Dziwne obrazy znanych artystów. „Lilie wodne”, Claude Monet. Kuszenie świętego Antoniego. Maciej Grunewald

03.03.2019

Sztuka może być wszystkim. Ktoś widzi piękno natury i przekazuje je pędzlem lub nożem, ktoś robi niesamowite zdjęcia ludzkiego ciała, a ktoś znajduje piękno w okropnym - w tym stylu pracowali Caravaggio i Edvard Munch. współcześni artyści daleko w tyle za ojcami założycielami.

1. Tato

Jugosłowiański Dado urodził się w 1933 roku i zmarł w 2010 roku. Na pierwszy rzut oka jego praca może wydawać się zupełnie zwyczajna, a nawet przyjemna – wynika to z wyboru zabarwienie: Wielu twórców horroru wybiera czerń lub czerwień, a Dado lubił pastelowe odcienie.

Ale przyjrzyj się uważnie obrazom takim jak Wielka farma z 1963 roku czy Piłkarz z 1964 roku, a zobaczysz na nich groteskowe stwory. Ich twarze są pełne bólu lub cierpienia, guzy lub dodatkowe narządy są widoczne na ich ciałach, lub ich ciała są po prostu nieregularny kształt. W rzeczywistości obrazy takie jak „Wielka farma” są znacznie bardziej przerażające niż zwykły horror - właśnie dlatego, że na pierwszy rzut oka nie widać w nich nic strasznego.

2. Keitha Thompsona

Keith Thompson jest bardziej artystą komercyjnym niż artystą. Zaprojektował potwory do Pacific Rim Guillermo Del Toro i Lewiatana Scotta Westerfielda. Jego praca jest wykonana w technice, którą wolisz zobaczyć na kartach Magic: The Gathering niż w muzeum.

Spójrz na jego obraz „Stwór z Prypeci”: potwór składa się z kilku zwierząt i jest strasznie brzydki, ale daje świetne wyobrażenie o technice Thompsona. Potwór ma nawet swoją historię – rzekomo jest produktem Katastrofa w Czarnobylu. Oczywiście potwór jest nieco wymyślony, jakby pochodził prosto z lat pięćdziesiątych, ale to nie czyni go mniej przerażającym.

Fundacja SCP przyjęła to stworzenie jako swoją maskotkę, nazywając je „SCP-682”. Ale w arsenale Thompsona wciąż jest wiele takich potworów, a są jeszcze straszniejsze.

3. Junji Ito

Jeśli chodzi o artystów komercyjnych: niektórzy z nich rysują komiksy. W branży komiksów grozy Junji Ito jest mistrzem. Jego potwory są nie tylko groteskowe: artysta starannie rysuje każdą zmarszczkę, każdą fałdę na ciele stworzeń. To właśnie przeraża ludzi, a nie irracjonalność potworów.

Na przykład w swoim komiksie „Zagadka winy Amigara” rozbiera ludzi i wysyła ich do humanoidalnej dziury w litej skale – im bliżej tej dziury się przyglądamy, tym bardziej przeraża, ale nawet „z daleka” wydaje się to przerażające.

W jego serii komiksów Uzumaki (Spiral) jest facet, który ma obsesję na punkcie spirali. Na początku jego obsesja wydaje się zabawna, a potem przerażająca. Co więcej, staje się przerażający, zanim obsesja bohatera stanie się magią, za pomocą której zamienia człowieka w coś nieludzkiego, ale jednocześnie żywego.

Twórczość Ito wyróżnia się na tle wszystkich japońskich mang – jego „normalne” postacie wyglądają niezwykle realistycznie, a nawet uroczo, a potwory na ich tle wydają się jeszcze bardziej przerażające.

4. Zdzisław Beksiński

Jeśli artysta mówi: „Nie mogę sobie wyobrazić, co oznacza zdrowy rozsądek w malarstwie”, najprawdopodobniej nie maluje kociąt.

Polski malarz Zdzisław Beksiński urodził się w 1929 roku. Przez dziesięciolecia tworzył koszmarne obrazy tego gatunku fantastyczny realizm aż do swojej przerażającej śmierci w 2005 roku (został pchnięty nożem 17 razy). Bardzo owocny okres w jego twórczości przypadły na lata 1960 - 1980: wtedy tworzył bardzo szczegółowe obrazy, które sam nazywał "fotografiami swoich marzeń".

Zdaniem Beksińskiego nie zależało mu na znaczeniu tego czy innego obrazu, ale niektóre jego prace wyraźnie coś symbolizują. Na przykład w 1985 roku stworzył obraz „Trollforgatok”. Artysta dorastał w kraju zniszczonym przez II wojnę światową, więc czarne postacie na obrazie mogą uosabiać polskich obywateli, a głowa może być rodzajem bezwzględnego autorytetu.

Sam artysta twierdził, że nic takiego nie miał na myśli. W rzeczywistości Beksinsky powiedział o tym zdjęciu, że należy je traktować jako żart - tak naprawdę oznacza czarny humor.

5. Wayne'a Barlowa

Tysiące artystów próbowało przedstawić piekło, ale Wayne'owi Barlowowi najwyraźniej się to udało. Nawet jeśli nie słyszałeś jego imienia, prawdopodobnie widziałeś tę pracę. Brał udział w takich filmach jak Avatar Jamesa Camerona (reżyser osobiście go chwalił), Pacific Rim, Harry Potter i więzień Azkabanu czy Harry Potter i Czara Ognia. Ale jedno z jego najwybitniejszych dzieł można nazwać wydaną w 1998 roku książką „Inferno”.

Piekło dla niego to nie tylko lochy z demonicznymi władcami i armiami. Barlow powiedział: „Piekło to całkowita obojętność na ludzkie cierpienie”. Jego demony często się nim interesują ludzkie ciała i dusze i zachowują się bardziej jak eksperymentatorzy - ignorują czyjś ból. Ludzie dla jego demonów wcale nie są przedmiotem nienawiści, ale po prostu środkiem do czczej rozrywki, niczym więcej.

6. Tetsuya Ishida

Na akrylowych obrazach Izydy ludzie często zamieniają się w przedmioty, takie jak opakowania, przenośniki taśmowe, pisuary, a nawet poduszki na hemoroidy. Ma też wizualną ładne zdjęcia gdzie ludzie łączą się z naturą lub uciekają do magicznej krainy swojej wyobraźni. Ale takie prace są znacznie ciemniejsze niż obrazy, na których pracownicy restauracji zamieniają się w manekiny pompujące jedzenie do klientów, jakby obsługiwali samochody na stacji benzynowej.

Niezależnie od opinii o trafności i przenikliwości artysty czy plastyczności jego metafor, nie da się ukryć, że styl jego prac jest niesamowity. Każdy humor w Izydzie idzie w parze z odrazą i strachem. Jego kariera dobiegła końca w 2005 roku, kiedy 31-letni Ishida został potrącony przez pociąg, prawie na pewno popełnił samobójstwo. Jego prace są wyceniane na setki tysięcy dolarów.

