruowane rytmiczne kompozycje i zastosowanie falistych linii przebija się nieziemskie piękno ziemskich kobiet, ukryte pod osłoną lekkiego welonu. Obecność aury tajemniczości i czułości przyczyniła się do powstania niezwykle lekkich i doskonałych wizerunków kobiecych, które weszły do ​​skarbnicy sztuki światowej.

4.2 Wysoki renesans

Sztuka renesansu nie stała w miejscu: jeśli wczesny renesans charakteryzował się poszukiwaniem i chęcią stworzenia czegoś nowego, to Wysoki Renesans wyróżniał się dojrzałością i mądrością, skupiając się na tym, co najważniejsze. W tym czasie narodziły się arcydzieła, które stały się symbolami nie tylko całej epoki, ale także arcydzieł kultury światowej wszystkich czasów i narodów. Główną postacią w kulturze tego okresu był oczywiście Leonardo da Vinci, którego talent wyróżniał się wszechstronnością. Szczyt twórczości Wielkiego Leonarda słusznie uważa się za stworzenie wizerunku Mony Lisy (La Gioconda), której tajemnica wciąż pozostaje nierozwiązana i wyjechała ze swoim autorem. Wielkość i spokój, dumna postawa oraz brak arogancji i fałszu, genialnie i prosto podkreślają prawdziwy obraz wiecznej kobiecości, unosząc się nad wszystkim, co fałszywe, nieprawdziwe, chwilowe i niegodne uwagi. Stworzony przez Leonarda dla wszystkich grup wiekowych obraz pięknej kobiety pojawia się przed widzem na tle raczej abstrakcyjnego krajobrazu, który nie zajmował zbyt wiele uwagi wśród artystów renesansu. Pejzaż podkreślał także ogólność i symbolikę obrazu, jego ponadczasowość. „La Gioconda” zdołała przyćmić wiele arcydzieł sztuki światowej, stworzonych zarówno przez samego Leonarda, jak i przez innych artystów.

4.3 Późny renesans

Późniejszy renesans wyraźnie ujawnił kryzys humanizmu, co W. Szekspir potrafił znakomicie odzwierciedlić w swojej twórczości. Wizerunek Hamleta stał się w dużej mierze symboliczny. Najlepiej wyraża chęć dokonania wyboru życiowego, zgodnego z prawami sumienia. "Być albo nie być?" naprawdę stało się tematem wszystkich pytań, które kiedykolwiek nękały ludzkość i jednostkę. Poszukiwanie własnej drogi i sensu życia, a także chęć dokonania właściwego wyboru, są dziś bardziej aktualne niż kiedykolwiek. Wielkość i skala szekspirowskiego bohatera świadczą o geniuszu jego twórcy, który wkroczył do galaktyki „tytanów” renesansu. Od końca XV w. narasta kryzys humanizmu, spowodowany w dużej mierze osłabieniem politycznym i gospodarczym Włoch. W związku z odkryciem Ameryki (1494) handel z północnymi Włochami i ich siła gospodarcza słabną, ulegają one ruinie militarnej i tracą niepodległość. Niestabilność porządku świata, jego wartości i w wyniku tych procesów kryzys ideałów, który przetrwał więcej niż jedno pokolenie humanistów.

Z całą oczywistością cechy kryzysu humanizmu znalazły odzwierciedlenie w twórczości literackich geniuszy późnego renesansu - Szekspira i Cervantesa. To nie przypadek, że świat wydawał się Hamletowi „ogrodem porośniętym chwastami”. Cały świat jest dla niego „więzieniem z wieloma zamkami, lochami i lochami, przy czym Dania jest jednym z najgorszych”. Egoistyczna wola poszczególnych ludzi coraz bardziej utrudniała swobodny rozwój osobowości ludzkiej. Pytanie Hamleta „być albo nie być?” zawierała całą niekonsekwencję późnego renesansu, a także tragedię ludzkiej osobowości w jej pragnieniu bycia wolnym w niewolnym świecie. W odróżnieniu od Szekspira Cervantesowi udało się pokazać te same procesy zachodzące ze światem i jednostką, tyle że w formie komiksu. Stworzony przez niego obraz Don Kichota – idealnego bohatera żyjącego według własnych praw, zgodnych z powszechnymi wyobrażeniami o dobru i złu, także stał się powszechnie używany.

Jednak idealni bohaterowie mogli istnieć tylko w świecie sztuki, podczas gdy prawdziwy świat nadal żył zgodnie ze swoimi surowymi prawami rodzącego się kapitalizmu, które dyktowały jego podstawy dla ludzkiego społeczeństwa. Nieuniknione jest, że walka bohatera Cervantesa z wiatrakami nie mogła zakończyć się sukcesem, podczas gdy rozważny i oszczędny świeżo upieczony mieszczanin wywoływał tylko śmiech i nic innego jak śmiech.

