L'importanza delle arti decorative e applicate nel nostro tempo. L'importanza delle arti decorative e applicate nella vita umana. Pittura artistica su ceramica

25.03.2019

Le arti decorative e applicate risalgono a secoli fa. L'uomo ha creato oggetti esteticamente pregevoli durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi opere di decorativo arti applicate inseparabili dal tempo in cui furono creati. Nel suo significato fondamentale, il termine “arti decorative e applicate” indica il design articoli casalinghi, che circonda una persona per tutta la vita: mobili, tessuti, armi, piatti, gioielli, vestiti - ad es. tutto ciò che costituisce l'ambiente con cui entra quotidianamente in contatto. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero solo essere comode e pratiche, ma anche belle.

Questo concetto formato dentro cultura umana non subito. Inizialmente, ciò che circonda una persona Vita di ogni giorno, non era percepito come dotato di valore estetico, sebbene le cose belle circondassero sempre una persona. Anche nell'età della pietra, oggetti domestici e armi erano decorati con ornamenti e incisioni; poco dopo apparvero decorazioni in osso, legno e metallo; un'ampia varietà di materiali cominciò ad essere utilizzata per il lavoro: argilla e pelle, legno e oro , fibre di vetro e vegetali, artigli e denti di animali.

La pittura ricopriva piatti e tessuti, gli abiti venivano decorati con ricami, intagli e rilievi venivano applicati su armi e stoviglie, Gioielleria fatto da quasi tutti i materiali. Ma la persona non ha pensato al fatto che le cose familiari che lo circondano per tutta la vita possano essere chiamate arte e separate in un movimento separato. Ma già durante il Rinascimento l’atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano cominciò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è sorto l'interesse per l'abitazione come oggetto di pari valore dal punto di vista valore estetico altri oggetti d'arte. Il massimo sviluppo Le arti decorative e applicate raggiungono l'era del Barocco e del Classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente dell'oggetto era nascosta dietro squisite decorazioni: pittura, ornamento, rilievo.

Nelle opere altamente artistiche dei maestri dell'Antica Rus' inizio plastico si manifestava in ogni cosa: cucchiai e tazze si distinguevano per le loro forme scultoree, proporzioni impeccabili, i mestoli di solito assumevano la forma di un uccello: un'anatra o un cigno, la testa e il collo fungevano da manico. Tale metafora aveva un significato magico e il significato rituale determinava la tradizionalità e la stabilità di tale forma vita popolare. Catene d'oro, monistas realizzati con eleganti medaglioni, perline colorate, pendenti, ampi braccialetti d'argento, anelli preziosi, tessuti decorati con ricami: tutto ciò ha conferito multicolore e ricchezza all'abito festivo delle donne. Dipingere una brocca con motivi, decorare un tagliere con intagli, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede grande abilità. Probabilmente tali prodotti decorati con ornamenti sono classificati come arti decorative e applicate anche perché è necessario mettere le mani e l'anima per realizzarli Bellezza straordinaria.

Moderno processo artistico complesso e sfaccettato, altrettanto complesso e sfaccettato realtà moderna. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque: a casa e in ufficio, in azienda e nel parco, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto, da anelli, braccialetti e set da caffè a un complesso tematico completo di opere d'arte decorativa e applicata per un grande pubblico edificio pubblico- porta una varietà di ricerche artistiche di maestri che intuiscono sottilmente lo scopo decorativo di un oggetto, organizzano e riempiono la nostra vita di bellezza.

Per creare i comfort necessari per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali.

E la bellezza e il beneficio sono sempre vicini quando i maestri si mettono al lavoro, e soprattutto materiali diversi(legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.) creano oggetti di uso quotidiano che sono opere d'arte.

Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna

Per capire se una situazione così strana con il DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta-Cinquanta del Novecento, un lungo periodo di formazione di “sindacati Artisti sovietici" Fu allora che, durante la creazione dell’Unione degli artisti di Mosca e dell’Unione degli artisti dell’URSS, le sezioni di pittori, grafici, scultori, designer, monumentalisti e “artisti applicati” furono assegnate in condizioni di parità.

Probabilmente, quando si risolvevano i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma già allora cominciò la confusione. Sokolov K.F. Religione Popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Il fatto è che non è facile nominare un pittore che non abbia mai progettato in vita sua alcun museo, mostra, chiesa o centro culturale. O uno scultore che ha lavorato esclusivamente con la plastica da cavalletto e non ne ha messo in scena uno solo opera monumentale. O un artista grafico che non ha mai illustrato un solo libro.

E così si è scoperto che tra le sezioni “uguali” c'erano tre “più uguali”: pittori, grafici e scultori, che potevano praticare la loro arte da cavalletto “alta”, e allo stesso tempo fare tutto ciò che, in teoria, rientrava di competenza dei monumentalisti e dei progettisti. E, naturalmente, nessuno poteva vietare ai membri delle sezioni "applicate" di dedicarsi alla "pittura da cavalletto", ma alle mostre di massa di tutta l'Unione potevano contare solo su sale "periferiche", e l'acquisto di opere da cavalletto da loro era l'eccezione piuttosto che la regola.

Di conseguenza, qualsiasi artista che si sia cimentato almeno una volta nella vita pittura da cavalletto, grafica o scultura (cosa potremmo fare a meno di questa?), hanno cercato innanzitutto di unire sezioni che formassero “arte in in senso stretto" E se per qualche motivo non ha funzionato, è andato "in periferia" - per diventare un monumentalista o un designer. Naturalmente c'erano delle eccezioni a questa regola, ma solo per ragioni soggettive: se, ad esempio, tutti gli amici dell'artista N si erano già iscritti all'Unione degli artisti di Mosca come grafici, allora perché N ha provato a diventare un pittore o un grafico? con il rischio enorme di essere “squalificati” alle commissioni di accoglienza? È meglio rivolgersi direttamente alla “nostra gente”...

Ci sono state anche eccezioni di altro tipo: nella storia di ciascuna delle “unioni di artisti sovietici”, così come nelle unioni creative russe attualmente esistenti, sono noti periodi in cui monumentalisti o designer erano “al timone”. Ma queste situazioni erano e sono di natura esclusivamente soggettiva.

A onor del vero, notiamo che la divisione tra pittori e grafici era altrettanto arbitraria e soggettiva. Ad esempio, quale pittore non ha mai dipinto con gli acquerelli e non ha mai preso in mano i pastelli?

Ma classificare il pittore come artista grafico, sebbene ciò significasse l'impossibilità di essere al centro d'onore di qualsiasi mostra tutta dell'Unione (e ora tutta russa), non equivaleva ancora a uscire dall '"arte in senso stretto" - Bene.

Come abbiamo già visto, monumentalisti e designer non hanno perso il diritto di essere chiamati pittori e grafici e, di conseguenza, non sono usciti dall’“arte in senso stretto”. Gli scultori monumentali non si sono mai distinti dalla “comunità scultorea generale”.

Ma gli “specialisti applicati” sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda classe". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e i miniaturisti non sono pittori. Sull'albero rigoglioso e rigoglioso del riconoscimento ufficiale sovietico di lui scenario migliore brillava il titolo di “Honored Artist” o “Artista Onorato”. Artista popolare URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "altezze" per loro erano trascendentali. Inoltre, per la stragrande maggioranza degli "artisti applicati", la "navigazione libera" era praticamente esclusa (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare denaro attraverso "artigianato popolare" o " di sinistra".

Dopo lo schianto Il potere sovietico le restrizioni formali sulle attività degli “specialisti applicati” sono scomparse, ma è rimasto lo stigma dello status di “seconda classe”. Recentemente, a uno dei miei conoscenti, un pittore che ha presentato domanda di ammissione all'Unione degli artisti di Mosca, è stato offerto di unirsi alla sezione DPI solo perché ha avuto l'imprudenza di portare comitato di ammissione non fotografie delle sue opere da cavalletto, ma cartoline stampate con le relative riproduzioni. E se ai nostri tempi non esistessero unioni “alternative” di artisti, questo pittore sarebbe rimasto un “artista applicato”. Ramzin V.M. Incontra gli slavi. Mosca, 1992.

Da dove viene allora questo “status di seconda classe degli scienziati applicati” a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che, nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale “status di seconda classe” avesse alcune ragioni.

"Storicamente" - dal XVIII all'inizio del XX secolo - gioiellieri, soffiatori di vetro, ceramisti, ricamatori e altri "artigiani applicati" russi erano in gran parte "impersonalizzati". Il grande pubblico conosceva solo i nomi dei proprietari di fabbriche e laboratori, e quasi tutti gli artigiani - anche quelli più talentuosi - raramente avevano l'opportunità di mostrare la propria individualità di autori.

A proposito di pittori e scultori Accademia Imperiale l’arte, imponendo rigidamente il proprio stile e le “regole del gioco”, non ha quasi mai consentito la spersonalizzazione, conservando nella storia i nomi anche di numerosi “apprendisti”. E la stragrande maggioranza degli artigiani “ordinari” dell’industria della gioielleria, del vetro e della porcellana dell’Impero russo è irrimediabilmente sprofondata nell’oblio. L'ascesa senza precedenti dell '"arte decorativa e applicata dell'URSS" dell'autore avvenne solo alla fine degli anni Cinquanta del XX secolo.

E negli anni '30 e '50, leader unioni creative e i loro curatori degli organi del partito cercarono sinceramente (in ogni caso, secondo la tradizione "imperiale") di separare gli "agnelli dalle capre" - i "veri creatori" dagli "artigiani".

