Artyści XVII wieku i ich obrazy. Abstrakcjonistyczni rosyjscy artyści XVII wieku. Nowość w portrecie

09.07.2019

W historii sztuki rosyjskiej wiek XVII był okresem zmagań dwóch szkół malarskich i kształtowania się nowych gatunków. Kościół prawosławny nadal wywierał ogromny wpływ na życie kulturalne człowieka. Artyści również doświadczyli pewnych ograniczeń w swojej działalności.

ikonografia

W okresie późnego średniowiecza ośrodkiem koncentracji artystów i rzemieślników w Rosji był Kreml, a właściwie Zbrojownia. Pracowali tam najlepsi mistrzowie architektury, malarstwa i innych rodzajów twórczości.

Pomimo szybkiego rozwoju sztuki w całej Europie, malarstwo w Rosji w XVII wieku miało tylko jeden gatunek - malarstwo ikon. Artyści zmuszeni byli tworzyć pod czujnym nadzorem kościoła, który stanowczo sprzeciwiał się wszelkim innowacjom. Rosyjskie malarstwo ikonowe ukształtowało się pod wpływem malarskich tradycji Bizancjum i miało już wówczas wyraźnie ukształtowane kanony.

Malarstwo, podobnie jak kultura w Rosji w XVII wieku, było raczej samoistne i rozwijało się bardzo powoli. Jednak jedno wydarzenie doprowadziło do całkowitej reformy gatunku malowania ikon. W pożarze w 1547 roku w Moskwie spłonęło wiele starożytnych ikon. Trzeba było przywrócić utracone. A przy tym główną przeszkodą był spór o charakter twarzy świętych. Zdania były podzielone, zwolennicy dawnych tradycji uważali, że obrazy powinny pozostać symboliczne. Artyści o bardziej nowoczesnych poglądach opowiadali się natomiast za nadaniem świętym i męczennikom większego realizmu.

Podzielony na dwie szkoły

W rezultacie malarstwo w Rosji w XVII wieku podzieliło się na dwa obozy. W pierwszej znaleźli się przedstawiciele szkoły „Godunow” (w imieniu Borysa Godunowa). Starali się ożywić tradycje malowania ikon Andrieja Rublowa i innych średniowiecznych mistrzów.

Mistrzowie ci pracowali na zlecenia dla dworu królewskiego i reprezentowali oficjalną stronę sztuki. Cechami charakterystycznymi dla tej szkoły były kanoniczne twarze świętych, uproszczone wizerunki tłumu ludzi w postaci wielu głów, tonacji złotej, czerwonej i niebieskozielonej. Jednocześnie można zauważyć próby oddania przez artystów materialności niektórych przedmiotów. Szkoła Godunowa jest najbardziej znana z malowideł ściennych w komnatach Kremla, w katedrze smoleńskiej, katedrze Świętej Trójcy.

Szkołą przeciwną był „Stroganow”. Nazwa związana jest z kupcami Stroganowami, dla których wykonywano większość zamówień i którzy pełnili rolę „sponsorów” rozwoju malarstwa w Rosji w XVII wieku. To dzięki mistrzom z tej szkoły rozpoczął się szybki rozwój sztuki. Jako pierwsi wykonali miniaturowe ikony do domowych modlitw. Przyczyniło się to do ich rozpowszechnienia wśród zwykłych obywateli.

Mistrzowie Stroganowa coraz bardziej wychodzili poza kanony kościelne i zaczęli zwracać uwagę na szczegóły otoczenia, wygląd świętych. I tak krajobraz powoli zaczął się rozwijać. Ich ikony były kolorowe i ozdobne, a interpretacja postaci biblijnych była bliższa wizerunkom prawdziwych ludzi. Najbardziej znanymi z zachowanych dzieł są ikony „Wojownik Nikita”, „Jan Chrzciciel”.

freski w Jarosławiu

Wyjątkowym zabytkiem w historii malarstwa XVII wieku w Rosji są freski w cerkwi Proroka Eliasza w Jarosławiu, nad którymi pracowali artyści ze Zbrojowni. Cechą charakterystyczną tych fresków są sceny z prawdziwego życia, które przeważają nad opowieściami biblijnymi. Na przykład w scenie z uzdrowieniem główną część kompozycji zajmuje wizerunek chłopów podczas żniw. Był to pierwszy monumentalny obraz w rodzimym gatunku.

Wśród tych fresków można znaleźć sceny baśniowe i mitologiczne. Zachwycają jasnymi kolorami i złożoną architekturą.

Szymon Uszakow

Na każdym etapie rozwoju kulturalnego kraju pojawiają się znaczące postaci. Osobą, która wypromowała w Rosji w XVII wieku malarstwo w nowym kierunku i przyczyniła się do jego częściowego wyzwolenia od ideologii religijnej, był Szymon Uszakow.

Był nie tylko nadwornym malarzem, ale także naukowcem, nauczycielem, teologiem, człowiekiem o szerokich poglądach. Simon był zafascynowany sztuką zachodnią. W szczególności interesowało go realistyczne przedstawienie ludzkiej twarzy. Widać to wyraźnie w jego dziele „Zbawiciel nie ręką uczyniony”.

Uszakow był innowatorem. Był pierwszym rosyjskim artystą, który użył farby olejnej. Dzięki niemu zaczęła się rozwijać sztuka grawerowania na miedzi. Będąc głównym artystą Zbrojowni przez trzydzieści lat, napisał wiele ikon, rycin, a także kilka traktatów. Wśród nich jest „Słowo do miłośnika malarstwa ikonowego”, w którym wyraził myśl, że artysta powinien jak lustro wiernie odzwierciedlać otaczający go świat. Śledził to w swoich pismach i nauczał tego swoich uczniów. W jego notatkach pojawiają się odniesienia do atlasu anatomicznego, który chciał napisać i zilustrować rycinami. Ale najwyraźniej nie został opublikowany lub nie został zachowany. Główną zasługą mistrza jest to, że położył podwaliny pod portrety XVII wieku w Rosji.

Parsuna

Po znaczących przemianach w malarstwie ikon zaczął się kształtować gatunek portretowy. Początkowo wykonywano go w stylu malarstwa ikonowego i nazywano „parsuna” (z łac. osoba, osobowość). Artyści coraz częściej pracują z żywą naturą, a plebanie stają się bardziej realistyczne, twarze na nich nabierają objętości.

W tym stylu malowano portrety Borysa Godunowa, carów Aleksieja Michajłowicza, Fiodora Aleksiejewicza, carycy Jewdokii Łopuchiny, Praskowej Saltykowej.

