Il Rinascimento portò grandi cambiamenti nell'arte della pittura. Gli artisti hanno imparato la capacità di trasmettere sottilmente luce e ombra, spazio e le pose e i gesti dei loro personaggi sono diventati naturali. Con grande abilità hanno raffigurato sentimenti umani complessi nei loro dipinti.
Nei dipinti del Primo Rinascimento, o del Quattrocento (XV secolo), vengono solitamente suonate le note maggiori; si distingue per i colori puri, i personaggi sono allineati e delineati con contorni scuri che li separano dallo sfondo e piani di fondo chiari. Tutti i dettagli sono molto dettagliati e scritti attentamente. Sebbene la pittura del Quattrocento non sia ancora perfetta come l'arte dell'Alto e Tardo Rinascimento, tocca lo spettatore nel profondo dell'anima con la sua purezza e sincerità.
Il primo pittore significativo del primo Rinascimento fu Masaccio. Sebbene l'artista visse solo 28 anni, riuscì a lasciare un contributo significativo non solo alla pittura rinascimentale, ma a tutta arte mondiale. I suoi dipinti si distinguono per il loro colore profondo, le figure sembrano dense e sorprendentemente vive. Masaccio trasmette perfettamente prospettiva e volume e padroneggia gli effetti di luci e ombre. Fu il primo dei pittori del primo Rinascimento a rappresentare il corpo umano nudo e a presentare i suoi eroi come belli e forti, degni di rispetto e ammirazione. Successivamente, questi grandi maestri studiarono dalle opere di Masaccio ("Cacciata dal Paradiso", "Miracolo con tassa") Alto Rinascimento, come Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaello.
Durante questo periodo, molti artisti meravigliosi hanno creato le loro creazioni. A Firenze lavorò Paolo Uccello, che dipinse scene di battaglia ed era famoso per la sua capacità di rappresentare cavalli e cavalieri in angolazioni e pose complesse. Giorgio Vasari, artista mediocre e notevole biografo e storico dell'arte vissuto nel XVI secolo, disse che Uccello non poteva uscire di casa per settimane o addirittura mesi, risolvendo i problemi più complessi di prospettiva. Ai suoi cari, che lo pregavano di interrompere queste attività, rispondeva: “Lasciatemi, non c’è niente di più dolce della prospettiva”.
Il pittore Filippo Lippi lavorò a Firenze. In gioventù fu monaco nel monastero dei fratelli Carmelitani, ma presto lo abbandonò, dedicandosi alla pittura. Ci sono molte leggende sulla sua vita. Ti dicono cosa Relazioni amorose Tutta Firenze osservava con interesse l'ex monaco. Mio futura moglie, Lucrezia Buti, fu rapita dall'artista dal monastero. Successivamente la dipinse più di una volta a immagine della Madonna (“L'Incoronazione di Maria”, 1447; “La Madonna Velata”). I dipinti di Filippo Lippi sono legati solo formalmente a temi religiosi: sono privi di drammaticità e pathos, non c'è grandiosità o monumentalità in essi. Allo stesso tempo, allegri angeli dai capelli ricci, graziosi bambini e donne adorabili affascinano lo spettatore con il loro fascino. Con grande abilità, l'artista dipinge paesaggi forestali accoglienti e freschi che fanno da sfondo a scene bibliche. Molto apprezzate dai suoi contemporanei erano le opere di Filippo Lippi, l'artista preferito di Cosimo de' Medici, allora sovrano di Firenze.
Allo stesso tempo, lavorò un altro maestro fiorentino, il monaco domenicano e abate del monastero di San Marco, Fra Beato Angelico, le cui opere sono piene di profondi sentimenti religiosi. Per tutta la vita, Fra
L'Angelico si dedicò alla realizzazione di icone e affreschi per i monasteri. I suoi dipinti si distinguono per i colori brillanti e puliti e le dorature lucenti. Le figure gotiche allungate delle sue Madonne sembrano spiritualizzate, distaccate da tutto ciò che è terreno. Una delle opere migliori del Beato Angelico è la composizione dell'altare “L'Incoronazione di Maria” (1435-1436 circa). Sua Madre di Dio è l'incarnazione della femminilità poetica, pura, gioiosa e calma. Non c'è cupo misticismo nella pittura del maestro fiorentino; anche nell'altare a più figure sul tema del Giudizio Universale, sul lato sinistro l'artista ha raffigurato un paradiso beato con figure di angeli felici in splendidi abiti.
In questo periodo, nei Paesi Bassi furono inventati i colori ad olio, che consentirono ai pittori di rendere le transizioni di colore più sottili e di utilizzare la luce più liberamente per ravvivare il colore. Hanno anche contribuito a ottenere una tonalità di colore uniforme. Il primo artista italiano a iniziare a dipingere con colori ad olio fu un rappresentante della scuola fiorentina, veneziano di nascita, Domenico Veneziano. Già nelle sue prime opere (“Adorazione dei Magi”, 1434), il talento coloristico dell’artista è chiaramente manifestato. I colori puri, quasi trasparenti, saturi di luce, formano un'unica gamma tonale. Di più lavori tardivi stupiscono per la resa magistrale dell'ambiente luce-aria: si ritiene che Domenico Veneziano sia stato uno dei primi a raffigurarlo sulle sue tele.
L'abilità dell'artista si esprime in modo particolarmente completo nei famosi ritratti fiorentini di Domenico Veneziano.
Molto spesso, raffigurava volti di donne di profilo (i nomi della maggior parte dei modelli non sono stabiliti) sullo sfondo di un cielo o di un paesaggio argentato. Cercando di rendere i colori più puliti e luminosi, l'artista ha aggiunto loro olio di lino.
Le conquiste di Domenico Veneziano furono sviluppate dal suo allievo e seguace Piero della Francesca, che i suoi contemporanei consideravano il “monarca della pittura”. Originario della Toscana che lavorò a Firenze, studiò le opere di Giotto, Masaccio e Paolo Uccello. Anche la pittura olandese ha avuto una certa influenza su di lui. Non solo artista, ma anche famoso ricercatore d'arte, Piero della Francesca ha scritto trattati teorici - "Sulla prospettiva nella pittura" e il libro "Sui cinque corpi regolari".
Le opere di Piero della Francesca si distinguono per la composizione chiara e precisa, la sapiente resa dell'ambiente luce-aria e i colori puliti e freschi. L'uomo nei suoi quadri ne è privato Conflitto interno, che apparirà più tardi nella pittura del tardo rinascimento e del barocco. Gli eroi di Piero della Francesca sono calmi, maestosi e coraggiosi. Sono queste qualità che sono inerenti alle immagini del Duca e della Duchessa di Urbino - Federigo da Montefeltro e sua moglie Battista Sforza, nel famoso ritratto di coppia.
Il condottiero, politico e filantropo, sovrano di Urbino Federigo da Montefeltro era un caro amico dell'artista. Piero della Francesca ha ritratto il Duca in un altro famoso dipinto: "Madonna con santi e angeli e il cliente Federigo da Montefeltro".
Perfettamente in grado di trasmettere la prospettiva, Piero della Francesca dipinse magnifiche vedute architettoniche (veduta è una pianta-quadro di una “città ideale”), che ebbero una grande influenza sul lavoro degli architetti contemporanei.
Durante l'Alto Rinascimento, l'arte di Piero della Francesca cominciò a sembrare obsoleta e il Papa invitò Raffaello a dipingere le pareti del Vaticano, ricoperte di affreschi di Piero della Francesca. Rafael ha accettato e ha svolto il lavoro magistralmente.
Nel modo più brillante ideali artistici del tardo Quattrocento furono rappresentati dal maestro della scuola pittorica umbra, Pietro Perugino. I suoi dipinti, calmi, contemplativi e lirici, sono pieni di immagini fragili e aggraziate, circondate dai poetici paesaggi collinari dell'Umbria. La chiara armonia dei dipinti del Perugino avvicina la sua pittura all’arte dell’Alto Rinascimento (“Compianto di Cristo”, 1494-1495 circa; “Madonna e santi, 1496”). Pittore
ha avuto una grande influenza sul suo studente, il famoso Raffaello.
Quasi ogni città d'Italia aveva una scuola d'arte con una propria identità.
Ma tutti cercavano di mostrare nella loro arte la bellezza della terra e dell'uomo. Durante questa era, una delle più significative centri culturali c'era Padova con la sua famosa università. In questa città nel XV secolo. visse il conoscitore d'arte Francesco Squarcione. Collezionò monete antiche, medaglie e frammenti di bassorilievi nei dintorni di Padova, ma anche ben oltre la città. La sua passione fu trasmessa ai pittori, scultori e orafi padovani, che lo circondarono e lo considerarono il loro maestro.
Squarcione ha allevato il grande pittore Andrea Mantegna, che venne a casa sua quando aveva dieci anni. L'opera di Mantegna, che visse una lunga vita, è insolitamente poliedrica: oltre alla pittura e all'incisione, si interessò alla geometria, all'ottica e all'archeologia. Innamoratosi dell'arte dell'antica Roma mentre era ancora in casa di Squarcione (durante il Rinascimento in Italia non si conosceva ancora l'arte dell'antica Grecia), il pittore ne usò le immagini nelle sue opere, conferendo loro tratti eroico-romantici. I suoi santi, governanti e guerrieri, dipinti sullo sfondo di un cupo paesaggio roccioso, danno l'impressione di grandezza e potere. Molte delle opere di Mantegna sono intrise di un profondo dramma. Questo è suo famosa composizione"Cristo morto", che ha stupito i contemporanei con la sua emotività.
Mantegna divenne famoso anche come talentuoso incisore su rame. Fu il primo a rendere l'incisione una forma uguale arti visive.
La pittura protorinascimentale raggiunse il suo apice nell'opera di Botticelli.
Sandro Botticelli
Fino ad oggi non sono sopravvissute molte informazioni sulla vita di Sandro Botticelli e sulla storia della sua creazione di opere che in seguito divennero perle dell'arte mondiale. I critici e gli storici dell'arte sono venuti a conoscenza solo di alcuni fatti della biografia del grande maestro.
Botticelli nacque nel 1444. Studiò pittura nella bottega d'arte di Filippo Lippi. La prima creatività Botticelli è segnato dall'influenza dell'arte di Lippi, così come dalle idee formatesi alla corte di Lorenzo de' Medici. Tuttavia, possiamo affermare con molta sicurezza che le immagini create dal grande artista erano più voluminose e significative delle opere dei pittori che lavoravano sotto gli auspici dei Medici.
