Pyotr Ossovsky - sul lavoro dell'artista
Ossovsky Petr Pavlovich.
Nel 1953 si laureò a Mosca istituto d'arte dal nome di V.I. Surikov.
Peter Ossovsky appartiene a quella generazione di artisti che si avvicinò all'arte a metà degli anni Cinquanta. Erano tutti diversi: P. Ossovsky, G. Korzhev, V. Stozharov, Viktor Ivanov, D. Zhilinsky, Gavrilov, i fratelli Tkachev. Diverso da in modo creativo, secondo la cerchia di immagini di ciascuno. Il cercatore l'ha avvicinata lunga via talento, freschezza delle giovani forze creative. Uniti dal desiderio di mostrare la bellezza persone normali, semplici vicende umane, per discernere il volto del tempo nella vita di tutti i giorni. Ormai sono artisti affermati, e il tempo lo ha dimostrato: i giovani hanno saputo accogliere quei precetti di verità e maestria che dettava l'esperienza delle generazioni precedenti. La tradizione è continuata, una tradizione confermata dall'intero sviluppo della nostra arte: sentire il respiro del tempo, vedere nello scorrere dei giorni temi, immagini che rivelino la modernità, trovare mezzi di rappresentazione che corrispondano alla modernità. È continuata una grande continuità di esperienza Arte sovietica. Continuità di visione della vita. Continuità di consapevolezza nella vita di se stessi - artista.
A quel tempo, anno dopo anno venivano organizzate mostre per i giovani. Questo era un onore per i giovani: ai giovani artisti veniva affidata l'indipendenza delle grandi rappresentazioni. Ciò richiedeva responsabilità creativa e faceva nascere uno spirito di amichevole “competizione” tra i giovani.
"So da solo quanto significassero per noi le mostre annuali della gioventù", avrebbe detto in seguito P. Ossovsky. - Per me e i miei compagni la scuola più seria era prepararsi, discutere di lavoro e scambiare opinioni. Ho imparato da un maestro come Sergei Vasilyevich Gerasimov, eppure dirò: ho imparato dai miei compagni non meno che da lui. Abbiamo confermato le nostre opinioni sui compiti dell'arte, sui mezzi per risolvere questi problemi. Le mostre hanno insegnato ai giovani il loro atteggiamento nei confronti dell'arte e della vita. C'era indipendenza, c'era la determinazione di esprimere a modo tuo ciò che sentivi e ciò che sperimentavi. Le mostre hanno dato prospettiva e un senso di squadra, un senso di comunità...››
Lasciamo che i primi esperimenti, le prime tele di quei giovani di quegli anni, sembrino ormai modesti. Lascia che diano di più alla loro creatività opere significative, significativo sulla scala di tutta la nostra arte. Ma l'inizio dei loro successivi successi è nelle tele quasi quindici anni fa, con le quali poi sono entrati alla grande vita artistica.
Il nome Ossovsky divenne famoso alla mostra della gioventù di Mosca nel 1956. Il film "In the District Center" da lui proiettato è stato accettato da spettatori e critici come uno dei migliori opere interessanti giovani artisti moscoviti. Vedevano in lei la vita, non abbellita, non composta, colta nel quotidiano flusso: vita piccola città regionale. Ma come ha mostrato l'artista, c'era molta anima e veramente poetico. L'immagine non ha colori appariscenti, nulla di esterno nel modo ferma l'attenzione, il suo discorso è semplice e naturale - e quanto più affidabile è l'impressione, tanto più convincente è l'intonazione della storia. Sembra che lentamente venga raccontata la storia di una piccola città da qualche parte nella Russia centrale. Qui e in patria dai tempi pre-rivoluzionari, la gente cammina lentamente, non come prima grandi città. Un ragazzo va in bicicletta, un'auto viene scaricata vicino a un negozio di tè, una ragazza - una contadina collettiva - è seduta su un carro - provenivano da un villaggio suburbano; vendono il gelato in un chiosco sul lungomare, un passante legge il giornale, ci sono dei manifesti sul recinto: al cinema va in onda "Il destino del clown", e allo stadio "Pishchevik" ci sarà Partita di calcio. Dettagli semplici e umani. La vita di questa città è intessuta di loro e sono raccontati in modo molto vivido, chiaro e gentile. E, allo stesso tempo, vedi: tutti questi sono segni del giorno, piccoli tratti della quotidianità inimmaginabile che compongono la modernità.
Dipinto nel 1957, il dipinto “All'ascensore” testimonia già la ricerca dell'integrità della pittura e
energico struttura compositiva. Il modo della narrazione pittorica sembra essere stato preservato lo stesso, ma allo stesso tempo l'immagine non viene “letta”, come prima, da un dettaglio all'altro, come le linee di una storia, ma viene percepita nell'unità di tutto raffigurato. Dettagli e dettagli non attirano l'attenzione, non sono interessanti di per sé, non ciascuno separatamente, come era prima, ma proprio nella loro unità, creando un tutto immagine artistica. L'artista sembra allontanarsi dal soggetto dell'immagine e vede il tutto nelle sue grandi caratteristiche, nell'unità del paesaggio e delle vicende umane. Questa è la base figurativa dell'immagine: le possenti strutture dell'ascensore, gli enormi fienili, l'ampio cortile pieno di automobili, l'intensa attività delle persone: tutto ti fa sentire la completezza e la portata della giornata lavorativa aziendale. È caratteristico che il principio compositivo stesso sia qui diverso: il punto di vista nella foto è rialzato, guardiamo come dall'alto, da una certa elevazione, e questo lo rende più ampio. Lo spazio dell'immagine è più profondo, lo sguardo assorbe non solo episodi specifici, oggetti della natura, ma la diversità generale e unitaria giorno lavorativo all'ascensore. Ciò rende l'immagine più artistica più capiente, l'immagine della vita catturata dall'artista appare più significativa, di conseguenza la natura stessa della pittura è cambiata. I dettagli scritti sono stati sostituiti da uno più ampio, che riassume i dettagli e i particolari a colori; unito tutto, collegato un sistema di colori solidi: una gamma di toni lilla-ocra dell'autunno, terra d'autunno, una giornata di settembre morbida e leggermente nuvolosa.