Wiadomo, że na dworze pracowali także artyści zagraniczni. Przyczynili się również w znacznym stopniu do ewolucji malarstwa rosyjskiego.

grafika książkowa

Druk również dość późno pojawił się na ziemiach rosyjskich. Jednak równolegle z jej rozwojem popularność zyskały ryciny, które służyły jako ilustracje. Obrazy miały charakter zarówno religijny, jak i domowy. Książkowa miniatura z tego okresu wyróżnia się rozbudowaną ornamentyką, spotyka się także ozdobne litery, a także wizerunki portretowe. Wielki wkład w rozwój miniatur książek wnieśli mistrzowie szkoły Stroganowa.

Malarstwo w Rosji w XVII wieku przekształciło się z wysoce duchowego w bardziej świeckie i bliskie ludziom. Mimo sprzeciwu przywódców kościelnych artyści obronili swoje prawo do tworzenia w gatunku realizmu.

Na przełomie XVI i XVII wieku w malarstwie włoskim pojawiły się dwa nurty artystyczne: jeden związany ze sztuką Caravaggia, drugi z twórczością braci Caracci. Działalność tych mistrzów nie tylko w dużej mierze determinowała charakter malarstwa włoskiego. Ale miało to również wpływ na sztukę wszystkich europejskich szkół artystycznych XVII wieku.

Istotą reformy Caravaggia było całkowicie bezwarunkowe uznanie wartości estetycznej rzeczywistości, którą zwrócił się do przedstawienia w swoim malarstwie. Eksperymenty Caravaggia na wczesnym etapie twórczości są jednym ze źródeł rozwoju codziennego malarstwa rodzajowego w sztuce XVII wieku, na przykład obrazu „Wróżbita”.

Caravaggio „Wróżka”

Jednak w malarstwie o tematyce tradycyjnej Caravaggio pozostaje wierny sobie – „przetłumaczył” Świętą Historię na język narodowy. Sztuka Caravaggia dała początek całemu trendowi - karawagizmowi, który rozpowszechnił się nie tylko we Włoszech, ale także w Hiszpanii, Flandrii, Holandii i Francji.

Caravaggiste nazywa się zarówno prawdziwymi naśladowcami, którzy zrozumieli istotę reformy Caravaggia (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), jak i licznymi naśladowcami, zapożyczającymi motywy i techniki z dzieł artysty.

We Włoszech w XVII wieku ekspresyjnie rozwinięta forma baroku, z nieodłącznym poczuciem „naturalności”, zdawała się zacierać granicę między iluzją a rzeczywistością. Klasycyzm i realizm, tendencje charakterystyczne dla tej epoki, przeciwstawiły się stylowi barokowemu lub innym składnikom tego stylu. Wielki pejzażysta Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti - to daleka lista naśladowców Caravaggia.

Włoski malarz Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) jest największym mistrzem sztuki realistycznej XVII wieku. Staje się prawdziwym spadkobiercą renesansu, będąc buntownikiem w sztuce, aw życiu śmiało łamie akademickie kanony. Na obrazie ze swojej wczesnej pracy „Wróżbita” opisuje kobietę w białej kurtce, która przepowiada młodemu mężczyźnie ubranemu w jedwabną kamizelkę i kapelusz ze strusim piórem swój los.

Bohaterami artysty są zwykli ludzie, stara się ich przebrać w piękne stroje i uczynić jak najładniejszymi. Na obrazie Caravaggia „Wniebowzięcie Marii” uwagę zwracają przede wszystkim załamani i skupieni wokół zmarłej Matki Bożej apostołowie. Dziewica leży w szkarłatnych szatach, jej ramiona opadają bezwładnie, oczy ma zamknięte, blady wygląd, podkreślony zastosowanym szkarłatem, typowym dla dzieł Caravaggia.

Na sali tłoczyli się ci, którzy przyszli pożegnać się ze zmarłym. Łyse głowy mężczyzn pochylają się w żałobnym milczeniu, niektórzy w żałobie ocierają łzę. Pogrążona w żałobie dziewczyna siedzi na małym krześle. Złamana żalem schowała głowę w dłoniach i zapłakała.

Reprodukcja Śmierci Marii Caravaggia

Najciekawszym ze wszystkich jest karawagista Giovanni Serodine (1600-1630). Urodzony w północnych Włoszech, studiujący w Rzymie, zafascynowany karawagizmem, młody człowiek wypracował własny styl malarski.

W Christ Preaching in the Temple ostre światło wydobywa ekspresyjną paletę Serodine, w której dominują odcienie brązu i czerwieni. Dramatyczny efekt świetlny przewiduje obrazy Rembrandta. Serodine maluje szybkimi, mocnymi pociągnięciami, nadając swoim obrazom dramatyczną intensywność, a kolor i światło dają organiczną malarską jedność.

Wraz z realistyczną sztuką stylu Caravaggia w XVII wieku pojawiło się także inne zjawisko artystyczne, jak akademizm boloński, który powstał w ścisłym związku z ukształtowaniem się nowego stylu w architekturze i malarstwie – baroku. Udało się to artystom - braciom Agostino i Annibale Caracci oraz ich bratu Lodovico Caracci. Bracia starali się wykorzystać dziedzictwo renesansu, szczególnie utalentowany był Annibale Caracci. W rzeczywistości był czołową postacią nowego nurtu. Annibale Caracci stworzył podniosłą sztukę monumentalną, stosowaną zwłaszcza w obrazach kościołów, pałaców i ołtarzy. Powstaje nowy rodzaj malarstwa ołtarzowego, na przykład Madonna ukazująca się św. Łukaszowi.

Reprodukcja Annibale Caracciego „Madonna ukazująca się św. Łukaszowi”.

Urodzony w Pizie toskański artysta Orazio Gentileschi (1565-1639) na zawsze zachował cechy kultury toskańskiej: zamiłowanie do wyrafinowanych draperii, wyraźnych form i zimnych kolorów. Był także naśladowcą Caravaggia, ale większą wagę przywiązywał do idyllicznego oddania obrazów, jak na przykład w obrazie „Odpoczynek w locie do Egiptu”

Zdjęcie obrazu Orazio Gentileschi „Odpoczynek podczas lotu do Egiptu”

Poszukiwania gatunkowo-realistyczne najdobitniej wyraziły się w twórczości artysty Domenico Fettiego (1589-1623). Fetti oddał hołd zarówno realistycznemu karawagizmowi, jak i malarstwu barokowemu; w jego twórczości najbardziej widoczne są wpływy weneckich malarzy Rubensa i pejzażysty Elsheimera. Sam Fetty okazał się znakomitym kolorystą, malując małymi wibrującymi pociągnięciami i ożywiając płótna niebieskawo-zielonymi i brązowawo-szarymi farbami. Częściej pisze obrazy gatunkowo-liryczne, interpretując obrazy religijne, jak na przykład w obrazie „Przypowieść o zaginionej drachmie”.

