Gli scienziati italiani sono giunti alla conclusione che dietro Monna Lisa sulla tela leggendaria Leonardo Da Vinci non rappresenta un paesaggio astratto, ma molto concreto, riferisce RIA Novosti con riferimento al quotidiano britannico Daily Telegraph. Questa, secondo la ricercatrice Carla Glori, le cui argomentazioni sono citate dal quotidiano, è la zona intorno alla città di Bobbio, nel nord Italia.

Pertanto, Carla Glory sviluppa la sua idea, se la scena dell'azione non è il centro, come credevano in precedenza gli scienziati, sulla base del fatto che Leonardo iniziò a lavorare sulla tela nel 1503-1504 a Firenze, ma a nord, allora il suo modello non lo è la moglie del mercante, Lisa del Giocondo, e la figlia del duca di Milano, Bianca Giovanna Sforza.

Suo padre, Lodovico Sforza, era uno dei principali clienti di Leonardo e un famoso filantropo.

Glory ritiene che l'artista e inventore lo abbia visitato solo a Milano, ma anche a Bobbio, cittadina famosa a quei tempi con una biblioteca, anch'essa soggetta ai signori milanesi.

Gloria è giunta alle sue conclusioni dopo che il giornalista, scrittore, scopritore della tomba di Caravaggio e capo del Comitato nazionale italiano per la protezione del patrimonio culturale Silvano Vinceti ha riferito di aver visto lettere e numeri misteriosi sulla tela di Leonardo.

In particolare, sotto l’arco del ponte situato a sinistra della Gioconda (cioè dal punto di vista dello spettatore, sul lato destro della foto), sono stati scoperti i numeri “72”.

Vinceti li considera un riferimento ad alcune teorie mistiche di Leonardo. Secondo il Gloria si tratta di un indizio dell'anno 1472, quando il fiume Trebbia che scorreva presso Bobbio esondò dagli argini, demolì il vecchio ponte e costrinse la famiglia Visconti, che governava da quelle parti, a costruirne uno nuovo. Considera il resto della vista il paesaggio che si apriva dalle finestre del castello locale.

In precedenza Bobbio era conosciuta soprattutto come sede dell'enorme monastero di San Colombano, che servì come uno dei prototipi de “Il nome della rosa” di Umberto Eco.

È vero, gli esperti scettici sostengono che sia i numeri che le lettere scoperte da Vinceti nelle pupille della Gioconda non sono altro che crepe formatesi sulla tela nel corso dei secoli.

Un'altra prova "definitiva"?

Ricordiamo che la questione di chi sia raffigurato nel famoso ritratto occupa da molti anni le menti di scienziati e storici dell'arte di tutto il mondo. Ci sono state ipotesi che l'amante di Leonardo, sua madre e persino lui stesso abbiano posato per il dipinto.

La donna nel ritratto di Leonardo da Vinci fu associata per la prima volta a Lisa del Giocondo dall'artista, architetto e scrittore italiano Giorgio Vasari nel 1550. Tuttavia, secondo i rappresentanti della biblioteca, i suoi appunti sollevavano molti dubbi, poiché furono realizzati 50 anni dopo la realizzazione del ritratto.

Nel 2004, lo studioso italiano Giuseppe Palanti, dopo 25 anni di studio di documenti d'archivio, scoprì che la donna raffigurata nel ritratto era la moglie di un ricco mercante di seta, Francesco del Giocondo, e madre di cinque figli, Lisa Gherardini. Era il cognome di suo marito che in seguito servì come secondo titolo del dipinto.

Nel 2006, gli storici dell'arte tedeschi dichiararono con sicurezza di aver svelato il mistero della Gioconda, che per secoli aveva occupato le menti degli amanti della bellezza. Secondo loro, il famoso dipinto di Leonardo da Vinci raffigura la duchessa Caterina Sforza, che si sposò tre volte e ebbe innumerevoli relazioni amorose. Come riferirono gli scienziati all'epoca, la donna che divenne il modello di Da Vinci era madre di undici figli.

Tuttavia, nel 2008, altri scienziati tedeschi dell'Università di Heidelberg hanno dichiarato con uguale sicurezza che il capolavoro di fama mondiale raffigura ancora Lisa Gherardini.

I ricercatori si sono basati su appunti fatti nell'ottobre 1503 a margine di un vecchio libro appartenuto al funzionario fiorentino Agostino Vespucci, conoscente di Leonardo da Vinci.

In questi commenti, il funzionario paragona Da Vinci all'antico artista Apelle e afferma che Leonardo sta lavorando su tre dipinti contemporaneamente, uno dei quali è un ritratto di Lisa del Giocondo.

Vi dedicò molto tempo e, lasciando l'Italia in età adulta, lo portò con sé in Francia, insieme ad altri dipinti selezionati. Da Vinci nutriva un affetto particolare per questo ritratto, ed anche rifletté molto durante il processo della sua realizzazione; nel “Trattato della Pittura” e in quelle note sulle tecniche pittoriche che in esso non erano incluse, si possono trovare molte indicazioni che indubbiamente riguardano “La Gioconda””.

Il messaggio di Vasari

"Lo Studio di Leonardo da Vinci" in un'incisione del 1845: Gioconda è intrattenuta da giullari e musici

Questo disegno della Hyde Collection di New York potrebbe essere di Leonardo da Vinci ed è uno schizzo preliminare per un ritratto della Gioconda. In questo caso, è curioso che all'inizio intendesse metterle tra le mani un magnifico ramo.

Molto probabilmente Vasari aggiunse semplicemente una storia sui giullari per intrattenere i lettori. Il testo del Vasari contiene anche un'accurata descrizione delle sopracciglia mancanti nel dipinto. Questa inesattezza potrebbe verificarsi solo se l'autore descrivesse l'immagine dalla memoria o dalle storie di altri. Alexey Dzhivelegov scrive che l'indicazione di Vasari secondo cui “il lavoro sul ritratto durò quattro anni è chiaramente esagerata: Leonardo non rimase a Firenze per così tanto tempo dopo il ritorno da Cesare Borgia, e se avesse iniziato a dipingere il ritratto prima di partire per Cesare, Vasari avrebbe probabilmente, direi che l'ha scritto per cinque anni." Lo scienziato scrive anche dell'errata indicazione della natura incompiuta del ritratto: “il ritratto impiegò sicuramente molto tempo per essere dipinto e fu completato, qualunque cosa dicesse Vasari, che nella sua biografia di Leonardo lo stilizzò come un artista che, in principio, non è riuscito a portare a termine nessun lavoro importante. E non solo era finito, ma è una delle opere più accuratamente rifinite di Leonardo”.

Un fatto interessante è che nella sua descrizione Vasari ammira il talento di Leonardo nel trasmettere fenomeni fisici, e non la somiglianza tra il modello e il dipinto. Sembra che sia stata questa caratteristica “fisica” del capolavoro a lasciare una profonda impressione nei visitatori dello studio dell’artista e a raggiungere Vasari quasi cinquant’anni dopo.

Il dipinto era molto noto tra gli amanti dell'arte, anche se Leonardo lasciò l'Italia per la Francia nel 1516, portando con sé il dipinto. Secondo fonti italiane da allora fa parte della collezione del re francese Francesco I, ma non è chiaro quando e come lo acquistò e perché Leonardo non lo restituì al cliente.

Altro

Forse l'artista non finì davvero il dipinto a Firenze, ma lo portò con sé quando se ne andò nel 1516 e applicò il tratto finale in assenza di testimoni che potessero raccontarlo a Vasari. Se è così, lo completò poco prima della sua morte nel 1519. (In Francia visse a Clos Luce, non lontano dal castello reale di Amboise).

Sebbene Vasari fornisca informazioni sull’identità della donna, su di lei ci fu ancora a lungo incertezza e furono espresse molte versioni:

Una nota a margine comprovava la corretta identificazione del modello della Gioconda.

