Lavoro di prova sugli studi culturali sull'argomento:
Tipi e tecniche delle belle arti
a) GRAFICA
b) PITTURA
c) SCULTURA
3. Riferimenti
1. Tipi di belle arti e loro caratteristiche
Uno dei compiti principali della nostra società è affrontare il sistema educazione moderna, è la formazione della cultura della personalità. La rilevanza di questo compito è legata alla revisione del sistema di vita e dei valori artistici ed estetici. La formazione della cultura delle giovani generazioni è impossibile senza rivolgersi ai valori artistici accumulati dalla società nel corso della sua esistenza. Diventa quindi evidente la necessità di studiare le basi della storia dell'arte.
Per comprendere appieno l'arte di una certa epoca, è necessario navigare nella terminologia storico-artistica. Conoscere e comprendere l'essenza di ogni forma d'arte. Solo se si padroneggia il sistema categorico-concettuale una persona sarà in grado di comprendere appieno il valore estetico dei monumenti d'arte.
L'arte (riflessione creativa, riproduzione della realtà in immagini artistiche.) esiste e si sviluppa come un sistema di specie interconnesse, la cui diversità è dovuta alla versatilità di ( mondo reale, visualizzato nel processo di creazione artistica.
I tipi d'arte sono forme storicamente stabilite attività creativa, possedere la capacità di realizzare artisticamente il contenuto della vita e differire nei metodi della sua incarnazione materiale (parole nella letteratura, suono nella musica, materiali plastici e coloristici nelle arti visive, ecc.).
Nella letteratura di storia dell'arte moderna si è sviluppato un certo schema e sistema di classificazione delle arti, sebbene non ne esista ancora uno solo e siano tutti relativi. Lo schema più comune è dividerlo in tre gruppi.
Il primo include spaziale o tipi di plastica arti Per questo gruppo di arti, la costruzione spaziale nel rivelare l'immagine artistica è essenziale - arte, Arti decorative e applicate, Architettura, Fotografia.
Il secondo gruppo comprende tipi d'arte temporanei o dinamici. In loro valore chiave acquisisce una composizione che si svolge nel tempo: musica, letteratura.
Il terzo gruppo è rappresentato dalle tipologie spazio-temporali, chiamate anche arti sintetiche o spettacolari: Coreografia, Letteratura, Arti teatrali, Cinematografia.
Esistenza vari tipi arti è dovuto al fatto che nessuna di esse, con i propri mezzi, può fornire un quadro artistico e completo del mondo. Un'immagine del genere può essere creata solo dall'intera cultura artistica dell'umanità nel suo insieme, composta da singole specie arte.
Gruppo Belle Arti tipologie di creatività artistica che riproducono la realtà percepita visivamente. Le opere d'arte hanno una forma oggettiva che non cambia nel tempo e nello spazio. Le belle arti comprendono: pittura, grafica, scultura.
A) GRAFICA
La grafica (tradotta dal greco - "scrivo, disegno") è, prima di tutto, disegni e stampe artistiche (incisioni, litografia). Si basa sulle possibilità di creazione espressiva forma artistica utilizzando linee, tratti e macchie di diversi colori applicati sulla superficie del foglio.
La grafica ha preceduto la pittura. Dapprima l'uomo ha imparato a cogliere i contorni e le forme plastiche degli oggetti, poi a distinguerne e riprodurne i colori e le sfumature. Padroneggiare il colore è stato un processo storico: non tutti i colori venivano padroneggiati contemporaneamente.
La specificità della grafica sono le relazioni lineari. Riproducendo le forme degli oggetti, ne trasmette l'illuminazione, il rapporto tra luce e ombra, ecc. La pittura coglie i rapporti reali dei colori del mondo; nel colore e attraverso il colore esprime l'essenza degli oggetti, il loro valore estetico, verifica il loro scopo sociale, la loro corrispondenza o contraddizione con l'ambiente.
In corso sviluppo storico il colore cominciò a penetrare nei disegni e nella grafica stampata, e ora nei disegni con gessetti colorati - pastello e incisione a colori e dipingere con colori ad acqua - acquerello e tempera. Nella varia letteratura sulla storia dell’arte si trovano diversi punti di vista riguardo alla grafica. In alcune fonti: la grafica è un tipo di pittura, mentre in altre è un sottotipo separato di belle arti.
B) PITTURA
La pittura è un'arte piatta, la cui specificità è rappresentare, utilizzando colori applicati sulla superficie, un'immagine del mondo reale, trasformata immaginazione creativa artista.
La pittura si divide in:
Monumentale - affresco (dall'italiano Fresco) - dipinto su intonaco bagnato con vernici diluite in acqua e mosaico (dal francese mosaiqe) un'immagine fatta di pietre colorate, smalto (vetro trasparente colorato di smalto), piastrelle di ceramica.
Cavalletto (dalla parola "macchina") - una tela creata su un cavalletto.
La pittura è rappresentata da vari generi (Genere (genere francese, dal latino genus, Genitivo generis - genere, specie) - divisione interna artistica, storicamente stabilita in tutti i tipi di arte.):
Un ritratto è il compito principale di trasmettere un'idea aspetto persona, per rivelare il mondo interiore di una persona, per enfatizzare la sua individualità, immagine psicologica ed emotiva.
Paesaggio - riproduce il mondo in tutta la sua diversità di forme. L'immagine di un paesaggio marino è definita dal termine marineismo.
Natura morta: raffigurazione di articoli per la casa, strumenti, fiori, frutti. Aiuta a comprendere la visione del mondo e lo stile di vita di una certa epoca.
Genere storico: racconta storicamente punti importanti vita della società.
Genere quotidiano- riflette la vita quotidiana delle persone, la morale, i costumi, le tradizioni di un particolare gruppo etnico.
L'iconografia (tradotta dal greco come "immagine di preghiera") è l'obiettivo principale di guidare una persona sul percorso di trasformazione.
Animalismo: l'immagine di un animale come personaggio principale opera d'arte.
Nel 20 ° secolo la natura della pittura sta cambiando sotto l'influenza del progresso tecnologico (la comparsa di apparecchiature fotografiche e video), che porta all'emergere di nuove forme d'arte: l'arte multimediale.
B) SCULTURA
La scultura è un'arte spaziale che esplora il mondo immagini plastiche.
I principali materiali utilizzati nella scultura sono la pietra, il bronzo, il marmo e il legno. SU palcoscenico moderno lo sviluppo della società, il progresso tecnologico, il numero di materiali utilizzati per creare la scultura è aumentato: acciaio, plastica, cemento e altri.
Esistono due tipi principali di scultura: tridimensionale (circolare) e in rilievo:
Altorilievo - altorilievo,
Bassorilievo - bassorilievo,
Controrilievo - rilievo a mortasa.
Per definizione la scultura può essere monumentale, decorativa o da cavalletto.
Monumentale - utilizzato per decorare strade e piazze cittadine, segnalare luoghi storicamente importanti, eventi, ecc. La scultura monumentale comprende:
Monumenti,
Monumenti,
Memoriali.
Cavalletto - progettato per l'ispezione a distanza ravvicinata e destinato alla decorazione spazi interni.