Reprodukcja obrazu Domenico Fettiego „Przypowieść o zaginionej drachmie”.

W prosty i poetycki sposób artysta opowiada o przypowieści o zagubionej drachmie. W prawie pustym pokoju młoda kobieta w milczeniu skłoniła się w poszukiwaniu monety. Mała lampka umieszczona na podłodze oświetla figurę i część pokoju, tworząc jednocześnie kapryśny, oscylujący cień na podłodze i ścianie. Na granicy kontaktu światła i cienia rozświetlają się złote, białe i czerwone barwy obrazu. Obraz wydaje się być ocieplony delikatnym liryzmem.

Nazwisko Salvatore Rosa z Neapolu (1615-1673) często kojarzone jest z wyobrażeniami o tzw. romantycznych pejzażach iw ogóle o charakterystycznym „romantycznym” kierunku w malarstwie XVII wieku.

Malownicza praca Salvatora Rosy jest bardzo nierówna i pełna sprzeczności. Pracował w różnych gatunkach - historycznych, portretowych, batalistycznych i pejzażowych, malował także obrazy o tematyce religijnej. Wiele jego prac jest jakby zależnych od sztuki akademickiej. Inne świadczą o zamiłowaniu do karawagizmu. Takim przykładem jest obraz „Syn marnotrawny”, który przedstawia klęczącego młodego pasterza obok owcy i krowy. Brudne obcasy klęczącego syna marnotrawnego, przedstawione na pierwszym planie, bardzo przypominają sztuczki Caravaggia.

Zdjęcie obrazu Salvatora Rosy „Syn marnotrawny”

Romantyczny opis pejzaży i scen rodzajowych w twórczości Rose był niejako przeciwieństwem oficjalnego barokowego malarstwa akademickiego.

Twórcza działalność braci Carracci przyciągała do Bolonii i Rzymu młodych artystów, którzy kontynuowali idee Carracciego w malarstwie monumentalno-dekoracyjnym i pejzażowym. Spośród jego uczniów i współpracowników najbardziej znani to Guido Reni i Domenichino. W ich pracy styl akademizmu bolońskiego osiąga ostateczną kanonizację.

Guido Reni (1575-1642) znany jest jako autor wielu dzieł religijnych i mitologicznych, umiejętnie wykonanych, ale nudnych i sentymentalnych. Nazwisko tego utalentowanego artysty stało się synonimem wszystkiego, co w malarstwie akademickim było nudne, martwe i fałszywe.

Zdjęcie obrazu Guido Reniego "Aurora".

Ta piękna kompozycja, pełna lekkiego wdzięku i ruchu, utrzymana w zimnej gamie srebrno-szarych, niebieskich i złotych, dobrze charakteryzuje wyrafinowanie i konwencjonalność stylu Reni, który bardzo różni się od szorstkiej plastyczności i bogatej kolorystyki zmysłowych obrazy braci Carracci.

Najpełniej cechy elementów klasycyzmu oddaje twórczość innego przedstawiciela akademizmu bolońskiego, Tsampieri Domenico, czyli Domenichino (1581-1641). Jako uczeń Annibale Carracciego asystował mu przy malowaniu galerii Farnese; Domenichino zasłynął ze słynnych cykli fresków w Rzymie i Neapolu. Większość jego prac niewiele różni się od prac innych artystów stylu akademickiego. Tylko te obrazy, w których więcej miejsca poświęca się pejzażom, nie są pozbawione poetyckiej świeżości, jak na przykład Polowanie Diany.

Zdjęcie obrazu Domenichino „Polowanie na Dianę”

Artysta przedstawił na obrazie zawody nimf w celności strzelania, opisane w Eneidzie przez starożytnego rzymskiego poetę Wergiliusza. Jedna strzała miała trafić w drzewo, druga we wstęgę, a trzecia w szybującego ptaka. Diana zademonstrowała swoje umiejętności i nie ukrywa radości, potrząsając w powietrzu łukiem i kołczanem.

Włochy, odgrywające wiodącą rolę w malarstwie, architekturze i kulturze krajów Europy Zachodniej w okresie renesansu, pod koniec XVII wieku stopniowo ją tracą. Ale przez długi czas była uznawana przez wszystkich za prekursorkę gustów artystycznych i przez kilka wieków do Italii przybywały całe rzesze artystycznych pielgrzymów, a na artystycznej arenie krajów europejskich pojawiały się nowe, potężne szkoły.

Spinki do mankietów:

Od: Maksimenko V., 38842 wyświetleń

Treść
Wstęp

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn – największy holenderski artysta XVII wieku
1.2. Rubensa Piotra Pawła
1.3. francuski malarz Nicolas Poussin
Rozdział II Artyści rosyjscy XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz (1682-1750)
2.2. Nikitin Iwan Nikitycz (1680-1742)
Wniosek
Bibliografia

