La pittura di paesaggio, nota anche come arte del paesaggio, è la rappresentazione della natura in tutte le sue manifestazioni. Principalmente montagne, valli, alberi, fiumi e foreste. La caratteristica principale è la presenza di un'ampia vista, così come i suoi elementi situati in una composizione coerente. Esistono diversi tipi di paesaggio, tra rurale e urbano, marino e fluviale, religioso e futuristico.

Tipi di paesaggio: l'essenza

L'elemento più popolare di qualsiasi paesaggio è il cielo. Anche il tempo in tutte le sue manifestazioni fa parte della composizione. Le vedute del paesaggio nell'arte possono essere completamente immaginarie (immaginarie) o copiate dalla realtà con vari gradi di accuratezza. Se lo scopo principale di un'immagine è visualizzare una posizione reale e definita, in particolare edifici, allora verrà chiamata vista topografica (realistica).

Il concetto di "paesaggio"

Nelle arti visive, il termine "paesaggio" deriva dalla parola olandese landchap(un pezzo di terra) e descrive qualsiasi dipinto o disegno il cui soggetto principale è la rappresentazione di una veduta pittoresca. Gli esempi includono praterie, colline, montagne, valli, alberi, fiumi, foreste, panorami costieri e mari. Il dipinto può essere una rappresentazione di un luogo reale, oppure può essere una scena immaginaria o idealizzata.

Il riconoscimento della natura e la sua scelta come soggetto particolare dell'arte è un fenomeno relativamente recente. Fino al XVII secolo il paesaggio era limitato agli sfondi di ritratti o dipinti dedicati principalmente a illustrazioni religiose, mitologiche o storiche. Oggi, la bella vista del paesaggio continua ad essere un tema importante nell'arte.

Il paesaggio attraverso i secoli

Nell'opera degli artisti del XVII secolo Claude Lorraine e Nicholas Poussin, lo sfondo paesaggistico iniziò a dominare la dimostrazione di eventi storici. Tuttavia, il loro trattamento del paesaggio era in qualche modo stilizzato o artificiale. Hanno cercato di affrontare lo scenario della Grecia e di Roma e il loro lavoro è diventato noto come paesaggio classico. Allo stesso tempo, alcuni artisti olandesi come Jacob van Ruysad stavano sviluppando una forma di pittura molto più naturalistica basata su ciò che vedevano intorno a loro.

Quando le arti furono classificate dall'Accademia di Francia nel XVII secolo, il paesaggio fu posto al quarto posto tra i cinque generi. Tuttavia, la pittura di paesaggio divenne sempre più popolare nel XVIII secolo, nonostante la predominanza dei motivi classici.

Il paesaggio e la sua posizione nella gerarchia dei generi

Il paesaggio era un genere consolidato nell'arte cinese dal IV secolo d.C., ma nell'arte occidentale la pittura di paesaggio risale all'era dell'arte rinascimentale nel XVI secolo. Naturalmente, molti artisti dell'epoca romana e precedenti includevano paesaggi pittoreschi e vedute della natura nei loro dipinti, ma erano elementi ausiliari del tema principale dell'immagine. Il problema principale con il paesaggio era che era molto basso nella distribuzione accademica dei generi.

La gerarchia delle belle arti nel Rinascimento era la seguente:

1. Pittura storica.
2. Arte del ritratto.
3. Pittura, cioè scene di vita quotidiana.
4. Scenario.
5. Natura morta.

Queste classifiche furono finalmente stabilite nel 1669 dal segretario dell'Accademia di Francia, André Félibien. Pertanto, il mondo dell'arte, compresi i suoi mecenati, insegnanti e artisti, non ha preso sul serio la pittura di paesaggio e ha attribuito un grande valore a opere storiche, ritratti e dipinti di genere. Le scuole neoclassiche e accademiche seguirono l'arte greca nel dare il primato al corpo umano, specialmente al nudo.

Il boom del disegno paesaggistico naturalistico

Il diciannovesimo secolo ha visto una vera e propria ondata nella progettazione del paesaggio naturalistico, guidata in parte dall'idea che la natura è una manifestazione diretta di Dio, e in parte dalla crescente alienazione di molte persone dalla natura a causa della crescente industrializzazione e urbanizzazione. Di conseguenza, la tradizionale gerarchia dei generi è crollata.

I paesaggisti del XIX secolo entrarono in un movimento romantico su larga scala, fu in quel momento che la pittura di paesaggio divenne finalmente un genere degno nelle accademie d'arte d'Europa e si diffuse in tutto il mondo. Nella seconda metà del Novecento la definizione di paesaggio è stata messa in discussione. Il genere si espanse in paesaggi urbani e industriali e gli artisti iniziarono a utilizzare mezzi meno tradizionali durante la creazione di opere paesaggistiche.

Tre tipi di arte del paesaggio

Un dipinto o una fotografia che ritrae la natura è chiamato arte del paesaggio. Sebbene ogni artista abbia il proprio stile, il genere è generalmente raggruppato in tre grandi categorie:

• L'arte rappresentativa del paesaggio è il genere più elementare. I dettagli non utilizzano colori o filtri speciali per creare un effetto irrealistico. Al contrario, l'arte rappresentativa del paesaggio si concentra sulla bellezza naturale della natura e dipinge un'immagine realistica del soggetto.
• L'arte del paesaggio impressionista si concentra sulla rappresentazione di una scena realistica in una luce quasi irrealistica. Ciò si ottiene attraverso diversi metodi, inclusa la separazione del primo piano dallo sfondo utilizzando la messa a fuoco morbida, l'utilizzo di tecniche di illuminazione insolite o l'inclusione di colori saturi, luminosi o innaturali. L'arte del paesaggio impressionista risponde in gran parte all'occhio dell'artista o del fotografo e alla capacità di creare una straordinaria immagine naturale.
• L'arte astratta del paesaggio si basa meno sull'ambiente del paesaggio e più sulla rappresentazione del soggetto principale dell'immagine. Nella parte astratta, il paesaggio può essere lo sfondo, mentre il primo piano può essere il focus su un componente, come un ramo di un albero dalla forma insolita o l'ombra di un oggetto di grandi dimensioni.

Ogni stile ha le sue caratteristiche, variando i colori, l'illuminazione e gli oggetti di scena. Nei dipinti di paesaggi, di norma, vengono aggiunti elementi aggiuntivi oltre al paesaggio stesso. Tradizionalmente, questi sono animali e persone. Lo scopo del pezzo paesaggistico è quello di mostrare la bellezza naturale della natura, che sia rilassante, violenta o surreale.

scenario naturale

La pittura di paesaggio si riferisce a un'opera d'arte in cui l'obiettivo principale è l'immagine della natura (montagne, foreste, rocce, alberi, fiumi, valli, ecc.). La terra è una creazione meravigliosa, dai deserti aridi alle lussureggianti foreste pluviali, dagli oceani sconfinati ai cieli nuvolosi. Nel corso della storia, gli artisti hanno trovato ispirazione nella misteriosa bellezza della natura e nella grandiosità dei diversi paesaggi della Terra.

Paesaggio urbano: vedute del paesaggio urbano

I dipinti di paesaggi non si limitano alle immagini della terra e della natura. Ad esempio, possono includere anche immagini di edifici, strade, ponti. Questo tipo di paesaggio è chiamato urbano. I suoi schizzi possono includere vari oggetti storici o contemporanei. I tipi di paesaggio urbano sono determinati secondo quanto mostrato nell'immagine. Una delle più attraenti sono le immagini di palazzi e castelli, monumenti religiosi, nonché edifici residenziali dei secoli XVII-XIX.

Paesaggio rurale e parco

Quando la natura ei risultati dell'attività umana cosciente si incontrano, è inevitabile che sorga una certa dissonanza. Ma c'è un ambiente in cui queste due parti in conflitto sono in grado di accordarsi tra loro e raggiungere un relativo equilibrio. Prima di tutto, sono le campagne e i parchi paesaggistici, dove la natura è completata da elementi architettonici. Il paesaggio rurale è stato uno dei temi paesaggistici più popolari di tutti i tempi. Gli artisti hanno raffigurato una casa su una collina o vicino a uno stagno, prati verdi con pecore al pascolo, strade di campagna e così via.

paesaggi topografici

Gli oggetti piatti differiscono dagli oggetti tridimensionali tridimensionali che hanno lunghezza, larghezza e altezza. Una delle opzioni per raffigurare un paesaggio è che all'immagine venga dato un rilievo più o meno chiaramente definito. Questo tipo di paesaggio è chiamato topografico o scultoreo.

paesaggi documentari

Un altro tipo di pittura di paesaggio sono i paesaggi documentari che raffigurano scene della vita quotidiana. Le figure di persone incluse meritano non meno attenzione degli alberi o delle case. Da un lato danno vita alla composizione, dall'altro sottolineano le dimensioni dello spazio circostante rispetto a una persona.

Paesaggi con animali

Una caratteristica distintiva del paesaggio è che con il loro aiuto si crea una sensazione di pace, appagamento e armonia. Tuttavia, la fauna selvatica è un movimento continuo. Alberi, piante, pioggia, vento: sono tutti fattori dinamici e mutevoli, a questo proposito è del tutto naturale collocare gli animali tra loro come parte integrante di tutta la fauna selvatica.

I panorami possono essere molto diversi: il paesaggio dell'umore simboleggia la colorazione lirica dei sentimenti, quello architettonico ricorda molto la città, il mare (marina) e il fiume mostrano l'infinita bellezza del paesaggio acquatico. I tipi storici ed eroici sono associati a grandi guerrieri, eroi mitici e dei. Il paesaggio decorativo funge da eccellente decorazione d'interni. Non esiste un numero prestabilito di specie. A seconda della visione dell'artista, si distinguono paesaggi industriali (vedute di città), paesaggi epici, romantici o addirittura cosmici.

La caratteristica principale di questo genere di belle arti è che il soggetto principale dell'immagine è la natura nella sua forma originale o trasformata dall'uomo.

Medaglie) opere di altri generi. Raffigurando i fenomeni e le forme dell'ambiente naturale di una persona, l'artista esprime sia il suo atteggiamento nei confronti della natura sia la sua percezione da parte della società contemporanea. Per questo motivo, il paesaggio acquisisce emotività e un significativo contenuto ideologico.