Decorativo: utilizzato per decorare la vita di tutti i giorni (piccoli oggetti in plastica).
2. Tecniche artistiche
La tecnica pittorica è un insieme di tecniche per l'utilizzo di materiali e mezzi artistici.
Tecniche pittoriche tradizionali: encausto, tempera, murale (calce), colla ed altre tipologie. Dal XV secolo divenne popolare la tecnica della pittura con colori ad olio; nel 20 ° secolo apparvero vernici sintetiche con un legante polimerico (acrilico, vinile, ecc.). Anche la tempera, l'acquerello, l'inchiostro cinese e la tecnica del semi-disegno - il pastello - sono classificati come pittura.
Acquerello
Acquerello - dipingere con gli acquerelli. La qualità principale dell'acquerello è la trasparenza e l'ariosità dell'immagine.
L'acquerello è una delle tecniche pittoriche più complesse. L'apparente semplicità e facilità di dipingere con gli acquerelli è ingannevole. La pittura ad acquerello richiede la padronanza del pennello, la padronanza nel vedere toni e colori, la conoscenza delle leggi della miscelazione dei colori e l'applicazione di uno strato di vernice sulla carta. Esistono molte tecniche nell'acquerello: lavorare su carta asciutta, lavorare su carta bagnata (“A la Prima”), usare matite acquerellabili, inchiostri, pittura multistrato, lavorare con un pennello asciutto, riempire, lavare via, usare una spatola , sale, applicazione media misti.
L'acquerello, nonostante la sua apparente semplicità e facilità di disegno, è una tecnica pittorica molto complessa. La pittura ad acquerello richiede la padronanza del pennello, la padronanza nel vedere toni e colori, la conoscenza delle leggi della miscelazione dei colori e l'applicazione di uno strato di vernice sulla carta.
Per i lavori ad acquerello, la carta è uno dei materiali critici. Ciò che è importante è la sua qualità, tipo, rilievo, densità, granulometria, calibro. A seconda della qualità della carta colori ad acquerello Vengono applicati sulla carta in diversi modi, assorbiti e asciugati.
Esistono molte tecniche artistiche nell'acquerello: lavorare su carta bagnata (“A la Prima”), lavorare su carta asciutta, versare, lavare, usare matite acquarellabili, inchiostro, lavorare con un pennello asciutto, usare una spatola, sale, multi- pittura a strati, utilizzando tecniche miste.
La tecnica bagnato su bagnato utilizza la colata dell'acquerello e crea effetti cromatici insoliti. L'utilizzo di questa tecnica richiede la conoscenza del livello di umidità della carta e l'esperienza nell'uso della tecnica stessa.
Riempimento - molto tecnica interessante nell'acquerello. Le transizioni di colore uniformi ti consentono di rappresentare in modo efficace il cielo, l'acqua e le montagne.
La spatola viene utilizzata non solo nella pittura a olio, ma anche in pittura ad acquerello. Con una spatola puoi enfatizzare i contorni di montagne, sassi, rocce, nuvole, onde del mare, raffigurano alberi, fiori.
Per ottenere vengono utilizzate le proprietà assorbenti del sale effetti interessanti nell'acquerello. Con l'aiuto del sale, puoi decorare un prato con fiori, ottenere un ambiente aereo in movimento nell'immagine, muovendo le transizioni tonali.
La pittura multistrato è ricca di colori. IN verniciatura multistrato tutti sono usati tecniche artistiche lavorare con gli acquerelli.
Matita
La matita è un materiale per disegnare. Ci sono grafite nera e matite colorate. I disegni a matita vengono eseguiti su carta utilizzando ombreggiature, macchie tonali e luci e ombre.
Le matite acquerellabili sono un tipo di matite colorate solubili in acqua. Esistono diverse tecniche per utilizzare le matite acquerellabili: sfocare il disegno matita ad acquerello acqua, lavorando con una matita acquerellabile imbevuta d'acqua, lavorando con una matita accesa carta bagnata, e così via.
disegnare è più difficile da fare.
Con l'aiuto di una matita puoi ottenere infinite sfumature e gradazioni di tono. Nel disegno vengono utilizzate matite di vari gradi di morbidezza.
Inizio dei lavori graphic design dal disegno di progetto, ad es. disegnare i contorni esterni di un oggetto utilizzando linee di costruzione, solitamente con una matita medio morbida H, HB, B, F, quindi in un disegno tono, in cui non ci sono più linee di contorno degli oggetti, e i confini degli oggetti sono indicati da ombreggiatura; se necessario, usarne di più matite morbide. La più dura è 9H, la più morbida è 9B.
Quando si disegna con una matita, è consigliabile apportare il minor numero di correzioni possibile e utilizzare la gomma con attenzione per non lasciare macchie, così il disegno apparirà fresco e pulito. Sfumatura disegno a matitaÈ meglio non usarlo per gli stessi motivi. Per applicare il tono, viene utilizzata la tecnica dell'ombreggiatura. I tratti possono essere diversi in direzione, lunghezza, spaziatura e pressione della matita. La direzione del tratto (orizzontale, verticale, obliquo) è determinata dalla forma, dalle dimensioni dell'oggetto e dal movimento della superficie nel disegno.
Un ritratto a matita risulta molto realistico e pieno di luce. Dopotutto, con l'aiuto di una matita puoi trasmettere molte sfumature, profondità e volume dell'immagine e transizioni di chiaroscuro.
Il disegno a matita è fissato con un fissativo, quindi il disegno non perde la sua nitidezza, non sbava nemmeno al tocco con mano e si conserva a lungo.
Olio
La pittura ad olio su tela è la tecnica pittorica più popolare. La pittura ad olio offre al maestro un numero illimitato di modi per rappresentare e trasmettere l'atmosfera del mondo circostante. Tratti trasparenti pastosi o ariosi attraverso i quali la tela è visibile, creando un rilievo con una spatola, vetri, l'uso di vernici trasparenti o opache, varie variazioni di miscelazione dei colori: tutta questa varietà di tecniche di pittura ad olio consente all'artista di trovare e trasmettere l'atmosfera, il volume degli oggetti raffigurati, l'ambiente aereo e creano lo spazio illusorio, trasmettono la ricchezza delle sfumature del mondo circostante.
La pittura a olio ha una sua particolarità: l'immagine è dipinta in più strati (2-3), ogni strato deve asciugare per diversi giorni a seconda dei materiali utilizzati, quindi di solito un dipinto a olio viene dipinto da diversi giorni a diverse settimane.
Il materiale più adatto per la pittura a olio è la tela di lino. Il tessuto di lino è resistente e ha una trama vivace. Le tele di lino sono disponibili in diverse granulometrie. Per i ritratti e i dipinti dettagliati viene utilizzata una tela a grana fine e liscia. La tela a grana grossa è adatta per dipingere con una trama pronunciata (pietre, rocce, alberi), pittura ad impasto e pittura con spatola. In precedenza, la pittura utilizzava la tecnica della smaltatura, applicando la vernice in strati sottili, quindi la ruvidità dello strato di lino conferiva eleganza al dipinto. Al giorno d'oggi, la tecnica dei tratti di impasto è spesso utilizzata nella pittura. Tuttavia, la qualità della tela è importante per l'espressività del dipinto.