Wstęp

Malarstwo XVII wieku rozwijało się pod wpływem baroku, który dominował w sztuce europejskiej do połowy XVIII wieku. Nowa filozofia świata, polegająca na zmianie sądów o jedności, różnorodności i nieskończoności świata, wywarła ogromny wpływ na światopogląd ówczesnych artystów. Przepych i dynamika, intensywność uczuć i patosu, widowiskowość, realność i iluzoryczność, kontrasty i gra światła wyróżniają malarstwo tego okresu.
Wiek XVII miał duże znaczenie w kształtowaniu się kultur narodowych nowego czasu. W tym czasie zakończył się proces lokowania szkół artystycznych, których zróżnicowanie determinowane było głównie przez uwarunkowania rozwoju historycznego i ugruntowane tradycje w poszczególnych krajach. Rosyjscy artyści XVII wieku zajmowali się głównie malarstwem ikon. Artyści hiszpańscy XVII wieku kształtowali się pod ideologią zakonów monastycznych, więc główne zamówienia na dzieła sztuki pochodziły ze sfery duchowej. Włoscy artyści XVII wieku dokładnie studiowali różne nauki: nauki przyrodnicze, perspektywę, anatomię i inne. Przedstawiali sceny religijne na obrazach jako świeckie. W odcinkach nauczyli się przekazywać charakter i ujawniać głębokie uczucia osoby. Patrząc na „Ukrzyżowanie” autorstwa Andrei Mantegny. Holenderscy artyści XVII wieku wyróżniali się tym, że dominowały wśród nich niemal wszystkie rodzaje malarstwa. Zawód ten nie był rzadkością, wśród pierwszych artystów istniała poważna konkurencja. W Holandii obrazy XVII-wiecznych artystów zdobiły domy nie tylko zamożnych członków społeczeństwa, ale także zwykłych rzemieślników i chłopów.
Rozdział I Artyści zagraniczni XVII wieku
1.1 Rembrandt Harmensz van Rijn – największy holenderski artysta XVII wieku
Dzieło holenderskiego artysty Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) należy do szczytów światowego malarstwa realistycznego. Rembrandt malował tematy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże. Był największym mistrzem rysunku i akwaforty w Europie. Jego twórczość cechuje pragnienie filozoficznego rozumienia życia, uczciwość wobec siebie i ludzi, zainteresowanie duchowym światem człowieka. Moralna ocena wydarzeń i osoby jest głównym nerwem sztuki mistrza. Artysta doskonale oddał duchowość modelki i dramatyzm wydarzenia poprzez efekty światłocienia, kiedy przestrzeń zdaje się tonąć w cieniu, w złotym półmroku, a snop światła podkreśla poszczególne sylwetki ludzi, ich twarze, gesty i ruchy. W tej metodzie malarskiej konstrukcji obrazu Rembrandt nie miał sobie równych (tylko włoski Caravaggio może z nim konkurować w umiejętności posługiwania się światłocieniem). Jak to często w historii sztuki bywa, Rembrandt, mimo swojego genialnego talentu, zmarł w biedzie i samotności, zapomniany, bezużyteczny mistrz. Ale jego twórczość żyje przez wieki, więc bez przesady można powiedzieć, że Rembrandt jest jednym z największych artystów w historii sztuki światowej. Wielu nazwałoby go malarzem niezrównanym, większym nawet niż Rafael czy Leonardo. Wydawałoby się, że jego twórczość była skrępowana tradycjami i dogmatami holenderskiej sztuki protestanckiej, ponieważ nigdy nie wyjeżdżał poza Holandię. A jednak Rembrandt nie tylko zachwyca błyskotliwą techniką malarską, ale także objawia swoją twórczością objawienie: nikt dotąd nie mówił o prostych ludzkich uczuciach tak głęboko, czule, ciekawie i przenikliwie. W swoich scenach historycznych i biblijnych, w portretach współczesnych sięga głębi psychologicznej ekspresji. Jego mądrość, współczucie i przenikliwość wynikają zapewne z samowiedzy: wielokrotnie jak nikt inny malował autoportrety i utrwalał swoją drogę życiową, począwszy od młodości i sukcesów, a skończywszy na starości, który przyniósł smutki i trudności. W tej chwili znanych jest ponad sto autoportretów Rembrandta, z których każdy jest niesamowitym arcydziełem. Dzięki szczęśliwym okolicznościom historycznym Rosja posiada obecnie jedną z najbogatszych kolekcji obrazów Rembrandta. Prawie wszystkie z nich są przechowywane w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu, w tym tak słynne arcydzieła, jak „Powrót syna marnotrawnego”, „Danae”, „Portret Saskii jako Flory”, „Portret starego człowieka w czerwieni ", "Dawid i Uria" itp. Więcej niż jedno pokolenie rosyjskich artystów studiowało na obrazach Rembrandta z Ermitażu. Jeśli nie macie możliwości zwiedzenia Państwowego Ermitażu, to zapraszamy do naszej wirtualnej galerii obrazów Rembrandta. Tutaj możesz zobaczyć prawie wszystkie słynne arcydzieła mistrza, z których wiele ma szczegółowe opisy. Miłej podróży do zniewalającego świata niesamowitego artysty i wrażliwej osoby - Rembrandta.

1.2. Petera Paula Rubensa

Piotra Pawła Rubensa, 1577-1640 - Flamandzki malarz i dyplomata. Urodził się w Siegen w Westfalii 28 czerwca 1577 roku w rodzinie Jana Rubensa, adwokata z Antwerpii. Kiedy Peter Paul Rubens miał jedenaście lat, zmarł jego ojciec, a matka przeprowadziła się z dziećmi do Antwerpii. Przyszły artysta kształcił się w szkole jezuickiej. Znajomość języków (władał sześcioma językami) pozwoliła mu nie tylko opanować dziedzictwo kulturowe swojej epoki, ale także odnieść znaczące sukcesy na polu dyplomatycznym. Rubens studiował u trzech flamandzkich malarzy - Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta i Otto van Vena. W 1598 został przyjęty do cechu św. Łukasz. W 1600 artysta przybył do Włoch; tam studiował starożytną architekturę i rzeźbę, malarstwo włoskie, a także malował portrety (głównie w Genui) i ołtarze (w Rzymie i Mantui). W 1603 roku włoski patron Rubensa, Vicenzo Gonzaga, wysłał go do Hiszpanii w ramach misji dyplomatycznej. W 1608 r. Rubens został nadwornym malarzem Izabeli Austriackiej, osiadł w Antwerpii, aw 1609 r. ożenił się z arystokratką Izabelą Brant. Z tego małżeństwa urodziło się troje dzieci. Aby sprostać rosnącemu zapotrzebowaniu na swoje obrazy, Rubens stworzył w ciągu kilku lat duży warsztat, w którym pracowali A. van Dyck, Jacob Jordaens i F. Snyders. Wykonał szkice, które jego uczniowie i asystenci przenieśli na płótno, a następnie pod koniec pracy nieznacznie poprawił obrazy. Zorganizował nawet szkołę grawerowania, aby jeszcze bardziej rozpowszechnić swoją twórczość. Obrazy Rubensa z tych lat są pełne namiętnej dynamiki. Wśród wątków, scen myśliwskich, bitew, barwnych i dramatycznych epizodów ewangelicznych oraz scen z życia świętych dominują kompozycje alegoryczne i mitologiczne; w nich Rubens lubił pisać energiczne, potężne ciała, które tak bardzo lubili jego współcześni. Oprócz zamówień od lokalnych kościołów i arystokratów antwerpskich, artysta otrzymał zamówienia z zagranicy, głównie z Anglii. Duży warsztat, którego budynek zaprojektował w stylu genueńskiego palazzo (odrestaurowany w latach 1937-1946), szybko stał się centrum społecznym i wizytówką Antwerpii. W latach dwudziestych XVII wieku Rubens pracował dla francuskiego domu królewskiego. Napisał dla Marii Medycejskiej cykl alegorycznych paneli przedstawiających sceny z jej życia i wykonał tekturowe gobeliny na zamówienie Ludwika XIII, a także rozpoczął nieukończony cykl kompozycji z epizodami z życia francuskiego króla Henryka IV z Nawarry. Od początku lat dwudziestych XVII wieku Rubens zajmował się dyplomacją. W 1628 i 1630 r Rubens podróżował do Madrytu i Londynu z misjami dyplomatycznymi i uczestniczył w zawarciu traktatu pokojowego między Hiszpanią, Anglią i Holandią. Po powrocie do Antwerpii Rubens został przyjęty z wielkimi honorami; król hiszpański nadał mu tytuł radcy stanu, a król angielski – szlachtę osobistą. Rubens wkrótce poślubił szesnastoletnią Elenę Fourman; mieli pięcioro dzieci. W ciągu tych lat styl Rubensa uległ zmianie – kompozycje budowane są w swobodnym i płynnym rytmie, sztywna rzeźbiarska interpretacja form, charakterystyczna dla wczesnego okresu twórczości, zostaje zastąpiona jaśniejszym i zwiewniejszym modelowaniem kolorystycznym. Można w nich dostrzec wpływ dzieł Tycjana, które Rubens kopiował podczas pobytu w Madrycie. Pomimo tego, że spędził dużo czasu pracując nad dużymi kompozycjami i konstrukcjami dekoracyjnymi (malowanie plafonu w sali bankietowej w Pałacu Whitehall w Londynie; łuki triumfalne ku czci wjazdu Infante Ferdinanda do Antwerpii; dekoracja Torre de la zamek myśliwski Parada), Rubensowi udało się napisać także bardziej kameralne, liryczne utwory. Należą do nich portret „Heleny Fourman Fur Coat” (ok. 1638-1640, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), „Kermessa” (ok. 1635-1636, Luwr), a zwłaszcza kilka promiennych, jasno oświetlonych pejzaży powstałych w ciągu ostatnich pięciu lat życia w wiejskiej posiadłości niedaleko Mechlina. Rubens zmarł 30 maja 1640 r.
Rubensowi udało się w swoich pracach osiągnąć to, do czego dążyły trzy poprzednie pokolenia artystów Flandrii: połączenie realizmu flamandzkiego z klasyczną tradycją odrodzoną przez włoski renesans. Artysta obdarzony był wielką energią twórczą i niewyczerpaną wyobraźnią; czerpiąc inspiracje z różnych źródeł, stworzył swój własny, niepowtarzalny styl. Wykonane przez niego obrazy ołtarzowe charakteryzują się zmysłowością i emocjonalnością; dekorując zamki arystokracji epoki rodzącego się absolutyzmu, przyczynił się do rozpowszechnienia stylu barokowego – języka artystycznego nie tylko kontrreformacji, ale i kultury świeckiej tego czasu.

