Scopas e le sue sculture. Tardo classico: le opere di Scopas. Scopas e la sua folle "Menade"

Skopas è un famoso scultore greco antico del periodo tardo classico.
Nacque nell'isola di Paros e realizzò le sue opere in diverse regioni della Grecia: Beozia, Attica, Asia Minore, Arcadia tra il 370 e il 330.
I suoi monumenti sono caratterizzati da pathos e agitazione di sentimenti.
Gli autori antichi menzionano più di venti opere di Scopa, anche se molte meno di esse sono arrivate ai nostri giorni.
Scopas, tra gli altri maestri, decorò i fregi in rilievo del mausoleo di Alicarnasso. Il cambiamento dei sentimenti, espresso nella Menade dalla plasticità di una scultura rotonda, che si avvertiva camminando intorno alla scultura, si svolge qui su un nastro di fregio piatto.
La varietà di angoli nei rilievi è completata da una magistrale giustapposizione di corpi leggeri da ragazza e corpi maschili pesanti, raffigurati in una lotta spietata e crudele.
Scopas gioca combinazioni di due o tre figure, mostrandole da lati diversi e in diversi momenti di movimento. La potenza dell'intensità emotiva è qui incommensurabilmente maggiore che nelle opere del V secolo a.C.
La bellezza del nuovo mondo mostrato da Scopas nell'arte sta nello sviluppo del dramma, nei lampi delle passioni umane, nell'intreccio di sentimenti complessi. E allo stesso tempo è evidente la perdita della monumentale chiarezza degli alti classici. Dopotutto, fu nelle opere di questo periodo che la mente umana vinse, come principio supremo, in collisione con gli elementi dilaganti.
Nei rilievi del periodo tardo classico non domina l'armonia e l'olismo, come nella Zofora del Partenone, ma una visione del mondo agitata e tagliente, perché furono creati durante il periodo di distruzione delle idee familiari al tempo di classicismo. Secondo queste idee, una persona è chiamata a un dominio ragionevole nel mondo che la circonda. Quindi, anche sull'esempio di un monumento, possiamo vedere la debolezza e la forza delle possibilità inerenti all'arte tardo-classica.
Quest'arte ha scoperto molte cose nuove nella natura dei sentimenti e delle emozioni umane, ma questo risultato è stato raggiunto a scapito della perdita della pace e dell'armonia degli alti classici.
Prassitele è un famoso scultore greco antico, un contemporaneo più giovane di Scopa. Nato intorno al 390 a.C. Ha espresso nelle sue opere stati d'animo completamente diversi rispetto a Scopas.
Praxitel proveniva da una famiglia di scultori. Suo nonno, Prassitele il Vecchio, era uno scultore. Padre - Kefisodot il Vecchio - era un famoso maestro in Grecia, autore della statua di Eirene con Plutone.

Biglietto 19.

1. L'arte di Bisanzio del VI secolo (l'epoca di Giustiniano)

La cultura profondamente peculiare di Bisanzio iniziò il suo viaggio, per così dire, immediatamente dal punto culminante: la sua prima fioritura cade nel VI secolo, l'"era di Giustiniano" (527-565). In questo momento, l'Impero bizantino raggiunse il suo potere supremo, paragonabile alla grandezza della Roma imperiale. Occupava un vasto territorio, aveva un enorme prestigio internazionale. Gli stranieri rimasero colpiti dall'aspetto imponente della capitale bizantina, Costantinopoli, dallo splendore e dal lusso della corte imperiale, dalla solennità delle funzioni religiose.

Le forze principali su cui faceva affidamento l'imperatore Giustiniano erano l'esercito e la chiesa, che trovarono in lui uno zelante mecenate. Sotto Giustiniano si formò un'unione di potere spirituale e secolare, specifica di Bisanzio, basata sul primato dei basileus - imperatori,

Nell'era di Giustiniano l'architettura bizantina raggiunse il suo massimo splendore. Numerose fortificazioni vengono erette ai confini del paese, templi e palazzi vengono costruiti nelle città, caratterizzati dalla grandiosità delle dimensioni e dallo splendore imperiale. In questo periodo furono fondati due santuari principali di Costantinopoli: la Cattedrale Patriarcale di San Pietro. Sofia e la Chiesa di S. Apostoli.

Hagia Sophia fu il risultato più alto dell'architettura bizantina: per tutti i secoli successivi della storia di Bisanzio, nessun tempio fu creato uguale a questo. Il gigantesco edificio, opera degli architetti dell'Asia Minore Anfimy di Thrall e Isidoro di Mileto, divenne l'incarnazione del potere dello stato bizantino e del trionfo della religione cristiana.

Secondo la sua planimetria la chiesa di S. Sophia è una basilica a tre navate, cioè un edificio rettangolare, ma lo spazio rettangolare qui è coronato da un'enorme cupola rotonda (la cosiddetta basilica a cupola). Questa cupola è sostenuta su due lati da due semicupole inferiori, ciascuna delle quali, a sua volta, è adiacente a tre semicupole più piccole. Così, l'intero spazio allungato della navata centrale forma un sistema di semicupole che crescono verso l'alto, verso il centro.

I quattro massicci pilastri portanti che sorreggono la cupola principale si mimetizzano allo spettatore, mentre le quaranta finestre che ne circondano la base in una corona luminosa quasi continua creano un effetto sorprendente. Sembra che l'enorme conca della cupola galleggi nell'aria come una corona luminifera. Non sorprende che la chiesa di S. Sophia sembrava creata "non dal potere umano, ma dal permesso di Dio".