Già nel neolitico sono state rinvenute immagini della natura (simboli della volta celeste, luminari, punti cardinali, superficie terrestre, confini del mondo abitato). I rilievi e i dipinti dei paesi dell'Antico Oriente (Babilonia, Assiria, Egitto), principalmente nelle scene di guerre, caccia e pesca, contengono singoli elementi del paesaggio, che furono particolarmente moltiplicati e concretizzati nell'antica arte egizia del Era del Nuovo Regno. I motivi paesaggistici erano ampiamente utilizzati nell'arte di Creta nei secoli XVI-XV. AVANTI CRISTO e. (vedi arte egea), dove per la prima volta è stata raggiunta l'impressione di un'unità emotivamente convincente di fauna, flora ed elementi naturali. Gli elementi paesaggistici dell'antica arte greca sono solitamente inseparabili dalla raffigurazione di una persona; il paesaggio ellenistico e romano antico, che comprendeva elementi prospettici (dipinti illusionistici, mosaici, i cosiddetti rilievi pittorici), aveva un'autonomia un po' maggiore. Questa era è caratterizzata dall'immagine della natura, percepita come la sfera dell'esistenza idilliaca dell'uomo e degli dei. Nell'arte medievale europea, gli elementi del paesaggio (in particolare vedute di città e singoli edifici) servivano spesso come mezzo di spazi condizionali, costruzioni (ad esempio "colline" o "camere" nelle icone russe), nella maggior parte dei casi trasformandosi in laconiche indicazioni della scena. In un certo numero di composizioni, i dettagli del paesaggio sono stati trasformati in schemi teologici speculativi che riflettevano idee medievali sull'Universo.

Nell'arte medievale dei paesi dell'Oriente musulmano, gli elementi del paesaggio erano inizialmente presentati con molta parsimonia, ad eccezione di rari esempi basati sulle tradizioni ellenistiche. Dai secoli XIII-XIV. occupano un posto sempre più significativo nelle miniature dei libri, dove nei secoli XV-XVI. nelle opere della scuola di Tabriz e della scuola di Herat, campiture paesaggistiche, contraddistinte dalla radiosa purezza dei colori, evocano l'idea della natura come giardino magico chiuso. I dettagli del paesaggio nell'arte medievale dell'India (soprattutto nelle miniature a partire dalla scuola Mughal), dell'Indocina e dell'Indonesia (ad esempio, le immagini di una foresta tropicale nei rilievi su temi mitologici ed epici) raggiungono un grande potere emotivo. Una posizione eccezionalmente importante è occupata dal paesaggio come genere indipendente nella pittura della Cina medievale, dove la natura in continuo rinnovamento era considerata l'incarnazione più evidente della legge del mondo (tao); questo concetto trova diretta espressione nel tipo di paesaggio "shan-shui" ("guru-voudy"). Nella percezione del paesaggio cinese, un ruolo significativo è stato svolto da iscrizioni poetiche, motivi simbolici che personificavano sublimi qualità spirituali (pino mugo, bambù, prugna selvatica "meihua"), figure umane che soggiornano in uno spazio che sembra senza limiti a causa dell'introduzione di vasti panorami di montagna nella composizione, superfici d'acqua e foschia nebbiosa. I piani spaziali separati del paesaggio cinese non sono delimitati, ma fluiscono liberamente l'uno nell'altro, obbedendo alla soluzione decorativa generale del piano pittorico. Tra i massimi maestri del paesaggio cinese (affermati già nel VI secolo) figurano Guo Xi (XI secolo), Ma Yuan, Xia Gui (entrambi - fine XII - prima metà XIII secolo), Mu-chi (prima metà del XIII secolo). Paesaggio giapponese, formato dai secoli XII-XIII. e fortemente influenzato dall'arte cinese, si distingue per una grafica nitida (ad esempio, in Sesshu, XV secolo), una tendenza a mettere in evidenza singoli motivi più vantaggiosi in termini decorativi, e infine (nei secoli XVIII-XIX), un ruolo più attivo dell'uomo nella natura ( paesaggi di Katsushika Hokusai e Ando Hiroshige).

Nell'arte dell'Europa occidentale dei secoli XII-XV. la tendenza a un'interpretazione sensualmente convincente del mondo porta al fatto che lo sfondo del paesaggio inizia a essere compreso come una parte di fondamentale importanza di un'opera d'arte. Gli sfondi condizionali (dorati o ornamentali) vengono sostituiti da quelli paesaggistici, trasformandosi spesso in un ampio panorama del mondo (Giotto e A. Lorenzetti in Italia nel XIV secolo; miniaturisti borgognoni e olandesi nel XIV-XV secolo; fratelli H. e J. van Eyck nei Paesi Bassi; K Witz e L. Moser in Svizzera e Germania nella prima metà del XV secolo). Gli artisti del Rinascimento si sono rivolti allo studio diretto della natura, hanno creato schizzi e studi ad acquerello, sviluppato principi per la costruzione prospettica dello spazio del paesaggio, guidati dai concetti della razionalità delle leggi dell'universo e facendo rivivere l'idea del paesaggio come vero e proprio habitat umano (quest'ultimo momento era particolarmente caratteristico dei maestri italiani del Quattrocento). Un posto importante nella storia del paesaggio è occupato dall'opera di A. Mantegna, P. Uccello, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Gentile e Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto in Italia, Hugo van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, H. Bosch nei Paesi Bassi, A. Dürer, M. Nithardt in Germania, maestri della scuola del Danubio in Germania e Austria. Nell'arte del Rinascimento si formano i presupposti per l'emergere di un genere paesaggistico indipendente, che si sviluppa inizialmente nella grafica (A. Durer e la scuola del Danubio) e in piccole composizioni pittoriche, dove l'immagine della natura costituisce l'unico contenuto del quadro (A. Altdorfer) o regna incontrastato sulle scene in primo piano ( Dutchman I. Patinir). Se gli artisti italiani cercavano di enfatizzare l'armoniosa consonanza dei principi umani e naturali (Giorgione, Tiziano) e incarnare l'idea di un ambiente architettonico ideale negli sfondi del paesaggio urbano (Raffaello), allora i maestri tedeschi erano particolarmente disposti a rivolgersi a fauna selvatica, conferendole spesso un aspetto catastroficamente tempestoso. La combinazione di momenti paesaggistici e di genere, tipici del paesaggio olandese, porta ai risultati più sorprendenti nelle opere di P. Brueghel il Vecchio, i cui tratti distintivi non sono solo la grandiosità delle composizioni panoramiche, ma anche la più profonda penetrazione nel natura della vita popolare, organicamente connessa con l'ambiente paesaggistico. Nel XVI - inizio XVII secolo. numerosi maestri olandesi (Herri met de Bles, Josse de Momper, Gillis van Coninxloe) intrecciano i tratti tradizionali del paesaggio rinascimentale con sottili osservazioni della vita con fantasia manierista, sottolineando l'atteggiamento soggettivo ed emotivo dell'artista nei confronti del mondo.

All'inizio del XVII secolo. nel lavoro dell'italiano An. Carracci, l'olandese P. Brill e il tedesco A. Elsheimer, vengono formulati i principi di un paesaggio "ideale", subordinato all'idea di una legge ragionevole, nascosta sotto la diversità esteriore dei vari aspetti della natura. Nell'arte del classicismo viene finalmente fissato il sistema della composizione tridimensionale condizionale, scenica, si afferma la differenza fondamentale tra uno schizzo o uno schizzo e un quadro di paesaggio finito. Insieme a questo, il paesaggio diventa portatore di un alto contenuto etico, che è particolarmente caratteristico dell'opera di N. Poussin e C. Lorrain, le cui opere rappresentano 2 versioni del paesaggio "ideale": eroico e idilliaco. Nel paesaggio barocco (Fleming P. P. Rubens, italiani S. Rosa e A. Magnasco), il potere elementare della natura ha la precedenza, a volte come se travolgesse una persona. Elementi di pittura dalla natura, all'aria aperta (vedi Plein Air) compaiono nei paesaggi di D. Velasquez, segnati da una straordinaria freschezza di percezione. Pittori e grafici olandesi del XVII secolo. (J. van Goyen, H. Seghers, J. van Ruisdael, M. Hobbema, Rembrandt, J. Vermeer di Delft), sviluppando minuziosamente la prospettiva luce-aria e il sistema delle ombre di valore, univano nelle loro opere il sentimento poetico della vita naturale della natura, la sua eterna variabilità, un'idea della grandezza degli spazi naturali sconfinati con l'idea di una stretta connessione tra la natura e l'esistenza umana quotidiana. I maestri olandesi hanno creato diversi tipi di paesaggio (incluso il porto turistico e il paesaggio urbano).

Dal 17 ° secolo Il paesaggio topografico è ampiamente distribuito (incisori - il tedesco M. Merian e il ceco V. Gollar), il cui sviluppo è stato ampiamente predeterminato dall'uso della camera oscura, che ha permesso di trasferire singoli motivi su tela o carta con precisione senza precedenti. Questo tipo di paesaggio nel XVIII secolo. raggiunge il suo apice nelle vedute sature d'aria e di luce di Canaletto e B. Belotto, nelle opere di F. Guardi, che aprono una tappa qualitativamente nuova nella storia del paesaggio, e si distinguono per la virtuosa riproduzione di una luce mutevole -ambiente aereo. Paesaggio di specie nel XVIII secolo. ha svolto un ruolo decisivo nella formazione del paesaggio in quei paesi europei dove fino al XVIII secolo. non esisteva un genere paesaggistico indipendente (anche in Russia, dove i maggiori rappresentanti di questo tipo di paesaggio erano gli artisti grafici A.F. Zubov, M.I. Makhaev, il pittore F.Ya. Alekseev). Un posto speciale è occupato dai paesaggi grafici di G. B. Piranesi, che romanticizzò le rovine, monumenti di architettura antica e li dotò di sovrumana grandiosità. La tradizione del paesaggio "ideale" acquisì un'interpretazione squisitamente decorativa in epoca rococò (Paesaggio raffigurante le rovine del francese J. Robert), tuttavia, in generale, il paesaggio "ideale", che occupava (sotto il nome di storico o mitologico) una posizione secondaria nel sistema dei generi classicista, durante il XVIII V. degenera in una direzione accademica, subordinando i motivi naturali alle leggi astratte della composizione classica. Le tendenze pre-romantiche sono indovinate negli sfondi intimi e lirici del parco nei dipinti di A. Watteau, J. O. Fragonard in Francia, così come nel lavoro dei fondatori della scuola inglese di paesaggio - T. Gainsborough, R. Wilson.

