L'architettura rinascimentale si basava sulle caratteristiche principali dell'architettura classica romana. Ma, ovviamente, questo non significa che siano simili: i principi di base dell'urbanistica sono cambiati molto dai tempi antichi:
non era più necessario costruire enormi impianti sportivi per gare o bagni pubblici, in voga presso i romani.
Nuove priorità apparvero nel sistema urbanistico, basato sulle esigenze della società del Rinascimento. Ne parleremo in questo articolo.
Caratteristiche generali dell'architettura rinascimentale
Piano di costruzione rinascimentale è prevalentemente di forma rettangolare, contraddistinta da simmetria e proporzione basata sul modulo. Nei templi, il modulo è spesso la campata della navata.
Navata- parte dell'interno sotto forma di una stanza allungata. Su uno o entrambi i lati longitudinali, la navata è delimitata da una serie di colonne o pilastri che la separano dalle navate vicine. La divisione dell'interno in navate ha avuto origine negli antichi templi greci.
Chiesa romanica a tre navate
La suddivisione dell'interno in navate si è conservata come tecnica comune nelle epoche successive: Rinascimento, Barocco e Classicismo.
Le navate sono utilizzate anche negli edifici secolari: ad esempio, a forma di aula a tre navate, furono decisi i locali della biblioteca del monastero di San Marco a Firenze (1431-1441).
Molte stazioni sotterranee della metropolitana di Mosca sono disposte come sale a tre navate, a volte con una navata centrale dedicata.
Stazione Baumanskaya della metropolitana di Mosca
Nel Rinascimento, per la prima volta, Brunelleschi si pose il problema dell'unità integrale della struttura e della facciata, ma non risolse questo problema nelle sue opere, ma l'Alberti per primo risolse questo problema nella costruzione della Basilica di Sant' Andrea di Mantova.
Facciata della Chiesa di Sant'Andrea a Mantova
Nel XVI secolo iniziò il perfezionamento del progetto di un edificio laico in stile rinascimentale. e raggiunse il suo punto più alto nell'opera del Palladio.
Facciata(esterno, lato anteriore dell'edificio) nell'architettura del Rinascimento è simmetrico rispetto all'asse verticale. Le facciate delle chiese, di regola, sono misurate con pilastri, archi e trabeazione (soffitto a travi di una campata o completamento di un muro), coronato da un frontone. Timpano(dal latino frons, frontis - fronte, fronte del muro) - il completamento della facciata dell'edificio, limitato da due falde del tetto ai lati e da un cornicione alla base. I timpani sono generalmente triangolari, ma ci sono altre forme.
Timpano
Ci sono facciate principali, laterali, posteriori, strada e cortile.
La prima facciata in stile rinascimentale è considerata la facciata del Duomo di Pienza (1459-1462), attribuita all'architetto fiorentino Bernardo Gamberelli (Rossellino) O Alberti.
Gli edifici residenziali rinascimentali avevano spesso cornice(un elemento sporgente della decorazione interna ed esterna di edifici, locali, mobili. In architettura, la cornice separa il piano del tetto dal piano verticale del muro o divide il piano del muro lungo linee orizzontali selezionate), su ogni piano la posizione di finestre e relativi dettagli si ripetono, la porta principale è contrassegnata da un balcone o da una cinta rustica. Ruggine, bugnato, rustico(dal lat. rusticus - semplice, grezzo) - muratura in rilievo o rivestimento murale con pietre dalla superficie frontale grossolanamente squadrata o convessa (le cosiddette ruggini). Ravvivando il piano del muro con il gioco del chiaroscuro, il rustico crea l'impressione di potenza, imponenza dell'edificio.
Palazzo Pitti (Toscana, Italia). Architetto F. Brunelleschi
Palazzo Rucellai a Firenze con quattro cornici: quella inferiore completa il plinto, due centrali separano tra loro le gradinate della facciata, quella superiore è compresa nella trabeazione che completa la parete. Architetto Leon Battista Alberti
Architettura del primo Rinascimento
I monumenti architettonici italiani del primo Rinascimento si trovano principalmente a Firenze: la semplice ed elegante cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore (1436) e Palazzo Pitti, realizzata da Filippo Brunelleschi; i palazzi Riccardi costruiti da Michelozzo-Michelozzi; i palazzi Strozzi Benedetto da Maiano e S. Kronak; i palazzi dei Gondi (Giuliano da San Gallo), i palazzi dei Ruccellai Leon Battista Alberti.
Palazzo Riccardo
Ma anche a Roma ci sono capolavori di questo periodo: i piccoli e grandi palazzi veneziani di Bernardo di Lorenzo, la Certosa di Pavia Borgognone, il Palazzo Vendramin-Calergi P. Lombardo e altri.
Pavia Certosa- Certosa sulla strada da Pavia a Milano. La Certosa funge da sepolcro dei duchi milanesi Visconti e Sforza, esempio del gusto artistico lombardo del XV secolo. L'architettura è basata sul gotico.
Palazzo Ducale a Venezia (Palazzo Ducale)- un monumento dell'architettura gotica italiana, una delle principali attrazioni della città. Si trova in Piazza San Marco accanto all'omonima cattedrale. Sebbene il primo edificio in questo sito risalga al IX secolo, la costruzione dell'edificio odierno fu eseguita tra il 1309 e il 1424. presumibilmente un architetto Filippo Calendario.
Questo edificio principale di Venezia era principalmente la residenza del Doge (il capo eletto della Repubblica di Venezia). Nel palazzo si riunivano il Gran Consiglio e il Senato, lavoravano la polizia suprema e segreta. Insieme alla Cattedrale di San Marco, alla Biblioteca San Marco e ad altri edifici, Palazzo Ducale costituisce il principale complesso architettonico della città.
In altri paesi europei, il primo Rinascimento inizia alla fine del XV secolo. e dura fino alla metà del XVI secolo circa, ma sono pochi i veri capolavori.
Alta architettura rinascimentale
Con l'ascesa al soglio pontificio di Giulio II nel 1503, il centro dell'arte italiana si spostò da Firenze a Roma. Sotto di lui e dei suoi immediati successori furono realizzati a Roma molti edifici monumentali e opere d'arte. Si basa interamente sui principi classici.
I principali monumenti dell'architettura italiana di questo periodo sono edifici secolari. Si distinguono per armonia, grandezza delle proporzioni, eleganza dei dettagli, decorazioni e ornamenti.
Nella costruzione del tempio - il desiderio di scala e maestosità. Le cupole poggiano su 4 massicci pilastri.
Il rappresentante più famoso di questo periodo era Donato Bramante(1444-1514), che seguì i principi classici nella costruzione degli edifici.
I suoi seguaci lo erano Baldassarre Peruzzi, Raffaello Santi, Antonio da Sangallo.
Villa Farnese. Architetto Baldassarre Peruzzi
La villa fu costruita nel 1506-1510. per il banchiere senese Agostino Chigi. Fu la prima villa a Roma di tipo leggero, “a padiglione”, aperto verso il giardino e il fiume, senza cortili e sale delle udienze. I murales delle logge sono di Raffaello e di altri artisti. Nel 1577 la famiglia Farnese acquistò la villa.
Affreschi di Raffaello nella Villa Farnesina
Palazzo Pandolfini a Firenze. Architetto Raffaello Santi
Palazzo Farnese a Roma. Architetti Antonio da Sangallo il Giovane, Michelangelo e Vignola
I principali rappresentanti dell'architettura di questo tempo erano Vignola, pittore e biografo di artisti Vasari- fece costruire il Palazzo degli Uffizi a Firenze, Andrea Palladio, Genovese Galeazzo Alessi, che fece erigere la Chiesa della Madonna da Carignano, il Palazzo Spinola e il Palazzo Sauli a Genova.
Il Palazzo degli Uffizi, che ospita una galleria d'arte
L'insieme architettonico è costituito da due edifici paralleli tra loro ed è realizzato a forma di ferro di cavallo, che con il suo lato aperto confina con Piazza della Signoria, e con due lati longitudinali forma una strada (lunghezza 142 m) che conduce al LungoArno, dove si apre una loggia passante dell'edificio trasversale. L'edificio si sviluppa su tre piani e su tutta la strada - un'unica facciata: sotto - una solida loggia-galleria aperta con numerosi ingressi all'edificio.
Fuori dall'Italia, il Rinascimento fiorì mezzo secolo dopo, ma incluse anche le tradizioni architettoniche locali. In Francia, l'architettura dell'Alto Rinascimento comprende la facciata occidentale del Palazzo del Louvre a Parigi creata da P. Lesko, il castello reale di Fontainebleau, il castello di Anet e le Tuileries, erette da Philibert Delorme e altri.
Ala del Palazzo del Louvre, la parte più antica superstite dell'edificio, costruita da Pierre Lescaut a metà del XVI secolo.
In Spagna - il Palazzo dell'Escorial degli architetti X. de Toledo e X. de Herrera, in Germania - parte del castello di Heidelberg, il municipio di Altenburg, il baldacchino del municipio di Colonia, Furstenhof a Wilmar, ecc.
El Escorial - monastero, palazzo e residenza del re Filippo II di Spagna
Architettura tardo rinascimentale
Nell'architettura del tardo Rinascimento ci sono più esperimenti con le forme, c'è una complicazione dei dettagli, una rifrazione delle linee architettoniche e ornamenti complessi. Da questa tendenza si sviluppò successivamente lo stile barocco e successivamente lo stile rococò.
Michelangelo è considerato il fondatore della direzione del manierismo in architettura, che ha interpretato liberamente i principi e le forme dell'arte antica. Michelangelo realizzò la tomba dei Medici nella chiesa di San Lorenzo a Firenze, la cupola della Basilica di San Pietro, il progetto di sviluppo del Campidoglio a Roma. È considerato l'autore dell'"ordine gigante", un pilastro che si estende dalla base alla trabeazione della facciata.
Un altro esempio di questo stile nell'architettura è il Palazzo del Te Giulio Romano a Mantova, con le sue enormi logge, le pareti bugnate, le grotte del parco e gli ampi affreschi.
Palazzo del Te- villa di campagna del marchese Federico II Gonzaga nella zona paludosa del mantovano. Costruito in 18 mesi nel 1524-1525. progetto Giulio Romano. Per 10 anni ha firmato dallo stesso Romano e dai suoi studenti. È un esempio lampante di arte manierista.
Lorenzo Bernini creò i colonnati semicircolari della cattedrale di San Pietro, il baldacchino sopra il suo trono principale, i palazzi Barberini e Bracciano. Come architetto e urbanista, ha progettato chiese, cappelle ed edifici secolari, e ha disegnato grandi oggetti che univano architettura barocca e scultura: fontane pubbliche e lapidi.
Palazzo Barberini. Architetto Lorenzo Bernini
Fontana delle api. Architetto Lorenzo Bernini
Colonnato in Piazza San Pietro. Architetto Lorenzo Bernini
A cavallo tra il XV e il XVI secolo, in Europa sorse un sistema architettonico completamente nuovo: lo stile rinascimentale. In un altro modo, come sai, questo periodo è il Rinascimento. L'architettura di questo tempo è cambiata e migliorata come risultato della fusione e dell'influenza reciproca delle tradizioni locali e delle nuove tendenze che provenivano dall'esterno. Il Rinascimento è un periodo di cambiamenti incredibilmente significativi non solo nell'arte, ma anche nella sfera economica e sociale di quasi tutti i paesi europei. Ciò è stato in gran parte dovuto a uno spostamento dell'enfasi nel campo delle rotte commerciali, alla formazione di nuovi centri industriali e commerciali dovuti alla scoperta del continente americano, alla crescente influenza dei turchi nei Balcani e ai cambiamenti fondamentali nella cultura e nell'ideologia .
Durante il Rinascimento, la conoscenza del mondo è stata notevolmente ampliata e approfondita, è stata prestata grande attenzione al ruolo dell'uomo nel mondo e nella società. La persona ideale ora è una persona istruita, fisicamente volitiva che, se necessario, è in grado di difendere con sicurezza i propri diritti, cambiare e migliorare il mondo. Sorse e iniziò a rafforzarsi una nuova classe: la borghesia, che sta cercando di creare e attuare la propria ideologia. Direzioni assolutamente nuove si stanno sviluppando nella scienza, nell'arte, nella letteratura, nella filosofia e, naturalmente, nell'architettura. In tutte queste aree si parte dal patrimonio antico, il che spiega l'ondata di interesse per l'architettura.
Senza l'uso della perfezione medievale delle tecniche artistiche e costruttive, l'architettura del Rinascimento e lo sviluppo e il perfezionamento delle arti ad essa associate difficilmente sarebbero stati possibili. Va notato che all'inizio del XV secolo era ancora molto forte l'influenza dell'urbanistica, che contribuì anche all'architettura del Rinascimento. Indubbiamente, l'architettura del Rinascimento significava una fase fondamentalmente nuova e completamente separata nello sviluppo dell'architettura mondiale. L'aumento della portata dell'edilizia secolare e civile divenne evidente, anche i templi e le chiese iniziarono ad avere un aspetto diverso. Il desiderio degli architetti che operarono nel XV-XVI secolo di indirizzare la costruzione lungo la strada del seguire forme e tecniche antiche si espresse nella riproduzione di elementi decorativi e strumenti d'ordine.
L'architettura nel Rinascimento era caratterizzata da una combinazione precisa e accademicamente corretta e dalla costruzione di dettagli e proporzioni, come era nell'era antica. Nelle decorazioni decorative e nella decorazione ornamentale hanno svolto un ruolo molto significativo, tuttavia, nel medio e tardo Rinascimento, il ruolo di questi elementi è stato ridotto.
L'architettura rinascimentale non si è sviluppata in modo uniforme in tutti i paesi, anche in Italia: sono state osservate differenze significative nel nord e nel sud dello stato. Vale a dire, a Venezia e in tutta la parte settentrionale del Paese, il ruolo delle tecniche decorative era notevolmente maggiore.
Ogni paese in Europa aveva le sue caratteristiche e caratteristiche costruttive. Tuttavia, è possibile rintracciare alcune caratteristiche comuni. Ad esempio, questo è il rifiuto delle fondamenta in pietra a telaio della struttura gotica e la preferenza per un nuovo sistema strutturale: semplice, abbastanza flessibile, economico e persino che facilita il lavoro di un architetto. Si tratta di edifici con arcate e murature in laterizio (a croce, a cassone, a vela, chiuse, a cupola e sferiche) con parziale utilizzo di elementi lignei nelle travature dei solai, nei travetti dei tetti spioventi. Per gesso usato, marmo, pietra. Tale rivestimento aveva un valore decorativo e plastico. E i metodi per decorare e decorare con ornamenti fin dall'inizio erano comuni a quasi tutti i paesi.
L'architettura rinascimentale implica non solo la creazione di una struttura bella e funzionale, ma anche l'importanza dell'autore, un maestro artista che ha una personalità unica. I nomi dei grandi maestri - Bramante, Alberti, Brunellesco, Bramonte, Delorme, Michelangelo, Herrera, Jones - sono per sempre iscritti nella storia del mondo con l'architettura rinascimentale.
