Wiek XVII okazał się zaskakująco sprzyjający rozwojowi kultura artystyczna. Stało się nie tylko stuleciem nauki, ale także stuleciem sztuki. To prawda, biorąc pod uwagę fakt, że rozkwit nauki dopiero się rozpoczął, a sztuka osiągnęła już apogeum. Niemniej jednak niebo nad nim jest nadal czyste i bezchmurne. Jego prestiż w społeczeństwie jest niezwykle wysoki. Według liczby świetnych artyści XVII wieku, najwyraźniej przewyższa wszystkie inne, w tym renesans. Co więcej, jeśli w okresie renesansu Włochy nie mają sobie równych w dziedzinie sztuki, to w XVII wieku. sztuka rośnie w każdym kraje europejskie och, i Francja wygląda teraz lepiej.
Sztuka, podobnie jak inne obszary kultury, doświadczyła skutków zróżnicowania. Jej izolacja staje się coraz bardziej wyraźna i wyraźna. Nawet związek z religią jest zauważalnie osłabiony. Dzięki temu tematyka religijna i mitologiczna pozbywa się nadmiernego patosu i wypełnia się głęboką witalnością i naturalnością.
Inną konsekwencją zróżnicowania jest zanik wśród artystów uniwersalnych osobowości charakterystycznych dla epoki. był nie tylko genialnym artystą, ale także wielkim naukowcem, myślicielem i wynalazcą. Choć w mniejszym stopniu to samo można powiedzieć o L. Albertim, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais i inni. Obecnie takie postacie na dużą skalę stają się rzadkością. Jednocześnie wzrasta zasada subiektywna w art. Przejawia się to w coraz większej liczbie bystrych jednostek, w większej swobodzie twórczej i odwadze, w szerszym spojrzeniu na sprawy.
W obrębie sztuki również zachodzi proces różnicowania, zmieniają się istniejące gatunki i pojawiają się nowe. W obraz Krajobraz i portret stają się całkowicie niezależnymi gatunkami, w których wzmocniony jest psychologizm. Pojawiają się martwe natury i wizerunki zwierząt. Rośnie znaczenie oryginalnych rozwiązań kompozycyjnych, koloru, malowniczości i smaku.
W muzyka rodzi się opera. Twórcą tego gatunku jest Włoski kompozytorC. Monteverdiego (1567-1643), napisał operę „Orfeusz”, która została wystawiona w 1607 i stał się prawdziwym arcydziełem sztuki operowej. Po raz pierwszy muzyka w nim nie tylko jest dopełnieniem poezji, ale jest główną bohaterką, wyrażającą sens wszystkiego, co dzieje się na scenie. Oprócz opery w muzyce pojawiają się także kantaty i oratoria.
Główne style w sztuce XVII wieku. Pojawia się barok i klasycyzm. Niektórzy historycy sztuki uważają, że w tym samym czasie wyłonił się realizm jako szczególny styl w sztuce, jednak ten punkt widzenia jest kwestionowany, choć uznaje się istnienie tendencji realistycznej.
Barokowy
Barokowy pojawia się pod koniec XVI w. we Włoszech. Samo słowo „barok” oznacza „dziwny”, „dziwaczny”. Styl barokowy charakteryzuje się dynamicznymi obrazami, napięciem, jasnością, elegancją, kontrastem, pragnieniem wielkości, przepychu i przepychu, syntezą sztuki, połączeniem rzeczywistości i iluzji, zwiększoną emocjonalnością i zmysłowością. Barok był stylem arystokratycznej elity odchodzącego społeczeństwa feudalnego, stylem kultury katolickiej.
Wybitnym przedstawicielem włoskiego baroku jest rzymski architekt, rzeźbiarz i malarz L. Berniniego (1598-1680). Jego twórczość zawierała wszystkie najbardziej charakterystyczne cechy tego stylu – zarówno mocne, jak i słabe. Wiele jego dzieł skupionych było w głównym zabytku katolickiego Rzymu – katedrze św. Petra. Pod kopułą, zbudowaną przez wielkiego Michała Anioła, wznosi się okazała monumentalna i ozdobna konstrukcja - trzydziestometrowy baldachim, a w ołtarzu znajduje się równie majestatyczna marmurowa ambona Piotra, ozdobiona złotem i postaciami przedstawiającymi aniołów i amorków, ojców kościoła i święci.
Jeszcze wspanialszym dziełem Berniniego była okazała kolumnada, składająca się z 284 kolumn, ustawionych w czterech rzędach i otaczających ogromny plac przed katedrą św. Petra. Do najważniejszych dzieł rzeźbiarskich Berniniego zalicza się „Apolla i Dafne” oraz „Ekstazę św. Tereso.”
Najbardziej znaną postacią europejskiego baroku jest Artysta flamandzkiP. Rubensa (1577-1640). Można go słusznie nazwać osobowością uniwersalną, nie gorszą skalą od tytanów renesansu. Był blisko humanistów i lubił klasyków starożytności – Plutarcha. Seneka, Horacy, znał sześć języków, w tym łacinę. Rubens nie był naukowcem ani wynalazcą, ale rozumiał problemy astronomii i archeologii, interesował się zegarami bez mechanizmu, ideą perpetuum mobile, śledził nowe osiągnięcia w filozofii, dużo rozumiał z polityki i aktywnie uczestniczył w To. Przede wszystkim kochał życie ludzkie.
Rubens ucieleśniał w swojej twórczości swoje zaangażowanie w humanizm. Stał się wielkim poetą życia pełnego szczęścia, przyjemności i liryzmu. Pozostaje niedoścignionym śpiewakiem ludzkiego - męskiego, a zwłaszcza kobiecego ciała, zmysłowego piękna ludzkiego ciała. Tylko Rubens potrafił z taką odwagą i miłością przekazać piękno samego ciała, jego delikatne ciepło, miękką giętkość. Udało mu się pokazać, że ciało może być piękne, nie mając pięknej formy.
Jednym z głównych tematów jego twórczości jest kobieta, miłość i dziecko jako naturalny i piękny owoc miłości. Tę stronę jego twórczości można zobaczyć i poczuć w takich filmach jak „Wenus i Adonis”. „Junona i Argus”, „Perseusz i Andromeda”, „Batszeba”.
Podczas pobytu we Włoszech Rubens uczęszczał do dobrej szkoły artystycznej. Jednak jego flamandzki temperament nie przejął wszystkiego od wielkich Włochów. Wiadomo, że włoscy mistrzowie preferowali równowagę, spokój i harmonię, co pozwoliło im stworzyć wieczne piękno. Rubens przełamuje to wszystko na rzecz ruchu. Przedstawiane przez niego postacie ludzkie często przypominają ściśniętą sprężynę, gotową do natychmiastowego rozwinięcia. Pod tym względem najbliższy jest Michałowi Aniołowi, którego rzeźby pełne są wewnętrznego napięcia i ruchu. Jego prace są także pełne energicznej dynamiki. Są to w szczególności obrazy „Bitwa o Amazonki”, „Porwanie córek Leukipposa”, „Polowanie na lwy”, „Polowanie na dzika”.
W pracach Rubensa kolor i malowniczość przeważają nad rysunkiem. Tutaj Tycjan służy jako przykład. Rubens nie lubi zbyt wyraźnych konturów. Wydaje się oddzielać materię od formy, czyniąc ją wolną, żywą i cielesną. Jeśli chodzi o kolor, artysta preferuje jasne, czyste i bogate odcienie, przepełnione zdrową witalnością. Dąży nie tyle do ich harmonii, co do orkiestracji, do stworzenia symfonii barw. Rubens słusznie nazywany jest wielkim kompozytorem koloru.
Klasycyzm
Ojczyzna klasycyzm stała się Francją. Jeśli barok preferuje uczucia, to klasycyzm opiera się na rozumie. Najwyższą normą i idealnym przykładem dla niego jest sztuka starożytna. Jego głównymi zasadami są przejrzystość, porządek, logiczna spójność, harmonia i harmonia.
Według klasycyzmu temat sztuki powinien być wzniosły i piękny, heroiczny i szlachetny. Sztuka ma wyrażać wzniosłe ideały moralne, wysławiać piękno i duchowe bogactwo człowieka, wysławiać triumf świadomej powinności nad żywiołem uczuć. Sędzią sztuki jest nie tylko smak, ale i rozsądek.
Klasycyzm podziela podstawowe zasady racjonalizmu, a przede wszystkim ideę racjonalnej struktury świata. Różni się jednak od niego w rozumieniu relacji człowieka do natury, kontynuując linię renesansowego humanizmu i wierząc, że relacje te należy budować na zasadach zgody i harmonii, a nie dominacji i uległości. Dotyczy to szczególnie sztuki, której jednym z zadań jest gloryfikowanie harmonii człowieka z piękną przyrodą.
Założyciel i główna postać klasycyzmu w obraz jest francuskim artystą N. Poussin (1594-1665). W swojej twórczości opiera się całkowicie na racjonalizmie R. Kartezjusza, wierząc, że doznanie jest zawsze częściowe i jednostronne, a jedynie rozum może ogarnąć temat kompleksowo i w całej jego złożoności. Dlatego rozum musi osądzać wszystko.
Poussin niemal całe życie spędził we Włoszech, ale nie przeszkodziło mu to stać się prawdziwie francuskim artystą, który stworzył jeden z istniejących do dziś ruchów gałek ocznych w sztuce. Spośród mistrzów włoskich największy wpływ miał na niego Rafael. których dzieła są idealnymi przykładami całkowitej doskonałości, a także Tycjana, od którego wszyscy kolejni artyści czerpią lekcje czystej malowniczości.
Choć Poussin preferuje rozum, jego sztuki nie można nazwać suchą, zimną i racjonalną. Sam zauważa, że celem sztuki jest przyjemność, że wszelkie wysiłki artysty mają na celu dostarczenie widzowi przyjemności estetycznej. Jego prace zawierają już dwa główne elementy sztuki, gdy staje się ona zjawiskiem całkowicie niezależnym i samowystarczalnym.
Jedna z nich związana jest z plastycznością, tworzoną środkami czysto artystycznymi, malarskimi, połączeniem linii i kolorów, co stanowi źródło szczególnej, estetycznej przyjemności. Drugie wiąże się z ekspresją, ekspresją, za pomocą której artysta oddziałuje na widza i wywołuje w nim stan umysłu, którego sam doświadczył.
Obecność tych dwóch zasad pozwala Poussinowi połączyć intelekt i uczucie. Prymat rozumu łączy się z jego umiłowaniem ciała i zmysłowości. Świadczą o tym jego obrazy „Wenus i Adonis”, „Śpiąca Wenus”, „Bachanalia” i inne, w których widzimy osobę doskonałą na ciele i duchu.
W początkowym okresie twórczości Poussina dominowały płótna o tematyce historycznej i religijno-mitologicznej. Takie dzieła jak „Gwałt Sabinek”, „Pojmanie
Jerozolima”, „Pasterze Arkadyjscy”. Wtedy na pierwszy plan wysuwa się temat harmonii człowieka z naturą. Jest reprezentowany na obrazach „Triumf Flory”, „Pejzaż z Polifemem”, „Krajobraz z Orfeuszem i Eurydyką” itp. Natura to nie tylko miejsce pobytu człowieka. Tworzy się między nimi głębokie zmysłowe porozumienie, pewna wspólnota dusz, tworzą jedną całość. Poussin stworzył prawdziwe symfonie człowieka i natury.
W ostatnie lata Artysta w swoim życiu całą swoją uwagę poświęca chwaleniu natury. Tworzy cykl poetycki „Pory roku”.
Klasycyzm w architekturze znalazło swoje idealne ucieleśnienie w Pałacu Wersalskim, zbudowanym z woli francuskiego króla Ludwika XIV. Ten wspaniały zespół obejmuje trzy majestatyczne pałace i ogromny park z basenami, fontannami i rzeźbami. Zespół wyróżnia się ścisłym układem, geometrycznymi alejkami parkowymi, majestatycznymi rzeźbami, przyciętymi drzewami i krzewami.
Realizm
realistyczny trend w sztuce XVII wieku. reprezentuje przede wszystkim artysta holenderski Rembrandta(1606-1669). Korzenie tego nurtu sięgają twórczości włoskiego malarza Caravaggia (1573-1610), który wywarł ogromny wpływ na wielu artystów.
Sztuka Rembrandta w pewnym sensie zajmuje pozycję środkową między barokiem a klasycyzmem. W jego twórczości można odnaleźć cechy obu stylów, jednak bez skrajności, jakie charakteryzuje każdy z nich. Szczególnie jego słynna „Danae” wygląda bardzo zmysłowo i cielesnie, ale nie w takim stopniu, w jakim wykonałby ją Rubens. Podobnie jest z klasycyzmem. Niektóre jego cechy są obecne w dziełach Rembrandta, ale nie ma w nich czystego, wyidealizowanego piękna, nie ma nic majestatycznego i heroicznego. żadnego patosu itp. W nich wszystko wydaje się być bliżej ziemi, wszystko jest znacznie prostsze, bardziej naturalne, bardziej prawdziwe, bardziej realistyczne.
Jednak główna oryginalność sztuki Rembrandta leży gdzie indziej. Polega na tym, że dzięki niemu powstał nowy kierunek w malarstwie europejskim - psychologizm. Rembrandt jako pierwszy poważnie odpowiedział na słynne wezwanie Sokratesa: „poznaj siebie”. Zwrócił wzrok do wewnątrz i ukazał mu się ogromny i nieznany świat wewnętrzny, współmierny do nieskończonego Wszechświata. Tematem jego twórczości jest niewyczerpane bogactwo życia duchowego człowieka.
Rembrandt zdaje się wpatrywać i słuchać niekończącego się napływu stanów psychicznych, niewyczerpanych przejawów indywidualnego charakteru ludzkiego. Stąd bogactwo nie tylko portretów, ale także autoportretów, na których się przedstawia różne okresyżycie - w młodości i na starość, w różnych stanach - pełne sił witalnych i po chorobie. W jego pracach portret nie tylko staje się niezależny gatunek, ale także osiąga niespotykane dotąd wyżyny. Całą jego twórczość można nazwać sztuką portret.
Zwrot ten w dużej mierze tłumaczy się faktem, że Rembrandt – w przeciwieństwie do katolików Rubensa i Poussina – był protestantem. Przed nadejściem protestantyzmu człowiek nie dążył świadomie do oddzielenia się od innych. Wręcz przeciwnie, nie myślał o sobie poza wspólnotą zbiorową. W starożytności taką wspólnotę wspierały normy polityczne i moralne. W średniowieczu chrześcijaństwo wzmocniło swoje dotychczasowe fundamenty wspólnotą wiary.
