“L’arte è come la natura. Se non lo lasci entrare,
entrerà nella finestra.
Butler S.
Poeti e scrittori esprimono la loro gratitudine alla natura attraverso la parola, i compositori attraverso una combinazione di suoni e gli artisti attraverso la rappresentazione di paesaggi, disegnando la natura. Ognuno ha il proprio strumento unico e accessibile, la propria individualità. L'unica cosa, forse, è l'oggetto di ammirazione (la natura stessa) e la gamma unica di sentimenti che questa o quell'opera d'arte evoca in una persona.
Natura! Questo è ciò che attrae sempre, attira lo sguardo, ti fa fermare, ammirare, ammirare.
Nella pittura scenario- può essere una vista generale di qualsiasi area; dipinti o disegni raffiguranti la natura, le sue varie tipologie e manifestazioni, i singoli fenomeni naturali.
Descrivendo qualsiasi paesaggio, l'artista, ovviamente, mette la sua anima nel processo. Non si sforza di copiare completamente la trama, ma la trasmette attraverso il suo mondo interiore, la sua visione, inserendo una parte di se stesso nel processo di disegno della natura. Ecco perché si dice che un paesaggio pittoresco non sia tanto un quadro, un'immagine o una copia della natura quanto l'anima dell'autore dell'opera.
Ecco perché la stessa immagine, realizzata da persone diverse, apparirà e sembrerà completamente diversa.
Ciò non significa che non ci siano schemi e regole nel disegnare la natura. Sono. Ed è prestando attenzione a questi schemi che puoi facilmente ripetere quasi ogni trama del paesaggio che ti piace (ovviamente, passandola attraverso il tuo mondo interiore, la tua individualità) e ottenere la tua immagine unica, integrale e "viva".
Con il tuo permesso, vorremmo proporti alcune importanti lezioni di disegno della natura. Ci auguriamo che ti aiutino a creare ed esprimere te stesso, creando paesaggi e atmosfere unici intorno.
Dove inizia il disegno della natura?
Prima di tutto, devi capire esattamente cosa vuoi rappresentare. Trova e decidi la trama, la composizione dell'immagine futura.
Qui puoi essere aiutato: la tua immaginazione, una vera immagine della natura fuori dalla finestra, forse qualcuno ha già disegnato una trama o una bella fotografia.
A proposito, l'idea di disegnare un paesaggio da una fotografia è molto buona. In ogni caso, non puoi più preoccuparti del fatto che il tempo cambierà e i colori cambieranno. Puoi interrompere in sicurezza il processo creativo e tuffarti di nuovo facilmente senza cercare di mantenere tutti i dettagli del paesaggio nella tua testa. Basta guardare il soggetto della foto che ti ha ispirato e sei di nuovo nel processo!
Orizzonte
Non appena questo è chiaro, delineiamo e disegniamo la linea dell'orizzonte sul foglio. Inoltre lo spendi dove ritieni opportuno (tutto dipende dalla tua idea o dalla trama che hai scelto). Tuttavia, fai attenzione: è meglio tracciare la linea dell'orizzonte leggermente sopra o leggermente sotto la metà del foglio, non dividere il foglio esattamente a metà. Se l'immagine è divisa in parti uguali, si ha una sensazione di artificialità e innaturalità dell'immagine.
Quindi vengono disegnati tutti gli altri piani. Allo stesso tempo, ricorda che il piano più vicino allo spettatore dovrebbe essere disegnato per ultimo. Di conseguenza, lo sfondo viene disegnato per primo, il piano è sopra la linea dell'orizzonte. Durante la nascita del tuo capolavoro, potrai naturalmente aggiungere dettagli a qualsiasi progetto.
Perché i paesaggi sono così affascinanti? Attirano lo sguardo e ci sembra di immergerci nel quadro.
Cosa evoca nello spettatore quella stessa sensazione di “vivacità”, la naturalezza dell'immagine?
Cosa crea l’integrità della percezione, da dove viene la sensazione di profondità ed equilibrio quando contempliamo il paesaggio?
Presta particolare attenzione ai seguenti punti nelle nostre lezioni di disegno della natura, che ti aiuteranno ad aggiungere "vivacità" e naturalezza alla tua immagine. Crediamo che ti aiuteranno a creare la tua storia unica.
Piani e prospettive
Piano lontano:
- vengono utilizzati colori più freddi (di solito con l'aggiunta di colori bianco e grigio, grigio-blu) - questo consente perfettamente di creare l'illusione della profondità nell'immagine;
- meno luminoso, meno saturo (comprese le ombre di oggetti meno saturi);
- i dettagli sono più generalizzati, non c'è un disegno chiaro degli oggetti (sono appena distinguibili, ma riconoscibili);
- lo vediamo come in una foschia d'aria, come se guardassimo attraverso uno strato d'aria.