Secondo una delle versioni proposte, "Mona Lisa" è un autoritratto dell'artista

Tuttavia, si ritiene che la versione sulla corrispondenza del nome generalmente accettato dell'immagine con la personalità del modello nel 2005 abbia trovato la conferma definitiva. Scienziati dell'Università di Heidelberg hanno studiato le note a margine del tomo, il cui proprietario era un funzionario fiorentino, conoscente personale dell'artista Agostino Vespucci. Nelle note a margine del libro, paragona Leonardo al famoso pittore greco antico Apelle e lo nota “da Vinci sta ora lavorando su tre dipinti, uno dei quali è un ritratto di Lisa Gherardini”. Quindi, la Gioconda si rivelò davvero essere la moglie del mercante fiorentino Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Il dipinto, come dimostrano gli studiosi in questo caso, fu commissionato da Leonardo per la nuova abitazione della giovane famiglia e per commemorare la nascita del secondo figlio, di nome Andrea.

Pittura

Descrizione

La copia della Gioconda della Wallace Collection (Baltimora) è stata realizzata prima che i bordi dell'originale fossero rifilati e permette di vedere le colonne perdute

Il dipinto rettangolare raffigura una donna in abiti scuri, che si gira a metà. Si siede su una sedia con le mani giunte, una mano appoggiata sul bracciolo e l'altra sopra, girandosi sulla sedia quasi per affrontare lo spettatore. I capelli divisi, lisci e distesi, visibili attraverso un velo trasparente drappeggiato su di essi (secondo alcune ipotesi - un attributo della vedovanza), cadono sulle spalle in due ciocche sottili e leggermente ondulate. Un abito verde con volant sottili, con maniche gialle a pieghe, ritagliato su un petto bianco basso. La testa è leggermente girata.

Frammento della Gioconda con resti della base della colonna

Il bordo inferiore del dipinto taglia la seconda metà del corpo, quindi il ritratto è quasi a metà busto. La sedia su cui siede la modella si trova su un balcone o una loggia, la cui linea del parapetto è visibile dietro i suoi gomiti. Si ritiene che in precedenza il quadro avrebbe potuto essere più ampio e ospitare due colonne laterali della loggia, di cui attualmente restano due basi di colonne, i cui frammenti sono visibili lungo i bordi del parapetto.

La loggia si affaccia su una natura desolata con ruscelli serpeggianti e un lago circondato da montagne innevate che si estende fino a un alto orizzonte dietro la figura. “La Gioconda è rappresentata seduta su una sedia sullo sfondo di un paesaggio, e proprio l'accostamento della sua figura, molto vicina allo spettatore, con il paesaggio visibile da lontano, come un'enorme montagna, conferisce all'immagine una grandiosità straordinaria. La stessa impressione è promossa dal contrasto tra l’accresciuta tattilità plastica della figura e la sua silhouette liscia e generalizzata con un paesaggio simile a una visione che si estende nella distanza nebbiosa con rocce bizzarre e canali d’acqua che si snodano tra loro”.

Composizione

Il ritratto di Gioconda è uno dei migliori esempi del genere del ritratto dell'Alto Rinascimento italiano.

Boris Vipper scrive che, nonostante le tracce del Quattrocento, “con i suoi abiti con un piccolo ritaglio sul petto e con le maniche a pieghe larghe, così come con la sua postura diritta, la leggera rotazione del corpo e il morbido gesto delle mani, Monna Lisa appartiene interamente all’epoca dello stile classico”. Mikhail Alpatov sottolinea che “La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo strettamente proporzionale, la sua mezza figura forma qualcosa di intero, le sue mani giunte danno completezza alla sua immagine. Ora, ovviamente, non si potrebbe parlare dei riccioli fantasiosi della prima “Annunciazione”. Tuttavia, non importa quanto siano ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli di Monna Lisa è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto appeso gettato sulle sue spalle trova un’eco nelle morbide curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo dimostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell’armonia”.

Stato attuale

La Gioconda è diventata molto oscura, il che è considerato il risultato della tendenza intrinseca del suo autore a sperimentare con i colori, a causa della quale l'affresco dell'Ultima Cena è praticamente morto. I contemporanei dell'artista, tuttavia, riuscirono a esprimere la loro ammirazione non solo per la composizione, il disegno e il gioco del chiaroscuro, ma anche per il colore dell'opera. Si presume, ad esempio, che in origine le maniche del suo vestito fossero rosse, come si può vedere dalla copia del dipinto del Prado.

Le condizioni attuali del dipinto sono piuttosto pessime, motivo per cui lo staff del Louvre ha annunciato che non lo daranno più alle mostre: “Si sono formate delle crepe nel dipinto e una di queste si ferma pochi millimetri sopra la testa della Gioconda. .”

Analisi

Tecnica

Come nota Dzhivelegov, al momento della creazione della Gioconda, la maestria di Leonardo “era già entrata in una fase di tale maturità, quando tutti i compiti formali di natura compositiva e di altro tipo erano stati posti e risolti, quando Leonardo cominciò a sentire che solo il meritavano di essere svolti gli ultimi compiti più difficili della tecnica artistica. E quando trovò nella persona di Monna Lisa un modello che soddisfaceva le sue esigenze, cercò di risolvere alcuni dei problemi più alti e difficili della tecnica pittorica che non aveva ancora risolto. Voleva, con l'aiuto di tecniche che aveva già sviluppato e provato prima, soprattutto con l'aiuto dei suoi famosi sfumato, che in precedenza aveva dato effetti straordinari, a fare più di quanto avesse fatto prima: creare un volto vivo di una persona vivente e riprodurre i lineamenti e l'espressione di questo volto in modo tale da rivelare pienamente il mondo interiore di una persona. "

Paesaggio dietro la Gioconda

Boris Vipper pone la domanda “con quali mezzi è stata raggiunta questa spiritualità, questa scintilla eterna di coscienza nell'immagine della Gioconda, quindi due mezzi principali dovrebbero essere nominati. Uno è il meraviglioso sfumato di Leonard. Non c’è da stupirsi che Leonardo amasse dire che “il modellare è l’anima della pittura”. È lo sfumato che crea lo sguardo umido di Gioconda, il suo sorriso leggero come il vento e l’incomparabile carezzevole morbidezza del tocco delle sue mani. Sfumato è una sottile velatura che avvolge il viso e la figura, ammorbidendo contorni e ombre. A questo scopo Leonardo consiglia di porre, come dice lui stesso, “una sorta di nebbia” tra la sorgente luminosa e i corpi.

Rothenberg scrive che “Leonardo riuscì a introdurre nella sua creazione quel grado di generalizzazione che gli permette di essere considerato come un'immagine dell'uomo rinascimentale nel suo complesso. Questo alto grado di generalizzazione si riflette in tutti gli elementi del linguaggio pittorico del dipinto, nei suoi singoli motivi - nel modo in cui il velo leggero e trasparente, che copre la testa e le spalle della Gioconda, unisce le ciocche di capelli accuratamente disegnate e i piccoli pieghe del vestito in un contorno complessivamente liscio; è palpabile nell’incomparabile morbidezza del modellato del volto (al quale, secondo la moda dell’epoca, venivano tolte le sopracciglia) e delle mani belle e levigate”.

Alpatov aggiunge che “nella foschia dolcemente sciogliente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire la variabilità illimitata delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi di Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, grazie all'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli ci sono ombre sottili che ti fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno e parleranno. Proprio il contrasto tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà un'idea dell'incoerenza delle sue esperienze. (...) Leonardo ci lavorò per diversi anni, assicurandosi che nel quadro non rimanesse un solo tratto netto, non un solo contorno angolare; e sebbene i bordi degli oggetti in esso siano chiaramente percepibili, tutti si dissolvono nelle transizioni più sottili dalla penombra alla penombra.