In stile architettura Rinascimento("Rinascimento") apparve all'inizio del XV secolo. Gli architetti stanno tornando ai sistemi di ordine chiari e logici dell'antichità, a misura d'uomo e costruttivamente veritieri. Volte e archi a sesto acuto lasciano il posto a volte cilindriche ea crociera. Il Rinascimento ha aperto nuove possibilità per la formazione della personalità umana. Artisti, architetti e urbanisti hanno cercato di creare altri modelli dell'ambiente di vita umano. L'inizio del Rinascimento in architettura è associato a Firenze. Roma, la capitale della Chiesa cattolica in Europa, divenne il centro dell'architettura dell'Alto e del Tardo Rinascimento.
(Toscana), fondata nel I sec. AVANTI CRISTO. sul sito di un insediamento etrusco, è uno dei principali centri e simboli del Rinascimento. Nel XII sec. la città ottenne l'indipendenza, coniò la propria moneta e gli abitanti della Repubblica fiorentina furono personalità come Dante Alighieri, Michelangelo, Leonardo da Vinci e Machiavelli. Firenze fiorì nei secoli XV-XVI, durante il regno dei duchi Medici, che furono coinvolti nella creazione dei due principali musei della città del Rinascimento - Gallerie degli Uffizi e Palazzo Pitti. Nel XV sec. fu costruita la cattedrale principale della città: Santa Maria del Fiore, ora il terzo tempio più grande del mondo (dopo la Cattedrale di San Pietro a Roma e la Cattedrale di St. Paul a Londra). L'enorme cupola della cattedrale (diametro 42 m) divenne in seguito il prototipo della cupola della cattedrale di San Pietro. Vicino alla cattedrale si ergeva un campanile bianco e rosa. Il battistero della cattedrale fu costruito nell'XI secolo. in stile romanico.
Alla fine del XV sec. v Milano(Lombardia) fu ricostruita e trasformata in monastero domenicano. L'affresco "L'ultima cena" - il capolavoro di Leonardo da Vinci - ha portato il monastero alla fama mondiale. Per cercare i volti degli apostoli, l'artista si è recato nei quartieri poveri della città, ma il volto di Gesù Cristo è rimasto incompiuto. Tuttavia, questa è una delle opere più finite di Leonardo da Vinci. Per la perfezione della composizione, la luminosità dei colori e l'espressività dei volti, l'affresco è considerato insuperabile.
Il capolavoro dell'architettura dell'Alto Rinascimento è (Vaticano), costruito tra il XVI e l'inizio del XVII secolo. Raffaello, Michelangelo, Bernini e altri architetti hanno preso parte alla costruzione della cattedrale. La cattedrale, costruita sulla tomba dell'apostolo Pietro, è l'edificio religioso più grande del mondo. La Cattedrale di San Pietro con una gigantesca cupola (diametro 42 m), il doppio colonnato del Bernini, che circonda Piazza San Pietro, con palazzi e giardini adiacenti, divenne il centro della Città-Stato del Vaticano.
Nell'urbanistica rinascimentale le “città ideali” ei loro elementi urbanistici - piazze, parchi, insiemi di edifici - diventano oggetto di sviluppo. Una di queste "città ideali" era la capitale di Malta. La città prende il nome dal maestro dell'Ordine di San Giovanni di Gerusalemme (San Giovanni di Gerusalemme, che fece una “sosta” sull'isola di Rodi nel) Jean Parisot de La Valette, che fondò la città nel mezzo del il 16° secolo. La città ha un impianto regolare all'interno delle mura della fortezza, qui sono concentrati 320 monumenti in una piccola area.
Il Rinascimento ha influenzato la formazione dell'aspetto dei centri storici di molte città. Questi includono i centri della città-palazzo (Marche) - la città natale di Raffaello, "città ideali" Ferrara(Emilia Romagna) e Pienza(Lazio), città Mantova(Lombardia) e Vicenza(Veneto), Genova(Liguria) e Napoli(Campagna), ecc. Città Matera(Basilicata) è nota anche per la zona dei Sassi, dove le strade corrono tra case e chiese scavate nel tufo. In alcuni punti, questa "città rupestre" ha lo stesso aspetto di 2,5 mila anni fa.
Durante il Rinascimento si formano paesaggi culturali che combinano le virtù naturali dell'area, metodi innovativi di uso del suolo, tradizioni e architettura locali, estetica artistica e ideali del Rinascimento. Paesaggi culturali (Toscana), costiera amalfitana Mar Tirreno (Campagna), Cinque Terre o Riviera Ligure(Liguria) con la città medievale di Portovenere e la fortezza genovese, Sacri Monti, cioè "Santi Monti" (Piemonte e Lombardia).
In stile rinascimentale, il parco è rotto Villa d'Este a Tivoli(Lazio). La cultura del Rinascimento è presentata in tutto il suo splendore in questo "giardino dei miracoli": fontane, vasche ornamentali, sculture, luoghi di relax appartato, ecc. Villa d'Este ha influenzato lo sviluppo dell'arte del paesaggio in Europa e potrebbe anche servire come un prototipo per complessi di palazzi e parchi in (Francia) e Peterhof (Russia). A metà del XVI sec. il primo Orto Botanico al mondo sorse nella città di Padova (Veneto) a seguito del crescente interesse per le scienze naturali (l'università locale fu aperta già nel XIII secolo).
Dalla località turistica di Rimini (Emilia-Romagna), situata sul mare Adriatico, a picco su una roccia con tre denti, situata a 20 km dal mare. La “Rocca del Tridente” è il Monte Titano (738 m s.l.m.), che svetta come un gigante sulle basse colline circostanti. E le tre punte sulla montagna sono le tre fortezze della città, che è la capitale dello stato omonimo. C'è una leggenda secondo la quale il Monte Titano, nato inaspettatamente nelle pianure, è un gradino di un'enorme scala costruita dai titani, i figli di Urano e Gaia. I Titani volevano raggiungere l'Olimpo in questo modo per uccidere Zeus. Ma il "dio degli dei" sconfisse i titani e li gettò nel "regno dell'Ade".
Intorno alla città di San Marino furono erette tre cinte di mura fortificate. Fino ad oggi si è conservata la terza cinta muraria, che delinea il centro moderno della città. All'interno dell'ex prima cinta muraria si trova una chiesa dove sono custodite le reliquie di San Marino, oltre ad antiche cisterne (“fossi”), che servivano per raccogliere l'acqua piovana e rifornire la città. All'interno della seconda cinta muraria si trova il Palazzo del Governo, costruito alla fine dell'Ottocento. sul sito dell'antico palazzo del XVI secolo. e nello stile della stessa epoca.
Alla periferia orientale della parte centrale della città c'è una fortezza Guaita("punta" occidentale sul Monte Titano), che un tempo era una prigione. La costruzione di Guaita iniziò nel X secolo, e nei secoli XV-XVII. La fortezza fu ricostruita più volte. Il "punte" centrale del Monte Titano è la rocca di Chesta (il secondo nome è Fratta). La fortezza fu costruita nel XIII secolo e restaurata all'inizio del XX secolo. Ora nella fortezza di Chesta c'è un museo di armi antiche. Il “punte” orientale della vetta tricefala del Titano è la rocca di Montale, di cui è sopravvissuta solo una torre, restaurata a metà del XVIII secolo. La torre offre una vista su tre lati dell'orizzonte contemporaneamente, quindi è stata a lungo una funzione di osservazione e sorveglianza.
rinascita o il Rinascimento ebbe origine in Italia e attraversò diverse fasi, pur avendo un enorme impatto sull'arte e sulla cultura di altri paesi dell'Europa occidentale. È consuetudine distinguere quattro fasi del Rinascimento italiano: Proto-Rinascimento (trecento) - la seconda metà del XIII secolo. - prima metà del XIV secolo; Primo Rinascimento (quattrocento) - fine XIV secolo - XV secolo; Alto Rinascimento (cinquecento) - fine del XV secolo. - primo terzo del XVI secolo; Tardo Rinascimento - seconda metà del XVI secolo.
In quest'epoca, sembrerebbe che le fondamenta precedentemente incrollabili del sistema feudale inizino a vacillare. Le ricche città commerciali stanno combattendo per l'indipendenza, per il diritto all'autogoverno. Le città commerciali italiane hanno particolarmente successo in questo modo. Le prime forme di produzione capitalista, che erano le manifatture, iniziarono a formarsi attivamente.
La diffusione delle manifatture caratterizza l'era del declino del feudalesimo e l'ascesa di una nuova classe: la borghesia. In questo momento si formano condizioni favorevoli per lo sviluppo della scienza, della tecnologia e di vari tipi di arti. Rinascimento ha dato una serie di eccezionali scienziati, inventori, viaggiatori, architetti, artisti, le cui attività hanno contribuito all'espansione delle idee dell'uomo di quel tempo sul mondo che lo circondava e sulle sue leggi. Pertanto, le idee del Rinascimento significarono non solo un cambiamento nelle tendenze stilistiche e nei gusti artistici, ma portarono anche a profondi cambiamenti in tutti gli ambiti della vita di quella società.
rinascita ha origine nelle città-repubbliche italiane economicamente più sviluppate, nelle quali, come un tempo nelle città dell'antica Grecia, si formano le condizioni favorevoli per la formazione di una nuova visione del mondo umanistica che rifiuta l'ideologia del feudalesimo. In Italia, sulla base dell'antica eredità, inizia una fioritura artistica senza precedenti. Mentre altri paesi stanno ancora vivendo il gotico nel suo ultimo periodo, in Italia sta emergendo una nuova cultura e arte, basata sui concetti e sulle forme dell'antichità.
L'umanesimo del Rinascimento, come suo principio principale, proclama la base della visione del mondo della mente umana e della conoscenza del mondo, l'idea di un più alto sviluppo culturale e morale dell'uomo. C'è un vivo interesse per la cultura antica dimenticata, la filosofia e, soprattutto, per l'arte. Molto sta cambiando nella vita spirituale e materiale delle persone: visioni ideologiche, esigenze estetiche, condizioni socio-culturali e con esse il mondo delle cose.
I confini della conoscenza umana si stanno espandendo, il che è facilitato, in particolare, da numerose invenzioni. Nelle industrie del pieno, della lavorazione del ferro e delle segherie, la forza muscolare viene sempre più sostituita dalla forza dell'acqua. È importante sottolineare che fu in quest'epoca, per la prima volta nella storia, che il mondo delle macchine e dei meccanismi prese un certo posto nell'ambito dei problemi artistici. Naturalmente, i progettisti di macchine a quel tempo non erano solo meccanici, ma anche artisti. L'inseparabilità della creatività artistica e tecnica si esprimeva nel fatto che la pittura e la scultura erano equiparate ai normali mestieri. Gli artisti appartenevano a organizzazioni corporative e i pittori spesso appartenevano alla bottega dei farmacisti (farmacisti) e scultori - agli artigiani della pietra. Un appello all'antica cultura dell'antichità ravviva l'interesse per le idee antropocentriche sull'ambiente oggetto-spaziale circostante e sulla bellezza come misura e armonia.
Il Rinascimento, rinunciando attivamente alla cultura medievale, si rivolge al linguaggio realistico dell'arte, che in quest'epoca divenne la principale forma di attività spirituale umana. Tuttavia, è stata la secolare cultura del Medioevo a servire da base per il fiorire della cultura rinascimentale. Forse questa è la ragione delle profonde contraddizioni del Rinascimento.
In questo momento, i confini tra arte secolare e chiesa vengono cancellati, perché. per soggetti laici e religiosi, gli artisti usano lo stesso linguaggio artistico-figurativo. C'è una mescolanza e compenetrazione di principi secolari e religiosi in tutti i tipi di arte. L'attenzione all'atteggiamento utilitaristico e mondano caratteristico dell'antichità, ai valori terreni contribuisce all'emergere delle scienze, il cui scopo è studiare l'umano (dal latino - studia humanitatis), in contrasto con studia divina - lo studio di il divino. Coloro che studiano l'umano ricevono alla fine del XV secolo. il nome degli umanisti.
Nella cultura europea di quel tempo, l'ascetismo e il dogmatismo del Medioevo sono sostituiti da nuove sensazioni del senso della vita, dalle ampie possibilità della mente e dell'esperienza umana. Le forme del mondo antico compaiono per la prima volta nell'architettura delle città italiane, negli interni degli edifici. I maestri del Rinascimento italiano creano bellissimi templi, teatri, palazzi a Firenze, Venezia, Siena, Mantova e altre città italiane. Sotto l'influenza delle condizioni locali, stanno prendendo forma varietà italiane, francesi, olandesi, tedesche, inglesi e spagnole chiaramente distinguibili del nuovo stile.
Il linguaggio formale dell'arte antica è stato messo al servizio degli ideali della nuova era. Il nuovo stile architettonico emergente si è rivelato, come quello antico romano, molto eclettico, ei suoi elementi formali erano chiaramente presi in prestito dall'arsenale degli ordini greco-romani. Le calme divisioni orizzontali delle forme degli edifici della nuova architettura si contrappongono ora alle linee slanciate del gotico. I tetti diventano piatti; al posto di torri e guglie compaiono spesso cupole, tamburi, vele, doppi ordini, ecc.
Tornando allo stile antico, l'architettura del Rinascimento obbediva a determinate regole: regolarità, simmetria, scala con una persona, desiderio di proporzioni calme ed equilibrate all'interno di composizioni rigorosamente lineari. Ad esempio, è assicurata la regolarità del ritmo delle aperture di finestre e porte e la loro posizione obbligatoria sullo stesso livello, ecc. Una misura dell'armonia delle forme è la regola della sezione aurea.
Forme tipiche delle facciate dei palazzi italiani
Palazzo Medici. M. di Bartolomeo. 15 ° secolo Firenze
Palazzo Strozzo. B.da Maiano. Fine del XV secolo flence
È in quest'epoca che la formatura acquisisce un carattere razionale e progettuale. Gli oggetti materiali nascono prima sotto forma di progetto, e solo successivamente vengono realizzati in natura. Se gli stili precedenti si sviluppavano in sequenza, come se crescessero organicamente l'uno dall'altro, allora il Rinascimento scelse il patrimonio artistico e culturale del lontano passato come punto di partenza per lo sviluppo della sua arte.
Questa epoca è caratterizzata dalla costruzione, oltre agli edifici per scopi religiosi, di regola, strutture secolari a cupola centrale - case, palazzi (palazzo) ed edifici pubblici di nuovi tipi: municipi, magazzini, ospedali, teatri. Ricominciarono a essere costruite case di campagna, il cui prototipo erano le ville romane.