4.4 Renesans północny

Dzięki szybko rozwijającym się powiązaniom gospodarczym i kulturalnym, wzrostowi zainteresowania oświatą, a także wspólnemu trendowi w rozwoju historii narodów europejskich i kształtowaniu się ich państw, idee i ideały estetyczne włoskiego renesansu rozprzestrzeniły się w całej Europie kontynent na północ od Włoch. Jednocześnie renesans północny nie skopiował tego, co zostało osiągnięte, ale wniósł swój unikalny wkład do renesansu i stworzył własne arcydzieła. W kulturze XV-XVI wieku. w Niemczech, Francji i Holandii sztuka gotycka średniowiecza zachowała się nadal, jednak coraz bardziej zauważalny jest trend ewolucji od scholastycyzmu religijnego w kierunku tworzenia sztuki świeckiej.

Znaczący wkład w sztukę północnego renesansu wnieśli tacy artyści jak Pieter Brueghel i Hieronymus Bosch, których twórczość pozostawała w cieniu przez kilka stuleci, ale już od końca XX wieku. cieszy się coraz większym zainteresowaniem. Holenderski artysta P. Brueghel nazywany jest „chłopem”, a jego obrazów nie da się pomylić z innymi ze względu na szczere zainteresowanie artysty życiem zwykłych chłopów. Brueghel, jak nikt inny, realistycznie wiernie maluje nie tylko same obrazy, ale także środowisko, w którym żyją jego bohaterowie, wykazując zainteresowanie szczegółami chłopskiego życia. Jednak w polu widzenia artysty znajdują się nie tylko wątki z życia chłopskiego, ale także przyroda, która podkreśla naturalność życia plebsu, obcego pałacom oraz pięknym strojom, misternym fryzurom i strojom. Spojrzenie Brueghela nie jest bezstronne: skupia swoją uwagę na codziennych sytuacjach, w których pojawiają się postacie zwykłych i w dużej mierze niedoskonałych ludzi, do których artysta okazuje szczere zainteresowanie i traktuje z ciepłem i zrozumieniem, a często także z ironią (jak np. obrazy „Kraj leniwych ludzi” czy „Taniec chłopski”). Brueghel demonstruje swój kunszt nie tylko w umiejętności kreowania wizerunków swoich współczesnych, których twarze „nie są zniekształcone intelektem”, ale także używa bogatej i ciepłej kolorystyki, która podkreśla stosunek do swoich bohaterów. Oprócz obrazów rodzajowych Brueghel dał światu piękny zimowy krajobraz „Łowcy na śniegu”, który stał się arcydziełem światowej sztuki krajobrazu. A jego słynny obraz „Ślepcy” osiąga symboliczne uogólnienie i głębię w interpretacji obrazów, zwracając uwagę na fakt, że to właśnie niedoskonałość rodzaju ludzkiego, jego ślepota i niewiara, a także inne wady, prowadzą do śmierci. A jak ważne jest, kto jest przewodnikiem człowieka, który prowadzi go po drogach życia – takiego samego jak on – ślepego i nędznego, czy doskonalszego? sztuka kultury zachodnioeuropejskiej

Symboliczne obrazy sztuki wymagają podpowiedzi, wnikliwej znajomości dzieł wielkich artystów, ich biografii, tradycji estetycznych i środowiska historycznego, w którym dzieła powstawały. Nie wszyscy artyści uciekają się do tworzenia obrazów symbolicznych, ale najlepsi z najlepszych. Symbolizacja obrazów była także nieodłączna od innych wybitnych mistrzów północnego renesansu - na przykład I. Boscha i A. Dürera.

Charakterystyczną cechą malarstwa północnego renesansu, w porównaniu z włoskim, było tworzenie pięknych realistycznych portretów Jana van Eycka, Hansa Holbeina Młodszego, Lucasa Cranacha i innych mistrzów malarstwa. Wizerunek osoby w portretach tych artystów jest zauważalnie zintelektualizowany i nabiera coraz bardziej indywidualnych cech. Uwaga artystów coraz częściej skupia się na szczegółach: wyposażenie (wnętrze domu), ubrania, pozy, fryzury itp. stają się ważne i interesujące.

Krajobrazy i sceny rodzajowe z życia codziennego są wyrafinowane i szczegółowe. Sztuka piękna odzwierciedlała trendy, jakie pojawiały się w życiu pojedynczego człowieka tamtych czasów, zainteresowania współczesnych, których potrzeby stawały się coraz bardziej przyziemne i nierzadko zwracali wzrok z grzesznej ziemi na niebo.

Starożytny ideał harmonijnej i doskonałej duszy i ciała człowieka okazał się w dużej mierze niedostępny dla renesansu, a jednocześnie pozostał bardzo atrakcyjny. Jednym z paradoksów i sprzeczności kultury tej epoki było to, że z jednej strony dążyła ona do całkowitego porzucenia poprzedzającej ją kultury religijnej średniowiecza, a z drugiej – do powrotu do religii, reformując ją w zgodnie z nowymi potrzebami społecznymi, nowymi ideałami rodzącej się klasy burżuazyjnej. Sztuka nie mogła nie odzwierciedlić tej sprzeczności.