Fu allora che nacque la divisione degli artisti in “puri e impuri”: “pittori da cavalletto” e “artisti applicati”. In teoria, non era appropriato che i pittori e gli scultori “veri sovietici” guadagnassero soldi extra nell’artigianato popolare e producessero giocattoli (il fatto che molti veri artisti fossero costretti a guadagnare soldi extra come caricatori e fuochisti non viene discusso ora). Sì, e in teoria i "veri artisti" non avrebbero dovuto sfornare "cloni" delle loro opere, inserendo i loro dipinti e sculture nel flusso industriale - ma per un "artista applicato" questo sembra essere nell'ordine delle cose.

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Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

Pertanto, non inventeremo alcuna nuova definizione di DPI e ci rivolgeremo al russo dizionario enciclopedico(RES) - un libro concepito per affermare seccamente visioni stereotipate su qualsiasi fenomeno scientifico...

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1.1 Un posto speciale per le arti decorative e applicate

1.2 Filosofia delle arti e dei mestieri

2.1 L'emergere delle arti decorative e applicate

2.2 Il ruolo delle arti decorative e applicate nella società moderna

2.3 Arti decorative e applicate come parte integrante della vita culturale della società Conclusione Riferimenti

Introduzione Le arti decorative e applicate risalgono a secoli fa. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere di arte decorativa e applicata sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato fondamentale, il termine "arte decorativa e applicata" si riferisce alla progettazione di oggetti di uso quotidiano che circondano una persona per tutta la sua vita: mobili, tessuti, armi, stoviglie, gioielli, vestiti - cioè tutto ciò che costituisce l'ambiente con cui entra in contatto quotidiano. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero solo essere comode e pratiche, ma anche belle.

Questo concetto non si è formato subito nella cultura umana. Inizialmente, ciò che circonda una persona nella vita di tutti i giorni non era percepito come dotato di valore estetico, sebbene le cose belle circondassero sempre una persona. Anche nell'età della pietra, oggetti domestici e armi erano decorati con ornamenti e incisioni; poco dopo apparvero decorazioni in osso, legno e metallo; un'ampia varietà di materiali cominciò ad essere utilizzata per il lavoro: argilla e pelle, legno e oro , fibre di vetro e vegetali, artigli e denti di animali. La pittura copriva piatti e tessuti, i vestiti erano decorati con ricami, incisioni e goffrature venivano applicati su armi e piatti, i gioielli erano realizzati con quasi tutti i materiali. Ma la persona non ha pensato al fatto che le cose familiari che lo circondano per tutta la vita possano essere chiamate arte e separate in un movimento separato. Ma già durante il Rinascimento l’atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano cominciò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è nato l'interesse per la casa come oggetto uguale in termini di valore estetico ad altri oggetti d'arte. Le arti decorative e applicate raggiunsero il loro massimo sviluppo nell'era del Barocco e del Classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente dell'oggetto era nascosta dietro squisite decorazioni: pittura, ornamento, rilievo.

Il processo artistico moderno è complesso e sfaccettato, così come la realtà moderna è complessa e sfaccettata. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque - a casa e negli uffici, nelle imprese e nei parchi, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto - dagli anelli, ai braccialetti, ai servizi da caffè fino al complesso tematico completo di opere d'arte decorativa e applicata per un grande edificio pubblico - porta con sé la varietà delle ricerche artistiche degli artigiani che intuiscono sottilmente lo scopo decorativo di un oggetto, organizzando e riempiendo la nostra quotidianità. vivere con bellezza. Per creare i comfort necessari per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali. E la bellezza e il beneficio sono sempre vicini quando gli artigiani si mettono al lavoro e creano oggetti per la casa che sono opere d'arte con una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.).

1. Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

1.1 Il posto speciale delle arti decorative e applicate Da più di un secolo, le questioni etniche hanno letteralmente invaso le discipline umanistiche in varie forme, riordinando concetti già più o meno consolidati e rivelando in essi nuovi contenuti. In effetti, il sincretismo osservabile esternamente e la natura euristica della realtà etnica non possono rimanere inosservati da quelle sezioni della scienza umana che pretendono di essere sistematiche. Insieme ai compiti di ricerca volti a rivelare gli aspetti generali e particolari della vita culturale delle varie comunità etniche, esiste un bisogno urgente, in molti casi urgente, di ricercare usanze popolari e una pronta soluzione dei problemi psicologici pratici per stabilire mezzi culturali minimi. Zavyalov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Un posto speciale tra questi mezzi è occupato dall'arte decorativa e applicata (DA), che è strettamente connessa, o meglio, cresce organicamente dallo stile di vita abituale e radicato delle persone . I DPI dei popoli, in particolare, sono ora giustamente considerati non come oggetti domestici diventati obsoleti, ma come multifunzionali, costituendo sia la mentalità (secondo L. Febvre) che l'uso utilitaristico, come cose belle, abilmente realizzate secondo lo scopo previsto , in cui i talenti delle persone e cultura artistica, tecnologia e autocoscienza etnica, personalità dell’autore e norma sociale. DPI non ha mai limitato le sue funzioni solo a quelle utilitaristiche e di design (decorative). Qualunque lato della vita Tribù slava Non importa come la guardi, puoi vedere ovunque due influenze reciproche: la vita sull'arte e l'arte sulla vita. In questa “inspirazione ed espirazione” dell’arte si può chiaramente rintracciare il ritmo del pensiero delle persone, la sua natura magica e “pre-logica”, la visione del mondo e il sistema di relazioni interpersonali, i principi educativi e le priorità etiche. Il modo in cui questi crogioli del passato comprensione artistica i segnali influenzano la generazione emergente comunità etnica, e costituisce l'oggetto della nostra ricerca.

Secondo G. W. F. Hegel, “se stiamo parlando riguardo all'obiettivo universale e non accidentale dell'arte, quindi, tenendo conto della sua essenza spirituale, questo obiettivo finale può essere solo spirituale e, inoltre, non accidentale, ma radicato nella natura stessa dell'obiettivo. Per quanto riguarda l'edificazione, questo obiettivo non può che essere quello, attraverso opera d'arte portare alla coscienza il contenuto spirituale essenziale. L’arte è diventata davvero la prima maestra delle nazioni”. A ciò va aggiunto che l'identità di un popolo e della sua cultura significa la sua autorealizzazione, l'alterità del suo spirito, l'espansione e la rappresentazione esterna sotto forma di prodotti della cultura del suo pensiero. Immagine artistica, che accompagna il lavoro di DPI, non è solo determinato dalla destinazione della cosa o del materiale di cui è composto, ma è anche fonte, mezzo e risultato dell'attività semiotica, segno e messaggio allo stesso tempo. Pertanto, in relazione ai popoli con DPI incontaminato, si può sostenere che dalla nascita il bambino inizia ad essere allevato dagli inviati della cultura, per il momento muti. Qualunque oggetto il bambino raccolga, lui gioventù si trova di fronte alla necessità di deoggettivare questo messaggio, poiché non esiste un simile ambito della vita quotidiana, soprattutto tra i popoli il cui stile di vita non è ancora molto ricettivo agli ideali della cultura di massa europea o asiatica (dove, insieme alla cultura di massa , l'alienazione cresce), dove i prodotti della “vita quotidiana” dell'artista non penetrano. Compito generale La ricerca psicologica può, quindi, essere focalizzata sulla determinazione del ruolo effettivo dei DPI nello sviluppo dei bambini, poiché anche l'osservazione più preliminare delle forme educative consolidate indica il profondo coinvolgimento dei DPI in tutte le circostanze culturali delle attività dei bambini.

Tra gli slavi, che continuano a vivere nel contesto della natura (villaggi, fattorie, ecc.) e mantengono il loro modo di vita abituale, questa educazione avviene con l'aiuto del mondo circostante, inquadrato non solo in “concetti”, come in una società tecnogenica, ma anche in uno spazio simbolico simbolico - una rifrazione unica attraverso decorazioni, ornamenti e mosaici incorporati negli oggetti domestici, nell'abbigliamento, nello stile di vita, nei comandamenti eternamente viventi e preservati con cura, che vengono tramandati di secolo in secolo non nel modo sotto forma di istruzioni e consigli su “come vivere”, ma attraverso tradizioni di studio, utilizzo e produzione congiunti di oggetti d’arte. Secondo D. Lukács, “decorando gli strumenti, l'uomo, già da tempo immemorabile, si è impossessato di singoli oggetti, che praticamente e tecnicamente erano stati per lungo tempo una sorta di continuazione del suo raggio d'azione soggettivo, li ha resi parte integrale"Io" nel senso più ampio." In effetti, il DPI tra gli slavi è una lingua comunitaria, i primi segni di padronanza che si possono trovare nei bambini. Questa lingua non si è formata apposta, ma nelle condizioni di un collegio nazionale - una sorta di confine tra due culture: esterna e interna, la propria - diventa uno dei sistemi di mezzi più sviluppati che un bambino è pronto a utilizzare in una nuova situazione. Zavyalov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

1.2. Filosofia delle arti decorative e applicate La combinazione di metodi etnografici, storici, culturali e psicologici è, secondo I. S. Kon, necessaria per il corretto studio del fenomeno psicologico e filosofico. Ecco perché, nello studio della funzione e del ruolo dei DPI nella formazione dei mezzi per un adeguato orientamento dei bambini nel mondo che ci circonda, consideriamo il DNI come un fenomeno indipendente, cercando nei primi passi di determinarne i confini e delinearne i confini. fenomenologia filosofica. In altre parole, il focus della nostra ricerca è rivolto al fenomeno dei DPI in modo tale da rivelare le forme di comportamento ludico e di pensiero del bambino, colte nella risoluzione di problemi particolari. significato generale DPI per sviluppo del bambino.