Questi edifici tipo castello furono eretti su ampi appezzamenti di terreno fuori dalle mura della città medievale. Dietro la facciata monumentale, fiancheggiata da quadrati di macerie, di tale struttura c'era un cortile, solitamente chiuso, circondato da arcate, aggirando il quale il visitatore si trovava nelle sale anteriori e nelle camere riccamente decorate del palazzo. Le facciate erano decorate con lastre di marmo, tecnica dello stucco o dello sgraffito colorato. Le finestre sono state risolte con un semicircolare e, successivamente, con un completamento diretto.
Le stanze erano situate intorno all'infilata del cortile. Le scale di marmo erano poste negli angoli dell'edificio ed erano divise in marce separate, ciascuna delle quali era situata ad un angolo di 180 ° rispetto a quella vicina, separata da essa da un muro cieco e, di regola, sovrapposta con volta a botte.
Gli interni monumentali dei palazzi si distinguevano per la ricchezza della loro decorazione decorativa, tuttavia non si trattava di copie o imitazioni di veri interni romani antichi, perché. gli architetti del Rinascimento avevano un'idea degli interni delle case dei romani solo dalle descrizioni di Vitruvio. Tuttavia, i migliori interni dei palazzi di quest'epoca erano di perfezione proporzionata, i cui elementi avevano un rapporto modulare.
Interni rinascimentali
Sala d'aspetto. Collegio del Cambio. Perugia
Studiolo F. da Montefeltro. Palazzo Ducale. Urbino
Soffitto a cassettoni. I fratelli Del Tasso. Palazzo Vecchier. Firenze
Interno della Cappella dei Pazzi. Brunelleschi. 15 ° secolo
Corridoio di Palazzo Spada. Roma
Scala d'ingresso della biblioteca di San Lorenzo. Michelangelo. 16 ° secolo
Salone della Villa Medici a Poggio a Caiano. Volta a cassettoni in stucco
Gli interni semplici e chiari di F. Brunelleschi (1377-1446), ad esempio, nella Cappella dei Pazzi (1430-1461) nella chiesa di Santa Croce a Firenze, hanno avuto un profondo impatto sulla successiva comprensione dello spazio interno. I suoi interni sono caratterizzati dal contrasto di pareti intonacate bianche o leggermente colorate con articolazioni architettoniche lisce oa rilievo di pietra grigia. Un nuovo approccio all'organizzazione dello spazio si manifesta in una più netta distinzione tra le funzioni dei locali e il loro rapporto, che il Medioevo non conosceva su tale scala. Mentre nella casa medievale gli arredi servivano, di regola, secondo il loro scopo diretto, nei palazzi e nelle ricche case del Rinascimento dimostravano anche la ricchezza e il potere dei loro proprietari.
Tipicamente, in tali palazzi, il vestibolo (per ricevere i visitatori), la biblioteca (che non sorprende nell'era dell'inizio della stampa e dell'ampia distribuzione dei libri), lo studio-studio e le gallerie spiccavano in modo più evidente. Le mense erano generalmente sconosciute. I tavoli da pranzo, che potevano essere facilmente ripiegati o aperti, erano collocati nelle logge, che costituivano una parte importante delle case sia di città che di campagna. Gli interni rinascimentali sono caratterizzati (seguendo l'esempio dell'antica Roma) dal desiderio di ampliare lo spazio reale dei locali con l'ausilio di affreschi, dipinti da cavalletto o anche sculture. I soffitti iniziarono a essere realizzati nell'antichità. Venivano realizzati piani o su padugs, molti dei quali erano ricoperti di intonaco o affrescati. Un elemento caratteristico del disegno architettonico e decorativo dei soffitti era il cassettone. Negli esterni e negli interni degli edifici aumentava la larghezza delle cornici, che erano decorate con motivi antichi di vario genere.
Il semplice rivestimento a tavolato delle pareti è sostituito da pannelli lignei con particolari di cornici profilate, colonne, lesene e pannelli intagliati. In quest'epoca i camini iniziarono ad occupare un posto molto significativo negli interni, cosa che non si osservava nemmeno nel Medioevo, ad eccezione dei camini nelle sale principali.
Tuttavia, gli interni del primo Rinascimento in Italia sono caratterizzati da semplicità, chiarezza e persino mancanza di arte della loro soluzione. Nei dipinti degli artisti del Quattrocento vediamo pareti lisce di stanze, sottili cornici e aste, travi lungo il soffitto, a volte tinteggiate, a volte con leggere dorature, non pochi intagli e modellati. È caratteristico che gli elementi architettonici e decorativi all'interno dei locali differissero poco da quelli che decoravano le facciate degli edifici, e lo stesso spazio interno differisse poco dall'esterno. Questi spazi erano, per così dire, interconnessi.
In molti dipinti del Rinascimento si può vedere che, raffigurando una particolare stanza o l'esterno di un edificio, l'artista ha necessariamente aperto finestre o porte, mostrando così il carattere unitario della decorazione esterna e interna.
Nelle stanze di quel tempo c'erano solo le cose più necessarie. Varie cose, utensili e alcuni mobili potevano essere spostati all'interno della stanza o rimossi del tutto: l'aspetto degli interni non è cambiato. Anche molto più tardi, gli arredi di case e palazzi ricchi erano ancora pochi e, per la maggior parte, erano collocati lungo le pareti di stanze spaziose. Tutta la bellezza degli interni dei palazzi è stata fornita principalmente dall'arredamento del pavimento, delle pareti, del soffitto e con l'ausilio di alcuni oggetti di arredo, che hanno fatto da sfondo ai magnifici costumi dell'epoca. A parte i tappeti (che decoravano solo gli interni più ricchi), le tende dipinte o in pelle e i copriletti in lana o cotone, la maggior parte delle stanze aveva poco o nessun arredamento permanente.
Una descrizione degli appartamenti di Palazzo Foscari, preparati appositamente per il re Enrico III di Francia durante la sua visita a Venezia nel 1574, mostra che nelle sue stanze c'erano pochissimi mobili. C'erano solo tre mobili nella camera da letto: un letto dorato ricoperto di seta scarlatta, una poltrona dorata sotto un baldacchino dorato e un tavolo di marmo nero coperto da una tovaglia di velluto verde.
La caratteristica generale dei mobili italiani del Rinascimento - le fasi iniziali e successive del suo sviluppo - è la chiarezza, la chiarezza e la logica della costruzione della forma di qualsiasi oggetto di arredo, l'uso di un gran numero di elementi architettonici nell'arredamento, il prestito di motivi antichi nell'ornamento. La composizione si basa sulla bellezza di proporzioni regolate con precisione, chiarezza e purezza delle sagome della forma del prodotto.
I mobili dell'armadio sono progettati in base al tipo di struttura architettonica sotto forma di un volume solido con colonne, lesene, cornici, frontoni, piedistalli, ecc. Quasi tutti gli elementi della forma di qualsiasi oggetto di arredo sono decorati.
Oltre agli elementi architettonici, sono ampiamente utilizzati foglie d'acanto, motivo a candelabro, erme, amorini. Colonne e pilastri sono spesso completamente ricoperti da ornamenti floreali o geometrici. Durante questo periodo furono introdotti in uso numerosi nuovi elementi decorativi, tra cui il cosiddetto. grottesche, cioè composizioni riciclate ottenute sulla base di ornamenti trovati su pitture murali durante gli scavi di antichi edifici e cripte romane, lì chiamate grotte. Le grottesche sono composizioni ornamentali molto bizzarre sotto forma di figure di animali, creature fantastiche, uccelli, teste umane, fiori, ecc., Intessute in forme vegetali ricci.
Erano ampiamente utilizzate anche forme ornamentali come arabeschi, trecce, figure di metà umani e metà animali. L'arte del mobile in questo momento raggiunge un livello professionale molto alto. La struttura cromatica dei mobili rinascimentali si distingue per la sobrietà. Di norma, viene mostrata la bellezza del colore naturale e della trama del legno.
L'invenzione di una macchina per la produzione di fogli sottili di compensato, nella sua importanza per lo sviluppo della produzione di mobili, fu importante quanto la reinvenzione della sega (inizio XIV secolo) per la produzione di tavole segate, non tagliate con un'ascia. Ha aperto la strada all'uso diffuso della tecnica dell'impiallacciatura e con essa della tecnica di decorazione dei mobili con intarsi e intarsi. In una fase iniziale, la tecnica dell'intarsio ligneo era relativamente semplice e veniva utilizzata principalmente per decorare arredi sacri.
Mobili rinascimentali
Credenza in rovere intagliato, Belgio
Tavolo in noce intagliato, Italia
Tavolo da pranzo in noce intagliato, Italia
Cassapanca in rovere intagliato, Francia
Grande cassapanca (cassone) in cedro, Italia
Le immagini erano quasi monocromatiche, senza ombreggiature. I motivi decorativi più diffusi sono il fusto rampicante, la foglia d'acanto, lo strumento musicale, il paesaggio urbano, la natura morta. Spesso gli elementi dell'insieme dei lati sinistro e destro di un mobile erano in rapporto positivo-negativo tra loro. L'essenza di questa tecnica di decorazione è la seguente: frammenti di un motivo sono stati segati da due fogli di compensato di colore diverso sovrapposti l'uno sull'altro. Successivamente, durante l'incollaggio alla base, i frammenti ottenuti del disegno, identici nel disegno, ma diversi nel colore, sono stati scambiati. Il cerchio dei metodi e dei motivi della decorazione si sta gradualmente espandendo: compaiono soluzioni figurative, una grottesca, un ornamento a forma di arabesco, viene introdotto il legno dipinto e viene padroneggiata la tecnica del viraggio con l'aiuto della sabbia calda.
Mobili italiani del primo Rinascimento
In questo momento, il mobile principale dell'abitazione rimane il cassone, che è sia un contenitore per riporre e trasportare cose, sia un luogo per sedersi, e talvolta sdraiarsi, e un accessorio tradizionale per il matrimonio della sposa dote. A metà del XV sec. i cofanetti (cassa) sono comuni: contenitori per conservare documenti, denaro, gioielli.
Le pareti dei più antichi cofanetti italiani (XV secolo) sono assemblate con tecniche di lavorazione a maglia molto primitive, quando le singole assi vengono abbattute ad angolo retto con chiodi di legno (tasselli). I cofanetti erano solitamente riccamente decorati. Il metodo di decorazione più antico dovrebbe essere considerato l'incisione, dove il motivo è formato da linee profonde applicate con un cutter. Su cofanetti di piccole dimensioni, il più delle volte veniva decorato il lato interno del coperchio, sul quale un ornamento floreale era adiacente a immagini di animali, uccelli e figure umane. L'immagine incisa era solitamente sottolineata dal colore o posta su uno sfondo dipinto.
Un'altra tecnica, anch'essa proveniente da un lontano passato, è la decorazione con profondi intagli. Dopo aver disegnato il contorno di qualsiasi immagine con un cutter, lo sfondo attorno ad essa viene rimosso alla stessa profondità. Questo crea un motivo piatto su uno sfondo piatto. Sui cofanetti decorati con profondi intagli, c'è spesso un ornamento di una vite intrecciata con immagini di animali (un motivo medievale), oltre a immagini di figure umane interpretate in modo più realistico. I cofanetti dell'Italia settentrionale sembrano i più eleganti, dove motivi ornamentali scolpiti risaltano in rilievo sulla superficie lucida del fondo dorato. La superficie del legno dopo la levigatura veniva solitamente cerata.
Il baule-cassonne del primo Rinascimento è una semplice scatola rettangolare che ha una facciata, un basamento, gambe e talvolta un cornicione. La facciata anteriore, e talvolta le superfici delle pareti laterali, sono decorate con intagli piatti, che ricordano l'incisione su legno, e intarsi. Il plinto e la cornice della parte superiore della cassa sono fortemente profilati. Il coperchio della cassa è ricoperto di pittura dall'interno. Le immagini pittoresche stampate sulle casse, in particolare le immagini dei matrimoni, sono di alta qualità. Famosi pittori italiani hanno lavorato alla pittura di casse nuziali.
Un ulteriore sviluppo dell'ornamento rinascimentale in Italia può essere visto sulle casse fiorentine con intagli in rilievo. A causa dell'approfondimento dello sfondo a dimensioni diverse e della levigatura dei contorni scolpiti degli elementi ornamentali, risultano essere a profondità diverse e, per così dire, convesse. E sebbene l'intagliatore sia ancora limitato dal piano della tavola, non lo vincola: padroneggia il trasferimento del volume, quindi l'ornamento viene percepito in modo realistico.
Successivamente, quando nelle strutture architettoniche del primo Rinascimento si affermò il principio di coerenza nelle proporzioni dei singoli elementi e dell'insieme, questo principio iniziò ad essere ampiamente utilizzato nell'organizzazione delle forme, soprattutto nei mobili da gabinetto. Sulle casse, il numero di elementi decorativi iniziò ad aumentare, apparvero gambe tornite, successivamente sostituite da zampe di leone. Il torace, per così dire, si alzava dal pavimento, i profili della sua parte inferiore ora si riducono dolcemente alle gambe, grazie alle quali la pesantezza visiva del suo volume ha cominciato a diminuire. Il baule ha cominciato a perdere il carattere di una semplice scatola.
Dalla seconda metà del XV sec. e, soprattutto, nel XVI secolo, le casse nuziali lari acquisiscono motivi molto complessi. Di norma, tali casse hanno una facciata frontale riccamente scolpita, dorata e dipinta. Le trame qui erano vedute di città italiane, scene della poesia eroica e d'amore del XV secolo, l'immagine di processioni affollate, ecc.
Firenze, la città principale della Toscana (una provincia dell'Italia centrale), dove nacque il Rinascimento italiano, divenne il centro dell'artigianato del mobile e stabilì la direzione dello stile del mobile del XV secolo. per tutta Italia.
Qui lavorarono i famosi architetti fiorentini Benedetto e Giuliano da Maiano, in origine intagliatori di mobili. Oltre a Firenze, a Siena compare un centro di produzione di mobili, dove vengono realizzati anche lussuosi cassoni nuziali-lari. Differiscono da quelle fiorentine in quanto la maggior parte delle loro decorazioni in rilievo sono realizzate in gesso (un impasto di gesso, gesso e colla), che viene poi dorato. Alla fine del XV sec. c'è un altro centro d'arte del mobile a Bologna, dove erano particolarmente apprezzati tavoli di forma semplice, le cui gambe erano realizzate a forma di colonnine tornite.
Riccamente decorati erano i mobili veneziani, che avevano il loro aspetto caratteristico, in cui fino alla fine del XV secolo. Elementi gotici erano combinati con ornamenti, dipinti e dorature rinascimentali.
Gli armadi compaiono alla fine del XV secolo. In questo periodo, gli elementi architettonici dominavano la decorazione dei mobili: zoccoli, lesene, capitelli, aste architettoniche, mensole, cornici, ecc. L'armadio del primo Rinascimento è come due cassapanche sovrapposte con doppie ante, a volte cassetti. I pannelli delle porte e delle pareti laterali dell'armadio sono quasi privi di elementi decorativi, ad eccezione dei punti in cui sono fissate le maniglie.