La tela di cotone è un materiale durevole ed economico, adatto alla pittura con pennellate di pasta.
La pittura a olio utilizza anche basi come tela, compensato, pannelli duri, metallo e persino carta.
Le tele sono tese su cartone e su telaio. Le tele su cartone sono sottili e solitamente non sono di grandi dimensioni e non superano i 50*70. Sono leggeri e facili da trasportare. Le tele su telaio sono più costose; le tele finite su telaio possono raggiungere una dimensione di 1,2 x 1,5 m. Il dipinto finito è incorniciato.
Prima di lavorare con l'olio, le tele vengono incollate e preparate. Ciò è necessario affinché la pittura ad olio non distrugga la tela e affinché la vernice aderisca bene alla tela.
I dipinti ad olio vengono spesso realizzati posizionando la tela su un cavalletto. La pittura a olio utilizza la tecnica della spatola. Una spatola è uno strumento in acciaio flessibile a forma di coltello o spatola con manico ricurvo. Forma diversa una spatola aiuta a ottenere trame, rilievi e volumi diversi. Puoi anche applicare tratti uniformi e morbidi con una spatola. La lama di una spatola può essere utilizzata anche per creare linee sottili: verticali, orizzontali, caotiche.
Pastello
Il pastello è uno di questi specie insolite materiali visivi. La pittura a pastello è ariosa e delicata. La finezza e l'eleganza della tecnica pastello conferiscono ai dipinti una qualità vivace, a volte favolosa e magica. Nella tecnica del pastello “secco”, è ampiamente utilizzata la tecnica dell'“ombreggiatura”, che dà l'effetto di transizioni morbide e delicatezza del colore. Il pastello viene applicato su carta ruvida. Il colore della carta è importante. Il colore di fondo, che appare attraverso i tratti del pastello, evoca un certo stato d'animo, attenuando o esaltando gli effetti cromatici del disegno. I dipinti a pastello vengono fissati con fissativo e conservati sotto vetro.
La tecnica del pastello ottenne ampia popolarità e raggiunse il suo apice nel XVIII secolo. Il pastello ha la proprietà di conferire straordinaria morbidezza e tenerezza a qualsiasi soggetto. Usando questa tecnica, puoi creare qualsiasi soggetto, dai paesaggi ai disegni di persone.
I vantaggi del pastello - in grande libertà per l'artista: permette di rimuovere e coprire interi strati di pittura, interrompere e riprendere il lavoro in qualsiasi momento. Il pastello unisce le possibilità della pittura e del disegno. Puoi disegnare e scrivere con esso, lavorare con ombreggiature o macchie pittoriche, con un pennello asciutto o bagnato.
Le tecniche per lavorare con i pastelli sono varie. I tocchi pastello vengono applicati con le dita, spazzole speciali, rulli di pelle, spazzole quadrate di seta e tamponi morbidi. La tecnica pastello è molto sottile e complessa nelle sue sovrapposizioni di colore pastello “smalto” su colore. Il pastello viene applicato in punti, tratti e smalti.
Per lavoro matite pastello le basi servono per sostenere il pastello ed evitare che cada. I pastelli vengono utilizzati su tipi di carta ruvidi, come torchon, carta whatman, carta vetrata, su cartone soffice e sciolto, pelle scamosciata, pergamena e tela. La base migliore è la pelle scamosciata, sulla quale sono presenti alcune scritte opere classiche. I disegni a pastello sono fissati con fissativi speciali che impediscono la caduta del pastello.
Un maestro insuperabile i pastelli erano Edgar Degas. Degas aveva un occhio acuto e un disegno infallibile, che gli permisero di ottenere effetti senza precedenti con i pastelli. Mai prima d'ora i disegni a pastello erano stati così riverenti, magistralmente negligenti e così preziosi nel colore. Nel loro lavori successivi, che ricorda un festoso caleidoscopio di luci, E. Degas era ossessionato dal desiderio di trasmettere il ritmo e il movimento della scena. Per dare ai colori una lucentezza speciale e farli brillare, l'artista ha sciolto i pastelli acqua calda, trasformandolo in una sorta di pittura ad olio, e applicandolo sulla tela con un pennello. Nel febbraio 2007, ad un’asta di Sotheby’s a Londra, il pastello “Tre ballerine in gonne viola” di Degas è stato venduto per 7,87 milioni di dollari.
i pastelli furono lavorati da maestri come Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.
Sangina
La gamma cromatica della sanguigna, materiale da disegno, va dal marrone al vicino al rosso. Il sanguigno trasmette bene i toni corpo umano, quindi i ritratti realizzati da sanguigni sembrano molto naturali. La tecnica del disegno dal vero con la sanguigna è nota fin dal Rinascimento (Leonardo da Vinci, Raffaello). La sanguigna è spesso abbinata al carboncino o alla matita italiana. Per garantire una maggiore durata, i disegni a sanguigna vengono fissati con un fissativo o posti sotto vetro.
Sanguina è conosciuta fin dall'antichità. Fu allora che la sanguigna permise l'introduzione del colore della carne nel disegno. La tecnica del disegno a sanguigna si diffuse durante il Rinascimento. Gli artisti del Rinascimento svilupparono e utilizzarono ampiamente la tecnica delle “tre matite”: dipingevano un disegno in sanguigna o seppia e carboncino su carta tonica, quindi evidenziavano le aree desiderate con il gesso bianco.
La parola "sanguigno" deriva dal latino "sanguineus" - "rosso sangue". Queste sono matite rosso-marroni. La sanguigna è composta da terra di Siena bruciata e argilla finemente macinate. Come il pastello, il carboncino e la salsa, la sanguigna è un materiale morbido che viene modellato in pastelli tetraedrici o rotondi durante la produzione.
Con l'aiuto della sanguigna, i toni del corpo umano sono ben trasmessi, quindi i ritratti realizzati con la sanguigna sembrano molto naturali.
La tecnica di lavorare con la sanguigna è caratterizzata da una combinazione di tratti ampi e ombreggiature con tratti di blocchi sanguigni ben affilati. Bellissimi disegni le sanguigna si ottengono su fondo colorato, soprattutto quando al materiale di base vengono aggiunti carboncino e gesso (tecnica delle “tre matite”).
Per il disegno, scegli il sanguigno di una tonalità che meglio si adatta alle caratteristiche della natura. Ad esempio, è bene dipingere un corpo nudo con una sanguigna rossastra e un paesaggio con una sanguigna grigio-marrone o seppia.
A volte il sanguigno viene combinato con il carbone, che produce sfumature fredde. Il contrasto tra tonalità calde e fredde conferisce a tali opere un fascino speciale.
Per garantire una maggiore durata, i disegni a sanguigna possono essere fissati con un fissativo o posti sotto vetro.
Tempera
La tempera (dal latino "temperare" - unire) è un legante pittorico costituito da un'emulsione naturale o artificiale. Prima del miglioramento dei colori ad olio da parte di J. Van Eyck (XV secolo), la tempera all'uovo medievale era uno dei tipi di pittura più popolari e diffusi in Europa, ma gradualmente perse la sua importanza.