Scenario

I critici d'arte sottolineano il modo organico con cui l'artista ha combinato le caratteristiche del ritratto di una persona con un paesaggio pieno di uno stato d'animo speciale, e quanto ciò abbia aumentato la dignità del ritratto.

Una delle prime copie della Gioconda del Prado mostra quanto perde un'immagine di ritratto se posizionata su uno sfondo scuro e neutro

Nel 2012, una copia della "Gioconda" del Prado è stata cancellata e nelle registrazioni successive è apparso uno sfondo paesaggistico: la sensazione della tela cambia immediatamente.

Whipper considera il paesaggio il secondo mezzo che crea la spiritualità di un dipinto: “Il secondo mezzo è il rapporto tra figura e sfondo. Il fantastico paesaggio roccioso, come visto attraverso l'acqua del mare, nel ritratto di Monna Lisa ha una realtà diversa dalla sua stessa figura. La Gioconda ha la realtà della vita, il paesaggio ha la realtà di un sogno. Grazie a questo contrasto, Monna Lisa sembra così incredibilmente vicina e tangibile, e noi percepiamo il paesaggio come l’irradiazione dei suoi sogni”.

Il ricercatore d'arte rinascimentale Viktor Grashchenkov scrive che Leonardo, anche grazie al paesaggio, riuscì a creare non il ritratto di una persona specifica, ma un'immagine universale: “In questa immagine misteriosa, ha creato qualcosa di più di un ritratto della sconosciuta Mona fiorentina Lisa, la terza moglie di Francesco del Giocondo. L'aspetto e la struttura mentale di una determinata persona sono trasmessi da lui con una sinteticità senza precedenti. Questo psicologismo impersonale corrisponde all'astrazione cosmica del paesaggio, quasi completamente privo di ogni segno di presenza umana. Nel chiaroscuro fumoso, non solo tutti i contorni della figura e del paesaggio e tutte le tonalità di colore sono ammorbidite. Nei sottili passaggi dalla luce all’ombra, quasi impercettibili alla vista, nella vibrazione dello “sfumato” di Leonard, ogni definitività dell’individualità e del suo stato psicologico si addolcisce al limite, si scioglie ed è pronto a scomparire. (…) “La Gioconda” non è un ritratto. Questo è un simbolo visibile della vita stessa dell'uomo e della natura, uniti in un tutto e presentato astrattamente dalla sua forma concreta individuale. Ma dietro il movimento appena percettibile che, come leggere increspature, percorre la superficie immobile di questo mondo armonioso, si può scorgere tutta la ricchezza delle possibilità dell’esistenza fisica e spirituale.

"Mona Lisa" è disegnata nei toni del marrone dorato e rossastro in primo piano e nei toni del verde smeraldo sullo sfondo. "Trasparenti, come il vetro, le vernici formano una lega, come se creata non dalla mano di una persona, ma da quella forza interna della materia che da una soluzione dà vita a cristalli di forma perfetta." Come molte delle opere di Leonardo, quest'opera si è scurita nel tempo e i suoi rapporti cromatici sono leggermente cambiati, ma anche ora si possono chiaramente percepire gli accorti accostamenti nei toni del garofano e dei vestiti e il loro contrasto generale con il verde-bluastro, tono "sott'acqua" del paesaggio .

Il posto del dipinto nello sviluppo del genere del ritratto

“Mona Lisa” è considerata una delle migliori opere del genere della ritrattistica, che influenzò le opere dell'Alto Rinascimento e, indirettamente attraverso di esse, tutti i successivi sviluppi del genere, che “deve sempre tornare a La Gioconda come un'opera irraggiungibile, ma modello obbligatorio.”

Gli storici dell'arte notano che il ritratto di Monna Lisa fu un passo decisivo nello sviluppo della ritrattistica rinascimentale. Rotenberg scrive: “sebbene i pittori del Quattrocento abbiano lasciato una serie di opere significative di questo genere, i loro risultati nella ritrattistica erano, per così dire, sproporzionati rispetto ai risultati nei principali generi pittorici - nelle composizioni su temi religiosi e mitologici. La disuguaglianza del genere del ritratto si rifletteva già nella stessa “iconografia” delle immagini dei ritratti. I veri ritratti del XV secolo, nonostante tutta la loro innegabile somiglianza fisionomica e il sentimento di forza interiore che irradiavano, si distinguevano anche per costrizione esterna e interna. Tutta la ricchezza di sentimenti ed esperienze umane che caratterizza le immagini bibliche e mitologiche dei pittori del XV secolo di solito non era proprietà dei loro ritratti. Echi di ciò possono essere visti nei precedenti ritratti dello stesso Leonardo, da lui realizzati nei primi anni della sua permanenza a Milano. (...) In confronto, il ritratto di Monna Lisa è percepito come il risultato di un gigantesco cambiamento qualitativo. Per la prima volta l’immagine del ritratto nel suo significato è diventata alla pari delle immagini più sorprendenti di altri generi pittorici”.

“Donna Nuda” (cioè “Donna Nuda”). Artista sconosciuto, fine del XVI secolo, Hermitage

Nella sua opera innovativa, Leonardo trasferì il baricentro principale sul volto del ritratto. Allo stesso tempo, usò le mani come potente mezzo di caratterizzazione psicologica. Rendendo il ritratto in formato generazionale, l'artista è stato in grado di dimostrare una gamma più ampia di tecniche artistiche. E la cosa più importante nella struttura figurativa di un ritratto è la subordinazione di tutti i dettagli all'idea guida. “La testa e le mani sono l'indubbio centro del quadro, al quale viene sacrificato il resto dei suoi elementi. Il favoloso paesaggio sembra risplendere attraverso le acque del mare, sembra così distante e intangibile. Il suo obiettivo principale non è distogliere l'attenzione dello spettatore dal viso. E lo stesso ruolo è destinato a essere svolto dall'abito, che cade nelle pieghe più piccole. Leonardo evita volutamente i pesanti panneggi, che potrebbero oscurare l'espressività delle sue mani e del suo volto. Così costringe quest’ultimo a esibirsi con una forza speciale, tanto più grande quanto più modesto e neutro il paesaggio e l’abbigliamento, paragonato a un accompagnamento silenzioso, appena percettibile”.

Gli studenti e i seguaci di Leonardo crearono numerose repliche della Gioconda. Alcuni di essi (dalla collezione Vernon, USA; dalla collezione Walter, Baltimora, USA; e anche per qualche tempo la Gioconda di Isleworth, Svizzera) sono considerati autentici dai proprietari, e il dipinto conservato al Louvre è considerato una copia. Esiste anche l’iconografia della “Gioconda nuda”, presentata in diverse versioni (“La Bella Gabrielle”, “Monna Vanna”, “Donna Nuda” dell’Ermitage), apparentemente realizzate dagli stessi allievi dell’artista. Un gran numero di loro ha dato origine a una versione non dimostrabile secondo cui esisteva una versione della Monna Lisa nuda, dipinta dallo stesso maestro.

Reputazione del dipinto

La Gioconda dietro il vetro antiproiettile del Louvre e i visitatori del museo che si accalcano nelle vicinanze

Nonostante la Gioconda fosse molto apprezzata dai contemporanei dell’artista, la sua fama successivamente svanì. Il dipinto non fu particolarmente ricordato fino alla metà dell'Ottocento, quando artisti vicini al movimento simbolista iniziarono a lodarlo, associandolo alle loro idee sulla mistica femminile. Il critico Walter Pater espresse la sua opinione nel suo saggio del 1867 su Leonardo, descrivendo la figura nel dipinto come una sorta di incarnazione mitica dell'eterno femminile, che è "più vecchio delle rocce tra le quali siede" e che è "morto molte volte". e apprese i segreti dell'aldilà." .