1.3. francuski malarz Nicolas Poussin
Urodzony w 1594 w Les Andelys w Normandii. Pierwszym nauczycielem Poussina był Quentin Varin z Amiens, który mieszkał w Les Andelys w latach 1611-1612. W 1612 roku Poussin przybył do Paryża, gdzie królewski kamerdyner Alexandre Cutois dał młodemu artyście możliwość zwiedzenia królewskiej kolekcji obrazów; tam po raz pierwszy zobaczył dzieła Rafaela i mistrzów jego szkoły. W Paryżu Poussin spotkał poetę Giovanniego Battistę Marino, dla którego następnie wykonał wspaniałą serię rysunków na tematy z Owidiusza, Wergiliusza i Tytusa Liwiusza, która jest obecnie przechowywana w zamku Windsor.
Wiosną 1624 roku artysta przybył do Rzymu i osiadł tam na resztę życia. W 1640 roku, kiedy sława Poussina dotarła wreszcie do jego ojczyzny, otrzymał zaproszenie od Ludwika XIII i został zmuszony do powrotu na jakiś czas do Paryża. W Paryżu Poussin stworzył takie dzieła jak Eucharystia, Cud św. Francis Xavier (oba w Luwrze) i Time Saves Truth from Envy and Discord (Lilia, Muzeum Sztuk Pięknych). Ta ostatnia została zamówiona przez kardynała Richelieu i miała ozdobić sufit. Wiadomo, że życie na dworze królewskim bardzo ciążyło Poussinowi iw 1642 roku wrócił do Rzymu.
Głównymi źródłami malarstwa Poussina są dzieła klasycznej starożytności i włoskiego renesansu. Liczne rysunki świadczą o jego wielkim zainteresowaniu zabytkami starożytnego Rzymu. Jest właścicielem wielu szkiców starożytnych płaskorzeźb, posągów i sarkofagów. Jednak motywy klasyczne, tak liczne w twórczości Poussina, prawie zawsze są przez niego zmieniane i przerabiane zgodnie z własnymi zamierzeniami artystycznymi. Spośród dzieł mistrzów włoskiego renesansu najsilniejszy wpływ na artystę wywarło malarstwo Rafaela i Tycjana. W późniejszych dziełach Apolla i Daphne (ok. 1664) oraz serii czterech obrazów Pory roku (1660–1664, wszystkie w Luwrze), Poussin zwraca się ku motywom lirycznym; dzieła te są bogatsze w kompozycję i lepszą technikę niż czysto romantyczne płótna z wczesnego okresu. Seria Seasons ze scenami biblijnymi Raj (wiosna), Rut (lato), Exodus (jesień) i powódź (zima) to jeden z najlepszych krajobrazów Poussina.
Poussin tworzy dzieła antycypujące surowe obywatelstwo późnego klasycyzmu („Śmierć Germanika”, ok. 1628, Institute of Arts, Minneapolis), płótna barokowe („Męczeństwo nad Erazmem”, ok. 1628-1629, Pinakoteka Watykańska), obrazy oświeceniowo-poetyckie o tematyce mitologicznej i literackiej, naznaczonej szczególnym działaniem systemu kolorystycznego, bliskiego tradycjom szkoły weneckiej. („Śpiąca Wenus”, Galeria Sztuki, Drezno; „Narcyz i Echo”, Luwr, Paryż; „Rinaldo i Armida”, Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina, Moskwa; wszystkie trzy - około 1625-1627; „Królestwo Flora” , ok. 1631-1632, Galeria Sztuki, Drezno; „Tankred i Erminia”). Klasyczne zasady Poussina są wyraźniej widoczne na płótnach z drugiej połowy lat 30. XX wieku. („Gwałt na Sabinkach”, wersja 2, ok. 1635; „Izrael zbiera mannę”, ok. 1637-1639; oba - w Luwrze w Paryżu). Panujący w tych utworach pogoń za kompozycyjnym rytmem jawi się jako bezpośrednie odzwierciedlenie racjonalnej zasady, która łagodzi niskie popędy i nadaje wielkości szlachetnym czynom człowieka. W latach 1640-1642 Nicolas Poussin pracował w Paryżu na dworze Ludwika XIII ("Czas ratuje prawdę przed zakusami zazdrości i niezgody", ok. 1641-1642, Muzeum Sztuki, Lille). Intrygi nadwornych artystów, na czele z S. Vue, skłaniają Poussina do powrotu do Rzymu.

