Stili e tendenze nelle arti visive. Come sviluppare il tuo stile di illustrazione

Il numero di stili e tendenze è enorme, se non infinito. La caratteristica chiave in base alla quale le opere possono essere raggruppate per stile sono i principi unificati del pensiero artistico. Il cambiamento di alcuni modi di pensare artistico da parte di altri (alternanza di tipi di composizioni, tecniche di costruzione spaziale, caratteristiche del colore) non è casuale. Anche la nostra percezione dell'arte è storicamente mutevole.
Costruendo un sistema di stili in ordine gerarchico, aderiremo alla tradizione eurocentrica. Il più grande nella storia dell'arte è il concetto di un'era. Ogni epoca è caratterizzata da una certa "immagine del mondo", che consiste in idee filosofiche, religiose, politiche, idee scientifiche, caratteristiche psicologiche della visione del mondo, norme etiche e morali, criteri estetici della vita, secondo i quali distinguono un'era da un'altro. Queste sono l'età primitiva, l'era del mondo antico, l'antichità, il medioevo, il rinascimento, la nuova era.
Gli stili nell'arte non hanno confini chiari, passano dolcemente l'uno nell'altro e sono in continuo sviluppo, mescolanza e opposizione. Nell'ambito di uno stile artistico storico ne nasce sempre uno nuovo, che a sua volta passa nel successivo. Molti stili coesistono contemporaneamente e quindi non esistono affatto “stili puri”.
Diversi stili possono coesistere nella stessa epoca storica. Ad esempio, Classicismo, Accademicismo e Barocco nel XVII secolo, Rococò e Neoclassicismo nel XVIII secolo, Romanticismo e Accademicismo nel XIX secolo. Stili come, ad esempio, il classicismo e il barocco sono chiamati grandi stili, poiché si applicano a tutti i tipi di arte: architettura, pittura, arti e mestieri, letteratura, musica.
Dovrebbe essere distinto: stili artistici, tendenze, tendenze, scuole e caratteristiche dei singoli stili dei singoli maestri. All'interno di uno stile, possono esserci diverse direzioni artistiche. La direzione artistica è composta sia da segni tipici di una data epoca sia da modi peculiari di pensiero artistico. Lo stile Art Nouveau, ad esempio, include una serie di tendenze dall'inizio del secolo: post-impressionismo, simbolismo, fauvismo e così via. D'altra parte, il concetto di simbolismo come movimento artistico è ben sviluppato in letteratura, mentre in pittura è molto vago e accomuna artisti stilisticamente così diversi da essere spesso interpretato solo come una visione del mondo che li accomuna.

Di seguito sono riportate le definizioni di epoche, stili e tendenze che si riflettono in qualche modo nelle moderne arti belle e decorative.