L’ulteriore aumento di fama del dipinto è legato alla sua misteriosa scomparsa all’inizio del XX secolo e al suo felice ritorno al museo diversi anni dopo (vedi sotto, sezione Furto), grazie al quale non lasciò le pagine dei giornali.

Un contemporaneo della sua avventura, il critico Abram Efros scrive: “…la guardia del museo, che ora non si allontana di un solo passo dal dipinto, da quando è tornato al Louvre dopo il rapimento nel 1911, non custodisce nessun ritratto di Francesca del Giocondo, ma l'immagine di una creatura metà umana e metà serpente, sorridente o cupa, che domina lo spazio freddo, nudo e roccioso che si estende dietro di lui.

La Gioconda è oggi uno dei dipinti più famosi dell'arte europea occidentale. La sua clamorosa reputazione è associata non solo ai suoi alti meriti artistici, ma anche all'atmosfera di mistero che circonda quest'opera.

Tutti sanno quale enigma irrisolvibile la Gioconda pone ai fan che si accalcano davanti alla sua immagine ormai da quasi quattrocento anni. Mai prima d’ora un’artista aveva espresso l’essenza della femminilità (cito versi scritti da una sofisticata scrittrice che si nasconde dietro lo pseudonimo di Pierre Corlet): “La tenerezza e la bestialità, la modestia e la voluttà nascosta, il grande segreto del cuore che frena se stesso, la ragione mente, una personalità chiusa in se stessa, abbandonando gli altri non può che contemplare il suo splendore”. (Eugene Muntz).

Uno dei misteri è legato al profondo affetto che l'autore provava per quest'opera. Sono state offerte varie spiegazioni, ad esempio una romantica: Leonardo si innamorò di Monna Lisa e ritardò deliberatamente il lavoro per restare più a lungo con lei, e lei lo stuzzicò con il suo sorriso misterioso e lo portò alle più grandi estasi creative. Questa versione è considerata semplicemente una speculazione. Dzhivelegov ritiene che questo attaccamento sia dovuto al fatto che ha trovato in lei il punto di applicazione di molte delle sue ricerche creative (vedi sezione Tecnica).

Sorriso della Gioconda

Il sorriso della Gioconda è uno dei misteri più famosi del dipinto. Questo leggero sorriso vagabondo si ritrova in molte opere sia dello stesso maestro che dei leonardeschi, ma è nella Gioconda che raggiunge la sua perfezione.

Lo spettatore è particolarmente affascinato dal fascino demoniaco di questo sorriso. Centinaia di poeti e scrittori hanno scritto di questa donna, che sembra sorridere in modo seducente o congelata, guardando freddamente e senz'anima nello spazio, e nessuno ha svelato il suo sorriso, nessuno ha interpretato i suoi pensieri. Tutto, anche il paesaggio, è misterioso, come un sogno, tremulo, come una foschia di sensualità prima della tempesta (Muter).

Grashchenkov scrive: “L'infinita varietà di sentimenti e desideri umani, passioni e pensieri opposti, appianati e fusi insieme, risuona nell'aspetto armoniosamente impassibile della Gioconda solo con l'incertezza del suo sorriso, che appena emerge e scompare. Questo movimento fugace e insignificante degli angoli della bocca, come un'eco lontana fusa in un unico suono, ci porta dalla distanza sconfinata la polifonia colorata della vita spirituale di una persona.

Il critico d'arte Rotenberg ritiene che “ci sono pochi ritratti in tutta l'arte mondiale che equivalgono alla Gioconda in termini di potere espressivo della personalità umana, incarnata nell'unità di carattere e intelletto. È la straordinaria carica intellettuale del ritratto di Leonardo che lo distingue dalle immagini ritrattistiche del Quattrocento. Questa sua caratteristica è percepita tanto più acutamente perché si riferisce a un ritratto femminile, in cui il carattere della modella era precedentemente rivelato in una tonalità figurativa completamente diversa, prevalentemente lirica. La sensazione di forza che emana dalla "Gioconda" è una combinazione organica di compostezza interna e un senso di libertà personale, l'armonia spirituale di una persona basata sulla consapevolezza del proprio significato. E il suo sorriso in sé non esprime affatto superiorità o disprezzo; è percepito come il risultato di una calma fiducia in se stessi e di un completo autocontrollo."

Boris Vipper sottolinea che la suddetta mancanza di sopracciglia e la fronte rasata forse involontariamente accentuano lo strano mistero nella sua espressione facciale. Scrive inoltre sul potere del dipinto: “Se ci chiediamo qual è il grande potere attrattivo della Gioconda, il suo effetto ipnotico davvero incomparabile, allora può esserci solo una risposta: nella sua spiritualità. Nel sorriso de “La Gioconda” sono state racchiuse le interpretazioni più ingegnose e più opposte. Volevano leggervi orgoglio e tenerezza, sensualità e civetteria, crudeltà e modestia. L'errore stava, in primo luogo, nel fatto che cercavano a tutti i costi proprietà spirituali individuali e soggettive nell'immagine della Gioconda, mentre non c'è dubbio che Leonardo aspirasse a una spiritualità tipica. In secondo luogo, e questo è forse ancora più importante, hanno cercato di attribuire un contenuto emotivo alla spiritualità della Gioconda, mentre in realtà essa ha radici intellettuali. Il miracolo della Gioconda sta proprio nel fatto che pensa; che, stando davanti a una tavola ingiallita e crepata, sentiamo irresistibilmente la presenza di un essere dotato di intelligenza, un essere con cui possiamo parlare e da cui possiamo aspettarci una risposta.

Lazarev lo analizzò da scienziato dell'arte: “Questo sorriso non è tanto una caratteristica individuale della Gioconda, ma una tipica formula di rivitalizzazione psicologica, una formula che corre come un filo rosso attraverso tutte le immagini giovanili di Leonardo, una formula che in seguito si trasformò , nelle mani dei suoi studenti e seguaci, nel timbro tradizionale. Come le proporzioni delle figure di Leonard, è costruito sulle più fini misurazioni matematiche, sulla rigorosa considerazione dei valori espressivi delle singole parti del viso. E nonostante tutto questo, questo sorriso è assolutamente naturale, ed è proprio questa la forza del suo fascino. Toglie dal viso tutto ciò che è duro, teso e congelato; lo trasforma in uno specchio di vissuti emotivi vaghi e indefiniti; nella sua inafferrabile leggerezza può essere paragonato solo a un’increspatura che scorre nell’acqua.

La sua analisi ha attirato l'attenzione non solo degli storici dell'arte, ma anche degli psicologi. Scrive Sigmund Freud: “Chi immagina i dipinti di Leonardo ricorda uno strano, accattivante e misterioso sorriso nascosto sulle labbra delle sue immagini femminili. Il sorriso congelato sulle sue labbra allungate e tremanti divenne caratteristico di lui e fu spesso chiamato "leonardiano". Nell'aspetto particolarmente bello della Gioconda fiorentina, affascina e immerge lo spettatore nella confusione. Questo sorriso richiedeva un'interpretazione, ma trovava una varietà di interpretazioni, nessuna delle quali soddisfaceva. (...) L’ipotesi che nel sorriso di Monna Lisa si combinassero due elementi diversi è nata tra molti critici. Pertanto, nell'espressione facciale della bella fiorentina, hanno visto l'immagine più perfetta dell'antagonismo che governa la vita amorosa, la moderazione e la seduzione di una donna, la tenerezza sacrificale e la sensualità sconsideratamente esigente che assorbe un uomo come qualcosa di estraneo. (...) Leonardo, nella persona di Monna Lisa, è riuscito a riprodurre il doppio significato del suo sorriso, promessa di tenerezza sconfinata e minaccia inquietante.”