I primi ritratti di Botticelli recano tracce dell'influenza dello stile pittorico di Filippo Lippi Andrea Verrocchio e Pollaiolo. In più lavori successivi L'individualità del maestro si manifesta più profondamente. Così, sulla famosa tela “Adorazione dei Magi” sono raffigurati membri della famiglia Medici e viene fornito un autoritratto dell'artista. La composizione si distingue per la sua ricchezza, luminosità e allo stesso tempo tenerezza dei colori, nonché per la grazia sottile e la leggerezza. Le immagini create da Botticelli sono piene di lirismo e straordinaria bellezza proveniente dal profondo dell'anima.
Negli anni '70 XV secolo Appare il primo dipinto di Botticelli, che portò al pittore un'enorme fama tra i suoi contemporanei e lasciò per secoli la memoria del maestro. Questo dipinto è "La Primavera", ora conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. L’opera è stata scritta dopo che l’artista ha letto una delle poesie di Poliziano. Le immagini allegoriche sono presentate sullo sfondo di un meraviglioso paesaggio forestale. Simile a un paradiso, il giardino stupisce con la sua insolita e bellezza ultraterrena. Posizione centrale Venere è presente nella composizione. CON lato destro Da lei si trova Flora, che sparge fiori favolosi, a sinistra danzano grazie, leggere e ariose, simili a nuvole bianche, quasi trasparenti. La dinamica è creata proprio dall'immagine delle grazie che si muovono in una danza circolare.
L'intera immagine si distingue per la sua straordinaria bellezza e tenerezza. Nonostante il suo nome sia "Primavera", guardando l'immagine, a sentendosi leggero tristezza, con la quale non siamo abituati a identificare la primavera. Nella mente di ogni persona, la primavera è un rinnovamento del mondo, gioia, gioia. In Botticelli c'è un ripensamento delle immagini generalmente accettate e familiari.
Nel 1481 Sandro Botticelli si recò a Roma, dove dipinse i muri cappella Sistina. Tra gli altri affreschi dipinse la famosa “Vita di Mosè”.
Nel 1482 l'artista si stabilì nuovamente a Firenze. Critici d'arte e biografi considerano quest'anno il più fruttuoso per la formazione e lo sviluppo della creatività del maestro pittore. È allora che appare famoso dipinto La Nascita di Venere, ora alla Galleria degli Uffizi a Firenze.
Non c'è un'immagine piatta nell'immagine: Botticelli appare qui come un maestro nel trasmettere linee spaziali.
Sono loro che creano l'impressione di profondità e volume, progettati per mostrare la dinamica dei movimenti dei personaggi nella narrativa pittorica. I chiari colori pastello della tela e le combinazioni di colori abilmente usate (acque verdi trasparenti del mare, mantelli blu di zefiri, capelli dorati di Venere, un mantello rosso scuro nelle mani di una ninfa) creano una sensazione di straordinaria tenerezza e parlano del sottile senso del colore dell'artista.
La figura centrale della composizione è Venere, appena emersa dalle acque mare blu. È nuda. Tuttavia, grazie al suo sguardo calmo e spirituale, lo spettatore non si sente a disagio. La dea è bella, bella quanto può esserlo un essere ultraterreno disceso dal cielo. L'immagine di Venere può essere facilmente riconosciuta nei dipinti realizzati da Botticelli basati su famosi motivi biblici. Tra i dipinti di contenuto religioso, i più notevoli sono la “Madonna in trono” (1484) e la “Madonna in gloria” (“Magnificat”).
Entrambi sono attualmente alla Galleria degli Uffizi a Firenze. "Madonna in Glory" si distingue per il sottile lirismo delle sue immagini. La dinamica della composizione è creata grazie alla forma rotonda dell'immagine, i cui ritmi si ripetono
nella disposizione delle figure in movimento. Il paesaggio, portato sullo sfondo della composizione, crea volume e spazio.
Straordinariamente bello e anche lirico opere di ritratto grande pittore. Di particolare interesse tra loro sono
ritratto Giuliano Medici e "Ritratto di giovane". Tuttavia, attualmente, alcuni storici dell'arte attribuiscono la paternità dell'ultima opera all'allievo di Sandro Botticelli Filippino Lippi (figlio di Filippo Lippi).
anni 90 Il XV secolo divenne un punto di svolta per l'artista. Questa volta fu segnata dalla cacciata dei Medici e dall'ascesa al potere
Savonarola, le cui prediche religiose avevano lo scopo di denunciare il Papa e le ricche famiglie fiorentine. Lui
Criticava anche l'arte secolare e tutti gli artisti e poeti, secondo Savonarola, dopo la morte affrontavano la Geenna infuocata. Per evitare ciò, devi rinunciare all'arte e pentirti dei tuoi peccati...
Questi sermoni hanno influenzato in modo significativo la visione del mondo di Botticelli, che non poteva non influenzare il suo lavoro. Le opere dell'artista create durante questo periodo si distinguono per il loro pessimismo insolitamente profondo, disperazione e rovina. L'autore si rivolge ora sempre più a temi cristiani, dimenticandosi dell'antichità. Un'opera caratteristica di questo periodo per Botticelli è “L'Abbandonato”, ora conservata nella collezione Pallavicini a Roma. La trama dell'immagine è abbastanza semplice: una donna che piange siede su gradini di pietra contro un muro con un cancello ben chiuso. Ma, nonostante la semplicità del contenuto, l'immagine è molto espressiva e crea nello spettatore uno stato d'animo deprimente, triste e triste.
Nel 1490 XV secolo Appaiono le illustrazioni di Botticelli per la Divina Commedia di Dante. Fino ad oggi sono sopravvissuti solo 96 disegni, che ora si trovano nei musei di Berlino e in Vaticano. Tutte le immagini degli schizzi sono insolitamente fragili, ariose e leggere, il che è caratteristica distintiva tutta l'opera di Botticelli.
Negli stessi anni '90. Il grande maestro creò la tela “Calunnia”, che è conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze. Il dipinto è degno di nota per il fatto che qui lo stile pittorico cambia leggermente. Le linee che creano immagini diventano più nette e appuntite. La composizione è piena di pathos, emotività e maggiore chiarezza delle immagini rispetto ad altre opere.
L’apice dell’espressione del fanatismo religioso dell’artista era il dipinto intitolato “Il Compianto di Cristo”. Attualmente versioni della tela sono conservate al Museo Poldi Pezzoli di Milano e all'Alte Pinakothek di Monaco. Di particolare interesse qui sono le immagini di coloro che sono vicini a Cristo, pieni di profondo dolore e desiderio. L’impressione della tragedia è rafforzata dall’uso da parte dell’artista di colori contrastanti, a volte scuri, a volte luminosi. Lo spettatore non vede più immagini incorporee, quasi senza peso e invisibili, ma piuttosto figure concrete e chiare.
Uno dei lavori più brillanti legati a periodo tardivo L'opera di Botticelli è il dipinto "Scene della vita di San Zanobi", attualmente conservato nella Galleria d'arte di Dresda in Germania. Realizzata nello stile pittorico delle antiche cappelle d'altare, la composizione è una sorta di collage composto da singoli dipinti che raccontano la vita del santo. Tuttavia, nonostante le somiglianze con l’arte antica, nella tela era chiaramente dimostrata l’individualità creativa del maestro della pittura. Le sue immagini sono solide e chiare. Non sono collocati in uno spazio astratto, ma sullo sfondo di un paesaggio concreto. Il luogo dell'azione di Botticelli è chiaramente definito: molto spesso si tratta di normali strade cittadine con una bellissima foresta visibile in lontananza.
Di particolare interesse sono gli accostamenti di colori utilizzati dal pittore. Il modo di dipingere da questo punto di vista è per molti versi simile alla tecnica di dipingere icone antiche, la cui colorazione non si basa sul contrasto luminoso, ma sulla selezione di toni calmi e ravvicinati.
Sandro Botticelli morì il 17 maggio 1510. La sua opera ebbe una grande influenza non solo sui maestri dei secoli XV-XVI, ma anche su molti pittori delle epoche successive.
Nell'era del Proto-Rinascimento, artisti meravigliosi come i pittori senesi che vissero contemporaneamente a Duccio, i fratelli Ambrogio e Pietro Lorenzetti; i fiorentini Masolino e Benozzo Gozzoli, l'umbro Gentile de Fabriano; pittore e medaglista Pisanello; Fiorentini Filippino Lippi (figlio di Filippo Lippi) e Piero di Cosimo. Rappresentanti della scuola umbra furono i pittori Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forlì. A Ferrara operarono Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa.
Nel XV secolo Un altro genere pittorico era molto popolare a Firenze. Molte famiglie avevano eleganti cassoni (cassones) in cui le ragazze conservavano le loro doti. Gli artigiani li ricoprirono con abili intagli e dipinti eleganti. Molto spesso, gli artisti utilizzavano temi mitologici per i dipinti.
Pittura veneziana
Venezia occupa un posto speciale nell'arte del Quattrocento. Città meravigliosa, situata su centodiciotto isole, separate l'una dall'altra da centosessanta canali, era a quel tempo una città-stato. Venezia, repubblica di mercanti, commerciava con l’Egitto, la Grecia, la Turchia, la Siria, Baghdad, l’India, l’Arabia, Nord Africa, Germania e Fiandre, era aperta alla penetrazione di altre culture.
La pittura veneziana è stata progettata per catturare tutta la bellezza, la ricchezza e lo splendore di questa grande città. Raggiunse il suo apice nella seconda metà del XV secolo. Le opere dei maestri veneziani, colorate e festosamente decorative, decoravano templi, palazzi e locali di varie istituzioni pubbliche, deliziando governanti e comuni cittadini.
Un esempio lampante Pittura venezianaè opera di Vittore Carpaccio. Le sue semplici composizioni narrative rappresentano poeticamente Venezia durante cerimonie(“Ricevimento degli Ambasciatori”). L'artista raffigura anche la vita quotidiana della sua città natale; scrive scene della Storia Sacra, interpretandole in chiave moderna. Queste sono la sua “Vita di S. Orsola" (1490), "Scene della vita di Maria", "Vita di S. Stefano" (1511-1520).