	- uno stile artistico che si è formato nei paesi dell'Europa occidentale e centrale nei secoli XII-XV. Fu il risultato della secolare evoluzione dell'arte medievale, la sua fase più alta e allo stesso tempo il primo stile artistico internazionale paneuropeo della storia. Ha coperto tutti i tipi di arte: architettura, scultura, pittura, vetrate, design di libri, arti e mestieri. La base dello stile gotico era l'architettura, caratterizzata da archi ogivali che si slanciano verso l'alto, vetrate multicolori, smaterializzazione visiva della forma. Elementi di arte gotica si trovano spesso nell'interior design moderno, in particolare nella pittura murale, meno spesso nella pittura da cavalletto. Dalla fine del secolo scorso esiste una sottocultura gotica, chiaramente manifestata nella musica, nella poesia e nel design della moda.
	(Rinascimento) - (Rinascimento francese, Rinascimento italiano) Un'era nello sviluppo culturale e ideologico di un certo numero di paesi dell'Europa occidentale e centrale, nonché di alcuni paesi dell'Europa orientale. Le principali caratteristiche distintive della cultura rinascimentale: carattere secolare, visione umanistica del mondo, appello all'antico patrimonio culturale, una sorta di "risveglio" di esso (da cui il nome). La cultura del Rinascimento ha le caratteristiche specifiche dell'era di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, in cui il vecchio e il nuovo, intrecciati, formano una lega peculiare, qualitativamente nuova. Difficile è la questione dei confini cronologici del Rinascimento (in Italia - 14-16 secoli, in altri paesi - 15-16 secoli), della sua distribuzione territoriale e delle caratteristiche nazionali. Elementi di questo stile nell'arte moderna sono spesso usati nei dipinti murali, meno spesso nella pittura da cavalletto.
	- (dalla maniera italiana - tecnica, maniera) una tendenza nell'arte europea del XVI secolo. I rappresentanti del manierismo si sono allontanati dalla percezione armoniosa del mondo rinascimentale, dal concetto umanistico dell'uomo come perfetta creazione della natura. Un'acuta percezione della vita si univa a un desiderio programmatico di non seguire la natura, ma di esprimere la soggettiva "idea interiore" dell'immagine artistica che nasceva nell'anima dell'artista. Più chiaramente manifestato in Italia. Per il manierismo italiano 1520. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) si caratterizzano per la drammatica nitidezza delle immagini, la tragicità della visione del mondo, la complessità e l'esagerata espressività delle posture e dei motivi del movimento, l'allungamento delle proporzioni delle figure, le dissonanze cromatiche e chiaroscurali . Recentemente, è stato utilizzato dagli storici dell'arte per riferirsi a fenomeni nell'arte contemporanea associati alla trasformazione degli stili storici.
	- stile artistico storico, originariamente distribuito in Italia nel mezzo. XVI-XVII secolo, e poi in Francia, Spagna, Fiandre e Germania nei secoli XVII-XVIII. Più in generale, questo termine è usato per definire le tendenze sempre nuove di una visione del mondo irrequieta e romantica, che pensa in forme espressive e dinamiche. Infine, in ogni tempo, in quasi tutti gli stili storico-artistici, si può trovare il proprio "periodo barocco" come palcoscenico della massima ascesa creativa, tensione delle emozioni, esplosività delle forme.
	- stile artistico nell'arte dell'Europa occidentale XVII - presto. XIX secolo e in russo XVIII - inizio. XIX, riferendosi al patrimonio antico come ideale da seguire. Si è manifestato in architettura, scultura, pittura, arti e mestieri. Gli artisti classicisti consideravano l'antichità il risultato più alto e ne fecero il loro standard nell'arte, che cercavano di imitare. Nel tempo, è rinato nell'accademismo.
	- una tendenza nell'arte europea e russa degli anni 1820-1830, che sostituì il classicismo. I romantici hanno portato in primo piano l'individualità, contrapponendo la bellezza ideale dei classicisti alla realtà "imperfetta". Gli artisti erano attratti da fenomeni luminosi, rari, straordinari, nonché da immagini di natura fantastica. Nell'arte del romanticismo, un'acuta percezione ed esperienza individuale gioca un ruolo importante. Il romanticismo ha liberato l'arte dai dogmi astratti del classicismo e l'ha rivolta alla storia nazionale e alle immagini del folklore.
	- (dal lat. sentimento - sentimento) - una direzione dell'arte occidentale della seconda metà del XVIII secolo, che esprime delusione per una "civiltà" basata sugli ideali di "ragione" (l'ideologia dell'Illuminismo). S. proclama il sentimento, la riflessione solitaria, la semplicità della vita contadina del “piccolo uomo”. J. J. Rousseau è considerato l'ideologo di S..
	- una direzione nell'arte che si sforza di mostrare sia la forma esterna che l'essenza dei fenomeni e delle cose con la massima verità e affidabilità. Come un metodo creativo combina caratteristiche individuali e tipiche durante la creazione di un'immagine. Il tempo più lungo della direzione dell'esistenza, che si sviluppa dall'era primitiva fino ai giorni nostri.
	- direzione nella cultura artistica europea della fine del XIX-inizio del XX secolo. Sorto come reazione al dominio delle norme della "sanità" borghese nella sfera umanitaria (in filosofia, estetica - positivismo, in arte - naturalismo), il simbolismo prese forma prima di tutto nella letteratura francese della fine degli anni '60 e '70, e in seguito si diffuse in Belgio, Germania, Austria, Norvegia, Russia. I principi estetici del simbolismo per molti aspetti risalivano alle idee del romanticismo, così come ad alcune dottrine della filosofia idealistica di A. Schopenhauer, E. Hartmann, in parte F. Nietzsche, al lavoro e alla teorizzazione del compositore tedesco R. Wagner. Il simbolismo contrapponeva la realtà vivente al mondo delle visioni e dei sogni. Un simbolo generato dall'intuizione poetica ed esprimente il significato ultraterreno dei fenomeni, nascosto alla coscienza ordinaria, era considerato uno strumento universale per comprendere i segreti dell'essere e della coscienza individuale. L'artista-creatore era considerato un intermediario tra il reale e il soprasensibile, trovando ovunque "segni" di armonia mondiale, indovinando profeticamente i segni del futuro sia nei fenomeni moderni che negli eventi del passato.
	- (dall'impressione francese - impressione) una tendenza nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, nata in Francia. Il nome fu introdotto dal critico d'arte L. Leroy, che commentò in modo sprezzante la mostra di artisti del 1874, dove, tra gli altri, il dipinto di C. Monet “Sunrise. Impressione". L'impressionismo affermava la bellezza del mondo reale, sottolineando la freschezza della prima impressione, la variabilità dell'ambiente. L'attenzione predominante alla risoluzione di problemi puramente pittorici ha ridotto l'idea tradizionale del disegno come componente principale di un'opera d'arte. L'impressionismo ha avuto un forte impatto sull'arte dei paesi europei e degli Stati Uniti, ha suscitato interesse per le scene della vita reale. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, ecc.)