Nella seconda metà del XIX secolo, la delusione derivante dalla successiva pittura ad olio servì da inizio alla ricerca di nuovi leganti per i colori, e la tempera dimenticata, le cui opere ben conservate parlano eloquentemente da sole, attirò nuovamente l'interesse .
A differenza della pittura ad olio e della tempera antica, la nuova tempera non richiede che l'artista abbia un sistema specifico per dipingere, dandogli completa libertà a riguardo, che può utilizzare senza alcun danno alla resistenza del dipinto. La tempera, a differenza dell'olio, asciuga rapidamente. I dipinti a tempera rivestiti con vernice non sono inferiori ai dipinti ad olio in termini di colore e in termini di immutabilità e durata i colori a tempera sono addirittura superiori ai colori ad olio.
I materiali e le tecniche grafiche sono vari, ma, di regola, la base lo è foglio di carta. Il colore e la consistenza della carta giocano un ruolo importante. I materiali e le tecniche colorate sono determinati dal tipo di grafica.
Grafica da cavalletto A seconda della natura della tecnica, si divide in due tipologie: incisione e disegno.
Incisione- dal francese estamper - timbrare, imprimere - un'impressione su carta. L'immagine iniziale non viene realizzata direttamente su carta, ma su una lastra di materiale solido, dalla quale viene poi stampato o impresso il disegno tramite una pressa. In questo caso, puoi ottenere non solo una copia della stampa, ma molte, cioè replicare l'immagine grafica. La stampa viene utilizzata anche nella grafica applicata, nei poster e nelle illustrazioni di libri. Ma lì la lastra da stampa è realizzata dall'originale, realizzata dall'artista, fotomeccanicamente, a macchina. Nella grafica da cavalletto per incisione, la forma di stampa viene creata dall'artista stesso, quindi si ottengono un certo numero di copie delle opere originali
arte di pari valore artistico, conservando integralmente l'impronta viva e diretta dell'opera creativa dell'autore.
Il processo di creazione di una forma di stampa da qualsiasi materiale duro - legno, metallo, linoleum - si chiama incisione (dalla parola francese graver - tagliare). Il disegno viene creato tagliando o graffiando con uno strumento affilato: un ago, uno scalpello. Le opere grafiche stampate da una lastra da stampa per incisione sono chiamate incisioni.
incisione piatta- l'immagine e lo sfondo siano allo stesso livello;
incisione in rilievo- la vernice copre la superficie del disegno - il disegno è sopra il livello dello sfondo;
incisione approfondita- la vernice riempie i recessi, il disegno è sotto il livello dello sfondo.
A seconda del materiale da cui viene creato il modulo di stampa, ce ne sono diversi tipi diversi incisioni:
Litografia- la forma di stampa è la superficie della pietra (calcare). La pietra è lucidata in modo molto uniforme e sgrassata. L'immagine viene applicata sulla pietra litografica con uno speciale inchiostro o matita litografica spessa. La pietra viene bagnata con acqua, quindi viene stesa la vernice, che aderisce solo al disegno precedentemente applicato. La litografia fu inventata nel 1798. Nel XIX secolo si diffuse nella grafica di riviste da cavalletto e di critica sociale. ( Artista francese Honoré Daumier: “Giù il sipario, si recita la farsa” 1834, “Rue Transnonen, 15 aprile 1834” 1834, dal 1837 al 1851. - circa 30 serie litografiche - "Robert Manner", "Tipi parigini", "Borghesi rispettabili", "Leaders of Justice".)
Algrafia- stampa piana, la tecnica di esecuzione è simile alla litografia, ma al posto della pietra viene utilizzata una lastra di alluminio.
Xilografia- incisione su legno, tagliata con apposita taglierina. La vernice viene arrotolata sul piano della tavola originale. Quando si stampa su carta, le aree ritagliate dalla taglierina rimangono bianche. Le stampe sono disegno di assieme spesse linee nere. Le xilografie apparvero nel Medioevo in connessione con la necessità di stampare. (Artisti tedeschi Albrecht Dürer: “I quattro cavalieri” 1498 e Hans Holbein il Giovane serie di incisioni “Immagini della morte” 1524-1525)
Linoleografia- incisione su linoleum. La tecnica è molto vicina alla xilografia. Il linoleum è un materiale economico e accessibile. Le linoleografie sono più semplici da eseguire rispetto alle xilografie per l'origine sintetica del materiale utilizzato (uniformità, assenza di fibre artificiali che interferiscono con la taglierina).
Incisione su metallo eseguiti su zinco, rame, ferro, acciaio. L'incisione su metallo si divide in stampa con acquaforte e senza acquaforte. Esiste un gran numero di La tecnica per questo tipo di incisione è la puntasecca (la più vicina alla grafica dell’autore, poiché sprovvista di ampia circolazione), mezzatinta (“stampa nera”), acquaforte, acquatinta, vernice morbida (o vernice a strisce).
Acquaforte- dal francese eau-forte - Acido nitrico. Il disegno viene inciso con un ago da incisione su uno strato di vernice resistente agli acidi che ricopre la piastra metallica. Le aree graffiate vengono incise con acido e l'immagine approfondita risultante viene riempita con vernice e stampata su carta. (Artista francese Jacques Callot: serie “Grandi disastri della guerra” 1633, serie “Inferiore” 1622)
Ago asciutto- il disegno viene applicato direttamente sul metallo grattando colpi sulla superficie del pannello metallico con la punta di un ago duro.
Mezzatinta- dall'italiano mezzo - medio e tinto - dipinto. Un tipo di incisione approfondita in cui la superficie di una tavola di metallo viene irruvidita da un lapidario, producendo uno sfondo nero uniforme quando viene stampato. Le aree della tavola corrispondenti alle aree chiare del disegno vengono raschiate, levigate e lucidate.
Acquatinta- dall'acquatinta italiana - un metodo di incisione basato sull'incisione con acido della superficie di una lastra metallica con polvere di asfalto o colofonia fusa e un'immagine applicata con una vernice antiacido utilizzando un pennello. Ha un numero enorme di sfumature dal nero al bianco.
Per quanto riguarda la tecnica della scultura, le sue tipologie possono essere raggruppate secondo vari principi. Secondo un principio, le tecniche di scultura possono essere suddivise nei seguenti tre gruppi:
Quando la mano dell’artista termina tutta l’opera (lavorazione dell’argilla, della pietra, del legno).
Quando l'opera dell'artista si conclude con il fuoco (ceramica).
Quando l'artista fornisce solo un modello della futura statua (fusa in bronzo).
Secondo un altro principio, la tecnica scultorea si divide in tre, ma diversi gruppi principali:
Modellazione dentro materiali morbidi(cera, argilla) - una tecnica che chiamiamo in senso stretto"plastica"
Lavorazione di materiali duri (legno, pietra, avorio), o "scultura". letteralmente questa parola.
Fusione e sbalzo in metallo.