In quest'epoca, nelle dimore fiorentine, erano molto comuni le panche a muro per sedersi, rappresentanti lo stesso petto-cassapanca, a cui era attaccato un alto schienale grezzo, a volte sezionato da lesene. Oltre alle casse nuziali e alle panche a muro, le panche a forma di cassapanca con coprisedile reclinabile e schienale basso vuoto e solidi gomiti massicci, che erano decorati con maschere, palmette, volute o teste d'angelo, erano ampiamente usato. Il corpo di una tale panca nella parte inferiore, di regola, aveva una complessa forma curvilinea e poggiava su un piedistallo a più stadi. Questi posti a sedere sono chiamati cassa-panca. Nella foggiatura di tali oggetti d'arredo destinati al contenimento e alla seduta, nel loro decoro (lavorazione di profili, ornamenti floreali presi in prestito, ecc.), è evidente il legame stilistico con i sarcofagi dell'antica epoca romana. C'erano anche mobili per sedersi sotto forma di sgabelli su supporti in legno e un sedile ottagonale, sedie pieghevoli a forma di X, le cosiddette. sedie ricci. I supporti delle gambe incrociate di tali sedie (poltrone) hanno una forma dolcemente curva, le loro estremità inferiore e superiore che sporgono sopra il livello del sedile sono collegate da doghe trasversali. Le barre inferiori sono realizzate sotto forma di supporti e quelle superiori - sotto forma di gomiti. Gli schienali sono profilati lungo i bordi, presentano varie forme di filetti e ritagli, possono essere lisci o decorati con intagli e stemma del proprietario. In alcuni casi, la barra dello schienale è rimovibile, quindi la sedia (sedia) può essere piegata, in altri casi lo schienale è fissato saldamente ai gomiti e, nonostante il design di un tale sedile abbia, per così dire, il asse di rotazione delle parti dei sedili e delle gambe, la sedia non può essere piegata. I sedili di tali sedie (poltrone) sono realizzati sotto forma di un pannello piatto o sotto forma di un pezzo di pelle o tessuto teso tra le gambe di supporto.
I grandi tavoli frontali di forma rettangolare erano costituiti da un piano del tavolo molto massiccio, le cui parti laterali erano decorate con intagli di profilo e peculiari supporti laterali collegati da una barra trasversale o proleg. L'intaglio decorativo dei sostegni laterali, terminanti a pavimento con massicce zampe leonine, ricorda molto alcuni tipi di tavoli marmorei dell'antica Roma. Oltre alla decorazione decorativa della tavola stessa, lo splendore e la solennità del pasto sono stati raggiunti anche da bellissime tovaglie e stoviglie.
Un ruolo significativo nella decorazione dell'abitazione era svolto dal letto, che spesso era realizzato senza baldacchino, ma ne aveva quattro, che si ergevano sopra il giroletto, alti montanti angolari scolpiti come continuazione delle gambe e uno o due schienali.
La testiera aveva sbalzi e talvolta attraverso intagli, i montanti angolari torniti e il giroletto erano anch'essi decorati con intagli a forma di motivi architettonici, ornamenti floreali e geometrici. Nel giroletto è stato inserito un pavimento in assi, sul quale è stato adagiato un materasso o un piumino.
Esiste anche un altro tipo di letto, che ha un leggero baldacchino, sorretto da quattro montanti intagliati e tirato con tendine che servivano da protezione dal freddo. Di solito i letti di qualsiasi tipo venivano posti su un ampio basamento, che veniva utilizzato come una sorta di comodino. tipica del XV secolo. mobili si possono vedere negli interni del fiorentino Palazzo Davanzatti.
I mobili del primo Rinascimento italiano sono realizzati principalmente in noce, meno spesso in castagno. La superficie delle parti viene lucidata e lavorata con mordente, strofinata con cera o olio. Grazie a queste tecniche, gli oggetti di arredo hanno acquisito un colore marrone scuro e una trama superficiale setosa molto nobile.
Mobili italiani dell'Alto e del Tardo Rinascimento (fine XV-XVI secolo)
Questo è il momento dell'emergere di nuovi tipi di mobili: armadi per ufficio, sedie e poltrone imbottite, sedie in lamiera, armadi. I mobili dell'Alto e del Tardo Rinascimento sono riccamente decorati, le sue forme classiche stanno diventando più diverse. Come decorazioni sono utilizzate sagome architettoniche: trabeazione intera, fregi, cornici, zoccoli, mensole, colonne distanziate dal fondo, semicolonne, lesene con basi e capitelli. I tronchi delle colonne o dei pilastri sono ricoperti di scanalature o ornamenti piatti intagliati. Vengono inoltre utilizzate varie maschere, zampe di leone, teste di montone e di leone, erme, teste femminili, atlanti, cariatidi, volute, rosette, triglifi, ornamenti floreali e geometrici, grottesche, mascheroni e molti altri elementi decorativi.
Va sottolineato che lo sviluppo dell'arte degli interni italiani del XVI secolo. è andato nella direzione di una maggiore moderazione e classicità di tutti gli elementi. A poco a poco diminuisce il valore dell'ornamento, che viene utilizzato, per lo più, nella decorazione degli elementi del soffitto. Tuttavia, un ruolo relativamente importante è mantenuto dall'ornamento nella decorazione dei mobili, la cui forma e decoro sono fortemente influenzati dai monumenti autentici dell'era antica rinvenuti a Roma durante questo periodo. All'inizio del secolo furono scavati i locali della Domus Aurea di Nerone a Roma, con la loro squisita e delicata decorazione. Partecipando agli scavi di antichi edifici a Roma e cripte, che erano chiamate grotte, nel 1516-1518 Raffaello, vedendo antiche composizioni ornamentali a lui precedentemente sconosciute, le introdusse nella pittura murale delle Logge in Vaticano. Un tale ornamento, in cui complesse composizioni architettoniche erano intrecciate con riccioli di ornamenti floreali, fiori e acanto, la costruzione rigorosamente ordinata di elementi di cui paradossalmente includeva un intero mondo di creature fantastiche - mezze figure umane o metà umane-metà animali, come se che cresceva da una coppa di fiori, e altre costruzioni complesse divennero note come il grottesco. Se il grottesco veniva costruito simmetricamente attorno all'asse centrale verticale a più piani, si otteneva il cosiddetto candelabro. Un tale ornamento, così come i mascheroni (maschere decorative sotto forma di immagini fantastiche della testa di un animale o di un volto umano), sfingi, tritoni, amorini alati divennero motivi decorativi preferiti nei mobili dell'epoca.
Nel XVI sec. nei mobili inizia ad essere ampiamente utilizzato l'intarsio in legno multicolore di diverse specie. Grande popolarità verso la fine del XV secolo. acquisire immagini sui lati anteriore e interno (il più delle volte) dei pannelli di armadi e armadi, nonché su pannelli di legno a parete, viste prospettiche di strutture architettoniche, processioni affollate e vari dipinti tematici realizzati con la tecnica dell'intarsio. Dalla seconda metà del XVI sec. sono di moda erme che terminano con teste femminili, pilastri con mensole piatte, cornici e zoccoli molto profilati e gambe scolpite. Rosette rotonde o ovali sono poste sui pannelli incorniciati da cornici profilate, frontoni scolpiti sono disposti sopra le cornici. Gli ornamenti a scorrimento su supporti per busti e panche sono ampiamente utilizzati. Interfacce costruttive e articolazioni di elementi di oggetti d'arredo sono talvolta mascherate da elementi decorativi, ricoperti di dorature e dipinti.
Entro il 16 ° secolo le pareti scolpite dei cassoni iniziarono ad essere lavorate con bassorilievi, e poi con altorilievi interpretanti scene mitologiche. A questo punto, i maestri del mobile del Rinascimento si erano finalmente liberati dall'interpretazione piatta delle loro opere. Ora il bassorilievo scultoreo scolpito della parete frontale del torace è circondato da una cornice riccamente profilata con molte aste, fili di perle, file di ionici, acanto, meandro o onde e altri motivi decorativi dell'antichità. Spesso i montanti d'angolo di tali contenitori sono interpretati come mezze figure di Atlantidei che sostengono visivamente il coperchio del baule. A volte qui veniva realizzata una console di supporto sotto forma di una grande foglia d'acanto. Una striscia di volute e foglie d'acanto sta diventando una tecnica di decorazione comune, soprattutto per mobili da armadio.
Tratto distintivo dei cassoni fiorentini di fine Quattrocento-inizi Cinquecento. è una connessione chiaramente leggibile della loro forma con l'ornamento. Il maestro mobiliere non nasconde il design dell'oggetto, ottenendo proporzioni armoniose della sua forma e dei suoi singoli elementi.
Insieme a questo, va notato che l'arredamento principale di questi primi cassoni fiorentini riguardava solo la loro parete anteriore, le pareti laterali rimasero lisce. E, come prima, le casse erano dotate di maniglie di ferro sospese, che testimoniavano in modo convincente che i contenitori erano ancora portatili.
Durante il XVI secolo le casse finalmente perdono la loro forma rettangolare. Ora sono ristretti, l'intaglio in rilievo copre la parte anteriore e le due pareti laterali. La cassa ora assomiglia completamente a un antico sarcofago di marmo, che è fatto come da un unico monolite di legno e non può servire come posto per sedersi o sdraiarsi. Al centro della parete della facciata anteriore ci sono stemmi di rappresentanti di famiglie famose che si sposano. La decorazione utilizza ornamenti grotteschi. L'intaglio profondo è talvolta ricoperto di dorature e in alcuni punti ha uno sfondo di colore prescritto.
Negli armadi di questo tempo, come già notato sopra, i modelli architettonici sono usati in gran numero: pilastri, cornici, timpani, mensole, profili, ecc. Un tipo di armadio così particolare come un armadio ha un piccolo armadio nella parte superiore con due ante battenti, con cassetti nel sottotelaio, che poggia ai lati su due scudi ben sagomati. Nel tardo Rinascimento apparvero i cosiddetti guardaroba, che in seguito si diffusero in tutta Europa. Tale armadio, rialzato rispetto al pavimento e posto su un piedistallo o su una fila di gambe legate con proleg, comprendeva tre o cinque file di piccole scatole, il cui lato esterno era riccamente intarsiato. Le piccole porte cieche che chiudevano l'intero insieme di queste scatole erano solitamente decorate con intarsi con vedute prospettiche di edifici architettonici. Un tale armadio serviva per conservare documenti commerciali, denaro e gioielli. A volte la parete frontale dell'ufficio si inclinava all'indietro e si trasformava in un tavolo. Era il prototipo del secretaire moderno.
In questo periodo erano diffusi diversi tipi di sedie e poltrone. Ad esempio, c'erano sedie con quattro gambe quadrate dritte. La continuazione delle gambe posteriori di tali sedie funge da supporto per un alto schienale dritto, che termina in alto con elementi decorativi scolpiti - acanto, maschere di leone, ecc. Tra le gambe anteriori sono stati inseriti due o tre pannelli piatti-rebbi che li fissarono, ricoperti di ricchi intagli con bordi segati a motivi geometrici. La tavola rettangolare del sedile, allungata in larghezza, era decorata con una mantovana scolpita. Dalla seconda metà del XVI sec. le poltrone sembrano simili nel design a tali sedie, ma con l'aggiunta di braccioli ben decorati, i cui bordi anteriori spesso terminano con volute. Le gambe anteriori, estese verso l'alto sopra il sedile, fungono da supporto per le barre dei braccioli.
In quest'epoca la sedia, che era stata dura per centinaia di anni, è diventata morbida. In precedenza, per comodità di seduta, veniva posizionato un materasso o un cuscino, ora elementi morbidi sono inclusi nel design dell'oggetto d'arredo. L'elemento decorativo principale in questa versione non è nemmeno l'intaglio, la doratura o la pittura, ma il rivestimento in velluto, broccato o pelle goffrata con grandi chiodi in ottone. Appare la rifinitura con varie nappe e frange. Le poltrone sono decorate in modo simile.
Le sedie Curule continuano ad essere un'altra forma comune di mobili per sedersi. Appare un nuovo tipo di sedie cosiddette in lamiera (o tavola). Queste sedie sono costituite principalmente da tre tavole, di cui quella più lunga funge da gambe posteriori e schienale, quella più corta da gambe anteriori. Una tavoletta orizzontale forma il sedile, solitamente di forma ottagonale. Le assi della schiena e delle gambe possono avere una leggera pendenza. Nella parte inferiore della tavola, le gambe sono fissate con una barra speciale. I piani posteriore e anteriore delle parti portanti delle assi sono decorati con abbondanti intagli a rilievo. I bordi della tavola del sedile e il bordo inferiore del paniere sono profilati.
Continua ad essere realizzato e largamente utilizzato come mobile per sedute e contenitori, kassa-punk, decorato con intagli alti e molto intricati.
I tavoli sono massicci e riccamente decorati. Invece delle gambe, vengono realizzati due scudi di supporto laterali, che sono collegati da una barra o tavola con ritagli figurati. Questi scudi di supporto laterali sono decorati con ornamenti intagliati, bassorilievi a forma di maschere di leoni, delfini, teste di ariete, ecc. La scatola inferiore è decorata con triglifi, rosette e ornamenti floreali. I bordi del piano del tavolo sono solitamente profilati con motivi architettonici o decorati con ornamenti intagliati.
Dalla metà del XVI secolo. il centro della produzione di mobili iniziò gradualmente a spostarsi a Roma, dove si realizzano cassoni nuziali, scrittoi, armadi, tavoli rettangolari con basamenti massicci, riccamente decorati con figure scolpite. In questo momento, sono ancora più interessati agli scavi antichi e al trasferimento di singoli elementi dell'antica arte romana (la decorazione dei sarcofagi in marmo rinvenuti negli scavi, altari, candelabri, ecc.) Ai moderni mobili romani.
Nei centri di produzione di mobili dell'Italia centrale (a Roma, Siena, Bologna), gli oggetti di arredo avevano grandi intagli decorativi. Nel nord Italia (in Lombardia e Venezia), invece di intagliare, iniziarono a utilizzare ampiamente l'intarsio di legno di varie specie e avorio, il cosiddetto. maledetto mosaico. In Italia, i monasteri fondati dai monaci dell'ordine certosino erano chiamati Chertosas. Le certose erano abbastanza numerose nel Nord Italia e avevano laboratori artistici molto sviluppati. (Ad esempio, a Chertoza Poviyskaya, un monastero vicino a Milano).
La tecnica del mosaico del diavolo è la seguente: aste multicolori sfaccettate fatte di vari tipi di legno e ossa erano strettamente incollate insieme, formando un motivo concepito all'estremità. Tale blocco è stato quindi segato in lastre trasversali dello stesso spessore, con le quali è stata incollata la superficie dell'oggetto mobile. Sedie curule, cofanetti e persino un cassone erano decorati con mosaici di Chertoz. I complessi motivi geometrici dei mosaici di Chertoz hanno un'innegabile somiglianza con i cofanetti persiani. Le abilità orientali penetrarono in Italia attraverso Venezia, che condusse intensi scambi marittimi con i paesi dell'Est. In Lombardia era diffuso anche l'intarsio di legni chiari e scuri.