Alla fine del XVIII - prima metà del XIX secolo. nel paesaggio prevalgono le tendenze del romanticismo (J. Krom, J. S. Cotman, J. R. Cozens, J. M. W. Turner in Gran Bretagna; J. Michel in Francia; K. D. Friedrich, L. Richter in Germania; J. A. Koch in Austria, J. K. K. Dahl in Norvegia, paesaggio ha anche svolto un ruolo enorme nel lavoro di F. Goya e T. Géricault). L'importanza del paesaggio nel sistema artistico del romanticismo si spiega con il fatto che i romantici avvicinarono la vita dell'animo umano alla vita della natura, vedendo nel ritorno all'ambiente naturale un mezzo per correggere le imperfezioni morali e sociali dell'uomo. Hanno mostrato una sensibilità speciale per l'unicità individuale dei singoli stati di natura e l'originalità dei paesaggi nazionali. Le ultime caratteristiche sono estremamente caratteristiche del lavoro dell'inglese J. Constable, che ha maggiormente contribuito all'evoluzione del paesaggio verso immagini reali che conservano la freschezza dello studio naturale. La generalizzazione, la chiarezza poetica della percezione del mondo, così come l'interesse per i problemi dell'aria aperta sono caratteristici dei maestri che furono all'origine delle scuole nazionali di paesaggi realistici europei (primo C. Corot in Francia; in parte K. Blechen in Germania; A. A. Ivanov, in parte S. F. Shchedrin e M. I. Lebedev in Russia).

Rappresentanti del paesaggio realistico della metà e della seconda metà del XIX secolo. (Corot, maestri della scuola di Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Boudin in Francia; Macchiaioli in Italia; A. Menzel e in parte la scuola di Dusseldorf in Germania; J. B. Jongkind e la scuola dell'Aia in Olanda, ecc.) gradualmente sopravvissuto all'associatività letteraria del paesaggio romantico, cercando di mostrare il proprio valore della natura attraverso la divulgazione dell'essenza oggettiva dei processi che vi si svolgono. I paesaggisti di questo periodo cercavano la naturalezza e la semplicità della composizione (in particolare, rifiutando nella maggior parte dei casi le viste panoramiche), sviluppavano in dettaglio i rapporti di luce e ombra e di valore, che permettevano di trasmettere la percettibilità materiale dell'ambiente naturale. Il suono etico e filosofico del paesaggio, ereditato dal romanticismo, assume ora una direzione più democratica, che si manifesta anche nel fatto che persone del popolo, scene di lavoro rurale erano sempre più incluse nel paesaggio.

Nel paesaggio russo del XIX secolo. le tradizioni romantiche giocano un ruolo di primo piano nel lavoro di M. N. Vorobyov e I. K. Aivazovsky. Nella seconda metà del XIX sec. c'è un fiorire del paesaggio realistico (le cui basi furono gettate nell'opera di A. G. Venetsianov e soprattutto A. A. Ivanov), strettamente connesso con le attività degli Erranti. Superando l'artificialità e la teatralità del paesaggio accademico, gli artisti russi si sono rivolti alla loro natura nativa (L. L. Kamenev, M. K. Klodt), i cui motivi sono particolarmente monumentali ed epici nelle opere di I. I. Shishkin. La tendenza a rappresentare gli stati di transizione della natura, la ricchezza lirica insita nell'opera di A. K. Savrasov, acquisisce un'ombra tesa drammatica in F. A. Vasiliev. Le tendenze tardo romantiche si manifestano nelle opere di A. I. Kuindzhi, che combinava una predilezione per forti effetti di luce con un'interpretazione decorativa del piano pittorico. Alla fine del XIX secolo. la linea del paesaggio emotivo-lirico, spesso intrisa dei motivi del dolore civile, continua nel cosiddetto paesaggio dell'umore; tali paesaggi includono le opere di V. D. Polenov, segnate da una morbida contemplazione, e in particolare le tele di I. I. Levitan, che combinavano lo psicologismo intimo e il trasferimento più sottile degli stati di natura con un'elevata interpretazione filosofica dei motivi del paesaggio.

L'importanza dominante è acquisita dal paesaggio tra i maestri dell'impressionismo (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, ecc.), che consideravano il lavoro all'aria aperta una condizione indispensabile per creare un'immagine paesaggistica. Gli impressionisti fecero della componente più importante del paesaggio un vibrante ambiente di luce e aria ricco di sfumature colorate, avvolgendo gli oggetti e assicurando l'indissolubilità visiva della natura e dell'uomo. Nel tentativo di catturare la diversa variabilità degli stati di natura, hanno spesso creato serie di paesaggi uniti da un motivo (Monet). Il loro lavoro rifletteva anche le dinamiche della vita urbana moderna, grazie alla quale il paesaggio urbano ha acquisito pari diritti con le immagini della natura. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. diverse direzioni si sviluppano nel paesaggio, sviluppando i principi del paesaggio impressionista e allo stesso tempo entrando in rapporti antagonistici con essi. P. Cezanne ha affermato nelle sue opere il potere monumentale e la chiara costruttività dei paesaggi naturali. J. Seurat ha subordinato i motivi del paesaggio a costruzioni decorative piane rigorosamente adattate. V. van Gogh si è adoperato per una maggiore, spesso tragica, associatività psicologica delle immagini del paesaggio, conferendo ai singoli dettagli del paesaggio un'animazione quasi umana. Nelle opere di P. Gauguin, vicine al paesaggio del simbolismo e contraddistinte dalla sonorità dei ritmici piani cromatici locali, l'immagine di un paesaggio idilliaco viene radicalmente ripensata. Artisti legati al simbolismo e allo stile "moderno" ("nabis" in Francia, F. Hodler in Svizzera, E. Munch in Norvegia, A. Gallen-Kallela in Finlandia) hanno portato nel paesaggio l'idea di un misterioso rapporto tra l'uomo e la "madre terra" (da qui i tipi di paesaggio-sogno e paesaggio-ricordo, diffusi in questo periodo), battono nelle loro composizioni vari tipi di "forme passanti" (rami, radici, fusti, ecc.), l'impianto ornamentale che crea l'illusione di una diretta imitazione dei ritmi della natura stessa. Parallelamente si intensificò la ricerca di un'immagine generalizzata della patria, spesso satura di folclore o di reminiscenze storiche, e che unisse i tratti più consolidati del paesaggio nazionale, tipici dei movimenti nazional-romantici (il polacco F. Ruschits, il ceco A. Slavichek, il rumeno Sh. Lukyan, il lettone V. Purvit).

Nell'arte del XX secolo. alcuni maestri si sforzano di trovare le caratteristiche più stabili di questo o quel motivo paesaggistico, ripulendolo da tutto ciò che è "transitorio" (rappresentanti del cubismo), altri, con l'aiuto di armonie cromatiche esultanti o drammaticamente intense, sottolineano le dinamiche interne del paesaggio, e talvolta anche la sua identità nazionale (rappresentanti del fauvismo e parenti maestri di loro in Francia, Jugoslavia, Polonia, ed espressionismo in Germania, Austria e Belgio), altri, in parte sotto l'influenza della fotografia artistica, spostano l'enfasi principale sul stranezza ed espressività psicologica del motivo (rappresentanti del surrealismo). Nel lavoro di alcuni rappresentanti di queste correnti, la tendenza a deformare l'immagine del paesaggio, che spesso trasforma il paesaggio in un pretesto per costruzioni astratte, è stata una transizione verso l'arte astratta (il paesaggio ha svolto un ruolo simile, ad esempio, nel opera dell'olandese P. Mondrian, dello svizzero P. Klee e del russo V. V. Kandinsky). Nel XX secolo. in Europa e in America il panorama industriale si è diffuso, interpretando spesso il mondo della tecnologia come una sorta di antinatura, irresistibilmente ostile alle persone (C. Demuth, N. Spencer, C. Sheeler negli USA, P. Brüning in Germania). I paesaggi urbani futuristi ed espressionisti assumono spesso un aspetto nettamente aggressivo o distaccato, intriso di stati d'animo di tragica disperazione o malinconia. Questa caratteristica è anche insita nel lavoro di numerosi maestri realisti (M. Utrillo in Francia, E. Hopper negli Stati Uniti). Allo stesso tempo, si sta rapidamente sviluppando un paesaggio di natura realistica e nazional-romantica, in cui le immagini di una natura incontaminata spesso si trasformano in un'antitesi diretta della civiltà capitalista (B. Palencia in Spagna, Kjarval in Islanda, il "Gruppo di Seven" in Canada, R. Kent negli USA, A. Namatjira in Australia).

Nel paesaggio russo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. tradizioni realistiche della seconda metà del XIX secolo. intrecciato con le influenze dell'impressionismo e del "moderno". Vicino all'atmosfera paesaggistica di Levitan, ma più intime nello spirito sono le opere di V. A. Serov, P. I. Petrovichev, L. V. Turzhansky, raffiguranti prevalentemente modeste, prive di vedute spettacolari esterne e contraddistinte dall'etudia immediatezza della composizione e del colore. La combinazione di intonazioni liriche con una maggiore sonorità del colore è caratteristica del lavoro di K. A. Korovin e, in particolare, I. E. Grabar. Le caratteristiche romantiche nazionali sono inerenti alle opere di A. A. Rylov e alle composizioni di genere paesaggistico di K. F. Yuon; il folklore, il momento storico o letterario gioca un ruolo importante in A. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, N. K. Roerich, così come nel paesaggio "eroico" di K. F. Bogaevsky. Nella cerchia dei maestri del "Mondo dell'arte" è stato coltivato un tipo di memoria paesaggistica (L. S. Bakst, K. A. Somov), sono sorte vedute storiche e architettoniche intrise di note elegiache (A. N. Benois, E. E. Lansere, A. P Ostroumova-Lebedeva ), drammatico paesaggio urbano (M. V. Dobuzhinsky). Tra le variazioni sul tema di un surreale paesaggio-sogno nello spirito di V. E. Borisov-Musatov, tipiche degli artisti Blue Rose, spiccano le composizioni orientaliste di P. V. Kuznetsov e M. S. Saryan, così come i dipinti di N. P. Krymov, che cercano di un rigoroso equilibrio di soluzioni cromatiche e compositive. Nel paesaggio dei maestri del "Fante di quadri", la ricchezza del sistema cromatico e il modo pittorico capriccioso e libero rivelano la ricchezza plastica e la brillantezza della natura.