Le tendenze realistiche della pittura veneziana del primo Rinascimento si riflettevano nell'opera di Antonello da Messina. Uno dei suoi dipinti più famosi è “S. Sebastiano" (1476). Tema del martirio di S. Sebastiano, vittima di Diocleziano, avversario del cristianesimo, era molto diffuso tra gli artisti del Rinascimento, ma Antonello da Messina lo interpreta in modo particolare: nell'immagine di Sebastiano non c'è quella sofferente esaltazione che è caratteristica delle opere scritte sul stesso soggetto da altri pittori con questo soggetto. L'artista fa sì che lo spettatore ammiri la bellezza del corpo umano e ammiri il coraggio e la forza d'animo del bellissimo giovane. Il paesaggio calmo contro il quale è raffigurato Sebastiano è permeato di aria e luce. Dietro di lui si ergono maestosi edifici cittadini e ai suoi piedi giace un'antica colonna.
Antonello da Messina è un meraviglioso maestro della ritrattistica, le migliori opere di questo genere sono le cosiddette. “Autoritratto” (1473 circa), “Condottiere”, “Ritratto di uomo” (1470 circa). Queste opere sono caratterizzate da sobrietà e generalità, qualità tanto apprezzate dai contemporanei dell’artista. La ritrattistica del maestro anticipò l'opera di Giovanni Bellini.
Uno dei maggiori maestri del Quattrocento veneziano, Giovanni Bellini è considerato uno dei fondatori dell'Alto Rinascimento. Le sue opere “Madonna e santi” (1476) e “Compianto di Cristo” (1475) sono caratterizzate da tragica grandezza. La sua misteriosa “Madonna del Lago” (1500 circa), ispirata a una poesia francese, attira l'attenzione
sull'età dell'oro "Pellegrinaggio dell'anima". In questa foto si sono combinati bellissime immagini antichità e sogni di un paradiso cristiano.
Fino ad ora, i ricercatori non hanno capito del tutto cosa volesse dire l'artista quando ha raffigurato persone comuni accanto alla Vergine Maria, agli apostoli e ai santi.
Bellini dipinse numerosi meravigliosi ritratti (“Ragazzo”, “Ritratto del doge Leonardo Loredano”, ecc.), da cui il periodo di massimo splendore pittura di ritratto a Venezia. L’abilità del pittore nel rappresentare la natura, che è parte integrante di tutte le sue opere (“San Francesco”, 1470), ebbe una grande influenza su molti paesaggisti veneziani delle generazioni successive. Gli studenti di Bellini erano pittori famosi come Giorgione e Tiziano.
Giorgione
Giorgione, non solo un grande pittore, ma anche musicista di talento e poeta, si distingue nettamente tra i pittori veneziani. Vasari scrisse che “il suo suonare il liuto e il suo canto erano considerati divini”. Probabilmente è da qui che proviene la speciale musicalità e poesia dei dipinti di Giorgione - in questo non ha eguali non solo nell'arte italiana, ma anche nell'arte mondiale.
Ci sono poche informazioni sulla vita di Giorgione. Il suo vero nome è Giorgio Barbarelli da Castelfranco. Come scrive Vasari,
L'artista ha ricevuto il soprannome di Giorgione ("Grande Giorgio") "per la sua grandezza di spirito".
Giorgione nacque intorno al 1478 a Castelfranco. Nella prima giovinezza venne a Venezia, dove entrò nella bottega di Giovanni Bellini. Da allora il pittore non lasciò quasi mai Venezia, dove morì nel 1510 durante un'epidemia di peste.
Una delle più dipinti famosi Giorgione è la celebre “Giuditta”, custodita all'Ermitage. La leggenda narra che la bella Giuditta entrò nella tenda del capo dell'esercito nemico, Oloferne, e lo sedusse. Quando Oloferne si addormentò, la ragazza lo decapitò.
A questo proposito immagine misteriosa L’artista russo A. Benois ha scritto: “ Immagine strana, “ambigui” e “insidiosi” come i dipinti di Leonardo. Questa è Giuditta? - Vorrei chiederti di questa bellezza severa e triste con il volto della Venere di Dresda, che calpesta con tanta calma la sua testa mozzata." In effetti, c'è una sorta di contraddizione e di mistero nascosto in questo dipinto: la spietata Giuditta biblica appare nell'opera di Giorgione in immagine poetica ragazza sognante sullo sfondo di una natura calma e tranquilla.
E questo non è l’unico mistero nell’opera di Giorgione.
Quale segreto è nascosto nel dipinto “Il Temporale”, in cui, sotto un cielo tempestoso, tra alberi e frammenti di colonne antiche, vediamo una giovane donna seduta che allatta un bambino e un giovane che cammina a distanza? Non è inoltre chiaro cosa volesse dire l’artista quando raffigurò due donne nude in compagnia di due musicisti, situate all’ombra di un albero, sulla tela intitolata “Concerto rurale”. Nel "Concerto rurale" - il suo ultimo lavoro- Giorgione non fece in tempo a finire di dipingere il paesaggio sullo sfondo, e Tiziano lo fece per lui. Già in un'altra epoca, l'idea della composizione fu utilizzata da E. Manet nel suo famoso "Colazione sull'erba".
Alberi, colline, distanze luminose nelle opere di Giorgione non sono solo uno sfondo su cui sono raffigurate figure umane. Il paesaggio è indissolubilmente legato ai personaggi e all'idea delle opere del maestro veneziano. Così, nella composizione “Tre filosofi” un vecchio in abiti antichi, un uomo di mezza età con un turbante orientale e un giovane, che incarnano diversi stadi di conoscenza della natura, rappresentano con essa un tutt'uno: il delicato verde di un valle di montagna, una massa rocciosa, un cielo pallido illuminato da fiochi raggi di sole.
La stessa idea di armonia tra uomo e natura si rifletteva in uno dei capolavori di Giorgione: il dipinto “Venere dormiente”. La nudità sensuale e allo stesso tempo casta della bellezza immersa nel sonno divenne la personificazione di un paesaggio italiano delizioso e allo stesso tempo semplice, i cui toni giallo oro si ripetono nelle calde tonalità del corpo di Venere. Successivamente il motivo della “Venere dormiente” fu utilizzato da Tiziano (“Venere di Urbino”), poi da D. Velazquez (“Venere davanti allo specchio”), F. Goya (“Mach”) ed E. Manet (“Olimpia ").
Il profondo interesse di Giorgione per il paesaggio come elemento indipendente della composizione ha preparato l'emergere di un nuovo genere nella pittura italiana: il paesaggio.
L'opera di Giorgione ha avuto un'influenza significativa non solo sulla pittura veneziana, ma anche su tutta la pittura italiana. Artista meraviglioso divenne uno dei fondatori dell'arte dell'Alto Rinascimento. Successivamente, i principi e le idee della sua arte, Giorgione, si rifletterono nelle opere del suo allievo Tiziano.
Tratti caratteristici nell'arte del Rinascimento
Prospettiva. Per aggiungere profondità e spazio tridimensionale al loro lavoro, gli artisti del Rinascimento presero in prestito e ampliarono notevolmente i concetti di prospettiva lineare, linea dell'orizzonte e punto di fuga.
§ Prospettiva lineare. Foto con prospettiva lineare- è come se guardassi fuori dalla finestra e disegnassi esattamente ciò che vedi sul vetro della finestra. Gli oggetti nella foto iniziarono ad avere dimensioni proprie a seconda della loro distanza. Quelli più lontani dallo spettatore diventavano più piccoli e viceversa.
§ Orizzonte. Questa è una linea a una distanza alla quale gli oggetti vengono ridotti a un punto spesso quanto quella linea.
§ Punto di fuga. Questo è il punto in cui le linee parallele sembrano convergere in lontananza, spesso sulla linea dell'orizzonte. Questo effetto può essere osservato stando sui binari ferroviari e osservando i binari che si allontanano. l.
Ombre e luce. Gli artisti hanno giocato con interesse su come la luce cade sugli oggetti e crea ombre. Ombre e luce potrebbero essere utilizzate per attirare l'attenzione su un punto specifico in un dipinto.
Emozioni. Gli artisti del Rinascimento volevano che lo spettatore, guardando l'opera, sentisse qualcosa, vivesse un'esperienza emotiva. Era una forma di retorica visiva in cui lo spettatore si sentiva ispirato a migliorare in qualcosa.
Realismo e naturalismo. Oltre alla prospettiva, gli artisti cercavano di far apparire gli oggetti, in particolare le persone, più realistici. Studiarono l'anatomia umana, misurarono le proporzioni e cercarono la forma umana ideale. Le persone sembravano reali e mostravano emozioni autentiche, consentendo allo spettatore di fare deduzioni su ciò che le persone raffigurate pensavano e sentivano.
Il Rinascimento si divide in 4 fasi:
Protorinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)
Primo Rinascimento (inizio XV - fine XV secolo)
Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (metà del XVI - 1590)
Protorinascimento
Il Protorinascimento è strettamente connesso con il Medioevo; infatti appare nel Basso Medioevo, con tradizioni bizantine, romaniche e gotiche, questo periodo fu il precursore del Rinascimento. È diviso in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Artista e architetto italiano, fondatore del Protorinascimento. Uno di figure chiave nella storia Arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione della pittura di icone bizantina, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana e sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto furono ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo. Giotto divenne la figura centrale della pittura. Gli artisti del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Giotto ha delineato il percorso lungo il quale si è svolto il suo sviluppo: riempimento di forme religiose con contenuti secolari, un graduale passaggio dalle immagini piatte a quelle tridimensionali e in rilievo, un aumento del realismo, ha introdotto nella pittura il volume plastico delle figure e ha raffigurato l'interno nella pittura.
Alla fine del XIII secolo l'edificio principale fu costruito a Firenze costruzione del tempio- Cattedrale di Santa Maria del Fiore, l'autore fu Arnolfo di Cambio, poi i lavori furono continuati da Giotto.
Grandi scoperte, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è associato all’epidemia di peste che colpì l’Italia.
La prima arte del protorinascimento apparve nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze e Siena.
Primo Rinascimento
Il periodo del cosiddetto “Primo Rinascimento” copre il periodo dal 1420 al 1500 in Italia. Nel corso di questi ottant'anni l'arte non ha ancora abbandonato del tutto le tradizioni del recente passato (il Medioevo), ma ha cercato di fondere in esse elementi presi in prestito dall'antichità classica. Solo più tardi, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonano completamente le basi medievali e utilizzano con audacia esempi di arte antica, sia nel concetto generale delle loro opere che nei loro dettagli.
Mentre in Italia l'arte seguiva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi si attenne a lungo alle tradizioni stile gotico. A nord delle Alpi, così come in Spagna, il Rinascimento arrivò solo alla fine del XV secolo, e il suo primo periodo dura fino a circa la metà del secolo successivo.