Veduta esterna della Chiesa di S. Sofia, con le sue pareti lisce, è caratterizzata da una semplicità severa. Ma all'interno della stanza l'impressione cambia radicalmente. Giustiniano progettò di costruire un edificio non solo il più grande, ma anche il più ricco di decorazioni interne. La chiesa è decorata con più di cento colonne di malachite e porfido, portate appositamente da vari templi antichi, lastre di marmo multicolore delle razze più pregiate, meravigliosi mosaici, con il loro scintillio di fondo oro e splendore di colori, migliaia di massicci candelabro d'argento. Sopra il pulpito - la piattaforma su cui viene pronunciato il sermone - c'era un baldacchino di metalli preziosi, coronato da una croce d'oro. Dall'oro c'erano ciotole, vasi, rilegature di libri sacri. Il lusso senza precedenti di questa cattedrale stupì così tanto gli ambasciatori del principe Vladimir di Kiev, che visitò Costantinopoli nel X secolo (come veniva chiamata la principale città di Bisanzio in Russia), che, come racconta la cronaca, non riuscivano a capire se fossero sulla terra o in cielo.

Santa Sofia non divenne un modello per il successivo sviluppo dell'architettura bizantina, ma le diede un potente impulso: per molti secoli qui si stabilì il tipo di chiesa a cupola.

Nella maggior parte delle chiese bizantine, la cupola, che simboleggia la volta celeste, si erge al centro dell'edificio. Qualunque sia la disposizione - rotonda, quadrata, sfaccettata - tutti questi edifici sono chiamati centrici. Le più comuni tra queste dal VII secolo sono le chiese con cupola a croce, che nella loro pianta ricordano una croce (greca) con estremità uguali inscritta in un quadrato?

La composizione centrica attirò gli architetti bizantini con equilibrio e senso di pace, e la disposizione (croce) soddisfaceva soprattutto i requisiti del simbolismo cristiano.

Se l'espressività dell'antico tempio consisteva principalmente nel suo aspetto esterno (poiché tutti i riti e le feste si svolgevano all'esterno, nella piazza), allora il contenuto principale e la bellezza della chiesa cristiana si concentrano all'interno, perché il tempio cristiano è un luogo in cui i credenti si riuniscono per partecipare al sacramento. Il desiderio di creare un ambiente speciale all'interno della chiesa, come separato dal mondo esterno, ha suscitato un'attenzione particolare alla decorazione interna legata alle esigenze del culto cristiano.

La ricchezza della decorazione interna era creata innanzitutto dai mosaici che ornavano le volte e la parte superiore delle pareti. Il mosaico è uno dei principali tipi di arte monumentale, che è un'immagine o un modello di pezzi di vetro multicolore separati, molto aderenti, pietre colorate, metalli, smalto, ecc.

A Bisanzio i mosaici erano apprezzati per la loro preziosità, per la capacità di ottenere effetti ottici inaspettati. Piccoli cubetti di muratura a mosaico, disposti leggermente angolati tra loro, riflettono la luce in travi incrociate, creando un bagliore magico iridescente. Cubi di smalto più grandi, disposti in file regolari, creano invece una superficie “a specchio” e il mosaico acquisisce l'effetto di una forte luminosità.

Chiese e mausolei di Ravenna, città del nord Italia, vicino al Mar Adriatico, conservano esempi unici di mosaici bizantini. Il più antico tra questi è la decorazione del mausoleo della regina bizantina Galla Placidia (metà del V secolo). All'interno del mausoleo, sopra l'ingresso, si trova una meravigliosa composizione che rappresenta Cristo, il buon pastore in un paesaggio collinare. È giovane e imberbe: così veniva raffigurato Cristo nei primi secoli del cristianesimo, quando erano ancora vive le antiche idee sull'eterna giovinezza come attributo di una divinità. Con un gesto solenne, Gesù erige una croce, simbolo principale del cristianesimo.

Un ciclo successivo di mosaici si trova nel presbiterio della chiesa di San Vitale a Ravenna (VI secolo). Insieme alle scene bibliche, ci sono due scene "storiche", l'uscita cerimoniale dell'imperatore Giustiniano e di sua moglie l'imperatrice Teodora con il loro seguito al tempio. Catturarono la ricchezza e il lusso della corte bizantina, la grandezza soprannaturale del monarca. Le figure frontali congelate sono disposte in fila continua su uno sfondo dorato. Regna una rigorosa solennità, in tutti i volti simili tra loro, si legge un severo distacco e forza d'animo.

Tra le opere più notevoli della pittura monumentale bizantina c'erano i mosaici ormai perduti della Chiesa dell'Assunta a Nicea (VII secolo) raffiguranti "angeli delle potenze celesti". I volti di questi angeli sono sorprendenti, con il loro distinto fascino sensuale. Ma questa sensualità è incorporea, è associata all'estatica ispirazione interiore. Il desiderio di trasmettere un'enorme concentrazione spirituale, fino alla spiritualizzazione ultima della forma d'arte, rimase per secoli l'ideale dell'arte bizantina.

Un posto speciale nell'insieme della chiesa cristiana appartiene all'icona. I primi cristiani chiamavano così qualsiasi immagine di un santo, contrapponendola a un "idolo", un'immagine pagana. Successivamente la parola "icona" cominciò a essere chiamata solo opere da cavalletto, cercando di distinguerle dalle opere d'arte monumentali (mosaici, affreschi).