Ciò è molto ben visibile nell'esempio dei paesaggi montani (acqua-montagna).
Piano medio:
- l'immagine è meno luminosa, meno succosa;
- meno chiaro, senza eccessivi dettagli e dettagli di disegno;
- dimensioni degli oggetti significativamente più piccole;
- dettagli appena visibili.
primo piano:
- di regola è disegnato con colori più caldi;
- si possono identificare punti luminosi contrastanti;
- i tratti possono essere più espressivi;
- oggetti, oggetti sono disegnati più luminosi e più chiari, più grandi;
- vengono utilizzate ombre scure.
Il primo piano o il primo piano è diverso in quanto, sullo sfondo di altri piani, acquisisce forme più chiare. E questo può essere ottenuto sia attraverso un disegno chiaro dei dettagli, sia attraverso soluzioni di luci e ombre.
Se disegni qualche tipo di fenomeno naturale, ad esempio nevicate o nebbia, allora il prospettiva aerea. In questo caso i piani medio e lontano diventano ancora più uniformi, più sbiaditi rispetto al piano vicino (principale), ancora più sfumati con contorni appena percettibili.
Dimensioni e posizione dell'oggetto
Questo sarà una specie di oggetto, il cosiddetto centro di attenzione, interesse. Ancora una volta, tutto dipende dalla tua idea!
Di solito il principale un oggetto il paesaggio è evidenziato con:
- colori: l'oggetto non deve essere più luminoso, ma deve essere di colore più vario, più saturo;
- dimensione: l'oggetto può occupare la maggior parte dell'immagine (ma non necessariamente - dovere, tutto è molto individuale);
- posizione: l'oggetto si trova nella pianta vicina (in primo piano), ma non necessariamente al centro dell'immagine;
- ambiente: l'area attorno all'oggetto principale, al contrario, dovrebbe essere un po' meno evidente, meno luminosa, meno accattivante,
Il punto è concentrarsi prima sull’oggetto!
Affinché il paesaggio possa giocare e prendere vita, ci sono diversi punti a cui dovresti prestare particolare attenzione ed evitare questi "angoli acuti" nell'immagine.
Cosa dovrebbe essere evitato nell'immagine degli oggetti
Affinché l'attenzione non sia dispersa e lo sguardo (come presumibilmente intendeva l'autore del paesaggio) sia inchiodato su un oggetto, in modo che ci sia una sensazione di armonia (e non disarmonia), si dovrebbe decisamente Evitare:
- linee identiche (ad esempio, due alberi diritti o curvi assolutamente identici, fiori, fili d'erba, ecc.),
- la stessa dimensione e forma (ad esempio, due cime di montagne identiche, due finestre completamente identiche in una casa, due o più animali identici, ecc.).
Se hai concepito l'oggetto centrale come composto da più oggetti (ad esempio una coppia di animali o persone), porta forme diverse, dai movimento a questi oggetti. Uno, ad esempio, può essere di più, l'altro di meno. Uno può muoversi, l'altro può stare fermo o restare fermo. La cosa principale è che dovrebbero essere in pose diverse, dimensioni diverse e così via.
Se usi un fiume o una strada come oggetto, presta attenzione al fatto che le linee non sono dritte, ma al contrario, più curve, come se “conducessero” lo sguardo nell'immagine.
Ricorda che l'acqua, le strade creano un senso di movimento. Poi, quando le linee sono meno dritte, l'occhio sembra seguire la linea e soffermarsi sull'immagine. Se, al contrario, la strada è troppo diritta, allora lo sguardo della persona non si ferma a lungo su di essa, ma, per così dire, “corre” e scivola via velocemente.
Per quanto riguarda le linee rette, in generale, una storia molto interessante e separata, con le sue regole.
Tieni presente che se devi utilizzare "linee rette" come oggetto - ad esempio, disegni una sorta di ponte, palo, albero della nave, muro di casa o parte del tetto - non dovresti raffigurarli in modo troppo uniforme "su un governate". Al contrario, rendili audacemente storti (questo darà un aspetto più naturale), maschera le linee troppo dritte (ad esempio, un muro dritto di una casa può essere mascherato dalla vegetazione, una panchina). I pilastri dritti vicino al ponte possono essere leggermente piegati.
È meglio non usare affatto quadrati, cerchi, triangoli in una forma geometrica “pura”. Ciò non significa che sia sempre necessario rappresentare finestre, porte storti e in alcuni punti puoi semplicemente interrompere la forma geometrica. Ad esempio, puoi mettere un fiore in un vaso su una finestra rettangolare, che porterà già vivacità e armonia al paesaggio.