Copia del XVI secolo situata all'Ermitage, San Pietroburgo

Lo spettatore è particolarmente affascinato dal fascino demoniaco di questo sorriso. Centinaia di poeti e scrittori hanno scritto di questa donna, che sembra sorridere in modo seducente o congelata, guardando freddamente e senz'anima nello spazio, e nessuno ha svelato il suo sorriso, nessuno ha interpretato i suoi pensieri. Tutto, anche il paesaggio, è misterioso, come un sogno, tremulo, come una foschia di sensualità prima della tempesta (Muter).

Storia della pittura in epoca moderna

Al momento della sua morte nel 1525, l'assistente (e forse amante) di Leonardo di nome Salai era in possesso, secondo i riferimenti nelle sue carte personali, di un ritratto di una donna chiamata "La Gioconda" ( quadro de una dona aretata), che gli è stato lasciato in eredità dal suo maestro. Salai lasciò il dipinto alle sorelle che vivevano a Milano. Resta un mistero come, in questo caso, il ritratto sia tornato in Francia da Milano. Non si sa nemmeno chi e quando abbia rifilato esattamente i bordi del dipinto con colonne, che, secondo la maggior parte dei ricercatori, sulla base del confronto con altri ritratti, esistevano nella versione originale. A differenza di un'altra opera ritagliata di Leonardo - “Ritratto di Ginevra Benci”, la cui parte inferiore è stata ritagliata perché danneggiata dall'acqua o dal fuoco, in questo caso i motivi erano molto probabilmente di natura compositiva. Esiste una versione in cui lo stesso Leonardo da Vinci lo ha fatto.

Folla al Louvre vicino al dipinto, ai nostri giorni

Si ritiene che il re Francesco I abbia acquistato il dipinto dagli eredi di Salai (per 4.000 scudi) e lo abbia conservato nel suo castello di Fontainebleau, dove rimase fino all'epoca di Luigi XIV. Quest'ultimo la trasportò alla Reggia di Versailles, e dopo la Rivoluzione francese finì al Louvre. Napoleone appese il ritratto nella sua camera da letto al Palazzo delle Tuileries, poi tornò al museo.

Durante la Seconda Guerra Mondiale, per ragioni di sicurezza, il dipinto fu trasportato dal Louvre al Castello di Amboise (luogo della morte e sepoltura di Leonardo), poi all'Abbazia di Loc-Dieu e infine al Museo Ingres di Montauban, da dove venne è stato riportato al sicuro al suo posto dopo la vittoria.

Vandalismo

Nel 1956, la parte inferiore del dipinto fu danneggiata da un visitatore che vi gettò sopra dell'acido. Il 30 dicembre dello stesso anno, un giovane boliviano, Hugo Ungaza Villegas, le lanciò una pietra danneggiando lo strato pittorico all'altezza del gomito (la perdita fu successivamente constatata). Successivamente la Gioconda fu protetta con un vetro antiproiettile, che la protesse da ulteriori gravi attacchi. Tuttavia, nell'aprile 1974, una donna, sconvolta dalla politica del museo nei confronti dei disabili, tentò di spruzzare vernice rossa da una bomboletta mentre il dipinto era esposto a Tokyo, e il 2 aprile 2009, una donna russa, che non aveva ricevuto Cittadinanza francese, ha lanciato una coppa di terracotta contro il vetro. Entrambi questi casi non hanno danneggiato l'immagine.

Nell'art

Kazimir Malevich. "Composizione con la Gioconda."

pittura:

• Kazimir Malevich realizzò “Composizione con la Gioconda” nel 1914.
• Nel 1919, il dadaista Marcel Duchamp creò l’opera “L.H.O.O.Q.”, un punto di riferimento per le successive opere degli artisti. , che era una riproduzione della famosa tela su cui erano disegnati i baffi.
• Fernand Léger dipinse "La Gioconda con le chiavi" nel 1930.
• Rene Magritte nel 1960 creò il dipinto “La Gioconda”, dove non c'è la Gioconda, ma c'è una finestra.
• Andy Warhol nel 1963 e nel 1978 realizzò la composizione “Four Mona Lisas” e “Thirty Are Better Than One Andy Warhol” (1963), “Mona Lisa (Two Times)” ().
• Salvador Dalì dipinse l'Autoritratto come Monna Lisa nel 1964.
• Rappresentante dell'arte figurativa

CON Il dipinto più inestimabile di tutta l'umanità è considerato l'opera di Leonardo da Vinci "Mona Lisa". L'opera è stata realizzata nel corso di diversi anni, è unica. L'immagine è così familiare a tutti, così profondamente impressa nella memoria delle persone, che è difficile credere che una volta fosse diversa.
Il dipinto è stato così spesso copiato ed ha avuto un'influenza così forte (forse troppo) sull'arte che è molto difficile guardarlo con occhio imparziale, ma uno sguardo attento alle illustrazioni a colori può portare a scoperte sorprendenti anche per chi quelli che sono stanchi o credono di esserlo, da "Mona Lisa".
Si possono identificare quattro domande principali:
Il genio del creatore del dipinto, Leonardo da Vinci (1452-1519)
Tecnica esecutiva perfetta, segreti ancora non svelati
L'aura di mistero della donna (che ha posato)
La storia di un dipinto sorprendente quanto un giallo.

P Possiamo parlare a lungo di genio, meglio leggere la biografia su questo sito. Obiettivamente, senza speculazioni artistiche. Sebbene le sue capacità fossero brillanti, la cosa principale era la sua enorme capacità di lavoro e il desiderio di comprendere il mondo che lo circondava. Leonardo studiò argomenti allora considerati obbligatori per un artista: matematica, prospettiva, geometria e tutte le scienze dell'osservazione e dello studio dell'ambiente naturale. Iniziò anche a studiare architettura e scultura. Terminati gli studi, iniziò la carriera di pittore di ritratti e dipinti religiosi, ricevendo commissioni da ricchi cittadini o monasteri. Nel corso della sua vita ha sviluppato le sue doti tecniche e artistiche. Un'insolita capacità di affrontare qualsiasi argomento e in qualsiasi campo della vita, avrebbe dovuto essere conosciuto più come valente ingegnere che come pittore, ma sorprese anche tutti i suoi contemporanei, così come la sua golosa curiosità con cui studiava costantemente la natura fenomeni: "Da dove viene l'urina?" ... e questo nonostante i suoi esperimenti tecnici nella pittura non sempre abbiano avuto successo.

Tecnica perfetta per eseguire la Gioconda

D Alla Leonardo da Vinci, la ricerca della perfezione è una vera ossessione. Nei suoi quaderni, in cui traspare il desiderio di raggiungere la perfezione, scrive: "Dimmi, qualcuno mi dirà, qualcuno ha finito qualcosa fino alla fine?"