	- una tendenza nella pittura (sinonimo di divisionismo), che si è sviluppata nell'ambito del neoimpressionismo. Il neoimpressionismo ebbe origine in Francia nel 1885 e si diffuse anche in Belgio e in Italia. I neoimpressionisti hanno cercato di applicare gli ultimi progressi nel campo dell'ottica nell'arte, secondo i quali la pittura, composta da punti separati di colori primari, nella percezione visiva dà una fusione di colori e l'intera gamma della pittura. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	post impressionismo- nome collettivo condizionale delle principali direzioni della pittura francese fino al XIX - 1 ° trimestre. 20 ° secolo L'arte del post-impressionismo è nata come reazione all'impressionismo, che ha fissato l'attenzione sul trasferimento del momento, sulla sensazione di pittoricità e ha perso interesse per la forma degli oggetti. Tra i postimpressionisti ci sono P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh e altri.
	- stile nell'arte europea e americana a cavallo tra il XIX e il XX secolo. L'Art Nouveau ha ripensato e stilizzato le caratteristiche dell'arte di epoche diverse e ha sviluppato le proprie tecniche artistiche basate sui principi di asimmetria, ornamentalità e decoratività. Le forme naturali diventano anche oggetto di stilizzazione della modernità. Questo spiega non solo l'interesse per gli ornamenti vegetali nelle opere dell'Art Nouveau, ma anche la loro stessa struttura compositiva e plastica: un'abbondanza di contorni curvilinei, shchix fluttuanti, contorni irregolari, che ricordano le forme vegetali. Strettamente connesso con la modernità è il simbolismo, che è servito come base estetica e filosofica per la modernità, basandosi sulla modernità come implementazione plastica delle sue idee. L'Art Nouveau aveva nomi diversi in diversi paesi, che sono essenzialmente sinonimi: Art Nouveau - in Francia, Secessione - in Austria, Jugendstil - in Germania, Libertà - in Italia.
	- (dal francese moderno - moderno) il nome generico di una serie di movimenti artistici della prima metà del XX secolo, caratterizzati dalla negazione delle forme tradizionali e dell'estetica del passato. Il modernismo è vicino all'avanguardia e contrario all'accademismo.
	- un nome che unisce la gamma di movimenti artistici diffusi negli anni 1905-1930. (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Espressionismo, Dadaismo, Surrealismo). Tutti questi ambiti sono accomunati dal desiderio di rinnovare il linguaggio dell'arte, di ripensarne i compiti, di conquistare la libertà di espressione artistica.
	- indirizzo in art.XIX - presente. XX secolo, basato sulle lezioni creative dell'artista francese Paul Cezanne, che ha ridotto tutte le forme dell'immagine alle forme geometriche più semplici e il colore - a costruzioni contrastanti di toni caldi e freddi. Il cézannismo è servito come uno dei punti di partenza per il cubismo. In larga misura, il cezannismo influenzò anche la scuola di pittura realistica domestica.
	- (da fauve - selvaggio) tendenza d'avanguardia nell'arte francese n. 20 ° secolo Il nome "selvaggio" è stato dato dalla critica moderna a un gruppo di artisti che apparvero nel 1905 nel Salon parigino degli Indipendenti, ed era ironico. Il gruppo comprendeva A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen e altri, la ricerca di impulsi nella creatività primitiva, l'arte del Medioevo e dell'Oriente.
	- deliberata semplificazione dei mezzi visivi, imitazione delle fasi primitive dello sviluppo dell'arte. Questo termine si riferisce al cosiddetto. arte ingenua di artisti che non hanno ricevuto un'istruzione speciale, ma sono stati coinvolti nel processo artistico generale tra la fine del XIX e l'inizio del XIX secolo. XX secolo. Le opere di questi artisti - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov e altri sono caratterizzate da una sorta di infantilismo nell'interpretazione della natura, una combinazione di forma generalizzata e meschina letteralità nei dettagli. Il primitivismo della forma non predetermina affatto la primitività del contenuto. Spesso funge da fonte per professionisti che hanno preso in prestito forme, immagini, metodi dall'arte popolare, essenzialmente primitiva. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse si sono ispirati al primitivismo.
	- una direzione nell'arte che si è sviluppata seguendo i canoni dell'antichità e del Rinascimento. Esisteva in molte scuole d'arte europee dal XVI al XIX secolo. L'accademismo ha trasformato le tradizioni classiche in un sistema di regole e regolamenti "eterni" che hanno incatenato le ricerche creative, ha cercato di opporsi alla natura vivente imperfetta con forme di bellezza "alte" migliorate, extranazionali e senza tempo portate alla perfezione. L'accademismo è caratterizzato da una preferenza per le trame della mitologia antica, temi biblici o storici alle trame della vita contemporanea per l'artista.
	- (cubisme francese, da cubo - cubo) direzione nell'arte del primo quarto del XX secolo. Il linguaggio plastico del cubismo si basava sulla deformazione e scomposizione degli oggetti in piani geometrici, sullo spostamento plastico della forma. La nascita del cubismo cade nel 1907-1908, alla vigilia della prima guerra mondiale. Il leader indiscusso di questa tendenza fu il poeta e pubblicista G. Apollinaire. Questa tendenza è stata una delle prime a incarnare le tendenze principali nell'ulteriore sviluppo dell'arte del ventesimo secolo. Una di queste tendenze era il predominio del concetto sul valore artistico del dipinto stesso. J. Braque e P. Picasso sono considerati i padri del cubismo. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris e altri si unirono alla corrente emergente.
	- una tendenza nella letteratura, nella pittura e nel cinema nata nel 1924 in Francia. Ha contribuito notevolmente alla formazione della coscienza dell'uomo moderno. Le figure principali del movimento sono Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dalì, Luis Bunuel, Juan Mirò e molti altri artisti provenienti da tutto il mondo. Il surrealismo ha espresso l'idea dell'esistenza oltre il reale, l'assurdità, l'inconscio, i sogni, i sogni ad occhi aperti acquistano qui un ruolo particolarmente importante. Uno dei metodi caratteristici dell'artista surrealista è l'allontanamento dalla creatività cosciente, che lo rende uno strumento che in vari modi estrae immagini bizzarre del subconscio, simili alle allucinazioni. Il surrealismo è sopravvissuto a diverse crisi, è sopravvissuto alla seconda guerra mondiale e gradualmente, fondendosi con la cultura di massa, intersecandosi con la transavanguardia, è entrato nel postmodernismo come parte integrante.
	- (dal lat. futurum - futuro) movimento letterario e artistico nell'arte degli anni '10. Assegnandosi il ruolo di prototipo dell'arte del futuro, il futurismo come programma principale proponeva l'idea di dissolvere gli stereotipi culturali e offriva invece l'apologia della tecnologia e dell'urbanesimo come principali segni del presente e del futuro. Un'importante idea artistica del futurismo era la ricerca di un'espressione plastica della rapidità del movimento come segno principale del ritmo della vita moderna. La versione russa del futurismo portava il nome di kybofuturismo e si basava su una combinazione dei principi plastici del cubismo francese e del futurismo delle impostazioni estetiche generali europee.