Colore
Per quanto riguarda la scelta del colore, ecco anche alcuni importanti consigli che (speriamo davvero) vi aiuteranno a creare un quadro “vivo” e armonioso.
Regola pratica: mescola i colori! Cerca di non usare mai il colore puro così come lo hai. Accendi la luminosità!
Sentiti libero di mescolare i colori tra loro! La cosa principale è che il colore non si sporca, con una sfumatura grigia incomprensibile. E tutto il resto è benvenuto e abbastanza accettabile.
Anche la scelta del colore dovrebbe darti un senso di armonia. Quando lo scegli lo fai passare attraverso il tuo mondo interiore, attraverso la tua visione del paesaggio. Pertanto, non cercare di abbinare accuratamente la combinazione di colori percepita dal tuo occhio (se trasferisci la trama, ad esempio, da una fotografia). La cosa principale è che, prima di tutto, ti piace il colore che ottieni quando mescoli le vernici.
Naturalmente, Madre Natura stessa ci insegna molto. Per quanto riguarda forme, colori, saturazione di dipinti e oggetti naturali. La cosa più importante è la tua osservazione e il desiderio di creare, disegnare. La cosa principale è prendere e fare qualcosa, anche se non del tutto abilmente, e forse anche per la prima volta. Permettiti semplicemente di provare, toccare.
Lasciati ispirare, per cominciare, da qualche paesaggio. Scegli i colori giusti, prendi un foglio di carta e definisci la linea dell'orizzonte, segna la posizione dell'oggetto principale...
La cosa principale è che puoi esprimere il tuo mondo individuale interiore nel tuo lavoro, a immagine della natura. E, forse, creerai qualcosa di speciale e magico! immagine! Che delizierà e delizierà non solo te, ma anche qualcun altro!
Ricorda, hai diritto alla libertà creativa!
Ti auguriamo gioia e auto-espressione creativa! Concedetevi il piacere, lasciatevi essere un artista!
Oksana! Grazie!
È fantastico che tu l'abbia trovato molto informativo e utile: la cosa più importante è quando il materiale può tornare utile! Buona fortuna con i tuoi paesaggi!
Giulia, grazie mille per l'articolo! Le idee principali per rappresentare i paesaggi sono espresse in modo molto succinto e chiaro, le illustrazioni sono ben scelte. Ispirante!
C'è l'opportunità di visitare uno studio d'arte o una scuola d'arte. Pertanto, dopo aver acquisito i manuali appropriati e aver trovato materiale tematico su Internet, i giovani artisti cercano di padroneggiare da soli le basi del disegno professionale.
Spiegazioni generali
In questo articolo scopriremo come disegnare un paesaggio, come trasmettere correttamente la prospettiva, conoscere altri concetti teorici e la loro implementazione pratica su carta o tela. Quindi, la prima raccomandazione che vale per tutti prima di iniziare a lavorare con i colori o altri strumenti colorati è quella di realizzare uno schizzo con semplici matite e gomma, che verrà poi portato alla perfezione. Per uno schizzo, è più adatto un normale foglio orizzontale o una carta Whatman.
Base teorica
Disegno passo dopo passo
Ora scopriamo come disegnare un paesaggio in più fasi.
- Il foglio dell'album deve essere posizionato verticalmente. Ciò renderà il disegno molto più semplice.
- Quando si distribuiscono gli oggetti e i dettagli raffigurati, tenere conto del principio di armonia in modo che non vi sia alcuno spostamento dell'immagine a sinistra o a destra, in modo che l'uno o l'altro dei suoi bordi non sia “ponderato”.
- Parleremo di paesaggio. Il lavoro inizia con il disegno della terra, i dettagli principali del rilievo.
- Successivamente passiamo agli alberi in primo piano e poi a quelli distanti. Dovresti sempre ricordare la corretta distribuzione spaziale degli oggetti.
- Ora è la volta dei piccoli dettagli: isole di neve, erba su chiazze scongelate, pozzanghere, fogliame, ecc.
- Il prossimo passo è la schiusa. Non si applica all'intero disegno, ma alle sue singole parti. Quindi lo schizzo non perderà la sua leggerezza e ariosità originali. Il tratteggio viene eseguito con una matita morbida. Non sono necessarie pozzanghere e nuvole fortemente "annerite", non dimenticare il gioco di luci e ombre. Ed è meglio tratteggiare le chiome degli alberi anche in “massa”, senza disegnare ogni foglia separatamente, altrimenti il disegno perderà la sua naturalezza.
Ai pennelli e ai colori
Quando lo schizzo è finito, guarda attentamente, tutto è andato esattamente come volevi? Correggi gli errori. Forse è necessario disegnare un altro schizzo e poi passare a pennelli e colori. Va notato che un paesaggio, soprattutto primaverile, è migliore in pastello secco. Quindi sarà più facile per te trasmettere la luminosità e l'ariosità dell'aria primaverile, la tenerezza dei colori, l'atmosfera stessa dell'inizio di questo meraviglioso periodo dell'anno.