Nella seconda metà del XVI sec. la produzione di mobili raggiunge a Genova grandi vette. Qui ebbe molto successo un tipo speciale di credens, nella cui formazione fu molto evidente l'influenza dei centri del mobile della Francia del XVI secolo. In questo periodo, nell'arte applicata d'Italia, compresa l'arte del mobile, in accordo con lo sviluppo generale dell'architettura, della pittura e della scultura, si accrescono quelle tendenze stilistiche che poi, attraverso un breve periodo di manierismo, portano alla la formazione dello stile barocco.
Mobili francesi del primo Rinascimento (Rinascimento). Stile di Francesco I (1515-1547)
Lo stile rinascimentale francese è solitamente suddiviso in base all'epoca del regno dei re francesi. Il regno di Luigi XII (1498-1515) caratterizza lo stile di transizione dal gotico al rinascimento. Lo stile di Francesco I (1515-1547) è attribuito al primo Rinascimento, lo stile di Enrico II (1547-1559) è attribuito al periodo di massimo splendore. Il tardo Rinascimento francese è associato al nome di Enrico IV (1589-1610).
Castello di Chambord. 1519-1559 Chambord, Francia - Castello di Chambord ( fr.)
Facciata del palazzo con torre, castello reale di Blois. 1515-1524 Blois, Francia - Castello di Blois
Cancello d'ingresso, Château (palazzo-castello) ad Anet. 1547-1552 Francia - Château d'Anet
Galleria Francesco I a Fontainebleau. Dipinti e stucchi del Rosso e del Primaticcio. 1533-1540 Francia - Galerie François-I er (Château de Fontainebleau)
Cortile del castello di Annecy-le-Franc. 1541-1550 Francia - Castello d'Ancy-le-Franc
Nello stile di transizione continuano a prevalere le forme del gotico fiammeggiante, più familiari ai francesi, ei motivi rinascimentali interessano solo la struttura ornamentale dell'arredamento interno.
In molti casi, elementi decorativi, ornamenti, motivi architettonici tipici del Rinascimento erano semplicemente sovrapposti a forme tardo gotiche, il che portava a combinazioni molto insolite. Pertanto, lo stile rinascimentale in Francia è molto meno pronunciato che in Italia. I primi veri successi del Rinascimento francese risalgono al tempo di Francesco I, quando il manierismo stava già emergendo in Italia.
L'influenza dell'arte rinascimentale italiana sulla Francia medievale fu piuttosto significativa. Una serie di guerre tra Italia e Francia alla fine del XV-inizio del XVI secolo. introdusse i francesi alla nuova e insolita per loro l'arte d'Italia.
Molte opere d'arte furono portate dall'Italia alla Francia, dove si trasferirono anche molti artisti italiani, specialisti in vari campi dell'arte.
Lo stesso re Francesco I amava molto l'arte italiana. Il suo ideale era tutta l'arte del Rinascimento italiano. In questo momento, i castelli vengono costruiti a Blois e Chambord. Ad esempio, la famosa torre delle scale del castello di Blois, con la sua scala a chiocciola in pietra, è un esempio del Rinascimento francese.
Gli stessi principi determinano l'aspetto del castello di Chambord, costruito secondo la pianta di una fortezza medievale con fossato, sopra il quale si erge un possente mastio quadrato con quattro torri angolari sotto tetti conici. L'architetto del castello era un italiano di nome Domenico da Cortona.
Le forme del castello di Chambord sono un esempio unico di architettura in stile gotico francese, integrato da elementi classici.
Inoltre, Francesco I ordinò la costruzione di numerosi palazzi nella Francia centrale - nella provincia dell'Ile-de-France, in particolare, il Castello di Madrid e il Castello di Fontainebleau (60 km da Parigi), che, insieme alle aggiunte di 1528-1540. è il complesso del castello meglio conservato del primo Rinascimento in Francia. Il suo creatore, Gilles Breton, progettò la famosa Galleria Francis I, che è il primo esempio di questo tipo di spazio, che in seguito divenne popolare in Francia e in Inghilterra. Il suo design interno è stato realizzato da Giovanni Battista Rossa, un artista fiorentino. Sullo sviluppo dell'architettura francese influenzò anche Sebastiano Serlio, che nel 1540 arrivò da Venezia a Fontainebleau, dove costruì per il cardinale Ferrara l'ormai distrutto Grand Ferrara - una casa cittadina (albergo), che divenne per quasi un secolo un modello francese di questa tipologia edilizia. L'edificio, che diede origine allo stile francese indipendente, è associato al nome di Pierre Lescaut, che nel 1546 iniziò la costruzione del cortile quadrato del Louvre a Parigi per Francesco I. Le sue facciate aggettano fortemente in avanti e sono riccamente profilate con complessi architravi di finestre, varie colonne e lesene di ordine corinzio e composito. L'espressività plastica dell'aspetto dell'edificio e dei suoi interni è ulteriormente esaltata dalla presenza di una scultura rotonda, liberamente collocata nello spazio, e di rilievi di Jean Goujon. Questo conteneva una delle principali innovazioni dello stile francese della decorazione d'interni. L'introduzione della scultura all'interno, iniziata da Lesko, continuò a svolgere un ruolo importante nella sua decorazione nei successivi tre secoli. Ciò si vede chiaramente, ad esempio, nella decisione di molte stanze di Versailles.
Un altro famoso architetto era Philibert Delorme. Tra il 1547 e il 1552 In Normandia, costruì Château d'Ahn per Diane de Poitiers, la favorita di Henry P. Il suo talento può essere visto nella composizione del complesso del castello di Ahn. Non esiste uno spazio chiuso del cortile del castello, tipico dell'architettura medievale francese dell'epoca, ma viene utilizzata la pianta a forma di quadrato, mentre l'edificio anteriore è progettato a forma di cancello con recinzione.
La diffusione del nuovo stile rinascimentale in Francia fu molto lenta e le tradizioni gotiche furono conservate negli oggetti d'arredo per lunghissimo tempo. Mentre i mobili nello stile di Francesco I venivano realizzati a Parigi e dintorni per molti anni consecutivi, in Normandia, Bretagna e altre province fino alla metà del XVII secolo. continuò a realizzare armadi e cassapanche gotici, caratteristici per proporzioni e decorazioni per il XV secolo.
Lo stile di Francesco I si distingue per l'afflusso di ornamenti italiani sulle forme gotiche francesi. Questo stile è noto per il fatto che i pilastri rinascimentali con scanalature, capitelli corinzi, sostegni a balaustra, fregi e cornici erano decorati in gran quantità con mobili di tipo tardogotico, già decorati con elementi tardogotici. Nasce una tecnica di decorazione eclettica, ma molto originale. Cassapanche, credenze, armadi, poltrone conservavano la loro aspirazione gotica al cielo, ma l'arredamento era nuovo. La versatilità delle decorazioni scolpite ha dato ricchezza a tutti i bordi e piani di mobili precedentemente esposti. Stipiti, pannelli, cornici, frontoni sono riempiti con elementi di vari ornamenti.
Lo stile di Francesco I è caratterizzato da colonne cesellate a forma di balaustre o motivi a candelabro con fiamma nella parte superiore, che si trovano tra i pannelli lungo l'asse dei pilastri.
Inoltre, la cifra reale del monogramma sotto forma di F e I splendidamente intrecciate o l'emblema della Salamandra in fiamme sormontata da una corona veniva spesso eseguita su oggetti di arredamento.
In questo periodo è stato completamente padroneggiato il sistema telaio-pannello della lavorazione a maglia del legno, che ha permesso di conferire agli oggetti di arredo proporzioni più eleganti, rigidità e resistenza dell'intera struttura. Al posto del rovere, il noce diventa il materiale principale dei mobili. Un tipo caratteristico di sedute di questo stile sono le sedie a doghe, realizzate con schienali alti, seduta rialzata con contenitore interno e doppi pannelli sulla parete frontale. La loro forma con angoli arrotondati conserva ancora le caratteristiche proporzioni del gotico, ma l'ornamento scolpito che le ornava in precedenza non c'è più. I pilastri della parte posteriore e il suo cornicione superiore sono particolarmente attivamente decorati con intagli a bassorilievo. Sull'alto schienale, sopra la testa della persona seduta, è scolpito lo stemma del proprietario della sedia, incorniciato da una sottile ghirlanda. Nel periodo successivo, l'intaglio diventa più magnifico e viene eseguito in altorilievo. I gomiti sono realizzati con pesanti supporti torniti a forma di balaustre. Dalla seconda metà del XVI sec. inizia ad essere ampiamente utilizzato il tipo italiano di sgabello a forma di X con massicci archi di sostegno.
L'arredamento delle casse (cassapanche), in particolare le loro facce anteriori, è molto raffinato con una disposizione rigorosamente simmetrica di ornamenti da candelabri, sottili rami d'acanto, da cui escono figure e teste, massicce ghirlande appese a nastri sottili, medaglioni, ecc. prende il nome di dressoire, ma nel suo disegno rappresenta lo stesso baule, rialzato su gambe alte sopra lo zoccolo inferiore. Dressuar serviva per conservare vasi, posate e oggetti di valore. La sua forma rimane ancora esagonale, ma la faccia frontale è allargata a causa di quelle laterali.
L'opportunità tettonica è stata introdotta nella composizione consolidata, vengono enfatizzati i profili orizzontali, con l'aiuto dei quali la parte superiore del corpo del dressoir è divisa in due livelli. I sostegni anteriori sono sostituiti da sbarre o colonne tornite ben sagomate, ma rimane la parete posteriore in tavolato discendente verso il basso. Qualche tempo dopo, il comò acquisì una forma rettangolare, fu diviso da lesene o colonne in pannelli separati e posto su gambe a cremagliera. I pannelli sono scolpiti in bassorilievo utilizzando uno speciale tipo di ornamento grottesco, il cosiddetto. candelabro, di cui si è già parlato. Ha un fusto verticale con riccioli disposti simmetricamente a destra ea sinistra e ricorda davvero un candelabro, in cui i corni delle candele sono disposti a file. Al centro di una composizione a grottesca liscia è solitamente scolpito un medaglione con l'immagine di profilo di una testa maschile o femminile, anch'esso eseguito in bassorilievo.
Nella fabbricazione dei tavoli si ripetono le tecniche e i motivi dei decori provenienti dall'Italia. Gli scudi di sostegno laterali sono realizzati con aperture, come in epoca gotica, ma queste aperture hanno ora la forma di un antico arco con colonne scanalate ai lati. Questi elementi laterali di sostegno poggiano su un massiccio basamento con leoni reclinati scolpiti al posto delle gambe, sul quale è presente una fila di balaustre cesellate che sorreggono il basamento. La cornice stessa è decorata negli angoli con maschere di leone con coni cesellati appesi sotto di esse. Vengono realizzati anche tavoli più semplici, i cui piani sono decorati con legno per composizione.
Mobili francesi del periodo di massimo splendore del Rinascimento (Rinascimento). Stile di Enrico II (1547-1559)
Nella seconda metà del XVI sec. La Francia dà già il tono alla costruzione dei palazzi, all'organizzazione e alla decorazione degli interni e al loro arredamento per i re, l'aristocrazia, l'alto clero e la grande borghesia.
Lo stile di Enrico II, che persiste anche nel tardo Rinascimento francese degli anni '80. Il XVI secolo è caratterizzato dalla predominanza di motivi romani francamente antichi su quelli gotici e persino italiani del Rinascimento. Il desiderio di utilizzare antichi motivi romani ha sostituito i resti del gotico. Su questo mobile è presente un intaglio ad altorilievo, animali fantastici, al posto delle gambe: erme, colonne, portici e frontoni sono realizzati su armadi e poltrone. Sui riquadri tra colonne e semicolonne sono ricavate nicchie poco profonde, incorniciate da motivi architettonici antichi, in cui sono collocate statue di eroi o divinità dell'antichità. I frontoni sono resi discontinui e tra le loro parti laterali sono posti un busto, una statuetta, un vaso o un piccolo arco trionfale. Da quel momento, il noce è stato utilizzato al posto del rovere per la fabbricazione di mobili. Anche i mobili sono decorati con intarsi in pietra e lastre di marmo colorato. La decorazione utilizza il monogramma di Enrico II e Diana di Poitiers, oltre a una doppia o tripla mezzaluna. Fu in questo momento che si formò un'arte del mobile francese veramente nazionale.
La forma della tradizionale sedia a doghe con schienale dritto, ricoperta da abbondanti intagli, continua ad esistere. Sono realizzate poltrone, come nel periodo precedente, sugli schienali delle quali il posto delle lesene è occupato da cariatidi, eseguite a grottesca. Un guscio in rilievo è talvolta posto nella parte superiore della schiena.
Nel XVI sec. nel processo di creazione di oggetti di arredo, il lavoro di tornitura inizia ad essere utilizzato attivamente. Appaiono sedie e poltrone con gambe e schienali cesellati, intagliati e dorati.
Dalla seconda metà del XVI sec. per la prima volta iniziano a rivestire i sedili e gli schienali di poltrone e sedie con tessuto o pelle. Elementi torniti compaiono anche nelle finiture dei mobili.
Molto diffuse sono le poltrone di tipo italiano con schienale e sedile rivestiti in velluto o broccato. Lungo le nervature dello schienale e dell'imbracatura del sedile, il tessuto è fissato con chiodi a testa larga e decorato con frange. Le gambe dritte e le gambe di una tale sedia sono ricoperte di intagli. Particolarmente ricca è la decorazione dei braccioli e dei loro montanti. I bordi dei gomiti terminano con volute e le gambe poggiano su appositi supporti a barra, decorati con zampe di leone. Va notato che entro la fine del XVI secolo. tutti i mobili per sedersi sono progettati pensando al comfort della persona seduta. Lo schienale si inclina leggermente all'indietro, i sedili si allargano, i gomiti si piegano sotto il braccio, ecc.
Nel periodo di massimo splendore del Rinascimento francese, sui mobili, in particolare sugli armadi, apparve un gran numero di immagini scultoree scolpite a forma di cariatidi ed erme, tra le quali erano poste su pannelli grandi cornici in rilievo con pannelli completamente ricoperti di intagli in rilievo.
L'apice dell'arte del mobile in Francia a quel tempo erano armadi a doppia cassa intagliati. Sono stati creati contemporaneamente in Borgogna e nella provincia dell'Ile-de-France.
L'architetto G. Sambin ha lavorato in Borgogna, la cui influenza si è estesa alla città di Lione. Il suo lavoro esprimeva vividamente il carattere peculiare dell'arte della Borgogna di quest'epoca. Anche i disegni (schizzi) di mobili nelle incisioni dell'architetto Jacques Ducerceaux hanno svolto un ruolo importante nella diffusione e nell'approvazione dello stile di Enrico II in questa parte della Francia.