Protestantyzm naruszył tę tradycję, zrzucając na siebie główną odpowiedzialność za los człowieka. Teraz sprawa zbawienia stała się przede wszystkim sprawą osobistą każdego człowieka. W świadomości człowieka Zachodu nastąpiła głęboka zmiana, a Rembrandt jako pierwszy głęboko odczuł zachodzące zmiany i wyraził je w swojej sztuce.
O zwracaniu szczególnej uwagi na swoje sekrety życie wewnętrzne wiele dzieł z wczesnego okresu twórczości Rembrandta, a przede wszystkim jego autoportrety, mówią o poszukiwaniu własnej prawdy osobistej. Świadczą o tym także jego obrazy takie jak „Apostoł Paweł w więzieniu”, „Chrystus w Emaus” itp., w których na pierwszy plan wysuwają się przeżycia psychologiczne i refleksje nad sensem życia i istnienia. W okresie dojrzałym, a zwłaszcza po słynnym "Straż nocna" tendencje te stają się jeszcze silniejsze. Szczególnie wyraziście pojawiają się na obrazach „Portret starca w czerwieni” i „Portret starszej pani”. Obraz „Syndycy” staje się szczytem sztuki portretu grupowego.
W ostatnim okresie swojej twórczości Rembrandt coraz bardziej zagłębiał się w głębiny ludzkiej świadomości. Wkracza w zupełnie nowy dla sztuki europejskiej problem – problem ludzkiej samotności. Przykładem tego są jego obrazy „Filozof”, „Powrót syn marnotrawny».
Sztuka XVII wieku. Styl barokowy.
Przejdź od renesansu do XVII wieku. w światopoglądzie i psychologii ludzi - to przejście od bezgranicznej wiary w człowieka, w jego siłę, energię, wolę, od idei o harmonijnie zorganizowanym świecie z ludzkim bohaterem w centrum, najpierw do rozczarowania, rozpaczy czy sceptycyzmu, do tragicznego dysonansu człowieka i świata, a następnie do nowej afirmacji człowieka jako cząstki ogromnego, nieskończenie różnorodnego i mobilnego świata. Wydaje się, że człowiek odzyskuje swoje miejsce, ale już nie jako centrum wszechświata, ale w złożonej relacji z przyrodą, społeczeństwem, państwem i środowiskiem. Działania człowieka nie są już postrzegane jako bezpośredni wyraz jego woli, ale jako ostateczny wynik różnorodnego działania sił.
W tym czasie powstały tragedie Szekspira, powieść Cervantesa, pierwsza socjalistyczna utopia Tomasza More'a i nauki Giordano Bruno. Ujawnił się dziki fanatyzm Ignacego Laioli, założyciela zakonu jezuitów. W XVI-XVII w. Od Alaski po Amerykę odkryto nowe lądy, wynaleziono teleskop i mikroskop.
Sztuka XVII wieku kojarzony z trzema głównymi stylami: barokiem, klasycyzmem i realizmem.
Światopogląd XVII wieku. przeniknięty poczuciem tragicznej sprzeczności między człowiekiem a światem, w którym on, człowiek, nie zajmuje pierwszego miejsca, lecz rozpływa się w jego różnorodności. Włochy stają się stolicą nowego stylu - barokowy. Styl barokowy zawoalowaną logiką. Barok łączył cechy mistycyzmu, fantazji, irracjonalności, wzmożonej wyrazistości z trzeźwością i racjonalnością, mieszczańską efektywnością. W tematyce religijnej dominuje opowieść o cudach i męczeństwach. Majestat, powściągliwość i statyczny charakter renesansu zostaje zastąpiony umiłowaniem dynamiki. Sztuka zbudowana jest na kontrastach i ma tendencję do przeładowania motywami dekoracyjnymi. W baroku dominują złożone formy krzywoliniowe. Stosowane są iluzje wizualne. W architekturze zasada plastyczna stoi ponad zasadą tektoniczną. Organizacja dużych zespołów i przestrzeni środowiskowych kojarzona jest z czasami baroku: place miejskie, pałace, parki, rezydencje wiejskie.
Cechy architektury. XVII-XVIIIwiek.
Styl barokowy zaczął przybierać widoczne formy pod koniec XVI wieku. (Kościół Il Gesu Vignola; malowidło kopuły D.-B. Gauli, 2. poł. XVII w.). Rozwinął się w krajach europejskich przez cały XVII wiek. i pierwszą połowę XVIII w. Ale w Austrii i Niemczech w XVII wieku. Prawie nie wykonano żadnej monumentalnej budowy. W Anglii pewne przejawy tego stylu odnotowano dopiero od połowy XVII wieku. W architekturze włoskiej styl barokowy rozciągał się zarówno na wygląd zewnętrzny, jak i wewnętrzny budynku. We Francji na zewnątrz obserwuje się cechy klasycyzmu, a we wnętrzu baroku. W Anglii barok jawi się raczej jako odcień klasycyzmu – klasycyzm „barokowy”.
Włochy. Architektura barokowych pałaców, willi i kościołów we Włoszech kojarzona jest z nazwiskami Lorenza Berniniego, Guarino Guardi, Francesco Borrominiego, C. Rainaldiego (kościół Santa Maria in Campitelli w Rzymie), Baldassare Longhen, Carmo Maderna.
Jednym z pierwszych zabytków architektury zbudowanych w stylu barokowym jest kościół Il Gesu, zbudowany przez niedawno założony zakon jezuitów. Elewacja wygląda na bardziej solidną, jednolitą i pozornie mobilną. Wcześniej elewację podzielono na równe części jednakowymi pilastrami. Teraz formy gęstnieją i pęcznieją w kierunku środka. Duże faliste woluty łączą górną warstwę z dolną. Nieodzownym elementem baroku jest rozluźnione belkowanie (z półkami nad grupą pilastrów). Budynki zaprojektowano tak, aby były postrzegane pod kątem. W ten sposób poprawia się płynność, falistość i gęstość form.
Carmo Maderna nadzorował realizację Bazyliki Św. Piotra w Rzymie. Lorenzo został jego następcą w budowie katedry. Berniniego. Tworzy ogromny plac przed katedrą. Kolumnady zasłaniają nieporządne budynki i tworzą monumentalne „tło” dla procesji religijnych. Bernini organizuje dwa kwadraty, „nawleczone” na jedną oś z katedrą: owalny i trapezowy. Bernini to wybitny rzeźbiarz (kompozycja „Ekstaza św. Teresy” w kościele Santa Maria della Vittorio). Lorenzo Bernini jest utalentowanym i wykształconym mistrzem. Wykonywał projekty świątyń, pałaców, fontann, zespołów architektonicznych, posągów, portretów rzeźbiarskich, scenografii teatralnej, nagrobków papieży (przeżył 9 papieży). Bernini był dumny, że potrafił porównać rzeźbę do malarstwa.
Styl barokowy doprowadził do maksymalnej wyrazistości form Francesco Borromini. Uwielbia wyginać i skręcać powierzchnię ścian w różnych kierunkach. Czasami te zakręty są powolne, czasami bardziej energiczne. Kościół św. Karola przy Czterech Fontannach poszedł na skróty.
Jeszcze bardziej spektakularne są wnętrza budynków barokowych. Borromini w kościele Sant'Iva zbudował plan wnętrz w kształcie przypominającym zarys pszczoły. Pszczoły zostały przedstawione w herbie rodu Barberinich, skąd pochodził kolejny papież, który zlecił budowę kościoła. Już samo wyrafinowanie struktury przestrzennej pozwoliło uzyskać wiele efektów świetlnych i cieniowych. Wykorzystano tu marmur, sztukaterię i rzeźbę.
Typowym dla weneckiej architektury barokowej jest Palazzo Pesaro (architekt B. Longen), który wyróżnia się bogatą dekoracją zewnętrzną. Budynek jest trzykondygnacyjny, piętro jest masywne, pokryte boniowaniem. Na wyższych kondygnacjach zastosowano porządek, łukowe okna i rzeźbę.
W XVII-XVIII wieku. Powstają duże zespoły ogrodowo-parkowe. Wyłania się styl włoskiego parku. Willa Aldobrandini ukształtowana jest w formie parku tarasowego, którego kompozycja rozwija się wzdłuż głównej osi. Stosowane są tu kaskady wodne.
W Hiszpania Widoczne są tradycje gotyckie i cechy mauretańskie w architekturze. Największe osiągnięcia hiszpańskiego baroku kojarzone są z twórczością architekta José Churriguery i jego uczniów. Był nie tylko architektem, ale zajmował się także pracami zdobniczymi (dekoracją reprezentacyjnego pałacu Kolegium Isuitów). Styl churrigueresque, jak go nazywano w Hiszpanii, charakteryzuje się bogactwem fantastycznie skomplikowanych, misternych przeplatań form dekoracyjnych oraz dynamiką kompozycji. Niektóre motywy są podkreślone ze starożytnych zabytków Meksyku i starożytnych Peru (klasztor Certosa w Granadzie). Ołtarz El Transportente w katedrze miasta Toledo (XVIII w.) należy do stylu barokowego. Druga połowa XVIII wieku. w Hiszpanii charakteryzowało się wzmocnieniem klasycyzmu.
Francja. Architekt Louis Levo z połowy XVII wieku. kontynuuje budowę Luwru, buduje zamek Vaux le Vicomte wraz z malarzem dekoracyjnym Lebrunem i architektem Le Nôtre dla Ministra Finansów Fouquet. Ludwik XIV rozpoczął budowę Wersalu (1661-1708) w wieku dwudziestu dwóch lat, zdecydowanie odrzucając rady ministra Colberta, aby dokończyć rezydencję swoich przodków - Luwr w Paryżu. W okresie baroku kolor stał się abstrakcyjnym środkiem rytmizacji przestrzeni i wzmocnienia percepcji głębi. Prace dekoracyjne w Wersalu wykonuje Charles Lebrun. Francję charakteryzuje barokowa dekoracja sal i rzeźb na zewnątrz. Elewacje budynków są klasycznie powściągliwe.
Nazwisko architekta Hardouina Mansarta wiąże się z trzecim etapem budowy Wersalu w drugiej połowie XVII wieku. Buduje Katedrę Inwalidów, największą budowlę w stolicy Francji. Stworzył jeden z głównych placów Paryża – Vendôme.
W XVIII wieku Dominuje styl rokoko. Powstaje niewiele nowych budynków. Chodzi tu głównie o remonty wnętrz. Ozdoba staje się drobna, czasem asymetryczna (dekoracja Hotelu Soubise, architekt Delamere, 1730).
Ciekawostką jest kościół San Lorenzo w Turynie (1668-1687). Tutaj architekt Guardi wykorzystał możliwości ówczesnych projektów.
Niemcy charakteryzuje się różnorodnością stylistyczną i obecnością obcych wpływów w różnych regionach kraju na początku XVIII wieku. Na zachodzie odczuwalne są wpływy Francji, na północy – Holandia, na południu – Włochy. Jako przedstawiciel późnego baroku w Niemczech architekt Balthasar Neumann (1687-1753) rozpoczął w 1743 roku budowę kościoła Czternastu Świętych na szczycie góry nad Menem. W późnobarokowych kościołach włoskich kopuła często tonęła w półmroku, natomiast w kościele Czternastu Świętych światło wpada przez duże okna ze wszystkich stron. Do budowli utrzymanych w stylu barokowym zalicza się kościół św. Jana Nepomucena w Monachium (pierwsza połowa XVIII w., architekt E.-K. Azam), Zwiinger w Dreźnie (pierwsza połowa XVIII w., architekt Peppelman),
W XVIII wieku Styl rokoko pojawia się we wnętrzach Niemiec i Austrii. Do rozwoju rokoka w Niemczech przyczynił się Francuz François Cuvillier (pawilon Amalionburg w Nymferburgu koło Monachium).
Belgia pokazała styl barokowy wyraźniej niż Holandia.
Anglia. Wiodący mistrz drugiej połowy XVII wieku - początku XVIII wieku. był Christopher Wren. Jego największym dziełem jest Katedra św. Piotra w Londynie. Projekt łączył bazylikę i kościoły z centralną kopułą. Fasada, flankowana dwoma portykami, nawiązuje do gotyku angielskiego, jednak ozdobiona jest porządkiem. Architektura w całości jest klasyczna, barok przejawia się w podkreślonej monumentalności i pewnej malowniczości wież. Klasyczną powściągliwość widać także w innej pracy Wrena, Szpitalu Greenwich nad brzegiem Tamizy.
Współczesnym Wrenowi był John Vanbrough, najbardziej barokowy ze wszystkich angielskich mistrzów. Zamek Blenheim (1705) kompozycją przypomina Wersal.
Wnętrze barokowe. XVII wiek – stulecie mebli skrywających tajemnicę. Stosowane jest tutaj dno podwójne, czasem potrójne. Niemieckie szafki przypominały architekturę. Na przykład kliknięcie róży powoduje wysunięcie szafki. W tym czasie pojawiają się pozytywki i gobeliny. Rzym wynalazł szafę z wieszakiem (wcześniej były skrzynie). Architekt Charles Boulle wynalazł komodę. Porcelana Miśni w Niemczech przekazała porcelanowe figurki.
„Style Bull” to styl mebli pałacowych nazwany na cześć nadwornego mistrza Ludwika XIV, Andre Charlesa Bulla (1642-1732). Cechy charakterystyczne stylu: zastosowanie głównie hebanu, dekoracje z ram z brązu wypełnionych wstawkami ze skorupy szylkretu, macicy perłowej i innych materiałów, pręty, rozety. Podstawą kompozycyjną był panel z wprowadzeniem postaci ludzkich otoczonych wijącymi się ornamentami.
W najbardziej uderzających barokowych kompozycjach architektonicznych przestrzeń statyczna jest rozumiana jako przestrzeń o dynamicznym rytmie. Kolor został użyty w tym samym celu. Oddziela się od znaczenia obiektywnego i staje się abstrakcyjnym środkiem artykulacji przestrzeni. Służy do podkreślenia głębi (dzieła wiedeńskiego artysty Maulbertii (1724-1796)).