Questa è una lezione piuttosto difficile, quindi potrebbe volerci un bel po' di impegno per ripeterla. Se la prima volta non sei riuscito a disegnare la natura, non disperare e riprova. Fai del tuo meglio per completare questa lezione. Se, però, ancora non funziona, puoi provare a completare la lezione “”. Ma credo che ci riuscirai.
Quello che ti serve
Per disegnare la natura, potremmo aver bisogno di:
- Hai bisogno del software Photoshop.
- Un po 'di pazienza.
- Buon umore.
Lezione passo dopo passo
La vera natura in tutta la sua gloria può essere rivelata solo se la attingi dalla natura. Sarà molto meglio disegnare se guardi direttamente la natura. Se ciò non è possibile, le foto ordinarie possono aiutare, che sono semplicemente alla rinfusa nei motori di ricerca.
A proposito, oltre a questa lezione, ti consiglio di rivolgere la tua attenzione alla lezione "". Ti aiuterà a migliorare la tua padronanza o semplicemente a darti un piccolo piacere.
Suggerimento: fai cose diverse su livelli diversi. Più livelli crei, più facile sarà per te gestire il disegno. Quindi lo schizzo può essere eseguito sul livello inferiore e la versione bianca su quello superiore e quando lo schizzo non è necessario, puoi semplicemente disattivare la visibilità di questo livello.
Al termine della lezione, tieni presente che a causa delle differenze nelle versioni del programma, alcune voci di menu e strumenti potrebbero essere chiamati in modo diverso o non essere chiamati affatto. Questo potrebbe rendere il tutorial un po' difficile da seguire, ma penso che tu possa farcela.
Inizierò la lezione con ciò che non ci sarà, per non deludere nessuno. Non conterrà informazioni su colore, estetica, composizione. Le illustrazioni non pretendono in alcun modo di essere fotorealistiche. Volevo solo mostrarti come puoi usare Photoshop per creare un dipinto che assomigli a un vero dipinto ad olio. E anche - per descrivere come disegno e dare alcuni suggerimenti per creare immagini digitali. Ok, basta parlare, mettiamoci al lavoro.
Per il nostro esempio, ho impostato la dimensione sulla metà della dimensione normale e sul modello di colore RGB. Di solito utilizzo CMYK perché mi concentro sul fatto che il mio lavoro verrà stampato. Lavora in alta risoluzione anche se utilizzi Internet. In un altro caso, ad esempio a 72 dpi, i pixel appariranno più ruvidi, parti dell'immagine "si ridurranno" e sembrerà una piccola copia e non l'originale disegnato con colori naturali. Inoltre, alcuni dettagli andranno persi: preparati anche a questo.
Dopo aver creato il documento, dipingo lo sfondo con un colore neutro. Cerco di non disegnare su uno sfondo bianco: questo interrompe la percezione dei colori e la relazione tra loro. Se l'immagine è scura, utilizzo per lo sfondo un colore scuro, caldo o freddo, che costituirà una buona base per altri colori.
A questa risoluzione è meglio usare pennelli duri di dimensione 5, 9, 35, 45 e talvolta aerografo di dimensione 100. Ho impostato la spaziatura su 1 per evitare la comparsa di "vortici".
In questo schizzo ho solo abbozzato i contorni. Per immagini più complesse, ovviamente, è necessario uno schizzo più dettagliato. Ho usato un piccolo aerografo morbido. Il colore del pennello è grigio per farlo risaltare rispetto allo sfondo, ma non nero.
Aggiungi un nuovo livello sopra lo sfondo. Ne attingiamo. Ciò ti consente di non rovinare lo sfondo, il che può tornare utile. Soprattutto se ci lavori da molto tempo.
Nel nostro esempio, ho utilizzato colori tenui e medi per le rocce e il fogliame. Ma in natura non tutto è così corretto e uniforme, quindi vale la pena sperimentare colori diversi per mostrare la differenza nell'illuminazione.
Ho scelto un aerografo (pennello duro, dimensione 100 pixel, nelle impostazioni - Moltiplica (moltiplicazione)). Colore - lo stesso dello sfondo - campione (definisci con lo strumento Contagocce).
Voglio mostrare le aree ombreggiate nel disegno e allo stesso tempo creare una versione più scura che posso utilizzare in seguito per il campionamento.
Di solito, quando dipingo, passo dall'aerografo al contagocce premendo il pulsante Alt/Opzione.
Dopo aver creato diverse aree ombreggiate, imposta il parametro Schermo (sullo schermo) nel pannello Livelli.