In realtà la ricerca di immagini generalizzate è iniziata con questo dipinto e con altri soggetti ad esso vicini nel tempo nell’opera dell’artista. Queste ricerche erano in linea con le aspirazioni generali della nostra pittura di quegli anni. La novità che Ossovsky ha delineato nel dipinto “At the Elevator” - il desiderio di integrità energetica della soluzione pittorica, enfatizzata dalla nitidezza della composizione - si è pienamente manifestata in una serie di paesaggi urbani dipinti nel 1958-1959. Alcune di queste cose non sono rimaste altro che una prova di soluzioni compositive e pittoriche, ma parlano anche di percezione acuta, di un senso poetico della vita. Questa è la scena del “Giorno del mercato”, file del mercato nella stessa città, forse regionale, già raffigurata dall'artista. Il sole di mezzogiorno, i colori festivi in un'illuminazione brillante, le ombre profonde sotto la tettoia delle gallerie commerciali, sottolineano la potenza della luce. E l'allegro trambusto del mercato stesso - come si dice giustamente qui di un caldo pomeriggio estivo nella piazza del mercato! Il successo dell'artista in questa e altre tele, ad esempio in un piccolo schizzo dall'atmosfera molto immediata - una piovosa giornata invernale, un vento umido sulla periferia della città - è, prima di tutto, il successo di P. Ossovsky, il pittore . L'artista non si sforza affatto di trasmettere la naturalezza del colore nelle sue prime tele, il colore nei suoi dipinti diventa il principio guida del contenuto figurativo. Infatti, sia i colori solari del “Giorno di Mercato” che i toni pesanti e cupi del grigio-ruggine, che trasmettono così fedelmente la sensazione di una giornata umida, quando la neve è piena di umidità e il cielo nuvoloso incombe basso sulla città, formano la gamma di sentimenti che è inclusa in noi percezione emotiva natura.
Ma tutti questi schizzi non sono altro che una “prova di penna”. A proposito, questa è la particolarità dell'artista Ossovsky, che si è manifestata fin dai primi passi della sua creatività, che cerca invariabilmente l'ampiezza dell'attuazione dei suoi piani, delle sue ricerche e di quella cosa nuova che si deposita nella sua vita impressioni e delineate nella struttura stessa arti visive, di solito incarna nei dipinti. La ricerca di una maggiore sonorità nella pittura e in profondità immagine poetica, che hanno notevolmente cambiato il carattere del discorso artistico di P. Ossovsky, sono apparsi nella loro forma attuale soprattutto nei dipinti “On the Embankment”, “On the Okrug ferrovia", "La pista di pattinaggio" e "Mezzanotte".
Nello stesso anno, 1958, fu dipinto un altro dipinto “Alla periferia della città” - circa giorno di primavera, sui ciclisti e sull'apertura delle strade. (In seguito, l'artista è tornato su questo tema più di una volta.) Con il suo stato d'animo, si distingue tra le altre opere di questo periodo. Contiene una sonorità aperta di colori e sensazioni, una percezione energetica del mondo. L'intera tela esprime una sensazione di freschezza, di forza, di ampiezza di spazio...
Città. Il tema della città, della periferia urbana, piena del ritmo tonificante dei nostri giorni, occupa invariabilmente l'artista. Qui, alla periferia di Mosca in costruzione, la scalinata grande città mette da parte il disordine delle vecchie case, spiazza i lotti vuoti e disordinati e subordina il volto stesso dell'area alla scrittura del tempo, donando quella sensazione di bellezza moderna e dinamica che tanto parla ai nostri sentimenti. Questa moderna bellezza della città è stata inclusa nell'arte di P. Ossovsky. Dopo il dipinto “Rink” con la sua interpretazione liricamente sottile del tema della città, alla Quinta Mostra dei Giovani Artisti di Mosca nel 1959, mostrò due dei suoi nuovi tele: “Periferia di Mosca. Inverno" e "Periferia di Mosca. Giornata calda".
In entrambi i dipinti c'è una copertura libera dello spazio. Un punto di vista elevato consente di approfondire costantemente lo sguardo dal primo piano verso oggetti, figure, scene di gruppo, sagome di case sempre più distanti che chiudono la prospettiva. Ampiamente viste, appaiono le periferie della città. La città vive la propria vita, la città lavora: in lontananza c'è il fumo delle fabbriche e delle gru, la città riposa. Questa è la storia dell'artista. Ma questa storia non è più la stessa delle cose precedenti, che si sviluppa di dettaglio in dettaglio, ma un unico abbraccio figurativo del tutto: il tutto, per così dire, assorbe i particolari. Il dipinto stesso porta un suono emotivo. Particolarmente espressivo è il paesaggio “invernale”: “periferia di Mosca. Inverno". La tavolozza pittorica, scarsa nei colori e un po' dura nella tonalità, trasmette la caratteristica atmosfera colorata in cui sembrano essere immerse le periferie della città. Qui il vecchio è accanto al nuovo, qui i mattoni sono marroni con l'età e le pareti grigio ocra dei fienili, e dietro di loro si stagliano contro il cielo gli edifici degli edifici ricostruiti - sono in una nebbiosa foschia lilla, addolcita nel tono per distanza e luce diffusa invernale. Questa morbida luce diffusa collega i toni in una combinazione di colori coerente, unifica lo spazio dell'immagine e gli conferisce così un'integrità pittoresca e poetica.