Pomimo nowości środków artystycznych (perspektywa bezpośrednia, która pozwala oddać objętość na płaszczyźnie, umiejętne wykorzystanie światłocienia, lokalnych kolorów, pojawienie się wciąż warunkowego, ale bardziej realistycznego krajobrazu itp.), artyści renesansu nadal posługiwali się tradycyjnymi tematy mitologiczne. Jednak Madonny i Dzieci tylko w niewielkim stopniu przypominały obraz Matki Bożej. Twarze młodych Włoszek nie wyróżniały się już oświeceniem, nie były zwrócone ku niebu, ale były całkiem realne i pełne życia. I choć wątki i obrazy religijne nadal były przedmiotem sztuki, coraz częściej stawały się jedynie przedmiotem estetycznej kontemplacji, postrzeganej przez współczesne „cielesne oczy”. Malarstwo o tematyce religijnej nie odwoływało się już niczym ikona do modlitewnego skupienia i palenia, a jedynie przypominało o świętej historii, która popadła w zapomnienie.

Kultura renesansu była pod wieloma względami punktem zwrotnym w całej kulturze europejskiej. Odtąd zarówno sztuka, jak i w ogóle cała kultura duchowa, będzie podążać drogą ich desakralizacji, stawiając i rozwiązując zupełnie inne zadania niż w poprzednich epokach. Doprowadzi to do tego, że radziecka sztuka i nauka ostatecznie stracą pełnię duchowego doświadczenia, które posiadały wcześniej.

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Charakterystyka epoki, sztuki i kultury wysokiego renesansu. Główne treści ideologiczne kultury renesansu. Dzieło wielkich artystów. Inteligencja renesansowa. Ideał przedstawicieli kultury renesansu. Absolutyzacja władzy.

streszczenie, dodano 13.09.2008


Historia powstania, charakterystyka i cechy charakterystyczne renesansu, okresy jego rozwoju: wczesny renesans, wysoki renesans i północny. Wpływ renesansu na rozwój nauki, literatury, sztuk pięknych, architektury i muzyki.

prezentacja, dodano 01.05.2012


Periodyzacja renesansu i jego charakterystyka. Specyfika kultury materialnej renesansu. Charakter produkcji przedmiotów kultury materialnej. Główne cechy stylu, artystyczny wygląd epoki. Charakterystyczne cechy kultury materialnej.

praca semestralna, dodana 25.04.2012


Ogólna charakterystyka renesansu i reformacji. Początek przewrotu kulturalnego w Europie. Opis zabytków kultury i sztuki, myślenie estetyczne i artystyczne tego okresu. Malarstwo, literatura, rzeźba i architektura prarenesansu.

prezentacja, dodano 12.03.2013


Społeczne i polityczne oblicze świata renesansu, przedstawiciele i ich rola w duchowym rozwoju społeczeństwa. Znaczenie sztuki, artystyczny charakter epoki. Cechy rozwoju idei renesansu w regionach Europy Zachodniej, Środkowo-Wschodniej.

test, dodano 28.01.2010


Renesans jako ważny etap w rozwoju kultury europejskiej. Sztuki piękne w renesansie. Rozwój polifonii wokalnej i instrumentalnej w muzyce. Oddzielenie poezji od sztuki śpiewu, bogactwo literatury późnego średniowiecza.

prace kontrolne, dodano 12.10.2009


Główne cechy i etapy kultury renesansu. Dante Alighieri i Sandro Botticelli jako najwięksi przedstawiciele wczesnego renesansu. Dzieło Leonarda da Vinci. Cechy i osiągnięcia literatury, architektury, rzeźby i sztuki renesansu.

teza, dodana 27.05.2009


Badanie problematycznych zagadnień renesansu, główną sprzecznością renesansu jest zderzenie ogromnego nowego z wciąż silnym, ugruntowanym i znajomym starym. Geneza i podstawy kultury renesansu. Istota humanizmu renesansowego.

streszczenie, dodano 28.06.2010


Ogólna charakterystyka renesansu, jego cechy charakterystyczne. Główne okresy i człowiek renesansu. Rozwój systemu wiedzy, filozofia renesansu. Charakterystyka arcydzieł kultury artystycznej okresu największego rozkwitu sztuki renesansu.

praca twórcza, dodano 17.05.2010


Przeciwstawienie autorytetu pisarstwa duchowego prawu człowieka do własnego życia i twórczości duchowej. Odrodzenie starożytnej tradycji postrzegania sztuki jako odzwierciedleniem życia. Metoda artystyczna, główne etapy rozwoju sztuki renesansu.