Per il paesaggio sovietico, che si sviluppa in linea con il realismo socialista, le immagini più caratteristiche rivelano la bellezza del mondo che afferma la vita, la sua stretta connessione con l'attività di trasformazione delle persone. In quest'area emersero maestri che si erano sviluppati nel periodo pre-rivoluzionario, ma dopo la Rivoluzione d'Ottobre del 1917 entrarono in una nuova fase di creatività (V. N. Baksheev, Grabar, Krymov, A. V. Kuprin, Ostroumova-Lebedeva, Rylov, Yuon, ecc. ), così come artisti le cui attività sono interamente legate all'era sovietica (S. V. Gerasimov, A. M. Gritsai, N. M. Romadin, V. V. Meshkov, S. A. Chuikov). Negli anni '20. sta emergendo il panorama industriale sovietico (B. N. Yakovlev e altri). ispirato al pathos della costruzione socialista, sta prendendo forma un tipo di paesaggio commemorativo (ad esempio, dipinti di V. K. Byalynitsky-Biruli con vedute delle colline di Lenin e Yasnaya Polyana). Negli anni '30 e '50. il monumentale quadro-paesaggio, basato su un profondo ripensamento del materiale dello studio, riceve una distribuzione predominante. Nelle opere dei paesaggisti sovietici, l'immagine sintetica della Patria appare sempre più attraverso i tratti di una particolare area, per cui anche vedute tradizionalmente associate al concetto romantico di paesaggio (ad esempio, i paesaggi della Crimea o dell'estremo nord ) sono privati ​​di un tocco di alienazione esotica. Gli artisti sono attratti da motivi che consentono di mostrare l'interazione di forme industriali e naturali, cambiamenti dinamici nella percezione spaziale del mondo associati al ritmo accelerato della vita moderna (A. A. Deineka, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky). Nelle scuole repubblicane del panorama sovietico, il ruolo principale è svolto dal lavoro di I. I. Bokshay, A. A. Shovkunenko in Ucraina, D. Kakabadze in Georgia, Saryan in Armenia, U. Tansykbaev in Uzbekistan, A. Zhmuydzinavichyus e A. Gudaitis in Lituania, E .Keats in Estonia. Negli anni 60-80. il principio dell'immagine-paesaggio conserva la sua importanza, ma l'attenzione si concentra sull'accresciuta espressività della trama e del colore, sui ritmi compositivi nudi che influenzano attivamente il pubblico. Tra i più significativi pittori di paesaggi sovietici che vennero alla ribalta negli anni 50-70 ci sono L. I. Brodskaya, B. F. Domashnikov, E. I. Zverkov, T. Salakhov, V. M. Sidorov, V. F. Stozharov , I. Shvazhas.

Lett.: Fedorov-A. Davydov, Paesaggio russo del XVIII - inizio XIX secolo, M., 1953; il suo, Paesaggio sovietico, M., 1958; il suo, paesaggio russo della fine del XIX - inizio del XX secolo, M., 1974; F. Maltsev, Maestri del paesaggio realistico russo, c. 1-2, M., 1953-59; Maestri del paesaggio sovietico sul paesaggio, M., 1963; N. A. Vinogradova, Pittura di paesaggio cinese, M., 1972; N. Kalitina, pittura paesaggistica francese. 1870-1970, L., 1972; Problemi del paesaggio nell'arte europea dell'Ottocento, M., 1978; O. R. Nikulina, La natura attraverso gli occhi di un artista, M., 1982; Santini P. S., Paesaggio moderno, L, 1972; Pochat G., Figur und Landschaft, B.-N. Y., 1973; Clark K., Il paesaggio nell'arte, L., 1976; Wedewer R., Landshaftsmalerei zwischen Traum und Wirklichkeit, Colonia, 1978; Baur Ch., Landschaftsmalerei der Romantik, Monaco di Baviera, 1979; Strisik P., L'arte della pittura di paesaggio, NY, 1980.

1.1 Il paesaggio come genere delle belle arti. tipi di paesaggio

Paesaggio - (paysage francese, da pays - località, paese, patria) - un genere di belle arti, il cui soggetto è l'immagine della natura, del terreno, del paesaggio. Un paesaggio è anche chiamato un'opera di questo genere. Il paesaggio è un genere tradizionale di pittura e grafica da cavalletto.

L'uomo ha iniziato a raffigurare la natura in tempi antichi, elementi del paesaggio si possono trovare nell'era neolitica, nei rilievi e nei dipinti dei paesi dell'Antico Oriente, soprattutto nell'arte dell'antica Egit e dell'antica Grecia. Nel Medioevo, templi, palazzi, case ricche erano decorati con motivi paesaggistici, i paesaggi spesso servivano come mezzo di costruzioni spaziali condizionali nelle icone e soprattutto nelle miniature.

Il paesaggio nell'arte dell'est ha ricevuto una linea di sviluppo speciale. Come genere indipendente, è apparso in Cina già nel VI secolo. I paesaggi degli artisti cinesi, realizzati con inchiostro su rotoli di seta, sono molto spirituali e poetici. (vedi appendice fig 1.1.1) Hanno un profondo significato filosofico, come se mostrassero la natura in continuo rinnovamento, lo spazio sconfinato, che sembra essere tale a causa dell'introduzione nella composizione di vasti panorami montani, superfici d'acqua e foschia nebbiosa . Il paesaggio comprende figure umane e motivi simbolici (pino mugo, bambù, susino selvatico), personificando sublimi qualità spirituali. Sotto l'influenza della pittura cinese si formò anche il paesaggio giapponese, che si distingue per una qualità grafica affilata, l'enfasi sui motivi decorativi e un ruolo più attivo dell'uomo nella natura (K. Hokusai).

Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento (A. Canaletto) furono i primi a rivolgersi all'immagine della natura. Come genere indipendente, il paesaggio si è finalmente formato nel XVII secolo. È stato creato da pittori olandesi. (vedi appendice fig 1.1.2) Gli artisti si rivolsero allo studio della natura di Leonardo prima di Vinci, poi P. Bruegel nei Paesi Bassi sviluppò un sistema di valers, una prospettiva luce-aria nel XVI secolo. Le prime varietà e si stanno formando direzioni di questo genere: paesaggio lirico, eroico, documentario: P .Brueghel "Giorno nuvoloso" (Vigilia di primavera) (1565, Vienna, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens "Caccia ai leoni" (1615 circa, Monaco, Alte Pinakothek), Rembrandt "Paesaggio con stagno e ponte ad arco" (1638, Berlino - Dahlem), J. van Ruysdael "Forest Swamp" (1660, Dresda, Galleria d'arte), N. Poussin "Paesaggio con Polifemo" (1649, Mosca, Museo Statale di Belle Arti Puskin), Mezzogiorno C. Lorrain (1651, San Pietroburgo, Ermitage), F. Guardi "Piazza San Marco, veduta della Basilica" (1760-1765 ca., Londra, National Gallery), ecc.. (vedi appendice fig 1.1.3)

Nel 19 ° secolo le scoperte creative dei maestri del paesaggio, la sua saturazione di questioni sociali, lo sviluppo del plein air (immagine dell'ambiente naturale) culminato nelle conquiste dell'impressionismo, che ha dato nuove opportunità nella trasmissione pittorica della profondità spaziale, la variabilità dell'ambiente luminoso e aereo, la complessità della combinazione di colori, che ha aperto nuove possibilità nel trasferimento del mutevole gioco di bagliori, stati sfuggenti della natura, ricchezza di sfumature colorate. Questi sono i Barbizons, C. Corot "Mattina a Venezia" (1834 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), E. Manet "Colazione sull'erba" (1863, Parigi, Louvre), C. Monet "Cappuccino Boulevard a Parigi" ( 1873, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), O. Renoir "La rana" (1869, Stoccolma, Museo nazionale). In Russia, A.K. Savrasov "The Rooks Have Arrived" (1871, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Shishkin "Rye" (1878, Mosca, Galleria Tretyakov), V.D. Polenov "Moscow Yard" (1878, Mosca , Galleria Tretyakov),. (vedi appendice fig 1.1.4)

Grandi maestri della fine del XIX e del XX secolo. (P. Cezanne, P. Gauguin, Van Gogh, A. Matisse in Francia, A. Kuindzhi, N. Roerich, N. Krymov in Russia, M. Saryan in Armenia) espandono le qualità emotive e associative della pittura di paesaggio. Le tradizioni del paesaggio russo sono state ampliate e arricchite da A. Rylov, K. Yuon, N. Roerich, A. Ostroumova-Lebedeva, A. Kuprin, P. Konchalovsky e altri.

A seconda della natura del motivo paesaggistico, si possono distinguere paesaggi rurali, urbani (compresi l'architettura urbana e la veduta) e paesaggi industriali. Un'area speciale è l'immagine dell'elemento marino: il porto turistico e il paesaggio fluviale.