Entrambi questi paesaggi sono notevoli tra le opere di Ossovsky per il fatto che qui sono chiaramente delineate le note energetiche che emergono sempre più nella sua pittura. Nell'ambito della sua tavolozza preferita brunastro-lilla, ocra, i contrasti dei rapporti tonali e, in alcuni punti, la pesante saturazione del colore risaltano espressivamente, e questo conferisce allo stile pittorico una peculiare sonorità maschile.
I dipinti di Ossovsky su Mosca hanno consolidato la sua fama come artista del paesaggio urbano, un artista dalla percezione moderna, profondamente consapevole del ritmo della vita cittadina. L'arte di molti artisti parla di Mosca. Ma P. Ossovsky ha trovato la sua linea di scoperta e note poetiche molto moderne
storia. Per questo, le sue tele sono state ampiamente amate e l'artista ha conquistato la simpatia e l'affetto duraturi dello spettatore.
Il governatore della regione di Pskov Andrei Turchak ha espresso le sue condoglianze alla figlia di Peter Ossovsky:
“È venuto a mancare un uomo dall’enorme e inesauribile talento, grande artista, un vero patriota, una persona onesta con un'enorme dignità interiore, che tutti intorno a lui apprezzavano e rispettavano infinitamente. Tuo padre ha servito devotamente e altruisticamente l'arte e la terra di Pskov", dice il discorso del capo della regione.
Pyotr Pavlovich Ossovsky è nato il 18 maggio 1925 nel villaggio di Malaya Viska Regione di Kirovograd Ucraina. Nel 1950 si laureò all'Istituto statale d'arte di Mosca intitolato a V. Surikov presso la bottega di S. V. Gerasimov.
Pyotr Ossovsky divenne uno dei fondatori dello “stile severo”, un movimento apparso nell'arte russa all'inizio degli anni '60. Il termine "stile austero" fu usato per la prima volta nel 1960 in relazione a Tre generazioni di Ossovsky (1959), che causò molte controversie.
Pyotr Ossovsky arrivò per la prima volta a Pskov nel 1966. "Grazie a Pskov e alla sua gente, sono arrivato a una comprensione speciale delle tradizioni e della cultura russa", ha scritto lo stesso artista. Un posto speciale nell'opera di Ossovsky è stato occupato dagli abitanti delle Isole Talab, a cui l'artista ha dedicato la serie di dipinti “Sulla terra dell'antica Pskov”. Il ciclo comprende molti paesaggi in cui la cosa principale è la natura di questa regione. L'idea "Sulla terra dell'antica Pskov" è nata da pensieri sulla terra di Pskov, la parte confinante della Russia.
L'artista ha vissuto a lungo accanto ai suoi eroi: contadini, pescatori, artigiani popolari. Una visita a Mikhailovsky lo ha spinto ad affrontare il tema di Pushkin. Il trittico “Pushkin Elegy” è dedicato a Pushkin. In onore del 125° anniversario della Riserva-Museo di Pskov, nell'aprile 2001, l'artista ha donato al museo 45 delle sue opere.
Le opere di Peter Ossovsky sono conservate nella Galleria statale Tretyakov, nel Museo statale russo e in altri grandi musei d'arte ex URSS, così come in privato e collezioni statali Germania, Bulgaria, Polonia, Repubblica Ceca, Inghilterra, Slovacchia, Italia, Spagna, Finlandia, Giappone, USA, Egitto, Israele, Venezuela.
Nel 1979 l'artista è stato insignito della Medaglia d'Oro dell'Accademia Italiana delle Arti per la serie “Ritratti slavi”; nel 1985 ha ricevuto Premio di Stato per una serie di dipinti sul Cremlino di Mosca: “La collina d'oro del Cremlino”, “I secoli passano sul Cremlino”, “Il sole sulla Piazza Rossa”, “ Piazza del Palazzo" Nel 1988, Pyotr Ossovsky è stato insignito del titolo di "Artista popolare dell'URSS", allo stesso tempo è stato eletto membro corrispondente dell'Accademia delle arti dell'URSS. Nel 1968, per il suo lavoro, Peter Ossovsky ha assegnato l'ordine"Distintivo d'onore".
Dal luglio 2008 è cittadino onorario della città di Pskov.
Dal 2007 esiste una galleria personale nel Museo di Pskov dipinti Pietro Ossovsky, dedicato alla storia e alla gente della terra di Pskov.
Artista popolare dell'URSS, cittadino onorario di Pskov
Pyotr Pavlovich Ossovsky è nato il 18 maggio 1925 nel villaggio di Malaya Viska, nella regione di Kirovograd in Ucraina. Nel 1944 si diplomò alla scuola d'arte secondaria di Mosca ed entrò all'Istituto statale d'arte intitolato a V.I. Surikov, dove studiò nella bottega di S.V. Gerasimov. Dal 1954 partecipa a esibizione artistica. Nel 1956 fu ammesso all'Unione degli Artisti. Durante il suo mezzo secolo di attività, P.P. Ossovsky ha partecipato a molti grandi mostre a casa e all'estero. Le sue opere sono nello Stato Galleria Tretyakov, Museo statale russo, principali musei Russia e paesi della CSI, nonché in varie collezioni straniere.