We Włoszech w XVII w. lobby zaprojektowano jako hol główny, skąd można wspiąć się monumentalnymi schodami do przedpokoju, a następnie do głównego holu głównego. Do połowy XVII wieku. stropy miały przeważnie płaski kształt, później zastąpiono je tzw. sklepieniami lustrzanymi (drewnianymi) na rozwiniętych popręgach, pokrytymi malowanym tynkiem. Płaszczyzny ścian ozdobiono elementami porządków i sztukaterii. Sufity wytyczone zostały prętami i ramami, w których umieszczono obrazy, tworząc efekt przełamania przestrzeni za sprawą perspektywicznych obrazów i kątów postaci. W mniejszych pomieszczeniach ściany obłożono tkaninami i pokryto malowidłami. Włoskie zdobienie barokowe wzorowane jest na motywach renesansowych. Sztuka użytkowa osiąga wyjątkowy rozwój, którego cechy w dużej mierze określił nadworny artysta Charles Lebrun.
SykstusVi układ barokowego Rzymu. Sykstus V wytyczył ulice nie uwzględniając istniejącej zabudowy, lecz w oparciu o wymogi układu topograficznego Rzymu.
Architekt Barromini pochodził z północnych regionów Włoch. Karierę zawodową rozpoczął od pracy jako murarz przy budowie kościoła św. Petra. Kościół San Carmo (1167) został zbudowany ze środków hiszpańskiego zakonu zakonu franciszkanów. Budowa kościoła Świętego Iwo w Rzymie trwała 25 lat (1642-1667) kosztem zakonu jezuitów. Sześcioramienna gwiazda, ulubiony motyw Barrominiego, przedstawia niewidzialny centralny rdzeń, na którym opiera się plan Sant'Ivo. Swoją interpretacją ścian i planem budowy Barromini wprowadził do architektury nową ideę plastyczności form. On. Dodało to dynamiki całemu wyglądowi architektonicznemu budynku. Falista ściana, podkreślone fragmenty kopuły kościoła św. Iwo, wykończenie kopuły w formie spirali skierowanej w niebo – to wszystko są drogi do jednego celu. Wpływ Barrominiego rozprzestrzenił się w całej Europie, a nawet wpłynął na planowanie miast, pomimo potępienia francuskich i angielskich architektów akademickich przez cały XVIII i większą część XIX wieku.
Wstęp
Włoskie słowo „barok” dosłownie oznacza „dziwny”, „dziwaczny”. Nazwa ta jest bardzo zgodna ze specyfiką kierunku stylistycznego w Sztuka europejska od końca XVI do połowy XVIII w. W historii sztuki XIX, a zwłaszcza XX wieku terminem „barok” zaczęto określać całą sztukę europejską XVII i XVIII wieku. (Encyklopedyczny słownik młodego artysty)
Teoretycy sztuki współczesnej mają tendencję do oddzielania przejawów formalnych w sztuce barokowej od jej afirmującego życie patosu i wtedy ogólna historia form artystycznych w sztuce może jawić się jako kontrast między barokiem a klasycyzmem. (Germaine Bazin „Barok” i „Rooko”)
Klasycyzm odnosi się do stylu i kierunku w sztuce XVII – XIX wieku. Filozoficzną podstawą klasycyzmu była idea rozsądnego układu świata, prymatu rozumu i obowiązku społecznego w życiu człowieka oraz pięknej, uszlachetnionej kultury. Sztukę klasycyzmu cechuje chęć wyrażania wielkich treści społecznych oraz wzniosłych ideałów heroicznych i moralnych. (Encyklopedyczny słownik młodego artysty)
Niemiecki teoretyk Wölfflin opisał formalną charakterystykę każdego z tych dwóch kierunków. Uważał, że sztuka klasyczna adresowana jest do natury – jest sztuką obserwacji, jej celem jest odnalezienie za zewnętrznymi przejawami głębokiej prawdy, która wyznacza uniwersalny porządek rzeczy. Klasycyzm wyróżnia się prostotą i przejrzystością, jego części składające się na całość są samowystarczalne, statyczne i zamknięte w swoich granicach. Wręcz przeciwnie, barokowy artysta stara się ukazać całą różnorodność zjawiska, uchwycić przepływ w nieustannym odnawianiu, jego kompozycje są dynamiczne, otwarte i skłonne do wyłamywania się ze swoich granic, elementy, z których się składają, łączy ze sobą stanowi pojedynczą akcję organiczną i nie można ich od siebie usunąć.
Upodobanie baroku do patosu skłania mistrzów tego nurtu do wybierania tematów dramatycznych, ukazywania cierpienia i żywych emocji, życia i śmierci w ich najbardziej dramatycznych przejawach, podczas gdy twórcy klasycyzmu starają się ukazać osobę mającą całkowitą kontrolę nad sobą.
Klasycyzm stał się zwieńczeniem sztuki klasycznej, która właśnie tymi ideami inspirowała wielu artystów już w okresie największego rozkwitu baroku. Które stworzyły podstawę francuskiej estetyki i zdeterminowały gusta artystyczne w Anglii. (Germain Bazin „Barok” i „Rooko”).
Barokowy
Sztuka „baroku” ukształtowała się i rozkwitła we Włoszech, gdzie pracował największy architekt i rzeźbiarz L. Bernini, malarz, przywódca realizmu demokratycznego Caravaggio, zwolennicy akademizmu bracia Carracci itp. Styl miał gloryfikować i krzewienia władzy szlachty i Kościoła, wyrażał postępowe idee o jedności, bezgraniczności i różnorodności świata, o jego złożoności i zmienności. Za zasadniczą cechę „baroku” można uznać dążenie do syntezy sztuk, unifikację architektury, rzeźby, malarstwa i sztuka dekoracyjna. Syntezą sztuki klasycznej objęła sztukę monumentalną, charakterystyczną dla baroku, rokoka i klasycyzmu rosyjskiej kultury artystycznej drugiej połowy XVIII wieku.
W sztuce baroku dominują mistrzowskie kompozycje dekoracyjne o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym, portrety ceremonialne podkreślające uprzywilejowany status społeczny człowieka.
Osobliwością „Baroku” nie jest przestrzeganie renesansowej harmonii na rzecz bardziej emocjonalnego kontaktu z widzem. Duże znaczenie nabrały efektów kompozycyjnych, wyrażonych odważnymi kontrastami skali, koloru, światła i cienia. Ale jednocześnie artyści baroku dążą do osiągnięcia jedności rytmicznej i kolorystycznej, malowniczości całości.
„Barok” rozpowszechnił się we Flandrii (słynni przedstawiciele „baroku” we Flandrii - P. P. Rubens, F. Sneijdars, J. Jordaens, A. Van Dyck), w Hiszpanii, Portugalii, południowych Niemczech, Austrii, Czechach, Słowacji , Chorwacja, zachodnia Ukraina, Litwa. We Francji „barok” połączył się z klasycyzmem w jeden bujny styl.
W Rosji reformy Piotra 1, rozwój i wzmocnienie monarchii szlacheckiej w pierwszej połowie XVIII wieku przyczyniły się do rozkwitu sztuki barokowej, co odzwierciedlało nie tylko pragnienie szlachty nowego sposobu życia, ale także także szerokie nastroje społeczne, poczucie dumy z sukcesów państwa i narodu. Rosyjska architektura barokowa osiągnęła majestatyczny rozmach, wielką integralność i dynamikę w zespołach miejskich i podmiejskich Petersburga, Peterhofu (Petrodvorets), Carskiego Sioła (Puszkina), Moskwy - architekci V. Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevokinsky. Sztuki piękne zwróciły się ku świeckiej tematyce społecznej, ku wizerunkowi męża stanu. W portretach przepych kompozycji łączono z autentycznością cech postaci (rzeźba K.B. Rastrelli, malarstwo I.N. Nikitina, A.P. Antropowa).
Jeden z dominujących stylów w architekturze i sztuce europejskiej końca XVI – połowy XVIII wieku, „barok” ugruntował się w epoce intensywnego kształtowania się narodów i państw narodowych (głównie monarchii absolutnych). Barok ucieleśniał nowe idee o jedności, bezgraniczności i różnorodności świata, o jego dramatycznej złożoności i wiecznej zmienności; zainteresowanie realnym środowiskiem, naturalnymi elementami otaczającymi człowieka, „barok” zastąpił humanistyczną kulturę artystyczną renesansu i wyrafinowaną subiektywizm sztuki manieryzmu. Porzucając tkwiące w klasycznej kulturze renesansu idee o harmonii i ścisłych prawach istnienia, o nieograniczonych możliwościach człowieka, jego woli i rozsądku, estetykę barokową zbudowano na zderzeniu człowieka ze światem, zasadami idealnymi i zmysłowymi, rozumem i potęga irracjonalnych sił. Człowiek w sztuce baroku jawi się jako osobowość wieloaspektowa, ze złożonym światem wewnętrznym, uwikłana w cykl i konflikty otoczenia.
Sztukę baroku charakteryzuje wielkość, przepych i dynamika, żałosne uniesienie, intensywność uczuć, zamiłowanie do spektakularnych spektakli, połączenie iluzorycznego z realnym, mocny kontrast skal i rytmów, materiałów i faktur, światła i cienia.
Synteza sztuki barokowej, która ma charakter kompleksowy i dotyczy niemal wszystkich warstw społeczeństwa (od państwa i arystokracji po niższe warstwy miejskie i częściowo chłopstwo), charakteryzuje się uroczystą, monumentalno-dekoracyjną jednością, która zadziwia wyobraźnią jego zakres. Zespół miejski, ulica, plac, park, osiedle – zaczęto rozumieć jako artystyczną całość rozwijającą się w przestrzeni, rozwijającą się przed widzem na różne sposoby. Barokowe pałace i kościoły dzięki luksusowej, dziwacznej plastyczności fasad, niespokojnej grze światłocienia, skomplikowanym krzywoliniowym planom i zarysom nabrały malowniczości i dynamiki oraz zdawały się wtapiać w otaczającą przestrzeń. Uroczyste wnętrza barokowych budynków ozdobiono wielobarwną rzeźbą, modelarstwem i rzeźbieniem. Lustra i obrazy iluzorycznie powiększały przestrzeń, a malowanie sufitów stwarzało iluzję otwartych sklepień. Idealizacja obrazów łączy się z gwałtowną dynamiką, nieoczekiwanymi efektami kompozycyjnymi i optycznymi, rzeczywistość z fantazją, religijną afektacją z podkreśloną wrażliwością, a często z ostrą naturalnością i materialnością form, graniczącą z iluzją. W dziełach sztuki barokowej rzeczywiste przedmioty i materiały łączone są parami (posągi z prawdziwymi włosami i zębami, kaplice z kości itp.).
W malarstwie bardzo ważne nabywają emocjonalną, rytmiczną i kolorystyczną jedność całości, często swobodną swobodę ruchu, w rzeźbie malowniczą płynność formy, poczucie zmienności w tworzeniu obrazu, bogactwo aspektów i wrażeń.
We Włoszech – kolebce baroku – niektóre jego założenia i techniki pojawiły się już w XVI w. malarstwo dekoracyjne Correggio, dzieła Caravaggia, budowle G. Vignoli (typ kościoła wczesnobarokowego), rzeźba Giambologna. Styl barokowy znalazł swoje najpełniejsze i najżywsze ucieleśnienie w pełnych religijnej i zmysłowej afektacji twórczości architekta i rzeźbiarza L. Berniniego, architekta F. Borrominiego i malarza Pietro da Cortony. Później włoski barok ewoluował do fantastycznych budowli G. Guariniego, brawurowego malarstwa S. Rosy i A. Magnasco, zawrotnej lekkości obrazów G.B. Tiepopo. We Flandrii światopogląd zrodzony z holenderskiej rewolucji burżuazyjnej lat 1566-1602 wprowadził do sztuki barokowej potężne, afirmujące życie zasady realistyczne (obrazy P. P. Rubensa, Van Dycka, J. Jordaensa). W XVII-wiecznej Hiszpanii w ascetycznej architekturze szkoły H.B. de Herrera, w malarstwie realistycznym J. de Ribera i F. Zurbaran, rzeźba J. Montaneza. W XVIII wieku w zabudowaniach H.B. de Churreguers formy barokowe osiągnęły niezwykłą złożoność i wyrafinowanie dekoracyjne (jeszcze bardziej przerośnięte w krajach „ultrabarokowych” Ameryka Łacińska). Styl barokowy doczekał się wyjątkowej interpretacji w Austrii, gdzie łączono go z tendencjami rokoko (architekci I.B. Fischer von Erlach i I.L. Hildebran, malarz F.A. Maulberich) oraz z państwami absolutnymi Niemiec (architekci i rzeźbiarze B. Neumann, A. Schlüter, M.D. Peppeman, bracia Azam, rodzina Dinzehofer, która pracowała także w Czechach), w Polsce, Słowacji, Węgrzech, Słowenii, Chorwacji, Zachodzie. Ukraina, Litwa. We Francji, gdzie w XVII wieku klasycyzm stał się stylem wiodącym, barok aż do połowy stulecia pozostawał nurtem pobocznym, jednak wraz z całkowitym triumfem absolutyzmu oba kierunki połączyły się w jeden pompatyczny duży styl (dekoracja sal Wersal, malarz C. Leburn). Pojęcie „barok” czasami błędnie rozciąga się na całą kulturę artystyczną, w tym na zjawiska dalekie od baroku pod względem treści i stylu (na przykład „barok Naryszenskiego” czy „barok moskiewski” w architekturze rosyjskiej). W wielu krajach europejskich rozwinęły się prężne narodowe szkoły realistyczne, oparte zarówno na technikach karawagizmu, jak i na lokalnych tradycjach artystycznych realizmu. Najwyraźniej wyraziły się one w wyjątkowo oryginalnych dziełach wielkich mistrzów (D. Velazquez w Hiszpanii, F. Hals, J. Wermeer z Delfot, Rembrandt w Holandii itp.), zasadniczo odmiennych, a czasem celowo przeciwstawnych koncepcje artystyczne barokowy.
Epoka baroku naznaczona była wszędzie rozwojem sztuki monumentalnej oraz sztuki dekoracyjnej i użytkowej, ściśle powiązanej z architekturą. W pierwszej połowie XVIII wieku barok ewoluował do pełnej wdzięku lekkości stylu rokoko, korespondował z nim i splatał się z nim, a od lat 70. XVIII wieku. wszędzie zastępowany przez klasycyzm.
Klasycyzm
Po wejściu w okres upadku pod koniec XVII wieku, klasycyzm odrodził się w okresie Oświecenia w XVIII wieku.
Klasycyzm nowego oświecenia istniał przez cały XVIII wiek wraz z realizmem oświeceniowym, a pod koniec stulecia ponownie stał się dominującym ruchem artystycznym.
główny temat Sztuka klasycyzmu to triumf zasad społecznych nad zasadami osobistymi, obowiązku nad uczuciami. Klasycyzm charakteryzuje się ścisłą organizacją logicznych, wyraźnych i harmonijnych obrazów. Cechowały go jednak cechy utopizmu, idealizacji i klarowności obrazów, które narosły w okresach jego kryzysu, gdy klasycyzm kojarzono z reakcyjnymi siłami społecznymi. Architekturę klasycyzmu cechuje przejrzystość i poprawność geometryczna brył oraz regularność układu. Na powierzchni ścian wyróżniają się portyki, kolumnady, posągi i płaskorzeźby.