A differenza di un normale dipinto da cavalletto, un'icona è un oggetto di preghiera. È considerata dalla Chiesa un simbolo speciale, misteriosamente associato al mondo "divino" e soprasensibile. Contemplando l'immagine dell'icona, una persona può unirsi spiritualmente a questo mondo.

L'origine delle icone è solitamente associata agli antichi ritratti pittorici mortuari egiziani, destinati alla "transizione" di una persona nell'altro mondo. Secondo il luogo della prima grande scoperta di questi monumenti nell'oasi di Fayum (1887), furono chiamati ritratti Fayum (Fayum). Le immagini, eseguite su tavole di legno con colori a cera durante la vita del cliente, dopo la sua morte fungevano da maschera funebre.

Le icone più antiche sopravvissute, vicine ai ritratti di Faiyum, risalgono al VI secolo. Di solito raffigurano un santo, il più delle volte alla vita o al busto, rigorosamente di fronte o di tre quarti. Lo sguardo del santo, pieno di profondità spirituale, è diretto direttamente allo spettatore, perché tra lui e la preghiera dovrebbe sorgere una sorta di connessione mistica.

Tre icone del monastero di S. Caterina al Sinai: "Cristo", "Apostolo Pietro" e "Nostra Signora tra S. Fedor e S. Giorgio".

Il periodo di brillante prosperità (VI-VII secolo) fu sostituito da un periodo tragico per l'arte bizantina. Nei secoli VIII - IX nel paese infuriava il movimento iconoclasta, associato al divieto di immagini su temi cristiani. Gli iconoclasti, dalla parte della quale stavano l'imperatore e la sua corte, il patriarca e la cerchia più alta del clero, si ribellarono alla rappresentazione di Dio e dei santi in forma umana, sulla base di argomenti teologici sull'impossibilità di riprodurre l'essenza divina di Cristo nella materia modulo.

Durante il periodo dell'iconoclastia, le icone furono ufficialmente bandite e molte di esse furono distrutte. Le chiese erano decorate principalmente con immagini di simboli cristiani e dipinti ornamentali. Si coltivava l'arte secolare: paesaggi pittoreschi, immagini di animali e uccelli, trame di antichi miti e persino gare all'ippodromo. Questi dipinti murali furono quasi completamente distrutti dai sostenitori del culto delle icone (soprattutto ampi settori della gente comune, del basso clero, abituati al culto delle icone) dopo il loro restauro.

Dopo la vittoria sull'iconoclastia, bollata come eresia nell'843, nell'arte bizantina si verificarono i fenomeni più importanti per il suo ulteriore sviluppo. Sono associati all'inizio della formazione del canone iconografico: schemi iconografici costanti, dai quali non avrebbe dovuto discostarsi quando si raffiguravano soggetti sacri. I murali dei templi sono inseriti in un sistema coerente, ogni composizione acquisisce un luogo rigorosamente definito.

Cristo Pantocratore (Onnipotente) era raffigurato nella cupola del tempio, circondato da angeli. Tra le finestre del tamburo - la parte superiore dell'edificio che funge da base della cupola - venivano collocati profeti o apostoli. Sulle vele, in cima ai pilastri che sostengono la cupola, erano posti gli evangelisti, i quattro “colonne” della dottrina evangelica. Nell'abside, sul davanzale dell'altare, c'è un'immagine della Madre di Dio, molto spesso nella forma di Oranta, cioè che prega con le mani alzate. Attorno ad esso aleggiano gli Arcangeli Michele e Gabriele. Nella parte superiore delle pareti del tempio vengono presentati episodi della vita di Cristo, che includevano necessariamente immagini di 12 festività (Annunciazione, Natale, Candelora, Epifania e così via). Nella parte inferiore del tempio ci sono figure dei padri della chiesa, dei sommi sacerdoti, dei santi martiri. Una volta ritrovato, questo sistema pittorico nelle sue caratteristiche principali rimase immutato per molti secoli in tutti i paesi del mondo ortodosso.

Nel periodo post-iconoclastico, soprattutto nei secoli XI-XII, l'arte bizantina trova i suoi tipi più perfetti e le forme più ideali sia nei mosaici che nelle icone e nelle miniature di libri. Profonda spiritualità dei volti, figure leggere "fluttuanti", fluidità fluida delle linee, contorni arrotondati, brillantezza dell'oro, saturazione dell'immagine con luce ultraterrena, assenza di qualsiasi tensione: tutto ciò crea un mondo figurativo molto speciale pieno di pace sublime, armonia e ispirazione divina.

Secoli XIII e XIV: l'era della cultura tardo bizantina. Nonostante il più forte indebolimento economico e politico di Bisanzio, che perse la maggior parte dei suoi territori, l'arte di questo tempo fu caratterizzata dai risultati più alti, principalmente nella pittura. Monumenti notevoli dell'inizio del XIV secolo, quando l'arte era attratta da una maggiore espressione e libertà, dalla trasmissione del movimento, sono l'icona dei "12 Apostoli", i mosaici della chiesa Kahriy Dzhami a Costantinopoli, che rappresentano la vita di Cristo e la Madre di Dio.

Tuttavia, i nuovi ideali artistici non erano destinati a rafforzarsi veramente sul suolo della decadente Bisanzio. Apparentemente, non fu un caso che il più talentuoso maestro di Costantinopoli della seconda metà del XIV secolo, Teofane il Greco, lasciò l'impero, preferendogli la Russia.