Nel 1970 gli è stato assegnato il titolo di "Artista onorato della RSFSR", cinque anni dopo - "Artista popolare della RSFSR". Nel 1961, l'artista fece un viaggio creativo a Cuba e in Messico. Molto originali sono le seguenti serie di dipinti, realizzati dopo viaggi in Italia, Repubblica Ceca, Slovacchia e Bulgaria. Nel 1979 gli è stata assegnata la Medaglia d'Oro dell'Accademia Italiana delle Arti per la serie “Ritratti slavi”, nel 1985 ha ricevuto il Premio di Stato per una serie di dipinti sul Cremlino di Mosca: “La collina d'oro del Cremlino”, “I secoli passano sul Cremlino”, “Il sole sulla Piazza Rossa”, “Piazza del Palazzo”. Nel 1988, P.P. Ossovsky è stato insignito del titolo di "Artista popolare dell'URSS", allo stesso tempo è stato eletto membro corrispondente dell'Accademia delle arti dell'URSS ed è vincitore del Premio di Stato dell'URSS.
Nel 1975, in occasione del cinquantesimo anniversario della nascita dell’artista, si tenne la mostra personale “Sulla terra dell’antica Pskov”. Questa mostra è stata la prima dei suoi molti anni attività creativa sulla terra di Pskov, dove trovò il suo “Maly, casa natale, la tua Russia." Una serie di dipinti nell’opera dell’artista è dedicata agli abitanti delle Isole Talab. Ha creato il trittico “Pushkin Elegy”. IN l'anno scorso Ha donato più di 80 dipinti ai musei di Pskov. Nel 1977 fu pubblicato l'album dell'autore "On the Land of Ancient Pskov" (ristampato nel 2003) e nel 2005 l'album fu pubblicato dipinti"La mia vita artistica."
L'11 luglio 2008, Pyotr Pavlovich Ossovsky è stato insignito del titolo di "Cittadino onorario di Pskov".
Bibliografia:
Ivanov, //. Pskov.motives: [immagini della terra di Pskov nell'opera dell'artista, estratti da voci del diario, dedicato alla regione di Pskov, riproduzioni di dipinti] / I. Ivanov // Giovane artista. 2001. -№2. - pp. 38-41.
Zolottsev, S. Dono inestimabile: l'artista Peter Ossovsky a Pskov/S Zolottsev //Incontro. -2002. - N. 10. P. 29-31.
Kochemasova, T. "Quello che voglio dire alla gente": [su percorso creativo l'artista, le origini della creatività, la famiglia; sulle opere dedicate alla terra di Pskov] / Tatyana Kochemasova // Parola. 2005. N. 5. - P. 69-82.
Efimova, I. Petr Ossovsky: “Qual è la mia arte, dirà la gente”: [un nuovo galleria d'arte, la gente di Pskov deve la sua nascita all'artista P. P. Ossovsky] / Ed Efimova // Notizie da Pskov. 2007. 27 luglio. pag. 4.15.
Il polso dell'antica Pskov / sull'artista Pyotr Ossovsky, candidato al titolo di cittadino onorario di Pskov nel 2008 Informazioni biografiche / Tempo di Pskov. 2008. N. 38 (10 luglio). Pag. 13.
Levin, N.F., Rusanova, L.F. Al servizio di Pskov: Cittadini onorari di Pskov: (raccolta bio-bibliografica) / N.F. Levin, L.F. Rusanova. - Pskov: casa editrice ANO LOGOS, 2008. – P. 116 - 117: foto. - (Al 1105esimo anniversario della prima menzione di Pskov nella cronaca).
Siamo lieti di integrare la storia con dettagli sul luogo e l'ora della mostra ( solo fino al 7 giugno! ), oltre a una meravigliosa intervista dettagliata con Moskovsky Komsomolets e un video. Questo è assolutamente da leggere e guardare...
Non ho saputo della scissione per 87 anni...
Pyotr Ossovsky - Artista onorato dell'URSS, vincitore del Premio di Stato dell'URSS e Premio Internazionale loro. MA Sholokhov, membro a pieno titolo Accademia Russa arti, cittadino onorario di Pskov Nato il 18 maggio 1925 nel villaggio di Malaya Viska, nella regione di Kirovograd in Ucraina. Nel 1944 si diplomò alla scuola d'arte secondaria di Mosca e nel 1956 fu ammesso all'Unione degli artisti.
Scrive sulle direzioni principali della sua creatività: “L'uomo e la patria, l'uomo e la terra. L'amore, la maternità, la famiglia sono temi eterni nell'arte. E in questo sono profondamente tradizionale”.
Tra i dipinti dell’ultimo decennio, molte opere dell’artista sono dedicate a temi religiosi e argomenti storici. Come si è scoperto, avendo vissuto a lungo e vita creativa, P.P. Ossovsky non aveva sentito nulla dei Vecchi Credenti. Una vera rivelazione per lui è stata la visione del film "Raskol" di Nikolai Dostal, dal quale Pyotr Pavlovich venne a conoscenza per la prima volta eventi tragici Chiesa scisma XVII secolo e il destino dei vecchi credenti.
Questa scoperta diede un nuovo potente impulso al lavoro dell’artista. Ossovsky dipinse una serie di dipinti dedicati agli eventi della storia dei vecchi credenti, dei confessori dell'antica fede e dei moderni vecchi credenti.
Il trittico “Abacuc” divenne il più famoso. Tre tele, alte circa un metro e mezzo, raffigurano tre immagini, ovvero tre scene. Al centro c’è l’immagine del Salvatore, realizzata nello stile del Salvatore Zvenigorod di Rublev. Sul lato sinistro c'è il santo martire Abacuc accanto all'incendio ultimi minuti della sua vita, così come tre anziani Vecchi Credenti con la mano destra a due dita.