Rozwój klasycyzmu w dużej mierze związany jest z Akademiami Sztuk Pięknych w Paryżu, Petersburgu itp. W drugiej połowie stulecia klasycyzm odrodził się we Francji, Niemczech i Rosji. W tym czasie kojarzono go z ideałami Oświecenia, a pod koniec XVIII wieku z ideami Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Oświeceniowcy pod wieloma względami kontynuują tradycje klasycyzmu XVII wieku. Odnaleźli bliską pozycji człowieka wyrażonego w klasycyzmie, świadomie odnoszącego się do świata do siebie, zdolnego podporządkować swoje aspiracje i pasje powinności społecznej i moralnej, patosowi cywilizacji i racjonalistycznej koncepcji twórczości artystycznej.
Zmienia się jednak społeczno-polityczna orientacja klasycyzmu edukacyjnego. W tradycji klasycyzmu Wolter tworzy tragedie przesiąknięte walką z fanatyzmem religijnym, uciskiem absolutystycznym i patosem wolności. Odwoływanie się do antyku, jako do świata idealnych prototypów, który stanowił istotę klasycyzmu, w tym Oświecenia, miało głębokie korzenie w ideologii Oświecenia. Tam, gdzie oświeceni starali się przeniknąć zewnętrzne imperium życia, wyjść poza granice życia prywatnego, z reguły znajdowali się w świecie idealnych abstrakcji, ponieważ przez całe swoje starzenie się wychodzili od izolowanej jednostki i nie patrzyli dla istoty człowieka warunki społeczne jego istnienie nie w historii, ale w abstrakcyjnie pojętej naturze ludzkiej.
Literatura Wielkiej Rewolucji Francuskiej, która ubrała heroiczne aspiracje w antyczne mity i legendy (dzieła M. J. Cheniera i innych), jest ściśle związana z klasycyzmem pedagogicznym. W granicach starożytności przywódcy rewolucji, według chwały K. Marksa, „znaleźli ideały i formy artystyczne, iluzje potrzebne im, aby ukryć się przed sobą
się do ograniczonej burżuazyjnie treści swojej walki, aby utrzymać inspirację u szczytu wielkiej tragedii historycznej”.
Pod wpływem literatura francuska Klasycyzm rozwija się także w innych krajach Europy: w Anglii (A. Pop, J. Addison), Włoszech (V. Alfieri, częściowo Ugo Fosoklo), w Niemczech (I.K. Gottsched). Klasycystyczne dzieła Gottscheda, przykłady całkowicie francuskie, nie pozostawiły znaczącego śladu w literaturze niemieckiej i dopiero w drugiej połowie XVIII wieku wyłonił się nowy niemiecki klasycyzm jako oryginał zjawisko artystyczne(Klasycyzm weimarski).
W odróżnieniu od francuskiego wysuwa na pierwszy plan problemy moralne i estetyczne. Jego podwaliny położył I.I. Winkelmana, ale swój najwyższy szczyt osiągnął dzięki I.V. Goethe i F. Schiller w okresie swojej twórczości. „Szlachetna prostota”, harmonia i doskonałość artystyczna klasyków greckich, które powstały w warunkach demokracji polis, niemieccy poeci sprzeciwiał się nędzy niemieckiej rzeczywistości i całej współczesnej cywilizacji, która kaleczy ludzi. Schiller i po części Goethe poszukiwali w sztuce głównych środków wychowania harmonijnej osobowości i zwracając się do starożytności, starali się stworzyć nową, nowoczesną literaturę o wysokim stylu, zdolną spełnić to zadanie.
W epoce imperium napoleońskiego klasycyzm utracił swoją żywą, postępową treść. Cechował go zewnętrzny oficjalny przepych i widowiskowość, zimny i martwy akademizm. Niemniej jednak, jako ruch epigoński, istniał we Francji do lat 30-40 XX wieku. 19 wiek.
W połowie XVIII w. wyłonił się nowy kierunek, odpowiadający oświeceniowemu klasycyzmowi w literaturze i rozwijający się początkowo w polemice z rokokiem. W architekturze coraz częściej odchodzą od sztywnych schematów planowania i dążą do podkreślenia konstruktywnego znaczenia porządku, Specjalna uwaga nawiązuje do wnętrza i elastycznego układu komfortowego budynku mieszkalnego. Idealną oprawą dla nowego typu klasycystycznej zabudowy jest otoczenie krajobrazowe „angielskiego” parku.
Na klasycyzm XVIII wieku duży wpływ miał rozwój wiedzy archeologicznej o starożytności greckiej i rzymskiej (zwłaszcza wykopaliska w Herkulanum i Pompejach), a także prace teoretyczne I.I. Winkelman, I.V. Goethe, F. Schiller. W architekturze francuskiej tej epoki wyłaniają się typy architektoniczne: niezwykle kameralna rezydencja, lakonicznie monumentalny budynek użyteczności publicznej, otwarty plac miejski (architekci J.A. Gabriel, J.J. Souflot). Obywatelski patos i liryczna senność łączą się na różne sposoby w plastyce J.B. Pigalya, E.M. Falconet, J.A. Houdona, malarstwo historyczno-mitologiczne J.M. Vienne, dekoracyjne krajobrazy autorstwa Yu Robbera. W przededniu wielkiej rewolucji francuskiej w architekturze istnieje zapotrzebowanie na surowe formy lapidarne, imponujące obrazy dydaktyczne, architekci coraz częściej sięgają po motywy greckiej sztuki archaicznej Starożytny Egipt, czasem do systemu pozbawionego korzeni (budynki i projekty K.N. Ledoux, E.L. Bulle, J.J. Lequet). Punktem wyjścia stały się te poszukiwania (naznaczone także wpływem rycin architektonicznych Piranesiego). późny klasycyzm lub w stylu imperialnym.
W sztukach wizualnych największe znaczenie nabrało logicznego rozwoju fabuły, jasnej, zrównoważonej kompozycji, zaplanowanej uogólnionej linii konturu i wyraźnego modelowania objętości. Kolor pełnił rolę podrzędną i służył podkreśleniu akcentów semantycznych, podkreślając wiodącą rolę konstrukcji liniowo-objętościowej.
W malarstwie klasycyzmu największym przedstawicielem ruchu rewolucyjnego był J. David, którego twórczość pełna jest odważnego dramatyzmu i powagi struktury figuratywnej. W epoce Napoleona I w architekturze Cesarstwa Francuskiego nasiliły się cechy bujnej reprezentatywności, często prowadzące do nadmiernego dopracowania detali, co miało także wpływ na dekoracyjność sztuka stosowana. Malarstwo późnego klasycyzmu, pomimo pojawienia się poszczególnych głównych mistrzów (Ingres), wyraża się w oficjalnie apologetycznym kierunku.
W rzeźbie (J.B. Pigalle, E.M. Falconet, J.A. Houdon we Francji, Gottfried Schadow w Niemczech, B. Thorvaldsen w Danii, A. Canova we Włoszech, M.I. Kozlovsky, I.P. Martos, F.F. Shchedrin w Rosji), rysunek, grawerowanie - idee bohaterstwo obywatelskie, obowiązek publiczny, ideały wychowawcze o szlachetnej prostocie i spokojnej wielkości wyrażały się w ścisłych, jasnych formach, inspirowanych sztuką starożytną i renesansową, często w dziełach o tematyce antycznej. Dekorację architektoniczną i sztukę zdobniczą oparto na wzorach starożytnych.
Klasycyzm, ugruntowany w architekturze rosyjskiej, przez ponad pół wieku odgrywał w Rosji rolę dominującego nurtu. Jej podstawą była oświeceniowa estetyka racjonalizmu, dyktująca dominację rozumu kreatywność artystyczna, - w przeciwieństwie do ekspresji i zmysłowości, charakterystycznej przede wszystkim dla sztuki barokowej.
Klasycyzm nie stał się jednak w XVIII wieku stylem obejmującym wszystko; w połowie tego stulecia ukształtował się i zaczął rozwijać według własnych praw kierunek romantyczny, ściśle związany z estetyką sentymentalizmu i kultem epoki. osoba „naturalna”, żyjąca w jedności z naturą i wolna od wszelkiego rodzaju ucisku.
W architekturze europejskiej XVII i XVIII wieku równolegle rozwijały się dwa style - barok i klasycyzm. Klasycyzm nazywano stylem „neogreckim” lub „pompejskim”. Chęć trzymania się klasycyzmu w architekturze nazywano także „paladianizmem”.
We Francji klasycyzm to styl „Ludwika 16”, w Hiszpanii klasycyzm kojarzony był z nazwiskiem architekta Herrery Juana Batisty De i nazywany był „Erresco”.
Ewolucja stylu architektonicznego klasycyzmu pod koniec XVIII wieku doprowadziła do jego degeneracji w kierunku architektury empirowej. Styl przejściowy to „styl francuskiego katalogu”.
W Państwo rosyjskie styl architektoniczny Klasycyzm nadszedł pod koniec XVIII-XIX w. i zajął silną pozycję, wypierając rosyjski barok. Klasycyzm, uznawany za oficjalny styl rodziny cesarskiej, szybko się rozprzestrzenił stolice Rosji i jego ośrodków prowincjonalnych.
Zaprojektowano i zbudowano nowe zespoły pałacowe dla członków rodziny cesarskiej w nowym stylu architektonicznym. Ten sam styl powielano na prowincji, w dużych i małych budynkach dworskich rosyjskiej szlachty.
Podobnie jak w innych krajach europejskich, w Imperium Rosyjskim nowy styl architektoniczny - klasycyzm - nabrał pewnego charakteru, co później umożliwiło wprowadzenie do obiegu takiej koncepcji naukowej, jak klasycyzm rosyjski w architekturze teoretycznej.
Klasycyzm rosyjski charakteryzuje się następującymi cechami:
Wykorzystanie klasycznych greckich schematów porządku w postaci kolumnad, portyków, frontów w zagospodarowaniu całościowej kompozycji budowli;
Rozpoznawanie znaków symetrii jako podstawy opracowania kompozycji architektonicznej świątyń, pałaców i innych typów budowli;
Stosowanie ścisłych prostokątnych konturów planów i fasad budynków wszystkich typów;
Zastosowanie klasycznych form rzeźbiarskich w architekturze zewnętrznej i wewnętrznej.
Podobnie jak w architekturze europejskiej, w Rosji styl architektoniczny klasycyzmu ewoluował w styl Empire - rosyjską pochodną francuskiego „imperium”.
Sztuka baroku (XVII wiek).
Główne cechy baroku:
· Główne cechy baroku:
· Kontrasty we wszystkim, niespójność
· Pompa, pretensjonalność, teatralność, chęć zaskoczenia, nawarstwianie szczegółów
· Dynamizm (kult ruchu)
· Żałosny (przesadna emocjonalność)
·Priorytet osobisty
· Przesunięcie proporcji, utrata harmonii i symetrii
Najbardziej rozpowszechniona wersja pochodzenia terminu „barok” pochodzi od hiszpańskiego słowa oznaczającego perłę o nieregularnym kształcie. Głównymi cechami baroku są przepych, powaga, przepych, dynamizm i afirmujący życie charakter. Sztukę baroku charakteryzują odważne kontrasty skali, światła i cienia, koloru oraz połączenie rzeczywistości i fantazji. Szczególnie należy zauważyć w stylu barokowym połączenie różnych sztuk w jeden zespół - syntezę architektury, rzeźby, malarstwa i sztuki dekoracyjnej. To pragnienie syntezy sztuk jest podstawową cechą baroku. Styl barokowy miał na celu gloryfikację i propagowanie władzy władzy, szlachty i kościoła, ale jednocześnie wyrażał postępowe idee dotyczące złożoności wszechświata, bezgraniczności i różnorodności świata, jego zmienności. Człowiek w sztuce baroku postrzegany jest jako część świata, jako złożona osobowość przeżywająca dramatyczne konflikty.
W dziełach barokowych panuje burzliwy, szybki rytm bicia samego życia, wybuch emocji, przesada w wyrażaniu uczuć. Jeśli w sztuce renesansu zasady ziemskie, fizyczne i duchowe zostały organicznie połączone, to w baroku widzimy ich konflikt. Elementy natury i elementy ducha są w ciągłym konflikcie. Sztuka baroku to sztuka żałosna. Obraz barokowy jest zawsze aktywny w stosunku do widza, chwyta jego zmysły, odwołuje się do jego emocji.
W XVII wieku niewielu mogło uwierzyć w deklarację Pico della Mipandoldy: człowiek tworzy siebie i swoje własne przeznaczenie i może wznieść się do poziomu istoty boskiej. Ludzkość nabrała przekonania, że jednostka sama jest zdana na łaskę czasu. To poczucie czasu, przepływu, zmienności jest cechą charakterystyczną światopoglądu nadchodzącej epoki.Człowiek nie myśli o sobie w kategoriach stabilności, jak miało to miejsce w renesansie, a zwłaszcza w średniowieczu. „Cały świat to wieczna huśtawka” – mówi Michel Montaigne. - Nie jestem w stanie naprawić obiektu, który przedstawiam. Wędruje chwiejnie i bezładnie, bo tak go stworzyła natura. Biorę go takim, jakim jest przede mną w chwili, gdy mnie zajmuje. I nie maluję go w bezruchu.
Sama osobowość podlega prawu zmienności. Daleka jest od wszechmocy i nie jest centrum wszechświata ani jego szczytem. Nie wszechmocna, ale interesująca w swoich zmianach. Te przejściowe aspekty starają się uchwycić artyści baroku.
Porzuciwszy nieodłączne od klasycznej kultury renesansu idee dotyczące harmonii i ścisłych praw istnienia, o nieograniczonych możliwościach człowieka, jego woli i rozsądku, estetyka barokowa została zbudowana na antytezach człowieka i świata, zasadach idealnych i zmysłowych, rozsądku i potęgę irracjonalnych sił. Człowiek w sztuce baroku nie jawi się już jako centrum Wszechświata, ale jako wieloaspektowa osobowość, posiadająca złożony świat doświadczenia związane z cyklem wydarzeń. Na sztukę baroku wpływały także antyfeudalne ruchy chłopskie i plebejskie, rewolucje burżuazyjne, które wprowadziły do niej strumień demokratycznych dążeń buntowniczych
Architektura.
