Niezwykli artyści świata i ich obrazy. Najbardziej niezwykli artyści

Kiedy dana osoba z jakiegoś powodu nie chce w swojej twórczości polegać na tradycyjnych metodach tworzenia obrazów, rozpoczynają się eksperymenty. Kiedy nie zadowala go „realizm” w swoich pracach, gdy dzieła Leonarda i Bouchera wydają się nudne i nieciekawe, rodzi się nowe spojrzenie na sztukę. Kiedy zabawa z przeszłością staje się dla niego sposobem patrzenia w przyszłość, pojawia się kolejna sztuka. To prawda, że ​​​​czasami takie aspiracje przekraczają granicę, zamieniając się w coś dalekiego od sztuki, a wtedy najważniejsze jest zaskoczyć oryginalnością.

A więc niezwykli artyści, niezwykłe sposoby tworzenia obrazów i niezwykłe obrazy.

Nie będę mówił o wartości artystycznej. Każdy z wymienionych autorów nazywa siebie artystą, twórcą. Każdy z widzów sam ustali, co jest sztuką, a co nie, i granicę, za którą nie ma już szoku, ale jest coś niejasnego.

Czerwony Hong

Autor, który urzekł mnie swoim niezwykłym spojrzeniem na najzwyklejsze przedmioty lub niezupełnie przedmioty. Dla niej kreatywność nie ogranicza się do farb i pędzla, bo o wiele ciekawiej jest puścić wodze fantazji i pozwolić, aby zaowocowało czymś ciekawym i żywym. A wyobraźnia jest taka, że ​​może podsunąć pomysł użycia kubka po kawie lub piłki do koszykówki zamiast pędzla, a nawet można obejść się bez skarpetek.
"Kiedy pierwszy raz odwiedziłam Szanghaj, natknęłam się na starą uliczkę, gdzie pranie falowało na bambusowych patykach wystających z okien domów. To był niesamowicie piękny widok! Niesamowita rzecz - takie tradycje we współczesnej hałaśliwej metropolii. To mnie zainspirowało stworzyć coś niezwykłego, niezwykłego dla wszystkich rzeczy w Twojej okolicy”

Carne Griffithsa

A co, jeśli obok zwykłych kolorów użyjesz nietypowych? Nie, nie magiczne, ale całkiem zwyczajne, prawie farby, zwłaszcza jeśli spryskasz je białą sukienką. A co jeśli jako farby użyjesz herbaty lub brandy, a może whisky lub wódki? A efekt końcowy będzie zwiewny, bez czarnych plam, pełen jasnych linii, przyciągający dziwnie atrakcyjną symbiozą człowieka i natury.

Winicjusz Quesada

Jak mówią - Krew to życie?: Wtedy artysta Vinicius Quesada tchnął życie w swoje dzieła w sensie dosłownym, bo maluje własną krwią. Obrazy są dziwnie atrakcyjne dzięki odcieniom czerwieni.

Orły Jordanii

Jeszcze bardziej zadziwiają prace tego artysty, który także wykorzystuje krew, choć nie własną, a zaczerpniętą z rzeźni. Jordan Eagles tworzy coś przerażająco atrakcyjnego, zwłaszcza gdy wiadomo, co i jak tworzy swoje prace. Używając różnych technik, zamienia samą krew w przedmiot sztuki.

Jordana McKenziego

Jeszcze dalej poszedł Jordan McKenzie, który również tworzy z płynów pochodzących z ludzkiego ciała. Do swoich prac wykorzystuje płótno, dłonie i swojego... penisa. Wszystko jest zadziwiająco proste – odrobina nasienia na płótnie, mała obróbka techniczna i obraz gotowy. Taka twórczość to przyjemność i nie potrzeba do tego obrzydliwego zapachu krwi, pędzli czy nawet filiżanki kawy.

Millie Brown

Millie Brown również wypluwa z siebie płyny, ale nie są one już całkowicie naturalnego pochodzenia.

Elżbieta Rogai

Ale Elisabetta Rogai tworzy swoje prace z wykwintnych materiałów – białego i czerwonego wina. Wydawałoby się, że powinno to ograniczyć jej paletę kolorów, ale wcale nie przeszkadza to w jej pracy.