Rozdział II Artyści rosyjscy XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz
Początkowo był malarzem w Zbrojowni, od 1699 uczył się u Adriana Schkhonebeka „robienia herbów” (na papierze stemplowym). Aby udowodnić swoją znajomość grawerowania, już w 1701 r. Zubow przekazał do Zbrojowni kopię Biblii holenderskiej z 1674 r., Podpisaną: „Z fresku Zesłanie Ducha Świętego”.
Zubov wkrótce stał się utalentowanym grawerem i wyrył wiele dużych arkuszy, w których osiągnął zaawansowaną technologię. Ogromny widok Petersburga, wyryty przez niego na 8 planszach, w parze widoku Moskwy, wyryty przez Jana Bliklandta, jest najlepszym dziełem Zubowa. Jest także właścicielem obrazów bitew morskich („Bitwa pod Grengam”, 1721), uroczystości z okazji zwycięstw („Uroczyste wkroczenie wojsk rosyjskich do Moskwy po zwycięstwie pod Połtawą”, 1711) i innych ważnych wydarzeń tamtych czasów. Zubov uzupełnił przednią część takich obrazów o dokładnie oddane szczegóły życia. Tworzył ryciny, korzystając z rysunków i projektów architektów, m.in. M. G. Zemtsova. Dokumentalny charakter kompozycji połączono z dekoracyjnością rytej blachy i wizerunkiem rzekomych budowli. Widoki miasta zostały ukazane przez artystę „z lotu ptaka”, co przyczyniło się do poczucia skali majestatycznych scen – panoram brzegów Newy.
Od 1714 r. Zubow pracował w Petersburgu. Był starszym mistrzem w drukarni w Petersburgu. Po śmierci Piotra I, za panowania Katarzyny I, Zubow wykonuje portret cesarzowej (1726, z oryginału I. Adolskiego), graweruje wraz z P. Pikartem konny portret Piotra (1726), na zlecenie A. D. Mieńszikowa portrety jego żony i córek „najspokojniejszego” księcia - D. M. i M. A. Mienszykowa (1726). Jesienią 1727 r. zamknięto petersburską drukarnię, w której Zubow przebywał od chwili przybycia do północnej stolicy. Po rezygnacji został zmuszony, podobnie jak jego brat, do przekształcenia się w mistrza popularnych druków ludowych. Artysta starał się o pracę w Izbie Grawerskiej Akademii Nauk, ale nigdy nie dostał tam stałej pracy. W 1730 wrócił do Moskwy.
W starej stolicy Zubov nadal pracuje bardzo intensywnie. W 1734 r. tworzy portrety Piotra I, Piotra II i Anny Ioannovny. Dużo pracuje na zlecenia kościołów i zamożnych obywateli. Ale ówczesne dzieła Zubowa pokazują, jak cienka była warstwa nowej kultury, jak bardzo rosyjscy artyści byli zależni od środowiska, jak silne były tradycje epoki przedpiotrowej. Świadczy o tym słynny „Widok klasztoru Sołowieckiego” - ogromny rycina wykonana przez Zubowa wraz z bratem Iwanem w 1744 r. Jakby nie było widoków Petersburga, bitew, portretów. Jakby nie było samej epoki Piotrowej. Jakby nigdy nie opuścił Żubowa w Moskwie i Zbrojowni. Ostatnie znane nam prace rytownika datowane są na rok 1745, a ostatnia wzmianka o nim to rok 1749. Mistrz zmarł w biedzie i zapomnieniu.
Ostatni arkusz wygrawerowany przez Zubowa odnotowano w 1741 r. Jego najlepsze portrety w czarnej stylistyce: „Katarzyna I”, „Piotr I”, dwie księżniczki „Daria i Maria Mienszykow” – są niezwykle rzadkie; dłuto - „Katarzyna I”, „Gołowin” i „Stefan Jaworski”. Rovinsky („Rytownicy rosyjscy”, M. 1870) podaje listę 110 desek autorstwa Zubowa. Niektóre plansze przetrwały do dziś, a nawet dają wciąż dobre wydruki.

2.2. Nikitin Iwan Nikitycz
Urodzony w Moskwie, syn księdza Nikity Nikitina, który służył w Izmailowie, brat księdza Irodiona Nikitina, późniejszego arcykapłana katedry Archanioła na Kremlu, i malarza Romana Nikitina.
Studiował w Moskwie, podobno w Izbie Zbrojowni, prawdopodobnie pod kierunkiem Holendra Szchonebeka w warsztacie grawerskim. W 1711 został przeniesiony do Petersburga, gdzie studiował u Johanna Tannauera, niemieckiego artysty, który jako jeden z pierwszych przyjął zaproszenie Piotra Wielkiego i przeniósł się do Petersburga, aby uczyć rosyjskich artystów malarstwa perspektywicznego. Szybko zdobywa autorytet na dworze. W latach 1716-1720 na emeryturze państwowej wraz z bratem Romanem został wysłany w gronie dwudziestu osób na studia do Włoch, do Wenecji i Florencji. Studiował u takich mistrzów jak Tommaso Redi i J.G. Dangauer. Po powrocie zostaje nadwornym malarzem. Tak więc Nikitin jest właścicielem portretu umierającego Piotra Wielkiego. W 1732 wraz z bratem Romanem, także artystą, został aresztowany w związku z rozpowszechnianiem oszczerstw przeciwko Feofanowi Prokopowiczowi. Po pięciu latach tymczasowego aresztowania w Twierdzy Pietropawłowskiej został wychłostany i dożywotnio zesłany do Tobolska. W 1741 r., po śmierci Anny Ioannovny, otrzymał pozwolenie na powrót do Petersburga. Wyjechał w 1742 i zmarł w drodze.
Istnieją tylko trzy podpisane prace Nikitina, wraz z przypisywanymi mu tylko około dziesięciu. Wczesne prace nadal zawierają ślady parsuny, która była jedynym stylem portretowym w Rosji w XVII wieku. Nikitin jest jednym z pierwszych (często określanych jako pierwszy) rosyjskich artystów, którzy odeszli od tradycyjnego stylu malowania ikon w malarstwie rosyjskim i zaczęli malować z perspektywą, tak jak robili to w ówczesnej Europie. Jest więc założycielem tradycji języka rosyjskiego
itp.................