Peter Ossovsky / Frammento del trittico Arciprete Avvakum – Boyarina Morozova La parte destra del trittico è dedicata al venerabile martire Teodosio Morozova. È raffigurata seduta sul baldacchino di un angelo. Il trittico è stato realizzato utilizzando la tecnica grafica a carboncino, che conferisce a quest'opera un simbolismo e una drammaticità speciali.
Il metropolita Korniliy si è congratulato con Peter Pavlovich per il suo 90esimo compleanno e gli ha augurato salute e successo nel ripensare in modo creativo la storia della Rus' e le sue origini spirituali
Peter Ossovsky celebra il suo 90° anniversario con una mostra personale
"MK": Confessione di un duro realista
Peter Ossovsky: “L’arte che ti fa pensare è dannosa per i governanti”.
"Non devi guardare, ma vedere", dice il fondatore dello "stile severo" Peter Ossovsky. Un artista che non cerca di copiare il mondo, ma ne trae storie stimolanti. Il 19 maggio inaugurerà la sua retrospettiva su Prechistenka all'Accademia delle arti, che lui definisce niente di meno che una confessione. È dedicato al 90° anniversario del maestro. Alla vigilia dell'inaugurazione della mostra, MK è venuto a congratularsi con l'artista per il suo anniversario.
Nel suo appartamento-laboratorio, Pyotr Pavlovich ci incontra sulla sua sedia preferita, che ha ereditato da suo nonno. L'atmosfera nel laboratorio è ascetica. Maggior parte i dipinti occupano spazio. Odore pittura a olioè nell'aria. Sul tavolo ci sono una dozzina o due edizioni dell'album dell'autore "Remembering the Past". Al centro della stanza c'è un tavolo, l'artista ci scrive sopra e accanto c'è un cavalletto. Dietro il maestro ci sono i ritratti dei suoi antenati.
Scrivo con loro. I miei antenati mi aiutano sempre! - annuncia l'artista. Saluta gli ospiti in abiti domestici. Allo stesso tempo, non sembra meno monumentale degli eroi dei suoi dipinti.
-Chi è chi nel tuo albero genealogico?
Il mio è lungo. La madre è della classe cosacca e il padre è dei polacchi. Quindi sono Taras Bulba.
- Sei nato in Ucraina, giusto?
Sì, ma solo perché mio nonno lasciò i cosacchi per diventare artista e sposò una Poltava, anche lei artista. Aveva la sua compagnia. Fece il suo debutto a Nizhny Novgorod nel 1897, ad una fiera. Poi ci sono stati grandi tour in Ucraina e Russia, quindi erano considerati uno stato. Il direttore di una fabbrica di zucchero vicino a Elisavetgrad, un ex marinaio della corazzata Potemkin, Sukhomlin, ha invitato la sua famiglia nel villaggio di Malaya Viska, dove sono nato. Negli anni '20 mio nonno era il direttore principale del Teatro Elisavetgrad (ora Kirovograd). Anni molto difficili, affamati.
-Puoi sorridere? - il fotografo MK interrompe la nostra conversazione, desideroso di fotografare il carismatico eroe.
Non sono una persona felice. Resto in silenzio per mesi, io e la tela. Penso, sento, lavoro e tu ti aspetti sorrisi da me? La pittura è una forma d’arte silenziosa. Non c'è niente da ridere quando è giù. Ma questa è una forma d’arte potente per modellare la personalità di una persona nella storia millenaria della Russia. Stalin lo capì. E ha realizzato il realismo socialista.
- Arte ideologica.
Sì, ma parallelamente ad esso c'era il realismo russo, che continuava le tradizioni Arte russa. L'arte non è una bella signora che scommette sui piselli nell'angolo. L'arte dovrebbe insegnarti a vedere, non a guardare. Separare l'arte ideologica dalla vera arte degli anni '60 e mostrarla. Ma oggi non è di moda parlare di realismo. Viene mostrata Vasilyeva, questa bandita con le sue foto, mentre i dipinti dei realisti russi raccolgono polvere nei magazzini. Installazioni e astrazioni non sono male (ho imparato molto dall'arte contemporanea), lasciatele stare, ma lasciate che ci sia realismo. Non dobbiamo dimenticare che l'astrazione e le installazioni nascono dal realismo.
A proposito, nel 1945, Geliy Korzhev e io abbiamo realizzato degli schizzi dei dipinti del tempio. Ma la questione non è arrivata ai dipinti stessi: i preti hanno deciso che eravamo troppo giovani. A quel tempo avevo fatto molta pittura di icone e mi resi conto che in circostanze diverse avrei potuto diventare un pittore di icone. Adesso questo non interessa a nessuno. L’Americanomania è ovunque! Dalla pubblicità televisiva al discorso: perché diciamo “spettacolo” e non “performance”, per esempio? Perché “combattere” con l’America e copiarla? Lo giuro quando guardo la TV", l'artista indica il plasma nell'angolo, che sembra un elemento estraneo all'interno del laboratorio.
Storia vera russa di Tiziano
Ecco un programma su Galleria di Dresda, prosegue, riferendosi alla storia di quella parte della collezione che soldati sovietici trovato nelle miniere della Sassonia nel 1945, portato a Mosca, per 10 anni fu conservato nel Museo di Belle Arti Pushkin, fino a quando non fu presa la decisione di restituire diverse centinaia di capolavori a Dresda. - Nel 1945 la portai tra le mie braccia quando ero studente del 2 ° anno all'Istituto Surikov. L'allora direttore Museo Puškin, lo scultore Sergei Merkurov, ha chiesto al nostro direttore Sergei Gerasimov di dargli diversi studenti per aiutarlo.