Judyta Brown

Malowanie obrazu bez rąk będzie problematyczne, ale co jeśli ręce same staną się pędzlem i stworzą. Co się stanie, jeśli palce staną się narzędziem, a zwykły pył węglowy rozkwitnie w przeróżne kształty i rodzaje? Będą też prace artystki Judith Brown, które w dziwny sposób łączą obrazy abstrakcyjne i konkretne.

Douga Landisa

Możesz też rysować bez użycia rąk, jak Doug Landis. Po paraliżu zaczął rysować ołówkiem w ustach! A hartu ducha można mu tylko pozazdrościć.

Tima Patcha

Poznaj Tima Patcha, znanego również jako Prickasso, czyli artystę penisa. Dlaczego penis? Ale dlatego, że nim rysuje.

Ani Kaj

Inna osoba wierzy, że może stworzyć dzieło sztuki bez użycia tradycyjnych pędzli czy ołówków i nie potrzebuje rąk. Jest także zwolennikiem poglądu, że rysowanie rękami jest nudne. Ani Kay postanowił rysować językiem.

Natalia Irlandka

Kiss, jak się okazuje, nie wiemy o nim zbyt wiele. W końcu możesz tworzyć pocałunkiem, wkładając swoją miłość w to, co tworzysz. Właściwie tym właśnie zajmuje się artystka Natalie Irish – maluje pocałunkami i szminką.

Kira Ayn Varszegi

Można to zrobić rękami, można to zrobić penisem, można to zrobić ustami, ale dlaczego pierś nie jest narzędziem, pomyślała Kira Ein Varzeji i zaczęła tworzyć. Maluje piersiami, ale będąc ograniczona kształtem samej piersi, tworzy obrazy abstrakcyjne, w przeciwieństwie do Patcha, któremu udaje się nawet tworzyć portrety. Ale Kira ma wszystko przed sobą! Życzę jej powodzenia w tej trudnej dziedzinie sztuki.

Stephena Murmera.

Nieco za nimi pozostaje Stephen Murmer, który maluje pośladkami.

Posmarowałem farbą piąty punkt, usiadłem na płótnie i gotowe! A jeśli czegoś brakuje, możesz pójść za przykładem tej samej łatki. Możesz też narysować oba na raz. Jak to mówią – tanie i wesołe, chociaż mnie tania zachwyciła – te obrazy mają pokaźną cenę.

Martina von Ostrowskiego

„Artysta ma prawo wykorzystać materiały zawierające cząstkę autora w celu pokazania lub udowodnienia, że ​​jest on częścią organicznego świata. W plemniku znajdują się moje geny, które odgrywają ważną rolę w reprodukcji człowieka wraz z żeńską komórką jajową. A w moich odchodach znajdują się mikroorganizmy żyjące w symbiozie z strawionym pokarmem. Podobnie artysta jest częścią dużego kompleksu niezliczonego świata organicznego i aby się w nim nie zagubić, musi pozostawić namacalny ślad w tworzonej przez siebie sztuce.”

I na koniec możesz narysować siebie

lub znane osobistości

lub takie portrety, do tworzenia których wykorzystuje się plemniki.

P/S/ Ma też mniej „niesamowitych” prac.

Chris Ofili

Może nie będzie to takie oryginalne. Zamiast ludzkich można stosować także wydzieliny zwierzęce. Jeśli podoba Ci się kolor odchodów słonia, to bierz i używaj, nikt nie powie ani słowa przeciwko temu. Co więcej, daje taką swobodę w doborze odcieni brązu. I właśnie w tym zakochał się Chris Ofili.

Marka Quinna

Można malować ludzką krwią, ale można też z niej robić rzeźby. Mrożony. I z mojego też. Na jeden taki portret potrzeba około 4 litrów krwi, jeśli nie więcej.

Vala Thompsona

Ale możesz rysować nie tylko krwią i wszelkiego rodzaju wydzielinami. Możesz rysować po samej osobie, a raczej po tym, co po niej zostało. Na przykład Ash, tak jak robi to Val Thompson. Z popiołów powstały już sztuczne diamenty, teraz można jeszcze malować, wystarczy wymieszać je z farbami.