Quindi, l'abbronzatura si è rivelata un po' più calda di quanto volessi. Imposta l'aerografo su Normale (normale) e fai alcuni tratti con un colore più tenue e chiaro.
Torniamo a quello “sullo schermo”, campioniamo il colore giallo da qualche parte della roccia con una pipetta e iniziamo con un pennello da 5-9 pixel a disegnare le forme delle foglie del cespuglio.
Quando lavoravo sul cespuglio, passavo dalla modalità normale a quella schermo quando avevo bisogno di disegnare i bordi scuri e chiari delle foglie.
Disegniamo i dettagli (aerografo in modalità normale). A questo punto, campione i toni scuri e chiari con un contagocce e dipingo con un pennello da 5 px.
Ora denotiamo le lunghe "frecce" dell'erba. Partendo dal basso, con tratti di matita rapidi, curvi e ascendenti. Usa i colori che ti piacciono, ma non dimenticare di aggiungere sfumature per aggiungere varietà all'immagine.
Passiamo ora alla roccia sul lato sinistro dell'immagine. Fai alcuni tratti approssimativi con il pennello 35 per mostrare la trama.
Puoi apprezzare i cambiamenti: basta guardare la roccia sul lato destro dell'immagine. Le aree ombreggiate vengono schiarite e levigate con pennellate del colore campionato.
Di solito faccio qualche pennellata, campione, dipingo, campione ancora finché non ottengo l'effetto desiderato.
Ingrandisci, rendi l'immagine più chiara e con tratti approssimativi crea l'illusione di protuberanze sulla superficie della roccia. Di solito lavoro con un pennello in modo ampio, cercando di sfumare i colori con tocchi leggeri, ma realizzo anche tratti più luminosi e più evidenti. Questo è un modo per rendere un'immagine non digitale.
Ora campioniamo il colore dell'area ombreggiata e "spalmiamo" il pennello avanti e indietro per dipingere la texture.
Lo stesso con le foglie: campioniamo e lavoriamo con un pennello finché la forma non inizia a trasparire.
Qui ho aggiunto alcuni dettagli per rappresentare la fessura e i dossi sul lato destro della roccia. Per fare ciò, elaboreremo l'area ombreggiata con un pennello impostato su Evidenzia (chiarimento): muovendoci avanti e indietro creeremo l'illusione di ombre che giocano su una superficie irregolare.
Usiamo una tecnica simile per la roccia. Vale la pena cambiare il colore e la trama per rendere l'immagine più interessante e diversa.
Zoomiamo un po' e vediamo se la roccia si adatta all'ambiente circostante. In caso contrario, modifica ulteriormente.
Ma ho già deciso di andare sull'erba. Le aree scure sono già delineate qui, ma non c'è nulla che assomigli a una roccia.
Campioniamo il colore dell'ombra e scuriamo alcune aree dell'immagine in modo che le rocce non risaltino rispetto all'immagine complessiva.
Dal basso verso l'alto, con colpi decisi di un pennello molto piccolo, creo la base per l'erba.
Facciamo come consigliano gli artisti in televisione: enfatizziamo la luce con l'ombra e viceversa.
Ora esegui dei movimenti verso l'alto su queste aree per creare profondità.
Di solito, per riempire rapidamente l'immagine, eseguo alcuni tratti approssimativi avanti e indietro. Questo crea una base sulla quale elaboro i dettagli.
Ora aggiungiamo lunghi fili d'erba. Quindi campioniamo diversi colori dalla superficie della roccia e facciamo alcuni tratti per diversificare l'immagine e raggiungere l'unità di stile.
Ecco la versione finale. Tra le rocce ho disegnato l'erba. Sullo sfondo ho usato rapidi tratti verso l'alto. Vale la pena utilizzare la combinazione Ctrl / Comando + Z per rimuovere rapidamente fili d'erba che non si adattano al quadro generale.
Alla fine ho disegnato una piccola lucertola amichevole dietro i cespugli. In questa lezione non ho detto come l'ho disegnato, forse lo farò in una delle prossime. Posso solo dire che il suo colore è il colore invertito di una delle rocce, quindi si adatta allo schema cromatico generale.
L'intero lavoro ha richiesto due ore, compresa la lucertola. Sperimenta, prova metodi diversi. Prova a creare da zero un pianeta realistico in Photoshop. E guarda il mondo intorno a te: questa è la fonte di ispirazione per l'artista.
MASTER CLASS "Paesaggio ad acquerello"
Lezione di pittura in lezioni all'aria aperta per insegnanti e studenti delle classi 3-4 della scuola d'arte per bambini sul tema: Schizzi vicino all'acqua.
Ponomareva Lyubov Innokentievna, insegnante del MAOU DOD "ODSHI No. 3" della Regione di Mosca di Bratsk, Regione di Irkutsk.Master class per studenti delle scuole d'arte per bambini di 3-4 classi (14-15 anni) e insegnanti.