- Ricordi quali capolavori avevi tra le mani allora?
Raffaello, Tiziano: tutto! Quindi, l'ho detto ai giornalisti, e poi ho guardato il programma, e nei titoli di coda c'era scritto: "Il critico d'arte Peter Ossovsky". Questo nonostante io abbia alle spalle 70 anni di attività creativa. Solo negli ultimi 15 anni ho realizzato più di 25 mostre a Sofia, Minsk e nel nord della Russia. Comprarono i quadri poco a poco. Dopo la distruzione dell’Unione, i “nuovi russi”, ex membri del Komsomol, hanno cominciato a comprare il realismo.
- C'è interesse. Anche i tuoi dipinti vengono venduti su Internet: da 200mila a un milione di rubli.
In generale, un artista non dovrebbe lavorare per motivi di guadagno o popolarità. Ma non vedo gli importi che menzioni. Consideralo, lo do per pochi centesimi. Ricordo che circa 10 anni fa venne un banchiere e vide che stavo buttando via i miei assegni. Guardò, trovò uno schizzo e disse: posso comprarlo? Sono a disagio, lo butto via, ecco, dico, se mi dai 500 dollari di vernici, va bene. Poi si è scoperto che ha venduto lo schizzo per 10mila dollari. Ma questo banchiere ha comprato da me un'intera serie sul Cremlino. L'ho dipinto dal vero, dalle finestre del Comitato Centrale del PCUS. Lì ho appositamente realizzato il campanile di Ivan il Grande più alto delle stelle rosse del Cremlino, anche se in realtà non è così.
Durante questo ciclo ero dentro Tempo sovietico Mi hanno maledetto, dicendo che mi ero venduto al governo. E Gorbaciov diede il Premio di Stato nel 1985. Ho dipinto anche lo spettacolo pirotecnico sulla Piazza Rossa che ho visto nel 1945. Io c'ero: miracolosamente sono arrivato fino alla piazza, mi sono infilato sotto le macchine e sono sceso lì vicino Museo Storico. Oh, quanta fuliggine c'era dalle macchine! Ma nonostante questo, tutti si abbracciarono! Era un'unità senza precedenti!
- Pyotr Pavlovich, hai già iniziato a scrivere allora, negli anni '40?
Sono nato nel 1925. Ho iniziato a disegnare molto presto, quando vivevo ancora in Ucraina. Il padre fu accusato di essere un polacco bianco, ma lui era un semplice contabile. Quando ha scoperto che qualcuno lo aveva denunciato, un giorno ha portato la sua famiglia a trovarlo Nizhny Novgorod. Così mi sono salvato, altrimenti sarei stato figlio di un nemico del popolo. Poi nessuno ha capito, hanno dato ordini: devi trovare così tante spie, spararne così tante, esiliare. La gente non ne sapeva nulla: stavano costruendo un nuovo stato. La mia famiglia si trasferì inizialmente a Mosca negli anni '30 scuola d'arte, poi entrò in Surikovsky, si laureò. Negli anni '50 inizia ad esporre.
- E poi la storia è avvenuta proprio con quel dipinto “Tre generazioni”, a cui gli storici dell'arte devono l'apparizione del termine “stile severo”. Dopotutto, è collegato a Tiziano, che hai tenuto tra le mani quando ero studente al Museo Pushkin.
Sì, ma questa è un'immagine diversa. Una volta nella monografia di Tiziano mi sono imbattuto nel dipinto “Tre età”: un ragazzo gioca con un cane, un vecchio con un teschio e un giovane che suona il flauto. Ci ho ripensato. Nel 1960 lo portò al Manezh, e lì dissero: chiamiamolo “Tre generazioni”, nello spirito del realismo socialista. Ho accettato. Così facendo si è esposto alle critiche del Comitato Centrale: che succede, abbiamo vinto la guerra, ma mangiamo nei campi, il vecchio spezza il pane come se non avesse niente da mangiare, e il ragazzo è in pantaloni strappati. Dove sono gli operai, i contadini, gli aratori felici? Da qui nasce lo “stile severo”. Tre giornali hanno scritto “cantine” devastanti, ma me lo ero tolto di dosso come l’acqua dal dorso di un’anatra. Non mi sono ammalato, non ho bevuto e ho continuato a lavorare. Se allora mi fossi arreso, allora io e il mio lavoro non esisteremmo adesso. La critica ha avuto un impatto positivo sulla mia vita artistica. Questo argomento è stato poi approfondito da me.
Ho riflettuto sulla verità e per questo mi hanno colpito in testa. Ma l'argomento è diventato per me più di una sorta di critica: ci attiro ancora. Dieci anni dopo quella storia, ampliò il tema a quattro dipinti e intitolò il ciclo “I confini della vita della madrepatria”. Finirono nel Museo della Rivoluzione (ora Museo storia moderna Russia). E 10 anni fa, dopo una mostra per l'80° anniversario all'Accademia delle Arti, il direttore del Museo Russo, Vladimir Gusev, mi chiamò e mi offrì una mostra a San Pietroburgo. Poi ho deciso di scrivere un seguito e ho ripensato a "Frontiere della vita della madrepatria", intitolando il ciclo "La storia del potere rosso".
- Li mostrerai alla mostra dell'anniversario all'Accademia delle Arti?
Non bastano tre accademie per mostrare tutto. E poi mi è venuto in mente che accanto arte contemporanea sembreranno antiquati e nelle gallerie dove sono conservate molte delle mie cose c'è un'aura diversa, stanno bene lì. Pertanto, ho realizzato riproduzioni fotografiche e descrizioni testuali che raccontano la storia di questo ciclo e il suo significato nel mio lavoro.