Xiang Chena

Rysować może każdy, najważniejsze, że oczy się nie boją, a ręce to robią. Czasem jednak samo oko, w dosłownym tego słowa znaczeniu, staje się narzędziem twórcy. Artysta Xiang Chen maluje oczami za pomocą specjalnego urządzenia.

Ciąg dalszy nastąpi...

Rysuj nożem, gumą do żucia, taśmą, gwoździami lub haczykami na ryby, słowami i taśmami, bakteriami... nie ma barier dla ludzkiej wyobraźni.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Dokładnie przejrzeliśmy wszystkie najważniejsze osiągnięcia malarstwa światowego i wybraliśmy z nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Salvador Dali, którego prace w całości wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, nie został uwzględniony w tym zbiorze celowo.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje własne niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.
Galeria Narodowa, Oslo.

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał cztery wersje „Krzyku” i istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. Słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii powstania obrazu opowiadał Edvard Munch.

"Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

Paul Gauguin. 1897-1898, olej na płótnie.
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania.

Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo: „Uważam, że ten obraz jest lepszy od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze pięć lat i tak się stało.

„Guernica”

Pablo Picasso. 1937, olej na płótnie.
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie.

Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach widać było główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.

„Portret pary Arnolfinich”

Jana van Eycka. 1434, drewno, olej.
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami - aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia na którym artysta był obecny.

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ciągu ostatnich kilku lat obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smitha, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.

Człowieka nieustannie pociąga twórczość. Ludzie rysowali od czasów prehistorycznych, przedstawiając postacie zwierząt i bogów na skałach. Dziś mamy okazję podziwiać obrazy najzdolniejszych artystów, jakie stworzyła cywilizacja.

Niektórzy z nich umiejętnie oddają grę światła lub wody, inni zwracają uwagę na detal, a jeszcze inni po prostu oddają nastrój. Ale ludzie szukają i znajdują możliwość tworzenia obrazów nie tylko za pomocą pędzla. Na świecie jest wielu niesamowitych artystów, którzy w swojej twórczości wykorzystują niezwykłe techniki.

Człowiek, który pisze swoim penisem. Australijczyk Tim Patch zawsze ma swój pędzel pod ręką. W końcu jego penis pełni tę funkcję. Artysta żartobliwie nazywa siebie Pricasso. Nie ma wątpliwości, że wielki artysta zaakceptowałby taki pseudonim, ponieważ Picasso również uwielbiał szokujące eksperymenty. Pricasso wykorzystuje swój tyłek, aby stworzyć tło obrazu. W końcu rysowanie głównym narzędziem zajęłoby sporo czasu. Obrazy penisów stale pojawiają się na różnych wystawach seksualnych. Jednocześnie sam artysta wyraźnie pokazuje zwiedzającym, w jaki sposób tworzy swoje obrazy. Najśmieszniejsze jest to, że płótna wychodzą naprawdę nieźle, biorąc pod uwagę niezwykłe narzędzie do ich tworzenia.

Artysta używający wymiocin. Artystka Millie Brown tworzy to, co niektórzy ośmielają się nazwać sztuką. Kobieta wypija kolorowe mleko, a następnie wypluwa płyn z powrotem na białe płótno lub nawet na sukienkę. Opanowała sztukę regurgitacji, dzięki której nauczyła się używać mięśni do wypychania zawartości żołądka. Ten talent pozwala Brownowi tworzyć przykłady sztuki współczesnej. Wydawałoby się, że co tu jest takiego trudnego? Wypij i wylej płyn na płótno. Tymczasem abstrakcyjne obrazy Browna kosztują tysiące dolarów. Najsłynniejszy obraz „Nexis Vomitus” powstał przy akompaniamencie akustycznym dwóch śpiewaków operowych. Obraz ten kosztuje 2400 dolarów, a film z jego powstania łatwo znaleźć w Internecie. Ale oglądanie tej techniki malarskiej samo w sobie może powodować nieprzyjemne popędy.