Scopo: aiuto visivo, regalo.
Bersaglio: Conoscenza dei metodi e delle tecniche di base per l'esecuzione coerente di uno schizzo di paesaggio in acquerello.
Compiti:
Migliorare le competenze e le abilità nell'eseguire uno schizzo di un paesaggio in acquerello.
Sviluppo delle capacità creative.
Aumentare l'amore e l'interesse per l'immagine della natura.
Materiali: Acquerello ("San Pietroburgo", "Neva", "Fiume Nero" o "Leningrado"); spazzole rotonde, scoiattolo n. 3, n. 6; carta da acquerello, barattolo d'acqua, tavolozza, matita.
Ciao, cari colleghi e amanti dell'arte!
La mia master class si chiama "Paesaggio ad acquerello".
I paesaggi vengono eseguiti nelle lezioni all'aperto e sono di grande importanza, poiché contribuiscono allo studio visivo e pratico delle leggi della prospettiva luce-aria, all'acquisizione di nuove conoscenze nella padronanza delle tecniche dell'acquerello e alla sequenza metodologica del lavoro.
Scegliamo un motivo paesaggistico con acqua e impariamo a dipingere un riflesso.
Esistono due principali tecniche di acquerello - verniciatura a vetri, o pittura multistrato, e "a la prima" - in modo grezzo, oltre a numerose tecniche combinate da esse derivate, volte a rivelare l'effetto, la multistruttura e le immagini dell'acquerello. oggetto.
Dipingiamo un paesaggio utilizzando la tecnica tradizionale della pittura a più strati. Questa tecnica prevede la stratificazione successiva di strati di vernice dopo che lo strato precedente si è asciugato. Inoltre i primi strati sono trasparenti, i successivi si sovrappongono parzialmente ad essi, scuriscono gradualmente e saturano il sistema cromatico dell'opera. Non puoi scrivere immediatamente con colori scuri e luminosi, perché in assenza del bianco nell'acquerello è abbastanza difficile schiarire qualcosa, e l'acquerello è un materiale fresco, leggero e trasparente, deriva dalla parola "aqua", che significa acqua . Il colore si prepara con molta acqua, quindi si usa un pennello tondo di scoiattolo, che trattiene bene l'acqua, e la carta da acquerello la assorbe bene.
Fasi di lavoro.
1. Il motivo del paesaggio non è molto complesso, quindi lo disegniamo subito con un pennello, colore freddo o caldo.
2. Eseguiamo un riempimento ad acquerello dello sfondo del cielo con il pennello n. 6 dall'alto verso il basso, utilizzando per questo oltremare e ocra, poiché in una giornata di sole ci sono sfumature calde nell'azzurro del cielo.
3. Chiudiamo i cespugli e le rive del fiume con un verde chiaro e caldo. È meglio se il colore verde si ottiene come risultato della miscelazione. Come sai, in una scatola di acquerelli non ti vengono offerti colori, ma colori. Per ottenere un colore, devi mescolare almeno due colori.
4. In questo studio i colori dominanti sono il blu, il marrone, l'ocra, il verde. Tutte le fasi successive del lavoro vengono eseguite sullo strato precedente essiccato. Determiniamo la penombra del cespuglio sullo sfondo.
5. Rafforziamo la penombra del secondo piano, dato che l'illuminazione è superiore, e i cespugli sono grandi volumi emisferici.
6. Scriviamo un riflesso nell'acqua. C'è una corrente molto debole in questo fiume, quindi il riflesso è quasi un'immagine speculare. Di norma, è sempre più scuro e caldo degli oggetti reali. Scriviamo il riflesso con tratti verticali, rispecchiando la forma dei cespugli.
7. Scriviamo l'acqua, con il cielo riflesso in essa, in un colore più scuro.
8. Rafforziamo la costa del primo piano con tonalità di verde più luminose, senza dimenticare però la trasparenza dell'acquerello.
9. All'ombra dei cespugli cerchiamo sfumature di colore freddo. Iniziamo a scrivere abeti rossi sullo sfondo. In relazione all'arbusto, sono molto più scuri.
10. Mangiati scuri, quasi piatti, poiché sono lontani, li scriviamo con un pennello più sottile.
11. Rafforza l'ombra tra i cespugli e l'acqua in primo piano, che dà un senso di spazio.
12. Mostriamo il riflesso degli abeti nell'acqua, aumentiamo il contrasto e la densità del colore nel riflesso dei cespugli.