Testa:

Disegniamo una figura che assomiglia a un uovo capovolto con un'estremità appuntita rivolta verso il basso. Questa figura è chiamata OVOIDE.
Verticalmente e orizzontalmente, lo dividiamo esattamente a metà con linee sottili.

verticale
la linea è l'asse di simmetria (è necessario affinché le parti destra e sinistra
si è rivelato di dimensioni uguali e gli elementi dell'immagine non erano accesi
diverso livello).
Orizzontale: la linea degli occhi. Lo dividiamo in cinque parti uguali.

Nella seconda e quarta parte sono gli occhi. Anche la distanza tra gli occhi è uguale a un occhio.

La figura seguente mostra come disegnare l'occhio (l'iride e la pupilla lo faranno
non completamente visibili - la palpebra superiore li copre parzialmente), ma non abbiamo fretta
per fare ciò, prima finisci il nostro schizzo.

Dividi la parte dalla linea degli occhi al mento per due: questa è la linea su cui sarà il naso.
Dividi la parte dalla linea degli occhi alla sommità della testa in tre parti uguali. Il segno superiore è la linea da dove crescono i capelli)

Anche la parte dal naso al mento è divisa in tre parti. Il segno superiore è la linea delle labbra.
La distanza dalla palpebra superiore alla punta del naso è uguale alla distanza dal bordo superiore dell'orecchio a quello inferiore.

Ora facciamo il nostro singhiozzo vuoto standard in tre flussi.
linee,
disegnato dai bordi esterni degli occhi ci mostrerà dove disegnare il collo.
Linee dai bordi interni degli occhi: la larghezza del naso. Linee tracciate in un arco da
il centro delle pupille è la larghezza della bocca.

Quando colorizzi l'immagine, nota che il rilievo
parti (fronte, guance, naso e mento) saranno più chiare, e le orbite, gli zigomi,
il contorno del viso e il punto sotto il labbro inferiore sono più scuri.

La forma del viso, occhi, sopracciglia, labbra, naso, orecchie e
eccetera. tutte le persone sono diverse. Pertanto, quando disegni il ritratto di qualcuno, prova
vedere queste caratteristiche e sovrapporle su un pezzo standard.

Un altro esempio del fatto che i tratti del viso di ognuno sono diversi.

Bene, qui vediamo come disegnare una faccia di profilo e mezzo giro - i cosiddetti "tre quarti"
A
disegnando una faccia a mezzo giro, devi tenere conto delle regole
prospettiva: l'occhio lontano e il lato opposto del labbro appariranno più piccoli.

Andiamo alla foto figure umane.
Per rappresentare il corpo nel modo più corretto possibile, devi conoscere alcuni segreti, come quando disegni i ritratti:

L'unità di misura del corpo umano è la "lunghezza della testa".
- l'altezza umana è in media di 7,5 lunghezze della testa.
- Gli uomini, ovviamente, di solito sono leggermente più alti delle donne.
-
Certo, iniziamo a disegnare il corpo dalla stessa testa che faremo
misurare tutto. Hai disegnato? Ora rimandiamo la sua lunghezza altre sette volte.
Questa sarà la crescita del raffigurato.
- La larghezza delle spalle è pari a due lunghezze della testa per gli uomini e una lunghezza e mezza per le donne.
- Nel punto in cui finisce la terza testa :), ci saranno un ombelico e un braccio piegato al gomito.
- Il quarto è il luogo da cui crescono le gambe.
- Il quinto è il centro della coscia. Qui è dove finisce la lunghezza del braccio.
- Sesto - parte inferiore del ginocchio.
-
Non puoi credermi, ma la lunghezza delle braccia è uguale alla lunghezza delle gambe, la lunghezza del braccio dalla spalla
al gomito sarà leggermente inferiore alla lunghezza dal gomito alla punta delle dita.
- La lunghezza del pennello è uguale all'altezza del viso (nota, non la testa - la distanza dal mento alla sommità della fronte), la lunghezza del piede è uguale alla lunghezza della testa.

Sapendo tutto questo, puoi ritrarre in modo abbastanza plausibile la figura di una persona.