Rysowanie piłką do koszykówki. Chinka Hong Yu postanowiła stworzyć portret swojego idola, koszykarza Yao Minga. Niedawno zakończył swoją błyskotliwą karierę w Houston Rockets. Ale jak najlepiej narysować koszykarza? Oczywiście z piłką! Dziewczyna uwielbia rysować, ale wybiera niezwykłe przedmioty, które ucieleśniają jej talent. Tym razem jej pędzelkiem była piłka do koszykówki. Zanurzyła go w farbie i pozostawiła ślady na płótnie. Stopniowo wizerunek słynnego gracza pojawiał się na papierze. Film o tak niezwykłej technice miał ponad 400 tysięcy wyświetleń na YouTube. Sama artystka urodziła się i wychowała na Borneo, mieszkała w Australii i Holandii, a obecnie mieszka w Szanghaju.

Ludzka krew jak farba. Winicjusz Quesada mieszka w Brazylii. Nazywa siebie artystą osobistym. Quesada uwielbia szokować swoimi obrazami. Stworzył niezwykły cykl zatytułowany „Blues pisany krwią”. Niezwykłe jest to, że obrazy te są malowane ludzką krwią i moczem. Na apokaliptycznych obrazach Brazylijczyka można zobaczyć potężne gejsze, palące papierosy małpy i inne niezwykłe obrazy. W swoich obrazach Quesada używa trzech kolorów - czerwonego, żółtego i niebieskiego. Większość obrazów zawiera czerwień, ale używa się do tego własnej krwi artysty. To prawda, że ​​​​może przeznaczyć na to tylko około 450 mililitrów co 2 miesiące. Quesada w zasadzie nie używa cudzej krwi, nie chcąc nikomu wyrządzić krzywdy.

Sztuka podwodna. Cała grupa ukraińskich artystów tworzy swoje płótna pod wodą. W tym celu nurkują ze sprzętem do nurkowania w wodach Morza Czarnego. Tam mają około 40 minut na pracę twórczą. W tym czasie udaje im się nakładać farby na płótna w bardzo trudnych warunkach. Dzięki temu obrazy wychodzą niemal tak samo, jak te malowane w warunkach naturalnych. To prawda, że ​​​​przed rozpoczęciem malowania kreatywni nurkowie pokrywają swoje płótna wodoodpornym klejem. Artyści pracują na głębokościach od 2 do 20 metrów. Mówią, że światło w wodzie jest rozproszone i pada na skały i koralowce. Dzięki temu podwodny świat wygląda tak pięknie, że inspiruje do kreatywności. Ludzkie oko lepiej uchwyci to piękno niż aparat. Ale artyści muszą wziąć pod uwagę, że kolory tracą wraz z głębią. Zatem brązowy kolor nałożony na płótno pod wodą może zmienić kolor na czerwony na powierzchni.

Rysunek piersiami. Amerykańska artystka Kira Ain Warzeji maluje swoje obrazy z piersiami 38DD. Technika w tym przypadku nie jest tak oryginalna jak sam instrument. Kira po prostu zanurza swoje piersi w farbie olejnej, a następnie dociska je do płótna. W procesie rysowania powtarza się to w kółko, stosuje się tylko różne kombinacje kolorów. Rysowanie trwa, dopóki artystka nie polubi swojej pracy. Kira twierdzi, że sekret popularności jej obrazów tkwi w specjalnym mieszaniu kolorów. To prawda, że ​​\u200b\u200bnadal warto dziękować naturze, która dała tak wspaniałe piersi. Artystka twierdzi, że celem jej prac są emocje widzów i nadanie wnętrzom pięknego wyglądu. A takie zdjęcia niezmiennie wywołują uśmiech. Aby osiągnąć takie cele, Kira nauczyła się korzystać z różnych narzędzi - od różnorodnych pędzli po zabawki, warzywa i różne części ciała. Tym, którzy uważają te obrazy za śmieszne, należy powiedzieć, że Kira jest uznaną artystką. Wiele jej prac jest sprzedawanych w serwisie eBay, gdzie każda praca jest wyceniana na setki dolarów. Kira twierdzi, że jej obrazy sprzedały się na całym świecie. W każdym amerykańskim stanie można znaleźć takie niezwykle stworzone dzieła.