13. Enfatizziamo i rami del cespuglio, affiniamo i riflessi del primo piano.
14. Lo schizzo è pronto. Successo nel lavoro creativo!
Se decidi di prendere in mano una matita, congratulazioni, sei una persona molto coraggiosa. Poiché molte persone hanno una paura tremenda di disegnare, si vergognano persino di provarci: “Non ci riuscirò!”. Prendilo! Non c'è bisogno di aver paura di un foglio di carta bianco, in casi estremi, getta tranquillamente il foglio nella spazzatura o brucialo in un terreno abbandonato lontano da occhi indiscreti. Ma ricorda che le tecniche di disegno possono essere insegnate a tutti, ma è più difficile trasmettere le proprie emozioni su carta. Pertanto, se provi emozioni oltre il limite e vuoi disegnare, non preoccuparti che la tecnica sia zoppa, questo arriverà con il tempo. Prendi e disegna. In questa lezione proveremo a disegnare insieme un paesaggio semplice in più fasi.
Quindi, come disegnare la natura con una matita? Prendiamo un foglio di carta e matite. La normale carta da ufficio non è molto adatta per il disegno a matita, la sua superficie è troppo liscia. Prendiamo ad esempio un foglio di carta A4. È abbastanza. Sarebbe bello prendere tre matite: una è dura HB, la seconda è più morbida - 4B e la terza è molto morbida - 8-9B. Il primo viene utilizzato per contorni e ombreggiature molto leggere, il secondo e il terzo per un disegno morbido, netto e contrastante.
- Tracciamo la linea del sentiero, due grandi alberi a sinistra, montagne e un bosco lontano, ricordatevi che in natura non esistono linee perfette. Prova a sentire gli alberi, immagina come sono cresciuti negli anni, come hanno costruito la corteccia giorno dopo giorno. Sotto gli acquazzoni, sotto il caldo estivo, sotto le gelate pungenti, centimetro dopo centimetro, gli alberi acquistavano forza. C'è ancora una cosa da ricordare. Nella parte inferiore del tronco i rami sono più grossi e ce ne sono meno; nella parte superiore del tronco ci sono sempre più rami e sono più sottili. Leonardo da Vinci una volta dedusse la formula per disegnare un albero: il volume del tronco = la somma dei volumi dei tronchi dei suoi rami. Cioè, se sommiamo tutti i rami, sia quelli più grandi che quelli più piccoli, otteniamo la circonferenza del tronco. Inoltre il percorso non può essere pianeggiante, perché non è stato realizzato dai maestri costruttori con materiali artificiali, ma dalla Natura. Iniziamo a disegnare secondo la regola più importante: dal generale al particolare. Pertanto, delineamo prima i contorni generali in tutto il disegno, poi le ombre, la struttura degli oggetti e, alla fine, i dettagli. Se inizi a disegnare partendo dai dettagli, il quadro generale si sgretolerà.
- Delineamo luoghi oscuri e ombre. Assicurati di mantenere mentalmente il "sole in testa", devi ricordare costantemente dove si trova la fonte di luce. Gli oggetti che si trovano direttamente davanti alla sorgente luminosa saranno molto scuri. Questo si chiama "contrajour". Uno dei nostri alberi è illuminato solo “da dietro”, quindi ci sembra quasi nero. Il secondo riceve un po' di luce, che gli conferisce volume. È in questa luce ad angolo che la struttura della crosta è molto chiaramente visibile. Diventa convesso, tutte le crepe e le rugosità sono visibili. Non dimenticare che anche gli alberi sullo sfondo hanno ombre. Disegniamo il secondo piano in modo più generale, perché l'occhio umano non vede i dettagli a una tale distanza, e quanto più lontano è l'oggetto, tanto più generale sembrerà.
- Iniziamo a lavorare sui dettagli. La corteccia dell'albero è molto ruvida, ruvida e può essere raffigurata con tali "otto" o "anelli". Ricorda che all'ombra ci saranno molti di questi "anelli" e più vicini alla luce - meno e saranno più morbidi, solo un suggerimento. Quando vai a fare una passeggiata nel parco, dai un'occhiata più da vicino alla corteccia degli alberi, può essere incredibilmente bello.
- Stiamo lavorando ad un piano a lungo termine. Rendiamo le ombre degli alberi più contrastanti, ma ricordiamo che le ombre non dovrebbero essere più scure che in primo piano. Solo in primo piano ci sarà il contrasto più forte e luminoso. Altrimenti, lo sfondo “si arrampicherà” in avanti, interferirà con la percezione e “toglierà” l'aria dall'immagine. Pertanto, disegniamo il secondo piano in modo più trasparente. È importante sapere quale tipo di albero ha quale sagoma. La betulla avrà il suo, l'abete rosso ne avrà uno completamente diverso. Esercitati, disegna le sagome di pino, acero e quercia. Ciò è utile affinché lo spettatore riconosca immediatamente di cosa si tratta da un contorno. Sullo sfondo disegna gli abeti e cerca di non renderli uguali. Non solo è noioso e poco interessante, ma non accade nemmeno in natura. In questo piccolo schizzo, un abete rosso è più vicino e più scuro, il secondo è un po' più lontano e più chiaro. Maggiore è la distanza dal soggetto, più ci sembra leggero e più “sfocato”. Non disegnare mai piccoli dettagli sullo sfondo. Inizieranno a litigare con gli oggetti in primo piano e il disegno diventerà piatto. È sufficiente rappresentare la massa totale, i contorni o i suggerimenti, le ombre. Il resto è "finito" dall'immaginazione dello spettatore.