Studi di carattere culturale e filosofico (J. Fraser, E. B. Tylor, L. Lévy-Bruhl, C. Lévi-Strauss, ecc.) ci rivelano uno speciale spazio di esistenza del pensiero degli slavi “naturali” (che mantengono ancora un rapporto speciale con la natura). Questo spazio è pieno dello spirito (pensiero) della gente, pieno delle sue tradizioni, rituali, stereotipi etnici, saturo di magia, partecipazione, illogicità, ecc. DPI è una parte essenziale e integrante, un momento di questo spirito; una delle sue proprietà più significative è che si rivolge a ciascuna generazione emergente della comunità etnica. È in questa forma (insieme alla scrittura formalizzata o emergente) nel linguaggio dei costumi e degli ornamenti, dei modelli e dei rituali, delle decorazioni e dei colori che i popoli preservano la connessione dei tempi e trasmettono le loro norme etniche dal nonno al nipote. Questo processo di trasferimento è nascosto da occhi indiscreti; è intimo, anche se casuale, non sistematico, anche se regolare; è dato dalla quotidianità culturale, ma viene padroneggiato in modo personale.

Quindi, tutti gli articoli per la casa degli slavi erano realizzati esclusivamente con materiali locali. Ogni famiglia aveva molti contenitori di corteccia di betulla forme diverse e scopi, e gli uomini scolpivano mortai, vasche, palette e cucchiai di legno. Le scatole e le targhe erano originali. Vestiti e piccoli oggetti venivano conservati in sacchi e borse varie realizzate con pelli e tessuti. Forse più importanti di queste funzioni puramente pratiche e utilitaristiche erano le funzioni informative e magiche del DPI. Colorato e artistico, con grande fantasia venivano realizzati vestiti e scarpe. La funzione informativa (identificativa) era svolta da elementi di disegno di colore e ornamento, che erano molto diffusi. I motivi venivano usati per decorare vestiti, scarpe, cappelli, cinture, custodie per aghi, cuscini, borse, scatole, corpi e culle. L'ornamento degli slavi, come qualsiasi altra lingua etnica del grafema, si distingueva per la ricchezza di forme, la varietà dei soggetti, il rigore e la chiarezza della costruzione. Pertanto, l'ornamento degli oggetti, così come tutte le opere artistiche e artistiche in generale, dovrebbero essere percepite da noi non come una fantasia stravagante di un maestro, ma come una parte importante cultura popolare come mezzo per esprimere gusti artistici, caratteristiche nazionali persone, la loro visione del mondo e la storia. Hegel G.V.F. Estetica. T.1.M., 1968,

La funzione educativa del DPI potrebbe non essere chiaramente espressa per un osservatore esterno, ma la sua completezza e regolarità sono certamente evidenti. Già dalla culla, il bambino è accompagnato da oggetti per la casa realizzati con la brillante tecnica artistica del DPI. Per quanto possiamo giudicare dai risultati di sondaggi, interviste e osservazioni, durante questo inserimento nella cultura avviene una sorta di trasformazione della “simbiosi” dell’insegnante (tra i Khanty non è esplicitamente distinto; questa funzione è assunta da parte di tutti gli adulti che sono vicini al bambino), sistema segnico-simbolico dei DPI e del bambino. La distanza psicologica tra un adulto, un bambino e un oggetto inizia già nel prima infanzia trasformare significativamente questa cultura taciturna in una sorta di parità.

Essendo il linguaggio della comunità, DPI porta idee che uniscono le persone in un unico insieme, segno generale, che consolida le forze spirituali dei Khanty e le loro modalità di autocoscienza ed espressione di fede in un futuro migliore, i cui segni sono facilmente rilevabili nei bambini. Allo stesso tempo, è interessante notare che la lingua DPI non è stata completamente formata (o è già andata perduta) come universale etnico generale e viene utilizzata principalmente senza comprensione.

Molto probabilmente, il valore educativo del DPI supera tutte le nostre possibili idee al riguardo. Una cosa è chiara, non si limita alle funzioni pratiche e utilitaristiche: una volta i prodotti DPI svolgevano la funzione di “amuleto” e nessuna persona poteva farne a meno. Spiriti maligni lo avrebbero attaccato e ferito o gli avrebbero fatto ammalare. Questi prodotti, ad esempio gioielli per donne, ornamenti o segni generici sull'abbigliamento maschile, proteggevano i loro proprietari dall'influenza di forze che non erano ancora loro chiare. Al giorno d'oggi, le persone non sempre ammettono di credere nel potere miracoloso dei gioielli e degli ornamenti, ma continuano a realizzare e indossare questi prodotti. Oltre al fatto che le decorazioni sono belle e sorprendenti, esprimono nazionali, tribali e etnia, e in precedenza portavano anche l'identificazione personale dei loro proprietari. Hegel G. V. F. Estetica. T.1.M., 1968,

Il fenomeno dei DPI permea tutti gli aspetti della vita: l'organizzazione della vita quotidiana, il modo di vivere le relazioni familiari, tribali, “internazionali” e interpersonali. Il ruolo e le funzioni del DPI (educativo, rituale, estetico, ecc.) Non sono sempre chiaramente compresi, ma sono costantemente contenuti in qualsiasi oggetto d'arte, nelle manifestazioni del comportamento e del pensiero. Il DPI è compreso, apprezzato e trae vantaggio dai suoi risultati da tutti i membri di questa comunità e non sarebbe esagerato affermare che molte persone vi si impegnano. L'atteggiamento nei confronti dei DPI può servire come misura dell'autoconsapevolezza delle persone come contenente integrità mentale ed espressa in un “messaggio” segno-simbolico per gli altri e per se stessi.

2. Sviluppo delle arti decorative e applicate nel nostro tempo

2.1 L'emergere delle arti decorative e applicate Pertanto, non inventeremo alcuna nuova definizione di DPI e ci rivolgeremo al Dizionario enciclopedico russo (RES), un libro progettato per affermare seccamente visioni stereotipate su qualsiasi fenomeno scientifico. Il DPI è presentato in un articolo molto dettagliato:

“Arti decorative e applicate - il campo delle arti decorative: la creazione prodotti artistici, avente uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti d'uso (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.). Durante la lavorazione di materiali (metallo, legno, vetro, ceramica, vetro, tessuti, ecc.), vengono utilizzati fusione, forgiatura, goffratura, incisione, intaglio, pittura, intarsio, ricamo, materiale stampato, ecc. D.-p.i. formare parte ambiente soggetto, circondando una persona, e arricchendola esteticamente. Di solito sono strettamente collegati con l'ambiente architettonico e spaziale, con l'insieme (sulla strada, nel parco, all'interno) e tra loro, formando un'arte. complesso. Sorto in tempi antichissimi, D.p.i. è diventata una delle aree più importanti arte popolare, la sua storia è legata all'artigianato artistico, alle attività di artisti professionisti e artigiani popolari, dall'inizio del XX secolo. anche con la progettazione e la costruzione.” Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Quindi, nell'arte decorativa si distinguono tre tipologie: arte monumentale e decorativa, arte design e DPI.

Poniamoci subito la domanda: perché, di queste tre tipologie, solo DPI ha ricevuto un nome breve, noto quasi a tutti? Perché esiste un nome comunemente usato per gli artisti che lavorano nel campo DPI - "artisti DPI" e non "artisti MDI" e "artisti OI"? Perché quando parlano di “artisti applicati” intendono gli artisti DPI?

Vediamo: qualsiasi muralista può dirsi pittore (o scultore), e questo non susciterà obiezioni da parte di nessuno. I grafici (come i cartellonisti, come gli scenografi) hanno il diritto di essere chiamati grafici o pittori (e talvolta scultori), e anche questo è nell'ordine delle cose. Ma i “lavoratori DPI” (ufficialmente “lavoratori applicati”) sono gioiellieri, ceramisti, scatolisti, artigiani e chiunque altro, ma non pittori, grafici o scultori.

E se un gioielliere o un ceramista si definisce uno scultore, e un miniatore di Palekh o Rostov si definisce un pittore, allora ciò farà sì che chi lo circonda, nella migliore delle ipotesi, sia leggermente sorpreso e, nel peggiore dei casi, un'osservazione del tipo “non sederti sulla slitta sbagliata."

È caratteristico che il RES abbia “legittimato” anche questa situazione. Senza entrare nelle vicissitudini delle varie tendenze della filosofia dell’arte, i suoi autori affermano:

"Arte,

1) sottile creatività in generale - letteratura, architettura, scultura, pittura, grafica, arti e mestieri, musica, danza, teatro, cinema e altri tipi di attività umana, unite come forme artistiche e figurative di esplorazione del mondo...

2) In senso stretto: belle arti.

3) Un alto grado di abilità e padronanza in qualsiasi campo di attività."

E “arte in senso stretto” – fine – secondo gli autori di RES, significa “quella sezione dell’arte plastica che unisce pittura, scultura e grafica”.

E se l'assenza, ad esempio, dell'arte fotografica in questo elenco esaustivo può essere spiegata dalla relativa novità di quest'ultima, allora perché DPI, che esiste da molti millenni, non è stata inclusa qui?