Artisti del primo Rinascimento
Uno dei primi e più brillanti rappresentanti di questo periodo è giustamente considerato Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.
Con la sua opera ha contribuito al passaggio dal gotico alla nuova arte, glorificando la grandezza dell'uomo e del suo mondo. Il contributo di Masaccio all'arte si rinnova nel 1988, quando la sua creazione principale - affreschi della Cappella Brancacci nella Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze- sono stati riportati alla loro forma originaria.
- Resurrezione del figlio di Teofilo, Masaccio e Filippino Lippi
- Adorazione dei Magi
- Miracolo con statir
Altri importanti rappresentanti di questo periodo furono Sandro Botticelli. grande pittore italiano del Rinascimento, rappresentante della scuola pittorica fiorentina.
- Nascita di Venere
- Venere e Marte
- Primavera
- Adorazione dei Magi
Alto Rinascimento
Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è solitamente chiamato "Alto Rinascimento". Si estende in Italia dal 1500 al 1527 circa. In questo periodo il centro d'influenza dell'arte italiana si sposta da Firenze a Roma, grazie all'ascesa al soglio pontificio di Giulio II, uomo ambizioso, coraggioso, intraprendente che lo attirò alla sua corte migliori artisti Italia, che li occupò con numerose ed importanti opere e diede ad altri un esempio di amore per l'arte. Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, la nuova Atene dei tempi di Pericle: in essa vengono costruiti molti edifici monumentali, vengono realizzate magnifiche opere scultoree, vengono dipinti affreschi e dipinti, che sono ancora considerati il perle di pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e influenzandosi a vicenda. L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; la calma e la dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; i ricordi del Medioevo scompaiono completamente e un'impronta completamente classica cade su tutte le creazioni d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, e con grande intraprendenza e vividezza di immaginazione rielaborano liberamente e applicano al loro lavoro ciò che ritengono opportuno prendere in prestito dall'antica arte greco-romana.
Creatività di tre grandi Maestri italiani segna l'apice del Rinascimento, questo è Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci grande pittore italiano del Rinascimento, rappresentante della scuola pittorica fiorentina. Artista italiano(pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore, musicista, uno dei maggiori rappresentanti dell'arte dell'Alto Rinascimento, fulgido esempio"uomo universale"
Ultima cena,
-uomo vitruviano ,
- Madonna Litta
- Madonna delle Rocce
-Madonna con il fuso
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Scultore, artista, architetto [⇨], poeta [⇨], pensatore [⇨] italiano. . Uno dei più grandi maestri del Rinascimento [ ⇨ ] e del primo Barocco. Le sue opere erano considerate le più alte conquiste dell'arte rinascimentale durante la vita del maestro stesso. Michelangelo visse per quasi 89 anni, un'intera epoca, dal periodo dell'Alto Rinascimento alle origini della Controriforma. Durante questo periodo c'erano tredici Papi: per nove di loro eseguì ordini.
Creazione di Adamo
e Raffaello Santi (1483-1520). grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra.
-Madonna Sistina
- Trasfigurazione
- Meraviglioso giardiniere
Tardo Rinascimento
Il tardo Rinascimento in Italia abbraccia il periodo che va dal 1530 al 1590 fino al 1620. La Controriforma trionfò nell’Europa meridionale ( Controriforma(lat. Controriforma; da contra- contro e riformazione- trasformazione, riforma) - un movimento politico-ecclesiastico cattolico in Europa nella metà del XVI-XVII secolo, diretto contro la Riforma e mirato a ripristinare la posizione e il prestigio della Chiesa cattolica romana.), che guardava con cautela a qualsiasi libertà pensiero, inclusa la glorificazione del corpo umano e la resurrezione degli ideali dell'antichità come pilastri dell'ideologia rinascimentale. Le contraddizioni della visione del mondo e un generale sentimento di crisi hanno portato a Firenze nell'arte “nervosa” dei colori artificiosi e delle linee spezzate: il manierismo. Il Manierismo raggiunse Parma, dove il Correggio lavorò, solo dopo la morte dell’artista nel 1534. Le tradizioni artistiche di Venezia avevano una propria logica di sviluppo; Palladio (vero nome) vi lavorò fino alla fine degli anni Settanta del Cinquecento Andrea di Pietro). grande architetto italiano del tardo Rinascimento e del Manierismo.( Manierismo(dall'italiano maniera, maniera) - Stile letterario e artistico dell'Europa occidentale del XVI - primo terzo del XVII secolo. Caratterizzato dalla perdita dell'armonia rinascimentale tra fisico e spirituale, natura e uomo.) Fondatore del Palladianesimo ( Palladianesimo O Architettura del palladio- una prima forma di classicismo nata dalle idee dell'architetto italiano Andrea Palladio (1508-1580). Lo stile si basa sul rigoroso rispetto della simmetria, sulla considerazione della prospettiva e sul prestito dei principi dell'architettura classica dei templi dell'antica Grecia e di Roma) e sul classicismo. Probabilmente l'architetto più influente della storia.
Primo lavoro indipendente Andrea Palladio, talentuoso designer e architetto di talento, è la Basilica di Vicenza, in cui si è rivelato il suo talento originale e inimitabile.
Tra le case di campagna, la creazione più straordinaria del maestro è la Villa Rotonda. Andrea Palladio lo costruì a Vicenza per un funzionario vaticano in pensione. È noto per essere il primo edificio secolare-domestico del Rinascimento, eretto sotto forma di tempio antico.
Un altro esempio è Palazzo Chiericati, la cui particolarità si manifesta nel fatto che il primo piano dell'edificio era quasi interamente destinato ad uso pubblico, secondo quanto richiesto dalle autorità cittadine dell'epoca.
Tra i celebri edifici urbani del Palladio è necessario citare il Teatro Olimpico, progettato ad anfiteatro.
Tiziano ( Tiziano Vecellio) Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneziana dell'Alto e Tardo Rinascimento. Il nome di Tiziano è al pari di artisti del Rinascimento come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello. Tiziano dipinse dipinti su soggetti biblici e mitologici; divenne famoso anche come ritrattista. Ricevette ordini da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto il miglior pittore Venezia.
Dal suo luogo di nascita (Pieve di Cadore in provincia di Belluno, Repubblica di Venezia) viene talvolta chiamato sì, Cadore; noto anche come Tiziano il Divino.
- Ascensione della Vergine Maria
- Bacco e Arianna
- Diana e Atteone
-Venere Urbino
- Il rapimento di Europa
la cui opera aveva poco in comune con la crisi dell'arte fiorentina e romana.
Arte del primo Rinascimento (Quattrocento)
Inizio del XV secolo segnata da un'acuta crisi politica, alla quale parteciparono la Repubblica Fiorentina e Venezia da un lato, il Ducato di Milano e il Regno di Napoli di Villa Medici dall'altro. Terminò, che durò dal 1378 al 1417. scisma della chiesa e al Concilio di Costanza fu eletto papa Martino V, che scelse Roma come sua residenza. L'equilibrio delle forze politiche in Italia cambiò: la vita dell'Italia fu determinata da stati regionali come Venezia, Firenze, che conquistarono o acquistarono parte dei territori delle città vicine e raggiunsero il mare, e Napoli. Base sociale Rinascimento italiano allargato. La gente del posto è fiorente scuole d'arte con lunghe tradizioni. Il principio laico diventa decisivo nella cultura. Nel XV secolo gli umanisti occuparono due volte il trono papale.
“Né il cielo gli sembra troppo alto, né il centro della terra troppo profondo. E poiché l’uomo ha imparato la struttura dei corpi celesti e come si muovono, chi negherà che il genio dell’uomo… sia quasi lo stesso.” Marsilio Ficino Il primo Rinascimento fu caratterizzato dal superamento delle tradizioni tardogotiche e dal ritorno al tardo gotico patrimonio antico. Tuttavia, questa inversione non è dovuta all’imitazione. Non è un caso che Filarete abbia inventato il proprio sistema di ordini.
“Imitazione della natura” attraverso la comprensione delle sue leggi - idea principale trattati sull'arte di questo tempo.
Se nel XIV secolo. l'umanesimo fu proprietà prevalentemente di scrittori, storici e poeti, quindi dai primi anni del XV secolo. le ricerche umanistiche penetrarono nella pittura.
Virtu (valore) - questo concetto preso in prestito dagli antichi stoici fu adottato dall'umanesimo fiorentino della fine del XIV-1° piano. XV secoli Posto leader nell'umanesimo dell'ultimo terzo del XV secolo. subentrò il neoplatonismo, in cui il centro di gravità si spostò dalle questioni morali ed etiche a quelle filosofiche. Tutti gli umanisti di questo secolo sono accomunati dall'idea dell'uomo come creazione più perfetta della natura.
I cambiamenti nella posizione dell'artista sono dovuti al fatto che all'inizio del secolo la Signoria di Firenze confermò la regola ormai dimenticata, secondo la quale architetti e scultori non potevano far parte dell'organizzazione corporativa della città in cui lavoravano. . Rendendosi conto del valore dell’unicità artistica, gli autori delle opere cominciano a firmare le proprie creazioni, così, sulle porte del Battistero Fiorentino c’è scritto: “Una mirabile opera d’arte di Laurentius Cione de Ghiberti”. Nella seconda metà del XV secolo. Diventa obbligatorio disegnare dal modello e schizzi a grandezza naturale.
Il primo architetto italiano che si lasciò guidare dall'eredità dell'antica Roma fu Leon Battista Alberti (1404-1472). La bellezza era assoluta e primaria per Alberti. Su questa comprensione della bellezza, Alberti basò la sua dottrina della concinnitas (consonanza, accordo) di tutte le cose. In connessione con il concetto di proporzionalità appare anche l'interesse per le leggi delle relazioni numeriche armoniche e delle proporzioni perfette. Alcuni, come Filarete, li cercavano nella struttura del corpo umano, altri (Alberti, Brunelleschi) - nei rapporti numerici dell'armonia musicale.
“La bellezza è un’armonia proporzionata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono, tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorare le cose”, credeva Alberti.