Nel Giorno della Vittoria, la gente ha ideato una meravigliosa promozione " Reggimento immortale", e ho fatto la stessa cosa, solo in pittura. Questa mostra non è tanto una mostra finale quanto una mostra confessionale. Dopotutto, ho un territorio di creatività: dalle rive del Lago Baikal, attraverso le distese della Siberia e i monti Altai, fino a Russia centrale, che ho percorso in bicicletta. Poi attraverso la Bulgaria, la Repubblica Ceca, la Slovacchia, la Polonia fino all'Italia, Cuba e il Messico.
Temporali d'altri tempi
- Come sei riuscito ad arrivarci - dopotutto c'era una "cortina di ferro"?
È semplice: per otto anni sono stato il primo segretario dell'Unione degli artisti russi. Sono venuto e ho detto che volevo rafforzare l'amicizia con i paesi alleati, e io stesso ho scritto quello che volevo. A proposito, sono stato il primo a separare la Slovacchia e la Repubblica Ceca: nel 1978 ho tenuto una mostra intitolata "Motivi cechi e slovacchi", e poi è stata la volta della Cecoslovacchia. In esso ho mostrato la mia ricerca della bellezza di questi popoli. Ho fatto il seguente esperimento: ho dipinto una Madonna, una tradizionale scultura in legno che ha 500 anni, e poi le ho cercate nella vita e ho dipinto donne vere, Madonne slave.
- Hai un ritratto di Fidel Castro. Lo hai incontrato?
Ripetutamente. Nell'ambito delle delegazioni. Viktor Ivanov e io siamo stati i primi Artisti sovietici che visitò Cuba negli anni '60. Un giorno a pranzo, mentre parlava con le nostre ginnaste, ho fatto uno schizzo. Già a Mosca ha dipinto un ritratto ad olio. E recentemente sono tornato su questo argomento. L'altro mio ritratto di Fidel è nella Galleria Tretyakov.
- IN mostra permanente Non l'ho visto.
Non si mostrano. Politica. I pittori della mia generazione sono in deposito, inutili, rotti, ma sono sicuro che tra dieci anni se ne ricorderanno, e sarà un grido. Ne ho parlato a Putin un anno e mezzo fa, quando ho ricevuto l'Ordine al merito per la Patria. Ciò che sta accadendo ora è la sostituzione dello spirituale con il bene dell’intrattenimento.
Peter Ossovsky “Cuba in allerta” - E cosa ha risposto Putin?
Non importa. Cambia il governo, ma la patria resta. Le persone sono le stesse. L'intrattenimento lo rende stupido. L'arte che fa pensare è dannosa per i governanti. Ma la Russia sa come pensare. Ed è capace di superare tutto, come abbiamo dimostrato durante la guerra. Non è un caso che il trittico “Temporali di un secolo passato” apra la mia mostra. Quanti di loro erano sulla Russia, ma niente sulla Patria. Guarda l'immagine: queste sono tutte barche e templi reali, ma sono dipinti come simboli e c'è molto dietro di loro. Chi può vedere, il mio spettatore, verrà alla mostra dell'Accademia delle Arti e potrà capirli. Chi non può deve cercare il proprio artista. L'arte non è forzata.
Il 24 ottobre, un piccolo paesaggio di Peter Ossovsky, l'unico rappresentante dello “stile severo” tra i primi dieci artisti viventi, autori delle opere più costose vendute alle aste russe, sarà venduto all'asta Sovcom.
Finché la mia mano potrà tenere pennello e penna,
ne parleranno attivamente
cosa mi preoccupa e cosa voglio dire alla gente.
Pietro Ossovsky
Non è un fanatico della pubblicità, le sue interviste si contano sulle dita di una mano, tutto tempo libero si dedica al lavoro in officina.
Gli artisti dello “stile severo” abbandonarono le immagini idealizzate e persino didattiche create generazione precedente Pittori sovietici, - i giovani erano interessati ai loro contemporanei. Cercavano di vedere con i propri occhi e di mostrare agli altri l'inizio sublime, romantico e persino poetico nella vita e nell'opera di coloro che vivevano e lavoravano accanto a loro. Giovani artisti hanno dipinto i volti di operai, contadini, pescatori, costruttori, geologi e hanno dotato le loro immagini dei tratti iconici (e quindi monumentali) del loro tempo.
Per ottenere un tale effetto, i rappresentanti dello “stile severo” cercavano di semplificare e generalizzare il più possibile le forme, per rendere la silhouette laconica; anche la composizione veniva semplificata e appiattita, spesso costruita secondo le leggi del collage - quando in Nello spazio di un'opera alcuni elementi del quadro esistono come se separatamente, anche con la propria prospettiva, e quindi, per così dire, raccolti dall'artista su un unico piano. Pertanto, la composizione ha spesso una struttura verticale: i piani (primo piano, centro e sfondo) sono costruiti non in prospettiva, ma uno sopra l'altro. Anche lo schema cromatico è semplificato: i sostenitori dello “stile severo” di ritmi grafici lineari piuttosto che di giochi di ombre e mezzitoni, utilizzano più spesso colori laconici, chiari ed espressivi e accenti di colore.
Oggi le valutazioni e le interpretazioni dello “stile severo” divergono notevolmente: alcuni ricercatori lo contrappongono al poster artistico realistico Era staliniana; altri lo vedono come una continuazione logica Realismo sovietico; altri ancora, ad esempio l’artista Boris Orlov, ritengono che “in realtà lo “stile severo” si opponeva dall’alto all’underground nato all’inizio degli anni Sessanta”.