Nel 1453 Bisanzio, conquistata dai turchi, cessò di esistere, ma la sua cultura lasciò un segno profondo nella storia dell'umanità. Avendo preservato viva l'antica tradizione, i bizantini furono i primi nel mondo medievale a sviluppare un sistema artistico che corrispondeva a nuovi ideali spirituali e sociali e agirono come una sorta di insegnanti e mentori nei confronti degli altri popoli dell'Europa medievale.

Scultura di Leohara

Leohar - un antico scultore greco della metà del IV secolo a.C. e. Rappresentante della tendenza accademica nell'arte dei tardi classici. Essendo ateniese, lavorò non solo ad Atene, ma anche a Olimpia, Delfi, Alicarnasso (insieme a Skopas). Scolpì in oro e avorio diverse statue-ritratto di membri della famiglia del re macedone Filippo (usando la tecnica della scultura crisoelefantina), fu, come Lisippo, il maestro di corte di suo figlio Alessandro di Macedonia ("Alessandro alla caccia del leone", bronzo ). Ha creato immagini degli dei ("Artemide di Versailles", copia romana in marmo, Museo del Louvre) e scene mitologiche.

Il periodo di massimo splendore dell'arte di Leohara risale al 350-320 a.C. e. In questo periodo, creò un gruppo molto popolare nell'antichità, raffigurante il bellissimo giovane Ganimede, che viene portato sull'Olimpo da un'aquila inviata da Zeus, nonché una statua di Apollo, che ricevette fama mondiale con il nome di "Apollo". Belvedere" (il nome deriva dal Palazzo Vaticano del Belvedere, dove è esposta la statua) - entrambe le opere sono conservate in marmo romano
copie (Museo Pio-Clementino, Vaticano). Nella statua dell'Apollo Belvedere, l'opera migliore di Leochar, giunta fino a noi in una copia romana, affascina non solo la perfezione dell'immagine, ma anche la maestria della tecnica. La statua, scoperta nel Rinascimento, fu per lungo tempo considerata la migliore opera dell'antichità e fu cantata in numerose poesie e descrizioni. Le opere di Leohar sono realizzate con straordinaria abilità tecnica, il suo lavoro fu molto apprezzato da Platone.
"Diana Cacciatrice" o "Diana di Versailles", una scultura realizzata da Leochar intorno al 340 a.C. Non conservato. Sculture di questo tipo sono note agli archeologi provenienti dagli scavi di Leptis Magna e Antalya. Una delle copie è al Louvre.
Artemide indossa un chitone dorico e un himation. Con la mano destra si prepara a estrarre una freccia dalla faretra, mentre la mano sinistra è appoggiata sulla testa del cervo che l'accompagna. La testa è girata a destra, verso la probabile preda.
"Apollo Belvedere", statua in bronzo eseguita da Leochar intorno al 330 a.C. N. e. La statua non è sopravvissuta, ma è stata conservata in copie marmoree romane. Una delle statue in marmo si trova nel Belvedere, uno degli edifici dei Musei Vaticani. Fu rinvenuto tra le rovine della villa di Nerone ad Antia all'inizio del XVI secolo.
La statua raffigura Apollo, l'antico dio greco del sole e della luce, sotto forma di un bellissimo giovane che tira con un arco. Statua in bronzo di Leochar, eseguita c. ., al tempo dei tardi classici, non è stato conservato.
Montorsoli, allievo di Michelangelo, restaurò le lancette, ma lo fece male: nella mano destra Apollo avrebbe dovuto tenere una corona di alloro, nella mano sinistra c'era un arco, come indica la faretra dietro la schiena di Apollo. Questi attributi nelle mani di una divinità significavano che Apollo puniva i peccatori e purificava il penitente.

Scopa Scopa

(Skupas), antico scultore e architetto greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Rappresentante degli ultimi classici. Nato sull'isola di Paros, lavorò a Tegea (ora Piali, Grecia), Alicarnasso (ora Bodrum, Turchia) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Partecipò alla costruzione del tempio di Atena Alei a Tegea (350-340 a.C.) e del mausoleo di Alicarnasso (metà del IV secolo a.C.). Tra le opere scultoree originali di Scopa giunte fino a noi, la più importante è il fregio del mausoleo di Alicarnasso raffigurante l'Amazzonomachia, cioè la battaglia delle Amazzoni (metà IV secolo a.C.; insieme a Briaxis, Leochar e Timoteo ; frammenti - nel British Museum). Numerose opere di Scopa sono note da copie romane: le statue Pothos (Usrfitsi), Giovane Ercole (già nella collezione Lansdowne, Londra), Meleagro (Musei Vaticani; Villa Medicea, Roma), Menade (Collezione di sculture, Dresda). Rifiutando le caratteristiche dell'antica arte greca del V secolo. AVANTI CRISTO e. calma armoniosa delle immagini, Scopas si è rivolto al trasferimento di forti esperienze emotive, alla drammatica lotta delle passioni. Per realizzarli, Scopas ha utilizzato il dinamismo della composizione e nuovi metodi di interpretazione dei dettagli: occhi infossati, rughe sulla fronte, bocca socchiusa, nonché il ritmo intenso delle pieghe dei vestiti. L'opera di Skopas, satura di tragico pathos, ebbe una grande influenza sugli scultori dell'era ellenistica ( cm. arte ellenistica), in particolare sui maestri che operarono nei secoli III-II. AVANTI CRISTO e. nella città di Pergamo.

"Amazzonomachia". Frammento del fregio del Mausoleo di Alicarnasso. Marmo. Intorno al 350 a.C Museo britannico. Londra.
Letteratura: A. P. Chubova, Skopas, L.-M., 1959; Arias P.E., Skopas, Roma, 1952.