Paesaggio rurale noto anche come "villaggio" - Questa direzione del genere paesaggistico è sempre stata popolare, indipendentemente dalla moda. Il rapporto tra la natura e gli esiti dell'attività cosciente dell'uomo è sempre stato piuttosto complesso, anche conflittuale; nelle arti visive, questo è particolarmente evidente. Gli schizzi paesaggistici con l'architettura, una recinzione o il camino di una fabbrica fumante non creano un'atmosfera di pace: su uno sfondo del genere, tutta la bellezza della natura è persa, scomparsa. Tuttavia, esiste un ambiente in cui l'attività umana e la natura sono in armonia o, al contrario, la natura gioca un ruolo dominante: questa è la campagna, dove le strutture architettoniche, per così dire, completano i motivi del villaggio. Gli artisti del paesaggio rurale sono attratti dalla tranquillità, una sorta di poesia della vita rurale, l'armonia con la natura. La casa in riva al fiume, le rocce, il verde dei prati, la strada di campagna hanno dato slancio all'ispirazione di artisti di tutti i tempi e di tutti i paesi. (vedi appendice fig 1.1.5)

Il paesaggio urbano è stato il risultato di diversi secoli di sviluppo nella pittura di paesaggio. Nel XV secolo si diffusero i paesaggi architettonici, che raffiguravano vedute della città da una prospettiva a volo d'uccello. L'antichità e la modernità si fondevano spesso su queste tele interessanti, erano presenti elementi di fantasia. (vedi appendice fig 1.1.6)

Un paesaggio architettonico è una specie di paesaggio, uno dei tipi di pittura prospettica, un'immagine di un'architettura reale o immaginaria in un ambiente naturale. Un ruolo importante nel paesaggio architettonico è svolto da una prospettiva lineare e aerea, che collega natura e architettura. Nel paesaggio architettonico si distinguono le vedute prospettiche urbane, che furono chiamate nel XVIII secolo. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi a Venezia), vedute di tenute, complessi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (J. Robert; K. D. Friedrich Abbey in an querceto, 1809-1810, Berlino , Museo statale; S.F. Shchedrin), paesaggi con edifici e rovine immaginari (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta (it. veduta, lett. - visto) è un paesaggio che riproduce fedelmente la veduta esatta del territorio, della città, una delle origini dell'arte del panorama. Il tardo paesaggio veneziano, strettamente associato ai nomi di Carpaccio e Bellini, che riuscì a trovare un equilibrio tra l'accuratezza documentaria della rappresentazione della realtà urbana e la sua interpretazione romantica. Il termine è apparso nel XVIII secolo, quando una camera oscura veniva utilizzata per riprodurre le vedute. L'artista di punta che ha lavorato in questo genere è stato A. Canaletto: San Marco Square (1727-1728, Washington, National Gallery). (vedi appendice fig 1.1.7) Gli impressionisti diedero un ulteriore serio contributo allo sviluppo di questa tendenza: C. Monet, Pissarro e altri.

Il paesaggio urbano moderno non è solo folla di persone per strada e ingorghi; sono anche vecchie strade, una fontana in un parco tranquillo, la luce del sole impigliata in una rete di fili... Questa direzione ha attratto e continuerà ad attrarre artisti e intenditori d'arte di tutto il mondo.

Marina (it. marina, dal lat. marinus - marino) è uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare. Marina prese forma come genere indipendente in Olanda all'inizio del XVII secolo: J. Porcellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner “Funeral at Sea” (1842, Londra, Tate Galleria), K. Monet "Impressione, alba" (1873, Parigi, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin "Piccolo porto a Sorrento" (1826, Mosca, Galleria Tretyakov). Aivazovsky, come nessun altro, è riuscito a mostrare un elemento acquatico vivo, pieno di luce e in continuo movimento. Sbarazzandosi dei contrasti troppo netti della composizione classica, Aivazovsky raggiunge infine un'autentica libertà pittorica. Bravura - catastrofico "La nona onda" (1850, Museo russo, San Pietroburgo) è uno dei dipinti più riconoscibili di questo genere. (vedi appendice fig 1.1.8)

Dipingere en plein air (all'aperto), per lo più paesaggi ed esterni, richiede una certa esperienza e "allenamento". Non è sempre facile sfuggire di mano. Se non riesci ad andare subito avanti, come avevi immaginato, allora devi solo concederti del tempo e goderti il ​​panorama che si apre davanti a te. In generale, un paesaggio, uno schizzo o uno schizzo o un frammento incompiuti a volte può diventare un piacevole risultato di lavoro, da non sottovalutare. Mostra quello che vogliamo vedere. In sostanza, come in tutti gli altri soggetti della pittura, il nostro temperamento, la nostra esperienza e le nostre possibilità dovrebbero essere dedicate a qualcosa di speciale.

Il cosiddetto mirino può aiutarci a trovare il formato giusto. ritagliare un rettangolo su un foglio di cartoncino, possibilmente in proporzione alle dimensioni dell'immagine. Questa "finestra" ricorda il mirino di una fotocamera. Nel tempo, svilupperai un occhio esperto. Realizziamo uno schizzo, entrando appena nei dettagli, su una tela preparata, cioè prima devi applicare diversi strati colorati su una tela innescata e asciugarli in modo che la tela non assorba troppo la vernice. È meglio scrivere nella tecnica "alla prima".

Quando si lavora all'aria aperta, si consiglia di portare con sé due tele della stessa dimensione. Dopo il lavoro svolto, pieghiamo entrambi i piani dell'immagine uno di fronte all'altro. Tra di loro mettiamo due strette assi di legno o mettiamo piccoli pezzi di sughero ai quattro angoli. Le superfici dei dipinti sono all'interno, gli strati di vernice freschi non si toccano e non rischiano di essere danneggiati dall'esterno. In questo modo puoi tranquillamente portare a casa il tuo lavoro.

Il paesaggio può essere storico, eroico, fantastico, lirico, epico.

Spesso il paesaggio fa da sfondo a dipinti, opere grafiche, scultoree (rilievi, medaglie) di altri generi. L'artista, raffigurando la natura, non solo cerca di riprodurre fedelmente il motivo paesaggistico scelto, ma esprime anche il suo atteggiamento nei confronti della natura, la ispira, crea un'immagine artistica che ha espressività emotiva e contenuto ideologico. Ad esempio, grazie a I. Shishkin, che è riuscito a creare sulle sue tele un'immagine epica generalizzata della natura russa, il paesaggio russo è salito al livello di un'arte profondamente significativa e democratica (Rye, 1878, Ship Grove, 1898). Il punto di forza delle tele di Shishkin non è che riproducono i paesaggi familiari della striscia della Russia centrale con un'accuratezza quasi fotografica, l'arte dell'artista è molto più profonda e significativa. Le sconfinate distese di campi, il mare di spighe che ondeggiano sotto il vento fresco, le distanze della foresta nei dipinti di I. Shishkin danno origine a pensieri sulla grandezza epica e sul potere della natura russa.

Il paesaggio di I. Levitan viene spesso definito il "paesaggio dell'umore". I suoi dipinti incarnano stati d'animo mutevoli, stati di ansia, dolore, presentimento, pace, gioia, ecc. Pertanto, l'artista trasmette la forma tridimensionale degli oggetti in modo generalizzato, senza uno studio attento dei dettagli, con tremolanti punti pittoreschi. Così scrisse nel 1895 i dipinti "March" e "Golden Autumn", segnando il punto più alto nello sviluppo del paesaggio lirico russo. Poiché il suo stile è stato scelto come il più appropriato nello spirito per dipingere il paesaggio “Attraverso il tempo. Tenuta degli Ualikhanov. Syrymbet. Diamo un'occhiata più da vicino al suo lavoro.

pittura veneziana

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Il paesaggio nelle arti visive

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Ritratto d'arte

Non è un caso che il ritratto sia considerato uno dei generi più difficili e significativi delle belle arti. "Il progresso della pittura", sosteneva Hegel, "a partire dai suoi esperimenti imperfetti, consiste nell'elaborare il ritratto ...

Il processo di creazione di un'illustrazione del libro

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Analisi artistica del dipinto di V.D. Polenov "Cortile di Mosca"

Il genere del paesaggio urbano comprende la rappresentazione artistica e la descrizione di città grandi e piccole, con moderni grattacieli e strade strette. I dipinti raffiguranti un paesaggio urbano sono tanto diversi quanto le città ...

Il paesaggio è un genere di pittura, il cui tema centrale è la natura, il paesaggio. Il genere è stato creato in Cina nel IV secolo d.C. Nell'arte occidentale, il paesaggio è reso popolare nel XVI secolo. Fino all'inizio del XVI secolo l'immagine della natura non era il tema principale, serviva da sfondo per immagini di persone, dimostrazioni di eventi storici. La tela aveva un messaggio religioso, allegorico, mitologico e la natura era un semplice sfondo.

Gli esempi sono presentati dalle opere di Leonardo da Vinci, Botticelli, Bellini. I ricercatori ritengono che il primo paesaggio "puro" appartenga al pennello di Albrecht Altdorfer, creato nella prima metà del XVI secolo.

Storia del genere

Albrecht Dürer e Pieter Brueghel il Vecchio lavorarono nel XVI secolo. Paesaggi primaverili, montani e urbani facevano da sfondo a soggetti mitologici.

Nel XVII secolo si formarono le scuole di pittura olandese e fiamminga: il paesaggio occupava un posto speciale nelle opere degli artisti. Poussin, Lorrain, Rubens hanno contribuito allo sviluppo del genere. I paesaggi pastorali sono caratterizzati da una trasmissione speciale di luce e colore, prospettiva, realismo. I temi rurali, urbani e marittimi erano popolari.

pittura di storia

Alla fine del XVII secolo, gli artisti usavano le persone nelle immagini, ma non come figure centrali, ma per concentrarsi sulla scala dell'immagine sulla tela.

Nel XVIII secolo il paesaggio si sviluppa in Francia, in Inghilterra e in altri paesi dell'Europa occidentale. Rappresentano l'armonia divina della natura e la calma fiducia nelle attuali condizioni di prosperità. Il genere non è centrale nella gerarchia, ma è popolare tra i collezionisti.

Dopo i cataclismi della Rivoluzione francese e delle guerre napoleoniche, il paesaggio divenne una delle forme d'arte più popolari. In Russia divenne popolare a metà del XIX secolo sotto forma di tipi naturali e rurali. I rappresentanti del genere erano impegnati nella creatività in altre aree delle belle arti, ei paesaggi erano una delle aree di interesse creativo degli artisti che lavoravano con oli e acquerelli.

Il paesaggio più popolare era nelle opere su commissione: paesaggi marini e montani, urbani e rurali sembravano belli negli interni classici nelle tenute di persone di alto rango.

Pastorale in pittura

Gli artisti del 20 ° secolo hanno reso popolare il paesaggio negli stili di cubismo, fauvismo, espressionismo, iperrealismo. Le opere moderne sono piene di vita, colori, individualismo nel trasferimento del colore e della prospettiva.