7. Dariusza Zawadzkiego

Zawadzki urodził się w 1958 r. Podobnie jak Beksiński, pracuje w stylu przerażającego realizmu fantastycznego. Jego nauczyciele w Szkoła Artystyczna powiedzieli Zavadsky'emu, że nie ma zbyt dobrego wzroku i słabego oka, więc nie może zostać artystą. Cóż, najwyraźniej wyciągnęli pochopne wnioski.

W pracach Zavadsky'ego pojawiają się elementy steampunku: często rysuje stworzenia przypominające roboty, pod sztuczną skórą, pod którą widoczne są działające mechanizmy. Na przykład spójrz na obraz olejny „The Nest” z 2007 roku. Pozy ptaków są takie same jak żywych, ale kadr jest wyraźnie metaliczny, ledwie pokryty strzępami skóry. Obraz może budzić niesmak, ale jednocześnie przyciąga wzrok - chcę wziąć pod uwagę wszystkie szczegóły.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin urodził się w 1973 roku w Emporia w stanie Kansas. Robi przerażające zdjęcia, w których bajki znane z dzieciństwa nabierają strasznych rysów - historię oczywiście można rozpoznać, ale jednocześnie jej sens jest mocno zniekształcony.

Wiele jego prac wygląda na zbyt wyreżyserowane i nienaturalne, by naprawdę przestraszyć. Ale są też cykle fotografii typu "Pickman's Arcydzieła" - to hołd złożony jednemu z bohaterów Lovecrafta, artyście Pickmanowi.

Na zdjęciach z 2008 roku, które możecie zobaczyć tutaj, jest jego córka Chloe. Twarz dziewczyny prawie nie wyraża emocji, a ona prawie nie patrzy w stronę publiczności. Straszny kontrast: rodzinne zdjęcie na stoliku nocnym dziewczyna w różowej piżamie - i ogromne karaluchy.

9. Patrycja Piccinini

Rzeźby Piccininiego czasami bardzo się od siebie różnią: niektóre rzeźby to motocykle o nieregularnych kształtach, inne to dziwne balony z gorącym powietrzem. Ale głównie tworzy rzeźby, z którymi bardzo, bardzo niewygodnie jest stać w tym samym pokoju. Nawet na zdjęciach wyglądają przerażająco.

W pracy Indivisible z 2004 roku humanoid jest przyciskany do pleców normalnego ludzkiego dziecka. Najbardziej niepokojący jest element zaufania i przywiązania - tak jakby niewinność dziecka została okrutnie wykorzystana, by mu zaszkodzić.

Oczywiście praca Piccininiego jest krytykowana. Mówili nawet o „Niepodzielnym”, że to nie była rzeźba, ale jakieś prawdziwe zwierzę. Ale nie – to tylko wytwór jej wyobraźni, a artystka nadal tworzy swoje prace z włókna szklanego, silikonu i włosów.

10. Marka Powella

Praca Australijczyka Marka Powella jest naprawdę szokująca. Jego wystawa z 2012 roku to seria kompozycji, w których fantastyczne stworzenia ewoluują, pożerają i oddzielają się od siebie. własne ciała, rozmnażać się i zanikać. Tekstury stworzeń i otoczenia są niezwykle przekonujące, a mowa ciała postaci jest precyzyjnie dobrana, aby sytuacje wyglądały jak najbardziej zwyczajnie – a przez to przekonująco.

Oczywiście internet nie mógł nie oddać hołdu artystce. Wspomniana „Fundacja SCP” wzięła ohydnego potwora z powyższego obrazka i uczyniła go częścią historii zatytułowanej „Ciało, które nienawidzi”. Z jego twórczością wiąże się również wiele opowieści grozy.

Od niepamiętnych czasów człowieka pociągała kreatywność. Począwszy od malowideł naskalnych przedstawiających mamuty i bogów, malowanych naczyń glinianych, fresków ściennych, skończywszy na arcydziełach Sztuka współczesna którą mamy okazję podziwiać każdego dnia. Wszyscy malarze, poszukując niezwykłości, starają się wnieść do stylu coś niepowtarzalnego i różnorodnego. Ktoś zwraca uwagę na najdrobniejsze szczegóły, ktoś szuka nowych odcieni i wątków, ale tam wiersz niezwykli artyści która postanowiła zaskoczyć świat nie tylko pędzlem.

Artysta malujący deszcz

Kilka lat temu 30-letni awangardowy artysta Leandro Granato stał się prawdziwym skarbem w Argentynie. Artysta wymyślił dość niezwykła technika nakładanie farby na płótno - przez kanał łzowy. Facet od dzieciństwa wiedział, jak wciągać wodę do nosa i natychmiast wyrzucać ją przez oczy.

Kiedy zabrakło inspiracji, Leandro postanowił spróbować właśnie takiej techniki rysunkowej. I nie zgadłem. Jego obrazy kosztują od 2000 $ i bardzo szybko się wyprzedają. Co ciekawe, aby stworzyć jeden taki obraz, Granato zużywa 800 ml farby na każdy oczodół. Argentyńczyk opracował nawet specjalną nieszkodliwą farbę do oczu, która według lekarzy nie wpływa w żaden sposób na zdrowie artysty.

Dwa palce w buzi i wszystko minie

Millie Brown od wielu lat kieruje się mottem „każda sztuka ma prawo istnieć”. A wszystko dlatego, że sposób pisania obrazów artysty zupełnie nie mieści się w przyjętych ramach.

Dziewczyna, bez względu na to, jak brzydko to zabrzmi, rysuje wymiocinami. Millie połyka mleko sojowe w określonych odstępach czasu, a potem robi się chora. Farba naturalnie wychodzi, tworząc „specjalne wzory”. Co dziwne, roboty artystki zyskują coraz większą popularność, a wśród jej oddanych fanów można spotkać nawet samą Miss Outrageous - Lady Gagę.

Obrazy z piersiami czwartego rozmiaru

Ekstrawagancja zasłynęła także z amerykańskiej kochanki Kiry Ein Vayzerdzhi. Jej wydatne piersi pomagają jej tworzyć płótna za co najmniej 1000 $ za sztukę. Dziewczyna stała się innowatorką w tej technice i ma już dziesiątki naśladowców na całym świecie. Kira sama tłumaczy tak dziwne podejście do malowania faktem, że skrzynia pozwala na nakładanie farby pod zupełnie różnymi kątami i łatwiej wciela w życie wszystkie pomysły artysty.

„Sztuka penisa”

Innym mistrzem, który wykorzystuje swoje ciało jako narzędzie do malowania i zarabiania pieniędzy, jest Australijczyk Tim Patch. Pędzlem dla oburzającego artysty jest jego godność. Sam Tim, bez przesadnej skromności, prosi o nazywanie go „Pricasso” (od angielskiego „kutas” – „kutas”) i pozycjonuje swoją pracę jako pierwszą „sztukę penisa” w historii. Australijczyk poza techniką aplikacji zasłynął z tego, że podczas pracy zakłada jedynie melonik o koniecznie srebrnym lub różowym kolorze.