Un'altra scoperta del Quattrocento è la prospettiva diretta. F. Brunelleschi fu il primo ad utilizzarlo in due vedute di Firenze. Nel 1416 fu utilizzato dallo scultore Donatello, amico di Brunelleschi, nei rilievi “La Battaglia di San Pietro”. Giorgio con il drago", e intorno al 1427-1428. Masaccio realizzò la Trinità nell'affresco costruzione prospettica. Alberti diede uno sviluppo teorico dettagliato dei principi della prospettiva nel suo Trattato della pittura. Il metodo di proiezione non si basava sulle immagini dei singoli oggetti, ma sulla connessione spaziale degli oggetti, in cui ogni singolo oggetto perdeva il suo aspetto stabile. L'immagine prospettica è progettata per l'effetto della presenza, quindi implica il disegno dalla vita da un punto di vista fisso. La prospettiva implica la trasmissione di luci e ombre e le relazioni tono-colore.
Architettura del Quattrocento
L'essenza e i modelli dell'architettura sono determinati per i teorici del XV secolo. il suo servizio all'uomo. Pertanto, l'idea tratta da Vitruvio sulla somiglianza di un edificio con una persona diventa popolare. Le forme dell'edificio erano paragonate alle proporzioni del corpo umano. I teorici dell’architettura vedevano anche la connessione tra l’architettura e l’armonia dell’universo. Nel 1441 fu ritrovato un trattato di Vitruvio, il cui studio contribuì all'assimilazione dei principi del sistema dell'ordine. Gli architetti hanno cercato di costruire un modello di tempio ideale. Secondo l'Alberti, in pianta dovrebbe essere simile ad un cerchio o ad un poliedro inscritto in esso.
Battistero (battistero greco - fonte battesimale) - camera battesimale, stanza per il battesimo. Nell'era alto medioevo A causa della necessità di battesimi di massa, i battisteri furono costruiti separatamente dalla chiesa. Molto spesso, i battisteri erano costruiti rotondi o sfaccettati e coperti da una cupola.
Un risultato logico dello sviluppo della teoria della prospettiva fu lo sviluppo delle leggi delle proporzioni: le relazioni spaziali dei singoli elementi di un edificio (l'altezza della colonna e la larghezza dell'arco, il diametro medio della colonna e la sua altezza ).
Il fascino per l'antichità era caratteristico dei maestri del Quattrocento, ma ogni creatore creava ed era consapevole del proprio ideale di antichità.
Nel XV secolo iniziarono a svolgersi concorsi per la concessione del diritto a qualsiasi progetto artistico. Così, al concorso del 1401 per la realizzazione delle porte settentrionali in bronzo del battistero, parteciparono sia famosi maestri che il ventenne Lorenzo Ghiberti e Filippo Brunelleschi. Il tema dell'immagine era "Il sacrificio di Abramo" sotto forma di rilievo. Ha vinto Ghiberti. Nel concorso del 1418 per la costruzione della cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore vinse Brunelleschi (1377-1446), architetto, matematico e ingegnere. La cupola avrebbe dovuto incoronare la cattedrale, costruita all'inizio del XIII secolo. e ampliato nel XIV secolo. La difficoltà era che la cupola non poteva essere eretta utilizzando i metodi tecnici allora conosciuti. Brunelleschi derivò il suo metodo dalle tecniche dell'antica muratura in pietra romana, ma modificò la forma della struttura a cupola. L'enorme cupola leggermente appuntita (diametro - 42 m) era costituita da due gusci, il telaio principale - da 8 nervature principali e 16 aggiuntive, collegate tra loro da anelli orizzontali che assorbono la spinta.
L'incarnazione architettonica dell'essenza del Rinascimento fu la loggia realizzata da Brunelleschi sulla facciata dell'Orfanotrofio di Firenze. Ritornando alle basi dell'architettura romana antica, basandosi sui principi del Protorinascimento e oltre tradizione nazionale Architettura italiana, Brunelleschi si distinse come riformatore realizzando il portico dell'Orfanotrofio, istituzione caritativa. La forma della facciata era nuova. Il portico era più largo dell'Orfanotrofio stesso, al quale era affiancato a destra e a sinistra da un'altra campata. Ciò creava l'impressione di un'ampia estensione, che si esprimeva nell'ampiezza delle campate ad arco dei portici ed era enfatizzata dalla relativa bassa altezza del secondo piano. L'edificio mancava di forme gotiche; invece di orientare l'edificio in altezza o in profondità, Brunelleschi mutua dall'antichità l'armonioso equilibrio di masse e volumi.
Il rilievo appiattito (italiano relievo schiacciatto) è un tipo di bassorilievo in cui l'immagine si solleva leggermente rispetto allo sfondo e i piani spaziali sono avvicinati al limite.
Brunelleschi è considerato il primo a implementare praticamente la prospettiva diretta. Già nell'antichità i geometri basavano l'ottica sul presupposto che l'occhio fosse collegato all'oggetto osservato tramite raggi ottici. La scoperta di Brunelleschi fu che intersecò questa piramide ottica con un piano dell'immagine e ottenne un'esatta proiezione dell'oggetto sul piano. Utilizzando le porte del Duomo di Firenze come cornice naturale, Brunelleschi pose davanti ad esse una proiezione del battistero (l'edificio battesimale situato di fronte alla cattedrale), e questa proiezione ad una certa distanza coincideva con la sagoma dell'edificio.
Non tutti i progetti di Brunelleschi furono realizzati secondo i suoi piani.
Lo studente del Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo creò il Palazzo Medici: tre piani, pianta quadrata, con un cortile quadrato al centro.
Leon Batista Alberti (1404-1472) - un filosofo umanista di varia istruzione che lavorò a Firenze, Ferrara e Rimini. Alberti fu il primo architetto, concentrandosi principalmente sull'antica eredità romana, a comprendere profondamente il significato dell'architettura romana. I contemporanei erano confusi dalla natura insolita degli edifici ecclesiastici dell'Alberti; A Papa Pio I la Chiesa di San Francesco a Rimini sembrava un tempio pagano; la Chiesa di San Sebastiano a Mantova somigliava sia a una chiesa che a una moschea. Alberti realizzò il Palazzo Ruccellai a Firenze con pareti lisce prive di bugnato, elegante cornice di portali e finestre e ordinata decorazione della facciata. Nel progetto della chiesa mantovana di Sant'Andrea, l'Alberti combinò la tradizionale forma basilicale del tempio con il tetto a cupola. L'edificio si caratterizza per la maestosità degli archi della facciata e l'imponenza degli spazi interni. Un'ampia trabeazione attraversava orizzontalmente la parete. Di decisiva importanza ebbero il portico e la sua volta, in cui i costoloni furono sostituiti da una cupola piana.
La maggior parte degli altri architetti ha combinato con successo il ruolo di designer con le funzioni di soprintendente.
Dipinto del XV secolo.
La pittura è prevalentemente pittura monumentale, cioè affrescare. Una particolarità dell'affresco è la necessità di utilizzare una quantità limitata di coloranti che si combinino con la calce. Da tipi di cavalletto L'altare comincia ad avere un ruolo sempre più importante nella pittura. Questo non è un altare gotico con molte porte, ma un'unica composizione: un'immagine dell'altare, la cosiddetta. pala. Sotto la pala dell'altare si trovano diversi piccoli dipinti allungati orizzontalmente, che formano una stretta fascia della predella. Nella prima metà del secolo apparve un ritratto secolare indipendente. Uno dei primi artisti dell'epoca fu Masaccio (vero nome - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Opere principali: “Madonna con Bambino e Angeli”, “Crocifissione”, “Adorazione dei Magi”, “Trinità”.
Nell'affresco della Cappella Brancacci nella Chiesa di Santa Maria del Carmine, “Il Miracolo dello Statere”, Masaccio collega tre episodi: Cristo, al quale il pubblicano chiede denaro; Cristo ordina a Pietro di prendere un pesce per trarne una moneta; Peter dà i soldi. Masaccio rende centrale il secondo episodio perché aveva bisogno di mostrare che gli eventi dipendono dalla volontà impellente di Cristo.
Beato Angelico (1395-1455). Nel 1418 prese i voti monastici presso il monastero domenicano di Fiesole, da allora chiamato Fra Giovanni. Nel 1438 si trasferì nel monastero di San Marco a Firenze, dove progettò l'immagine dell'altare maggiore e le celle dei monaci. Maggior parte opera famosa Fra Angelico divenne l'affresco dell'Annunciazione.
Filippo Lippi (c. 1406-1469) rimasto giovanissimo senza genitori, nel 1421 prese i voti monastici presso il monastero di Santa Maria del Carmine. Filippo dipinse pale d'altare per le chiese fiorentine di San Spirito, SanLorenzo, Sant'Ambrogio, piccole pale d'altare a forma di tondo, che era consuetudine regalare in occasione di un matrimonio o in occasione della nascita di un bambino. Fu mecenate dei Medici.Piero della Francesca (1420-1492) nacque a San Sepolcro e per tutta la vita, nonostante le continue assenze, tornò a lavorare nella sua città natale. Nel 1452-1458. Piero della Francesca dipinse la cappella maggiore della Chiesa di San Francesco ad Arezzo con affreschi sulla storia della croce vivificante.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) fu uno dei favoriti dei Medici, per conto dei quali eseguì lavori nella Chiesa di San Lorenzo.
Domenico Ghirlandaio (1449-1494) a Firenze lavorò per mercanti e banchieri vicini alla casa Medici. Nelle sue composizioni raffigurava spesso i suoi concittadini come personaggi della storia sacra.
Perugino (1450-1523). Vero nome - Pietro Vannucci, è nato vicino a Perugia, da qui il suo soprannome Perugino. A Roma nel 1481, insieme ad altri, dipinse Cappella di Firenze sulla base di scene dell'Antico e del Nuovo Testamento, realizzò composizioni d'altare commissionate da chiese e monasteri del Nord Italia.
Bernardino di Betto, soprannominato Pinturicchio per la sua bassa statura (1454-1513), realizzò affreschi e miniature su argomenti letterari. L'opera più famosa del Pinturicchio furono le decorazioni in stucco e gli affreschi delle stanze papali in Vaticano.
Andrea Mantegna (1431-1506) fu pittore di corte del duca di Gonzaga a Mantova, dipinse dipinti, realizzò incisioni e scenografie per spettacoli. Nel 1465-1474. Mantegna progettò il palazzo cittadino di Lodovico Gonzaga e della sua famiglia.