Bibliografia
1. A. V. Lunacharsky Sulle belle arti
2. L. A. Nemenskaya Belle arti. L'arte nella vita umana
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Lo crea sicuramente per qualcuno, dando per scontato che verrà letto, ascoltato, portato via e apprezzato. L'arte è dialogica; è sempre un'interazione tra almeno due persone: il creatore e lo spettatore. Catturando temi che lo riguardano in immagini artistiche, sollevando dal profondo della sua anima sottili esperienze e impressioni di qualcosa, l'artista offre con il suo lavoro temi di riflessione, empatia o dibattito, e il ruolo dello spettatore è quello di comprendere, accettare e comprenderli. Ecco perché la percezione di un'opera d'arte è un lavoro serio associato all'attività sia mentale che spirituale, che a volte richiede una preparazione speciale e speciali estetiche, culturali e conoscenza storica, poi l’opera si apre, la sua portata si espande, dimostrando tutta la profondità della personalità e della visione del mondo dell’artista.
Tipi di belle arti
L'arte della rappresentazione è la forma più antica dell'attività creativa umana, che l'accompagna da millenni. Anche prima epoca storica disegnava figure di animali, donandole potere magico.
I principali tipi di belle arti sono la pittura, la grafica e la scultura. Nella loro creatività, gli artisti usano vari materiali e tecniche, creando in un modo del tutto speciale immagini artistiche il mondo circostante. La pittura utilizza per questo tutta la ricchezza di colori e sfumature, la grafica utilizza solo il gioco di ombre e linee grafiche rigorose, la scultura crea immagini tangibili tridimensionali. Pittura e scultura, a loro volta, si dividono in da cavalletto e monumentali. Le opere da cavalletto vengono create su macchine speciali o cavalletti per esposizioni intime in mostre o nelle sale dei musei e opere monumentali dipinti e sculture decorano le facciate o le pareti degli edifici e delle piazze cittadine.
Tipi di belle arti sono anche arti e mestieri, che spesso fungono da sintesi di pittura, grafica e scultura. Arte della decorazione articoli casalinghi talvolta si distingue per una tale invenzione e originalità da perdere la sua funzione utilitaristica. Articoli per la casa creati artisti di talento, occupano un posto d'onore nelle mostre e nelle sale dei musei.
Pittura
La pittura occupa ancora uno dei posti prioritari in creatività artistica. Questa è un'arte che può fare molto. Con l'aiuto di un pennello e di colori, è in grado di trasmettere nel modo più completo tutta la bellezza e la diversità del mondo visibile. Ogni immagine creata da un artista non è solo un riflesso della realtà esterna, contiene contenuti profondamente interni, sentimenti, emozioni del creatore, i suoi pensieri ed esperienze.
Colore e luce sono le due espressioni principali nella pittura, ma esistono molte tecniche per eseguire un'opera. guazzo ad olio, pastello, tempera. A tecniche pittoriche includono anche mosaici e vetrate artistiche.
Arti grafiche
La grafica è un tipo di arte che, rispetto alla pittura, non si sforza di trasmettere tutta la pienezza colorata del mondo circostante, il suo linguaggio è più convenzionale e simbolico. Un'immagine grafica è un disegno creato da una combinazione di linee, punti e tratti prevalentemente di un colore nero, talvolta con l'uso limitato di uno o più colori aggiuntivi- molto spesso rosso.
Pittori e scultori, designer e architetti: tutte queste persone portano bellezza e armonia nelle nostre vite ogni giorno. Grazie a loro, guardiamo le statue nei musei, ammiriamo i dipinti e ci meravigliamo della bellezza degli edifici antichi. L’arte contemporanea ci stupisce, l’arte classica ci fa riflettere. Ma in ogni caso, le creazioni umane ci circondano ovunque. Pertanto, è utile comprendere questo problema.
Tipi di belle arti
L’arte è spaziale. Cioè ha una forma oggettiva che non cambia nel tempo. Ed è proprio dall'aspetto di questa forma che si distinguono i tipi di belle arti.
Possono essere suddivisi in diverse categorie. Ad esempio, al momento dell'apparizione. Fino al XIX secolo solo tre tipologie erano considerate le principali: scultura, pittura e architettura. Ma la storia delle belle arti si sviluppò e presto la grafica si unì ad esse. Successivamente ne sono emersi altri: arti e mestieri, decorazione teatrale, design e altri.
Oggi non c'è consenso su quali tipi di belle arti debbano essere distinti. Ma ce ne sono diversi fondamentali, la cui esistenza non causa alcuna controversia.
Pittura
Il disegno è un tipo di arte in cui le immagini vengono trasmesse utilizzando i colori. Si applicano su una superficie dura: tela, vetro, carta, pietra e molto altro.
Utilizzato per la pittura colori differenti. Possono essere olio e acquerello, silicato e ceramica. Allo stesso tempo, c'è la pittura a cera, la pittura a smalto e altri. Dipende da quali sostanze vengono applicate sulla superficie e da come vengono fissate lì.
Ci sono due direzioni nella pittura: da cavalletto e monumentale. Il primo unisce tutte quelle opere realizzate su tele diverse. Il suo nome deriva dalla parola “macchina”, che significa cavalletto. Ma la pittura monumentale è un'arte raffinata che viene riprodotta su varie strutture architettoniche. Questi sono tutti i tipi di templi, castelli, chiese.
Architettura
Costruzione - vista monumentale belle arti, il cui scopo è costruire edifici. Questa è praticamente l'unica categoria che non ha solo valore estetico, ma svolge anche funzioni pratiche. Dopotutto, l'architettura prevede la costruzione di edifici e strutture per la vita e le attività delle persone.
Non riproduce la realtà, ma esprime i desideri e i bisogni dell’umanità. Pertanto, attraverso di esso è meglio tracciare la storia delle belle arti. In tempi diversi, lo stile di vita e le idee sulla bellezza erano molto diversi. È per questo motivo che l'architettura permette di tracciare il volo del pensiero umano.
Questa specie è inoltre caratterizzata da un elevato grado di dipendenza ambiente. Ad esempio, sul modulo strutture architettoniche influenzato dalle condizioni climatiche e geografiche, dalla natura del paesaggio e molto altro ancora.
Scultura
Questa è un'antica arte, i cui esemplari hanno un aspetto tridimensionale. Sono realizzati mediante fusione, cesellatura, sbozzatura.
Per realizzare sculture vengono utilizzati principalmente pietra, bronzo, legno o marmo. Ma recentemente, il cemento, la plastica e altri materiali artificiali sono diventati altrettanto popolari.
La scultura ha due varietà principali. Può essere circolare o in rilievo. In questo caso la seconda tipologia si divide in alta, bassa e a mortasa.
Come nella pittura, nella scultura ci sono direzioni monumentali e da cavalletto. Ma anche gli oggetti decorativi si distinguono separatamente. Sculture monumentali Decorano le strade sotto forma di monumenti e segnano luoghi importanti. Quelli da cavalletto vengono utilizzati per decorare le stanze dall'interno. E quelli decorativi decorano la vita di tutti i giorni come piccoli oggetti di plastica.
Arti grafiche
Questa è un'arte decorativa composta da disegni e immagini artistiche stampate. La grafica differisce dalla pittura per i materiali, le tecniche e le forme utilizzate. Per realizzare incisioni o litografie vengono utilizzate macchine e attrezzature speciali per stampare le immagini. E i disegni sono realizzati con inchiostro, matita e altri materiali simili che permettono di riprodurre le forme degli oggetti e la loro illuminazione.