Nigeryjskie dziedzictwo i odchody słoni

Angielski twórca Chris Ofili jest jednym z najjaśniejszych wielbicieli nigeryjskiej kultury. Wszystkie jego obrazy są wręcz nasycone duchem Afryki, nigeryjską kulturą, seksem i odchodami słoni. Zamiast farby Ofili używa obornika. Oczywiście, aby uniknąć zapachów, much i zniszczonych obrazów, surowce poddawane są specjalnej obróbce chemicznej, ale fakt pozostaje faktem.

„Blues pisany krwią”

Brazylijski malarz Vinicius Quesada poszedł jeszcze dalej i zaszokował publiczność kolekcją obrazów Blues pisany krwią. Ostatni i w dosłownie słowa. Aby stworzyć te arcydzieła, artysta potrzebował trzech kolorów: czerwonego, żółtego i niebieskiego. Pierwszy autor zdecydował się na ekstrakcję z własnych żył.

Co dwa miesiące Quesada trafia do szpitala, gdzie lekarze pobierają od niego 480 mililitrów krwi, by tworzyć arcydzieła. Kiedy kibice ofiarowują geniuszowi swoją krew zamiast farby, on wysyła ich do punktów poboru krwi dla chorych, bo uważa, że krwiodawstwo jest ważniejsze niż sztuka.

sztuka podwodna

Oleg Nebesny z Kijowa jest jednym z nielicznych artystów na świecie, którzy postanowili połączyć swoje dwa ulubione hobby: nurkowanie i rysowanie. Oleg rysuje obrazy na głębokości od 2 do 20 metrów i tłumaczy to tym, że całe piękno podwodny świat może przyciągnąć tylko wzrok i tylko chwilę. Artysta tworzy swoje prace w zaledwie 40 minut. Przed rozpoczęciem na płótno nakłada się wodoodporny klej (aby farba nie została zmyta z płótna). Między innymi kolory na głębokości wydają się zupełnie inne. A brązowy na powierzchni może nawet stać się szkarłatny.

Oleg Heavenly tak bardzo kocha to, co robi, że otworzył nawet szkołę rysunek podwodny i dzieli się ze wszystkimi tajemnicą niezwykle pięknych płócien malowanych na dnie morza. On wraz z Rosyjski artysta Denis Lotarev dostał się do Księgi Rekordów Guinnessa jako autorzy największego obrazu pod wodą.

Popiół i malowanie

Val Thompson przekroczył wszelkie moralne tabu. Kobieta malarstwo piękne płótna poprzez dodanie do farby prochów osób poddanych kremacji. Jej obrazy są sprzedawane w tysiącach, a klienci zostawiają entuzjastyczne recenzje na stronach internetowych. Pierwszy robot Val powstał dla sąsiada Anny Kiri po śmierci jej męża Johna. Płótno przedstawiało bezludną rajską plażę, na której John najbardziej lubił spędzać czas. Obraz wywołał taki rozgłos, że Val otworzyła nawet własną firmę, Ashes for Art.

Obrazy z duszą i ciałem

To, co uważamy za prawdziwe nieszczęście, Alison Cortson zdołała wykorzystać jako materiał do swojej pracy. 38-letnia Amerykanka rysuje swoje obrazy najzwyklejszym kurzem. Co ciekawe, Alison zbiera materiał z odkurzaczy, półek i szafek samych klientów. Artystka mówi, że wybrała tak dziwny materiał ze względu na fakt, że kurz domowy składa się w 70% ze skóry mieszkańców domu. Dlatego możemy śmiało powiedzieć, że jej obrazy są nie tylko z duszą, ale także z ciałem.

Dzieła sztuki menstruacyjnej

Bardzo wrażliwych czytelników prosimy o pominięcie ostatniego punktu naszej dygresji na temat sztuki nietradycyjnej. Hawajska artystka Lani Beloso cierpi na krwotok miesiączkowy, powszechną przypadłość kobiet, czyli obfite miesiączki, i postanowiła wykorzystać to zjawisko w swoich obrazach. Jak do tego doszła, nie wiadomo. Początkowo „artysta” po prostu usiadł nad płótnem, a sama krew malowała pewne obrazy. Później Lani zaczęła co miesiąc zbierać materiały i rysować z nich obrazki. Więc dziewczyna stworzyła 13 obrazów w porządek chronologiczny, jakby pokazując opinii publicznej, ile krwi traci w ciągu roku.

Najgorsze jest to, że to nie cała lista osób, które zdecydowały się odejść od przyjętych kanonów. Jeśli więc nagle zostaniesz artystą i postanowisz przyczynić się do rozwoju sztuki, obawiam się, że trudno będzie Ci szukać oryginalnych pomysłów.

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Ale niektóre zdjęcia są dziwniejsze niż inne.
Niektóre dzieła sztuki wydają się uderzać widza w głowę, oszołomiony i zdumiewający. Niektóre z nich wciągają w zadumę i poszukiwanie warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy są owiane tajemnicą i mistyczne zagadki, a niektóre - zaskakujące wygórowane ceny.

Bright Side dokładnie przejrzało wszystkie najważniejsze osiągnięcia światowej sztuki i wybrało z nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. W selekcji nie ma obrazów Salvadora Dali, których prace w pełni mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel
Galeria Narodowa, Oslo

Krzyk jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie. Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na krzyk otaczającego go świata i natury. Munch napisał cztery wersje Krzyku i istnieje wersja, w której ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po kuracji w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując wyczerpanie, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – opowiadał o historii obrazu Edvard Munch.

„Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”

Paul Gauguin. 1897-1898, olej na płótnie
Muzeum sztuki piękne, Boston

Zgodnie z zaleceniami samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem reprezentują początek życia; grupa średnia symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z koncepcją artysty, „ staruszka, zbliżając się do śmierci, wydaje się pogodzona i pogrążona w myślach”, u jej stóp „obcy biały ptak... reprezentuje daremność słów”.

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został napisany przez niego na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Pod koniec pracy chciał nawet popełnić samobójstwo, bo: „Wierzę, że to płótno jest nie tylko lepsze od wszystkich moich poprzednich, i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego ani nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.

„Guernica”

Pablo Picasso. 1937, olej na płótnie
Muzeum Królowej Zofii w Madrycie

"Guernica" przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezsilności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego 6-tysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc - pierwsze dni pracy nad obrazem, Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach widać było główną ideę. To jest jeden z najlepsze ilustracje koszmar faszyzmu i ludzkie okrucieństwo i smutek.