L'opera è stata eseguita su una sottile tavola di pioppo, oggi estremamente fragile. Ecco perché l'opera è conservata dietro una teca di vetro con determinati parametri di temperatura e umidità. La Gioconda è un ritratto ideale, grazie ai sottili effetti della luce sul viso e al paesaggio pensieroso (combinazione di colori, prospettiva del paesaggio combinata con il cielo) sullo sfondo del dipinto. E la modellazione del viso più difficile, che si è rivelata sorprendentemente realistica.
Leonardo eseguì la pittura a più strati con sorprendente pazienza e virtuosismo: dopo aver preparato un pannello di legno con diversi strati di rivestimento (già a quel tempo esistevano molti modi per primerizzare il legno), dipinse prima la composizione complessiva, lo sfondo, dopodiché strati sottili sono stati applicati (olio con trementina, che gli ha dato l'opportunità di lavorare a livelli di colore trasparenti). Ciò ha permesso di ricostruire all'infinito il viso strato dopo strato, e inoltre, in alcuni punti, di esaltare o ridurre abilmente gli effetti di luce, trasparenza e ombre sul viso. Leonardo chiamò questo metodo sfumato ("sfumato"), con un altro nome a noi più familiare, smalto. La smaltatura è il nome dato a strati sottili, trasparenti e traslucidi di olio e altre vernici applicate su altre vernici simili ben essiccate per conferire a queste ultime il tono intenso e trasparente desiderato. È semplicemente impossibile determinare la quantità di smalto applicata. Questa tecnica ha permesso di ottenere un'incredibile imitazione della carne. Anche la graduale transizione del corpo umano nell'oscurità gioca un ruolo. Anche il suo background si è rivelato bellissimo. Tutti i dettagli qui sono estremamente accurati e le cime delle montagne e l'acqua: le ossa e il sangue della terra evocano idee romantiche sulla terra il giorno dopo il giorno della Creazione.
Durante la sua vita successiva, Leonardo era infatti noto per il suo evidente talento nell'imitare la natura, per la perfezione della natura, e quando il suo primo biografo, il pittore Vasari, descrisse la Gioconda, insistette soprattutto sul realismo dell'opera. : "I suoi occhi trasparenti avevano uno scintillio di vita: circondati da sfumature rossastre e livide, erano limitati da ciglia, la cui esecuzione richiedeva la massima delicatezza." Le ciglia sono realizzate, in alcuni punti, più spesse o più rade, il che suggerisce che non potrebbero essere più naturali. Il naso, con le sue narici dettagliate, sottili e rosa, sembra certamente vivo. [...] Nella zona della gola, un osservatore attento può cogliere il battito delle vene." Quanto alla cromia del volto, i toni cremisi menzionati dal Vasari sono ormai del tutto invisibili. La vernice scura ha cambiato il rapporto dei colori e ha creato un vago effetto subacqueo, ancora aggravato dalla debole luce che si riversa debolmente sul dipinto dalle finestre del soffitto della Grande Galleria del Louvre. Inoltre, ai nostri giorni, la "Gioconda" non ha lo stesso aspetto (in composizione) come quando uscì dalle mani di Leonardo. Un tempo a sinistra e a destra del quadro erano dipinte delle basse colonne, ora mozzate. Guardandole, divenne chiaro che la dama era seduta sul balcone, e non a tutto sospeso per aria, come a volte sembra, ma questi cambiamenti sono più fastidiosi che tragici: il capolavoro è stato conservato, e dobbiamo essere grati che sia in condizioni così eccellenti.
Attraverso lo “sfumato” Leonardo riuscì a raggiungere uno dei suoi obiettivi artistici primari, che era principalmente l'individualità del suo modello: “Un buon pittore esibisce essenzialmente due cose: l'individualità e il punto della sua opinione”, diceva Leonardo. Disegnare prima l’anima, e non il corpo, è infatti l’obiettivo principale del suo lavoro e “sfumato” sottolinea il mistero dell’opera: “chi immerge le cose nella luce deve immergerle nell’infinito”.
Una domanda importante qui è fino a che punto l'immagine è realistica rispetto al modello. Al momento è impossibile sapere se si tratta di una copia di una donna esistente, o se Leonardo da Vinci abbia idealizzato il ritratto o se abbia raffigurato completamente il tipo di donna universale.
La Gioconda non era, come molti credono, l'ideale di bellezza per Leonardo: è più probabile che il suo ideale sia visto nell'angelo della Madonna delle Rocce. Eppure Leonardo deve sicuramente considerare la Gioconda una persona speciale: gli fece un'impressione così forte che rifiutò altre offerte lucrative e lavorò al suo ritratto per tre anni. Il ritratto rifletteva un carattere umano unico.

Il mistero sull'identità della modella

CON identificare falsamente la persona raffigurata nel ritratto. Ci sono diverse opinioni controverse su cosa c'è nel ritratto:
Isabella d'Este (c'è una foto che la ritrae)
La padrona Giuliano di Medici
Semplicemente la donna perfetta
Un giovane in abiti femminili
Auto ritratto

Nel 1517 il cardinale Ludovico d'Aragona fece visita a Leonardo nella sua tenuta. Una descrizione di questa visita è stata fatta dal segretario del cardinale Antonio de Beatis: “Il 10 ottobre 1517, Monsignore ed altri come lui visitarono in una delle remote parti di Amboise Messer Leonardo da Vinci, fiorentino, dalla barba grigia vecchio, più che settantenne, il più eccellente artista del nostro tempo, mostrò a Sua Eccellenza tre quadri: uno di una dama fiorentina, dipinto dal vero per volere di frate Lorenzo il Magnifico Giuliano de' Medici, un altro di S. Giovanni Battista nella sua giovinezza, e la terza di Sant'Anna con Maria e il Bambino Gesù, tutte bellissime: il maestro, per il fatto che in quel tempo aveva la mano destra paralizzata, non poteva più aspettarsi nuove opere buone. " La prima dichiarazione d'identità per il ritratto di Monna Lisa, "una certa dama fiorentina", secondo la maggior parte dei ricercatori, è "Mona Lisa". È possibile però che si trattasse di un altro ritratto, di cui non sono sopravvissute prove o copie. Giuliano de' Medici non aveva nulla a che fare con la Gioconda. Ma è probabile che il segretario, sovraccarico di lavoro e di impressioni, abbia abbandonato per negligenza il nome dei Medici.

Successivamente, nella seconda dichiarazione di Visari, scrisse che Monna Lisa (abbreviazione di Madonna Lisa) era la terza moglie di un ricco uomo fiorentino di nome Francesco di Bartolomeo del Giocondo (da cui deriva il secondo nome del dipinto "Giocondo").
Sappiamo che sposò del Giocondo nel 1495, ma in realtà non abbiamo prove che potesse essere un'amante dei Medici. Quando la Gioconda iniziò a posare per Leonardo, aveva circa ventiquattro anni - secondo gli standard dell'epoca, si avvicinava alla mezza età. Il ritratto fu un successo: secondo Vasari era “una copia esatta della natura”. Ma Leonardo superò le possibilità della ritrattistica e fece del suo modello non solo una donna, ma una Donna con la W maiuscola. L'individuale e il generale si fondono qui in uno. La visione dell'artista della Donna potrebbe non coincidere con le opinioni generalmente accettate. Successivamente, una dichiarazione anonima costituisce il precedente secondo cui la Gioconda è un ritratto di Francesco del Giocondo, cioè apparve un detto (idea) secondo cui si trattava di un ritratto di un uomo (in seguito furono create molte copie di nudo, in cui gli artisti cercano di improvvisare con il genere femminile o maschile).
Infine, in riferimenti successivi, a partire dal 1625 circa, secondo la maggior parte degli studiosi, il ritratto cominciò a chiamarsi Gioconda.
Ancora oggi non disponiamo di alcuna prova conclusiva dell'identità della donna mostrata da Leonardo. Leonardo guarda la sua modella con un'insensibilità inquietante: la Gioconda sembra allo stesso tempo voluttuosa e fredda, bella - e persino disgustosa. Il dipinto è piccolo, ma dà l'impressione di essere monumentale. Questo effetto è ottenuto attraverso il rapporto tra la figura e lo sfondo. La monumentalità accresce notevolmente il sentimento misto di fascino e freddezza che evoca la Gioconda: per secoli gli uomini l'hanno guardata con ammirazione, confusione e qualcos'altro vicino all'orrore. Leonardo si liberò completamente dalle prove dell'identità e della somiglianza del ritratto di chi era stato dipinto. Per noi il ritratto resta un capolavoro di Leonardo.