(Fonte: "Enciclopedia dell'arte popolare". A cura di Polevoy V.M.; M.: Casa editrice "Enciclopedia sovietica", 1986.)

(Skópas), scultore e architetto greco del IV sec. AVANTI CRISTO e. Forse figlio e allievo di Aristander. Lavorò a Tegea (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Ha supervisionato la costruzione del tempio di Atena a Tegea (Peloponneso), che è sopravvissuto solo in rovine. A est frontone il tempio raffigurava la mitica caccia al cinghiale calidonio, a ovest - il duello dell'eroe Telefo con Achille. Sono conservate la testa di Ercole, guerrieri, cacciatori e un cinghiale, oltre a frammenti di statue maschili e un torso femminile, probabilmente provenienti dalla caccia all'Atalanta. In uno dei frammenti - la testa di un guerriero ferito - per la prima volta nella scultura greca, si incarnavano dolore e sofferenza, confusione di sentimenti.

Skopas, insieme ad altri eminenti scultori del suo tempo (Leocar, Briaxis, Timoteo), lavorò alla decorazione del famoso Mausoleo di Alicarnasso (completato nel 351 a.C. circa), considerato uno dei sette meraviglie del mondo. Piatti con rilievi cingeva l'edificio con un nastro continuo fregio. Forse Scopas fu l'autore dei migliori frammenti sopravvissuti, che raffigurano la battaglia dei Greci con le Amazzoni. Le scene della battaglia sono permeate della furia del combattimento, di movimenti violenti; sembra di sentire il suono delle spade, il fischio delle frecce, le grida di guerra. Dott. le opere di Scopas sono conosciute solo da copie romane ("Giovane Ercole", "Meleagr"). La più famosa tra le sculture scomparse di Skopas era la "Menade" - una statuetta di una ragazza, compagna del dio Dioniso, che correva in una danza frenetica. Il corpo della ballerina è come attorcigliato in una spirale, la sua testa è gettata all'indietro, i suoi vestiti svolazzano, rivelando un bellissimo corpo. Nell'arte di Scopas, per la prima volta trovarono espressione emozione, pathos drammatico, movimento violento: tutto ciò che la scultura greca non aveva conosciuto prima. Le opere di Scopas hanno avuto un impatto significativo sugli scultori dell'epoca ellenismo.

(Fonte: "Art. Modern Illustrated Encyclopedia." Sotto la direzione del Prof. A.P. Gorkin; M.: Rosmen; 2007.)

Scopri cos'è "Scopas" in altri dizionari:

Scopa- Scopa. Menade. Marmo. Copia romana. collezione di sculture. Dresda. SCOPAS, scultore e architetto greco antico (IV secolo a.C.). L'arte di Scopas si distingue per il drammatico pathos della lotta, della passione, dell'espressività delle posture e dei gesti. ... ... Dizionario enciclopedico illustrato

Lo Skopa della Tessaglia, quando gli chiesero qualcosa di superfluo e inutile per la decorazione della sua casa, rispose: "Ma è questo superfluo che ci rende felici, e non ciò di cui tutti hanno bisogno". (Fonte: "Aforismi. Fondo d'Oro... ... Enciclopedia consolidata di aforismi

SCOPAS, scultore e architetto greco antico (IV secolo a.C.). L'arte di Scopas si distingue per il drammatico pathos di lotta, passione, espressività di posture e gesti. Il fregio del mausoleo di Alicarnasso raffigurante la battaglia dei Greci con le Amazzoni è stato conservato ... ... Enciclopedia moderna

Scultore e architetto greco antico del IV sec. AVANTI CRISTO e. È conservato il fregio del mausoleo di Alicarnasso (oggi Bodrum in Turchia) raffigurante la battaglia dei Greci con le Amazzoni (marmo, 350 aC circa, insieme a Briaxis, Leochar e Timoteo). L'arte delle scope... Grande dizionario enciclopedico

- (Scopas, Σχόπας). Scultore greco di p. Paros, vissuto intorno al 380 aC Realizzò diversi bassorilievi sul mausoleo di Alicarnasso. La sua opera più famosa è un gruppo raffigurante l'offerta ad Achille di un'arma forgiata da Efesto. Enciclopedia della mitologia

Lo scultore greco antico della cosiddetta scuola neoattica, originario di Paro, operò nella prima metà del IV secolo. a R. Chr. Uno dei suoi primi lavori, in termini di tempo, fu il rinnovamento di quella distrutta nel 395. l'incendio del tempio tegeano di Atena Alea, per ... ... Enciclopedia di Brockhaus ed Efron

Questo termine ha altri significati, vedi Skopas (significati). Ares Ludovisi...Wikipedia

- (Skopas) scultore e architetto greco antico del IV secolo. AVANTI CRISTO e., rappresentante degli ultimi classici. Nato sull'isola di Paros, lavorò a Teges (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Come prende un architetto... Grande Enciclopedia Sovietica

Scopa- (Greco Skopas) (IV secolo aC) Scultore e architetto greco dell'isola di Paros. Partecipò alla costruzione del tempio di Atena a Tegea (Peloponneso) e del mausoleo ad Alicarnasso; l'autore di numerose immagini scultoree, ad esempio Meleagro, il giovane Ercole ... Mondo antico. Riferimento al dizionario.