2.2 Il ruolo delle arti decorative e applicate nella società moderna Per capire se una situazione così strana con il DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta-Cinquanta del Novecento - il lungo periodo di formazione delle “sindacati degli artisti sovietici”. Fu allora che, durante la creazione dell’Unione degli artisti di Mosca e dell’Unione degli artisti dell’URSS, le sezioni di pittori, grafici, scultori, designer, monumentalisti e “artisti applicati” furono assegnate in condizioni di parità.

Probabilmente, quando si risolvevano i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma già allora cominciò la confusione. Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Il fatto è che non è facile nominare un pittore che non abbia mai progettato in vita sua alcun museo, mostra, chiesa o centro culturale. O uno scultore che ha lavorato esclusivamente nella scultura da cavalletto e non ha prodotto una sola opera monumentale. O un artista grafico che non ha mai illustrato un solo libro.

Di conseguenza, qualsiasi artista che almeno una volta nella sua vita si cimentasse con la pittura da cavalletto, la grafica o la scultura (cosa potremmo farne a meno?), cercò innanzitutto di unire sezioni che formassero “arte in senso stretto”. E se per qualche motivo non ha funzionato, è andato "in periferia" - per diventare un monumentalista o un designer. Naturalmente c'erano delle eccezioni a questa regola, ma solo per ragioni soggettive: se, ad esempio, tutti gli amici dell'artista N si erano già iscritti all'Unione degli artisti di Mosca come grafici, allora perché N ha provato a diventare un pittore o un grafico? con il rischio enorme di essere “squalificati” alle commissioni di accoglienza? È meglio rivolgersi direttamente alla “nostra gente”...

Ma gli “specialisti applicati” sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda classe". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e i miniaturisti non sono pittori. Sull'albero rigoglioso e diffuso del riconoscimento ufficiale sovietico, nella migliore delle ipotesi, ricevettero il titolo di "Artista Onorato" o "Artista Onorato". Artista popolare dell'URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "altezze" erano trascendentali per loro. Inoltre, per la stragrande maggioranza degli "artisti applicati", la "navigazione libera" era praticamente esclusa (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare denaro attraverso "artigianato popolare" o " di sinistra".

Dopo il crollo del potere sovietico, le restrizioni formali alle attività degli “specialisti applicati” scomparvero, ma rimase lo stigma dello status di “seconda classe”. Recentemente, a uno dei miei conoscenti pittori, che ha presentato domanda di ammissione all'Unione degli artisti di Mosca, è stato offerto di unirsi alla sezione DPI solo perché ha avuto l'imprudenza di portare al comitato di selezione non fotografie delle sue opere da cavalletto, ma cartoline stampate con le loro riproduzioni. E se ai nostri tempi non esistessero unioni “alternative” di artisti, questo pittore sarebbe rimasto un “artista applicato”. Ramzin V.M. Incontra gli slavi. Mosca, 1992.

Da dove viene allora questo “status di seconda classe degli scienziati applicati” a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che, nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale “status di seconda classe” avesse alcune ragioni.

“Storicamente” – dal XVIII all’inizio del XX secolo – i gioiellieri, i soffiatori di vetro, i ceramisti, i ricamatori e altri “artigiani applicati” russi erano in gran parte “impersonalizzati”. Il grande pubblico conosceva solo i nomi dei proprietari di fabbriche e laboratori, e quasi tutti gli artigiani - anche quelli più talentuosi - raramente avevano l'opportunità di mostrare la propria individualità di autori.

Nei confronti di pittori e scultori, l’Accademia Imperiale delle Arti, imponendo rigidamente il proprio stile e le “regole del gioco”, non ha quasi mai consentito l’anonimato, preservando per la storia i nomi anche di molti “apprendisti”. E la stragrande maggioranza degli artigiani “ordinari” dell’industria della gioielleria, del vetro e della porcellana dell’Impero russo è irrimediabilmente sprofondata nell’oblio. L'ascesa senza precedenti dell '"arte decorativa e applicata dell'URSS" dell'autore avvenne solo alla fine degli anni Cinquanta del XX secolo.

E negli anni '30 e '50, i leader dei sindacati creativi e i loro curatori degli organi del partito cercarono sinceramente (in ogni caso, secondo la tradizione "imperiale") di separare gli "agnelli dalle capre" - i "veri creatori ” dagli “artigiani”.

2.3 Arte decorativa e applicata come parte integrante della vita culturale della società Resta quindi irrisolta una questione: cosa fare con il termine "arte decorativa", le cui opere, secondo RES, "modellano artisticamente l'ambiente materiale" circondare una persona e introdurre un inizio estetico e fantasioso", ma allo stesso tempo, in contrasto con "autosufficiente" cavalletto art, "rivelano il loro contenuto più pienamente nell'insieme per la cui organizzazione estetica sono stati creati"?

Sì, è ancora più difficile rifiutarsi di dividere le opere d'arte in “decorative” e “da cavalletto” piuttosto che in “cavalletto” e “applicate”. Ma, a quanto pare, dovremo fare anche questo. Altrimenti, i dibattiti sul carattere "da cavalletto" o "decorativo" della "Madonna Sistina" possono essere infiniti e infruttuosi, poiché qualsiasi opinione qui può essere esclusivamente soggettiva.

Ad esempio, dove appare meglio “Trinity” di Andrei Rublev? In una cattedrale poco illuminata e fumosa, ma “nativa”, o nella Galleria Tretyakov, dove è assolutamente conservata ed esposta secondo tutti i canoni espositivi?

Secondo la visione stereotipata “legalizzata” dal RES, risulta che il riconoscimento del capolavoro di Rublev come opera “decorativa” o “da cavalletto” dipende esclusivamente dalla risposta alla domanda su dove “Trinità” appare migliore. Ma in realtà probabilmente non è vano che si affermi: un capolavoro è un capolavoro anche in Africa. E inoltre, anche se all'improvviso si scopre che la "Trinità" di Rublev sembra migliore nella cattedrale che nella Galleria Tretyakov, qualcuno oserà davvero chiamare questa icona un'"opera d'arte decorativa"?

In effetti, nessuno chiama la “Trinità” in questo modo. Ma la stragrande maggioranza delle icone viene solitamente classificata in questo modo.

Ciò significa che con “arte decorativa” risulta esattamente lo stesso che con DPI: nella pratica consolidata della storia dell’arte, questo termine a priori esprime lo status di second’ordine dell’opera. Di conseguenza, tutte le tipologie d'arte in esso incluse risultano essere “di seconda categoria”: monumentale, progettuale e applicata, con la quale abbiamo iniziato la nostra ricerca.

Ma pochi di loro critici d'arte contemporanea non sarà d'accordo sul fatto che la sensazione di un insieme, la capacità di formare un unico spazio, l'uscita del concetto dell'autore oltre lo scopo dell'opera stessa è “ acrobazie”, e non tutti i “pittori da cavalletto” ne sono capaci [22, sito web].

Abbiamo quindi il diritto di parlare di “seconda classe” qui? No e ancora no. Ma è proprio questa qualità di “seconda categoria” che ci viene dettata dalla moderna concezione stereotipata di “arte decorativa”.

Naturalmente, non abbandoneremo completamente il concetto di “decoratività” in quanto tale. Ad esempio, è possibile che un'opera d'arte venga inizialmente posizionata come “decorativa”, come avvenne con Raffaello con “ Madonna Sistina"o la "Trinità" di Rublev. Assistiamo anche all'uso diffuso di oggetti da “cavalletto” per scopi decorativi: la maggior parte delle opere d'arte bidimensionali e tridimensionali non si trovano ancora nei musei, ma nella “vita pubblica e privata” negli interni.

Ma oggi una cosa può finire all’interno, domani in un museo e dopodomani può ritornare di nuovo all’interno. Tutti questi casi sono soggetti solo alla valutazione locale e in nessun caso comportano la classificazione in categorie globali come il cavalletto o l'arte decorativa.

L.V. Tazba, nell’articolo “Rating of Artists and Philosophical Understanding of Art”, pubblicato nel terzo numero del libro di consultazione “Unified Art Rating”, ha definito il fenomeno dell’arte (al di là delle convenienze politico-economiche e sociali specifiche) come un soggetto- unità oggettuale “opera-artista”. Questo approccio, secondo L.V. Tazba, offre a tutti l'opportunità di esprimersi nella situazione di "spettatore-lavoro".

Queste definizioni ci aiuteranno a passare dai concetti obsoleti di cavalletto e arte decorativa a una terminologia più moderna. Dopotutto, "pittura da cavalletto" e "decoratività" classificano le opere d'arte in base alla loro posizione in uno spazio particolare: un tempio, un museo, un corridoio, una camera da letto, ecc. Ciò significa che abbiamo il diritto di dire che questi termini denotano il componente spaziale della situazione “spettatore”. lavoro".

Tutte le opere hanno indubbio merito artistico, ma c'è anche una certa calma e ripetizione di tecniche già presenti in esse. Le opere di molti maestri riconosciuti a volte mancano di coraggio creativo, acutezza e ricerca di novità nella forma. Forse è per questo che la mostra attira l’attenzione con tentativi di presentazione creatività nella tecnica del macramè, che è l'anno scorsoè diventato molto diffuso. Ciò vale principalmente per il grande trittico di T. Myazina (regione di Mosca) “ Boschetto di betulle"e l'arazzo degli artisti V. e N. Yanov "Fair" (Gorky). L'arazzo dei giovani artisti di Krasnodar V. e L. Zubkov “Kuban Niva”, eseguito in modo audace ed espressivo, ha suscitato grande interesse alla mostra. Anche la sua consistenza è stata trovata con successo, che ricorda leggermente il denso pane Kuban.