Artysta malujący językiem. Mówią, że artyści muszą cierpieć dla swojej sztuki. W rezultacie zmuszeni są ubierać się w brudną bieliznę i nie mają pojęcia, co jeść. Ale Ani Kay przewyższyła wszystkich umęczonych artystów. Faktem jest, że maluje swoje obrazy w swoim własnym języku. Konsekwencją tego są towarzyszące ciągłe bóle głowy, skurcze i nudności. Kiedy Ani postanowił malować w nietypowy sposób, najpierw jako narzędzie wybrał nos. Okazało się jednak, że tę metodę przetestowali już inni artyści. Pierwsze próby użycia języka kończyły się poważnymi bólami głowy i ciała z powodu ostrych oparów farby. Ta nauczycielka plastyki stworzyła już 20 akwareli. Jego ozdobą było szerokie na 2,5 metra płótno z kopią „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Praca nad tym obrazem trwała 5 miesięcy. Artysta buduje galerię w swoim domu położonym w Kerali w Indiach. Ciało przyzwyczaiło się już do nietypowej techniki i obecnie praca nad obrazem trwa około 4 dni.

Rysunek z martwymi mrówkami. Do obrazu „Portret z pistoletem” artysta Chris Truman użył niezwykłego medium. Autor stworzył swoje dzieło wykorzystując martwe mrówki. Potrzebował od razu 200 tysięcy tych pracowitych owadów. W rezultacie pojawiło się zdjęcie w brązowych odcieniach, które przedstawiało młodszego brata Trumana z karabinem w rękach. Co dziwne, artysta powiedział, że jego twórczość jest owocem miłości. Właśnie tego sprzecznego uczucia doświadczył zabijając mrówki potrzebne do obrazu. Dla sztuki Truman musiał zrobić to, czego nienawidził. W rezultacie obraz stał się nie tylko przedmiotem malarstwa, ale także ucieleśnieniem ludobójstwa mrówek. Jego właściciel niewątpliwie będzie wyróżniał się we współczesnym społeczeństwie. A szacunkowy koszt obrazu to 35 tysięcy dolarów.

Artysta posługujący się własnymi oczami. Tę dziwną metodę opanował Xiang Chen z chińskiej prowincji Hunan. Ten artysta i artysta kaligrafii nauczył się trzymać długie, metrowe pędzle pod powieką. W tym miejscu wkłada metalowy koniec narzędzia do rysowania. Dzięki temu pisze i rysuje okiem. Chen odkrył swoje niezwykłe zdolności w wieku 16 lat. Pewnego dnia wrócił do domu z placu budowy i stwierdził, że oba jego oczy są wypełnione piaskiem. Ale on sam nie odczuwał z tego powodu żadnego bólu ani dyskomfortu. Chen próbował szturchnąć oko, ale jedyne, co poczuł, to lekkie swędzenie. Chińczycy wykorzystują swoje oczy nie tylko do rysowania, ale także do gry na pianinie. To ciekawe, ale lekarze twierdzą, że jego narządy wzroku nie różnią się od zwykłych.

Artysta malujący ludzkimi prochami. Wielu artystów przy tworzeniu swoich obrazów korzysta z pomocy przyjaciół lub członków rodziny. Ale tylko nieliczni wykorzystują bliskich jako materiał do swoich obrazów. Kanony etyczne zostały dosłownie wysadzone w powietrze przez Val Thompsona. Miesza popiół pozostały po kremacjach ludzkich z farbami. Tym samym jego niezwykły składnik dodaje tekstury płótnu. Te wyjątkowe obrazy pozwoliły artyście zrobić dobrą karierę. I to właśnie jej brat zasugerował jej podjęcie takiej kreatywności. Pierwszy obraz Val powstał dla Anny Keary, która niedawno straciła męża Johna. Z jego prochów powstało płótno z malowniczą plażą. Klientowi spodobał się wynik tak bardzo, że Val stworzyła jeszcze trzy podobne obrazy, a następnie otworzyła nawet własną, unikalną firmę „Popiół dla sztuki”.

Niektóre dzieła sztuki zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Niektóre wciągają w zamyślenie i w poszukiwaniu warstw znaczeń, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

„Dziwność” to pojęcie dość subiektywne i każdy ma swoje własne, niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki.