Storia poliziesca della storia di Monna Lisa

M per molto tempo sarebbe stata conosciuta solo da fini intenditori di belle arti, se non fosse stato per la sua storia eccezionale, che l'ha resa famosa in tutto il mondo.
La Gioconda ha guadagnato fama mondiale non solo per le qualità dell'opera di Leonardo, che impressionano gli amanti dell'arte e i professionisti, ma sarebbe rimasta a lungo solo per gli intenditori d'arte se anche la sua storia non fosse stata eccezionale.
Dall'inizio del Cinquecento il dipinto, acquistato da Francesco I direttamente dalle mani di Leonardo da Vinci, rimase nella collezione reale dopo la morte di Leonardo. Dal 1793 fu collocato nel Museo Centrale delle Arti del Louvre. La Gioconda è sempre rimasta al Louvre come uno dei beni della collezione nazionale. Fu studiato dagli storici, copiato dai pittori, copiato spesso, ma il 21 agosto 1911 il dipinto fu rubato da un pittore italiano, Vincenzo Peruggia, per restituirlo alla sua patria storica.
Dopo un interrogatorio della polizia di tutti i sospettati, del pittore cubista, del poeta Guillaume Apollinaire (quel giorno ordinò di bruciare l'intero Louvre) e di molti altri, il dipinto fu ritrovato solo due anni dopo in Italia. È stato esaminato e lavorato dai restauratori e appeso al suo posto con il massimo dei voti. Durante questo periodo, la Gioconda non lasciò le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo.
Da allora il dipinto è diventato oggetto di culto e venerazione come capolavoro dei classici mondiali.
Nel XX secolo il dipinto non lasciò quasi mai il Louvre. Nel 1963 visitò gli Stati Uniti e nel 1974 il Giappone. I viaggi non hanno fatto altro che consolidare il suo successo e la sua fama.

Probabilmente non esiste dipinto più famoso al mondo di. È popolare in tutti i paesi, ampiamente replicato come immagine riconoscibile e accattivante. Nel corso dei suoi quattrocento anni di storia, “Mona Lisa” è stata sia un marchio che una vittima di rapimento, è stata menzionata in una canzone di Nat King Cola, il suo nome è stato citato in decine di migliaia di pubblicazioni stampate e film , e l'espressione "il sorriso di Monna Lisa" è diventata una frase stabile, persino una frase cliché.

La storia della creazione del dipinto "Mona Lisa"

Si ritiene che il dipinto sia un ritratto di Lisa Gherardini, moglie di un commerciante tessile fiorentino di nome Del Giocondo. Epoca in cui scrivo, circa 1503-1505. Ha creato una grande tela. Forse, se il quadro fosse stato dipinto da un altro maestro, non sarebbe stato avvolto da un velo di mistero così fitto.

Questa piccola opera d'arte, che misura 76,8 x 53 cm, è dipinta ad olio su tavola di legno di pioppo. Il dipinto si trova a Roma, dove ha una stanza speciale che porta il suo nome. Fu portato in città dallo stesso artista, che si trasferì qui sotto il patronato del re Francesco I.

Miti e speculazioni

Va detto che l'aura di leggenda e di singolarità avvolge questo dipinto solo da più di 100 anni, grazie alla mano leggera di Théophile Gautier, che scrisse del sorriso di Monna Lisa. Prima di ciò, i contemporanei ammiravano l’abilità dell’artista nel trasmettere le espressioni facciali, l’esecuzione virtuosa e la scelta dei colori, la vivacità e la naturalezza dell’immagine, ma non vedevano segni nascosti, accenni e messaggi criptati nel dipinto.

Al giorno d'oggi, la maggior parte delle persone è interessata al famigerato mistero del sorriso di Monna Lisa. È solo un accenno di sorriso, un leggero movimento degli angoli delle labbra. Forse la decodificazione del sorriso è contenuta nel titolo stesso del dipinto: La Gioconda in italiano può significare "allegra". Forse in tutti questi secoli la Gioconda sta semplicemente ridendo dei nostri tentativi di svelare il suo mistero?

Questo tipo di sorriso è caratteristico di molti dipinti dell'artista, ad esempio una tela raffigurante Giovanni Battista o numerose Madonne (,).

Per molti anni l'identificazione dell'identità del prototipo ha suscitato interesse, finché non sono stati ritrovati documenti che confermavano la realtà dell'esistenza della vera Lisa Gherardini. Tuttavia, si sostiene che il dipinto sia un autoritratto crittografato di Da Vinci, che ha sempre avuto inclinazioni non convenzionali, o addirittura un'immagine del suo giovane studente e amante, soprannominato Salai - il Piccolo Diavolo. Quest’ultima ipotesi è supportata da prove come il fatto che fu Salai a rivelarsi l’erede di Leonardo e il primo proprietario della Gioconda. Inoltre, il nome "Mona Lisa" potrebbe essere un anagramma di "Mon Salai" (il mio Salai in francese).

Di grande interesse per i teorici della cospirazione e i sostenitori dell'idea che Da Vinci appartenesse a una serie di società segrete è il misterioso paesaggio sullo sfondo. Raffigura uno strano terreno che fino ad oggi non è stato identificato con precisione. È stato dipinto, come l'intero quadro, utilizzando la tecnica dello sfumato, ma in una combinazione di colori diversa, bluastro-verdastro e asimmetrica: il lato destro non corrisponde a quello sinistro. Inoltre, recentemente ci sono state accuse secondo cui l'artista ha crittografato alcune lettere negli occhi di Gioconda e numeri nell'immagine del ponte.

Solo un dipinto o un capolavoro

Non ha senso negare i grandi meriti artistici di questo dipinto. È un capolavoro indiscusso del Rinascimento e un risultato significativo nell’opera del maestro; non per niente Leonardo stesso apprezzò molto quest’opera e non se ne separò per molti anni.

La maggior parte delle persone assume un punto di vista di massa e tratta il dipinto come un dipinto misterioso, un capolavoro inviatoci dal passato da uno dei maestri più brillanti e talentuosi della storia dell'arte. La minoranza vede la Gioconda come un dipinto insolitamente bello e di talento. Il suo mistero sta solo nel fatto che gli attribuiamo quelle caratteristiche che noi stessi vogliamo vedere.

Fortunatamente, il gruppo più ristretto di persone è quello che è indignato e irritato da questa immagine. Sì, questo accade, altrimenti come si spiegherebbero almeno quattro casi di vandalismo, a causa dei quali la tela è ora protetta da uno spesso vetro antiproiettile.

Comunque sia, “La Gioconda” continua ad esistere e delizia le nuove generazioni di spettatori con il suo misterioso mezzo sorriso e i complessi misteri irrisolti. Forse in futuro qualcuno troverà le risposte alle domande esistenti. Oppure creerà nuove leggende.

Monna Lisa. Chi è lei? - articolo

Monna Lisa. Chi è lei?

La Gioconda (conosciuta anche come La Gioconda) è un ritratto di una giovane donna dipinto dall'artista italiano Leonardo da Vinci intorno al 1503. Il dipinto è una delle opere pittoriche più famose al mondo. Appartiene al Rinascimento. Esposto al Louvre (Parigi, Francia).

Storia

In nessun altro dipinto di Leonardo la profondità e la foschia dell'atmosfera sono trasmesse con tanta perfezione come nella Gioconda. Questa prospettiva aerea è probabilmente la meglio eseguita. La Gioconda ha guadagnato fama mondiale non solo grazie alla qualità del lavoro di Leonardo, che impressiona sia gli amatori che i professionisti dell'arte. Il dipinto fu studiato dagli storici e copiato dai pittori, ma per molto tempo sarebbe rimasto noto solo agli intenditori d'arte se non fosse stato per la sua eccezionale storia. Nel 1911 la Gioconda fu rubata e solo tre anni dopo, grazie ad una coincidenza, fu restituita al museo. Durante questo periodo, la Gioconda rimase sulle copertine di giornali e riviste di tutto il mondo. Pertanto non sorprende che la Gioconda sia stata copiata più spesso di qualsiasi altro dipinto. Da allora il dipinto è diventato oggetto di culto e venerazione come capolavoro dei classici mondiali.