Tipi di plastica arti: vetro: ceramica, porcellana e altri - sono stati presentati principalmente alla mostra lavoro sperimentale. Le ricerche sono molto diverse. Nel vetro siamo già abituati a grandi forme decorative, che i nostri principali artisti del vetro utilizzano per esprimere la loro visione del mondo e talvolta pensieri filosofici profondi. Queste sono le opere di L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Sono interessanti per noi in termini di sviluppo di temi e immagini a cui questi artisti sono costantemente appassionati. Di mostra in mostra, l'abilità dell'incisione e del taglio del cristallo di A. Astvatsaturyan (Leningrado), O. Kozlova e V. Korneev (Gus-Khrustalny) cresce e si affina, la plastica nelle composizioni di S. Beskinskaya (Mosca), A Stepanova diventa più ricca e completa (Mosca), L. Urtaeva (Mosca), più emotiva e sottile combinazione di colori opere di G. Antonova (Mosca), S. Ryazanova (Mosca), D. e L. Shushkanov (Mosca). Glass è aperto agli artisti grandi opportunità nel trasmettere proprietà materiali come trasparenza, viscosità, fragilità, duttilità, spazialità. L'identificazione di tutte queste proprietà del vetro è stata possibile grazie all'alto livello tecnico della nostra industria del vetro. È difficile immaginare come sarebbero state le opere degli artisti di Gusev se la fabbrica non fosse stata in grado di saldare meravigliosi cristalli colorati, altrimenti difficilmente avremmo visto ultimi lavori B. Fedorov, se la fabbrica di cristalli Dyatkovo non avesse avuto una tradizione così ricca nel taglio del cristallo.

Da questa componente dipende in gran parte la percezione dell’unità soggetto-oggetto “artista-opera”. In effetti, qualsiasi spettatore percepisce l'opera (insieme alle informazioni che ha sull'artista) principalmente nello spazio circostante: museo, interno, religioso, urbano, ecc.

Chiariamo: non è solo lo spettatore a percepire l'opera nello spazio. Il disegno dell’artista solitamente prevede la natura “da cavalletto” o “decorativa” della creazione che si sta realizzando, cioè pensa anche ad una specifica collocazione nello spazio per essa. Ma questa idea è parte integrante dell’atto di creazione di un’opera e, pertanto, è inclusa nell’unità soggetto-oggetto “artista-opera”. E successivamente, la collocazione dell'opera nello spazio (per brevità, chiamiamola il “luogo dell'opera”) può cambiare molte volte - abbiamo già detto che oggi una cosa può essere all'interno, domani in un museo, e dopodomani potrà ritornare nuovamente all'interno.

Ci sembra utile fare ancora una precisazione. Indubbiamente, i valori dell'arte sono eterni e imperituri: ai nostri giorni non sono quasi necessarie profonde escursioni nella filosofia per affermare questo fatto. Eppure, la percezione di qualsiasi opera d'arte è significativamente correlata ai gusti e alle tradizioni di un'epoca particolare in cui vive lo spettatore. Compresa la questione dell’attribuzione al “Cavalletto” o “ arte decorativa"(ovvero nella motivazione per collocare una determinata opera in un museo, in una piazza, in un tempio, in una camera da letto, ecc.).

Pertanto, se abbandoniamo i concetti di “pittura da cavalletto” e “decoratività” come classificatori primari, dobbiamo aggiungere all'unità soggetto-oggetto componenti “artista-opera” che denotano la percezione dello spettatore - il luogo e il tempo di percezione dell'opera . Il luogo e il tempo di creazione di un'opera sono inclusi nella prima componente - "artista", pertanto, per distinguere la percezione dello spettatore dall'atto di creazione di un'opera, chiameremo il luogo e il tempo della percezione dello spettatore le circostanze di luogo e tempo.

Quindi, uno strumento teorico completo per la percezione, la valutazione e la classificazione di una particolare opera d'arte può essere l'unità soggetto-oggetto “opera d'artista”, esistente nelle circostanze di luogo e tempo.

Tutto problemi eterni la percezione dello spettatore - "mi piace-non mi piace", "buono-cattivo" - è determinata dall'interazione di queste categorie primarie. Ma in ogni caso nell’arte non c’è posto per il plagio e la replica non spirituale, ma solo per l’unicità e l’originalità dell’unità “artista-opera” (percepita diversamente nelle diverse circostanze di luogo e di tempo, ma senza che ciò ne muti la profonda, vera essenza) ) creano il fenomeno che chiamiamo arte.

E tutte le altre componenti della percezione, valutazione e classificazione delle opere d'arte (bidimensionalità o tridimensionalità, posizionamento primario “decorativo” o “da cavalletto”, collocazione decorativa o museale in una determinata epoca, stile realistico o astratto, plastica, combinazione di colori, materiali artistici, ecc.) possono svolgere solo il ruolo di ausiliario, ma non primario.

E a questo livello di comprensione non dovrebbe esserci divisione dei creatori in “puri e impuri” - pittori da cavalletto e artisti applicati, realisti e astrattisti, tradizionalisti e concettualisti, monumentalisti e miniaturisti. L’uguaglianza vera (e non dichiarativa) di tutti i movimenti e direzioni nell’arte è una delle più grandi conquiste della storia dell’arte del ventesimo secolo, ed è giunto il momento di allineare la terminologia di base a queste conquiste.

il gioielliere barocco applica il classicismo

Conclusione Le arti decorative e applicate risalgono a secoli fa. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere di arte decorativa e applicata sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato fondamentale, il termine "arte decorativa e applicata" si riferisce alla progettazione di oggetti di uso quotidiano che circondano una persona per tutta la sua vita: mobili, tessuti, armi, stoviglie, gioielli, vestiti - cioè tutto ciò che costituisce l'ambiente con cui entra in contatto quotidiano. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero solo essere comode e pratiche, ma anche belle.

La pittura copriva piatti e tessuti, i vestiti erano decorati con ricami, incisioni e goffrature venivano applicati su armi e piatti, i gioielli erano realizzati con quasi tutti i materiali. Ma la persona non ha pensato al fatto che le cose familiari che lo circondano per tutta la vita possano essere chiamate arte e separate in un movimento separato. Ma già durante il Rinascimento l’atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano cominciò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è nato l'interesse per la casa come oggetto uguale in termini di valore estetico ad altri oggetti d'arte. Le arti decorative e applicate raggiunsero il loro massimo sviluppo nell'era del Barocco e del Classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente dell'oggetto era nascosta dietro squisite decorazioni: pittura, ornamento, rilievo.

Nelle opere altamente artistiche dei maestri dell'antica Rus', il principio plastico si manifestava in ogni cosa: cucchiai e tazze si distinguevano per forme scultoree, proporzioni impeccabili, i mestoli di solito assumevano la forma di un uccello - un'anatra o un cigno, la testa e il collo fungeva da maniglia. Tale metafora aveva un significato magico e il significato rituale determinava la tradizionalità e la stabilità di tale forma nella vita popolare. Catene d'oro, monistas realizzati con eleganti medaglioni, perline colorate, pendenti, ampi braccialetti d'argento, anelli preziosi, tessuti decorati con ricami: tutto ciò ha conferito multicolore e ricchezza all'abito festivo delle donne. Dipingere una brocca con motivi, decorare un tagliere con intagli, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede grande abilità. Probabilmente, tali prodotti decorati con ornamenti sono classificati come arti decorative e applicate anche perché è necessario mettere le mani e l'anima per raggiungere una bellezza sorprendente.

E la bellezza e il beneficio sono sempre vicini quando gli artigiani si mettono al lavoro e creano oggetti per la casa che sono opere d'arte con una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.).

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introduzione

1.2 Filosofia delle arti e dei mestieri

Conclusione

introduzione

Il processo artistico moderno è complesso e sfaccettato, così come la realtà moderna è complessa e sfaccettata. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque: a casa e in ufficio, in azienda e nel parco, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto - dagli anelli, ai braccialetti, ai servizi da caffè fino al complesso tematico completo di opere d'arte decorativa e applicata per un grande edificio pubblico - porta con sé la varietà delle ricerche artistiche degli artigiani che intuiscono sottilmente lo scopo decorativo di un oggetto, organizzando e riempiendo la nostra quotidianità. vivere con bellezza. Per creare i comfort necessari per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali. E la bellezza e il beneficio sono sempre vicini quando gli artigiani si mettono al lavoro e creano oggetti per la casa che sono opere d'arte con una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.).

1. Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

1.1 Un posto speciale per le arti decorative e applicate

Da più di un secolo le questioni etniche hanno letteralmente invaso, sotto varie forme, le discipline umanistiche, riordinando concetti già più o meno consolidati e rivelando in essi nuovi contenuti. In effetti, il sincretismo osservabile esternamente e la natura euristica della realtà etnica non possono rimanere inosservati da quelle sezioni della scienza umana che pretendono di essere sistematiche. Insieme ai compiti di ricerca volti a rivelare il generale e lo speciale nella vita culturale delle varie comunità etniche, c'è un bisogno urgente, in molti casi urgente, di cercare costumi popolari e risolvere tempestivamente problemi psicologici pratici nella creazione di mezzi culturali minimi. Zavyalov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Un posto speciale tra questi mezzi è occupato dall'arte decorativa e applicata (DA), che è strettamente connessa, o meglio, cresce organicamente dallo stile di vita abituale e radicato delle persone. I DPI dei popoli, in particolare, sono ora giustamente considerati non come oggetti domestici diventati obsoleti, ma come multifunzionali, costituendo sia la mentalità (secondo L. Febvre) che l'uso utilitaristico, come cose belle, abilmente realizzate secondo lo scopo previsto , in cui i talenti delle persone e la cultura artistica, la tecnologia e l'autocoscienza del gruppo etnico, la personalità dell'autore e la norma sociale. DPI non ha mai limitato le sue funzioni solo a quelle utilitaristiche e di design (decorative). Non importa quale lato della vita della tribù slava si consideri, ovunque si possono vedere due influenze reciproche: la vita sull'arte e l'arte sulla vita. In questa “inspirazione ed espirazione” dell’arte si può chiaramente rintracciare il ritmo del pensiero delle persone, la sua natura magica e “pre-logica”, la visione del mondo e il sistema di relazioni interpersonali, i principi educativi e le priorità etiche. Il modo in cui questi segni, passati attraverso il crogiolo della comprensione artistica, influenzano la generazione emergente di una comunità etnica è l'oggetto della nostra ricerca.

Secondo G.V.F. Hegel, “se parliamo dell'obiettivo universale, e non accidentale, dell'arte, allora, tenendo conto della sua essenza spirituale, questo obiettivo finale può essere solo spirituale e, inoltre, non accidentale, ma radicato nell'arte. natura stessa del carattere dell'obiettivo. In rapporto all'edificazione, questo obiettivo non poteva che essere quello di portare alla coscienza un contenuto spirituale essenziale attraverso un'opera d'arte. L’arte è diventata davvero la prima maestra delle nazioni”. A ciò va aggiunto che l'identità di un popolo e della sua cultura significa la sua autorealizzazione, l'alterità del suo spirito, l'espansione e la rappresentazione esterna sotto forma di prodotti della cultura del suo pensiero. L'immagine artistica che accompagna un'opera DPI non è solo determinata dalla destinazione della cosa o del materiale di cui è composta, ma è anche fonte, mezzo e risultato dell'attività semiotica, segno e messaggio allo stesso tempo. Pertanto, in relazione ai popoli con DPI incontaminato, si può sostenere che dalla nascita il bambino inizia ad essere allevato dagli inviati della cultura, per il momento muti. Qualunque sia l'oggetto che un bambino raccoglie, fin dalla tenera età si trova di fronte alla necessità di deoggettivare questo messaggio, poiché non esiste un simile ambito della vita quotidiana, soprattutto tra i popoli il cui modo di vivere non è ancora molto ricettivo agli ideali di cultura di massa europea o asiatica (dove, insieme alla cultura di massa, c’è l’alienazione), dove i prodotti della “vita quotidiana” dell’artista non penetrano. Il compito generale della ricerca psicologica può, quindi, essere focalizzato sulla determinazione del ruolo effettivo dei DPI nello sviluppo dei bambini, poiché anche l'osservazione più preliminare delle forme educative consolidate indica il profondo coinvolgimento dei DPI in tutte le circostanze culturali dei bambini. attività.

Tra gli slavi, che continuano a vivere nel contesto della natura (villaggi, fattorie, ecc.) e mantengono il loro modo di vita abituale, questa educazione avviene con l'aiuto del mondo circostante, inquadrato non solo in “concetti”, come in una società tecnogenica, ma anche in uno spazio simbolico simbolico - una sorta di rifrazione attraverso decorazioni, ornamenti e mosaici incorporati negli oggetti domestici, nell'abbigliamento, nello stile di vita, nei comandamenti eternamente viventi e preservati con cura, che vengono tramandati di secolo in secolo non in sotto forma di istruzioni e consigli “come vivere”, ma attraverso tradizioni di studio, utilizzo e produzione congiunti di oggetti d’arte. Secondo D. Lukács, “decorando gli strumenti, l'uomo, già da tempo immemorabile, si è impossessato di singoli oggetti, che, sia praticamente che tecnicamente, erano stati per lungo tempo una sorta di estensione del suo raggio d'azione soggettivo, rendendoli parte integrante del suo “io” in senso lato”. In effetti, il DPI tra gli slavi è una lingua comunitaria, i primi segni di padronanza che si possono trovare nei bambini. Questa lingua non si è formata apposta, ma nelle condizioni di un collegio nazionale - una sorta di confine tra due culture: esterna e interna, la propria - diventa uno dei sistemi di mezzi più sviluppati che un bambino è pronto a utilizzare in una nuova situazione. Zavyalov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

1.2. Filosofia delle arti decorative e applicate

La combinazione di metodi etnografici, storici, culturali e psicologici è, secondo I. S. Kon, necessaria per il corretto studio del fenomeno psicologico e filosofico. Ecco perché, nello studio della funzione e del ruolo dei DPI nella formazione dei mezzi per un adeguato orientamento dei bambini nel mondo che ci circonda, consideriamo il DNI come un fenomeno indipendente, cercando nei primi passi di determinarne i confini e delinearne i confini. fenomenologia filosofica. In altre parole, il focus della nostra ricerca è rivolto al fenomeno dei DPI in modo tale da rivelare il significato generale dei DPI per lo sviluppo del bambino dietro le forme di comportamento ludico e di pensiero del bambino, colto nella risoluzione di problemi particolari.

Studi di carattere culturale e filosofico (J. Fraser, E. B. Taylor, L. Lévy-Bruhl, K. Lévy-Strauss, ecc.) ci rivelano uno speciale spazio di esistenza del pensiero degli slavi “naturali” (che mantengono ancora un rapporto speciale con la natura). Questo spazio è pieno dello spirito (pensiero) della gente, pieno delle sue tradizioni, rituali, stereotipi etnici, saturo di magia, partecipazione, illogicità, ecc. DPI è una parte essenziale e integrante, un momento di questo spirito; una delle sue proprietà più significative è che si rivolge a ciascuna generazione emergente della comunità etnica. È in questa forma (insieme alla scrittura formalizzata o emergente) nel linguaggio dei costumi e degli ornamenti, dei modelli e dei rituali, delle decorazioni e dei colori che i popoli preservano la connessione dei tempi e trasmettono le loro norme etniche dal nonno al nipote. Questo processo di trasferimento è nascosto da occhi indiscreti; è intimo, anche se casuale, non sistematico, anche se regolare; è dato dalla quotidianità culturale, ma viene padroneggiato in modo personale.

Quindi, tutti gli articoli per la casa degli slavi erano realizzati esclusivamente con materiali locali. Ogni famiglia aveva molti contenitori di corteccia di betulla di diverse forme e scopi, e gli uomini scolpivano mortai, vasche, palette e cucchiai dal legno. Le scatole e le targhe erano originali. Vestiti e piccoli oggetti venivano conservati in sacchi e borse varie realizzate con pelli e tessuti. Forse più importanti di queste funzioni puramente pratiche e utilitaristiche erano le funzioni informative e magiche del DPI. Abiti e scarpe sono stati realizzati in modo colorato e artistico, con grande creatività. La funzione informativa (identificativa) era svolta da elementi di disegno di colore e ornamento, che erano molto diffusi. I motivi venivano usati per decorare vestiti, scarpe, cappelli, cinture, custodie per aghi, cuscini, borse, scatole, corpi e culle. L'ornamento degli slavi, come qualsiasi altra lingua etnica del grafema, si distingueva per la ricchezza di forme, la varietà dei soggetti, il rigore e la chiarezza della costruzione. Pertanto, l'ornamento di oggetti, così come tutte le opere artistiche e artistiche in generale, dovrebbe essere percepito da noi non come una fantasia stravagante di un maestro, ma come una parte importante della cultura popolare, come un mezzo per esprimere gusti artistici, nazionali caratteristiche delle persone, la loro visione del mondo e la storia. Hegel G.V.F. Estetica. T.1.M., 1968,

La funzione educativa del DPI potrebbe non essere chiaramente espressa per un osservatore esterno, ma la sua completezza e regolarità sono certamente evidenti. Già dalla culla, il bambino è accompagnato da oggetti per la casa realizzati con la brillante tecnica artistica del DPI. Per quanto possiamo giudicare dai risultati di sondaggi, interviste e osservazioni, durante questo inserimento nella cultura avviene una sorta di trasformazione della “simbiosi” dell’insegnante (tra i Khanty non è esplicitamente distinto; questa funzione è assunta da parte di tutti gli adulti che sono vicini al bambino), sistema segnico-simbolico dei DPI e del bambino. La distanza psicologica tra un adulto, un bambino e un oggetto comincia già nella prima infanzia a trasformarsi significativamente in questa cultura taciturna in una sorta di parità.

Essendo il linguaggio della comunità, DPI porta idee che uniscono le persone in un unico insieme, un segno comune che consolida le forze spirituali dei Khanty e i loro modi di autocoscienza ed espressione di fede in un futuro migliore, segni dei quali sono facilmente rilevato nei bambini. Allo stesso tempo, è interessante notare che la lingua DPI non è stata completamente formata (o è già andata perduta) come universale etnico generale e viene utilizzata principalmente senza comprensione.