Preso in un gruppo dedicato ai graffiti VKontakte.

Forme delle labbra

forma del naso

Forme degli occhi

Forme di brogue da donna

(c) Il libro "Come disegnare una testa e una figura umana" di Jack Hamm

Le proporzioni della figura del bambino differiscono da
proporzioni adulte. Meno volte la lunghezza della testa è ostacolata nella crescita
bambino, più giovane è.

Nel ritratto di un bambino, le cose sono un po' diverse.
Il viso del bambino è più arrotondato, la fronte è più grande. Se disegniamo un orizzontale
linea al centro del viso del bambino, allora questa non sarà la linea degli occhi, come
era nel ritratto di un adulto.

Per imparare a disegnare una persona non solo
in piedi come un pilastro, semplificheremo temporaneamente la nostra immagine. Andiamocene
solo la testa, il torace, la colonna vertebrale, il bacino e si fissano a tutto questo
braccia e gambe. La cosa principale è mantenere tutte le proporzioni.

Avendo una versione così semplificata della figura umana, possiamo facilmente dargli qualsiasi posa.

Quando abbiamo deciso una posa, possiamo
coltiva carne sul nostro scheletro semplificato. Non dimenticare che il corpo non lo è
angolare e non è costituito da rettangoli: proviamo a disegnare in modo uniforme
linee. In vita il corpo si assottiglia gradualmente, anche alle ginocchia e ai gomiti.

Per rendere l'immagine più viva, occorre dare carattere ed espressione non solo al volto, ma anche alla posa.

Mani:

Dita su una tavola così liscia, le articolazioni dell'intero scheletro sono le parti più larghe delle ossa.

(c) Anatomia per artisti: è semplice di Christopher Hart

Lo stile è la direzione generale dello sviluppo dell'arte, i cui campioni rappresentativi sono uniti dal significato ideologico, dalla tecnica di trasmissione e dai metodi caratteristici dell'attività creativa. Gli stili nell'arte della pittura erano strettamente intrecciati, sviluppati in tendenze correlate, esistevano in parallelo, arricchendosi a vicenda.

Stili e tendenze pittoreschi si sono formati sotto l'influenza dell'ideologia, dello sviluppo politico ed economico della società, della religione e delle tradizioni.

Storia dello sviluppo

La storia dello sviluppo degli stili dimostra la complessa evoluzione culturale della società.

Gotico

Ha avuto origine in Francia nei secoli XI-XII. Lo stile si sviluppò sul territorio dell'Occidente, e dal XIII al XIV secolo, nell'Europa centrale. L'origine e l'evoluzione di questa direzione furono sotto l'influenza significativa della chiesa. Il Medioevo è un periodo di dominio del potere della chiesa sul potere secolare, quindi gli artisti gotici hanno lavorato con soggetti biblici. Le caratteristiche distintive dello stile sono: luminosità, pretenziosità, dinamismo, emotività, pomposità, disattenzione alla prospettiva. L'immagine non sembra monolitica: sembra un mosaico di diverse azioni raffigurate su tela.

Rinascimento o Rinascita

Venne dall'Italia nel XIV secolo. Per circa 200 anni questa direzione è stata dominante ed è diventata la base per lo sviluppo del rococò e del Rinascimento settentrionale. Tratti artistici caratteristici dei dipinti: ritorno alle tradizioni dell'antichità, culto del corpo umano, interesse per i dettagli, idee umanistiche. Questa direzione non era focalizzata sulla religione, ma sul lato secolare della vita. Il Rinascimento settentrionale dell'Olanda e della Germania era diverso: qui il Rinascimento era percepito come un rinnovamento della spiritualità e della fede cristiana che precedette la Riforma. Rappresentanti: Leonardo da Vinci, Raffaello Santi, Michelangelo Buonarroti.

Manierismo

Direzione nello sviluppo della pittura del XVI secolo. Ideologicamente opposto al Rinascimento. Gli artisti si sono allontanati dall'idea di perfezione umana e umanesimo verso la soggettivazione dell'arte, concentrandosi sul significato interiore di fenomeni e oggetti. Il nome dello stile deriva dalla parola italiana "modo", che riflette pienamente l'essenza del manierismo. Rappresentanti: J. Pontormo, J. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barocco

Uno stile pittorico e culturale lussureggiante, dinamico e lussuoso che ebbe origine in Italia nel XVI secolo. Per 200 anni, la direzione si è sviluppata in Francia, Germania, Spagna. La pittura barocca è piena di colori vivaci, un'attenzione particolare è rivolta ai dettagli e alle decorazioni. L'immagine non è statica, emotiva, quindi il barocco è considerato la fase più intensa ed espressiva nello sviluppo della pittura.

Classicismo

Ha avuto origine nei paesi dell'Europa occidentale nel XVII secolo, dopo 100 anni ha raggiunto i paesi dell'Europa orientale. L'idea principale è un ritorno alla tradizione dell'antichità. Ritratti, paesaggi, nature morte sono facilmente riconoscibili grazie alla riproduzione dogmatica, all'attuazione di chiare regole di stile. Il classicismo è rinato nell'accademismo, uno stile che ha assorbito le caratteristiche più sorprendenti dell'antichità e del Rinascimento. N. Poussin, J.-L. David, Russian Wanderers hanno lavorato in questo stile.