Edvard Munch „Krzyk”

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91×73,5cm

Galeria Narodowa, Oslo

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.
Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał 4 wersje „Krzyku”, istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 × 374,6 cm

Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że ten obraz nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.
Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Pablo Picasso „Guernica”

1937, olej na płótnie. 349×776 cm

Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było dostrzec główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.
Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich”

1434, drewno, olej. 81,8×59,7cm

Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż do podpisu „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z niego nie tylko dzieło sztuki, ale także dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.
W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”

1890, olej na płótnie. 114×211cm

Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny, długowłosy facet wcale nie przypomina powszechnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”

1871, olej na płótnie. 127×197cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale nie malował wojen i bitew, bo je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Któregoś dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych – to wszystko!” Zbyt głęboko biorę do serca to, co piszę, płaczę (dosłownie) nad żalem każdego rannego i zabitego.” Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.
Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy nigdy więcej tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.
Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Grant Wood „Amerykański gotyk”

1930, olej. 74×62cm

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów sztuki amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.
Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staroświeckie stroje nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu rolnika powtarzające kształt wideł, a zatem zagrożenie skierowane do wszystkich kto wkracza. Możesz patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się z dyskomfortu.
Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w biały materiał, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.
Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy.

Marc Chagall „Spacer”

1917, olej na płótnie

Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana wznosi się w przestworza i wkrótce wciągnie stojącego niepewnie na ziemi Chagalla do lotu, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. Chagall ma cycka w drugiej ręce - jest szczęśliwy, ma w rękach zarówno cycka (zapewne swój obraz), jak i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

1500-1510, drewno, olej. 389×220 cm

Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości. Do chwili obecnej żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną słuszną.
Niezmienny urok, a zarazem niezwykłość tryptyku polega na sposobie, w jaki artysta poprzez wiele szczegółów wyraża główną myśl. Obraz wypełniony jest przezroczystymi postaciami, fantastycznymi konstrukcjami, potworami, halucynacjami, które nabrały ciała, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle bystrym wzrokiem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz życia ludzkiego przez pryzmat jego marności i obrazów ziemskiej miłości, inni – triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, budzą wątpliwości, czy jego treścią mogła być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”

1905, olej na płótnie. 180×180 cm

Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety zapisana jest w nim w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w schemat życia, stara się od niego wyróżnia. Kontrast pomiędzy stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety nabiera znaczenia symbolicznego: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia – niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością.
Płótno nie odpuszcza, przenika do duszy i skłania do refleksji nad głębią przesłania artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”

1918, olej na płótnie. 152,5×162,5cm

Galeria Belvedere w Wiedniu

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego twórczości jest sporo tego, co można by nazwać pornografią, najróżniejszych wypaczeń, naturalizmu i zarazem bolesnej rozpaczy.
„Rodzina” to jego najnowsze dzieło, w którym rozpacz doprowadzona jest do absolutnej skrajności, mimo że jest to jego najmniej dziwnie wyglądający obraz. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edytie, malując ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli głównej. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.
Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.
W jednym z najlepszych obrazów „Dwie Fridy” wyraziła zasady męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym, ukazując jej integralność.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”

1899, olej na płótnie

Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Oglądając obraz z bliska, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna. Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, następnie widzimy wyraźne kontury łodzi i oddalając się na odległość około dwóch metrów, wszystkie łączące je prace są ostro rysowane przed nas i ułożone w logiczny łańcuch.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”

1948, płyta pilśniowa, olej. 240×120 cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego przywódcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował rozlewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najdroższym obrazem świata. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacono za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.
„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztaluga, paleta i pędzle. Preferuję patyki, miarki, noże i płynącą farbę lub mieszankę farby z piaskiem, potłuczonym szkłem lub czymś innym. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmian i zniszczenia obrazu, gdyż obraz żyje własnym życiem. Po prostu jej pomagam. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, robi się brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.”

Joan Miró „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”

1935, miedź, olej, 23×32 cm

Fundacja Joana Miró, Hiszpania

Dobre imię. I kto by pomyślał, że to zdjęcie opowiada nam o okropnościach wojen domowych.
Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Miro jest to wynik próby przedstawienia tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokoju. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę wyciągających ręce, by się objąć, ale bez ruchu. Powiększone genitalia i złowieszczy kolor zostały opisane jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

Jacek Yerka „Erozja”

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jedno, które zobrazuje jego wyobraźnię i umiejętności. Zalecamy przeczytanie.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.
Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.
Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.
Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smitha, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.