L'ultimo dei grandi maestri del Quattrocento è considerato Sandro Botticelli (1445-1510), vicino ai neoplatonici fiorentini per la sua aspirazione all'altro mondo, il desiderio di andare oltre forme naturali e storia. I primi lavori di Botticelli si distinguono per il morbido lirismo. Dipinge ritratti completi vita interiore. Questo è Giuliano Medici, il cui volto è segnato dalla tristezza. Nel “Ritratto di Cimonetta Vespucci” Botticelli raffigura una giovane donna in piedi di profilo, il cui volto esprime autostima. Negli anni '90 realizzò il ritratto di Lorenzo Lorenziano, uno scienziato che si suicidò nel 1504 in un impeto di follia. L'artista raffigura un'immagine quasi scultorea e tangibile.
La “Primavera” segnò l’inizio della massima fioritura dell’attività di Botticelli, la sua fama raggiunse Roma: al centro di un prato fiorito si erge Venere, la dea dell’amore, rappresentata sotto forma di fanciulla elegantemente vestita. Cupido si libra sopra Venere e, bendato, scaglia una freccia infuocata nello spazio. A destra di Venere, le Tre Grazie conducono una danza rotonda. Vicino alle grazie danzanti si trova il messaggero degli dei, Mercurio, che alza il suo bastone: il caduceo. Sul lato destro dell'immagine, il dio del vento Zefiro vola dalle profondità della boscaglia, incarnando il principio elementare della natura. Botticelli scrisse “La nascita di Venere” nel 1482-1483. commissionato da Lorenzo Medici. Il mare si avvicina al limite estremo dell'immagine, sulla sua superficie galleggia una conchiglia rosa-oro, sul cui ricciolo si trova una Venere nuda. Le rose cadono ai suoi piedi, i venti dirigono la conchiglia verso la riva, dove la ninfa ha preparato un mantello intessuto di fiori.
È probabile che Botticelli abbia inserito nell'immagine un sottotesto tratto dal neoplatonismo. “La nascita di Venere” non è affatto un canto pagano bellezza femminile. Contiene l'idea del cristianesimo sulla nascita dell'anima dall'acqua durante il battesimo. Il corpo nudo della dea significa purezza, la natura è rappresentata dai suoi elementi: l'aria è Eolo e Borea, l'acqua è un mare verdastro con riccioli ornamentali di onde. Ciò è coerente con il modo in cui il capo dell'Accademia fiorentina, Marsilio Ficino, interpretava il mito della nascita di Venere come personificazione dell'anima, che, grazie al principio divino, è capace di creare bellezza. Per Botticelli non esisteva un confine invalicabile tra antichità e cristianesimo. L'artista introduce nei suoi dipinti religiosi immagini antiche. Uno di dipinti famosi contenuto religioso - "La grandezza della Madonna", creata nel 1483-1485. La Madonna è raffigurata in trono, circondata da angeli, con il Bambino in grembo. La Madonna tende la penna per scrivere le parole nel libro mentre inizia una preghiera in suo onore. Dopo il “Magnificat”, Botticelli realizza una serie di opere in cui lo spiritualismo è sempre più intensificato, echi gotici si manifestano nell'assenza di spazio, nell'esaltazione delle immagini.
La scultura rinascimentale incarnava l’antropocentrismo del Rinascimento. Gli scultori del Rinascimento italiano individualizzarono l'immagine non solo in termini di personificazione fisionomica, ma anche come autocoscienza spirituale dell'individuo. caratteristica principale sculture del XV secolo - la sua separazione dal muro e dalla nicchia della cattedrale.
Donatello (vero nome Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) fu responsabile dell'invenzione di un tipo speciale di rilievo, la cui essenza risiede nelle più fini gradazioni di volume, in cui le figure più avanzate sono scolpite in alto rilievo, quelli più distanti sporgono leggermente dal fondo. Allo stesso tempo, lo spazio è costruito in maniera prospettica e permette di accogliere molte figure. Si tratta dei rilievi raffiguranti i miracoli di S. Antonio dell'altare della Chiesa di Sant'Antonio a Padova. Il primo rilievo appiattito di Donatello fu il pannello "San Giorgio che uccide il drago", realizzato intorno al 1420. La maggior parte dell'immagine è appiattita e appiattita, limitata da un contorno profondamente inciso, spesso realizzato con la tecnica del solco inclinato.
Nel 1432 a Roma incontrò Donatello arte antica e arriva alla sua interpretazione dello spirito dell'antichità, in cui è attratto dalla trasmissione di eccitazione emotiva e sentimenti drammatici. Donatello ha fatto rivivere il chiasmo utilizzato nella scultura antica: l'ambientazione di una figura in cui il peso del corpo viene trasferito su una gamba, e quindi l'anca che si alza corrisponde alla spalla abbassata e viceversa.
Nella piazza antistante la Chiesa di Sant'Antonio a Padova nel 1447-1453. Donatello erige il primo monumento in bronzo al Gattamelata nell'arte moderna.
S. Botticelli. Nascita di Venere. Frammento
In architettura furono stabiliti i principi creativamente rivisti dell’antico sistema di ordine e emersero nuovi tipi di edifici pubblici.Filippo Brunellesco. 1377 – 1446. Orfanotrofio (ospedale) - Ospedale degli Innocenti a Firenze. 1421-44.
Brunellesco. Cappella dei Pazzi a Firenze. Iniziato nel 1429.
Leon Battista Alberti. 1404 – 1472.
Figura centrale del Rinascimento insieme a Brunellesco.
Palazzo Rucellai a Firenze. 1446-51.
Alberti. Facciata della Chiesa di Santa Maria Novella a Firenze. 1456-70.
Scultura a Firenze
Donatello (Donato di Niccolò di Betti Bardi). 1386 – 1466.Era a capo dei maestri che segnarono l'inizio del fiorire del Rinascimento.
Nell'arte del suo tempo si comportò da vero innovatore:
Le immagini da lui create sono la prima incarnazione dell'ideale umanistico di una personalità completamente sviluppata.
Basato su uno studio approfondito della natura.
Utilizzato abilmente il patrimonio antico.
Fu il primo dei maestri del Rinascimento a risolvere il problema del posizionamento stabile della figura.
Ha fatto rivivere l'immagine della nudità nella scultura statuaria.
Realizza il primo monumento in bronzo.
Ho cercato di essere il primo a risolvere il problema del gruppo indipendente.
Ha preso parte alla decorazione della Cattedrale di Santa Maria del Fiore:
statua in marmo di David.
Lorenzo Ghiberti. 1378 – 1455.
Porte orientali del Battistero di Firenze. 1425-52. Bronzo dorato.
Ghiberti.
La storia di Giuseppe.
Ghiberti. Porte orientali del Battistero di Firenze. Noè e il diluvio. 1425-52. Frammento.
Andrea Verocchio (Verocchio).
1435 – 1488.Davide. Bronzo. 1476.
Dipinto di Firenze
Dopo la scultura ci fu una svolta nella pittura.Masaccio. 1401 – 1428.
San Pietro che guarisce i malati con la sua ombra. 1425-26.
Fra Filippo Lippi. 1406 – 1469.
Polaiolo, Antonio. 1429 – 1493. Ercole e Anteo.
Andrea Mantegna. 1431 – 1506. Cristo morto. 1490.
Mantegna. Lodovico Gonzago, Duca di Mantova e la sua famiglia. Camera degli Sposi. Frammento del muro settentrionale. 1471-74.
Agenzia federale per l'istruzione
Università statale di architettura e ingegneria civile di San Pietroburgo
Dipartimento di Storia
Disciplina: Studi Culturali
Titani e capolavori della cultura rinascimentale
Gruppo studenti 1 ES 2
E. Yu. Nalivko
Supervisore:
k.i. Sc., insegnante
I. Yu. Lapina
San Pietroburgo
Introduzione................................................3
Arte del primo Rinascimento………..4
Periodo dell'Alto Rinascimento…………….5
Sandro Botticelli…………….5
Leonardo Da Vinci………………7
Michelangelo Buonarroti…….…………10
Raffaello Santi…………....……………….13
Conclusione……………………..15
Elenco della letteratura utilizzata………....16
introduzione
Il Rinascimento è un periodo importante nella cultura mondiale. Inizialmente, il nuovo fenomeno nella vita culturale europea sembrava un ritorno alle conquiste dimenticate della cultura antica nel campo della scienza, della filosofia e della letteratura. Il fenomeno del Rinascimento sta nel fatto che l'eredità antica si trasformò in un'arma per rovesciare canoni e divieti della chiesa. In sostanza, dobbiamo parlare di una grandiosa rivoluzione culturale, durata due secoli e mezzo e conclusasi con la creazione di un nuovo tipo di visione del mondo e di un nuovo tipo di cultura. A quel tempo non si osservava nulla di simile al di fuori della regione europea. Pertanto, questo argomento ha suscitato il mio grande interesse e il desiderio di esaminare questo periodo in modo più dettagliato.
Nel mio saggio voglio concentrarmi su persone eccezionali come Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Divennero i rappresentanti più importanti delle principali fasi del Rinascimento italiano.
1.Art primo Rinascimento
Nei primi decenni del XV secolo si verificò una svolta decisiva nell'arte italiana. L'emergere di un potente centro del Rinascimento a Firenze comportò un rinnovamento dell'intera cultura artistica italiana.
L'opera di Donatello, Masaccio e dei loro collaboratori segna la vittoria del realismo rinascimentale, che si differenziava significativamente dal “realismo del dettaglio” caratteristico dell'arte gotica del tardo Trecento. Le opere di questi maestri sono intrise degli ideali dell'umanesimo. Eroizzano ed esaltano una persona, elevandola al di sopra del livello della vita di tutti i giorni.
Nella loro lotta con la tradizione gotica, gli artisti del primo Rinascimento cercarono sostegno nell'antichità e nell'arte del Protorinascimento. Ciò che i maestri del Protorinascimento cercavano solo intuitivamente, al tatto, si basa ora su una conoscenza precisa.
L'arte italiana del XV secolo si distingue per una grande diversità. La nuova arte, che trionfò nella Firenze avanzata all'inizio del XV secolo, non ottenne subito riconoscimento e si diffuse in altre regioni del Paese. Mentre Bruneleschi, Masaccio e Donatello lavoravano a Firenze, le tradizioni dell'arte bizantina e gotica erano ancora vive nell'Italia settentrionale, solo gradualmente soppiantate dal Rinascimento.