Cechy: złożony kształt, asymetria, krzywoliniowość, obfitość sztukaterii, wykorzystanie porządku do celów dekoracyjnych.
Główną formą sztuki jest architektura. W renesansie panowała równość sztuk. W baroku o dominancie decyduje architektura.
Barokowe formy architektoniczne są przeciwieństwem ścisłej geometrii. Centr zastępuje zalegający, okrąg zastępuje owal, kwadrat zastępuje prostokąt, klarowność wyraźnych proporcji zastępuje różnorodność brył architektonicznych. Budynki są bogato zdobione rzeźbą i sztukaterią. Stosowane są tradycyjne formy zamówień, jednak zmienione w taki sposób, że tworzą wrażenie zachwianych proporcji. Barok powstał we Włoszech. To tutaj ukształtowały się główne cechy stylu. Katedry katolickie wyróżniają się różnorodnością form i przepychem dekoracji. Ale innowacja jest szczególnie wyraźnie widoczna w zespołach parków, placów i ulic. Architekci stworzyli nowy układ urbanistyczny, nadając ulicom linię prostą i kończąc je kwadratami. To właśnie w Rzymie po raz pierwszy wdrożono układ trzech ulic – promieni odchodzących od placu. Skrzyżowania ulic oznaczono obeliskami, a place ozdobiono fontannami. Główną zasługą baroku jest tworzenie zespołów architektonicznych.
Michał Anioł Buonarotti (1475 - 1564). Po raz pierwszy elementy stylu barokowego znajdują się u Michała Anioła w jego Bibliotece Laurenziano i Bazylice św. Piotra w Rzymie. Zastosowanie zakrzywionych linii, zmiana znaczenia ściany, wykorzystanie detali architektonicznych – wszystkie te innowacyjne techniki Michała Anioła będą stanowić podstawę zasad stylu barokowego. Michała Anioła można nazwać ostatnim architektem renesansu i pierwszym architektem baroku.
Lorenzo Bernini (1598 - 1680). Architekt, rzeźbiarz, malarz, dekorator. Uważany za twórcę baroku. Prace zachwycają przestrzennością, przepychem i przepychem dekoracji, odważnymi efektami perspektywicznymi i holistyczną syntezą sztuk. Organicznie łączył architekturę i rzeźbę, stosował złocenie, różnorodne materiały i efekty świetlne. (Amplement placu Bazyliki św. Piotra w Rzymie, wnętrza kościołów rzymskich).
Giacomo della Porta. Kościół Il Gesu w Rzymie.
Francesco Borromin. Kościół San Carlo w Rzymie.
Rzeźba.
Cechy: dynamizm, światłocień, tworzenie grup rzeźbiarskich, patetyczny.
Architektury barokowej nie można sobie wyobrazić bez rzeźby. Ze względu na swoje przeznaczenie rzeźbę barokową dzielimy na kultową i świecką.Rzeźba kultowa powstała o tematyce biblijnej, głównie sceny cudów i męczeństwa (pojedyncze posągi, grupy rzeźbiarskie, kompozycje reliefowe, rzeźbiarskie nagrobki). Dynamizm, spektakularne pozy i wybuchy namiętności tych rzeźb wcale nie przypominają średniowiecznych ascetów i szlachetni bohaterowie Renesans. Rzeźbę świecką reprezentują uroczyste portrety monarchów i szlachty, rzeźby do fontann miejskich i ogrodów. rzeźba parkowa. Cechą charakterystyczną rzeźby barokowej jest interakcja z otoczeniem – wodą, powietrzem, światłem, ścianami i ogrodami. Prace te zatracają się w środowisku muzealnym, wymagają architektonicznej oprawy. Ponadto rzemieślnicy starali się przełamać bierność materiału, uduchowić i nasycić emocje kamieniem i brązem.
Materiał podlega środowisku artystycznemu.
Bernini: Ekstaza św. Teresy, wnętrze Bazyliki św. Piotra, Dawid, Ludwik XXIV, Fontanna di Trevi.
Obraz.
Cechy: wrażliwy bohater, żałosny, asymetria, złożoność kompozycji, bogata kolorystyka, kontrast światła i cienia, złożone kąty, kompozycja ukośna.
Głównymi odbiorcami był Kościół katolicki (kontrreformacja forsowała poszukiwanie nowych sposobów na przyciągnięcie wiernych i ustanowienie prymatu katolicyzmu w Europie) i sądy królewskie (chwalenia domagały się monarchie absolutystyczne, które rozwinęły się w większości krajów europejskich). Barok, z elementami przesady, wyrazu i patosu, doskonale służył tym celom. Cechami malarstwa barokowego są złożona forma i kompozycja (najczęściej ukośna), bogactwo różnych kątów, kult ruchu, bogactwo koloru oraz kontrast koloru i cienia. Kolor staje się dominujący, przez co wyraźna trójwymiarowość form ulega zatarciu. W porównaniu z renesansem pojawiły się nowe gatunki: sceny historyczne, bitwy, sceny myśliwskie, triumfy, alegorie, pejzaże i martwe natury. Spośród portretów najpopularniejszy jest portret ceremonialny.
Malowanie alfresko trafia do lamp sufitowych kościołów i pałaców. Najwyraźniej można było w nich zastosować nowe techniki malarskie. W przypadku abażurów najczęściej wybierano gatunek triumfu lub alegorii z dużą ilością postaci.
Piotra Pawła Rubensa (1577 - 1640). Flamandzki malarz-monumentalista, grafik, architekt-dekorator, projektant przedstawień teatralnych, naukowiec-humanista. Rubens jest ucieleśnieniem ducha baroku, ulubieńcem szczęścia i ulubieńcem fortuny. W swoich pracach zaszczepiał powszechną wolność, podziw dla zdrowego ciała i ludzkiej siły. Jego prace wyróżnia zmysłowość, oddana gloryfikacji piękna życia, radości istnienia. Zajmował się gatunkami malarstwa mitologicznego i alegorycznego, portretu. Pisał dużo na tematy biblijne. Jako prawdziwy artysta barokowy Rubens ukazywał nagie ciała w mocnym, podekscytowanym ruchu i tam, gdzie było to możliwe, wprowadzał motywy walki, zmagania, pościgu i intensywnego wysiłku fizycznego.
„Sceny myśliwskie”, „Perseusz i Andromeda”, „Zjednoczenie ziemi i wody”, „Podniesienie krzyża” i „Zejście z krzyża”, „Porwanie córek Leucypa”, „Portret Pokojówka".
Rembrandt Harmens van Rijn (1606 - 1669). Holenderski artysta i rytownik, przedstawiciel nurtu realistycznego baroku. W Holandii, jako kraju protestanckim, rozwinął się własny typ malarstwa:
Nie ma rozwoju sztuki monumentalnej i dekoracyjnej
Powstałe rodzaje małych obrazów (tzw. „mali Holendrzy”)
Popularne gatunki to portret, krajobraz, martwa natura, a także gatunki codzienne
Malarstwo religijne pozbawione jest mistycznej proweniencji i interpretowane jest jako realistyczna, codzienna historia
Rozwija się nieceremonialny typ portretu
Głównym tematem sztuki Rembrandta jest życie ludzkie w jego decydujących momentach. W swoich pracach poruszał problem moralnego sensu życia człowieka. W przeciwieństwie do wielu dzieł epoki baroku, w obrazach i rycinach Rembrandta można znaleźć głębokie idee filozoficzne wyrażone w prostych i wyraźnych obrazach. We wszystkich jego dziełach jest prawda życia, nie zawsze piękna. Pracował w różnych gatunkach. Największym sukcesem cieszą się obrazy przedstawiające sceny biblijne i portrety. W opowieściach biblijnych szukał wiecznych obrazów uogólniających, wybierając wątki, w których bohaterowie mogą wykazać się najwyższymi impulsami duchowymi. Jego obrazy są psychologicznie różnorodne, potrafi przekazać najsubtelniejsze impulsy emocjonalne – w tym Rembrandt pozostaje nieosiągalnym szczytem malarstwa światowego. Wśród malarskich środków wyrazu możemy wyróżnić słynny światłocień Rembrandta oraz złożoną interakcję koloru i światła. W obrazach Rembrandta niewiele jest działań zewnętrznych. Nacisk położony jest na wewnętrzną treść obrazu lub wydarzenia. Nawet w portretach tworzy cechę psychologiczną, która może zastąpić biografię bohatera.
„Powrót syna marnotrawnego”, „Autoportret z Saskią na kolanach”, „Nocna straż”, „Danae”, „Portret starca w czerwieni”.
©2015-2019 strona
Wszelkie prawa należą do ich autorów. Ta witryna nie rości sobie praw do autorstwa, ale zapewnia bezpłatne korzystanie.
Data utworzenia strony: 2016-04-15
Barokowy(zapewne: z portugalskiej perola barroca – perła o przedziwnym kształcie), styl emocji, dynamika, odzwierciedlenie światopoglądu, uczucia przeważają nad umysłem, bo człowiek czuje się częścią świata i nie da się zrozumieć, co czas, przestrzeń – potężny ruch – to światopogląd XVII wieku. To wiersze ruchu, uczuć, przeżyć: sceny tajemniczego męczeństwa, emocjonalności, monumentalności. Styl dominujący w sztuce europejskiej końca XVI – połowy XVIII wieku. Szersze rozumienie B. obejmuje zewnętrzne formy życia, karnawały, procesje oraz cechy prezentacji filozoficznej i naukowej, uznając B. za ogólne zjawisko kulturowe (jak gotyk i renesans). B. odzwierciedlał kryzys feudalizmu w dobie prymitywnej akumulacji i ekspansji kolonialnej oraz narastające sprzeczności w świadomości religijnej i społecznej. Barok był szeroko stosowany przez kontrreformację w architekturze świątynnej, która wyróżniała się szczególnym przepychem (budowle jezuitów; architektura „ultrabarokowa” w Ameryce Łacińskiej). Nieuzasadnione jest ograniczanie B. do ram kontrreformacji i reakcji feudalnej. Wraz z burżuazją dworską i kościelną rozwijają się formy „oddolnej burżuazji”, związane z wyrazem protestu antyfeudalnego, a także ruchem narodowo-wyzwoleńczym narodów słowiańskich przeciwko Habsburgom i jarzmowi osmańskiemu. B. wyróżnia się antynomią postrzegania i refleksji nad światem, napięciem zmysłowym i intelektualnym. Ascetyczne apele łączą się z hedonizmem, wyrafinowanie z chamstwem, abstrakcyjną symboliką z naturalistyczną interpretacją detali. B. to styl dynamiczny, efektowny, charakteryzujący się teatralnością, czarem i iluzjonizmem. B. przyswaja i przetwarza różne tradycje artystyczne, włączając je w rozwój stylów narodowych. B. cechuje chęć interakcji pomiędzy różnymi rodzajami sztuki (opera), rozumienie poezji jako mówiącego malarstwa i malarstwa jako cichej poezji oraz zamiłowanie do emblematyki i alegorii. B. opiera się na scholastycznej logice i retoryce, rozwija złożone metafory i porównania, dziedziczy najbardziej wyraziste formy artystyczne średniowiecza i renesansu, łączy antyczne obrazy z chrześcijanami. Racjonalizm retoryczny B. ułatwiał wyrażanie za jego pomocą idei wczesnego oświecenia. Odnotowano recepcję B. w romantyzmie i najnowszych ruchach modernistycznych.
W architekturze, sztukach pięknych i zdobniczych B. był jednym z głównych nurtów stylistycznych od końca XVI do połowy XVIII wieku. B. powstał w okresie intensywnego formowania się narodów i państw narodowych (głównie monarchii absolutnych), rozkwitu produkcji manufakturowej i jednoczesnego umacniania się reakcji feudalno-katolickiej. Ściśle związana z monarchią, arystokracją i kościołem sztuka B. miała na celu gloryfikację i propagowanie ich władzy. Jednocześnie odzwierciedlał nowe idee dotyczące jedności, bezgraniczności i różnorodności świata, jego dramatycznej złożoności i wiecznej zmienności, zainteresowania środowiskiem, środowiskiem człowieka, żywiołami naturalnymi. B. zastąpił zarówno kulturę artystyczną renesansu, jak i wyrafinowaną subiektywistyczną sztukę manieryzmu. Porzuciwszy nieodłączne od klasycznej kultury renesansu idee dotyczące harmonii i ścisłych praw istnienia, nieograniczonych możliwości człowieka, jego woli i rozumu, B. estetyka została zbudowana na antytezach człowieka i świata, zasadach idealnych i zmysłowych, rozumie i potęgę irracjonalnych sił. W sztuce B. człowiek nie jawi się już jako centrum Wszechświata, ale jako wieloaspektowa osobowość, ze złożonym światem doświadczeń, uwikłana w cykl i konflikty otoczenia. Na sztukę belgijską wpływały także antyfeudalne ruchy chłopskie i plebejskie oraz rewolucje burżuazyjne, które napełniły ją strumieniem demokratycznych dążeń buntowniczych.
Sztukę B. charakteryzuje wielkość, przepych i dynamika, patetyczne uniesienie, intensywność uczuć, zamiłowanie do spektakularnych spektakli, połączenie iluzorycznego z realnym, silne kontrasty skali i rytmu, materiałów i faktur, światła i cienia . Rodzaje sztuki tworzą uroczystą monumentalną i dekoracyjną jedność, uderzającą wyobraźnią swoim zakresem. Zespół miejski, ulica, plac, park, osiedle zaczęto rozumieć jako zorganizowaną całość rozwijającą się w przestrzeni, odsłaniającą się na różne sposoby widzowi w miarę jego ruchu. Dzięki luksusowej, dziwacznej plastyczności fasad, niespokojnej grze światłocienia, jedności pozornie płynnych form oraz skomplikowanym krzywoliniowym planom i konturom, pałace i kościoły Białorusi nabierają malowniczości i dynamiki, jakby wtapiając się w otaczającą przestrzeń. We wnętrzach ceremonialnych architektura łączy się z wielobarwną rzeźbą, modelarstwem i rzeźbieniem; lustra i obrazy iluzorycznie powiększają przestrzeń, a malowidła sufitowe tworzą iluzję otwartych sklepień.
Wczesny barok: kontynuuje tradycje renesansu.