Molto probabilmente, il valore educativo del DPI supera tutte le nostre possibili idee al riguardo. Una cosa è chiara, non si limita alle funzioni pratiche e utilitaristiche: una volta i prodotti DPI svolgevano la funzione di “amuleto” e nessuna persona poteva farne a meno. Gli spiriti maligni lo attaccherebbero causandogli lesioni o malattie. Questi prodotti, ad esempio gioielli per donne, ornamenti o segni generici sull'abbigliamento maschile, proteggevano i loro proprietari dall'influenza di forze che non erano ancora loro chiare. Al giorno d'oggi, le persone non sempre ammettono di credere nel potere miracoloso dei gioielli e degli ornamenti, ma continuano a realizzare e indossare questi prodotti. Oltre al fatto che i gioielli sono belli e sorprendenti, esprimono l'appartenenza nazionale, tribale ed etnica e in precedenza portavano anche l'identificazione personale dei loro proprietari. Hegel G.V.F. Estetica. T.1.M., 1968,

2. Sviluppo delle arti decorative e applicate nel nostro tempo

2.1 L'emergere delle arti decorative e applicate

Pertanto, non inventeremo alcuna nuova definizione di DPI e ci rivolgeremo al Dizionario enciclopedico russo (RES), un libro progettato per affermare seccamente opinioni stereotipate su qualsiasi fenomeno scientifico. Il DPI è presentato in un articolo molto dettagliato:

“L’arte decorativa e applicata è il campo dell’arte decorativa: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata, e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.). Durante la lavorazione di materiali (metallo, legno, vetro, ceramica, vetro, tessuti, ecc.), vengono utilizzati fusione, forgiatura, goffratura, incisione, intaglio, pittura, intarsio, ricamo, stampa, ecc. prod. D.-p.i. fanno parte dell'ambiente oggettivo che circonda una persona e lo arricchiscono esteticamente. Di solito sono strettamente collegati con l'ambiente architettonico e spaziale, con l'insieme (sulla strada, nel parco, all'interno) e tra loro, formando un'arte. complesso. Sorto in tempi antichissimi, D.p.i. è diventato uno dei settori più importanti dell'arte popolare; la sua storia è legata all'artigianato artistico, con l'attività degli artisti professionisti e degli artigiani popolari, dall'inizio del XX secolo. anche con la progettazione e la costruzione.” Sokolov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Quindi, nell'arte decorativa si distinguono tre tipologie: arte monumentale e decorativa, arte design e DPI.

È caratteristico che il RES abbia “legittimato” anche questa situazione. Senza entrare nelle vicissitudini delle varie tendenze della filosofia dell’arte, i suoi autori affermano:

"Arte,

2) In senso stretto: belle arti.

3) Un alto grado di abilità e padronanza in qualsiasi campo di attività.”

E "arte in senso stretto" - bene, - secondo gli autori del RES, significa "la sezione dell'arte plastica che unisce pittura, scultura e grafica".

2.2 Il ruolo delle arti decorative e applicate nella società moderna

Per capire se una situazione così strana con il DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta e Cinquanta del Novecento, il lungo periodo di formazione dei “sindacati degli artisti sovietici”. Fu allora che, durante la creazione dell’Unione degli artisti di Mosca e dell’Unione degli artisti dell’URSS, le sezioni di pittori, grafici, scultori, designer, monumentalisti e “artisti applicati” furono assegnate in condizioni di parità.

Il fatto è che non è facile nominare un pittore che non abbia mai progettato in vita sua alcun museo, mostra, chiesa o centro culturale. O uno scultore che ha lavorato esclusivamente nella scultura da cavalletto e non ha prodotto una sola opera monumentale. O un artista grafico che non ha mai illustrato un solo libro.

Ma gli “specialisti applicati” sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda classe". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e i miniaturisti non sono pittori. Sull'albero rigoglioso e diffuso del riconoscimento ufficiale sovietico, nella migliore delle ipotesi, ricevettero il titolo di "Artista Onorato" o "Artista Onorato". Artista popolare dell'URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "altezze" erano trascendentali per loro. Inoltre, per la stragrande maggioranza degli "artisti applicati", la "navigazione libera" era praticamente esclusa (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare denaro attraverso "artigianato popolare" o " di sinistra".

Da dove viene allora questo “status di seconda classe degli scienziati applicati” a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che, nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale “status di seconda classe” avesse alcune ragioni.

E negli anni '30 -'50, i leader dei sindacati creativi e i loro curatori degli organi del partito cercarono sinceramente (in ogni caso, secondo la tradizione “imperiale”) di separare gli “agnelli dalle capre” - “veri creatori” da “artigiani”.

Resta quindi una domanda irrisolta: cosa fare con il termine “arte decorativa”, le cui opere, secondo il RES, “formano artisticamente l’ambiente materiale che circonda una persona e introducono in esso un inizio estetico e figurativo”. ma allo stesso tempo, in contrasto con l'arte da cavalletto “autosufficiente”, “rivelano più pienamente il loro contenuto nell'insieme per l'organizzazione estetica di cui sono stati creati”?

In effetti, nessuno chiama la “Trinità” in questo modo. Ma la stragrande maggioranza delle icone viene solitamente classificata in questo modo.

Ma pochi critici d'arte moderna non sarebbero d'accordo sul fatto che il senso di insieme, la capacità di formare un unico spazio, l'espansione del concetto dell'autore oltre lo scopo dell'opera stessa è "acrobazia", e non tutti i "pittori da cavalletto" ne sono capaci .

Naturalmente, non abbandoneremo completamente il concetto di “decoratività” in quanto tale. Ad esempio, è possibile che un'opera d'arte venga inizialmente posizionata come “decorativa”, come avvenne nel caso di Raffaello con la Madonna Sistina o di Rublev con la Trinità. Assistiamo anche all'uso diffuso di oggetti da “cavalletto” per scopi decorativi: la maggior parte delle opere d'arte bidimensionali e tridimensionali non si trovano ancora nei musei, ma nella “vita pubblica e privata” negli interni.

Tutte le opere hanno indubbio merito artistico, ma c'è anche una certa calma e ripetizione di tecniche già presenti in esse. Le opere di molti maestri riconosciuti a volte mancano di coraggio creativo, acutezza e ricerca di novità nella forma. Forse è per questo che la mostra attira l'attenzione sui tentativi di introdurre la creatività nella tecnica del macramè, che si è diffusa negli ultimi anni. Ciò vale principalmente per il grande trittico di T. Myazina (regione di Mosca) “Birch Grove” e l’arazzo degli artisti V. e N. Yanov “Fair” (Gorky). L'arazzo dei giovani artisti di Krasnodar V. e L. Zubkov “Kuban Niva”, eseguito in modo audace ed espressivo, ha suscitato grande interesse alla mostra. Anche la sua consistenza è stata trovata con successo, che ricorda leggermente il denso pane Kuban.

Le arti plastiche: vetro, ceramica, porcellana e altro - sono state presentate in mostra principalmente con opere sperimentali. Le ricerche sono molto diverse. Nel vetro siamo già abituati a grandi forme decorative, che i nostri principali artisti del vetro utilizzano per esprimere la loro visione del mondo e talvolta pensieri filosofici profondi. Queste sono le opere di L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Sono interessanti per noi in termini di sviluppo di temi e immagini a cui questi artisti sono costantemente appassionati. Di mostra in mostra, l'abilità dell'incisione e del taglio del cristallo di A. Astvatsaturyan (Leningrado), O. Kozlova e V. Korneev (Gus-Khrustalny) cresce e si affina, la plastica nelle composizioni di S. Beskinskaya (Mosca), A Stepanova diventa più ricca e completa (Mosca), L. Urtaeva (Mosca), combinazione di colori più emotiva e sottile delle opere di G. Antonova (Mosca), S. Ryazanova (Mosca), D. e L. Shushkanov (Mosca ). Gli artisti del vetro hanno grandi opportunità nel trasmettere proprietà materiali come trasparenza, viscosità, fragilità, duttilità e spazialità. L'identificazione di tutte queste proprietà del vetro è stata possibile grazie all'alto livello tecnico della nostra industria del vetro. È difficile immaginare come sarebbero state le opere degli artisti di Gusev se la fabbrica non fosse stata in grado di saldare meravigliosi cristalli colorati, o difficilmente avremmo visto le ultime opere di B. Fedorov se la fabbrica di cristalli Dyatkovo avesse non aveva tradizioni così ricche nel taglio del cristallo.

Chiariamo: non è solo lo spettatore a percepire l'opera nello spazio. Il disegno dell'artista di solito include la natura "da cavalletto" o "decorativa" della creazione che si sta creando, ad es. pensa anche a una posizione specifica nello spazio. Ma questa idea è parte integrante dell’atto di creazione di un’opera e, pertanto, è inclusa nell’unità soggetto-oggetto “artista-opera”. E successivamente, la collocazione dell'opera nello spazio (per brevità, chiamiamola il “luogo dell'opera”) può cambiare molte volte - abbiamo già detto che oggi una cosa può essere all'interno, domani in un museo, e dopodomani potrà ritornare nuovamente all'interno.

Ci sembra utile fare ancora una precisazione. Indubbiamente, i valori dell'arte sono eterni e imperituri: ai nostri giorni non sono quasi necessarie profonde escursioni nella filosofia per affermare questo fatto. Eppure, la percezione di qualsiasi opera d'arte è significativamente correlata ai gusti e alle tradizioni di un'epoca particolare in cui vive lo spettatore. Anche nella questione della classificazione come “arte da cavalletto” o “arte decorativa” (ovvero nella motivazione per collocare una determinata opera in un museo, in una piazza, in un tempio, in una camera da letto, ecc.).