Caratteristiche e tipi di pittura di paesaggio

In traduzione, il nome del genere significa "località", "paese" è l'ambiente che circonda una persona all'aria aperta. L'ambiente può essere di origine naturale o artificiale, antropica. Gli oggetti naturali includono corpi idrici: laghi, mari, fiumi, vari tipi di rilievi, vegetazione, cielo.

All'artificiale - case e annessi, strade, edifici pubblici, giardini, lanterne - tutto ciò che viene creato dall'uomo. La natura è stata rappresentata dagli artisti fin dai tempi antichi, ma la separazione del paesaggio in un genere separato ha permesso di mostrare l'individualità nel trasferimento del mondo circostante.

Utilizzando criteri diversi, si possono distinguere diverse classificazioni della pittura di paesaggio. Secondo il livello di partecipazione umana alla creazione del paesaggio, ci sono:

• Rustico;
• Naturale;
• Urbano.

Caratteristiche dell'antica pittura vascolare greca

Secondo la natura del lavoro, ci sono:

• Epico;
• Eroico;
• Romantico;
• Paesaggio-mood.

Natura

I paesaggi naturali iniziarono a essere dipinti nel Medioevo, ma, secondo i canoni dell'arte gotica, i dipinti erano privi di prospettiva, l'immagine era piatta, schematica, disarmonica, irrealistica. Insieme allo sviluppo degli stili pittorici, è cambiato il modo di rappresentare il paesaggio naturale. La direzione naturale include dipinti con corpi celesti, stelle.

Nautico

Marina - una specie di paesaggio a tema marino. Le direzioni furono rese popolari durante lo sviluppo attivo della navigazione, della navigazione, delle grandi scoperte geografiche. L'esempio più eclatante di questo tipo è l'opera del pittore marino russo del XIX secolo I. Aivazovsky.

Futuristico

L'arte futuristica è una varietà i cui aderenti dipingono quadri con immagini di voli spaziali, fantastici mondi extraterrestri.

Rustico

Il paesaggio rurale o rustico divenne popolare durante lo sviluppo dello stile rococò. Dipinti con immagini idilliache di pastorelle, abitanti rurali divennero opere rappresentative del loro tempo. La varietà si è sviluppata non solo nell'Europa occidentale, ma anche in Russia. La direzione del paesaggio rurale è stata scelta da Pieter Brueghel il Vecchio, Francois Millet, Camille Moreau. Un esempio di pittura russa è il lavoro di A. Venetsianov, A. Savrasov, V. Polevov, A. Plastov, I. Leevitan.

Pittura di battaglia

La maggior parte dei paesaggisti rappresentava gli stili del realismo, del classicismo, del romanticismo. Anche gli artisti moderni dell'Europa e dell'America sono impegnati nella pittura di paesaggi.

Urbano

I paesaggi urbani sono rappresentati da opere che raffigurano strade accoglienti, edifici e altre strutture.
Come propaggine di questa specie nel XVII secolo apparve il tipo di "Veduta", originario dell'Italia. In realtà, questa è un'immagine dettagliata degli edifici della città, nei minimi dettagli. La caratteristica principale della sottospecie è una visualizzazione accurata di tutte le sfumature dell'architettura di una casa o di un intero isolato. Le opere rappresentative nella direzione di "Veduta" sono dipinti di A. Canaletto, J. Vermeer.

La visione della "rovina" è stata sviluppata in molte opere di artisti dal XVI al XX secolo. I pittori hanno cercato di trasmettere la magia e le caratteristiche di edifici abbandonati o rovine di valore storico. Ad esempio, le rovine delle antiche città di Gran Bretagna, Grecia, Italia, Francia. Montagna, le immagini del mare possono essere utilizzate come sfondo.

Caratteristiche del genere tematico della trama

Un paesaggio urbano fantasy o futuristico è un dipinto raffigurante una città immaginaria che esiste solo nell'immaginazione dell'artista. Creando tele, i pittori volevano trasmettere le possibilità della tecnologia e della tecnologia, il loro significato per il futuro. La maggior parte delle opere sono dipinte a olio per una ricca riproduzione dei colori.

Direzione industriale - dipinti con immagini di dighe, ponti, torri, edifici, fabbriche. Gli artisti si concentrano sulla bellezza degli edifici industriali. Una delle prime opere nella forma industriale del paesaggio è la "Gare Saint-Lazare" di Claude Monet.

Vista del parco: le immagini primaverili, estive, invernali e autunnali delle aree del parco della città sono popolari tra i seguaci della direzione.

Caratteristiche tecniche

Le caratteristiche tecniche dell'opera sono influenzate dallo stile in cui l'artista ha lavorato:

• Gli impressionisti prestavano attenzione al colore e a una speciale trasmissione di luce, prospettive, lavoravano con tratti, creando tele solari, primaverili e invernali piene di emozioni e dinamiche.
• Accademici e realisti hanno cercato la massima autenticità, hanno utilizzato colori e sfumature naturali, hanno lavorato con acquerelli e oli.
• I maestri barocchi hanno riempito di splendore anche le immagini della natura.
• I romantici hanno reso l'immagine luminosa, gioiosa, stimolante, primaverile.

L'arte del paesaggio ha una sua bellissima e lunga storia. Il paesaggio ci introduce nel mondo che circonda l'artista, permette di guardare indietro di diversi secoli fa, di entrare in empatia con il maestro dei motivi che ama particolarmente.

Per molti secoli gli artisti hanno cercato di esprimere la loro comprensione del mondo, i loro pensieri e interessi con l'aiuto delle cose che li circondano, e ogni creatore lo fa a modo suo, ogni opera è individuale. Ogni pittore ha la sua visione del mondo.

Il paesaggio si diffuse nella pittura, nella grafica e persino nella scultura.

Gli sfondi paesaggistici sono apparsi già nell'era neolitica in pitture rupestri, ceramiche, ecc. Nell'arte dell'Egitto, con lo sviluppo dell'interesse per la narrazione, c'è una percezione della natura come ambiente di azione.

La pittura dell'antica Roma dà origine a paesaggi indipendenti che compaiono in dipinti illusionistici che adornano le abitazioni.

I paesaggi dell'arte medievale producono un'impressione completamente diversa. Colline fantasiose che si innalzano sullo sfondo di icone bizantine e antiche russe dividono visibilmente il mondo in terreno e divino.

Una posizione eccezionalmente importante è occupata dal paesaggio nella pittura della Cina medievale, dove la natura in continuo rinnovamento era considerata l'incarnazione più evidente della legge del mondo.

In Europa, il paesaggio come genere separato è apparso molto più tardi che in Cina e Giappone. Durante il Medioevo, quando solo le composizioni religiose avevano il diritto di esistere, il paesaggio era interpretato dai pittori come un'immagine dell'habitat dei personaggi.

I miniaturisti europei hanno svolto un ruolo importante nella formazione della pittura di paesaggio. Nella Francia medievale, alla corte dei duchi di Borgogna e Berry negli anni 1410, talentuosi illustratori, i fratelli Limburg, lavorarono come creatori di affascinanti miniature per il libro delle ore del duca di Berry. Questi disegni aggraziati e colorati, che raccontano le stagioni e il corrispondente lavoro sul campo e intrattenimento, mostrano allo spettatore paesaggi naturali, eseguiti con una magistrale trasmissione della prospettiva per quel tempo.

Un marcato interesse per il paesaggio è evidente nella pittura del primo Rinascimento. E sebbene gli artisti siano ancora molto inetti nel trasmettere lo spazio, ingombrandolo di elementi paesaggistici che non si adattano tra loro in scala, molti dipinti testimoniano il desiderio dei pittori di ottenere un'immagine armoniosa e olistica della natura e dell'uomo.

I motivi paesaggistici iniziarono a svolgere un ruolo più importante nell'Alto Rinascimento. Molti artisti iniziarono a studiare attentamente la natura. Rifiutando la consueta costruzione di piani spaziali sotto forma di ali, un mucchio di dettagli incoerenti in scala, si sono rivolti agli sviluppi scientifici nel campo della prospettiva lineare.

I maestri della scuola veneziana hanno svolto un ruolo importante nella creazione del genere paesaggistico. Giorgione, attivo all'inizio del Cinquecento, fu il primo artista ad attribuire grande importanza al paesaggio. Nell'Europa settentrionale del XVI secolo, il paesaggio acquisì anche una posizione di rilievo nella pittura. Giorgione ebbe un'influenza significativa su Tiziano, che in seguito fu a capo della scuola veneziana. Tiziano ha svolto un ruolo importante nella formazione di tutti i generi della pittura paesaggistica europea. Il famoso artista non ha trascurato il paesaggio. Immagini maestose della natura appaiono su molte delle sue tele.

Le immagini della natura occupano un posto importante nell'opera dell'artista olandese Pieter Brueghel il Vecchio. Opere di artisti come H. Averkamp, ​​​​E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael e J. van Ruisdael trasmettono l'orgoglio di una persona per la propria terra, l'ammirazione per la bellezza del mare, i campi nativi, le foreste e i canali.

Nel XVII secolo si diffuse in Olanda una delle varietà del genere paesaggistico, il porto turistico. Nel paese dei marinai e dei pescatori, il paesaggio marino ebbe un enorme successo. Tra i migliori pittori di marine: V. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porsellis, J. van Ruysdael.

Anche l'arte realistica di Spagna, Italia e Francia ha svolto un ruolo nello sviluppo della pittura di paesaggio. Nell'opera di D. Velasquez ci sono paesaggi che riflettono la sottile osservazione del grande maestro spagnolo. Velazquez trasmette magistralmente la freschezza del verde, le calde sfumature di luce che scivolano attraverso le foglie degli alberi e gli alti muri di pietra.

Il paesaggio è emerso come genere indipendente nell'arte europea nel XVII secolo.

Nel XVII secolo, i principi della creazione di un paesaggio ideale si svilupparono nell'arte del classicismo. I classicisti interpretavano la natura come un mondo soggetto alle leggi della ragione.

Un nuovo atteggiamento nei confronti della natura apparve nell'arte nella seconda metà del XVIII secolo. Nella pittura di paesaggio dell'Illuminismo non è rimasta traccia dell'antica convenzione idilliaca. Gli artisti hanno cercato di mostrare allo spettatore la natura naturale, eretta nell'estetica.