1) Kościół Il Gesu (1545) – zaczynają się tu kształtować cechy stylowe. Standard budowy świątyń w całym XVII wieku. Budowę rozpoczął architekt Vignola, a ukończył Giacoma della Porta. Kościół jednonawowy, na planie krzyża. Fasada jest podana duże skupienie. Linie pionowe i poziome, wyraźny podział na dwie kondygnacje, co nadaje kościołowi równowagę. Na fasadzie środek kompozycji podkreślono kolumnami (porządek koryncki, nadający powagę, zwiększający monumentalność, trójkątny fronton. Elementy barokowe: waluta, łuk łukowy. Kopuła na środkowym krzyżu.
2) Kościół św. Zuzanna w Rzymie. Carlo Moderna (1596-1603) Podział wyraźny, ale fasada jest już bardziej wydłużona, podzielona rzędami, ozdobiona posągami.
3) Katedra św. Piotra w Rzymie. Idea planu centralnego ze stojącą pośrodku kopułą (Mikello). Rozpoczyna się odbudowa katedry. Ch. Carlo Modern stał się arcydziełem. Rozbudowuje katedrę o przednią część wejściową. Rodzaj krzyża łacińskiego, a nie greckiego. Istnieje rozszerzenie Narthex. Secesja przesunęła fasadę do przodu i zamknęła boki przed widzem dobudówką.
Dojrzały barok:
G. Lorenzo Berniniego
1) Katedra św. Piotra w Rzymie - w katedrze pod kopułą główną wzniesiono duży baldachim z brązu (cyborium) - 30 m, wsparty na 4 kolumnach.
2) Plac przed Katedrą Św. Piotra (1656-1667) – 2 kwadraty: duży eliptyczny otoczony kolumnami i przylegający do niego kwadrat trapezowy, zamknięty Ch. fasada katedry. Na środku placu znajduje się obelisk, a po jego bokach, w ogniskach elipsy, symetrycznie rozmieszczone są fontanny, a kolumnada uniemożliwia podejście do katedry z boku.
Francesco Borromini –(1599-1667), który w niesamowity sposób zaprojektował, narysował i zbudował. Szczególna złożoność i dynamika form doprowadzona do maksymalnego napięcia.
To Borromini odważnie odszedł od klasycznych kanonów, autorytatywnych decyzji, wcześniejszych zasad, potrafił (i zaprojektował) pomieszczenie o niespotykanej dotąd złożoności i mógł (i zbudował) ten skomplikowany budynek. To Borromini jest prawdziwym spadkobiercą nerwowej, bogatej w emocje architektury Michała Anioła Buonarrotiego niż Lorenzo Berniniego czy Pietro da Cortona.
1) Kościół San Carlo alle Quattro Fontane w Rzymie (1634-67). Fasada wygląda na niezależną kompleks architektoniczny. Jego główna część przypomina aplikację w stosunku do ściany kościoła, nadając jej zakrzywione, falowane kształty. Niszczą łukowate gzymsy i owalne kartusze. Plan kościoła przypomina 2 dzwony ułożone u podstaw. Przykryty owalną kopułą. Kontrast objętości zewnętrznej i wewnętrznej.
2) Sant Ivo w Rzymie - skomplikowane kontury, faliste ściany.
3) Borromini. Plan kościoła św. Karola przy Czterech Fontannach
4) Borromini. Oratorium Braci Filipińskich w Rzymie
Pietro da Cortona,
1) Kościół św. Maria - linie i płaszczyzny krzywoliniowe, początek plastyczny. Wyraźna oś symetrii, elementy porządku zaczynają wypełniać całą powierzchnię ściany zewnętrznej, linie belkowania przerywane są dekorem. 2 frontony (mały łuk). Istnieje sztukateria rzeźbiarska - dynamiczny charakter architektury jako całości.
B. Longena
1) C. Santa Maria della Salute w Wenecji (1631-87) - podstawa bryły na planie ośmioboku. Zwieńczona dużą kopułą, znajduje się druga bryła zawierająca ołtarz (wyposażony w kopułę, ale mniejszych rozmiarów. Wejście ma formę łuku triumfalnego. Kopuła jest połączona z głównymi ścianami kościoła za pomocą 16 spiral Woluta z zamontowanymi na nich rzeźbami (wzbogacona jest sylwetka budynku, nadająca charakteru). dekoracja zewnętrzna fragmentacja form architektonicznych.
Carlo Rainaldi (1611-1691)
1) C. Santa Maria in Compitelli – fasada dwukondygnacyjna, według układu kościoła Il Gesu. Wewnątrz biały marmur.
2) C. Sant Andrea della Valle – jak w Il Gesu
3) Sant'Agnese na Piazza Avona (1652-72) z Barrominim. Plac ozdobiony jest fontannami Berniniego. Łukowa wklęsła fasada jest ograniczona z 2 stron dzwonnicami. Kopuła nie jest przesłonięta płaszczyzną fasady.
Yuvara przeszedł interesującą ścieżkę jako architekt barokowy. Zaczynał jako scenograf i asystent przy rekonstrukcji budynków teatralnych. Nie wszystkie jego projekty zostały zrealizowane. Ale z budowy na budowę zdobywał doświadczenie. Jeśli Domenico Fontana (1543-1607) czy Francesco Caratti (? -1675) stosowali typ wydłużonego pałacu blokowego bez gry brył, Yuvara wzmacnia ekspresję swoich pałaców ukośnymi konstrukcjami, ryzalitami i grą różnych brył. Wystrój staje się coraz bardziej powściągliwy, nie stroni od boniowania, pilastrów i kolumn, tak znanych klasycyzmowi. Ale budynki nie stają się przykładami klasycyzmu, zachowującymi wielkość, różnorodność i piękno baroku. Ważną cechą stylu architektonicznego Yuvary były niezwykle wyraziste sylwetki budynków (zamek Stupinigi, Madryt Pałac Królewski, zwłaszcza Bazylika Superga).
Pytanie 48. Specyfika malarstwa flamandzkiego XVII wieku ujawnia się najwyraźniej w porównaniu z dziełami artystów holenderskich tego okresu. Cechą wspólną obu szkół artystycznych było umiłowanie życia i jego ziemskich radości. Ale o ile holenderscy artyści przedstawiali życie codzienne, codzienność, o tyle malarze flamandzcy często kojarzą się z porządkami kościół katolicki i szlachta, zwrócił się do tematów religijnych i mitologicznych. W Holandii rozwinął się typ skromnego, precyzyjnego portretu dokumentalnego, we Flandrii upowszechnił się portret ceremonialny. Holenderskie martwe natury są proste w kompozycji i obejmują z reguły kilka obiektów, a flamandzki artysta starał się każdą martwą naturę zamienić w hymn na cześć bogactwa i obfitości darów natury. Sztukę flamandzką cechowała chęć tworzenia obrazów heroicznych, dużych, wielopostaciowych scen, zróżnicowanych pod względem treści i charakteru.
W twórczości Petera Paula Rubensa (1577–1640) wszystkie te cechy malarstwa flamandzkiego objawiły się szczególnie wyraźnie. Rubens pracował dużo i z entuzjazmem nad dużymi, monumentalnymi dziełami. Jest to obraz ołtarzowy „Podwyższenie Krzyża”, który wykonał w 1611 roku dla katedry w Antwerpii. Ogromny obraz przedstawia ukrzyżowanego Chrystusa. To silny, odważny człowiek, pokonany przez swoich przeciwników. Muskularne sylwetki oprawców i ich energiczne ruchy nadają całej scenie charakter intensywnej walki. To nie narracja ewangelii, ale potężny oddech życia urzeka widza, gdy patrzy na ten obraz. W licznych obrazach polujących na drapieżniki (lwy, tygrysy, dziki) Rubens przekazuje największe napięcie sił ludzi i zwierząt. Rubens kochał naturę tak samo, jak kochał ludzi. Malował majestatyczne pejzaże z górskimi odległościami, wysokimi skałami i szybko pędzącymi chmurami. Artysta mocno odczuł walkę sił natury i wielkość wszechświata. Rubens ma także wiele obrazów historycznych. Jego znany serial„Życie Marii Medycejskiej” składa się z 21 dużych, dekoracyjnych płócien. Wprowadza tu obrazy alegoryczne i postacie mitologiczne, a jednocześnie przedstawia obok nich prawdziwe postacie historyczne. Tym samym na obrazie „Koronacja Marii Medycejskiej” uroczysta ceremonia została odtworzona z dużą dokładnością. Twarze są przedstawione z portretową dokładnością, kostiumy są zgodne z historią. Artysta pokazał nawet elementy architektoniczne gotyckiej katedry Saint Denis, w której odbyła się koronacja. Aby jednak podkreślić szczególne znaczenie chwili, wprowadził do obrazu alegoryczne postacie geniuszy chwały szybujących w powietrzu.
Rubens malował także portrety. Bardzo interesujący jest „Portret pokojówki”, który z subtelną duchowością oddaje wygląd skromnej dziewczyny - dworskiej infantki Izabeli. W setkach obrazów Rubensa, w jego wesołych i żywe kolory piękno i siła człowieka zostaną uwielbione, nieskończona różnorodność i wielkość natury. Nakładając cienkie warstwy półprzezroczystych farb, prześwitujących jedna spod drugiej, Rubens osiągnął niesamowitą świeżość i przekonujący obraz
ludzkie ciało, jedwabiste pasma włosów, cenne tkaniny. Najbardziej charakterystyczną cechą twórczości Rubensa, przed którą w większości stanęło zadanie nie przedstawiania codziennej rzeczywistości, ale tworzenia dużych, eleganckich dzieł, jest to, że zawsze wnosił w nie żywy dreszczyk życia.
Anthony Van Dyck (1599-1641) tworzył kompozycje religijne i mitologiczne bardzo bliskie stylowi Rubensa. Ale szczególnie zasłynął dzięki swoim portretom. Van Dyck malował bogatych mieszczan Antwerpii z żonami i dziećmi, artystów, lekarzy, dyplomatów, szlachtę i członków Anglików rodzina królewska. Artysta umiejętnie podkreślał cechy charakterystyczne każdego człowieka i poprzez malarstwo starał się odsłonić jego wewnętrzny świat. Szukał najbardziej wyrazistych póz i gestów rąk, dobierał odpowiednie tło i wyposażenie. Nawet oficjalne portrety ceremonialne, malowane przez niego na zamówienie szlachty, wciąż zadziwiają żywotnością swoich cech.
Bliskim przyjacielem i asystentem Rubensa był Frans Snyders (1579-1657), największy mistrz flamandzkiej martwej natury. Snyders często malował owoce i zwierzęta w twórczości Rubensa. Obrazy Snydera celebrują bogactwo i różnorodność natury otaczającej człowieka. Aksamitne odcienie brzoskwiń, matowy połysk winogron i śliwek, przezroczystość jagód czerwonej porzeczki były dla artysty równie udane, jak srebrzyste łuski ryb, kudłate futra psów i niedźwiedzi oraz fantazyjnie jasne pióra ptaków.
Po śmierci Rubensa i Van Dycka na czele szkoły flamandzkiej stanął Jacob Jordan (1593-1678). Najwięcej malował obrazy różne tematy, ale najbardziej znane są jego kompozycje gatunkowe i codzienne. To jest obraz „Król pije”. To scena wesołej uczty w bogatym flamandzkim domu. Wśród ożywionych, napełnionych winem twarzy wyróżnia się starzec w sztucznej koronie, ogłoszony „królem” wieczoru. Można odnieść wrażenie, że sam artysta daje się uwieść zabawie biesiadników. Jego bohaterowie są hałaśliwi i niegrzeczni, ale urzekają swoją szczerością i swobodą.
O ile Jordan malował głównie portrety zamożnych mieszczan, o tyle inny malarz gatunkowy, studiujący w Holandii, Adrian Brouwer (1606-1638), poświęcił swoje prace życiu chłopów i miejskiej biedoty. Uwielbiał przedstawiać proste zabiegi wiejskiego lekarza, sceny z karczmy i skromne pejzaże swojej ojczyzny. Brouwer z uwagą zauważał charakterystyczne pozy i ruchy ludzi, żywą mimikę. Jego malarstwo przekonało widza, że świat życia codziennego zasługuje na miano przedmiotu sztuki.
Uczeń Brouwera, David Teniers (1610-1690), odstąpił od wskazań swojego nauczyciela. Bardziej interesowała go świąteczna strona życia. Elegancko ubrani chłopi z Teniers, ukazani w chwili relaksu i zabawy, dalecy od wiernie przedstawionych bohaterów Brouwera. Charakterystyczne dla artysty pragnienie rozrywki znalazło odzwierciedlenie w tak zabawnej fabule jego obrazu, jak „Małpy w kuchni”. W przestronnej kuchni zamiast ludzi siedziały małpy, które uwielbiały je naśladować; gotują, jedzą, piją wino, grają w karty. Zróżnicowana tematycznie i znacząca pod względem umiejętności sztuka Teniersa dopełniała blask malarstwa flamandzkiego XVII wieku.
Pytanie 49. Mali Holendrzy, uogólniona nazwa holenderskich artystów XVII wieku, mistrzów życia codziennego, pejzażu i martwej natury, którzy wyraźnie wyrażali swoją tożsamość narodową malarstwo narodowe tym razem.
Zainteresowanie artystów małymi, niskimi tematami z życia codziennego i przeciwieństwem sztuki wielkiego stylu wysokimi tematami historycznymi i mitologicznymi, a także małym gablotowym formatem obrazów. Odwołaj się do przedstawienia na obrazach otaczającego nas prawdziwego świata i osoby bez podporządkowania się pewnemu ideałowi, dodaniu rozwiniętego systemu gatunków, rozwoju systemu malarstwa tonalnego.
Gatunek codzienny jest najbardziej uderzającym i oryginalnym zjawiskiem szkoły holenderskiej. Ostade, Bega i Dusart były pierwszymi, które się rozwinęły. Wczesne prace Ostade'a wyróżniają się dynamiką: chłopi rozmawiają przy fajce i kuflu piwa w karczmie, w domu, z rodziną na jarmarku. Pod wpływem Rembrandta głównym środkiem wyrazu stał się miękki złoty światłocień.
W połowie XVII w. Dow, Miris Starsza, przedstawiciele lejdeńskiej szkoły technik malarstwa miniaturowego, wyróżniający się bogactwem i subtelnością detali oraz gładką powierzchnią emalii, przedstawiający wizytę lekarza, naukowca przy pracy, wizytę w pracownia artysty, prace domowe czy towarzyskie rozrywki mieszczan schodzą w stronę zabawnej historii.