- Ancora una volta torniamo in primo piano e disegniamo alberi con maggiore contrasto. Rendiamo l'albero lontano ancora più scuro e lavoreremo con più attenzione sull'albero più vicino a noi. La mano non deve essere bloccata, il pennello deve essere mosso liberamente e come se “svolazzasse” lungo il disegno - da qualche parte la linea dovrebbe essere resa più ruvida, da qualche parte più facile. Esercitati su un pezzo di carta: traccia una linea con una forte pressione, poi debole, guarda come diventa viva. A proposito, quando disegni con una matita semplice, metti un foglio di carta pulita sotto il braccio per non macchiare il disegno, altrimenti appariranno brutte macchie grigie opache che non potrai cancellare con nessuna gomma.
Quando disegniamo la terra, dobbiamo ricordare che non si tratta di asfalto liscio, ma di terreno vivo, il che significa che presenta dossi, rigonfiamenti, concavità, tumuli e fosse. Ciò può essere dimostrato dalla direzione del tratteggio: può essere inclinato, curvo, corto, lungo, sottile e ruvido. Ricorda che sul terreno non ci sono solo concavità e rigonfiamenti, ma anche un'ombra proveniente dal fogliame degli alberi.
Importante! Assicurati di ricordare la trama di ciascun articolo. La corteccia di un albero è ruvida e ruvida, è meglio disegnarla con linee corte e chiare, l'erba è morbida, è meglio raffigurarla con tratti sottili, alberi e arbusti in lontananza - con un accenno, massa totale, contorni, terreno irregolare - i tratti dovrebbero ripetere la forma di rigonfiamenti e tumuli, abete rosso con rami sporgenti - una silhouette scura.
- Disegniamo il campo. Dallo spettatore e più in profondità nel disegno, il campo diventerà sempre più semplificato: che ci siano solo erbe o margherite, lo spettatore lo inventerà da solo. La cosa principale è mostrare che questa non è una terra nuda, è densamente ricoperta di erba e sembra un tappeto morbido e spesso. E ci sono già fiori, bombi e cavallette.
Ora strizziamo gli occhi e vediamo se tutto va bene in termini di tonalità e composizione. Qualcosa non irrita, non “cade”, non viene alla ribalta qualcosa che dovrebbe rimanere secondario? In caso contrario, continua a disegnare...
- Torniamo di nuovo in primo piano e iniziamo a elaborare i dettagli. Disegniamo rami, fogliame. Non devi disegnare ogni foglia. Una persona percepisce l'intera immagine, interamente, e il nostro cervello è progettato in modo tale che sia sufficiente mostrare un contorno, un leggero accenno e lui disegna mentalmente il resto. Permettimi di ricordarti ancora una volta di "tieni il sole in testa". Anche il fogliame proietta un'ombra sui rami, ricordatelo.
- Ora assicurati di affilare la matita in modo che sia nitida. Abbiamo bisogno di covate sottili e precise. Iniziamo a disegnare il cielo e le montagne. Le nuvole sono molto leggere, soffici, sono attorcigliate dalle correnti del vento. Mostra la loro dinamica, movimento con ombreggiatura. Puoi fare un'altra opzione: ombreggiare delicatamente il cielo, renderlo più scuro e lasciare le nuvole completamente bianche. Anche le montagne non hanno bisogno di essere disegnate troppo nettamente, sono lontane, quasi nella foschia, la silhouette sarà abbastanza.
Disegnare la natura con una matita non è così difficile. Per fare questo, devi essere attento e fare molti schizzi (al mare, in un bar, durante una passeggiata e ovunque). La cosa principale è imparare come esprimere i propri sentimenti ed emozioni. Anche se disegni in modo errato dal punto di vista della tecnica rigorosa, ma con amore, allora, credimi, catturerà sicuramente qualsiasi spettatore. Poiché la tecnica pura è secca e non particolarmente interessante, è molto più interessante vedere l'atteggiamento dell'artista nei confronti di ciò che disegna, la sua percezione dell'ambiente come riflesso del proprio mondo interiore. Buona fortuna, ispirazione e non aver paura di disegnare, tutto funzionerà!