La grafica può essere da cavalletto, a libro e applicata. Il primo viene creato grazie a dispositivi speciali. Queste sono incisioni, disegni, schizzi. Il secondo decora le pagine dei libri o le loro copertine. E il terzo riguarda tutti i tipi di etichette, imballaggi, marchi.
Vengono presi in considerazione i primi lavori di grafica disegni rupestri. Ma il suo risultato più alto è la pittura vascolare nell'antica Grecia.
arti e mestieri
Questo tipo speciale attività creativa, che consiste nel creare vari articoli per la casa. Soddisfano le nostre esigenze estetiche e spesso hanno funzioni utilitaristiche. Inoltre, in precedenza venivano realizzati proprio per ragioni pratiche.
Non tutte le mostre d'arte possono vantare la presenza di oggetti decorativi e applicati, ma ogni casa ne ha. Questi includono gioielli e ceramiche, vetri dipinti, oggetti ricamati e molto altro.
Le arti belle e applicate riflettono soprattutto il carattere nazionale. Il fatto è che la sua componente importante sono le arti e i mestieri popolari. E loro, a loro volta, si basano sui costumi, le tradizioni, le credenze e lo stile di vita delle persone.
Dall'arte teatrale e decorativa al design
Nel corso della storia compaiono sempre più nuovi tipi di belle arti. Con la formazione del primo tempio di Melpomene nacque l'arte teatrale e decorativa, che consiste nel realizzare oggetti di scena, costumi, scenografie e persino trucco.
E il design, come uno dei tipi di arte, sebbene sia apparso nell'antichità, solo di recente è stato individuato in una categoria separata con le proprie leggi, tecniche e caratteristiche.
Generi di belle arti
Ogni opera che nasce dalla penna, dal martello o dalla matita del maestro è dedicata ad un argomento specifico. Dopotutto, durante la creazione, il creatore ha voluto trasmettere i suoi pensieri, sentimenti o persino la trama. È per queste caratteristiche che si distinguono i generi delle belle arti.
Per la prima volta su qualsiasi sistematizzazione di una quantità enorme eredità culturale pensato nei Paesi Bassi nel XVI secolo. A quel tempo si distinguevano solo due categorie: i generi alti e quelli bassi. Il primo comprendeva tutto ciò che contribuiva all'arricchimento spirituale di una persona. Si trattava di opere dedicate ai miti, alla religione, eventi storici. E per il secondo: cose legate alla vita di tutti i giorni. Queste sono persone, oggetti, natura.
I generi sono forme di rappresentazione della vita nelle arti visive. E con esso cambiano, si sviluppano e si evolvono. Intere epoche di belle arti passano mentre alcuni generi acquisiscono un nuovo significato, altri muoiono e altri emergono. Ma ce ne sono diversi principali che hanno attraversato i secoli ed esistono ancora con successo.
Storia e mitologia
A generi elevati Il Rinascimento comprendeva aspetti storici e mitologici. Si credeva che non fossero destinati all'uomo comune della strada, ma a una persona con un alto livello di cultura.
Il genere storico è uno dei principali nelle belle arti. È dedicato alla ricostruzione di quegli eventi del passato e del presente che hanno Grande importanza per un popolo, un paese o una singola località. Le sue fondamenta furono gettate nell'antico Egitto. Ma si formò pienamente già in Italia, durante il Rinascimento, nelle opere di Uccello.
Il genere mitologico comprende quelle opere d'arte che riflettono soggetti leggendari. Già dentro arte antica i suoi primi esempi apparvero quando l'epica divenne comune storie istruttive. Ma le più famose sono le opere del Rinascimento. Ad esempio, affreschi di Raffaello o dipinti di Botticelli.
I soggetti delle opere d'arte di genere religioso sono vari episodi del Vangelo, della Bibbia e di altri libri simili. Nella pittura, i suoi famosi maestri furono Raffaello e Michelangelo. Ma il genere si rifletteva anche nelle incisioni, nella scultura e perfino nell'architettura, data la costruzione di templi e chiese.
Guerra e vita
La rappresentazione della guerra nell'arte iniziò nell'antichità. Ma questo argomento è stato sviluppato attivamente nel XVI secolo. Tutti i tipi di campagne, battaglie e vittorie trovarono espressione nelle sculture, nei dipinti, nelle incisioni e negli arazzi dell'epoca. Le opere d'arte su questo argomento sono chiamate genere di battaglia. La parola stessa ha radici francesi e viene tradotta come “guerra”. Gli artisti che dipingono tali dipinti sono chiamati pittori di battaglia.
Al contrario, nelle belle arti esiste un genere quotidiano. Rappresenta opere che riflettono la vita di tutti i giorni. È difficile tracciare la storia di questa tendenza, perché non appena una persona ha imparato a usare gli strumenti, ha cominciato a imprimere la sua dura vita quotidiana. Il genere quotidiano nelle belle arti ti consente di conoscere gli eventi accaduti migliaia di anni fa.
Persone e natura
Il ritratto è l'immagine di una persona nell'arte. Questo è uno dei generi più antichi. È interessante notare che originariamente aveva un significato di culto. I ritratti venivano identificati con l'anima di una persona deceduta. Ma la cultura delle belle arti si è sviluppata e oggi questo genere ci permette di vedere immagini di persone di epoche passate. Il che dà un'idea dell'abbigliamento, della moda e dei gusti di quel tempo.
Il paesaggio è un genere di belle arti in cui la natura è il soggetto principale. Ha avuto origine in Olanda. Ma la stessa pittura di paesaggio è molto varia. Può rappresentare sia la natura reale che quella fantastica. A seconda del tipo di immagine, si distinguono i paesaggi rurali e urbani. Quest'ultimo include sottospecie come industriale e veduta. Inoltre, parlano dell'esistenza di paesaggi panoramici e da camera.
Si distingue anche il genere animalesco. Queste sono opere d'arte raffiguranti animali.
Tema marino
I paesaggi marini rappresentano principalmente la prima pittura olandese. L'arte raffinata di questo paese ha dato origine al genere stesso della marina. È caratterizzato dai riflessi del mare in tutte le sue forme. Gli artisti marini dipingono elementi ribollenti e superfici d'acqua serene, battaglie rumorose e barche a vela solitarie. Il primo dipinto di questo genere risale al XVI secolo. Su di esso Cornelis Antonis raffigurò la flotta portoghese.
Anche se Marina lo è più genere dipinti, i motivi dell'acqua non si trovano solo nei dipinti. Ad esempio, le arti decorative utilizzano spesso elementi paesaggi marini. Questi possono essere arazzi, gioielli, incisioni.
Elementi
La natura morta è principalmente anche un genere di pittura. Il suo nome è tradotto dal francese come "natura morta". In effetti, gli eroi delle nature morte sono vari oggetti inanimati. Di solito si tratta di oggetti di uso quotidiano, oltre a verdure, frutta e fiori.
La caratteristica principale di una natura morta può essere considerata la sua apparente mancanza di trama. Tuttavia, questo è un genere filosofico che in ogni momento ha riflesso le connessioni tra l'uomo e il mondo esterno.
Si possono trovare prototipi di nature morte dipinto monumentale Pompei. Successivamente questo genere divenne parte di altri dipinti. Ad esempio, dipinti religiosi. Ma il suo nome fu stabilito solo nel XVI secolo.