„Portret Arnolfinich”

Jana van Eycka. 1434, olej na drewnie
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż po podpis „Jan van Eyck tu był”, co uczyniło go nie tylko dziełem sztuki, ale dokumentem historycznym potwierdzającym prawdziwe wydarzenie, w którym uczestniczyli przez artystę.

Portret, prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfiniego i jego żony, jest jednym z najbardziej złożone prace zachodnia szkoła malarstwa Północny renesans. W Rosji ostatnie lata obraz zyskał dużą popularność dzięki portretowemu podobieństwu Arnolfiniego do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie
Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Wrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnych wyobrażeń o tym, jak powinien wyglądać zły duch. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Tragicznie splatając ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla powściągliwość postaci demona, jakby wciśniętej między górną i dolną poprzeczkę ramy.

Sam artysta mówił o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle zły duch, co cierpiący i żałosny, przy tym duch dominujący, majestatyczny”.

„Apoteoza wojny”

Wasilij Wereszczagin. 1871, olej na płótnie
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz dostrzegać ludzi, ich losy i losy tych, którzy już tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”. Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. jasne niebieskie niebo podkreśla martwotę obrazu. Ideę „apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale wojny i bitwy malował nie dlatego, że je kochał. Przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Vereshchagin w ferworze emocji wykrzyknął: „Więcej obrazy bitewne Nie będę pisać - to wszystko! To, co piszę, biorę sobie zbyt blisko serca, wykrzykuję (dosłownie) żal każdego rannego i zabitego. „Prawdopodobnie skutkiem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz„ Apoteoza wojny ”, który przedstawia pole, wrony i góra ludzkich czaszek.

"Amerykański gotyk"

Granta Wooda. 1930, olej. 74×62 cm
Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne ubranie nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniach rolnika powtarzające kształt wideł, a więc groźba skierowana do każdego kto wkracza. Wszystkie te szczegóły można oglądać w nieskończoność i kulić się z dyskomfortu. „Amerykański gotyk” jest jednym z najbardziej rozpoznawalne obrazy w sztuce amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX wieku i XXI wiek. Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „gotyk” za „humorystyczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie urażeni przez Wooda za pokazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

"Zakochani"

Rene Magritte'a. 1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) istnieje w dwóch wersjach. Na jednej całują się mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są białym obrusem, a na drugiej „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Dzięki dwóm postaciom bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie w każdym znaczeniu: zakochani nikogo nie widzą, my ich nie widzimy prawdziwe twarze a my, a poza tym kochankowie - tajemnica nawet dla siebie. Ale z tą pozorną jasnością nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie można całkowicie rozwiązać, ponieważ stawiają pytania o samą istotę bytu. Magritte cały czas mówi o ułudzie widzialnego, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy.

"Chodzić"

Marca Chagalla. 1917, olej na płótnie
Państwowa Galeria Trietiakowska

„Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana szybuje w przestworzach i wygląda, jakby została wciągnięta do lotu i Chagalla, który stoi niepewnie na ziemi, jakby dotykał jej tylko czubkami butów. W drugiej ręce Chagall ma cycek – jest szczęśliwy, w dłoniach ma cycek (chyba jego obraz), a na niebie żurawia. Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości.

"Ogród ziemskie przyjemności"

Hieronima Boscha. 1500-1510, olej na drewnie
Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” słynny tryptyk Hieronim Bosch, który wziął swoją nazwę od tematu części środkowej, poświęcony jest grzechowi zmysłowości. Obraz pełen jest przezroczystych postaci, fantastycznych budowli, potworów, które stały się halucynacjami, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle ostrym spojrzeniem.

Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz życia ludzkiego przez pryzmat jego marności i obrazów ziemska miłość, inni - triumf zmysłowości. Jednak niewinność i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, każą wątpić, czy jego treścią może być gloryfikacja cielesnych uciech. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną prawdziwą.

„Trzy wieki kobiety”

Gustawa Klimta. 1905, olej na płótnie
Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety jest w nim zapisana trzema postaciami: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w ozdobę życia, stara kobieta wyróżnia się od niej. Kontrast między stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem staruszki nabiera symbolicznego znaczenia: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia - niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością. Płótno nie odpuszcza, wnika w duszę i skłania do refleksji nad głębią przekazu artysty, głębią i nieuchronnością życia.

"Rodzina"

Egona Schielego. 1918, olej na płótnie
Galeria Belvedere, Wiedeń

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego pracach jest dużo tego, co można by nazwać pornografią, różnych perwersji, naturalizmu, a zarazem bolesnej rozpaczy. „Rodzina” to jego najnowsza praca, w której rozpacz doprowadzona jest do absolutu, mimo że jest to najmniej dziwaczne jego zdjęcie. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na grypę hiszpankę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edith, udało mu się narysować ją, siebie i ich urodzone dziecko.

„Dwie Fridy”

Frida Kahlo. 1939

Fabuła ciężkie życie Meksykańska artystka Frida Kahlo stała się szeroko znana po wydaniu filmu „Frida” z Salmą Hayek w Wiodącą rolę. Kahlo malował głównie autoportrety i tłumaczył to po prostu: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu sam i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”. Frida Kahlo nie uśmiecha się na żadnym autoportrecie: poważna, wręcz smutna twarz, zrośnięte grube brwi, lekko zauważalny wąs na mocno zaciśniętych ustach. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycje narodowe i jest ściśle powiązany z indyjską mitologią okresu przedhiszpańskiego. W jednym z najlepszych obrazów – „Dwóch Fridach” – wyraziła męskie i żeńskie zasady, połączone w niej jednym układem krążenia, demonstrując jej integralność.

„Most Waterloo. Efekt mgły”

Claude Monet. 1899, olej na płótnie
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube kreski olejne. Cała magia pracy ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna na dużą odległość. Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodzące przez środek obrazu, potem widzimy wyraźne zarysy łodzi i po przesunięciu się na odległość około dwóch metrów wszystkie prace łączące są ostro rysowane przed nami i układają się w logiczny łańcuch.

„Numer 5, 1948”

Jacksona Pollocka. 1948, płyta pilśniowa, olej

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego lidera abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował wylewając farbę na kawałek płyty pilśniowej rozłożonej na podłodze, jest najdroższym obrazem świata. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacili za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi. „Wciąż odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztalugi, paleta i pędzle. Wolę patyki, miarki, noże i farbę do wylewania lub mieszankę farby z piaskiem, tłuczonym szkłem czy czymś takim. Kiedy jestem w środku malarstwa, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmiany lub zniszczenia obrazu, ponieważ obraz żyje własnym życiem. Po prostu pomagam mu wyjść. Ale jeśli przegram kontakt z obrazem wychodzi na jaw, brud i bałagan. Jeśli nie, to czysta harmonia, lekkość tego, jak bierzesz i dajesz."

„Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”

Joan Miro. 1935, miedź, olej
Fundacja Joana Miro, Hiszpania

Dobry tytuł. I kto by pomyślał, że to zdjęcie mówi nam o okropnościach wojny domowe. Obraz powstał na blasze miedzianej w tygodniu między 15 a 22 października 1935 roku. Według Miro jest to efekt próby zobrazowania tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokojów. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę, którzy obejmują się nawzajem ramionami, ale się nie poruszają. Powiększone genitalia i złowieszcze kolory zostały opisane jako „pełne obrzydzenia i obrzydliwej seksualności”.

"Erozja"

Jacek Yerka

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swojego niesamowite zdjęcia w którym rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać jego niezwykle szczegółowe i do pewnego stopnia wzruszające prace jeden po drugim, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jeden - aby zilustrować jego wyobraźnię i kunszt. Polecamy przeczytać więcej.

„Ręce mu się opierają”

Billa Stonehama. 1972

Tej pracy oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwna, jest faktem. Wokół obrazka z chłopcem, lalką i dłońmi przyciśniętymi do szyby krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice. Artysta natomiast zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linia dzieląca między światem realnym a światem marzeń, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca przez ten świat. Ręce reprezentują alternatywne życie lub możliwości. Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 r., kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią, według której obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami od przerażające historie i domaga się spalenia obrazu.

Dzieła sztuki potrafią dostarczyć całej gamy emocji. Niektóre zdjęcia sprawiają, że patrzysz na nie godzinami, podczas gdy inne dosłownie szokują, zadziwiają i wysadzają w powietrze Twój światopogląd. Istnieją arcydzieła, które zmuszają do myślenia i poszukiwania sekretne znaczenie. Niektóre obrazy owiane są mistycznymi tajemnicami, podczas gdy w innych najważniejsza jest ich niebotycznie wysoka cena.

W historii malarstwa światowego jest wiele dziwnych obrazów. W naszym rankingu celowo pominiemy Salvadora Dali, który był mistrzem tego gatunku i którego nazwisko jako pierwsze przychodzi na myśl. I choć samo pojęcie obcości jest subiektywne, można wyróżnić te znane dzieła, które wyraźnie wyróżniają się.

Edvard Munch „Krzyk” Dzieło o wymiarach 91x73,5 cm powstało w 1893 roku. Munch namalował go olejami, pastelami i temperą, dziś obraz jest przechowywany Galeria Narodowa Osło. Twórczość artysty stała się kamieniem milowym dla impresjonizmu, jest generalnie jednym z najsłynniejszych współczesnych obrazów na świecie. Sam Munch opowiedział historię jego powstania w ten sposób: "Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. W tym czasie słońce zachodziło. Nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując wyczerpanie, i oparłem się o płot. Patrzyłem na krew i płomienie nad niebieskawym „czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem tam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę”. Istnieją dwie wersje interpretacji narysowanego znaczenia. Można uznać, że przedstawiona postać ogarnia przerażenie i bezgłośnie krzyczy, przyciskając dłonie do uszu. Inna wersja mówi, że mężczyzna zatkał uszy przed otaczającym go krzykiem. W sumie Munch stworzył aż 4 wersje „Krzyku”. Niektórzy eksperci uważają, że ten obraz jest klasyczną manifestacją psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Kiedy Munch był leczony w klinice, nie wrócił do tego płótna.

Paul Gauguin „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”. W Muzeum Bostońskie sztuk pięknych można znaleźć tę impresjonistyczną pracę o wymiarach 139,1x374,6 cm, namalowaną olejem na płótnie w latach 1897-1898. To głębokie dzieło zostało napisane przez Gauguina na Tahiti, gdzie wycofał się z zgiełku paryskie życie. Obraz stał się dla artysty tak ważny, że pod koniec chciał nawet popełnić samobójstwo. Gauguin uważał, że była o głowę i ramiona najlepsza, jaką stworzył wcześniej. Artysta uważał, że nie jest już w stanie stworzyć czegoś lepszego lub podobnego, po prostu nie ma już do czego dążyć. Gauguin przeżył kolejne 5 lat, udowadniając prawdziwość swoich sądów. Sam powiedział, że jego główny obraz należy oglądać od prawej do lewej. Znajdują się na nim trzy główne grupy postaci, które uosabiają pytania, którymi płótno jest zatytułowane. Trzy kobiety z dzieckiem przedstawiają początek życia, pośrodku ludzie symbolizują dojrzałość, natomiast starość reprezentuje starsza kobieta, która czeka na swoją śmierć. Wygląda na to, że pogodziła się z tym i myśli o czymś własnym. U jej stóp jest biały ptak, symbolizujący bezsensowność słów.

Pablo Picasso „Guernica” Dzieło Picassa jest przechowywane w Muzeum Królowej Zofii w Madrycie. Duży obraz rozmiar 349 na 776 cm namalowany olejem na płótnie. Ten fresk na płótnie powstał w 1937 roku. Zdjęcie opowiada o nalocie faszystowskich pilotów-ochotników na miasto Guernica. W wyniku tych wydarzeń 6-tysięczne miasto zostało doszczętnie zmiecione z powierzchni ziemi. Artysta stworzył ten obraz w zaledwie miesiąc. Na początku Picasso pracował po 10-12 godzin, w jego pierwszych szkicach można było już zobaczyć główny pomysł. W rezultacie obraz stał się jedną z najlepszych ilustracji wszystkich okropności faszyzmu, okrucieństwa i ludzkiego żalu. W "Guernicy" można dostrzec scenę okrucieństwa, przemocy, śmierci, cierpienia i bezsilności. Chociaż przyczyny tego nie są wyraźnie określone, wynikają one z historii. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został nawet wezwany do gestapo w Paryżu. Natychmiast zapytano go: „Zrobiłeś to?”. Na co artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.

Jan van Eyck „Portret Arnolfinich”. Obraz ten został namalowany w 1434 roku olejem na drewnie. Wymiary arcydzieła to 81,8 x 59,7 cm i jest ono przechowywane w londyńskiej Galerii Narodowej. Przypuszczalnie obraz przedstawia Giovanniego di Nicolao Arnolfiniego z żoną. Dzieło należy do najtrudniejszych w zachodniej szkole malarstwa w okresie renesansu północnego. Na tym słynnym obrazie świetna ilość symbole, alegorie i różne wskazówki. Co to jest tylko podpis artysty „Jan van Eyck był tutaj”. W rezultacie obraz jest nie tylko dziełem sztuki, ale prawdziwym dokumentem historycznym. W końcu przedstawia prawdziwe wydarzenie, które uchwycił van Eyck. To zdjęcie w Ostatnio stał się bardzo popularny w Rosji, ponieważ gołym okiem widać podobieństwo Arnolfiniego do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się to arcydzieło Michaiła Wrubela, namalowane olejami w 1890 roku. Wymiary płótna to 114x211 cm Przedstawiony tu demon jest zaskakujący. Pojawia się jako smutny młody człowiek z długie włosy. Zwykle ludzie nie wyobrażają sobie złych duchów w ten sposób. Sam Vrubel powiedział o swoim najsłynniejszym płótnie, że w jego rozumieniu demon nie jest tak bardzo zły duch ile cierpienia. Jednocześnie nie można mu odmówić autorytetu i majestatu. Demon Vrubla jest obrazem przede wszystkim ludzkiego ducha, panującego w nas nieustannej walki z samym sobą i wątpliwościami. To stworzenie, otoczone kwiatami, tragicznie złożyło ręce, jego wielkie oczy patrzą smutno w dal. Cała kompozycja wyraża powściągliwość postaci demona. To tak, jakby był wciśnięty w ten obraz między górną i dolną część ramy obrazu.