SCOPA- (IV secolo a.C.) Architetto e scultore greco dell'isola di Paros. Ha supervisionato la costruzione del tempio di Atena a Tegea (Peloponneso), ha lavorato al fregio del mausoleo di Alicarnasso. Tra le opere che gli vengono attribuite figura una statuetta di Baccante danzante, ridotta ... Dizionario-libro di consultazione sull'antica Grecia e Roma, sulla mitologia

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"Menade"

Indipendentemente dal fatto che la descrizione della “Menade” di Callistrato sopra citata si riferisca realmente a questa menade o ad un'altra simile, la sua applicabilità sufficiente per una citazione così frequente ci dà motivo di citarla nella nostra considerazione: “Scopas creò una statua di una Baccante in marmo pario; poteva sembrare vivo: la pietra, pur rimanendo la stessa pietra, sembrava aver violato le leggi legate alla sua natura morta. Ciò che stava davanti ai nostri occhi in realtà era solo una statua, ma l'arte, nella sua imitazione, la faceva sembrare dotata di vita. Potresti vedere come questa pietra, dura per natura, imitando la tenerezza femminile, è diventata essa stessa come se fosse leggera, e ci dà un'immagine femminile quando la sua natura femminile è piena di movimenti improvvisi. Privato per natura della capacità di muoversi, apprese sotto le mani dell'artista cosa significa correre in una danza bacchica ed essere l'eco di un dio disceso nel corpo di una Baccante. Contemplando questo volto, siamo rimasti in silenzio, come se privati ​​​​del potere della parola: così chiaramente in ogni dettaglio era la manifestazione del sentimento, dove sembrava che non ci fosse posto per il sentimento. L'estasi folle era così chiaramente espressa sul volto della Baccante, sebbene la manifestazione dell'estasi non sia caratteristica di una pietra; e tutto ciò che abbraccia l'anima, ferita dal pungiglione della follia, tutti questi segni di grave sofferenza mentale sono stati qui chiaramente presentati dal dono creativo dell'artista, in una misteriosa combinazione. I capelli, per così dire, erano stati dati alla volontà del marshmallow, in modo che ci giocasse, e la pietra stessa sembrava trasformarsi nelle più piccole ciocche di magnifici capelli. Era al di là di ogni comprensione, al di là di qualsiasi cosa si possa immaginare: essendo una pietra, questa immagine di marmo riusciva a trasmettere tutta la sottigliezza dei capelli; obbediente all'arte dell'artista, presentava anelli di riccioli sciolti; la pietra senza vita sembrava avere una sorta di forza vitale. Si potrebbe dire che l'arte ha superato se stessa, tanto incredibile era quello che abbiamo visto, ma lo abbiamo visto comunque con i nostri occhi. E l'artista ha raffigurato la mano in movimento: non stringeva il tirso bacchico, ma portava tra le braccia un animale sacrificale, come già avviene con le grida di "Evoe", segno di un'estasi più forte. Era l'immagine di una capra dalla pelle pallida: anche la pietra è riuscita a trasmetterci lo stato di morte per volontà dell'artista. Lo stesso materiale è servito all'artista per rappresentare la vita e la morte; ci ha presentato viva la Baccante, quando aspira a Kieferon, e questa capra è già morta. La Baccante nella sua furia la uccise e fece seccare la sua forza di sentimenti vitali. Pertanto, Skopas, creando immagini anche di questi esseri senza vita, era un artista pieno di veridicità; nei corpi ha saputo esprimere il miracolo dei sentimenti spirituali, come Demostene, il quale, creando immagini cesellate nei suoi discorsi, ci ha mostrato nelle creazioni astratte del suo pensiero e della sua mente un'immagine quasi viva della parola stessa, per la potenza del magici incantesimi dell'arte. E capirai immediatamente, intriso del pensiero che questa statua - la creazione di Skopas - che sta qui per la contemplazione generale, non è essa stessa priva della capacità di muoversi all'esterno, che le è data dalla natura, ma che la sopprime, e in tutto il suo aspetto nei tratti tipici conserva insita in essa, la sua ispirazione che l'ha originata. .

B.R. Vipper considera questa statua esattamente come la "Menade" di Scopas, guidato dalla descrizione di cui sopra, e, tra le altre cose, sulla base di essa trae conclusioni sui tratti caratteristici dello stile di questo scultore: “Con un coltello nella mano destra e con una capra squarciata sulla spalla sinistra, Menade si precipita lanciando al cielo la sua sfida bacchica. Nella statua di Menade, Skopas ha creato un'immagine satura di un tale impulso spirituale, di una tale dinamica emotiva, che non troveremo nell'intera storia dell'arte greca. Ma la Menade colpisce non solo per la sua eccezionale espressività emotiva. La forza della sua espressione è pienamente coerente con l'audacia e la completezza del design plastico. Il corpo di Menade si muove simultaneamente in tutte le direzioni, è costituito interamente da piani e direzioni obliqui. La parte inferiore del corpo è fortemente spinta in avanti, mentre la parte superiore è respinta all'indietro; il petto è girato a destra, la testa a sinistra. Ai fianchi, il corpo della Menade è così piegato attorno al proprio asse che in basso lo vediamo davanti e in alto dietro. E, nonostante tutta questa abbondanza di contrasti e direzioni, la statua della Menade è racchiusa in una massa molto piccola, molto semplice e chiusa. Allo stesso tempo, nessuna statua greca prima di Scopa era così ricca di punti di vista come Menade. Naturalmente lei, come ogni statua greca, ha un punto di vista principale (in questo caso si tratta senza dubbio di un profilo). Ma allo stesso tempo, la statua della Menade è in un movimento rotatorio così forte che solo girandole intorno, solo conoscendone il volto e l'altro profilo, lo spettatore avrà un quadro completo delle forme del suo corpo, della sua movimento e motivo dell'abbigliamento. .