Una cosa è innegabile: gli artisti dello “stile severo” hanno saputo introdurre nell’arte figurativa realistica russa una nuova estetica, che hanno raccolto dalle immagini degli affreschi e dei dipinti medievali Primo Rinascimento, e nelle opere della scuola realistica russa di pittura, la prima ondata delle avanguardie russe e quelle contemporanee Artisti occidentali.
L'arte di Rockwell Kent ha giocato un ruolo significativo nella formazione di questa nuova estetica. Nel 1958 e nel 1960 due di loro andarono esauriti a Mosca. mostre personali, al termine del quale Museo statale belle arti intitolato ad A.S. Pushkin ha ricevuto in dono dall'autore circa un migliaio di opere. Nuovo, sconosciuto linguaggio artistico Per i giovani artisti che avevano appena completato la loro formazione accademica, Kenta divenne una boccata d'aria del nord: fredda, fresca e pulita. Un sorso, se vuoi, di arte “maschile”: diretta, senza accenni o mezzitoni, sobria e incondizionatamente veritiera. Forse anche la mania dei ragazzi sovietici per Jack London ha avuto il suo effetto - e si è scoperto che non solo i libri, ma anche i dipinti potevano essere scritti in questo modo - in una parola, il giovane Kent lo ha capito e gli ha creduto. L'artista divenne così popolare che a metà degli anni '60 e dopo che molti dei libri autobiografici di Kent furono tradotti in russo: "Sono io, Signore!", "In the Wild Land (Diario di avventure pacifiche in Alaska)", "Diario della Groenlandia" ", "Salamina", ecc.
L'educazione, la familiarità con ciò che facevano artisti di altre epoche e culture, prepararono un buon terreno per la propria esperienza negli artisti dello “stile severo”. Nel 1961, Ossovsky fece il suo primo lungo viaggio creativo all'estero - in Messico e Cuba, e lì “sentii di aver trovato il mio proprio stile" Poi ci sono stati ripetuti viaggi in giro per l'Europa: in Italia, Repubblica Ceca, Slovacchia e Bulgaria. Durante questo periodo, era interessato a tutto: natura, città, architettura, persone, soprattutto, persone. All'inizio degli anni '70, il paesaggio cominciò ad occupare un posto crescente nel suo lavoro: “Il territorio del mio lavoro va dalle rive del Lago Baikal alle acque del mar dei Caraibi».
Nel 1966, Pyotr Ossovsky arrivò per la prima volta a Pskov, e da quel momento in poi Pskov e Izborsk divennero la fonte non solo di ispirazione, ma anche di forza e di esistenza stessa, da cui l'artista fu irresistibilmente attratto e da cui alla fine si ritrovò. "Grazie a Pskov e alla sua gente, sono arrivato a una comprensione speciale delle tradizioni e della cultura russa", dice l'artista a riguardo.
Ispirato dall'antichità russa, si è rivolto alle radici storiche e culturali e presto ha trovato una trama che si è sviluppata dalla metà degli anni '70 ai giorni nostri, senza ripetersi o stancarsi: questi sono monumenti storici, di culto strutture architettoniche(cremlini, cattedrali, chiese) sullo sfondo dell'eternità (il firmamento incrollabile) - calmo e statico sullo sfondo contrastante del cielo intenso.
Ossovsky è così appassionato di Pskov che nel 1975 ha organizzato lì la sua mostra anniversario “Sulla terra dell'antica Pskov” in occasione del cinquantesimo anniversario della sua nascita. Questa mostra è stata la prima di molte nei suoi numerosi anni di attività creativa a Pskov e nella terra di Pskov.
Le opere di Ossovsky ultimi decenni- questo è lavoro Artista ortodosso pieno di riferimenti ad eventi storici Antica Rus'. Forse solo il colorito sobrio e lapidario, le sagome quasi grafiche dei suoi templi contro il cielo e la rigorosa natura nordica dei suoi paesaggi lo rivelano un artista dallo “stile severo”.
L'arte di Ossovsky è stata molto apprezzata dalle istituzioni artistiche ufficiali. Nel 1979, Ossovsky ricevette la medaglia d'oro dell'Accademia italiana delle arti per la serie "Ritratti slavi" e nel 1985 ricevette il Premio di Stato dell'URSS per una serie di dipinti sul Cremlino di Mosca (1978-1985): "Cremlino d'oro" Collina”, “I secoli passano sul Cremlino”, “Il sole sulla Piazza Rossa”, “Piazza del Palazzo”. Nel 1988, Pyotr Ossovsky è stato insignito del titolo di "Artista popolare dell'URSS", allo stesso tempo è stato eletto membro corrispondente dell'Accademia delle arti dell'URSS. Nel 1997 gli è stata assegnata la Medaglia d'Oro dell'Accademia Russa delle Arti per una mostra di opere allestita nelle sue sale l'anno prima.
Il 22 febbraio 2013, Pyotr Ossovsky è stato insignito dell'Ordine al merito per la Patria, III grado. "Credo", ha detto l'artista, ritirando il premio, "che il realismo russo abbia un futuro, perché il nostro popolo non può vivere senza l'arte spirituale, che rende la vita di una persona più ricca e luminosa, piena di sentimenti e pensieri che elevano lui e il suo vero se stesso." grande terra».
Una delle più rappresentanti di spicco“stile severo”, maestro del paesaggio, artista “museale”, resta ancora oggi al centro dell'attenzione del pubblico.
Anche le opere di P. Ossovsky sono apprezzate sul mercato dell'arte. I suoi dipinti si trovano sia sui muri delle gallerie che nei cataloghi di una dozzina di case d'asta. Nel nostro