Gli armadi sono costruiti secondo i principi architettonici adottati a quel tempo: la cassa inferiore è più massiccia, quella superiore è più slanciata e leggermente arretrata. Nella forma esterna si rivelano le parti portanti e portanti dell'oggetto d'arredo.
I profili delle cornici sui pannelli sono riccamente decorati con ornamenti e aste intagliate, a loro volta decorate con un ornamento grottesco realizzato in bassorilievo.
Tre cariatidi o atlanti, realizzate a forma di erme e poste lungo i bordi e tra le ali come una sorta di sostegno, sorreggono il cornicione. Queste squisite sculture in legno sono autentici pezzi di arte scultorea. Qui il noce, come materiale strutturale e decorativo, viene utilizzato al massimo delle sue possibilità. I mobili, realizzati nella Francia centrale, nella provincia dell'Ile-de-France, sono particolari.
Anche gli armadi della Francia centrale, in particolare quelli parigini, sono realizzati a doppia cassa ea doppia anta. Questi armadi hanno un volume più contenuto e si distinguono per le proporzioni molto armoniose e leggere. La loro facciata è costruita come una struttura architettonica, come la facciata di un edificio - con colonne, fregio e frontone. La superficie frontale del mobile e i cassetti sopra il corpo inferiore sono talvolta decorati con inserti marmorei rettangolari; spesso sui pannelli sono realizzate nicchie poco profonde con statuette o figure femminili graziosamente curve, nonché figure di divinità antiche, ecc.
Queste figure, elementi di ornamento floreale, sono scolpite in bassorilievo. Le loro proporzioni allungate, il ritmo delle linee fluide e fluide, la perfezione della composizione sono involontariamente associati allo stile della scuola di J. Goujon, il famoso scultore che lavora nello stile di Enrico II.
Si stanno diffondendo armadi a due vetrine, il cui fronte e i cui lati sono divisi da semicolonne in pannelli separati, decorati con ornamenti intagliati. Gli armadi, di regola, hanno un'ampia trabeazione e sono coronati da un frontone discontinuo. Il centro, e talvolta il basamento, sono decorati con profili sporgenti oltre le dimensioni della cassa. Qui, nel design del decoro, nelle proporzioni dei principali elementi modellanti, si può sentire l'influenza degli eccezionali architetti francesi di quest'epoca: F. Delorme e J. Ducerceau.
Alla fine del XVI sec. in Francia compaiono armadi fiorentini con una massa di piccoli cassetti, il che si spiega con l'influenza della regina Maria Medici e dei suoi legami con la corte fiorentina a lei legata.
In contrasto con l'arte del mobile della Borgogna, i mobili della provincia dell'Ile-de-France sono caratterizzati da una grande eleganza delle soluzioni compositive.
I tipi di tavoli cerimoniali di quest'epoca ricordano i tavoli dello stile Francesco I, i cui prototipi erano antichi tavoli romani in marmo. I piani dei tavoli e le scatole del telaio di tali tavoli poggiano su due pannelli di supporto verticali paralleli. Sono sviluppati come intere composizioni grottesche scultoree. Il piano del tavolo e il telaio sono inoltre sostenuti da una serie di colonne scanalate lungo una trave che collega gli scudi di sostegno, che a loro volta terminano a terra con teste di leone o volute. Vengono realizzati tavoli leggeri, i cui piani sono decorati con intarsi, così come tavoli rotondi, in piedi su uno, riccamente decorati con intagli, supporto del piedistallo.
I letti nello stile di Enrico II sono molto larghi, sopra di essi è installato un telaio rettangolare a baldacchino su quattro pilastri portanti, che sono una continuazione delle gambe. Questi cesellati con grandi intercettazioni o sostegni ritorti sono solitamente ancora ricoperti da intagli a bassorilievo o sono realizzati con aperture traforate.
Il baldacchino, che prima era fissato al soffitto, ora poggia la sua cornice lignea scolpita su questi quattro pilastri. La cornice è delle stesse dimensioni del letto, termina con un cornicione sporgente ed è decorata con medaglioni. I lambrequins sono attaccati a questa cornice dal basso, realizzati in velluto tagliato o broccato, o decorati con applicazioni di vari pezzi di tessuto.
Nell'ultimo quarto del XVI sec. le decorazioni scolpite sui mobili iniziano a essere sostituite da intarsi, incl. intarsio di palissandro, cedro avana e legno nero (ebano), sempre più importati in Francia. Alla fine del secolo compaiono stipi privi di intagli o intarsi, e la loro decorazione è dovuta principalmente a pannelli figurati ben sagomati ea motivi architettonici.
Materiali di studio usati. benefici: Grashin A.A. Un breve corso sull'evoluzione stilistica del mobile - Mosca: Architecture-S, 2007
Dalla fine del XIV sec. i segni di una prossima crisi del modo di produzione feudale si stanno moltiplicando nell'Europa occidentale. La continua crescita delle forze produttive e il rilancio dei mercati interni e del commercio estero ad esso associato sono accompagnati dallo sviluppo dei rapporti merce-denaro, che hanno minato la base agraria del feudalesimo. In numerose città furono gettate le basi del dominio di una nuova classe, si formò una visione del mondo che stava sostituendo l'ideologia del Medioevo. Il risveglio è arrivato gradualmente. Ma nei secoli XV-XVI. tutti i diversi fattori dello sviluppo di nuove relazioni sociali, che andavano via via maturando, sembravano congiungersi in uno sforzo concentrato per rovesciare il feudalesimo e la chiesa. L'evoluzione della società medievale ruppe la resistenza di schemi feudale-teocratici superati, e questi crollarono, lasciando spazio a nuove tendenze, in cui l'insieme della vita sociale e della cultura era testimone di una svolta. Questo processo complesso e contraddittorio è stato accompagnato da due fenomeni di significato storico mondiale: "Rinascimento" (Rinascimento) e "Riforma". In entrambi i casi, questi termini, volti ad esprimere l'essenza ideologica della rivoluzione, non rivelano il contenuto del concetto: come la Riforma non fu un ripristino della purezza originaria del dogma cristiano, così il Rinascimento non fu un revival dell'antichità.
Modi di sviluppo dell'architettura italiana nei secoli XV-XVI.
Quanto mobile e sfuggente è l'ultimo confine del ciclo architettonico del Rinascimento in Italia, il suo "Rinascimento", così chiara e stabile è la linea del tempo con cui la scienza - da Burkgardt ai giorni nostri - continua a segnare il suo inizio. Questo è il 1420, l'apparizione del primo edificio del Brunellesco in forme "classiche" (Ospedale degli Innocenti) e l'inizio di un ampio movimento artistico "rinascimento" ("Rinascimento") nella cultura fiorentina. Iniziando la storia dell'architettura del Rinascimento in Italia da questa data, gli autori di questo lavoro si basano quindi sul punto di vista già accettato dalla scienza, che si basa saldamente su una svolta di significato storico e architettonico: il primo e richiamo decisivo dell'architettura fiorentina (dopo il periodo gotico) al nuovo sistema "scoperto" dell'ordine classico del Brunellesco. L'ordine classico, ricreato a suo modo dal grande fiorentino, segnò la vittoria del nuovo pensiero scientifico in architettura. Sembrava che si riscoprisse il linguaggio perduto della stessa architettura dell'antichità, il suo metodo e i suoi mezzi, che mancavano agli architetti per creare quell'armonia, chiarezza e umanità delle immagini, a cui aspirava l'arte di inizio secolo e che nel occhi dell'epoca stessa era una rinascita della bellezza "antica" dell'architettura. La sincronicità storica dell'atto pionieristico di Brunellesco in architettura e le scoperte creative di Brunellesco, Donatello e Masaccio nelle arti visive sulla base di un nuovo metodo scientifico (prospettiva, anatomia, chiaroscuro) accreditano il fatto dell'inizio della Rinascimento. Tuttavia, in architettura, il rinnovamento che venne con l'inizio del “rinascimento” in quel momento fu prettamente artistico e sostanzialmente non ne intaccò i fondamenti materiali, costruttivi e tipologici. La riforma dell'ordine del Brunellesco fu una tipica espressione architettonica di quella svolta generale nell'ambito della cultura e dell'ideologia, che segna il passaggio al Rinascimento.
Architettura della Toscana, Umbria, Francobolli del primo e alto Rinascimento (1420-1520)
Una delle città più avanzate dell'Italia medievale e il primo centro di una nuova cultura urbana, arte e architettura fu Firenze. Lo schema urbanistico di Firenze (Fig. 1) rispecchia chiaramente le principali fasi di sviluppo della città. Il nucleo della città moderna appartiene al periodo antico, dove si è conservata una pianta rettangolare caratteristica degli accampamenti romani con cardo e decumano chiaramente identificati (autostrade principali reciprocamente perpendicolari, che si intersecano) e una piazza centrale alla loro intersezione. Il periodo medievale è caratterizzato da strade principali che convergono radiosamente alle porte dell'accampamento, strade e quartieri che crescono liberamente attorno alle mura che circondano l'antico insediamento con una piazza pubblica separata e un insieme separato della cattedrale. Questo territorio era protetto da una seconda cinta muraria, al di fuori della quale la città si sviluppò durante il periodo di prosperità economica (a Firenze nel XIV secolo si contavano circa 100.000 persone: 30.000 artigiani tessitori, 300 calzolai, 150 muratori e tessitori di tappeti, 300 avvocati , 100 magistrati, 60 medici, 100 farmacisti, 80 cambiavalute, ecc.). C'è qui un anello di monasteri, che gradualmente divennero i centri di alcune zone di Firenze. Nel periodo dal 1285 al 1388 la città fu circondata da una nuova cerchia di fortificazioni, che furono più volte ricostruite e aggiornate nei secoli successivi. Le diverse funzioni socio-economiche della vita urbana, prima limitate dalle mura della città vecchia, si esplicavano oltre i suoi confini: nuovi complessi assunsero in parte le funzioni del centro urbano principale e divennero i centri di aree periferiche in crescita. Insieme a questo, si pensava di sviluppare complessi di un nuovo tipo, formati attorno alle pievi e ai palazzi delle famiglie più nobili dei Medici, Rucellai, Pitti e altri, le cui maestose dimore portavano una nuova dimensione all'edificio.
Filippo Brunelsco
Filippo Brunellesco (1377-1446) - il primo grande maestro dell'architettura moderna, il più grande artista, inventore e teorico. Il padre di Filippo, il notaio Ser Brunellesco di Lippo Lappi, lo intendeva diventare notaio, ma su richiesta del figlio lo affidò all'orefice Benincasa Lotti. Nel 1398 Brunellesco entrò a far parte della bottega di filatura della seta (che comprendeva gioiellieri) e nel 1404 ricevette il titolo di maestro. Nel 1405-1409, 1411-1415, 1416-1417. Brunellesco si recò a Roma, dove studiò monumenti architettonici. Inizia la sua carriera creativa come scultore e partecipa al concorso per le porte in bronzo del Battistero fiorentino. Allo stesso tempo ha studiato le leggi della prospettiva; a lui si attribuiscono dipinti con effetti illusori raffiguranti le piazze - Duomo e Signoria (1410-1420). Brunellesco eseguì numerose opere di ingegneria e fortificazione a Pisa, Lucca, Laster, Rencina, Stage, Ferrara, Mantova, Rimini e Vicopisano. Le opere architettoniche del Brunellesco a Firenze o nei dintorni: la cupola di Santa Maria del Fiore (1417-1446); Casa Educativa (dal 1419); la chiesa di San Lorenzo e la Sacrestia Vecchia (dal 1421) (il progetto fu successivamente rivisto); Palazzo di Parte di Guelph (progetto commissionato nel 1425, costruzione - 1430-1442); la Cappella dei Pazzi (dal 1430); l'oratorio di Santa Maria degli Angeli (dopo il 1427); Chiesa di San Spirito (iniziata nel 1436). Inoltre, al nome del Brunellesco sono associati i seguenti edifici: Palazzo Pitti (il progetto potrebbe essere stato completato nel 1440-1444, fu costruito negli anni Sessanta del Quattrocento); Palazzo Pazzi (il progetto fu commissionato nel 1430, costruito nel 1462-1470 da Benedetto da Maiano); la Cappella Barbadori nella Chiesa di Santa Felicita (1420); Villa Pitti a Rusciano vicino a Firenze; il secondo cortile del monastero di Santa Croce (costruito secondo il progetto modificato del Brunellesco), l'abbazia di Fiesole (Vasca Fiesolana, ricostruita nel 1456-1464 dai seguaci del Brunellesco).
Michelozzo di Bartolomeo
Michelozzo di Bartolomeo (Michelozzo Michelozzi, 1396-1472) nacque a Firenze nella famiglia di un sarto e in gioventù lavorò alla zecca. In seguito collaborò con il Ghiberti (nel 1420-1424 realizzò le porte del battistero e la statua di San Matteo in o San Michele a Firenze) e con Donatello (pulpito esterno del duomo di Prato, 1425-1438, fonte del Battistero di Siena, 1425, le tombe di papa Giovanni XXIII nel Battistero fiorentino, 1427 circa, e del cardinale Brancacci a Napoli, 1426). Realizza la lapide dell'Aragazzi (1437 circa) nel duomo di Montepulciano. Per lungo tempo Michelozzo fu l'architetto di corte della famiglia Medici. Grandi opere architettoniche: Palazzo Medici (Riccardi) a Firenze (1444-1452); le ville di Cafagiolo (1454) e di Careggi (1459); facciata della chiesa di Sant'Agostino a Montepulciano (dal 1432); ricostruzione del monastero, della biblioteca e della chiesa di San Marco (1437-1451); opere nella chiesa della Santissima Annunziata (1444-1455) a Firenze, Palazzo Strozcino nello stesso luogo (1457); le Cappelle Medicee in Santa Croce a Firenze (1445 circa); tabernacoli nelle chiese di San Miniato (1447-1448) e della Santissima Annunziata (1448) nello stesso luogo; rifacimento del cortile di Palazzo Vecchio a Firenze (dal 1454); il Banco Medici e forse la Cappella Portinari in Sant'Eustorgio a Milano (1462-1468, vedi p. 147); ricostruzione della Corte del Principe a Dubrovnik (Ragusa, 1462-1464); la biblioteca di San Giorgio Maggiore a Venezia, che non è sopravvissuta ai nostri giorni. Già i primi lavori di Michelozzo rivelano il suo impegno per la direzione architettonica creata da Brunellesco, e allo stesso tempo l'originalità del suo talento, nonostante il prestito delle tecniche architettoniche e costruttive del Brunellesco. Avendo padroneggiato le caratteristiche principali del nuovo stile, la sua chiara dissezione, tettonicità e potere di affermazione della vita, Michelozzo allo stesso tempo semplificò e rese più accessibili molte delle tecniche di Brunellesco. Negli interni Michelozzo si è adoperato non per la raffinata concisione del Brunellesco, ma per la ricchezza e la varietà degli arredi. Lo stesso si nota nella sua architettura di piccole forme, a cui spesso si avvicinò non come architetto, ma piuttosto come scultore.
Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti - una delle persone più dotate del suo tempo - architetto, pittore, poeta, musicista, teorico dell'arte e scienziato. Alberti nacque a Genova nel 1404, morì a Roma nel 1472. Discendeva da una nobile famiglia fiorentina espulsa dalla sua città natale; Fu educato a Padova e Bologna. Dopo l'amnistia del 1428 si stabilì a Firenze, ma per lungo tempo visse a Roma presso la corte pontificia. Opere architettoniche: a Firenze - il Palazzo Rucellai (1446-1451), la loggia e cappella Rucellai della Chiesa di San Pancrazio (completata nel 1467), il coro della Chiesa della Santissima Annunziata (1472-1477), la facciata del Chiesa di Santa Maria Novella (1456-1470); a Rimini - la chiesa di San Francesco (1450-1461, danneggiata durante l'ultima guerra e ora restaurata); a Mantova - le chiese di San Sebastiano (1460-1472) e Sant'Andrea (inizio 1472; la cupola è del 1763); a Roma, all'Alberti sono attribuiti, senza sufficiente motivo, il Palazzo Venezia e la facciata della Chiesa di San Marco, nonché la partecipazione alla stesura dei progetti per la ristrutturazione di Roma sotto papa Niccolò V. Gli scritti teorici dell'Alberti sono Dieci Libri sull'architettura, tre libri sulla pittura, sulla statua, "divertimento matematico", ecc. Il trattato sul movimento dei pesi non è sopravvissuto fino ad oggi. Alberti è autore di numerose opere letterarie: poesie, dialoghi. Alberti, in quanto scienziato teorico che ha compreso in modo eccezionalmente ampio il ruolo dell'architettura nello sviluppo della società, era interessato alla sua attività creativa non tanto allo sviluppo dettagliato delle composizioni da lui concepite e alla loro attuazione in natura, ma alla problematica, tipologica lato di ogni progetto, lasciando la loro attuazione ai suoi assistenti.
Bernardo Rossellino
Bernardo Rosselino, membro della famiglia Gamberelli di costruttori e scultori ereditari, lavorò a Firenze come architetto e scultore. Rosselino (1409-1464) fu il capo architetto del Duomo di Firenze, completando la lanterna della sua cupola. Lavorò anche a Fabriano, Empoli e Pistoia. Sue opere architettoniche: la facciata della Chiesa della Misericordia ad Arezzo (1433-1435), il Palazzo Rucellai a Firenze (progettato dall'Alberti nel 1446), l'insieme a Pienza (1459-1463). A Roma si attribuisce al Rosselino, oltre alle opere non sopravvissute per papa Niccolò V e il coro della Cattedrale di S. Petra Palazzo Venezia, facciata della Chiesa di San Marco, loggia di San Pietro; a Siena - Palazzo Piccolomini e Palazzo Nerucci. L'opera più significativa di Rosselino è l'insieme della piazza cittadina di Pienza, una piccola città italiana che prende il nome da Papa Pio II (Enea-Silvio Piccolomini), che progettò e ricostruì la sua città natale di Corsignano. Secondo il progetto originario, l'intera città doveva essere ricostruita: il tracciato delle strade fu regolato, gli incroci furono ampliati e furono erette nuove case. Per volere di Pio II, i prelati acquistarono terreni a Pienza e costruirono palazzi secondo il progetto generale di rinnovamento. Inoltre, in molti casi, le facciate delle vecchie case sono state ricostruite in modo nuovo. Tuttavia, la costruzione della città fu svolta in modo intensivo solo per cinque anni e fu quasi interrotta dopo la morte del papa (1464).
Giuliano da Maiano. Benedetto da Maiano
Giuliano da Maiano - figlio di muratore e falegname, fu architetto e maestro dell'intaglio del legno. Suo fratello, Benedetto da Maiano, è uno scultore, architetto e intagliatore del legno fiorentino. Giuliano da Maiano (Giuliano Leonardo d'Antonio, 1432-1490) nacque nei pressi di Fiesole, morì a Napoli. A Firenze dirigeva un laboratorio di falegnameria dove lavoravano i fratelli Benedetto e Giovanni. Nel 1477-1490. fu l'architetto del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze, nel 1490 partecipò al concorso per i progetti della facciata del Duomo. Dal 1466 Giuliano da Maiano lavorò principalmente come architetto a Firenze, Napoli, Siena, Loreto e in altre città: Palazzo Spannocchi (1473-1476) a Siena, Palazzo Pazzi Quaratesi a Firenze (cortile), Palazzo del Capitanio a Sarzana (ricostruito), Palazzo Venier a Recanata (cortile loggiato), Porta Capuana a Napoli, il Duomo di Faenza, la Cappella di Santa Fina nel Duomo cittadino di San Gimignano, i cortili del monastero di Santa Fiore e Santa Lucilla ad Arezzo. A lui sono attribuiti i portali delle chiese di San Domenico e Sant'Agostino a Recanata (realizzati probabilmente da maestri lombardi). Benedetto da Maiano (Benedetto di Leonardo da Maiano, 1442-1497) costruì il Palazzo Strozzi a Firenze (dal 1489) e il portico della chiesa di Santa Maria delle Grazie presso Arezzo (1490 circa).
Kronaka (Simone Pollaiolo)
Tra gli architetti che operarono a Firenze nella seconda metà del Quattrocento, Kronaka occupa un posto di rilievo. Kronaka (Simone Pollaiolo, 1457-1508) studiò antichità a Roma dal 1475 alla metà degli anni Ottanta, poi tornò a Firenze. Opere architettoniche: Palazzo Strozzi (cortile e cornicione), Palazzo Guadagni (1503-1506), Chiesa di San Salvatore al Monte (1475-1504) a Firenze, ecc. La sua opera più grande è Palazzo Guadagni. La pianta asimmetrica è dovuta al sito angusto e all'uso di parti di un edificio esistente, come si può vedere dai diversi spessori delle pareti dell'edificio. Tuttavia, Kronaka ha raggiunto una generale chiarezza compositiva con una varietà di interni. Riuscì a conservare gli elementi tradizionali del palazzo di città: un piccolo cortile con loggiati, un ingresso principale e sale di ricevimento adiacenti al cortile. Una scala frontale ad una rampa conduce dal vestibolo d'ingresso ai piani superiori. Il quarto piano dal lato della facciata principale è occupato da un'ampia loggia aperta. La muratura della parete della facciata principale è raffigurata mediante graffiti e rilievi intarsiati (è possibile che Kronak sia stato spinto a utilizzare la decorazione architettonica dipinta da dipinti simili degli interni di antichi monumenti romani). La superficie della facciata è stata trasformata in un'enorme tela pittorica: sono sbalzati solo i tondini dell'interpiano a imitazione della muratura, gli architravi delle finestre e gli archivolti. La natura illusoria ha costretto l'architetto a introdurre elementi tettonici figurativi, come ampi pilastri bugnati agli angoli della facciata. Sono rifiniti con sottili colonne a tre quarti tagliate negli angoli e gli infissi bugnati hanno una sommità ad arco a chiglia.
Giuliano da Sangallo
Il più eclatante portavoce delle tendenze architettoniche della seconda metà del XV secolo. Giuliano da Sangallo fu architetto, scultore e ingegnere. Giuliano da Sangallo (1445-1516) nacque a Firenze da Francesco Giumberto. Studiò (apparentemente, insieme al fratello Antonio da Sangallo il Vecchio) intaglio del legno, lavorò a Firenze, Roma, Milano, Napoli, Perugia e in molte altre città d'Italia, oltre che nel sud della Francia. Fu capo ingegnere a Firenze (1497) e capo architetto della costruzione del Duomo di S.. Pietro a Roma (1514). Dal 1503 - membro della corporazione dei muratori e dei carpentieri. Lavorò insieme ad Antonio da Sangallo (anziano e minore), con Kronaka e B. d'Agnolo. Edifici principali: Villa Poggio a Caiano (1480-1485); la chiesa della Madonna delle Carceri a Prato (1485-1491); a Firenze - il convento degli Agostiniani (iniziato nel 1488), la sagrestia della chiesa di S. Spirito (1488-1492) insieme a Kronaka, il Palazzo Gondi (1490-1494), la propria abitazione (ora Palazzo Panchatiki Jimenez, 1490- 1498.), cortile e facciata della chiesa della Maddalena de' Pazzi (iniziata nel 1492), Palazzo Strozzi (1489-1505) con B. da Maiano e Kronaka; cupola della chiesa di Loreto (1490-1500). Partecipò alla costruzione di fortificazioni in Val d'Elsa (1479), Sarzana (1483-1488), Borgo San Sepolcro, Cortona, Arezzo, Pisa e Livorno. (1509-1512). Principali progetti architettonici e modelli: modello del palazzo di Napoli (1488); modello del Palazzo Strozzi (1489-1490); modello del palazzo di Lodovico Moro a Milano (1492); modello di palazzo per Carlo VIII (1494-1496); modello della galleria della cupola del duomo di Firenze con Baccio d'Agnolo; il progetto della Sapienza a Siena (1492); il progetto del Palazzo Medici in Piazza Navona a Roma (1513); sei versioni del progetto per la facciata della chiesa di San Lorenzo a Firenze (1515-1516); progetto della Cattedrale di S. Pietro a Roma (1467-1472).
Luciano da Laurana
Luciano di Martino da Laurana (circa 1425-1479) proveniva dalla città di Vrana, vicino a Zara. Il suo nome slavo è Lucian di Vrana; non ci sono informazioni sull'anno della sua nascita e sulle attività nella sua terra natale. Nel 1465 è alla corte degli Sforza a Pesaro, e nello stesso anno si trasferisce a Mantova. Nei documenti del 1467 è chiamato ingegnere e architetto del duca di Urbino Federigo da Montefeltro. Nel 1468 Laurana fu nominato capo architetto del Palazzo di Urbino. Nel 1472, per motivi ignoti, lasciò Urbino e divenne comandante dell'artiglieria del re Ferrante a Napoli. Oltre al Palazzo di Urbino, il Laurana è considerato senza prove attendibili l'autore del Palazzo Prefetizio di Pesaro (Fabrizzi, Willich). A Laurana è attribuita la cosiddetta veduta - dipinti raffiguranti una città ideale; da opere scultoree - alcuni caminetti del palazzo Urbinsky (A. Venturi). L'opera più grande del Laurana è il Palazzo Ducale di Urbino. La composizione di questo complesso è complicata dal suo duplice scopo - il palazzo anteriore e la residenza ducale fortificata, nonché la presenza dell'antico palazzo medievale e delle fortificazioni, che dovevano essere incluse nel nuovo complesso situato su una collina.
Francesco di Giorgio Martini
Francesco di Giorgio Martini in gioventù operò nella sua terra natale, a Siena, principalmente come pittore e costruttore di fortezze. A Urbino lavorò per circa dieci anni come ingegnere militare e architetto. In seguito costruì a Gubbio, Jesi e Ancona. Trascorse i suoi ultimi anni in patria, viaggiando a Napoli ea Milano, dove incontrò Leonardo da Vinci durante l'esame della costruzione del Duomo. Alla fine della sua vita scrisse un trattato di architettura. Grandi opere architettoniche: sovrintendenza alla costruzione del Palazzo di Urbino su progetto del Laurana e, probabilmente, decorazione autonoma di alcuni locali (1475-1480), del palazzo di Gubbio (1476-1479), del palazzo degli Ancisni di Ancona (1486 ), il Palazzo del Comune di Jesi (1486), la chiesa di San Bernardino presso Urbino (tra il 1482 e il 1491), la chiesa di Santa Maria del Calcinaio presso Cortona (1485). Alcuni autori gli attribuiscono, insieme al Laurana, la costruzione del Palazzo Prefettizio a Pesaro. Francesco costruì sulle torri della facciata principale del palazzo urbinate, completò il giardino pensile, estese a sud la facciata orientale, e iniziò la costruzione del cortile, detto Cortile del Pasquino, con loggia ad arco semicircolare poi parzialmente posata. A lui va anche attribuita la ricca incorniciatura di finestre e portali in diverse parti del palazzo sotto forma di due lesene scanalate recanti una trabeazione completa in tre parti. Sotto la sua guida, anche l'interno del palazzo fu decorato in modo più lussuoso secondo i mutati gusti del proprietario.
Architettura di Venezia del primo e alto Rinascimento (1420-1520)
Le nuove tendenze nell'architettura di Venezia apparvero solo nell'ultimo quarto del XV secolo. Fino a quel momento risentì delle tradizioni costruttive medievali delle città della costa settentrionale dell'Adriatico (Padova, ecc.), di Bisanzio e, in larga misura, dell'Oriente. Pertanto, i primi tre quarti del XV secolo. a Venezia hanno ricevuto il nome diffuso di "gotico veneziano", mentre l'ultimo quarto di questo secolo è solitamente indicato come il "primo Rinascimento veneziano". I confini tra questi periodi non sono sempre chiaramente definiti (cfr. Fig. 4, 6, 7.). Venezia era il più grande intermediario commerciale tra l'Occidente e l'Oriente, il che contribuì alla rapida prosperità economica e all'indipendenza politica di questa repubblica commerciale e aristocratica e portò all'instaurazione di forti legami culturali con numerosi paesi del Vicino e Medio Oriente. Queste caratteristiche dello sviluppo di Venezia hanno causato l'apparizione nella sua architettura nei secoli XI-XIV. vari tipi di edifici religiosi: a cinque cupole, centrici, basilici e altri. Le condizioni naturali hanno svolto un ruolo significativo nell'aggiunta dei tratti caratteristici dell'architettura veneziana: la costruzione era possibile solo sulle isole o nelle parti poco profonde della laguna, dove le strutture venivano erette su pali. Ciò si esprimeva non solo nell'aspetto leggero degli edifici, costruiti prevalentemente in laterizio, ma anche nell'impianto urbanistico, caratterizzato dalla mancanza di regolarità, dalla ristrettezza delle strade, le cui funzioni venivano principalmente trasferite ai canali , e la straordinaria tenuta degli edifici (Fig. 1, 2). Gli edifici residenziali sorgevano a ridosso delle sponde dei canali, e il carattere aperto delle loro facciate con logge e finestre frequenti era determinato dalla posizione isolana della città, protetta dal mare.