Wśród wielu rosyjskich i zagranicznych artystów, którzy pracowali w Rosji, można bezpiecznie nazwać wybitnych mistrzów portretów w XVIII wieku

AP Antropowa, I.P. Argunowa, F.S. Rokotova, D.G. Lewicki, V.L. Borowikowski.

Na swoich płótnach A.P. Antropow i I.P. Argunov starał się przedstawić nowy ideał osoby - otwarty i energiczny. Wesołość, święto zostało podkreślone jasnymi kolorami. Godność przedstawionych, ich otyłość została oddana za pomocą pięknych strojów i uroczystych, statycznych póz.

A.P. Antropow i jego obrazy

Autoportret AP Antropowa

W pracy A.P. Antropowa, nadal istnieje zauważalny związek z malowaniem ikon. Mistrz maluje twarz ciągłymi pociągnięciami, a ubrania, dodatki, tło - swobodnie i szeroko. Artysta nie „łasi się” przed szlachetnymi bohaterami swoich obrazów. Maluje ich takimi, jakimi są naprawdę, bez względu na to, jakich cech, pozytywnych lub negatywnych, nie posiadają (portrety M.A. Rumyantseva, A.K. Woroncowa, Piotr III).

Do najbardziej znanych dzieł malarza Antropowa należą portrety:

Izmajłow;
sztuczna inteligencja i PA Kolichyov;
Elżbieta Pietrowna;
Piotr I;
Katarzyna II z profilu;
ataman F. Krasnoszczekow;
książka portretowa. Trubetskoj

I.P. Argunov - portrecista XVIII wieku

I.P. Argunow „Autoportret”

Rozwijając koncepcję portretu narodowego, I.P. Argunow szybko i łatwo opanował język malarstwa europejskiego i porzucił stare rosyjskie tradycje. W jego dziedzictwie wyróżniają się ceremonialne portrety retrospektywne, które namalował z wizerunków przodków P.B. Szeremietiew. W jego twórczości przewidziano malarstwo następnego stulecia. Staje się twórcą portretu kameralnego, w którym dużą wagę przywiązuje się do wysokiej duchowości obrazu. Był to portret intymny, który stał się bardziej powszechny w XIX wieku.

I.P. Argunov „Portret nieznanej kobiety w stroju chłopskim”

Najważniejszymi obrazami w jego twórczości były:

Jekaterina Aleksiejewna;
PB Szeremietiew w dzieciństwie;
Szeremietiewowie;
Katarzyna II;
Jekaterina Aleksandrowna Łobanowa-Rostowska;
nieznany w stroju chłopskim.

F.S. Rokotov - artysta i obrazy

Nowa faza w rozwoju tej sztuki związana jest z nazwiskiem rosyjskiego portrecisty - F.S. Rokotowa. W swoich dynamicznych obrazach oddaje grę uczuć, zmienność charakteru człowieka. Świat wydawał się malarzowi uduchowiony, podobnie jak jego postacie: wieloaspektowe, pełne liryzmu i człowieczeństwa.

F. Rokotov „Portret nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”

F.S. Rokotov pracował w gatunku portretu w połowie sukni, kiedy osoba była przedstawiana do pasa na tle budynków architektonicznych lub krajobrazu. Wśród jego pierwszych prac znajdują się portrety Piotra III i Grigorija Orłowa, siedmioletniego księcia Pawła Pietrowicza i księżniczki E.B. Jusupowa. Są eleganckie, ozdobne, kolorowe. Obrazy namalowane są w stylu rokoko z jego zmysłowością i emocjonalnością. Dzięki twórczości Rokotowa można poznać historię jego czasów. Cała zaawansowana elita szlachecka dążyła do uchwycenia na płótnach pędzla wielkiego malarza.

Kameralne portrety Rokotowa charakteryzują się: wizerunkiem popiersia, zwróceniem się do widza o ¾, tworzeniem objętości poprzez złożone formowanie światła i cienia, harmonijnym zestawieniem tonów. Za pomocą tych ekspresyjnych środków artysta tworzy pewien rodzaj płótna, który przedstawia honor, godność, duchową łaskę osoby (portret „Nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”).

F.S. Rokotov „Portret AP Struyskaya”

Szczególnie niezwykłe były młodzieńcze i kobiece obrazy artysty, a nawet rozwinął się pewien typ kobiety Rokotowskiego (portrety A.P. Struyskaya, E.N. Zinowiewa i wielu innych).

Oprócz już wymienionych, sławę przyniosły prace F.S. Rokotowa:

W I. Majkow;
Nieznany w kolorze różowym;
V.E. Nowosilcewa;
PN Lanskoj;
Surowcewa;
sztuczna inteligencja i I.I. Woroncowa;
Katarzyna II.

D.G. Lewicki

Autoportret D.G. Levitsky'ego

Mówiono, że portrety D. G. Levitsky'ego odzwierciedlały całe stulecie Katarzyny. Kogokolwiek portretował Levitsky, działał jak subtelny psycholog iz pewnością oddawał szczerość, otwartość, smutek, a także cechy narodowe ludzi.

Jego najwybitniejsze dzieła: portret A.F. Kokorinowa, seria portretów „Smolyanka”, portrety Dyakovej i Markerowskiego, portret Agashi. Wiele prac Levitsky'ego uważa się za pośrednie między portretami ceremonialnymi a kameralnymi.

DG Levitsky „Portret A.F. Kokorinowa”

Levitsky połączył w swojej pracy dokładność i prawdziwość obrazów Antropowa i tekstów Rokotowa, w wyniku czego stał się jednym z najwybitniejszych mistrzów XVIII wieku. . Jego najsłynniejsze dzieła to:

EI Nelidova
MA Lwowa
N. I. Nowikowa
AV Chrapowicki
Mitrofanowowie
Bakunina

V.L. Borowikowski - mistrz portretu sentymentalnego

Portret V.L. Borowikowskiego, art. Bugajewski-blagodatny

Osobowość domowego mistrza tego gatunku V.B. Borowikowski jest związany ze stworzeniem sentymentalny portret. Jego miniatury i portrety olejne przedstawiały ludzi z ich przeżyciami, emocjami, oddawały wyjątkowość ich wewnętrznego świata (portret M.I. Lopukhina). Wizerunki kobiet miały określoną kompozycję: kobieta była przedstawiana na naturalnym tle, sięgała do pasa, opierała się o coś, trzymając w dłoniach kwiaty lub owoce.

V.L. Borowikowski „Portret Pawła I w stroju Zakonu Maltańskiego”

Z biegiem czasu obrazy artysty stają się typowe dla całej epoki (portret generała F. A. Borowskiego), dlatego artysta nazywany jest także historiografem swoich czasów. Peruwiański artysta posiada portrety:

VA Żukowski;
„Lizanka i Daszenka”;
GR Derżawin;
Paweł I;
AB Kurakina;
„Bez brody z córkami”.