Il centro principale del primo Rinascimento fu Firenze. La cultura fiorentina della prima metà e della metà del XV secolo è varia e ricca. Dal 1439, dal momento ecumenico chiesa cattedrale, al quale arrivarono accompagnati da un magnifico seguito Imperatore bizantino Giovanni Paleologo e del Patriarca di Costantinopoli, e soprattutto dopo la caduta di Bisanzio nel 1453, quando molti scienziati fuggiti dall'Oriente trovarono rifugio a Firenze, questa città divenne uno dei principali centri in Italia per lo studio della lingua greca, come così come la letteratura e la filosofia dell'antica Grecia. Eppure il ruolo di primo piano nella vita culturale fiorentina della prima metà e della metà del Quattrocento spetta senza dubbio all'arte. 1
2. Periodo del pieno Rinascimento
Questo periodo di tempo rappresenta l'apogeo del Rinascimento. Fu un periodo breve, durato circa 30 anni, ma in termini di quantità e qualità questo periodo di tempo durò secoli. L'arte dell'Alto Rinascimento è una sintesi delle conquiste del XV secolo, ma allo stesso tempo è un nuovo salto di qualità, sia nella teoria dell'arte che nella sua attuazione. La straordinaria “densità” di questo periodo può essere spiegata dal fatto che il numero di artisti brillanti che lavorano contemporaneamente (in un periodo storico) è una sorta di record anche per l'intera storia dell'arte. Basta nominare nomi come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo.
3. Sandro Botticelli
Il nome di Sandro Botticelli è conosciuto in tutto il mondo come uno degli artisti più notevoli del Rinascimento italiano.
Sandro Botticelli nacque nel 1444 (o 1445) nella famiglia di un conciatore, il cittadino fiorentino Mariano Filippepi. Sandro era il più giovane, quarto figlio di Filippepi. Purtroppo non si sa quasi nulla su dove e quando Sandro ebbe una formazione artistica e se, come riportano le fonti antiche, realmente studiò prima oreficeria e poi cominciò a dipingere. Nel 1470 aveva già una propria bottega ed eseguiva autonomamente gli ordini ricevuti.
Il fascino dell'arte di Botticelli resta sempre un po' misterioso. Le sue opere evocano una sensazione che le opere di altri maestri non evocano.
Botticelli era inferiore a molti artisti del XV secolo, alcuni per energia coraggiosa, altri per sincera accuratezza dei dettagli. Le sue immagini (salvo rarissime eccezioni) sono prive di monumentalità e drammaticità; le loro forme esageratamente fragili sono sempre un po' convenzionali. Ma come nessun altro pittore del XV secolo, Botticelli era dotato della capacità della più sottile comprensione poetica della vita. Per la prima volta è stato in grado di trasmettere le sottili sfumature delle esperienze umane. L'eccitazione gioiosa è sostituita nei suoi dipinti da un sogno malinconico, raffiche di divertimento - da una dolorosa malinconia, da una contemplazione calma - da una passione incontrollabile.
Il nuovo indirizzo artistico di Botticelli trovò la sua espressione estrema nell'ultimo periodo della sua attività, nelle opere degli anni Novanta del Quattrocento e dell'inizio del Cinquecento. Qui le tecniche dell'esagerazione e della dissonanza diventano quasi insopportabili (ad esempio “Il miracolo di San Zanobi”). L'artista o si tuffa nell'abisso del dolore senza speranza (“Pieta”), oppure si arrende all'esaltazione illuminata (“Comunione di San Girolamo”). Il suo stile pittorico è semplificato quasi fino alle convenzioni iconografiche, caratterizzato da una sorta di ingenua lingua legata. Sia il disegno, portato al limite nella sua semplicità, sia il colore con i suoi netti contrasti di colori locali sono completamente subordinati al ritmo lineare planare. Le immagini sembrano perdere la loro realtà, il guscio della terra, agendo come simboli mistici. Eppure in questo, fino in fondo arte religiosa l'elemento umano si fa strada con grande forza. Mai prima d'ora un artista aveva messo così tanto sentimento personale nelle sue opere; mai prima d'ora le sue immagini avevano avuto un significato morale così alto.
Con la morte di Botticelli si conclude la storia della pittura fiorentina del primo Rinascimento, questa vera primavera della cultura artistica italiana. Contemporaneo di Leonardo, Michelangelo e del giovane Raffaello, Botticelli rimase estraneo ai loro ideali classici. Come artista appartenne interamente al XV secolo e non ebbe successori diretti nella pittura dell'Alto Rinascimento. Tuttavia la sua arte non morì con lui. È stato il primo tentativo di rivelare il mondo spirituale dell'uomo, un timido tentativo terminato tragicamente, ma che, attraverso generazioni e secoli, ha ricevuto il suo riflesso infinitamente sfaccettato nell'opera di altri maestri.
L'arte di Botticelli è la confessione poetica di un grande artista, che emoziona ed entusiasmerà sempre il cuore delle persone. 2
4.Leonardo Da Vinci
Nella storia dell'umanità non è facile trovare un'altra persona brillante come il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento, Leonardo da Vinci (1452-1519). La natura globale dell'attività di questo grande artista e scienziato divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi della sua eredità. A Leonardo è stata dedicata una quantità colossale di letteratura e la sua vita è stata studiata in dettaglio. Eppure, gran parte del suo lavoro rimane misterioso e continua ad emozionare le menti delle persone.
Leonardo Da Vinci nacque nel borgo di Anchiano vicino a Vinci: non lontano da Firenze. Era il figlio illegittimo di un ricco notaio e di una semplice contadina. Notando le straordinarie capacità del ragazzo nella pittura, suo padre lo mandò alla bottega di Andrea Verrocchio. Nel dipinto dell’insegnante “Il Battesimo di Cristo”, la figura di un angelo biondo spiritualizzato appartiene al pennello del giovane Leonardo.
Tra lui primi lavori il dipinto “Madonna con fiore” (1472), eseguito su tela ad olio, allora raro in Italia.
Intorno al 1482 Leonardo entrò al servizio del duca di Milano, Lodovico Moro. Il maestro si raccomandò prima di tutto come ingegnere militare, architetto, specialista nel campo dell'ingegneria idraulica, e solo allora come pittore e scultore. Tuttavia, il primo periodo milanese dell'opera di Leonardo (1482-1499) si rivelò il più fruttuoso. Il maestro divenne l'artista più famoso d'Italia, studiò architettura e scultura, si dedicò ad affreschi e pale d'altare.
I dipinti di Leonardo del periodo milanese sono sopravvissuti fino ad oggi. La prima composizione d'altare dell'Alto Rinascimento fu “Madonna nella Grotta” (1483-1494). Il pittore si allontanò dalle tradizioni del XV secolo: nei cui dipinti religiosi prevaleva il vincolo solenne. Nella pala d'altare di Leonardo ci sono poche figure: una Maria al femminile, il Cristo Bambino che benedice il piccolo Giovanni Battista e un angelo inginocchiato, come se guardasse fuori dal quadro. Le immagini sono idealmente belle, naturalmente connesse con il loro ambiente. Questo è qualcosa come una grotta tra rocce basaltiche scure con un varco in profondità - un paesaggio generalmente fantasticamente misterioso tipico di Leonardo. Le figure e i volti sono avvolti in una foschia ariosa, che conferisce loro una morbidezza speciale. Gli italiani chiamavano questa tecnica di Leonardo sfumato.
A Milano, a quanto pare, il maestro ha realizzato il dipinto “Madonna col Bambino” (“Madonna Lita”). Qui, a differenza della “Madonna con un fiore”, ha cercato una maggiore generalizzazione dell’idealità dell’immagine. Ciò che viene raffigurato non è un momento specifico, ma un certo stato di calma gioia a lungo termine in cui è immersa una giovane e bella donna. Una luce fredda e limpida illumina il suo viso magro e morbido con lo sguardo semiabbassato e un sorriso leggero, appena percettibile. Il dipinto è dipinto a tempera, che aggiunge sonorità ai toni del manto azzurro e della veste rossa di Maria. I soffici capelli ricci color oro scuro del bambino sono raffigurati in modo sorprendente e il suo sguardo attento rivolto allo spettatore non è infantilmente serio.
Quando Milano fu presa dalle truppe francesi nel 1499, Leonardo lasciò la città. Il tempo del suo vagabondare è iniziato. Per qualche tempo lavorò a Firenze. Lì, l’opera di Leonardo sembrava essere illuminata da un lampo luminoso: dipinse un ritratto di Monna Lisa, moglie del ricco fiorentino Francesco di Giocondo (circa 1503). Il ritratto è conosciuto come “La Gioconda” ed è diventato una delle opere più famose della pittura mondiale.
Un piccolo ritratto di una giovane donna, avvolta in un'ariosa foschia, seduta sullo sfondo di un paesaggio verde-bluastro, è piena di una trepidazione così vivace e tenera che, secondo Vasari, si vede il battito del polso nella cavità di Mona Il collo di Lisa. Sembrerebbe che l'immagine sia facile da capire. Intanto, nell'ampia letteratura dedicata alla Gioconda, si scontrano le interpretazioni più opposte dell'immagine creata da Leonardo.
Negli ultimi anni della sua vita, Leonardo da Vinci ha lavorato poco come artista. Dopo aver ricevuto un invito dal re francese Francesco 1, partì per la Francia nel 1517 e divenne pittore di corte. Leonardo morì presto. In un autoritratto (1510-1515), il patriarca dalla barba grigia e dallo sguardo profondo e triste sembrava molto più vecchio della sua età.
La portata e l'unicità del talento di Leonardo possono essere giudicate dai suoi disegni, che occupano uno dei posti d'onore nella storia dell'arte. Non solo i manoscritti dedicati alle scienze esatte, ma anche le opere sulla teoria dell'arte sono indissolubilmente legate ai disegni, schizzi, schizzi e diagrammi di Leonardo da Vinci. Molto spazio è dato ai problemi del chiaroscuro, della modellazione volumetrica, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo da Vinci possiede numerose scoperte, progetti e studi sperimentali in matematica, meccanica e altre scienze naturali.
L'arte di Leonardo da Vinci, la sua ricerca scientifica e teorica, l'unicità della sua personalità hanno attraversato l'intera storia della cultura e della scienza mondiale e hanno avuto un'enorme influenza. 3
5.Michelangelo Buonarroti
Tra i semidei e i titani dell'Alto Rinascimento, Michelangelo occupa un posto speciale. Come creatore di nuova arte, merita il titolo di Prometeo del XVI secolo
La bellissima scultura in marmo, conosciuta come la Pietà, rimane ancora oggi un monumento al primo soggiorno a Roma e alla piena maturità dell'artista ventiquattrenne. La Santa Vergine siede su una pietra, sul suo grembo riposa il corpo senza vita di Gesù, deposto dalla croce. Lo sostiene con la mano. Sotto l'influenza di opere antiche, Michelangelo scartò tutte le tradizioni del Medioevo nella raffigurazione di soggetti religiosi. Ha dato armonia e bellezza al corpo di Cristo e a tutta l'opera. La morte di Gesù non avrebbe dovuto causare orrore, ma solo un sentimento di riverente sorpresa per il grande sofferente. La bellezza del corpo nudo trae grande beneficio dall'effetto di luci e ombre prodotto dalle pieghe sapientemente disposte della veste di Maria. Nel volto di Gesù, raffigurato dall'artista, si riscontrano addirittura somiglianze con Savonarola. La Pietà rimase un eterno testamento di lotta e di protesta, un eterno monumento alla sofferenza nascosta dell'artista stesso.