Sceneria. Pojawia się w dziełach mistrzów Goyena, Moleyna, Ruisdaela. Obrazy tych artystów przedstawiają małe zakątki wiejskiego krajobrazu w określonych warunkach pogodowych i oświetleniowych. Krajobraz morski lub przystań została zatwierdzona jako niezależna odmiana. Malarzy morskich fascynuje przeniesienie żywiołu wody, gra światła w chmurach i wodzie. Rozwój krajobrazu w połowie drugiej połowy XVII wieku charakteryzował się pojawieniem się nowych odmian gatunku, pogłębieniem i zróżnicowaniem treści emocjonalnej dzieł, większym, pogląd filozoficzny Do świata. Moc emanuje z leśnych krajobrazów Ruisdael, twórcy tego typu krajobrazu. Najbardziej utalentowanym następcą w tej dziedzinie był Hobbema, jednak w odróżnieniu od epickich obrazów nauczyciela, przyroda w jego pracach ma bardziej przyjazny, słoneczny wygląd, a w ostatnich latach wolał malować pejzaże uprawne. Wielu artystów Cape, Wauwerman, Mae itp. Zajmowało się mieszanym gatunkiem malarstwa pejzażowo-zwierzęcego, organicznie obejmującym wypas stad bydła, niechętne wyjazdy, jazdę konną i sceny bitew kawalerii w krajobrazie. Martwa natura. Najbardziej charakterystyczny rodzaj holenderskiej martwej natury – śniadanie – powstał w pracach malarzy Claesa i Hedy, przedstawiających nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Malowniczy nieład w układzie rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego, utrwalają ślady ludzkiej obecności. Putter i Beyeren udoskonalili obrazy ryb i innych stworzeń morskich. Na obrazach Hema i Steenwijka obok przedmiotów uosabiających ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne sprzęty) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) pojawia się czaszka i klepsydra jako przypomnienie przemijania życia. Bardziej demokratyczna martwa natura kuchenna pojawiła się w pracach Schotena i Reickhalsa. W połowie stulecia motyw skromnych śniadań przekształcił się w twórczości Strecka, Kalfa i Beyerena w luksusowe bankiety i desery. Pozłacane kielichy, chińska porcelana i ceramika z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają upodobanie do wdzięku i bogactwa, które ugruntowało się w holenderskim społeczeństwie. Venicke i Hondekoeter byli mistrzami przedstawiania trofeów myśliwskich i wybiegów dla drobiu. Ten rodzaj martwej natury szczególnie rozpowszechnił się w drugiej połowie XVII wieku w związku z zakładaniem majątków ziemskich i rozrywką myśliwską.
Pytanie 50 Twórczość genialnego Rembrandta (1606-1669) jest jednym ze szczytów malarstwa światowego. Rembrandt malował obrazy, portrety i pejzaże o charakterze historycznym, biblijnym, mitologicznym i codziennym; był jednym z najwięksi mistrzowie akwaforta i rysunek. Ale niezależnie od techniki, w jakiej pracował Rembrandt, w centrum jego uwagi zawsze znajdował się człowiek, jego wewnętrzny świat, jego doświadczenia.
Rembrandt Harmens van Rijn urodził się w Lejdzie jako syn właściciela młyna. W 1632 r. Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu i od razu zyskał sławę dzięki obrazowi „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632, Haga, Mauritshuis). Zasadniczo jest to duży portret grupowy lekarzy otaczających doktora Tulpę i uważnie słuchających jego wyjaśnień na temat sekcji zwłok. Taka konstrukcja kompozycji pozwoliła artyście przekazać cechy charakteru portretowanie każdej osoby i łączenie ich w luźną grupę o wspólnym stanie głębokich zainteresowań, podkreślając żywotność sytuacji.
Sukces pierwszego obrazu przyniósł artyście wiele zamówień, a wraz z nimi bogactwo, które powiększyło się wraz z małżeństwem z patrycjuszem Saskią van Uylenburgh. Rembrandt malował kolejno duże kompozycje o tematyce religijnej, jak „Ofiara Abrahama” (1635, Petersburg, Ermitaż), pełne dynamiki i patosu, oraz portrety ceremonialne. Fascynują go heroiczno-dramatyczne obrazy, pozornie spektakularne struktury, bujne, fantazyjne stroje, kontrasty światła i cienia oraz ostre kąty. Rembrandt często przedstawia Saskię i siebie, młodych, szczęśliwych, pełnych sił. Są to „Portret Saskii” (ok. 1634, Kassel, Galeria Obrazów), „Autoportret” (1634, Paryż, Luwr), „Autoportret Saskii na kolanach” (ok. 1636, Drezno, Galeria Obrazów). Rembrandt dużo pracował w dziedzinie akwaforty, zafascynowany motywami gatunkowymi, portretami, pejzażami i stworzył całą serię wizerunków przedstawicieli niższych warstw społecznych.
Już pod koniec lat trzydziestych XVII wieku ujawniło się zainteresowanie artysty realistycznymi obrazami na wielkoformatowych obrazach. Temat mitologiczny w obrazie „Danae” (1636, większość obrazu została przepisana w połowie lat czterdziestych XVII wieku, Petersburg, Ermitaż) uzyskał niezwykle żywotne i przekonujące rozwiązanie. Odmawiając gwałtownego patosu i efektów zewnętrznych, Rembrandt dążył do psychologicznej ekspresji.
W 1642 roku napisał na zlecenie kompanii strzeleckiej Duży obraz(3,87 x 5,02 m), ze względu na ciemnienie barw z biegiem czasu, otrzymało później nazwę „Straż Nocna” (Amsterdam, Rijksmuseum). Zamiast tradycyjnej uczty z portretami jej uczestników, gdzie każdy został uchwycony z całą dbałością o jego indywidualne cechy, jak to miało miejsce wcześniej, artysta przedstawił wyczyny strzelców podczas kampanii. Po podniesieniu sztandaru, prowadzeni przez kapitana, idą przy dźwiękach bębna wzdłuż szerokiego mostu w pobliżu budynku gildii. Niezwykle jasny promień światła oświetlający poszczególne postacie, twarze uczestników procesji oraz małą dziewczynkę z kogutem u pasa, jakby przedzierającą się przez szeregi strzelców, podkreśla zaskoczenie, dynamikę i emocje obraz; portret zbiorowy nabiera charakteru wyjątkowego malarstwa historycznego, w którym artysta stara się ocenić nowoczesność.
Przez całe lata czterdzieste XVII wieku narastały różnice między artystą a społeczeństwem burżuazyjnym. Ułatwiają to trudne wydarzenia w jego życiu osobistym, śmierć Saskii. Ale właśnie w tym czasie rozpoczął się czas dojrzałości w twórczości Rembrandta. Spektakularne sceny dramatyczne jego wczesnych obrazów zastępuje poetyka codzienności: dominuje tematyka liryczna, jak „Pożegnanie Dawida z Jonatanem” (1642), „Święta Rodzina” (1645, oba obrazy - St. Petersburg, Ermitaż), którego głębia ludzkich uczuć urzeka zaskakująco subtelnym i mocnym wcieleniem. Przenosi scenę z obrazu „Święta Rodzina” do biednego chłopskiego domu, gdzie ojciec pracuje jako cieśla, a młoda matka pilnie pilnuje snu dziecka. Wszystko tu przepełnione jest tchnieniem poezji, podkreślając nastrój ciszy, spokoju i wyciszenia. Sprzyja temu delikatne światło oświetlające twarze mamy i dziecka, najsubtelniejsze odcienie ciepłej, złotej barwy.
Ostatnia dekada- najtragiczniejszy okres w życiu Rembrandta; uznany za niewypłacalnego dłużnika, osiedla się w najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu, tracąc najlepszych przyjaciół i bliskich. Hendrickje i syn Tytus umierają. Ale nieszczęścia, które go spotkały, nie mogły powstrzymać rozwoju twórczego geniuszu artysty. Najgłębszy i wspaniałe prace Napisano je do niego właśnie w tym czasie. Portret zbiorowy „Sindiki” (starszych warsztatu sukienniczego, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) uzupełnia dorobek artysty w tym gatunku. Jego żywotność tkwi w głębi i charakterze każdego z ukazanych obrazów, w naturalności kompozycji, jasnej i zrównoważonej, w oszczędności i precyzji doboru detali, w harmonii powściągliwych schemat kolorów a jednocześnie w kreowaniu spójnego wizerunku grupy ludzi, których łączy wspólnota interesów, których broni. Niezwykły kąt podkreśla monumentalność obrazu, wagę i powagę tego, co się dzieje.
Fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym przyciągała artystę już wcześniej, pojawia się ona na jednej z jego rycin. Jednak dopiero pod koniec życia Rembrandt doznał najgłębszego objawienia. Obraz zmęczonego, skruszonego człowieka, który padł na kolana przed ojcem, wyraża tragiczną drogę poznawania życia, a obraz ojca, który przebaczył synowi marnotrawnemu, ucieleśnia najwyższe dostępne człowiekowi szczęście, granicę uczuć, jakie wypełniają serce. Rozwiązanie tej dużej kompozycji jest zdumiewająco proste, gdzie głównych bohaterów zdaje się rozświetlać wewnętrzne światło, gdzie gest rąk ojca, który na nowo odnalazł syna, wyraża jego nieskończoną dobroć, a pochylona postać wędrowiec w brudnych łachmanach, przytulony do ojca, wyraża całą moc pokuty, tragedię poszukiwań i strat. Inne postacie schodzą na dalszy plan, w półcieniu, a ich współczucie i troskliwość jeszcze bardziej podkreślają, jakby jaśniejąc ciepłym blaskiem, ojcowską miłość i przebaczenie, jakie wielki holenderski artysta pozostawił ludziom w testamencie.
Ekspansja form artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości i różnorodność tych form nasiliła się szczególnie w XVII wieku. problem stylu. Integralną cechą stylu jest synteza w jednej figuratywnej całości wszystkich rodzajów sztuk plastycznych, w których architektura odgrywa rolę wiodącą i formacyjną. Styl to system artystyczny charakteryzujący się jednością ideologicznych i figuratywnych zasad oraz technik języka artystycznego.
W XVII wieku Wyłoniły się dwa systemy stylistyczne: barok i klasycyzm, ale oprócz tego wykształcił się trzeci, pozalewicowy (realistyczny) kierunek w sztuce.
Sztuka barokowa rozwijała się w państwach feudalno-absolutystycznych pod silnym wpływem katolicyzmu (Włochy, Hiszpania, Flandria). Sztuk pięknych baroku nie można zrozumieć bez powiązania z architekturą. Architektura, która w większym stopniu niż inne rodzaje sztuki łączy w sobie czynniki użytkowe i artystyczne, wiąże się z postępem materialnym i jest w dużym stopniu uzależniona od panującej ideologii (architektura świątynna i urbanistyka prowadzona są za pieniądze kościoła i bogatych ludzi, ale jednocześnie służy społeczeństwu jako całości). W barokowych obiektach sakralnych najbogatsze możliwości syntezy architektury, rzeźby, sztuki zdobniczej i malarstwa mają za zadanie zadziwiać wyobraźnię widza i „nasycać” go uczuciami religijnymi. Również we Włoszech powstały budowle świeckie, stanowiące ważny etap w rozwoju światowej architektury. Rozwijane są metody urbanistyczne i integralny zespół urbanistyczny, powstają zespoły pałacowo-parkowe, w których odkrywane są nowe zasady powiązania architektury ze środowiskiem naturalnym.
Barok charakteryzuje się dużym uniesieniem emocjonalnym i patetyką obrazów, osiąganą dzięki skali budynków, przesadnej monumentalizacji form, dynamice konstrukcji przestrzennej i zwiększonej plastycznej wyrazistości brył. Stąd krzywoliniowość planów, załamania ścian, na których zdają się wyrastać gzymsy, frontony i pilastry; jest mnóstwo małych form dekoracji architektonicznej: okna zdobią różne listwy, nisze zdobią posągi. Ogólne wrażenie szybkiego ruchu i bogactwa uzupełniają rzeźba, obrazy, sztukaterie, dekoracje z kolorowych marmurów i brązu. Do tego należy dodać malownicze kontrasty światłocieniowe, perspektywiczne i iluzjonistyczne efekty.
Budynki sakralne, pałacowe, rzeźby, fontanny (Rzym) łączą się w holistyczny obraz artystyczny. To samo można powiedzieć o zespołach pałacowo-parkowych innych regionów Włoch epoki baroku, wyróżniających się wyjątkowo mistrzowskim wykorzystaniem złożonego terenu, bogatą roślinnością południową, kaskadami wodnymi w połączeniu z małymi formami – pawilonami, płotami, fontannami, posągami i grupy rzeźbiarskie.
Cechy baroku najwyraźniej ucieleśniały się w rzeźbie monumentalnej, w twórczości Lorenza Berniniego (idee triumfu mistycyzmu nad rzeczywistością, ekstatyczna ekspresja obrazów, gwałtowna dynamika formy).
W malarstwie bolońscy akademicy, bracia Carracci, Guido, Reni i Guercino, wnieśli wkład w sztukę barokową. Koncepcja barokowa osiąga swój pełny rozwój u Pietro da Nortona, Baciccio i innych. W ich wielopostaciowych kompozycjach, bogatych w mocny ruch, postacie zdają się być porywane przez jakąś nieznaną siłę. W malarstwie barokowym dominowało malarstwo monumentalne i dekoracyjne, głównie abażury, obrazy ołtarzowe z wizerunkami apoteoz świętych, sceny cudów, męczeństwa, ogromne kompozycje historyczne i alegoryczne (styl wielki).
Sztuka barokowa Flandrii ma swoją specyfikę. U Rubensa, Jordaensa i innych mistrzów antyteza tego, co ziemskie i mistyczne, rzeczywiste i iluzoryczne, charakterystyczne dla koncepcji barokowej, wyraża się bardziej zewnętrznie, nie zamieniając się w tragiczny dysonans. Rubensa w wielu kompozycjach ołtarzowych, a także w obrazach o tej tematyce starożytna mitologia, człowiek i prawdziwa istota są uwielbieni.
We Francji styl barokowy nie zajmował wiodącej pozycji. Francja XVII wiek - To historyczna arena rozwoju klasycyzmu.
Klasycyzm
Styl klasycyzmu powstaje równolegle ze stylem barokowym jako styl tej samej epoki, rozwiązując z innych stanowisk i innych środków wizualnych zadania swoich czasów - gloryfikując władzę monarchy absolutnego.
Klasycyzm zajął dominującą pozycję we Francji w epoce Ludwika XIV, która stała się apogeum absolutyzmu.