Dla rozwoju malarstwa rosyjskiego wiek XVIII był punktem zwrotnym. Wiodącym gatunkiem staje się portret . Artyści przejmują techniki malarskie i podstawowe techniki od swoich europejskich kolegów. Ale nacisk kładziony jest na osobę z własnymi doświadczeniami i uczuciami.

Rosyjscy portreciści starali się nie tylko oddać podobieństwo, ale także oddać na swoich płótnach duszę i wewnętrzny świat swoich modelek. Jeśli Antropow i Argunow starali się przezwyciężyć konwencje, aby zgodnie z prawdą przedstawić osobę, to Rokotow, Lewicki i Borowikowski poszli dalej. Duchowe osobowości patrzą ze swoich płócien, których nastrój został uchwycony i przekazany przez artystów. Wszyscy dążyli do ideału, śpiewali piękno w swoich dziełach, ale piękno cielesne było tylko odbiciem człowieczeństwa i duchowości tkwiącej w narodzie rosyjskim.

Podobało ci się? Nie ukrywaj swojej radości przed światem - udostępnij

Mimo rozwiniętej specjalizacji XVII wiek malarstwa rosyjskiego stał się wiekiem sztuki, a nie rękodzieła fałszerskiego. W Moskwie mieszkali wybitni malarze ikon. Zostali zarejestrowani w oddziale Izby Ikon Zakonu Ikon.

Simvon Uszakow. Zbawiciel nie ręką uczyniony.

Pod koniec XVII wieku zaczęli pracować jako mistrzowie Sklepu z Ikonami Zbrojowni. Wielki sukces odniósł na początku XVII wieku Prokopiusz Chirin. Chirin pochodził z Nowogrodu. Jego ikony są wykonane w stonowanych kolorach, postacie obrysowane są wzdłuż konturu złotą obwódką, pobieloną z najlepszą asystą.

Innym wybitnym rosyjskim malarzem XVII wieku był Nazarij Sawin. Savin preferował postacie o wydłużonych proporcjach, wąskich ramionach i długich brodach. W latach 30. XVII wieku Savin przewodził grupie malarzy ikon, którzy napisali święto deesis i prorocze obrzędy do ikonostasu cerkwi Złożenia Szaty Marii i na Kremlu moskiewskim.

Iwan 4 Wasiljewicz Groźny.

W połowie XVII wieku przeprowadzono wielkie prace mające na celu odrestaurowanie starożytnych malowideł ściennych. Nowe malowidła soboru Wniebowzięcia NMP w Moskwie zachowały schemat poprzedniego i zostały ukończone w możliwie najkrótszym czasie. Prace nadzorował Ivan Panssein. Artyści pod jego kierownictwem napisali 249 skomplikowanych kompozycji i 2066 twarzy.

W XVII wieku w malarstwie rosyjskim wyróżniało się szczególne pragnienie artystów, pragnienie realistycznego przedstawienia osoby. W Rosji zaczyna się rozprzestrzeniać takie zjawisko, jak malarstwo świeckie. Świeccy malarze XVII wieku przedstawiali królów, generałów i bojarów. W XVII wieku w kulturze Rusi, w tym w malarstwie, nastąpił proces „sekularyzacji”. Coraz więcej motywów świeckich przenika życie rosyjskiego społeczeństwa. Rosja wkroczyła na nową drogę, u progu nowej ery w swojej historii.

W malarstwie ustalone tradycje pisma zostały w dużej mierze zachowane. Sobór kościelny z 1667 r. Ściśle regulował tematy i obrazy, tego samego wymagał statut cara Aleksieja Michajłowicza. Napisano od niego parsowania:

Gorliwie potępiał wszelkie odstępstwa od kanonów w przedstawianiu świętych ideologów staroobrzędowców Avvakum.

Działalność malarzy prowadziła Zbrojownia Kremla, która stała się w XVII wieku. artystyczne centrum kraju, do którego ściągali najlepsi mistrzowie.

Przez 30 lat malarstwem kierował Szymon Uszakow (1626-1686). Cechą charakterystyczną jego twórczości było bliskie zainteresowanie wizerunkiem ludzkiej twarzy. Pod jego dłonią ascetyczne twarze nabierały żywych rysów. To jest ikona „Zbawiciel nie ręką uczyniony”.

Powszechnie znana jest jego inna praca - „Sadzenie drzewa państwa wszechrosyjskiego”. Na tle katedry Zaśnięcia znajdują się postacie Iwana Kality i metropolity Piotra, podlewające duże drzewo, na którego gałęziach przymocowane są medaliony z portretami książąt i królów. Po lewej stronie zdjęcia Aleksiej Michajłowicz, po prawej jego żona z dziećmi. Wszystkie obrazy to portrety. Pędzel Uszakowa również należy do ikony „Trójcy”, na której pojawiają się realistyczne detale. Szymon Uszakow miał ogromny wpływ na rozwój malarstwa rosyjskiego.

Niezwykłe zjawisko w sztuce rosyjskiej XVII wieku. stała się szkołą mistrzów jarosławskich. Tradycyjne sceny kościelne i biblijne na ich freskach zaczynają być przedstawiane na obrazach znanego rosyjskiego życia. Cuda świętych schodzą na drugi plan przed zwykłymi zjawiskami. Szczególnie charakterystyczna jest kompozycja „Żniwa” w kościele Eliasza Proroka, a także freski w kościele Jana Chrzciciela. Do „pionierów” w rozwoju krajobrazu należeli także malarze jarosławscy.

Innym przykładem świeckiego gatunku, który odzwierciedlał zainteresowanie ludzką osobowością, było rozpowszechnienie pisma „parsun” - portretów. Jeśli w pierwszej połowie wieku „parsuny” wykonywano jeszcze w tradycji czysto ikonograficznej (wizerunki Iwana IV, M. Skopina-Shuisky'ego),

potem w drugim zaczęli nabierać bardziej realistycznego charakteru („parsini” carów Aleksieja Michajłowicza, Fiodora Aleksiejewicza, stewarda G.P. Godunowa).

Michaił Fiodorowicz, car, pierwszy z dynastii Romanowów.

Parsun ostatniego Rurikowicza w linii męskiej - syna Iwana Groźnego.

Patriarcha Nikon

Patriarcha Nikon za cara Aleksieja Michajłowicza.

Natalya Kirillovna Naryshkina, druga żona cara Aleksieja Michajłowicza i kolejna z jej parsuny