Tutti gli eterni problemi della percezione dello spettatore - "mi piace-non mi piace", "buono-cattivo" - sono determinati dall'interazione di queste categorie primarie. Ma in ogni caso nell’arte non c’è posto per il plagio e la replica non spirituale, ma solo per l’unicità e l’originalità dell’unità “artista-opera” (percepita diversamente nelle diverse circostanze di luogo e di tempo, ma senza che ciò ne muti la profonda, vera essenza) ) creano il fenomeno che chiamiamo arte.

il gioielliere barocco applica il classicismo

Conclusione

Le arti decorative e applicate risalgono a secoli fa. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere di arte decorativa e applicata sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato fondamentale, il termine "arte decorativa e applicata" si riferisce alla progettazione di oggetti di uso quotidiano che circondano una persona per tutta la sua vita: mobili, tessuti, armi, stoviglie, gioielli, vestiti - ad es. tutto ciò che costituisce l'ambiente con cui entra quotidianamente in contatto. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero solo essere comode e pratiche, ma anche belle.

Elenco della letteratura usata

1. Zavyalov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

2. Lukina N.V. Formazione della cultura materiale della Rus'. Tomsk, 1985.

3. Rituali, usanze, credenze: sab. articoli /Comp. YL Khandrik, prefazione. N.A. Rogacheva. Tjumen', 1997.

4. Hegel G.V.F. Estetica. T.1.M., 1968,

5. Kaplan N.I. Arte decorativa e applicata popolare. M., 1980.

6. Sokolov K.F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

7. Ramzin V.M. Incontra gli slavi. Mosca, 1992.

8. Lukina N.V. Formazione della cultura materiale degli slavi. Tomsk, 1985.

9. Miti, leggende, racconti degli slavi / Comp. NV Kukina M., 1990.

10. Rituali, usanze, credenze: sab. articoli /Comp. Y. L. Handrik, Mosca, 1997.

11. Korytkova N.F. Abbigliamento slavo. M.; , 1995.

12. Rombandeeva E.I. Storia degli slavi e la loro cultura spirituale. Mosca, 1993.

13. Sokolova Z.P. Slavi orientali. M., 1994.

14. Don I. S. Arti decorative e applicate: prospettiva storica e filosofica. M., 1998.

15. Barabanov N.I. Arte popolare decorativa e applicata degli slavi orientali. M.,

16. 1980. Praskov K.F. Religione dei popoli slavi. T

17. Elkonin D.B. Psicologia del gioco. M., 1999.

18. Barabanov N.I. Arte popolare decorativa e applicata degli slavi occidentali. Rostov sul Don, 1999

19. Potapov N.I. Arte popolare decorativa e applicata degli slavi occidentali. M., 1990.

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introduzione

Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

2 Filosofia delle arti decorative e applicate

Sviluppo delle arti decorative e applicate nel nostro tempo

2 Il ruolo delle arti decorative e applicate nella società moderna

Conclusione

introduzione

1. Il ruolo delle arti decorative e applicate nella vita delle persone

1 Un luogo speciale per le arti e i mestieri

Da più di un secolo le questioni etniche hanno letteralmente invaso, sotto varie forme, le discipline umanistiche, riordinando concetti già più o meno consolidati e rivelando in essi nuovi contenuti. In effetti, il sincretismo osservabile esternamente e la natura euristica della realtà etnica non possono rimanere inosservati da quelle sezioni della scienza umana che pretendono di essere sistematiche. Insieme ai compiti di ricerca volti a rivelare il generale e lo speciale nella vita culturale delle varie comunità etniche, c'è un bisogno urgente, in molti casi urgente, di cercare costumi popolari e risolvere tempestivamente problemi psicologici pratici nella creazione di mezzi culturali minimi. Un posto speciale tra questi mezzi è occupato dall'arte decorativa e applicata (DA), che è strettamente connessa, o meglio, cresce organicamente dallo stile di vita abituale e radicato delle persone. I DPI dei popoli, in particolare, sono ora giustamente considerati non come oggetti domestici diventati obsoleti, ma come multifunzionali, costituendo sia la mentalità (secondo L. Febvre) che l'uso utilitaristico, come cose belle, abilmente realizzate secondo lo scopo previsto , in cui i talenti delle persone e la cultura artistica, la tecnologia e l'autocoscienza del gruppo etnico, la personalità dell'autore e la norma sociale. DPI non ha mai limitato le sue funzioni solo a quelle utilitaristiche e di design (decorative). Non importa quale lato della vita della tribù slava si consideri, ovunque si possono vedere due influenze reciproche: la vita sull'arte e l'arte sulla vita. In questa “inspirazione ed espirazione” dell’arte si può chiaramente rintracciare il ritmo del pensiero delle persone, la sua natura magica e “pre-logica”, la visione del mondo e il sistema di relazioni interpersonali, i principi educativi e le priorità etiche. Il modo in cui questi segni, passati attraverso il crogiolo della comprensione artistica, influenzano la generazione emergente di una comunità etnica è l'oggetto della nostra ricerca.

Tra gli slavi, che continuano a vivere nel contesto della natura (villaggi, fattorie, ecc.) e mantengono il loro modo di vita abituale, questa educazione avviene con l'aiuto del mondo circostante, inquadrato non solo in “concetti”, come in una società tecnogenica, ma anche in uno spazio simbolico simbolico - una sorta di rifrazione attraverso decorazioni, ornamenti e mosaici incorporati negli oggetti domestici, nell'abbigliamento, nello stile di vita, nei comandamenti eternamente viventi e preservati con cura, che vengono tramandati di secolo in secolo non in sotto forma di istruzioni e consigli “come vivere”, ma attraverso tradizioni di studio, utilizzo e produzione congiunti di oggetti d’arte. Secondo D. Lukács, “decorando gli strumenti, l'uomo, già da tempo immemorabile, si è impossessato di singoli oggetti, che, sia praticamente che tecnicamente, erano stati per lungo tempo una sorta di estensione del suo raggio d'azione soggettivo, rendendoli parte integrante del suo “io” in senso lato”. In effetti, il DPI tra gli slavi è una lingua comunitaria, i primi segni di padronanza che si possono trovare nei bambini. Questa lingua non si è formata apposta, ma nelle condizioni di un collegio nazionale - una sorta di confine tra due culture: esterna e interna, la propria - diventa uno dei sistemi di mezzi più sviluppati che un bambino è pronto a utilizzare in una nuova situazione.

2. Filosofia delle arti e dei mestieri

La funzione educativa del DPI potrebbe non essere chiaramente espressa per un osservatore esterno, ma la sua completezza e regolarità sono certamente evidenti. Già dalla culla, il bambino è accompagnato da oggetti per la casa realizzati con la brillante tecnica artistica del DPI. Per quanto possiamo giudicare dai risultati di sondaggi, interviste e osservazioni, durante questo inserimento nella cultura avviene una sorta di trasformazione della “simbiosi” dell’insegnante (tra i Khanty non è esplicitamente distinto; questa funzione è assunta da parte di tutti gli adulti che sono vicini al bambino), sistema segnico-simbolico dei DPI e del bambino. La distanza psicologica tra un adulto, un bambino e un oggetto comincia già nella prima infanzia a trasformarsi significativamente in questa cultura taciturna in una sorta di parità.

Molto probabilmente, il valore educativo del DPI supera tutte le nostre possibili idee al riguardo. Una cosa è chiara, non si limita alle funzioni pratiche e utilitaristiche: una volta i prodotti DPI svolgevano la funzione di “amuleto” e nessuna persona poteva farne a meno. Gli spiriti maligni lo attaccherebbero causandogli lesioni o malattie. Questi prodotti, ad esempio gioielli per donne, ornamenti o segni generici sull'abbigliamento maschile, proteggevano i loro proprietari dall'influenza di forze che non erano ancora loro chiare. Al giorno d'oggi, le persone non sempre ammettono di credere nel potere miracoloso dei gioielli e degli ornamenti, ma continuano a realizzare e indossare questi prodotti. Oltre al fatto che i gioielli sono belli e sorprendenti, esprimono l'appartenenza nazionale, tribale ed etnica e in precedenza portavano anche l'identificazione personale dei loro proprietari.

2. Sviluppo delle arti decorative e applicate nel nostro tempo

1 L'emergere delle arti decorative e applicate

Quindi, nell'arte decorativa si distinguono tre tipologie: arte monumentale e decorativa, arte design e DPI.

È caratteristico che il RES abbia “legittimato” anche questa situazione. Senza entrare nelle vicissitudini delle varie tendenze della filosofia dell’arte, i suoi autori affermano:

"Arte,

) magro creatività in generale - letteratura, architettura, scultura, pittura, grafica, arti e mestieri, musica, danza, teatro, cinema e altri tipi di attività umana, unite come forme artistiche e figurative di esplorazione del mondo...

) In senso stretto - belle arti.

) Un alto grado di abilità e padronanza in qualsiasi campo di attività.”

E "arte in senso stretto" - bene, - secondo gli autori del RES, significa "la sezione dell'arte plastica che unisce pittura, scultura e grafica".

2.2 Il ruolo delle arti decorative e applicate nella società moderna

Probabilmente, quando si risolvevano i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma già allora cominciò la confusione.