Michelangelo tornò a Firenze nel 1501, in un momento difficile per la città, dove da un enorme blocco di marmo di Carrara, destinato ad una statua colossale David biblico per decorare la cupola della cattedrale, decise di realizzare un'opera completa e perfetta, senza ridurne le dimensioni, e nello specifico il David. Nel 1503, il 18 maggio, la statua fu installata in Piazza della Señoria, dove rimase per più di 350 anni.
Nella lunga e triste vita di Michelangelo ci fu solo un periodo in cui la felicità gli sorrise: fu quando lavorò per Papa Giulio II. Michelangelo, a modo suo, amava questo papa rude e guerriero, che non aveva affatto modi papali duri. La tomba di papa Giulio non risultò così magnifica come aveva previsto Michelangelo. Al posto della Cattedrale di S. Pietro fu collocata nella piccola chiesa di S. Petra, dove non entrò nemmeno del tutto, e le sue singole parti si dispersero in luoghi diversi. Ma anche in questa forma è di diritto una delle creazioni più famose del Rinascimento. La sua figura centrale è il biblico Mosè, il liberatore del suo popolo dalla prigionia egiziana (l'artista sperava che Giulio liberasse l'Italia dai conquistatori). La passione divorante, la forza sovrumana mettono a dura prova il potente corpo dell'eroe, la volontà e la determinazione, un'appassionata sete di azione si riflettono sul suo viso, il suo sguardo è diretto verso la terra promessa. Un semidio siede con maestosità olimpica. Una delle sue mani poggia con forza sulla tavoletta di pietra sulle sue ginocchia, l'altra poggia qui con la noncuranza degna di un uomo a cui basta il movimento delle sopracciglia per far obbedire tutti. Come disse il poeta, “davanti a un simile idolo il popolo ebraico aveva il diritto di prostrarsi in preghiera”. Secondo i contemporanei, il “Mosè” di Michelangelo vedeva effettivamente Dio.
Su richiesta di Papa Giulio, Michelangelo dipinse il soffitto della Cappella Sistina in Vaticano con affreschi raffiguranti la creazione del mondo. I suoi dipinti sono dominati da linee e corpi. 20 anni dopo, su una delle pareti della stessa cappella, Michelangelo dipinse l'affresco "Il Giudizio Universale" - una visione straordinaria dell'apparizione di Cristo al Giudizio Universale, al gesto della cui mano i peccatori cadono nell'abisso dell'inferno . Il muscoloso gigante erculeo non assomiglia al Cristo biblico, che si sacrificò per il bene dell'umanità, ma alla personificazione della punizione dell'antica mitologia: l'affresco rivela i terribili abissi di un'anima disperata, l'anima di Michelangelo.
Le opere di Michelangelo esprimono il dolore causato dalla tragedia dell'Italia, fondendosi con il dolore per il proprio triste destino.Michelangelo ha trovato nell'architettura la bellezza, che non si mescola con la sofferenza e la sfortuna. Dopo la morte di Bramante, Michelangelo subentrò nella costruzione della Basilica di San Pietro. Degno successore del Bramante, creò una cupola che è ancora oggi insuperata sia per dimensioni che per imponenza,
Michelangelo non aveva né studenti né una cosiddetta scuola. Ma è rimasto il mondo intero creato da lui. 4
6. Raffaello
L'opera di Raffaello Santi appartiene a quei fenomeni della cultura europea che non solo sono ricoperti di fama mondiale, ma hanno anche acquisito un significato speciale: i punti di riferimento più alti nella vita spirituale dell'umanità. Per cinque secoli la sua arte è stata percepita come uno degli esempi di perfezione estetica.
Il genio di Raffaello si è rivelato nella pittura, nella grafica e nell'architettura. Le opere di Raffaello rappresentano l'espressione più completa e vivida della linea classica, il principio classico nell'arte dell'Alto Rinascimento (Appendice 3). Raffaello creò una “immagine universale” di una persona bella, perfetta fisicamente e spiritualmente, che incarna l'idea della bellezza armoniosa dell'esistenza.
Raffaello (più precisamente Raffaello Santi) nacque il 6 aprile 1483 nella città di Urbino. Ricevette le prime lezioni di pittura dal padre Giovanni Santi. Quando Raffaello aveva 11 anni, Giovanni Santi morì e il ragazzo rimase orfano (perse il ragazzo 3 anni prima della morte di suo padre). A quanto pare, nei successivi 5-6 anni studiò pittura con Evangelista di Piandimeleto e Timoteo Viti, maestri provinciali minori.
Le prime opere di Raffaello a noi note furono eseguite intorno al 1500-1502, quando aveva 17-19 anni. Si tratta di composizioni in miniatura “Le tre Grazie” e “Il sogno del cavaliere”. Queste cose ingenue, ancora timide da studente, sono caratterizzate da sottile poesia e sincerità di sentimenti. Fin dai primi passi della sua creatività, il talento di Raffaello si rivela in tutta la sua originalità e viene delineato il proprio tema artistico.
Le migliori opere del primo periodo includono Madonna Conestabile. Le composizioni raffiguranti la Madonna col Bambino portarono a Raffaello ampia fama e popolarità. Le Madonne fragili, miti, sognanti del periodo umbro furono sostituite da immagini più terrene, purosangue, il loro mondo interiore divenne più complesso, ricco di sfumature emotive. Raffaello ha creato un nuovo tipo di immagine della Madonna col Bambino: monumentale, rigorosa e lirica allo stesso tempo, conferendo a questo argomento un significato senza precedenti.
Ha glorificato l'esistenza terrena dell'uomo, l'armonia delle forze spirituali e fisiche nei dipinti delle stanze (stanze) del Vaticano (1509-1517), ottenendo un impeccabile senso di proporzione, ritmo, proporzioni, eufonia di colore, unità di figure e la maestosità degli sfondi architettonici. Molte immagini della Madre di Dio (“Madonna Sistina”, 1515-19), complessi artistici nei dipinti della Villa Farnesina (1514-18) e nelle logge del Vaticano (1519, con studenti). Nei ritratti crea l'immagine ideale dell'uomo rinascimentale (“Baldassare Castiglione”, 1515). Progetta la Cattedrale di S. Pietro, costruì la Cappella Chigi della Chiesa di Santa Maria del Popolo (1512-20) a Roma.
La pittura di Raffaello, il suo stile, i suoi principi estetici riflettevano la visione del mondo dell'epoca. Nel terzo decennio del XVI secolo la situazione culturale e spirituale in Italia era cambiata. La realtà storica ha distrutto le illusioni dell'umanesimo rinascimentale. La rinascita stava per finire. 5
Conclusione
Durante il Rinascimento si risvegliò l'interesse per l'arte dell'antica Grecia e di Roma, che provocò in Europa cambiamenti che segnarono la fine del Medioevo e l'inizio dei tempi moderni. Questo periodo non è stato solo un momento di “rinascita” dell’antico passato, è stato un momento di scoperta e ricerca, un tempo di nuove idee. Gli esempi classici ispirarono un nuovo pensiero, con particolare attenzione alla personalità umana, allo sviluppo e alla manifestazione delle capacità, piuttosto che ai loro limiti, caratteristici del Medioevo. L’insegnamento e la ricerca non erano più esclusivamente opera della Chiesa. Sorsero nuove scuole e università, furono condotti esperimenti di scienze naturali e medici. Artisti e scultori si sono impegnati nel loro lavoro per la naturalezza, per una ricreazione realistica del mondo e dell'uomo. Sono state studiate le statue classiche e l'anatomia umana. Gli artisti iniziarono a usare la prospettiva, abbandonando le immagini piatte. Gli oggetti d'arte erano il corpo umano, soggetti classici e moderni, nonché temi religiosi. In Italia stavano emergendo relazioni capitaliste e la diplomazia cominciò ad essere utilizzata come strumento nelle relazioni tra le città-stato. Le scoperte scientifiche e tecnologiche, come l'invenzione della stampa, hanno contribuito alla diffusione di nuove idee. A poco a poco nuove idee presero piede in tutta Europa.
(XIV-XVI/XVII secolo) ...questo è un grande contributo all'arte Rinascimento.TITANI L'ALTO RINASCIMENTO LEONARDO DA VINCIAalla fine... il suo contributo unico a era Rinascimento e ne creò uno proprio capolavori. IN cultura Secoli XV-XVI ...
Cultura era Rinascimento Rinascimento
Test >> Cultura e arteUna persona, facendolo piacere titanio, lo separarono da... una copia in marmo. SENSO CULTURE ETÀ RINASCITA Così, nel tentativo di sapere cultura Rinascimento, i suoi segreti... anche le dita sono uno dei capolavori Simone Martini. La sua bellezza...
europeo cultura era Rinascimento (2)
Conferenza >> Cultura e arteUmanesimo. 3. Titani era Rinascimento. Il titanismo come fenomeno culturale. 4. “Barocco” – cultura lusso e confusione... artigianato, sia nella letteratura che nella creatività artistica. Classico capolavori Leonardo, Michelangelo, Brunalleschi, Tiziano, Raffaello...
era Rinascimento (11)
Riassunto >> Cultura e arteTempo" (F. Engels). Il più grande capolavoro poeta, immortalò il suo nome, ... frutto dello sviluppo del Medioevo cultura e l'approccio a uno nuovo cultura era Rinascimento. La fede nelle cose terrene... risuona nella poesia di quest'ultimo titanio Rinascimento, scritto per suo conto...
Caratteristiche comparative raccolti epoche
Riassunto >> Cultura e arte... era Augusta divenne languida opera storica Tita Libia... Si considerano i mondi capolavori mondo cultura. Monumenti architettonici e edilizi era alto... medievale urbano cultura. Il nome è condizionale: è apparso in era Rinascimento e significava...