Romanticismo

Sostituito il classicismo nel secondo quarto del XIX secolo. Caratteristiche artistiche: il desiderio di trasmettere individualità, anche se imperfetta, emotività, espressività dei sentimenti, immagini fantastiche. L'arte degli artisti romantici nega le norme e le regole del palcoscenico classico nello sviluppo della pittura. L'interesse per le tradizioni popolari, le leggende e la storia nazionale sta rivivendo. Rappresentanti: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Simbolismo

La direzione culturale della fine del XIX - XX secolo, la base ideologica è stata tratta dal romanticismo. In primo luogo, la creatività era un simbolo e l'artista era un intermediario tra la realtà e il fantastico mondo della creatività.

Realismo

Ricerca artistica, che mette in primo piano l'accuratezza del trasferimento di forme, parametri, sfumature. Caratterizzato dalla naturalezza, l'accuratezza dell'incarnazione dell'essenza interiore e del guscio esterno. Questo stile è il più ampio, popolare e sfaccettato. I suoi rami sono tendenze moderne: fotografia e iperrealismo. Rappresentanti: G. Courbet, T. Rousseau, Wanderers, J. Breton.

Impressionismo

Ha avuto origine tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Patria - Francia. L'essenza dello stile è l'incarnazione della magia della prima impressione nella foto. Questo breve momento è stato trasmesso dagli artisti con l'aiuto di brevi pennellate di pittura sulla tela. Tali immagini sono meglio percepite non a distanza ravvicinata. Le opere degli artisti sono piene di colori e luce. Il post-impressionismo divenne una fase nello sviluppo dello stile, caratterizzato da una maggiore attenzione alla forma e ai contorni. Artisti: O. Renoir, K. Pissarro, K. Monet, P. Cezanne.

Moderno

Uno stile originale e luminoso, che divenne la base per la formazione di molte tendenze pittoriche del XX secolo. La direzione ha raccolto le caratteristiche dell'arte di tutte le epoche: emotività, interesse per gli ornamenti, plasticità, predominanza di contorni lisci e curvilinei. Il simbolismo divenne la base per lo sviluppo. Il moderno è ambiguo: si è sviluppato nei paesi europei in modi diversi e con nomi diversi.

avanguardia

Stili artistici caratterizzati dal rifiuto del realismo, dal simbolismo del trasferimento di informazioni, dalla luminosità dei colori, dall'individualizzazione e dalla libertà del design creativo. La categoria delle avanguardie comprende: surrealismo, cubismo, fauvismo, futurismo, espressionismo, astrattismo. Rappresentanti: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dalì.

Primitivismo o stile ingenuo

Una regia caratterizzata da una rappresentazione semplificata della realtà.

Gli stili elencati sono diventati le principali pietre miliari nello sviluppo della pittura: continuano a trasformarsi in nuove forme di autoespressione creativa degli artisti.

Disegnare una persona può essere l'esperienza più viva e profonda nella vita di un artista. Oggi abbiamo preparato per voi consigli del famoso artista italiano Giovanni Civardi dal libro Drawing the Human Figure. Lascia che questa conoscenza diventi fonte di ispirazione e stimolo creativo, contribuendo a trasmettere stati d'animo e ricordi sotto forma di disegno.

Puoi disegnare una figura umana e un ritratto con qualsiasi materiale, dalle matite agli acquerelli. La matita è lo strumento più comune grazie al suo basso costo e versatilità. Il carboncino è ottimo per i disegni veloci con un forte contrasto tonale e meno adatto per i dettagli fini. Per l'inchiostro si consiglia carta spessa e liscia di buona qualità. Tecnica mista è la combinazione simultanea di diversi materiali in un disegno.

Sperimenta per trovare le tue tecniche che raggiungeranno la massima espressività e prova a sfruttare gli effetti casuali.

Fondamenti di anatomia plastica

Gli artisti studiano l'anatomia per creare rappresentazioni significative della figura umana. Per riprodurlo in modo affidabile, devi non solo vedere, ma anche capire cosa stai disegnando.

Grazie alla conoscenza dell'anatomia, l'immagine diventa più convincente e viva della natura stessa.

In generale, la forma del corpo è determinata dallo scheletro come struttura portante principale, dai muscoli che lo adattano e dallo strato superiore, costituito da una copertura grassa. È utile conoscere e ricordare le dimensioni relative delle ossa articolari e le loro proporzioni l'una rispetto all'altra e all'intero scheletro, perché senza queste informazioni è impossibile "trasferire" la figura su carta e acquisire l'abilità di rappresentarla in modo logico e costantemente.

Di seguito sono riportate le ossa principali del cranio e del collo, insieme a pelle, cartilagine, grasso, muscoli, capelli e altro, a strati.

Lo scheletro del busto maschile, racchiuso nei contorni del corpo, nei piani frontale, laterale e dorsale. Questi disegni ti aiuteranno ad ampliare la tua comprensione della forma del corpo.

Arti superiori e inferiori su piani diversi. Come nella figura precedente, la struttura scheletrica è mostrata all'interno dei contorni del corpo.