L’arte è un modo di comprendere la realtà e il posto dell’uomo in essa. Ti permette di ricreare la realtà usando vari immagini visive. Le opere di quest'arte trovano posto non solo nei musei o nelle mostre, ma anche nelle strade delle città, nelle case e nelle biblioteche, nei libri e perfino nelle buste. Sono tutti intorno a noi. E il minimo che possiamo fare è imparare ad apprezzare, comprendere e preservare lo straordinario patrimonio che abbiamo ereditato dai grandi maestri delle epoche passate.
L’arte è spaziale, non estesa nel tempo. Richiede uno spazio bi o tridimensionale. Sebbene ai nostri giorni, grazie alle capacità tecniche, sia emersa una forma d'arte che include lo spazio temporaneo (videoarte). Le belle arti riflettono la realtà attraverso immagini visive:
- - diversità del mondo circostante;
- - pensieri e sentimenti di una persona.
Questo è un modo di comprendere l’ambiente e se stessi.
Tipi di belle arti:
- 1. L'architettura è l'arte di costruire edifici e strutture per la vita e le attività delle persone. La parola "architettura" deriva dal greco "Arhus" - principale, più alto; "Tettonico" - costruzione. Richiede spazio tridimensionale. Ha anche uno spazio interno: un interno.
- 2. La pittura è un tipo di arte figurativa, le cui opere vengono create utilizzando vernici (tempera, Dipinti ad olio, acrilico, tempera, ...).
- 3. La grafica è un tipo di arte che include disegni e immagini stampate. “Grapho” - Scrivo, disegno, disegno. I disegni sono realizzati a matita, inchiostro, seppia, sanguigna...
Immagini stampate - incisioni, litografie, xilografie, monotipi. La grafica si divide in cavalletto, libro e applicata. Acquarello, guazzo e pastello sono al limite della pittura e della grafica. Le prime opere di grafica: pitture rupestri arte primitiva. Nell'antica Grecia, l'arte grafica era al massimo livello: la pittura vascolare.
4. Scultura.
Il termine deriva dal latino “sculpere” - tagliare, scolpire. A differenza della pittura e della grafica, la scultura ha volume. Una scultura è un'immagine tridimensionale. Materiali: osso, pietra, legno, argilla, metallo, cera... La scultura è una delle forme d'arte più antiche. Primo opere scultoree Erano idoli, amuleti e raffiguravano antichi dei. Si distingue tra scultura rotonda (vista da diversi lati) e rilievo (alto, medio, basso, controrilievo). La scultura è divisa in tipologie: da cavalletto e monumentale (monumenti, monumenti) e monumentale-decorativa (decorazione architettonica).
In ogni casa vivono e ci servono vari articoli. E se fossero toccati dalla mano di un artista, gioielliere o artigiano popolare, poi diventano un'opera decorativa - arti applicate. Il termine è apparso nel XVIII secolo. dalla parola francese "decor" - decorazione ovunque. Applicato significa qualcosa a cui viene applicata abilità o arte.
- 6. Arti teatrali e decorative
- 7. Progettazione
- 8. Architettura
Il concetto di “stile” è un'originalità che permette di determinare immediatamente in quale epoca storica è stata realizzata l'opera. Uno stile artistico (alto) è una direzione che include tutti i tipi di arte. Ad esempio, il barocco è uno stile elevato e il rococò è una direzione.
Gli stili grandi o alti comprendono i classici dell'antichità, lo stile romanico e gotico nel Medioevo, lo stile rinascimentale, che segnò il periodo di transizione dal Medioevo all'età moderna, il barocco e il classicismo nell'età moderna. L'ultimo stile importante su inizio del XIX secolo- XX secoli divenne Art Nouveau, in cui si tentò di far rivivere l'unità di architettura, arti decorative e belle arti.
La combinazione di diversi tipi di arte in un'unica opera è chiamata sintesi delle arti.
In altre parole, stile artistico raggiunge il livello più alto quando si tratta di tutti i tipi di arte.
Sviluppatisi in una certa epoca storica, gli stili elevati furono continuamente trasformati e rianimati nella fase successiva in una nuova qualità. Per esempio, classicismo XVII V. in Francia prende spunto dai classici antichi, mentre è molto diverso dal neoclassicismo della seconda metà del XVIII secolo. e, naturalmente, dal neoclassicismo come una delle direzioni dell'eclettismo del secondo metà del XIX secolo- inizio del XX secolo.
Un'immagine artistica è una forma di riflessione (riproduzione) della realtà oggettiva nell'arte
Genere (dal francese Genere - tipo) - un insieme di opere unite da:
- - una gamma generale di temi o soggetti dell'immagine; o
- - l'atteggiamento dell'autore nei confronti di un oggetto, persona o fenomeno: caricatura, caricatura; O
- - modo di comprensione e interpretazione: allegoria, fantasia.
Il genere è una serie di caratteristiche speciali inerenti alle opere d'arte, grazie alle quali ne distinguiamo una dalle altre.
Un artista dipinge con i colori e ci sono molte tecniche e modi per lavorare con essi, sono complessi e vari, questa è un'intera scienza. Ma a seconda di ciò che è raffigurato nell'immagine, puoi determinarne il genere.
I primi generi indipendenti apparvero nei Paesi Bassi nel XVI secolo.
- 1. Storico
- 2. Marina è un'opera d'arte che raffigura il mare.
Un artista che dipinge il mare è chiamato pittore marino.
3. Interno. Immagine decorazione d'interni struttura architettonica.
AUTORITRATTO - un ritratto dipinto da se stessi.
ALLEGORIA - la rappresentazione di concetti astratti attraverso immagini concrete, creature e oggetti associativamente vicini, solitamente dotati di attributi che ne spiegano il contenuto.
ANIMALE - associato alla rappresentazione di animali nella pittura, scultura e grafica; combina principi scientifici e artistici naturali.
BATTAGLIA - dedicato alla rappresentazione della guerra e della vita militare. Nelle opere genere di battaglia il posto principale è occupato da scene di battaglie e campagne militari del presente o del passato.
FAMIGLIA - associata all'immagine della quotidianità privata e vita pubblica persona.
STORICO - uno dei principali generi di belle arti, dedicato a eventi storici del passato e del presente, socialmente fenomeni significativi nella storia dei popoli.
La CARICATURA è un genere di belle arti che utilizza i mezzi della satira e dell'umorismo, del grottesco, del fumetto, iperbole artistica; un'immagine in cui l'effetto comico è creato dall'esagerazione e dall'acutizzazione dei tratti caratteristici.
MITOLOGICO - dedicato agli eventi e agli eroi di cui raccontano i miti.
NATURA MORTA - un genere di belle arti che mostra oggetti inanimati collocati in un ambiente quotidiano reale e organizzati in un gruppo specifico; un dipinto raffigurante oggetti per la casa, fiori, frutta, selvaggina morta, pesce pescato.
Il nudo è un genere d'arte dedicato al corpo nudo e alla sua interpretazione artistica.
PASTORALE - immagine di un idilliaco vita pacifica pastori e pastorelle nel grembo della natura.