La natura appare in modo diverso sulle tele dei maestri barocchi. A differenza dei classicisti, si sforzano di trasmettere le dinamiche del mondo circostante, la vita turbolenta degli elementi. Così, i paesaggi del fiammingo Peter Paul Rubens trasmettono il potere e la bellezza della terra, affermano la gioia di essere, instillando nel pubblico un senso di ottimismo.

I paesaggi en plein air di Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley riflettono il profondo interesse degli artisti per l'ambiente mutevole della luce e dell'aria. Le opere degli impressionisti mostrano non solo la natura rurale, ma anche il mondo vibrante e dinamico della città moderna.

Le tradizioni modificate degli impressionisti furono usate nella loro pittura da artisti post-impressionisti. Dal punto di vista dell'arte monumentale, Paul Cézanne rappresenta la maestosa bellezza e la forza della natura. I paesaggi di Vincent van Gogh sono pieni di un sentimento cupo e tragico.

Nel XX secolo, rappresentanti di vari movimenti artistici si sono rivolti al genere del paesaggio. Immagini luminose e intensamente sonore della natura sono state create dai fauvisti: Henri Matisse, Andre Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy e altri.

I cubisti (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay e altri) hanno creato i loro paesaggi utilizzando forme geometriche sezionate.

I primi paesaggi apparsi in Russia nel XVIII secolo erano vedute topografiche di magnifici palazzi e parchi. Durante il periodo di Elisabetta Petrovna fu pubblicato un atlante di incisioni con vedute di San Pietroburgo e dei suoi dintorni, realizzato secondo i disegni di M.I. Makhaev. Ma solo con l'avvento delle opere di Semyon Fedorovich Shchedrin possiamo dire che il paesaggio come genere separato si è formato nella pittura russa. I contemporanei di Shchedrin, M.M., hanno dato il loro contributo allo sviluppo del paesaggio. Ivanov e F.Ya. Alekseev. La pittura di Alekseev ha influenzato i giovani artisti - M.N. Vorobiev, SF Galaktionova, A.E. Martynov, che hanno dedicato la loro arte a San Pietroburgo: i suoi palazzi, gli argini, i canali, i parchi.

Lo sviluppo della pittura paesaggistica russa del XIX secolo è condizionatamente suddiviso in due fasi, che sono abbastanza chiaramente distinguibili, sebbene siano organicamente collegate tra loro.

Lo sviluppo della pittura paesaggistica romantica nella prima metà dell'Ottocento si sviluppò in tre direzioni: il paesaggio urbano basato sull'opera della natura; lo studio della natura sul suolo italiano e la scoperta del paesaggio nazionale russo.

Uno dei più alti risultati della pittura realistica russa all'interno del suo orientamento romantico generale fu l'arte di S. F. Shchedrin. È con lui che la base realistica del romanticismo russo è particolarmente distinta.

Nel primo trimestre del 19, alcuni artisti si specializzano nella pittura di vedute e località, città e tenute.

Negli anni '50 del XIX secolo, tra tutte le correnti della pittura romantica russa, il paesaggio romantico nazionale russo iniziò a emergere e tra i generi socialmente significativi e universalmente riconosciuti. Il corso del paesaggio romantico russo è il marinismo. Il fondatore di questo genere nella pittura russa fu Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Nel 19° secolo, l'elemento marino attrasse artisti da molti paesi. Nelle specie marine, la tradizione del romanticismo è vissuta più a lungo.

Negli anni '60, durante il secondo periodo di formazione della pittura paesaggistica realistica, i ranghi degli artisti che raffiguravano la natura nativa si allargarono molto e furono sempre più catturati dall'interesse per l'arte realistica. Uno dei primi posti tra loro appartiene giustamente a V. Polenov.

Creatività I.I. Shishkin segna la tappa più importante nello sviluppo di questo genere. Shishkin non solo ha padroneggiato nuovi motivi tipicamente russi nel paesaggio, ma ha conquistato con le sue opere i circoli più ampi della società, creando un'immagine della sua natura nativa, vicina all'ideale popolare della forza e della bellezza della sua terra natale.

Un posto speciale nella pittura russa è occupato dal lavoro di A.K. Savrasov, che divenne il fondatore del panorama lirico nazionale.

L'opera di piccole dimensioni "The Rooks Have Arrived" prende giustamente posto tra i capolavori di altri artisti del XIX secolo. Savrasov aveva molti studenti e seguaci, ai quali insegnava a guardare da vicino e studiare la natura, a non aver paura di uscire all'aria aperta con un album da disegno. Mi ha insegnato a cercare la bellezza nei paesaggi semplici e senza complicazioni della mia terra natale.

Nella seconda metà del XIX secolo, artisti famosi come I.I. Shishkin, FA Vasiliev, A. Kuindzhi, A.P. Bogolyubov, I.I. Levitano.

L'impressionismo porta nel paesaggio una radiosa freschezza del gioco dei colori, e il simbolismo e la modernità: l'amore per le generalizzazioni decorative.

La pittura di paesaggio del XX secolo è associata ai nomi di I.E. Grabar, A.A. Rylov, K.F. Yuon. Nello spirito dell'arte simbolista, P.V. Kuznetsov, N.P. Krimov, M.S. Saryan, VE Borisov-Musatov.

Negli anni '20 si sviluppò il paesaggio industriale, l'interesse per questo tipo di genere paesaggistico è particolarmente evidente nel lavoro di M.S. Saryan e K.F. Bogaevskij.

Nel corso della sua lunga storia, l'arte del paesaggio, rivolgendosi costantemente non solo al presente, ma anche al futuro, ha dato vita a molti sogni, aspirazioni e speranze. E se nei migliori esempi non è solo una decorazione, una delizia per gli occhi, ma un motivo per il rinnovamento creativo della coscienza umana, allora possiamo dire con sicurezza: quest'arte vivrà per sempre. Immagini espressive e impressionanti della natura nativa sono state create anche dai paesaggisti G.G. Nissky, S.V. Gerasimov, N.M. Romadino e altri.

La pittura bielorussa ha origine nelle terre del Granducato di Lituania. Nell'XI-XIII secolo iniziò la costruzione di templi le cui pareti erano affrescate o decorate con sculture. I murales non sono praticamente sopravvissuti ai nostri giorni, solo piccoli frammenti che praticamente non sono soggetti a restauro, si può solo supporre che in questi murales possa essere presente un paesaggio.

Un contributo significativo alla storia dello sviluppo della pittura bielorussa è stato dato dai maestri dei secoli XV-XVII. Un posto speciale è occupato dall'iconografia di questo periodo. C'è una scuola speciale che ci ha lasciato molte icone.

In Bielorussia, i primi artisti sono apparsi nel XIX secolo. Hanno ricevuto la loro formazione professionale di base presso il Dipartimento di Pittura dell'Università di Vilna e poi presso l'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Tra questi, J. Damel. Uno dei primi pittori bielorussi fu I. Khrutsky. Nel suo lavoro si è rivolto anche al paesaggio.

Nella seconda metà del XIX secolo, nella pittura di paesaggio si stava sviluppando una tendenza realistica. A. Goravsky era un rappresentante di spicco.

Le sue opere paesaggistiche, di regola, sono chiamate da indirizzi specifici: "Stazione postale Svislach", "Serata nella provincia di Minsk", che indica il suo impegno per la pittura dalla natura.

Nella maggior parte delle opere di artisti come A. Garavsky, N. Selivanovich, non c'è solo la natura bielorussa, ma anche le città della Bielorussia, con caratteristiche evidenti della vita della gente comune. L'amore per la propria patria e, allo stesso tempo, la sincera simpatia per un popolo indigente, si manifesta chiaramente in molte opere paesaggistiche pre-rivoluzionarie, con i loro miserabili villaggi patriarcali, campi vuoti e stretti nastri di strade.

A cavallo tra il XIX e il XX secolo apparve un'intera galassia di artisti. Apparvero nuovi nomi di pittori di paesaggi: F. Ruschits, G. Veisengoff, K. Stabrovsky e altri.

L'opera di F. Ruszczyc è considerata una pagina luminosa della cultura nazionale polacca. Questo punto di vista sembra essere unilaterale e quindi errato. È noto che l'attività creativa di Ruschits si è svolta principalmente sul suolo bielorusso. Qui ha creato le sue opere, in cui ha raffigurato la natura della Bielorussia e la vita del popolo bielorusso. Nel suo lavoro si riflettevano la vita e lo stile di vita del popolo bielorusso, le tradizioni della pittura realistica bielorussa venivano rifratte.

Il lavoro di F. Ruschits è di notevole interesse per la storia dell'arte bielorussa. La comunanza stilistica della sua pittura con la pittura di G. Veisengof, K Stabrovsky, S. Zhukovsky, V. Byalynitsky-Biruli e altri artisti che sono cresciuti e hanno studiato in Bielorussia e poi hanno dato un contributo significativo a bielorusso, russo, polacco e lituano l'arte ha permesso di parlare di Ruschitsa come di un rappresentante della scuola nazionale bielorussa di pittura, che in termini generali ha già iniziato a prendere forma tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

La più alta ascesa della pittura in Bielorussia avvenne a cavallo tra il XIX e il XX secolo, durante la rivoluzione russa del 1905.

I paesaggisti bielorussi non erano estranei alle conquiste degli impressionisti francesi, che portavano luce e aria nella pittura. La creatività nominata artisti della Bielorussia non era equivalente. Nel corso del suo sviluppo, ha subito cambiamenti significativi. Questi cambiamenti sono particolarmente evidenti nel periodo dal 1907 al 1917. Dopo la sconfitta della rivoluzione del 1905, molti artisti si sono allontanati da posizioni realistiche. La base della loro creatività era la ricerca nel campo della forma.

Considerando il paesaggio bielorusso del 1890-1917, non si può ignorare il lavoro di quei paesaggisti rimasti sulle posizioni dell'accademismo. Di regola, questi erano artisti di bassa cultura professionale. Le loro tele non si distinguevano per grande abilità e quindi non hanno lasciato un segno significativo nella storia delle belle arti.