È importante per un artista considerare tre aspetti principali dei muscoli: il loro aspetto (forma, dimensione, volume), posizione (dove si trova in relazione alla struttura scheletrica e ai muscoli adiacenti, quanto profondo o superficiale) e il suo meccanismo (funzione, direzione della trazione muscolare, corrispondenti cambiamenti di forma e così via).

Proporzioni

Affinché il disegno risulti credibile, è necessario tenere conto delle proporzioni del corpo e della testa. L'altezza della testa dalla fronte al mento è spesso presa come unità di misura per determinare le proporzioni del corpo. La crescita di una figura standard è di circa 7,5-8 teste. Ricorda alcune relazioni più proporzionali: la testa si adatta tre volte all'altezza totale del corpo con il collo, anche la lunghezza degli arti superiori è di tre teste e quelle inferiori sono tre e mezzo.

Nonostante le differenze tra i singoli individui, possono essere suddivisi in tre gruppi principali di tipi con caratteristiche simili all'interno di ciascuno: ectomorfi, mesomorfi ed endomorfi.

Mani e piedi

È facile capire perché le mani ei piedi, con la loro disposizione e varietà di gesti possibili, siano considerati le parti del corpo più difficili da riprodurre in modo convincente, sia nel disegno che nella pittura e nella scultura.

Disegnare mani e piedi è il modo migliore per studiarli nel modo più dettagliato possibile. Potrai assicurarti di ottenere studi abbastanza degni, paragonabili ai disegni del viso, e forse anche più espressivi.

Per prima cosa viene eseguito uno schizzo veloce (ma diligente) nell'angolazione e nella posa desiderate, quindi con l'aiuto della sua "geometrizzazione" vengono trasmesse le informazioni anatomiche e il volume necessari, dopodiché vengono perfezionati i dettagli e i contorni individuali.

Oltre che per la testa e il corpo, sarà utile conoscere la struttura delle ossa dei piedi e delle mani.

Disegna le tue mani e i tuoi piedi in diverse posizioni. Puoi usare uno specchio. Prendi diversi oggetti tra le mani e trasmetti la dinamica e l'umore del gesto nel disegno.

Testa, volto, ritratto

L'interesse principale per l'artista è sempre stato il volto e la figura. Un ritratto non è solo una riproduzione di caratteristiche fisiche allo scopo di riconoscere un particolare personaggio. Questa è una storia attraverso le espressioni facciali sulla sua personalità, pensieri ed emozioni.

Come disegnare una testa e le caratteristiche del viso, abbiamo descritto in dettaglio nell'articolo.

Schema di una persona in uno sketchbook

Uno schizzo è un disegno dal vero veloce e spontaneo, realizzato in breve tempo con diverse linee informative. Disegnare persone in un ambiente naturale, che non posano di proposito e probabilmente non sanno di essere osservate e rappresentate, sembrerà difficile all'inizio. Ma non c'è un vero motivo per avere paura o perdersi: quasi nessuno presterà attenzione a quello che stai facendo.

La capacità di ritrarre estranei in qualsiasi posizione e in qualsiasi circostanza è importante per lo sviluppo delle capacità tecniche e del giudizio di valore. E, naturalmente, la pratica regolare del disegno affinerà il dono dell'osservazione e dell'interpretazione, ti insegnerà a guardare più in profondità e prendere decisioni rapide, sicure, comprensibili e accurate.

Alcuni suggerimenti rapidi su come disegnare dal vero:

• Prendi l'abitudine di portare sempre con te una matita e un piccolo quaderno da disegno, che si adatti facilmente alla borsa o alla tasca, nel caso qualcosa attiri la tua attenzione o sembri interessante.
• Vale la pena sforzarsi di aumentare l'osservazione e la capacità di isolare la cosa principale e allo stesso tempo coordinare la percezione visiva, il giudizio di valore e i movimenti delle mani durante l'esecuzione del disegno.
• Non cercare di riflettere su carta tutto ciò che vedi in natura. Dato il tempo limitato e il rischio di cambiare la posa della modella da un momento all'altro, concentrati sull'essenziale.
• Per imparare a usare la tua memoria per riprodurre la sequenza delle fasi fondamentali del movimento, avrai bisogno della massima concentrazione nell'osservare le persone.

Se sei ancora confuso dal pensiero di disegnare persone dal vero (nota che se qualcuno si accorge di ciò che stai facendo, alcuni potrebbero esserne lusingati e altri se ne andranno con dispiacere), disegnare statue può aiutarti a prepararti mentalmente e acquisire un po' di fiducia. sculture in musei o monumenti in luoghi pubblici.

Controlla se il museo ti consente di disegnare e, in tal caso, sentiti libero di andare lì e disegnare le sculture da diverse angolazioni.

È così che insegnano a disegnare a Parigi, nel cortile del Louvre con le sculture.

Fasi del disegno

Se stai disegnando una figura intera (vestita o nuda), puoi prima tracciare delle linee veloci e leggere per delineare lo spazio che occuperà su un foglio di carta (altezza massima, larghezza massima, ecc.). Quindi delinea le parti principali del corpo (testa, busto e arti) tenendo conto delle proporzioni relative.

Termina il disegno con contorni essenziali, ombre e dettagli che non possono essere tralasciati. Cancella le linee guida se necessario.