Wasilij Vereshchagin „Apoteoza wojny”. Obraz został namalowany w 1871 roku, ale autor zdawał się przewidywać w nim okropności przyszłych wojen światowych. Płótno o wymiarach 127x197 cm jest przechowywane w Galerii Trietiakowskiej. Vereshchagin jest uważany za jednego z najlepszych malarzy batalistycznych w malarstwie rosyjskim. Nie pisał jednak wojen i bitew, bo je kochał. Artysta poprzez sztukę starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Vereshchagin obiecał nawet, że nie będzie już pisać obrazów bitewnych. W końcu artysta zbyt mocno brał do serca żal każdego rannego i zabitego żołnierza. Efektem tak serdecznego podejścia do tego tematu była „Apoteoza wojny”. Przerażający i urzekający obraz przedstawia górę ludzkich czaszek na polu z krukami wokół. Vereshchagin stworzony płótno emocjonalne, za każdą czaszką w ogromnym stosie można prześledzić historię i losy jednostek i osób im bliskich. Sam artysta sarkastycznie nazwał ten obraz martwą naturą, ponieważ przedstawia martwą naturę. Wszystkie detale „Apoteozy wojny” krzyczą o śmierci i pustce, widać to nawet na żółtym tle ziemi. A błękit nieba tylko podkreśla śmierć. Ideę okropności wojny podkreślają dziury po kulach i ślady szabli na czaszkach.

Granta Wooda „Amerykański gotyk”. Ten mały obraz o wymiarach 74 na 62 cm powstał w 1930 roku i jest obecnie przechowywany w Instytucie Sztuki w Chicago. Malarstwo jest jednym z najbardziej słynne przykłady Sztuka amerykańska ubiegłego wieku. Już w naszych czasach nazwa „ amerykański gotyk"często wspominane w mediach. Obraz przedstawia raczej ponurego ojca i jego córkę. Liczne szczegóły mówią o surowości, purytanizmie i sztywności tych ludzi. Mają niezadowolone twarze, na środku obrazu pojawiły się agresywne widły, a para ubrania są staromodne nawet jak na ówczesne standardy.Nawet szew na ubraniach rolnika powtarza kształt wideł, podwajając zagrożenie dla tych, którzy wkraczają w jego styl życia.Szczegóły obrazu można studiować w nieskończoność, fizycznie czując dyskomfort. Ciekawostką jest, że swego czasu na konkursie w Instytucie Sztuki w Chicago obraz został uznany przez jurorów za humorystyczny. A tutaj mieszkańcy Iowa obrazili artystę za postawienie ich w tak nieestetycznej perspektywie. Siostra Woody zagrała jako wzór dla kobiety, ale dentysta malarza stał się pierwowzorem gniewnego mężczyzny.

Miłośnicy Rene Magritte'a. Obraz został namalowany w 1928 roku techniką olejną na płótnie. W tym przypadku są dwie opcje. Na jednym z nich mężczyzna i kobieta całują się, tylko ich głowy są owinięte białym suknem. W innej wersji obrazu zakochani patrzą na widza. Rysuje i zaskakuje, i fascynuje. Postacie bez twarzy symbolizują ślepotę miłości. Wiadomo, że zakochani nie widzą nikogo w pobliżu, ale nie możemy zobaczyć ich prawdziwych uczuć. Nawet dla siebie nawzajem ci ludzie, zaślepieni uczuciem, są właściwie tajemnicą. I choć główne przesłanie obrazu wydaje się jasne, „Kochankowie” wciąż każą na nie patrzeć i myśleć o miłości. Ogólnie rzecz biorąc, prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których rozwiązanie jest całkowicie niemożliwe. W końcu te płótna stawiają główne pytania o sens naszego życia. Artysta mówi w nich o iluzoryczności tego, co widzimy, o tym, że wokół nas jest wiele tajemniczych rzeczy, których staramy się nie zauważać.

Marc Chagall „Spacer”. Obraz został namalowany olejem na płótnie w 1917 roku, obecnie jest przechowywany w Państwie Galerii Trietiakowskiej. W swoich pracach Marc Chagall jest zwykle poważny, ale tutaj pozwolił sobie na okazanie uczuć. Obraz wyraża osobiste szczęście artysty, jest pełen miłości i alegorii. Jego „Spacer” to autoportret, na którym Chagall przedstawia obok siebie swoją żonę Bellę. Jego wybranka szybuje w przestworzach, ma zamiar wciągnąć tam artystę, który już prawie unosi się nad ziemią, dotykając jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce mężczyzny jest sikorka. Można powiedzieć, że tak Chagall przedstawiał swoje szczęście. Ma na niebie żurawia w postaci ukochanej kobiety, aw rękach sikorkę, przez co miał na myśli swoją pracę.

Hieronima Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. To płótno o wymiarach 389x220 cm znajduje się w Hiszpańskim Muzeum Pravo. Bosch namalował obraz olejny na drewnie między 1500 a 1510 rokiem. To najsłynniejszy tryptyk Boscha, choć obraz składa się z trzech części, swoją nazwę zawdzięcza centralnej, poświęconej zmysłowości. Wokół znaczenia dziwny obraz toczą się ciągłe spory, nie ma takiej interpretacji, która zostałaby uznana za jedyną prawdziwą. Zainteresowanie tryptykiem pojawia się z powodu wielu małe części który wyraża główną myśl. Są tu przezroczyste postacie, niezwykłe budowle, potwory, koszmary i wizje, które się spełniły, piekielne wariacje rzeczywistości. Artysta potrafił spojrzeć na to wszystko bystrym i badawczym spojrzeniem, udało mu się połączyć odmienne elementy w jedno płótno. Niektórzy badacze próbowali dostrzec na zdjęciu odbicie życie człowieka co autor uznał za bezsensowne. Inni znaleźli obrazy miłości, ktoś triumf zmysłowości. Wątpliwe jest jednak, aby autor próbował gloryfikować cielesne przyjemności. W końcu postacie ludzi są przedstawiane z zimnym dystansem i niewinnością. Tak, a władze kościelne dość przychylnie zareagowały na ten obraz Boscha.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety” Ten obraz znajduje się w Narodowej Galerii Sztuki Nowoczesnej w Rzymie. Kwadratowe płótno o szerokości 180 cm zostało namalowane olejem na płótnie w 1905 roku. Ten obraz wyraża jednocześnie radość i smutek. Artysta w trzech postaciach potrafił pokazać całe życie kobiety. Pierwszy, jeszcze dziecko, jest niezwykle beztroski. Dojrzała kobieta wyraża spokój, a ostatni wiek symbolizuje rozpacz. Jednocześnie średniowiecze jest organicznie wplecione w ozdobę życia, a stare wyraźnie wyróżnia się na jego tle. Wyraźny kontrast między młodą kobietą a starszą jest symboliczny. Jeśli rozkwitowi życia towarzyszą liczne możliwości i zmiany, to ostatnia faza to faza zakorzenionej stałości i konfliktu z rzeczywistością. Taki obraz przyciąga uwagę i skłania do zastanowienia się nad intencją artysty, nad jej głębią. Zawiera całe życie z jego nieuchronnością i metamorfozami.