Riso. 5-11. "Menade" da varie angolazioni (foto di Beryl Barr-Charrar).

È facile intuire quanto in termini di dinamica la Menade sia andata avanti rispetto all'Amazzonia Sciarra. E il punto qui non è affatto solo nella trama; come accennato in precedenza, nonostante le differenze nella colorazione emotiva, l'espressione creata dalla dinamica della postura è su un livello completamente diverso - o meglio, la "Menade" rappresenta una fase naturale nello sviluppo del concetto di contrapposto. I ritmi strettamente orizzontali (cintura) e verticali (pieghe) sono quasi illeggibili, in ogni cosa si vede o morbida plasticità curvilinea, oppure dinamiche taglienti, ma pur sempre diagonali e quindi più leggere, rapide. La complicazione del ritmo (e quindi la sua minore leggibilità) nello spazio viene però riempita dall'altro lato: l'uscita dal piano frontale autosufficiente, di cui ostaggio era ancora l'"Amazzone" di Policleto, in un ricco tridimensionalità, "Menade" comincia a vivere anche nel tempo: il motivo della danza - che rappresenta ovviamente qualcosa di lungo - si rivela allo spettatore mentre cammina intorno alla statua (Fig. 5-11); tale esistenza spazio-temporale di una statua è un concetto molto più complesso di una semplice e comprensibile alternanza di verticali o orizzontali, che stabiliscono solo “vettori” potenziali e non realizzati. Questo sviluppo dell'immagine nello spazio e nel tempo è considerato in dettaglio da Yu.D. Kolpinskij: “Dal punto di vista a sinistra, la bellezza del suo corpo quasi nudo e l'elasticità del rapido movimento verso l'alto e in avanti emergono in modo particolarmente chiaro. A pieno volto nelle braccia tese, nel libero movimento delle pieghe della tunica, nella testa impetuosamente gettata all'indietro, si rivela il fascino dell'estatico slancio della menade. Nel punto di vista a destra, in una pesante zazzera di capelli che cadono, come se tirasse indietro... la testa, si può sentire l'esaurimento dell'impulso della menade. Le pieghe fluide e viscose del chitone conducono l'occhio dello spettatore al punto di vista finale da dietro. Qui domina il tema del salto compiuto e della fatica. Ma da dietro, insieme alla fluente cascata dei capelli, vediamo l'inizio del rapido movimento delle pieghe del tessuto, che ci porta al passaggio al punto di vista sinistro, e di nuovo sentiamo risorgere l'estasi tesa e impetuosa di la menade. .

È interessante notare che il "revival" globale non si limita più al corpo e ai vestiti: a differenza delle teste del V secolo. (compresa l'“Amazzone ferita”), teste del IV secolo. (e da qui la "Menade" che stiamo considerando) e, a parte la statua, sono pieni di energia interna e passione, sebbene siano ancora non ritrattistici e privi di carattere individuale. Torniamo ancora a B.R. Tergicristallo: “Le teste di Scopa differiscono dalle teste precedenti principalmente nella loro struttura. Non sono rotondi, ma quadrangolari, molto robusti, quasi rozzamente incorniciati. Le linee trasversali sono sottolineate nel viso: le sopracciglia pendenti e una piega trasversale sulla fronte convessa sono particolarmente caratteristiche delle teste di Skopas. Le teste non sono mai dritte, ma sono piegate e arcuate su un collo fortemente ruotato. Già queste caratteristiche riempiono le teste degli Scopas con una sorta di languore appassionato e pathos intenso. A differenza dell'arte classica, Scopas fa appello ai sentimenti dello spettatore, vuole eccitarlo e scioccarlo. Si occupa della vita interiore dei personaggi, della complessità e della passione delle loro esperienze emotive. Pertanto, è del tutto naturale che Scopas presti così grande attenzione alle teste, al viso e soprattutto agli occhi. Si può dire che Skopas fu il primo scultore greco ad interessarsi al problema della vista e cercò di risolverlo con mezzi completamente nuovi.. Naturalmente, a causa dei dettagli del volto scarsamente conservati, non possiamo parlare con piena sicurezza dell'applicabilità di queste osservazioni alla nostra "Menade", ma la descrizione di Callistrato e l'analisi di opere simili e, in linea di principio, un guardare la testa impetuosamente sollevata e le ciocche ondeggianti così veritiere, non ornamentali, ce ne dà una buona ragione.

Per certi versi, però, oggi con B.R. Wipper non è d'accordo: quindi, se vi lasciate guidare dal lavoro della professoressa di belle arti Beryl Barr-Sharrar, effettuato dopo altri studi sulla statua e pubblicato nel suo saggio "Dresden Maenad and Skopas from Paros", allora la scultura non lo era affatto “piccolo volume, massa molto semplice e chiusa”(secondo la ricostruzione di Trey e ricostruzioni simili - Fig. 12-14), ma una composizione aperta e ancor più dinamica (in particolare, la mano sinistra con la capra era sollevata sopra la testa, e non premuta sulla spalla, e la mano destra con il coltello era separata dal corpo con una forte angolazione). Così, in contrasto con l'elegante rotondità del corpo nudo - e non una rotondità piuttosto condizionale, come nell'"Amazzonia" di Poliklet, ma realisticamente mutevole - c'è una rigida "cornice" triangolare che racchiude l'intera composizione - che, senza dubbio , è fondamentalmente diverso dallo "standard quadrato" di Poliklet, dove una composizione piuttosto compatta si adattava con relativa facilità a un parallelepipedo o a un cilindro. GI attira l'attenzione anche su un altro contrasto simile. Sokolov in "L'arte dell'antica Grecia": “Scopas risolve il rapporto tra abito e corpo in un modo nuovo: attraverso il chitone aperto, mostra la coscia nuda di Menade, con un netto accostamento di tessuto e figura, rompendo la consueta armonia classica degli abiti, percepita come un'eco del corpo." .