Il paesaggio bielorusso è stato ulteriormente sviluppato nelle opere di S. Zhukovsky, V. Byalynitsky-Biruli e altri artisti che hanno iniziato a lavorare principalmente nei primi decenni del XX secolo. Nel lavoro di questi pittori - nei motivi compositivi, nella colorazione, nella natura della costruzione pittorica - predominano le caratteristiche che li collegano all'arte bielorussa. Allo stesso tempo, il paesaggio nella pittura introduceva altre funzioni, in primo luogo, nella maggior parte delle opere, serviva come materiale ausiliario nelle opere degli artisti e, di regola, rimaneva al livello di uno schizzo della natura. In secondo luogo, nel paesaggio venivano spesso mostrati motivi di carattere da camera, angoli amati della natura bielorussa o periferie cittadine.

I dipinti di S. Zhukovsky si distinguono per la raffinata rappresentazione della natura, l'uso magistrale dei contrasti, sullo sfondo dell'armonia cromatica dell'intera composizione e l'effetto decorativo leggero. Ha mostrato nelle sue opere il fascino sconfinato della natura nativa, caratteristica della terra bielorussa. Le opere dell'artista sono emotivamente vicine, "Dam", "Autumn Evening".

Belinitsky - Birulya. Ha fatto molto per lo sviluppo della pittura paesaggistica bielorussa. L'artista ha percepito nettamente la natura della Bielorussia, trasmettendone sottilmente i tratti caratteristici. Una sottolineatura peculiare sviluppata da lui, incomparabile, morbida e lirica. I suoi dipinti - "La primavera sta arrivando", "Autunno" - hanno ricevuto fama mondiale. Fu lui a diventare il vero fondatore del paesaggio bielorusso, il ponte che unisce le tradizioni degli antichi maestri con le scoperte dei moderni paesaggisti bielorussi.

Lo sviluppo delle belle arti della Bielorussia nel dopoguerra può essere suddiviso in 2 fasi più caratteristiche, la prima - 50, l'altra - la fine di 60, 70. Il primo periodo è principalmente associato al lavoro di artisti della vecchia generazione: V. Volkov, U. Kudrevich, B. Zvinogradsky. I paesaggi lirici di U. Kudrevich "Blossoming Meadow", "Before a Thunderstorm" si distinguono per il grande amore per la natura.

Artista popolare della Bielorussia V.A. Gromyko appartiene alla vecchia generazione di paesaggisti bielorussi, le sue opere sono "Strade d'oro della regione di Minsk", "Mattina nebbiosa", "Over the Lake", ecc. Colline bielorusse, foreste, laghi si rivelano in vari modi, nel opere di V. Gromyka, arricchisce il paesaggio di nuove emozioni.

Un grande contributo allo sviluppo di questo genere è stato dato da N. Voronov, S. Katkov, A. Gugel e altri.

Operaio d'arte onorato della Bielorussia P.A. Danelia è conosciuta non solo in patria, ma anche all'estero. Le sue opere "Melodia bielorussa", "Le nuvole fluttuano", ecc.

I residenti di Vitebsk si sono dichiarati interessanti pittori di paesaggi: V. Dezhits, M. Mikhailov, U Kukharev. I paesaggi lirici di V. Dezhitsa sono principalmente dedicati a Vitebsk.

Tra gli artisti Gomel, nel cui lavoro i luoghi principali erano occupati da temi lirici e industriali, spiccavano: il paesaggista della vecchia generazione B. Zvinogradsky "Sozh. Big Water", "The Ice Has Passed", V Kazachenko , "Serata sul Sozh", "Autunno", "Porto di Gomelsky", A Rykalin "Porto di Gomel", "Druzhba Oil Pipeline".

I paesaggi realizzati da G. Azgur all'età di 50 anni si distinguono per il sottile lirismo, la generosità dei sentimenti nel rappresentare la bellezza unica della natura bielorussa "Logoisk Hills", "Last Snow", e l'artista ha mantenuto questi sentimenti nel suo lavoro.

Negli anni '50 il talento del paesaggista V. Tsvirko si rafforzò. Durante questo periodo, i suoi paesaggi mostrano la vicinanza alla natura della Bielorussia con le sue morbide collinette, boschetti, molte nuvole e venti caldi. La luce si apre in loro luminosa, spaziosa, ricca di colori, si diffonde come un ampio campo di attività per una persona. V. Tsvirko usa abilmente la natura, ne nota i tratti più caratteristici. I suoi ultimi paesaggi sono contrassegnati dalla ricerca di nuove forme e mezzi di espressione figurativa.

Nella seconda metà degli anni '60, la pittura paesaggistica bielorussa è stata caratterizzata da nuove ricerche e tendenze. Lo studio del paesaggio esistente viene sostituito da un quadro del paesaggio, in cui i mezzi di colore, plastica, organizzazione lineare-ritmica del riflesso sono finalizzati a una spiegazione epica della vita della natura, a conferire all'apparenza un importante significato interno.

La maggior parte dei paesaggi di Tsvirko, creati tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, aprono una nuova pagina nella pittura paesaggistica della Bielorussia. La poesia delle opere del primo periodo è stata sostituita da una rigorosa semplicità decorativa, una varietà di gradazioni cromatiche planari. In ogni nuova opera dell'artista si avverte il desiderio di una riflessione filosofica sulla natura e sul tempo. "La Bielorussia è mia", "Sulla vecchia terra", questi dipinti si distinguono per l'emotività del colore e delle soluzioni compositive, la luminosità dei piani sottolineati, che gradualmente distolgono lo sguardo verso l'orizzonte stesso. La maggior parte delle opere paesaggistiche dell'artista sono caratterizzate dalla monumentalità, dovuta all'ampiezza dello spazio. Il paesaggio bielorusso, nelle opere di V. Tsvirko e di molti altri artisti, si mostra in tutta la sua diversità e originalità.

Una caratteristica altrettanto importante del paesaggio bielorusso negli ultimi tempi è la rappresentazione epica dei fenomeni più caratteristici e tipici della natura o di momenti e azioni specifici associati alla natura.

Laghi, foreste, fiumi bielorussi si rivelano nelle opere di V. Gromyka, in modo ricco e vario davanti allo spettatore. Alcuni con il loro ricco lirismo morbido, la poesia, altri - l'alto dramma. In tutte le opere, il colore gioca un ruolo importante: giallo-verde, blu, rosso.

Creatività V. Gromyka nella pittura di paesaggio, negli ultimi dieci anni, eleva questo genere a un livello superiore. Utilizzando le migliori realizzazioni dei maestri della vecchia generazione, arricchisce il paesaggio di nuovi contenuti, nuove emozioni, lo porta al valore di un dipinto di alto livello artistico.

A metà degli anni '70, nella pittura di paesaggio apparve una tendenza alla divulgazione figurativa analitica del tema. Quasi ogni autore si pone il compito non solo di rivelare la bellezza esteriore della sua terra natale, ma anche di sollevare questioni più profonde della comprensione filosofica della vita.

Paesaggi di L. Schemelev, D. Aleinik, N. Kazakevich, peculiari nel modo di scrivere e nel colore.

Le immagini della natura sono intessute di luce e colore, sono sorprendentemente trasparenti, pure e fragili. N. Kazakevich ricrea la sua natura nativa con il calore e la sincerità di una persona innamorata della sua terra, della pittura.

Il processo di padronanza delle migliori tradizioni nell'arte degli anni passati è accompagnato dalla ricerca di nuove forme, nuove soluzioni.

Tra gli artisti della generazione media si possono anche citare molti nomi che sono già entrati nella storia dell'arte bielorussa: questi sono A.V. Baranovsky, V.V. Nemtsov, L.V. Ramanovsky, A.Ya. Shibnev.

Per A. Baranovsky, la natura della Bielorussia è il tema principale della creatività. Un colorista sottile, che parla correntemente le possibilità espressive della pittura, del colore, della composizione, del disegno. Le opere dell'artista si distinguono per una combinazione di nitidezza della visione con morbidezza, gentilezza, speciale amore riverente e calore per il mondo raffigurato. Le immagini e la poesia si combinano con un'analisi piacevole e approfondita di un motivo particolare, attenzione ai mezzi di espressione pittorica.

La pittura paesaggistica bielorussa è cambiata. Non sorprenderai nessuno con l'anticonformismo e la purezza del colore nelle opere di B. Arakcheev, la festa e l'allegria dei dipinti di D. Aleinik, V. Kubarev, A. Marochkin, ognuno di loro va per la sua strada e apre un nuova, unica pagina nello sviluppo delle belle arti.

Ogni opera di L. Dudarenko è caratterizzata da una peculiare soluzione pittorica e plastica, perfezione del disegno e completezza compositiva. Al centro della creatività c'è sempre il tema della spiritualità, verità artistica, che permette di mantenere l'individualità creativa.

Il paesaggio è diventato particolarmente rilevante negli ultimi anni, quando la crisi delle composizioni su argomenti socialmente significativi sta diventando sempre più visibile. Gli artisti si sono rivolti alla forma più tradizionale di paesaggio: l'immagine della natura, della libertà e dell'armonia.

Le note nostalgiche degli angoli primordiali della natura in partenza risuonavano sempre più chiaramente nelle opere degli artisti, l'armonia della natura è sempre più inquietante, la percezione romantica dei paesaggi attrae, dove il più ordinario, visto molte volte, appare in un qualità diversa, la realtà sotto un colore misterioso acquisisce le caratteristiche dell'illusorio. Sono questi motivi che V. Zinkevich, V. Shkarubo, V. Khmyz, A. Mirsky e altri si sforzano di preservare e incarnare nelle loro tele.

I paesaggi di V. Zinkevich non sono nemmeno paesaggi nel senso comune per noi. Piuttosto, è il loro, un'eco emotiva, un'eco dell'uno o dell'altro stato di natura che ci ha raggiunto. Il soggettivismo, la fantasia della visione dell'artista non può essere interpretata in modo univoco e concreto. Le improvvisazioni paesaggistiche sono ambigue, incoraggiano riflessioni, associazioni.

L'arte di V. Shkarubo è in gran parte concettuale, poiché è sempre soggetta all'espressione di un'idea dell'autore predeterminata e ben ponderata. Non ci sono persone nei suoi paesaggi, il che aggiunge solo mistero, rende l'atmosfera del quadro in qualche modo surreale, permette di allontanarsi dal sentimentalismo pastorale e conferisce maggiore capacità e profondità alla struttura figurativa della composizione.