PAESAGGIO - un'immagine di qualsiasi area, immagini della natura: fiumi, montagne, campi, foreste, paesaggi rurali o urbani; A seconda del soggetto dell'immagine si distingue tra architettonico e urbano, panorama industriale, vedutu, marina (raffigura il mare), paesaggio storico, fantastico (futurologico), lirico, epico.
IL RITRATTO è un genere di belle arti dedicato alla rappresentazione di una persona o di un gruppo di persone; varietà: autoritratto, ritratto di gruppo, cerimoniale, da camera, ritratto in costume, ritratto in miniatura, parsuna.
CARRIOT è un tipo di caricatura, un'immagine umoristica o satirica in cui i tratti caratteristici di una persona vengono cambiati ed enfatizzati.
L'arte è creatività nella sua totalità.
Quali arti conosci?
Letteratura, musica, danza, teatro, cinema.
arte– spaziale, non esteso nel tempo. Richiede uno spazio bi o tridimensionale. Sebbene ai nostri giorni, grazie alle capacità tecniche, sia emersa una forma d'arte che include lo spazio temporaneo (videoarte).
Le belle arti riflettono la realtà attraverso immagini visive:
- diversità del mondo circostante;
- pensieri e sentimenti di una persona.
Questo è un modo di comprendere l’ambiente e se stessi.
Per fare questo, l'artista usa la generalizzazione e l'immaginazione.
Tipi di belle arti:
Architettura
Pittura
Arti grafiche
Scultura
arti e mestieri
Arti teatrali e decorative
Progetto
Architettura
L'architettura è l'arte di costruire edifici e strutture per la vita e le attività delle persone.La parola "architettura" deriva dal greco "Arhus" - principale, più alto;
"Tettonico" - costruzione.
Richiede spazio tridimensionale.. Ha anche uno spazio interno: l'interno.
Pittura
La pittura è un tipo di arte figurativa, le cui opere vengono create utilizzando colori (tempera, colori ad olio, acrilico, tempera, ...).Arti grafiche
La grafica è un tipo di arte che include disegni e immagini stampate. “Grapho” - Scrivo, disegno, disegno.I disegni sono realizzati a matita, inchiostro, seppia, sanguigna...
Immagini stampate – incisioni, litografie, xilografie, monotipi.
La grafica si divide in cavalletto, libro e applicata.
Acquarello, guazzo e pastello sono al limite della pittura e della grafica.
Le prime opere grafiche furono le pitture rupestri dell'arte primitiva.
Nell'antica Grecia, l'arte grafica era al massimo livello: la pittura vascolare.
Scultura
Il termine deriva dal latino “sculpere” - tagliare, scolpire.A differenza della pittura e della grafica, la scultura ha volume.
Una scultura è un'immagine tridimensionale.
Materiali: osso, pietra, legno, argilla, metallo, cera...
La scultura è una delle forme d'arte più antiche.
Le prime opere scultoree erano idoli, amuleti e raffiguravano divinità antiche.
Si distingue tra scultura rotonda (vista da diversi lati) e rilievo (alto, medio, basso, controrilievo).
La scultura è divisa in tipologie: da cavalletto e monumentale (monumenti, monumenti) e monumentale-decorativa (decorazione architettonica).
Arti decorative e applicate (DAI)
In ogni casa, diversi oggetti vivono e ci servono. E se vengono toccati dalla mano di un artista, gioielliere o artigiano popolare, diventano un'opera d'arte decorativa e applicata. Il termine è apparso nel XVIII secolo. dalla parola francese "decor" - decorazione ovunque.Applicato significa qualcosa a cui viene applicata abilità o arte.
Progetto
Iniziando con periodo primitivo puoi tracciare lo sviluppo di questa forma d'arte.Arte teatrale e decorativa
Questo tipo di arte include la creazione di scenografie, oggetti di scena, costumi e trucco.GENERI
Il termine “genere” deriva dal francese – tipo, genere.I primi generi indipendenti apparvero nei Paesi Bassi nel XVI secolo.
Storico
Mitologico, religioso
Battaglia
Ritratto
Scenario
Natura morta
Domestico
Marina
Animalesco
Interno
Genere storico
Il genere storico è un'opera d'arte che riflette personaggi o eventi storici reali.Genere mitologico
Il genere mitologico è un'opera d'arte che riflette soggetti mitologici.Religioso
Genere battaglia
Il genere della battaglia è un'opera d'arte che riflette episodi militari.Un artista che scrive su temi di battaglia è chiamato pittore di battaglie.
Ritratto
Un ritratto è l'immagine di una persona nella scultura, nella pittura e nella grafica.I ritratti dipinti da artisti ci portano immagini di persone di epoche passate.
Scenario
Il paesaggio è un'immagine in cui la natura è diventata il suo contenuto principale.Il termine "paesaggio" (paysage) deriva da francese, che tradotto significa “natura”. Come genere indipendente il paesaggio ha avuto origine in Olanda.
La pittura di paesaggio è varia. Ci sono paesaggi che trasmettono con precisione alcuni angoli della natura, mentre altri trasmettono sottilmente lo stato. Ci sono anche paesaggi fantastici.
Natura morta
Il termine "natura morta" deriva da una parola francese che letteralmente significa "natura morta".Si tratta di dipinti i cui eroi sono vari oggetti domestici, frutta, fiori o cibo (pesce, selvaggina e così via).
Le nature morte ci parlano non solo delle cose, ma anche dei loro proprietari, della loro vita, del loro modo di vivere e delle loro abitudini.
Genere quotidiano
Il genere quotidiano sono i dipinti che riflettono episodi di Vita di ogni giorno delle persone.Marina
Marina è un'opera d'arte che raffigura il mare.Un artista che dipinge il mare è chiamato pittore marino.
Genere animalesco
Il genere animalesco è un'opera d'arte che raffigura animali.Interno
Immagine della decorazione interna di una struttura architettonica.Stile artistico
Il concetto di “stile” è un'originalità che permette di determinare immediatamente in quale epoca storica è stata realizzata l'opera.Uno stile artistico (alto) è una direzione che include tutti i tipi di arte.
Ad esempio, il barocco è uno stile elevato e il rococò è una direzione.
Gli stili grandi o alti comprendono i classici dell'antichità, lo stile romanico e gotico nel Medioevo, lo stile rinascimentale, che segnò il periodo di transizione dal Medioevo all'età moderna, il barocco e il classicismo nell'età moderna. L’ultimo stile importante a cavallo tra il XIX e il XX secolo. divenne Art Nouveau, in cui si tentò di far rivivere l'unità di architettura, arti decorative e belle arti.
La combinazione di diversi tipi di arte in un'unica opera è chiamata sintesi delle arti.
In altre parole, uno stile artistico raggiunge il suo massimo livello quando comprende tutti i tipi di arte.
Sviluppatisi in una certa epoca storica, gli stili elevati furono continuamente trasformati e rianimati nella fase successiva in una nuova qualità. Ad esempio, il classicismo del XVII secolo. in Francia prende spunto dai classici antichi, mentre è molto diverso dal neoclassicismo della seconda metà del XVIII secolo. e, naturalmente, dal neoclassicismo come una delle tendenze dell’eclettismo della seconda metà del XIX – inizio XX secolo.