Zamiast dramatycznych efektów architektury barokowej proponuje zasadę łączenia majestatycznej powagi obrazu architektonicznego z rozsądną przejrzystością. Chociaż XVII w reprezentuje pierwszy etap klasycyzmu, kiedy cechy tego stylu nie osiągnęły najbardziej rygorystycznego i czystego wyrazu budynki publiczne i pałacowe, zespoły miejskie, zespoły pałacowo-parkowe przeniknęły duchem uroczystej przepychu; Ich rozwiązanie przestrzenne wyróżnia przejrzysta logika, fasadę wyróżnia harmonia kompozycyjnej konstrukcji z proporcjonalnością części, a formy architektoniczne wyróżniają się prostotą i rygorem. Rygorystyczny porządek zostaje nawet wprowadzony do natury: mistrzowie klasycyzmu stworzyli system tzw. parku regularnego. Architekci klasycyzmu szeroko sięgają po dziedzictwo starożytne, studiując ogólne zasady architektury starożytnej, a przede wszystkim system porządków, przerabiając poszczególne motywy i formy. Duch klasycyzmu nie sprzyjał wyrażaniu idei religijnych i mistycznych, a co za tym idzie budynki sakralne nie mają w architekturze klasycyzmu tak ogromnego znaczenia jak w baroku. Klasycyzm pozostawił tak wspaniałe pomniki syntezy artystycznej, jak zespół wersalski.
W sztukach plastycznych klasycyzmu jednym z głównych tematów był temat obowiązku, zwycięstwa publicznego nad osobistym, temat afirmacji najwyższych zasad etycznych: bohaterstwa, męstwa, czystości moralnej, które znajdują swoją artystyczną realizację w obrazach pełnych wysublimowanego piękna i wielkości. Klasycyzm przeciwstawia sprzeczności i niedoskonałości rzeczywistości zasadzie racjonalności i ścisłej dyscypliny, za pomocą której człowiek musi pokonywać przeszkody życiowe. Według estetyki klasycyzmu, głównym kryterium piękna jest rozum. Artysta w swojej twórczości musi opierać się na doskonałych wzorach, które uważano za dzieła sztuki starożytnej i Wysoki renesans. W przeciwieństwie do baroku klasycyzm nie pozwalał na przesadną ekspresję emocjonalną: dlatego bohaterowie francuskiego artysty Poussina charakteryzują się silną wolą spokojem i samokontrolą, płótna charakteryzują się klarownością i równowagą kompozycji Postaci w jego obrazy wyróżnia się rygorem i klasyczną kompletnością. W środkach język graficzny teoria klasycyzmu preferuje rysunek, a kolorowanie ma podrzędną rolę. Dostrzegając piękno prawdziwego życia, piękno natury, artyści klasycyzmu preferowali przedstawianie natury, które służy nie tylko jako aktywne tło kompozycje fabularne, ale często stanowi decydującą podstawę w ogólnej strukturze obrazu. W malarstwie klasycyzmu (Nicolas Poussin i Claude Lorrain) pejzaż nie tylko wyłonił się jako gatunek, ale także przeżył pewien rozkwit.
Klasycyzm stał się stylem monarchii francuskiej głównie w architekturze, malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, a w portrecie ceremonialnym cechy reprezentacyjne baroku były bardziej zgodne z wymogami absolutyzmu. Charles Lebrun zasłynął ze swoich obrazów; Rigaud był nadwornym mistrzem portretów ceremonialnych.
Wraz z barokiem i klasycyzmem w malarstwie XVII wieku. Wyłania się zasadniczo nowa, ekstralewicowa forma refleksji nad rzeczywistością. Jego pojawienie się jest jednym z najważniejszych kamieni milowych w historii sztuki światowej. Jego istotą jest to, że obraz artystyczny nie powstaje w ramach stylu, ale na podstawie bezpośredniego odwołania się artysty do zjawisk prawdziwy świat, do całego bogactwa natury. To jest o o bezpośrednim związku obrazów z rzeczywistością. Artystyczne uogólnienie dokonuje się tu poprzez wybranie najbardziej typowych obrazów, zjawisk rzeczywistości i ujawnienie ich istotnych cech. Już sama różnorodność realnego świata sprawia, że zarówno poszczególne ruchy twórcze, jak i poszczególni mistrzowie reprezentujący ten nowy system artystyczny wyróżniają się wyjątkową różnorodnością idei i języka figuratywnego. Wśród genialnych artystów, którzy w swoich dziełach ujawnili istotne aspekty epoki, wymienimy Velazqueza i Rembrandta, portrecistę Fransa Halsa i pejzażystę Van Ruisdaela.
Nowa ekstralewicowa metoda realistyczna przyczyniła się do bezprecedensowego rozszerzenia możliwości Dzieła wizualne. Pojawiły się nowe gatunki: życie codzienne, martwa natura; krajobraz ukształtował się w najbardziej rozwiniętych formach, zdecydowane zmiany nastąpiły w gatunkach o wielowiekowej tradycji (kompozycje biblijne i mitologiczne, malarstwo historyczne, portrety). To sztuka skrajnie lewicowa XVII wieku. w literaturze naukowej często określa się go mianem „realizmu”. Z różnym stopniem rozpowszechnienia nowy system artystyczny rozwinął się w prawie wszystkich krajach Europy Zachodniej. I tak we Włoszech jest to Caravaggio i jego zwolennicy, we Flandrii – Brouwer; we Francji – Louis Le Nain, w Hiszpanii – Velazquez.
Te realistyczne tendencje znalazły najpełniejszy i konsekwentny wyraz w sztuce holenderskiej, gdzie ustrój republikańsko-burżuazyjny, brak absolutyzmu i dominacja ideologii kościelnej stwarzały szczególnie sprzyjające warunki dla rozwoju postępowych ruchów artystycznych. Twórczość wielkich holenderskich artystów wyprzedza społeczno-historyczny rozwój społeczeństwa, wykracza poza jego granice i wchodzi z nim w konflikt.
Nie można jednak nie przyznać, że bezwarunkowym zdobyczom kierunku realistycznego (niestylowego) towarzyszyła utrata integralności stylistycznej, możliwości pomysłowego połączenia wszystkich rodzajów sztuk plastycznych w jeden zespół. Malarstwo zostaje wreszcie oddzielone od architektury i rzeźby, a proces malarstwa sztalugowego, czyli powstawania malarstwa sztalugowego, nasila się.
Realizm wymagał szerokich uogólnień, typowych dla obrazów rzeczywistych. Dlatego wybitni mistrzowie sięgają po tematykę biblijną i mitologiczną, pozwalając im na sprowadzenie uogólnień na poziom mitu dzięki głębokiej, realistycznej i zgodnej z prawdą interpretacji obrazów (Caravaggio, Rembrandt).
Pewien stopień jedności, który wyróżnia sztukę XVII wieku. różnych krajów europejskich można wytłumaczyć nie tylko wspólnym rozwojem historycznym, ale także wymianą kulturalną. Włochy, a zwłaszcza Rzym, pozostają mekką artystów i wyrastają na międzynarodowe centrum artystyczne.
Osobowości
Wśród fajerwerków nazwisk, które wybuchły na horyzoncie kultury artystycznej XVII wieku, wyróżnić należy najwybitniejszych przedstawicieli baroku, klasycyzmu i realizmu – Berniniego, Rubensa, Poussina, Rembrandta, Caravaggia i Velazqueza.
Lorenzo Bernini to włoski architekt i rzeźbiarz. Główne prace:
Apollo i Dafne (1622-1625) - marmur, 243 cm, Galeria Borghese, Rzym.
Katedra św. Piotra (1624) - brąz, Watykan.
Fontanna Trytona (1624-1643) - Piazza Barberini, Rzym
Ekstaza Świętej Teresy (1647-1652) - marmur, Santa Maria della Vittoria, Rzym
Fontanna Czterech Rzek (1648-1651) - marmur i trawertyn, Piazza Navona, Rzym
Ekstaza błogosławionej Ludovicy Albertoni (1671-1674) - marmur, San Francesco a Ripa, Rzym
Neptun i Tryton
Pieter Powel Rubens (1577-1640) – malarz flamandzki. Jego sztuka, podobnie jak cała sztuka flamandzkia XVII wieku, rozwijała się zgodnie ze stylem barokowym, miała jednak większą siłę afirmacji życia i mniejszy wpływ religijny niż włoski barok. Rubens był dyrektorem flamandzkiej szkoły narodowej, jego sztuka doskonale oddaje ducha epoki. Pracował w Antwerpii oraz w latach 1600-1606. mieszkał we Włoszech. Był osobowością uniwersalną: nie tylko malarzem, rytownikiem, ale także dyplomatą; dzięki tej ostatniej okoliczności on, będąc „królem malarzy”, był artystą dla królowych i pracował na dworach królewskich Francji, Włoch i Hiszpanii.
Charakterystyczne dla baroku uniesienie, patos, gwałtowny ruch i dekoracyjność łączą się w sztuce Rubensa ze zmysłowym pięknem obrazów i odważnymi, realistycznymi obserwacjami. W malarstwie barokowym Rubensa dominują tematy religijne i mitologiczne. Najbardziej znane z tych obrazów to „Zejście z krzyża”, „Perseusz i Andromeda”, „Pijany Bachus”. W roku 1635 rozpoczął się okres stenowy w twórczości malarza, kiedy to po zakupie wiejskiego zamku Sten Rubens osiedlił się w nim wraz ze swoją młodą żoną Eleną Fourman. W tym czasie Rubens tworzył krajobrazy i sceny z życie chłopskie(„Powrót żniwiarzy”, „Taniec chłopski”). Malarski kunszt Rubensa objawił się ze szczególną siłą w gatunku portretu: są to pełne żywego uroku portrety „Elena Fourment z dziećmi”, „Futro” i „Pokojówka”. Malarstwo Rubensa cechuje nieskrępowana swoboda, wyrazista plastyczność i subtelność przejść barwnych. Van Dyck, Jordans i Snyders pracowali w warsztacie Rubensa.
Nicolas Poussin (1594-1665) – twórca malarstwa klasycystycznego, głównego kierunek stylu Francja; jego obrazy o tematyce religijnej, mitologicznej i historycznej potwierdzają siłę rozumu w normach społecznych i etycznych. Malarstwo Poussina charakteryzuje się wysublimowaną strukturą figuratywną. Łączy w sobie głęboką koncepcję filozoficzną z przejrzystością kompozycji i projektu: „Tancred i Erminia”, „Śmierć Germanika”. Majestatyczne bohaterskie krajobrazy Poussina są piękne: „Krajobraz z Polifemem”, „Pasterze Arkadyjscy”. Masy w nich są ściśle zrównoważone, powietrze jest przejrzyste, kolory są czyste.
Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) – holenderski malarz, rysownik, rytownik, przedstawiciel lewicowego ruchu realistycznego. Nowatorską sztukę Rembrandta wyróżnia demokracja i witalność obrazów. Niezwykła szerokość jego pola twórczego, ciągłe poszukiwanie nowych wyrazistych środków artystycznych i najwyższy profesjonalizm pozwalają uważać twórczość artysty za jedno z szczytowych osiągnięć malarstwa światowego, łączącego głębię cech psychologicznych z wyjątkowym kunsztem malarskim opartym na skutki światłocienia. Malował portrety, w tym pary i grupy („Autoportret z Saskią na kolanach”, „Nocna straż”), sceny religijne i mitologiczne („Święta Rodzina”, „Danae”).
Do lat sześćdziesiątych XVII wieku Należą do nich najbardziej złożone pod względem psychologicznym kompozycje religijne, historyczne i portrety Rembrandta („Powrót syna marnotrawnego”, „Syndycy”). Jego szerokie, swobodne malarstwo nabiera przestrzennej głębi i szczególnej duchowości. Subtelne połyski zakres kolorów, gra światłocienia służy ukazaniu typologicznych zderzeń fabuły i stanu psychicznego obrazów. Twórczość Rembrandta jest głęboko humanistyczna. Artysta zawsze skupiał się na człowieku, jego świat duchowy i bogactwo wewnętrzne. Twórcze dziedzictwo artysty wywarło ogromny wpływ na dalszy rozwój europejskiego malarstwa realistycznego.
Michał Anioł da Caravaggio (1573-1610). Ten Malarz włoski, żyjący na przełomie wieków, uważany jest za twórcę realizmu, który ukształtował się jako kierunek artystyczny Malarstwo europejskie XVII wieku, do którego wprowadził demokrację, niezwykłą konkretność i materialność formy, napięcie emocjonalne przekazywane poprzez kontrasty światła i cienia. Cechy te są tak rozpoznawalne, że nazwano je terminem „karawagizm”, na który cierpiał prawie każdy główni artyści realistyczny kierunek, jego współcześni.
Obrazy Caravaggia cechuje prostota i lakoniczność kompozycji oraz wyrazista plastyczność. Tworzył kompozycje religijno-mitologiczne o niezwykłej sile dramatycznej i wyrazistości emocjonalnej. Ponadto znany jest jako autor obrazów rodzajowych, które zaskakująco wiernie i bezpośrednio odtwarzają rzeczywistość.
Do jego najsłynniejszych obrazów należą: „Złożenie do grobu”, „Bachus”, „Dziewczyna z lutnią”, „Lutnista”.
Los Caravaggia jest tragiczny. Zmarł w wieku 36 lat, ostatnie lata życia spędził na wędrówce. Surowy realizm artysty nie był zrozumiany przez zwolenników sztuki wysokiej, akademików Akademii Bolońskiej, którzy na przełomie XVI i XVII wieku położyli podwaliny pod akademicki ruch w malarstwie.
Diego Velazqueza (1599-1660). Koniec XVI i pierwsza połowa XVII wieku to okres rozkwitu kultury hiszpańskiej, a zwłaszcza malarstwa. Główne miejsce w kreatywności malarze hiszpańscy zajmowane przez osobę. Sztuka malarska Hiszpanii osiąga swój szczyt w twórczości Velazqueza, jednego z najwybitniejszych mistrzów nurtu realistycznego w sztuce Europy Zachodniej XVII wieku.
Jego malarstwo charakteryzuje się głębią cech psychologicznych i jasną indywidualnością jego modeli. Velazquez miał szczególny dar odkrywania wewnętrznych, głęboko ukrytych cech charakteru i struktury psychicznej człowieka. Ta umiejętność malarza szczególnie wyraźnie objawiła się w słynny portret Papież Innocenty X (1650). Jego obrazy rodzajowe posiadają także głębię cech portretu, portrety grupowe, tematyka mitologiczna i historyczna. Wyróżnia je także harmonia kompozycji i wyczucie proporcji. Velazquez jako jeden z pierwszych zastosował malarstwo Valerie, uzyskując najdoskonalsze odcienie jednego tonu. Najbardziej znane dzieła to „Kapitulacja Bredy”, „Las Meninas”, „Spinners”.