Egon Schiele „Rodzina”. To płótno o wymiarach 152,5 x 162,5 cm zostało namalowane olejem w 1918 roku. Teraz jest przechowywany w wiedeńskim Belwederze. Nauczycielem Schielego był sam Klimt, jednak uczeń nie starał się pilnie go naśladować, szukając własnych środków wyrazu. Można śmiało powiedzieć, że twórczość Schielego jest jeszcze bardziej tragiczna, przerażająca i dziwna niż twórczość Klimta. Niektóre elementy dziś nazwalibyśmy pornograficznymi, jest tu wiele różnych perwersji, naturalizm obecny jest w całym swoim pięknie. Jednocześnie zdjęcia są dosłownie przesiąknięte jakąś bolesną rozpaczą. Szczyt kreatywności Schiele i on sam ostatnie zdjęcie jest „Rodzina”. W tym płótnie rozpacz jest doprowadzona do maksimum, a sama praca okazała się dla autora najmniej dziwna. Po tym, jak ciężarna żona Schielego zmarła na grypę hiszpankę, a krótko przed jego śmiercią, powstało to arcydzieło. Między dwoma zgonami minęły zaledwie 3 dni, to wystarczyło, by artysta przedstawił się z żoną i nienarodzonym dzieckiem. W tym czasie Schiele miał zaledwie 28 lat.

Frida Kahlo „Dwie Fridy” Obraz narodził się w 1939 roku. Meksykański artysta Frida Kahlo stała się sławna po wydaniu filmu o niej z Salmą Hayek w roli tytułowej. Podstawą twórczości artystki były jej autoportrety. Sama tak tłumaczyła ten fakt: „Piszę sama, bo dużo czasu spędzam sama i dlatego, że to ja jestem tematem, który znam najlepiej”. Ciekawe, że Frida nie uśmiecha się na żadnym ze swoich płócien. Jej twarz jest poważna, a nawet nieco smutna. Zrośnięte grube brwi i ledwo zauważalny wąs nad zaciśniętymi ustami wyrażają maksymalną powagę. Idee obrazów tkwią w postaciach, tle i szczegółach tego, co otacza Fridę. Symbolika obrazów oparta jest na narodowych tradycjach Meksyku, ściśle splecionych z dawną mitologią indyjską. „Dwie Fridy” to jedno z najlepszych zdjęć Meksykanina. W niej oryginalny sposób zasady męskie i żeńskie są wyświetlane, mając pojedynczą układ krążenia. W ten sposób artysta ukazał jedność i integralność tych dwóch przeciwieństw.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”. W Ermitażu w Petersburgu można znaleźć ten obraz Moneta. Został namalowany olejem na płótnie w 1899 roku. Na dokładne badanie na obrazie pojawia się jako fioletowa plama z nałożonymi na nią grubymi pociągnięciami. Jednak odsuwając się od płótna, widz rozumie całą jego magię. Początkowo widoczne stają się niewyraźne półkola przechodzące przez środek obrazu, pojawiają się zarysy łodzi. A już z odległości kilku metrów widać wszystkie elementy obrazu, które łączą się w logiczny łańcuch.

Jacksona Pollocka „Numer 5, 1948”. Pollock to klasyka gatunku abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Jego najbardziej słynny obraz jest zdecydowanie najdroższy na świecie. A artysta namalował to w 1948 roku, po prostu wylewając farba olejna na płycie pilśniowej o wymiarach 240x120 cm do podłogi. W 2006 roku ten obraz został sprzedany w Sotheby's za 140 milionów dolarów. Poprzedni właściciel, kolekcjoner i producent filmowy David Giffen, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi. Pollock powiedział, że postanowił odejść od tak znanych narzędzi artysty, jak sztalugi, farby i pędzle. Jego narzędziami były kije, noże, łopaty i wylewanie farby. Stosował również jego mieszankę z piaskiem lub nawet potłuczonym szkłem. Zaczynając tworzyć. Pollock oddaje się inspiracji, nawet nie zdając sobie sprawy z tego, co robi. Dopiero wtedy przychodzi urzeczywistnienie doskonałości. Jednocześnie artysta nie boi się zniszczenia obrazu lub nieumyślnej jego zmiany - obraz zaczyna żyć własnym życiem. Zadaniem Pollocka jest pomóc jej się urodzić, wyjść. Ale jeśli mistrz straci kontakt ze swoim dziełem, rezultatem będzie chaos i brud. Jeśli się powiedzie, obraz będzie zawierał czysta harmonia, łatwość pozyskiwania i ucieleśniania inspiracji.

Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”. Ten obraz jest obecnie przechowywany w funduszu artysty w Hiszpanii. Został namalowany olejem na blasze miedzianej w 1935 roku w zaledwie tydzień od 15 do 22 października. Wielkość kreacji to zaledwie 23x32 cm.Mimo tak prowokacyjnej nazwy obraz mówi o okropnościach wojen domowych. Sam autor przedstawił w ten sposób wydarzenia tamtych lat rozgrywające się w Hiszpanii. Miro próbował pokazać okres niepokoju. Na zdjęciu widać nieruchomego mężczyznę i kobietę, których jednak przyciąga. Płótno nasycone złowieszczymi trującymi kwiatami, razem z powiększonymi genitaliami, wygląda celowo obrzydliwie i obrzydliwie seksownie.