Nel libro "Drawing the Human Figure" ogni sezione viene analizzata nel modo più dettagliato possibile, ci sono immagini dettagliate dello scheletro umano su diversi piani. Viene descritto in dettaglio come disegnare una figura di un uomo, una donna, un bambino, una persona anziana, come raffigurare un nudo e una persona vestita.

Quando disegni una faccia, la prima cosa da fare è preparare la base. Lo fai? Se sì, che aspetto ha?

Sto usando cerchio e linea. Ora la domanda importante è perché?

Bene bene. Eppure semplice. La linea e il cerchio rappresentano un teschio diviso a metà! "No-o-t" - dici tu - "l'anatomia fa schifo!". Si hai ragione. Ma ascoltami.

Caratteristiche importanti del cranio che dovresti assolutamente conoscere sono le proporzioni relative del cranio e della mascella, così come la posizione delle orbite, del naso e dei denti. Ricorda, un cerchio è una sfera.

Traccio linee orizzontali, principalmente per mostrare dove andranno le sopracciglia, gli occhi, il naso e la bocca. Poiché il cranio è una sfera, le linee saranno curve, indipendentemente dall'angolazione con cui le guardi. Notare in quale direzione sono curve le linee in questo e in altri esempi.

È molto importante capire dove si troveranno occhi, naso e denti, perché determinano la posizione dei tratti principali del viso.

Uso spesso la regola che gli occhi e il naso formano un triangolo isoscele.

GRANDE. Quindi, in questa fase, sarebbe una buona idea ripassare le parti più importanti del viso. Memorizza la loro geometria!

OCCHI

Sono sferici. La sfera penetra nel tuo viso (romantico, lo so).

Mi dispiace, le pupille sono piccole.

Cosa rende gli occhi vecchi, giovani, diffidenti, sorpresi? In che modo le sopracciglia possono aiutare a trasmettere emozioni diverse?

Per verificare se i tuoi occhi stanno guardando nella giusta direzione, rimuovi semplicemente l'iride. Se gli alunni guardano dove devono, allora va tutto bene! Evviva.

NASO

I nasi sono solitamente piramidi con le narici nella parte inferiore! La linea passante per il centro della piramide corrisponde al meridiano nel disegno.

Ci sono un numero enorme di variazioni sul tema del naso! Considera la lunghezza, la rotondità, la punta, la dimensione delle narici, ecc. Puoi cercare altre lezioni dedicate specificatamente ai nasi!

La forma delle labbra dipende anche dalla forma della bocca. Più corta è la lunghezza della bocca (chiusa, con labbra allungate), più carnose saranno le labbra. Più lunga è la bocca (in un sorriso, quando piangi), più sottili sono le labbra.

La bocca è abbastanza difficile da lavorare, ma è del tutto possibile. Devi ricordare la posizione dei denti nel cranio! E il fatto che la bocca sia collegata alla faringe.

Anche la forma delle labbra dipende molto da molti fattori. È necessario distinguere tra labbra spesse e sottili. Dritto e curvo. Tutto in alto o tutto in basso. OH.

Fortunatamente, sapevi già tutto questo. Passiamo ora al più interessante: trasferiremo tutto in faccia! Eh si, anche la forma del viso puoi fare quello che vuoi! Se non vuoi disturbare, puoi seguire la via degli anime e sfornare facce identiche come se fossero state schiaffeggiate con una pala. Ma se rispetti te stesso, probabilmente sai che tutte le persone hanno forme del viso diverse.

L'unica differenza tra una faccia magra e una faccia grassa è dove si deposita il grasso! Quando lavori con il grasso facciale, presta attenzione alle guance, alla mascella e al collo.

Altri punti a cui prestare attenzione: zigomi, sopracciglia, mento e la distanza tra tutti questi dettagli...

Ce l'hai fatta! :D Ora devi raccogliere tutte le tue conoscenze e applicarle in modo tale da creare un viso vivo e che respira. Ciò significa che devi aggiungere un angolo ed emozioni, non guardiamo a un punto come robot. Beh, la maggior parte di noi.

Quando inclini la testa, non dimenticare di curvare tutte le linee verso il cranio!

La stessa regola del cerchio e della linea si applica se visto da dietro! Immagina solo di poter vedere attraverso di loro.

Quando la testa si alza, le linee seguono lo stesso percorso. Al contrario, quando la testa è inclinata, le linee sono dirette verso il basso. Le parti più remote (fronte e, di conseguenza, il mento) rientrano nella riduzione dello scorcio.

ultimi commenti

1. In faccia, è tutta una questione di geometria. Non importa quanto pensi di essere figo, ma se inizi a fare tutto a caso, sono sicuro che andrà a finire male. Quindi non c'è bisogno di indovinare! Ci vogliono solo un paio di secondi per disegnare un cerchio e un paio di linee. E non pensare nemmeno ai dettagli finché non costruisci una buona struttura. Assicurati che gli elementi importanti siano allineati esattamente con le linee sul cranio e sul viso.
2. Evita facce simili.
3. Se non sei sicuro delle proporzioni del viso, traduci il disegno in Photoshop e se il viso sembra normale quando ruoti il ​​disegno orizzontalmente/verticalmente, allora sei dannatamente figo.
4. I volti sono diversi. Studia i tuoi parenti, per esempio (i tuoi o altri). Guarda cosa hanno in comune e cosa è diverso!