Il mistero del modello

La persona raffigurata nel ritratto è difficile da identificare. Fino ad oggi sono state espresse molte opinioni controverse e talvolta assurde su questo argomento:

• La moglie del mercante fiorentino del Giocondo
• Isabella d'Este
• Proprio la donna perfetta
• Un giovane in abiti femminili
• Autoritratto di Leonardo

Il mistero che circonda lo straniero ancora oggi attira ogni anno milioni di visitatori al Louvre.

Nel 1517, il cardinale Luigi d'Aragona visitò Leonardo nel suo studio in Francia. Una descrizione di questa visita è stata fatta dal segretario del cardinale Antonio de Beatis: “Il 10 ottobre 1517, Monsignore e altri come lui visitati in una delle parti remote di Amboise visitarono messer Leonardo da Vinci, un fiorentino, un uomo dalla barba grigia vecchio, più che settantenne, l'artista più eccellente del nostro tempo. Mostrò a Sua Eccellenza tre quadri: uno di una dama fiorentina, dipinto dal vero per volere di frate Lorenzo il Magnifico Giuliano de' Medici, un altro di San Giovanni Battista giovanetto, e il terzo di Sant'Anna con Maria e il Cristo Bambino; tutto estremamente bello. Dal maestro stesso, per il fatto che in quel tempo aveva la mano destra paralizzata, non ci si poteva più aspettare nuove opere buone”.

Secondo alcuni ricercatori, “una certa dama fiorentina” significherebbe la “Gioconda”. È possibile, tuttavia, che si trattasse di un altro ritratto, di cui non sono sopravvissute prove o copie, per cui Giuliano Medici non poteva avere alcun legame con la Gioconda.

Secondo Giorgio Vasari (1511-1574), autore di biografie di artisti italiani, Monna Lisa (abbreviazione di Madonna Lisa) era la moglie di un uomo fiorentino di nome Francesco del Giocondo, il cui ritratto Leonardo impiegò quattro anni a dipingere, ma lasciò comunque il suo incompiuto.

Vasari esprime un giudizio molto elogiativo sulla qualità di questo dipinto: “Chiunque voglia vedere come l'arte possa imitare la natura, può facilmente constatarlo dall'esempio della testa, perché qui Leonardo ha riprodotto tutti i particolari... Gli occhi sono pieni di brillantezza e umidità, come persone vive... Il delicato naso rosa sembra reale. Il tono rosso della bocca si abbina armoniosamente al colore del suo viso... Non importa chi guardasse da vicino il suo collo, a tutti sembrava che il suo polso battesse...". Spiega anche il leggero sorriso sul suo volto: "Leonardo avrebbe invitato musicisti e clown per intrattenere la signora, che era annoiata dalla lunga posa".

Questa storia potrebbe essere vera, ma molto probabilmente Vasari l’ha semplicemente aggiunta alla biografia di Leonardo per il divertimento dei lettori. La descrizione del Vasari contiene anche un'accurata descrizione delle sopracciglia mancanti nel dipinto. Questa inesattezza potrebbe verificarsi solo se l'autore descrivesse l'immagine dalla memoria o dalle storie di altri. Il dipinto era molto noto tra gli amanti dell'arte, anche se Leonardo lasciò l'Italia per la Francia nel 1516, portando con sé il dipinto. Secondo fonti italiane da allora fa parte della collezione del re francese Francesco I, ma non è chiaro quando e come lo acquistò e perché Leonardo non lo restituì al cliente.

Vasari, nato nel 1511, non poté vedere la Gioconda con i propri occhi e fu costretto a fare riferimento alle informazioni fornite dall'anonimo autore della prima biografia di Leonardo. È lui a scrivere dell'ininfluente mercante di seta Francesco Giocondo, che ordinò all'artista il ritratto della sua terza moglie Lisa. Nonostante le parole di questo anonimo contemporaneo, molti studiosi dubitano ancora della possibilità che la Gioconda sia stata dipinta a Firenze (1500-1505). La tecnica raffinata indica una realizzazione successiva del dipinto. Inoltre, in quel momento Leonardo era così impegnato a lavorare alla "Battaglia di Anghiari" che rifiutò persino la principessa Isabella d'Este di accettare il suo ordine. Potrebbe un semplice mercante convincere il famoso maestro a dipingere un ritratto di sua moglie?

È anche interessante che nella sua descrizione Vasari ammiri il talento di Leonardo nel trasmettere fenomeni fisici, e non la somiglianza tra il modello e il dipinto. Sembra che sia stata proprio questa caratteristica fisica del capolavoro a lasciare una profonda impressione tra i visitatori dello studio dell’artista e a raggiungere Vasari quasi cinquant’anni dopo.

Composizione

Un'attenta analisi della composizione porta alla conclusione che Leonardo non ha cercato di creare un ritratto individuale. “Mona Lisa” divenne la realizzazione delle idee dell’artista espresse nel suo trattato sulla pittura. L'approccio di Leonardo al suo lavoro è sempre stato scientifico. Pertanto, la Gioconda, che ha dedicato molti anni a creare, è diventata un'immagine bella, ma allo stesso tempo inaccessibile e insensibile. Sembra voluttuosa e fredda allo stesso tempo. Nonostante lo sguardo di Giaconda sia rivolto a noi, tra noi e lei si è creata una barriera visiva: il bracciolo di una sedia, che funge da divisorio. Un simile concetto esclude la possibilità di un dialogo intimo, come ad esempio nel ritratto di Balthazar Castiglione (esposto al Louvre, Parigi), dipinto da Raffaello circa dieci anni dopo. Tuttavia, il nostro sguardo ritorna costantemente sul suo viso illuminato, circondato come da una cornice di capelli scuri nascosti sotto un velo trasparente, ombre sul collo e un paesaggio di sfondo scuro e fumoso. Sullo sfondo di montagne lontane, la figura dà l'impressione di essere monumentale, nonostante il formato del dipinto sia piccolo (77x53 cm). Questa monumentalità, insita negli esseri divini sublimi, tiene noi semplici mortali a rispettosa distanza e allo stesso tempo ci fa tendere senza successo all'irraggiungibile. Non per niente Leonardo scelse la posizione della modella, che è molto simile alle posizioni della Vergine Maria nei dipinti italiani del XV secolo. Ulteriore distanza è creata dall'artificialità, che nasce dall'impeccabile effetto sfumato (rifiuto di contorni netti a favore della creazione di un'impressione ariosa). Si deve presumere che Leonardo si sia effettivamente liberato completamente dalla somiglianza del ritratto per creare l'illusione dell'atmosfera e di un corpo vivo e respirante utilizzando una pialla, colori e un pennello. Per noi la Gioconda resterà per sempre il capolavoro di Leonardo.

Il romanzo poliziesco della Monna Lisa

Per molto tempo la Gioconda sarebbe stata conosciuta solo dagli intenditori d'arte, se non fosse stato per la sua storia eccezionale, che l'ha resa famosa in tutto il mondo.

Dall'inizio del Cinquecento il dipinto, acquistato da Francesco I dopo la morte di Leonardo, rimase nella collezione reale. Dal 1793 fu collocato nel Museo Centrale delle Arti del Louvre. La Gioconda è sempre rimasta al Louvre come uno dei tesori della collezione nazionale. Il 21 agosto 1911 il dipinto fu rubato da un impiegato del Louvre, il maestro italiano degli specchi Vincenzo Peruggia. Lo scopo di questo rapimento non è chiaro. Forse Perugia voleva restituire La Gioconda alla sua patria storica. Il dipinto fu ritrovato solo due anni dopo in Italia. Inoltre, il colpevole era lo stesso ladro, che ha risposto a un annuncio sul giornale e si è offerto di vendere la Gioconda. Finalmente, il 1° gennaio 1914, il dipinto ritornò in Francia.

Nel XX secolo il dipinto non lasciò quasi mai il Louvre, visitando gli Stati Uniti nel 1963 e il Giappone nel 1974. I viaggi non hanno fatto altro che consolidare il successo e la fama del film.

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