Jacek Yerka „Erozja”. W twórczości tego polskiego neosurrealisty powstają splecione ze sobą obrazy rzeczywistości nowa rzeczywistość. W pewnym sensie nawet wzruszające zdjęcia są niezwykle szczegółowe. Czują echa surrealistów z przeszłości, od Boscha po Dali. Yerka dorastała w atmosferze średniowieczna architektura cudem ocalał z bombardowań II wojny światowej. Zaczął rysować jeszcze przed wstąpieniem na uniwersytet. Tam próbowali zmienić jego styl na bardziej nowoczesny i mniej szczegółowy, ale sam Yerka zachował swoją indywidualność. Dziś jego niezwykłe obrazy wystawiane są nie tylko w Polsce, ale także w Niemczech, Francji, Monako i USA. Znajdują się one w wielu kolekcjach na całym świecie.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają” Obraz namalowany w 1972 roku trudno nazwać klasykiem malarstwa. Nie ulega jednak wątpliwości, że należy do najdziwniejszych dzieł artystów. Obraz przedstawia chłopca, obok niego stoi lalka, a od tyłu do szyby przyciśnięte są liczne dłonie. To płótno jest dziwne, tajemnicze i nieco mistyczne. To już stało się legendarne. Mówią, że przez ten obraz ktoś umarł, a dzieci na nim żyją. Wygląda naprawdę przerażająco. Nic dziwnego, że obraz wywołuje u ludzi z chorą psychiką lęki i straszne fantazje. Sam Stoneham zapewnił, że namalował się w wieku 5 lat. Drzwi za chłopcem to bariera między rzeczywistością a światem marzeń. Lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić dziecko z jednego świata do drugiego. Ręce są alternatywne życie czy ludzkie możliwości. Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. Został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay, twierdząc, że jest nawiedzony. W końcu Hands Resist Him został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith. Wkrótce kupujący został dosłownie zasypany listami od straszne historie związane z obrazem oraz wymogi zniszczenia tego płótna.

Jeśli chodzi o malarstwo, wyobraźnia ma tendencję do malowania sielanek i dostojnych portretów. Ale w rzeczywistości sztuka jest wieloaspektowa. Tak się złożyło, że spod pędzla wielkich artystów wyszły bardzo niejednoznaczne obrazy, które mało kto chce powiesić w domu. W naszym przeglądzie 10 najbardziej przerażające zdjęcia znany artysta.

1. Wielki czerwony smok i potwór z morza. Williama Blake'a

Williama Blake'a znany dziś ze swoich rycin i poezji romantycznej, ale za życia był mało doceniany. Ryciny i ilustracje Blake'a to klasyka stylu romantycznego, ale dziś przyjrzyjmy się serii obrazy akwarelowe Blake'a, które przedstawiają dużego czerwonego smoka z Księgi Objawienia. Ten obraz przedstawia dużego czerwonego smoka, który jest ucieleśnieniem diabła, który stoi na siedmiogłowej bestii w morzu.

2. Studium portretu Innocentego X pędzla Velázqueza. Franciszka Bacona

Francis Bacon był jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku. Jego obrazy, uderzające śmiałością i ponurością, sprzedawane są za miliony dolarów. Podczas swojego życia Bacon często pisał własne interpretacje portret papieża Innocentego X. W oryginalnym dziele Velazqueza papież Innocenty X patrzy w zamyśleniu z płótna, a Bacon przedstawia go krzyczącego.

3. Dante i Wergiliusz w piekle. Adolphe Williama Bouguereau

Piekielny Dante, z jego wizerunkiem straszne tortury, inspiruje artystów od czasu opublikowania tej pracy. Bouguereau jest najbardziej znany ze swojego realistyczne obrazy klasyczne sceny, ale na tym obrazie przedstawiał krąg piekła, w którym oszuści nieustannie walczą, kradnąc sobie nawzajem tożsamość poprzez ugryzienie.

4. Śmierć Marata. Edvard Munch

Edvard Munch to najsłynniejszy norweski artysta. Jego sławny obraz„Krzyk”, będący uosobieniem melancholii, mocno zakorzenił się w świadomości każdego człowieka, któremu sztuka nie jest obojętna. Marat był jednym z czołowych liderzy polityczni rewolucja Francuska. Ponieważ Marat cierpiał na chorobę skóry, wydał bardzo dzień w łazience, gdzie pracował nad swoimi pracami. To tam Marat został zabity przez Charlotte Corday. Śmierć Marata została przedstawiona przez więcej niż jednego artystę, ale obraz Muncha jest szczególnie realistyczny i okrutny.

5. Odcięte głowy. Theodore Géricault

Bardzo słynne dzieło Gericault to „Tratwa Meduzy” – ogromny obraz w stylu romantycznym. Przed utworzeniem główne dzieła, Géricault malował „rozgrzewkowe” obrazy, takie jak Odcięte głowy, do których używał prawdziwych kończyn i odciętych głów. Artysta zabierał podobny materiał do kostnic.

6. Kuszenie św. Antoniego. Maciej Grunewald

Grunewald często malował obrazy religijne w stylu średniowiecza, choć żył w okresie renesansu. Święty Antoni przeszedł kilka prób swojej wiary, żyjąc na pustyni. Według jednej legendy święty Antoni został zabity przez demony mieszkające w jaskini, ale później wskrzesił je i zniszczył. Ten obrazek przedstawia św. Antoniego, który został zaatakowany przez demony.

7. Martwa natura z maskami. Emila Noldego

Emil Nolde był jednym z pierwszych malarzy ekspresjonistycznych, chociaż jego sława została wkrótce przyćmiona przez wielu innych ekspresjonistów, takich jak Munch. istota ten trend jest zniekształceniem rzeczywistości, aby pokazać subiektywny punkt widzenia. Ten obraz został namalowany przez artystę po zbadaniu masek w Muzeum Berlińskim.

8. Saturn pożerający syna. Franciszek Goja

W mitach rzymskich, które w dużej mierze opierają się na mitologia grecka, ojciec bogów pożarł własne dzieci, aby nigdy nie obaliły go z tronu. To właśnie ten akt zabijania dzieci przedstawił Goya. Obraz nie był przeznaczony dla publiczności, ale został namalowany na ścianie domu artysty wraz z kilkoma innymi. ponure zdjęcia znany pod wspólną nazwą „Czarny obraz”.

9. Judyta i Holofernes. Caravaggio

W Stary Testament Jest taka opowieść o dzielnej wdowie Judycie. Judea została zaatakowana przez armię dowodzoną przez dowódcę Holofernesa. Judyta opuściła mury miejskie i udała się do obozu wojsk oblegających miasto. Tam z pomocą swej urody uwiodła Holofernesa. Kiedy dowódca spał w nocy pijany, Judyta odcięła mu głowę. Ta scena jest dość popularna wśród artystów, ale wersja Caravaggia jest szczególnie przerażająca.

10. Ogród rozkoszy ziemskich. Hieronima Boscha

Zazwyczaj Hieronim Bosch kojarzony jest z obrazami fantastycznymi i religijnymi. Ogród rozkoszy ziemskich to tryptyk. Trzy panele obrazu przedstawiają odpowiednio ogród Eden i stworzenie ludzkości, ogród ziemskich rozkoszy i karę za grzechy, które występują w ogród ziemi. Praca Boscha jest jedną z najbardziej makabrycznych, ale najbardziej piękne prace w historii sztuki zachodniej.