Riso. 12-14. Opzioni per la ricostruzione della "Menade" (da sinistra a destra): opzione senza capra nella mano sinistra 16,
variante con una capra nella mano sinistra di Trey, variante con una capra nella mano sinistra di Beryl Barr-Sharrar.

Purtroppo non possiamo dire nulla sul piedistallo originale della statua a causa della mancanza di dati al riguardo.

Scopa

(Skupas), antico scultore e architetto greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Rappresentante degli ultimi classici. Nato sull'isola di Paros, lavorò a Tegea (ora Piali, Grecia), Alicarnasso (ora Bodrum, Turchia) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Partecipò alla costruzione del tempio di Atena Alei a Tegea (350-340 a.C.) e del mausoleo di Alicarnasso (metà del IV secolo a.C.). Tra le opere scultoree originali di Scopa giunte fino a noi, la più importante è il fregio del mausoleo di Alicarnasso raffigurante l'Amazzonomachia, cioè la battaglia delle Amazzoni (metà IV secolo a.C.; insieme a Briaxis, Leochar e Timoteo ; frammenti - nel British Museum). Numerose opere di Scopa sono note da copie romane: le statue Pothos (Usrfitsi), Giovane Ercole (già nella collezione Lansdowne, Londra), Meleagro (Musei Vaticani; Villa Medicea, Roma), Menade (Collezione di sculture, Dresda). Rifiutando le caratteristiche dell'antica arte greca del V secolo. AVANTI CRISTO e. calma armoniosa delle immagini, Scopas si è rivolto al trasferimento di forti esperienze emotive, alla drammatica lotta delle passioni. Per realizzarli, Scopas ha utilizzato il dinamismo della composizione e nuovi metodi di interpretazione dei dettagli: occhi infossati, rughe sulla fronte, bocca socchiusa, nonché il ritmo intenso delle pieghe dei vestiti. L'opera di Skopas, satura di tragico pathos, ebbe una grande influenza sugli scultori dell'era ellenistica ( cm. arte ellenistica), in particolare sui maestri che operarono nei secoli III-II. AVANTI CRISTO e. nella città di Pergamo.

"Amazzonomachia". Frammento del fregio del Mausoleo di Alicarnasso. Marmo. Intorno al 350 a.C Museo britannico. Londra.
Letteratura: A. P. Chubova, Skopas, L.-M., 1959; Arias P.E., Skopas, Roma, 1952.

(Fonte: "Enciclopedia dell'arte popolare". A cura di Polevoy V.M.; M.: Casa editrice "Enciclopedia sovietica", 1986.)

(Skópas), scultore e architetto greco del IV sec. AVANTI CRISTO e. Forse figlio e allievo di Aristander. Lavorò a Tegea (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Ha supervisionato la costruzione del tempio di Atena a Tegea (Peloponneso), che è sopravvissuto solo in rovine. A est frontone il tempio raffigurava la mitica caccia al cinghiale calidonio, a ovest - il duello dell'eroe Telefo con Achille. Sono conservate la testa di Ercole, guerrieri, cacciatori e un cinghiale, oltre a frammenti di statue maschili e un torso femminile, probabilmente provenienti dalla caccia all'Atalanta. In uno dei frammenti - la testa di un guerriero ferito - per la prima volta nella scultura greca, si incarnavano dolore e sofferenza, confusione di sentimenti.

Skopas, insieme ad altri eminenti scultori del suo tempo (Leocar, Briaxis, Timoteo), lavorò alla decorazione del famoso Mausoleo di Alicarnasso (completato nel 351 a.C. circa), considerato uno dei sette meraviglie del mondo. Piatti con rilievi cingeva l'edificio con un nastro continuo fregio. Forse Scopas fu l'autore dei migliori frammenti sopravvissuti, che raffigurano la battaglia dei Greci con le Amazzoni. Le scene della battaglia sono permeate della furia del combattimento, di movimenti violenti; sembra di sentire il suono delle spade, il fischio delle frecce, le grida di guerra. Dott. le opere di Scopas sono conosciute solo da copie romane ("Giovane Ercole", "Meleagr"). La più famosa tra le sculture scomparse di Skopas era la "Menade" - una statuetta di una ragazza, compagna del dio Dioniso, che correva in una danza frenetica. Il corpo della ballerina è come attorcigliato in una spirale, la sua testa è gettata all'indietro, i suoi vestiti svolazzano, rivelando un bellissimo corpo. Nell'arte di Scopas, per la prima volta trovarono espressione emozione, pathos drammatico, movimento violento: tutto ciò che la scultura greca non aveva conosciuto prima. Le opere di Scopas hanno avuto un impatto significativo sugli scultori dell'epoca ellenismo.

(Fonte: "Art. Modern Illustrated Encyclopedia." Sotto la direzione del Prof. A.P. Gorkin; M.: Rosmen; 2007.)

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