Architettura di Roma del primo Rinascimento
Per tutto il XV sec. a Roma era in corso una lotta del papato contro la nobiltà romana e le stremate città d'Italia, che incontrarono il capo della chiesa tornato da Avignone con una serie di rivolte antipapali. Le più potenti famiglie patrizie, che possedevano vaste terre nel Lazio, fecero di Roma teatro di lotte politiche per il potere; nel XV secolo, come prima, si opposero ripetutamente a questo o quel papa, guidando demagogicamente le rivolte dei cittadini (per i quali l'obsoleto comune urbano conservava ancora l'antico alone di democrazia) con l'obiettivo di impadronirsi del soglio pontificio o di proficue cariche ecclesiastiche . Singoli rappresentanti della nobiltà romana e del papa si rivolsero a sovrani stranieri per il sostegno: le case reali spagnole e francesi, che erano inimicizie per l'eredità napoletana ed erano sempre pronte a catturare città e regioni italiane, a seguito delle quali erano costantemente saccheggiato. I momenti di calma furono nuovamente sostituiti da conflitti. In questa difficile situazione, le piccole città italiane persero gradualmente il loro potere economico e la loro indipendenza politica. Entro la fine del XV secolo. intorno a Milano, Firenze, Venezia, Roma e Napoli si formarono i cinque stati maggiori. Ma i centri commerciali, industriali e usurari - Milano, Firenze e Venezia - perdevano progressivamente mercati esteri, mentre nello stesso tempo lo stato ecclesiastico romano si rafforzava sempre più politicamente. L'importanza di Roma nella vita pubblica e artistica crebbe rapidamente. La secolarizzazione dell'ideologia è penetrata lontano, minacciando le principali fonti di reddito della curia. L'umanesimo e il risveglio della conoscenza positiva hanno scosso la fatiscente visione del mondo della chiesa. Pertanto, i rappresentanti più lungimiranti del papato, con grande determinazione, cercarono di utilizzare quegli umori della società che non erano in grado di superare (la flessibilità e l'opportunismo furono sempre caratteristiche del cattolicesimo). Gli umanisti cominciano ad essere ampiamente attratti dal lavoro in curia; dalla seconda metà del XV secolo. Roma cambiò frettolosamente i suoi abiti medievali con quelli nuovi. Entro la fine del secolo, enormi fondi e tutta la pienezza del potere politico a Roma e nei vasti possedimenti che da essa dipendevano erano nuovamente concentrati nelle mani dei papi.
Architettura milanese e lombarda del primo e alto Rinascimento (1420-1520)
Insieme alla tettonicità, alla costruttività monumentale e alla rigorosa chiarezza di pensiero, caratteristica della tendenza principale, più importante e vitale dell'architettura italiana del Quattrocento, si sviluppò in essa un'altra tendenza, contraddistinta da un'insaziabile sete di ricchezza decorativa e amore per i dettagli. Mentre la prima corrente, delineata con mirabolante forza dal Brunellesco, proseguiva nell'opera di Alberti, Giuliano e Antonio da Sangallo, Luciano da Laurana e Francesco di Giorgio Martini, e abbracciava progressivamente l'Italia centrale, raggiungendo a nord Mantova, la seconda direzione emanava dalla Lombardia ed entro la metà del secolo, penetrato (come sopra mostrato) in Venezia, era limitato ai confini dell'Italia settentrionale. Qui ha colpito un'ostinata adesione ai metodi e alle forme tradizionali del gotico italiano settentrionale. La nuova prospettiva, l'estasi della vita e la gioiosa ammirazione del mondo in tutto il suo multicolore sono qui chiaramente espresse in indomabile stravaganza, abbondanza di decorazioni e policromia, per le quali gli architetti hanno spesso sacrificato la chiarezza tettonica delle loro strutture. La libera combinazione di forme architettoniche romaniche, gotiche, bizantine e paleocristiane ha dato vita a un'architettura peculiare, eterogenea, a volte atettonica, ma accattivante con la sua pittoresca versione settentrionale dell'architettura italiana del Quattrocento, che ha raggiunto il suo apice nella Cappella Colleoni a Bergamo e nella Cappella Colleoni di Pavia Certosa. Nell'ultimo quarto del XV sec nell'architettura dell'Italia settentrionale ci fu una brusca svolta, la cui storia non è ben compresa e la cui importanza è spesso sottovalutata. Gli edifici di questo periodo parlano di seri cambiamenti nei gusti della società e degli stessi costruttori, ritornando dalla passione per l'arredamento a problemi più profondi e significativi. In Lombardia iniziarono a sviluppare con insistenza un tipo di composizione monumentale centrica, che in precedenza si trovava solo nell'opera dei maestri toscani.
Donato Bramante (Milano, Lombardia)
Donato Bramante (1444-1514) nacque a Monte Asdrualdo (oggi Fermignano) presso Urbino. Nel 1477 Bramante partecipò alla pittura della facciata del Palazzo del Podestà a Bergamo. A Milano si dedicò inizialmente anche alla pittura. Dal 1482 al 1486 Bramante ricostruì la chiesa di Santa Maria Presso San Satiro (il progetto potrebbe essere iniziato nel 1478); dal 1492 ricostruì i crocicchi e le absidi della chiesa di Santa Maria delle Grazie (fino al 1497), i cortili del canonico e il monastero di Sant'Ambrogio (i lavori furono interrotti nel 1499). Inoltre, eseguì la pittura e molti lavori di ingegneria per la ricostruzione del castello ducale di Carmagnola (1491) e la fortificazione di Crevola in Val d'Ossola (1498), partecipò insieme a Cristoforo Rocchi all'esame, revisione del progetto e la costruzione del duomo di Pavia (1487- 1488 - fino al 1492 circa), partecipò alla discussione dei problemi relativi alla cupola del Duomo di Milano. Nel 1493 Bramante lasciò Milano. Dopo il loro ritorno eressero nella residenza ducale di Vigevano una cappella nella chiesa di San Francesco, il palazzo delle Dame e una loggia; Si ritiene che anche la torre del castello e la piazza antistante, circondata da portici, siano state realizzate secondo il suo progetto. Nel 1497 il Bramante iniziò la facciata del duomo di Abbiategrasso, rimasta incompiuta. Nel 1499, dopo la presa di Milano da parte dei francesi e la caduta degli Sforza, Bramante si trasferì a Roma, dove fu inizialmente impegnato a dipingere, disegnare e misurare monumenti antichi. Le prime opere architettoniche sono il cortile del monastero di Santa Maria della Pace (1500-1504) e il campanile della chiesa di Santa Maria dell'Anima. Contemporaneamente il Bramante sta costruendo il palazzo del cardinale Riario (Cancelleria) e la chiesa di San Lorenzo in Damaso. Nel 1502 costruì un Tempietto nel cortile della chiesa di San Pietro in Montorio. La più grande creazione del Bramante è la Cattedrale di S. Peter, in cui fu impegnato, a quanto pare, dal 1505 fino alla sua morte. Tra le sue opere si segnalano il cortile del Belvedere in Vaticano (progetto del 1503, costruzione terminata dopo la morte del Bramante), nonché il cortile ottagonale e la rampa-scala a chiocciola della villa di Innocenzo VIII. Altre opere del Bramante a Roma: il coro della chiesa di Santa Maria del Popolo (1509), l'edificio del tribunale pontificio con la chiesa di San Biagio della Pagnotta (non terminato), il cortile di San Damaso in Vaticano (1510 , completata da Raffaello), la propria casa (demolita nel XVII secolo), la chiesa di San Celso e Giuliano (1510-1514). Bramante consigliò anche sulla costruzione di fortificazioni a Imola, Foligno e altri.
Architettura della Roma del Rinascimento (primo quarto del XVI secolo)
Entro la fine del XV e l'inizio del XVI secolo. le città italiane un tempo avanzate, che insieme alla nuova cultura urbana diedero origine a una nuova architettura, conobbero stagnazione economica e profondi mutamenti sociali. I mercati interni dell'Italia erano limitati e quelli esterni si restringevano a causa delle conquiste turche e dello sviluppo dell'industria in altri paesi europei. Il commercio, e con esso l'industria, cadde, e il ruolo guida negli stati italiani passò dai banchieri e mercanti ai feudatari e alla nobiltà terriera. Tutto ciò, unito alle guerre che sconvolsero il paese a partire dall'ultimo decennio del XV secolo, determinarono una notevole limitazione della domanda di opere d'arte e una forte contrazione dell'attività edilizia. Architetti, intagliatori e altri maestri del settore edile, come artisti, furono attratti da diverse città alle corti dei sovrani più prosperi. Nei primi due decenni del XVI sec il centro del processo architettonico in Italia si trasferì nella capitale dello stato pontificio, a Roma. I cardinali e la curia pontificia erano in quegli anni i clienti più stabili di artisti e costruttori. Ma i migliori artisti e architetti d'Italia furono attratti a Roma non solo nella speranza di nobili generosi. Le guerre di conquista che devastarono gli stati sparsi del paese portarono a un'ascesa di breve durata dell'autocoscienza nazionale, che fino ad allora si era delineata solo tra poche figure progressiste della cultura italiana. Lo Stato Pontificio, in quanto centro della Chiesa cattolica internazionale, era visto da molti come il nucleo dell'Italia, attorno al quale potersi unire. Elementi di identità nazionale in Italia si sono manifestati sia nell'arte che nella tendenza verso un unico stile architettonico. Tra le persone migliori e progressiste di quel tempo, l'unità della cultura era indissolubilmente legata all'idea di unificazione politica. Questa idea era presente più o meno consapevolmente anche nelle prediche del Savonarola (1452-1498), il quale, appoggiandosi alla piccola borghesia e ai poveri, governò Firenze per quasi dieci anni e invano invocò la riforma della chiesa e la purificazione dei costumi per amore della patria, nell'attività e negli scritti di Machiavelli (1469-1527), che cercò la salvezza nell'illimitata dittatura dell'ideale "principe", e, infine, anche nella spudorata politica di papa Alessandro VI e di suo figlio Cesare Borgia , divenuto famoso per le sue atrocità, che sognava di diventare il capo dell'impero italiano unificato.
Donato Bramante (Roma)
All'inizio del XVI sec. il papato ha stanziato ingenti fondi per la costruzione della città per il miglioramento e la decorazione della città, per perforare nuove strade, ecc. Uno dopo l'altro, sono venuti qui architetti, artisti, scultori, intagliatori del legno, artigiani della pietra. Oltre agli anziani Giuliano da Sangallo e Fra Giocondo, che vissero a Roma, qui vennero Donato Bramante, Baldassare Peruzzi, Rafael Santi, Antonio da Sangallo il Giovane, Michelangelo Buonarotti, Andrea e Jacopo Sansovino, Giovanni da Udine ed altri; qui lavorò anche il romano Giulio Romano. Tra questi maestri, Bramante occupò un posto speciale, che svolse nel culmine dello sviluppo dell'architettura umanistica lo stesso ruolo fondamentale che ebbe Brunellesco in quello iniziale. Il primo degli edifici romani a cui è associato il nome del Bramante è Palazzo Cancelleria (1483-1526), primo edificio romano di rilevanza tutta italiana e uno dei palazzi più maestosi e austeri della capitale (ottenne il suo nome dall'ufficio papale, posto in esso subito dopo il completamento della costruzione). La più alta realizzazione del Quattrocento romano e la prima opera del nuovo secolo, esempio di uno stile rinascimentale "classico" pienamente maturo - Cancelleria rimane un mistero per gli storici che non hanno ancora concordato il suo autore e la possibile partecipazione del Bramante alla sua creazione. Prima di comprendere questo problema, è necessario familiarizzare con la struttura stessa.
Raffaele Santi
Raffaello Santi, il più grande pittore che lavorò a Roma con Bramante, negli anni 1514-1520, fu senza dubbio l'architetto più importante d'Italia. Raffaello (1483-1520) nacque ad Urbino, uno dei centri culturali e artistici d'Italia. Dal 1500 Raffaello lavorò nella bottega del Perugino, dove nel 1504 dipinse Il fidanzamento di Maria (Sposalizio, ora al Museo di Brera a Milano); nel 1505 si trasferì a Firenze, dove completò molti dipinti. L'ora esatta del trasferimento di Raffaello a Roma non è nota, ma nell'ottobre 1509 ricevette un posto fisso come "pittore apostolico" presso la corte di papa Giulio II, che lo incaricò di dipingere le stanze papali (stanze) in Vaticano. La strofa, detta della Senyatura, con gli affreschi "Disputa", "La scuola di Atene" (Fig. 18), "Parnaso" e "Tre virtù" (1509-1511), e la seconda strofa, i cui affreschi raffigurano la "Cacciata di Eliodor", "Messa a Bolsena", "La liberazione dell'apostolo Pietro dalle segrete" e "L'incontro di papa Leone I con Attila" (1511-1514), furono un notevole risultato di realismo monumentale nella pittura e la sua sintesi con l'architettura. Gli affreschi della terza strofa furono eseguiti in gran parte dagli allievi del maestro secondo i suoi disegni. La quarta strofa, la cosiddetta "Sala di Costantino", fu completata dagli studenti dopo la morte di Raffaello (1517-1525). Le prime opere architettoniche di Raffaello comprendono la chiesa di Sant'Eligio degli Orefici (iniziata nel 1509) e la cappella della famiglia Agostino Chigi nella chiesa di Santa Maria del Popolo (1512-1520). Dal 1514, dopo la morte del Bramante, l'attività architettonica di Raffaello si fece più intensa, fu nominato capo della costruzione della Cattedrale di S. Pietro (da aprile 1514 - temporaneamente, da agosto - con la consultazione di Fra Giocondo, da luglio 1515 - capo architetto), partecipò al concorso per la facciata della chiesa di San Lorenzo a Firenze, completò la costruzione del cortile di San Damaso in Vaticano, iniziata dal Bramante, dipingendo contemporaneamente insieme agli allievi della sua loggia (completata nel 1519). Molto lavoro fu svolto da Raffaello per Chigi: oltre a partecipare alla costruzione della Villa Farnesina (iniziata nel 1509; molti studiosi la attribuiscono completamente a Raffaello) e alle sue pitture (Il Trionfo di Galatea, 1515; soffitto con il storia di Psiche, 1518), costruì nello stesso rione di Trastevere diversi altri edifici, di cui si sono conservate in parte solo le scuderie sulla Lungara. Negli ultimi anni della vita di Raffaello furono costruiti diversi palazzi secondo i suoi disegni da vari maestri: Palazzo Vidoni-Caffarelli; Palazzo da Brescia e Palazzo dell'Aquila a Roma (completato nel 1520) ); Palazzo Pandolfini a Firenze (1516-1520). Vicino a Roma iniziò la costruzione di Villa Madama (dal 1517). Nell'agosto del 1515 Raffaello, che fin dal suo arrivo a Roma si era appassionato allo studio dei monumenti antichi, fu incaricato di sostituire il defunto Fra Giocondo come custode delle antichità romane.
Baldassarre Peruzzi
Baldassare Peruzzi - pittore, decoratore e architetto che ha lavorato a Roma contemporaneamente a Bramante e Raffaello, è solitamente citato nella storia dell'architettura come uno dei maestri dell'alto Rinascimento. Peruzzi (1481-1536) nacque a Siena, dove dipinse, probabilmente come assistente del Pinturicchio, la cappella di San Giovanni nel duomo (1501) e costruì il cortile dell'oratorio di S. Caterina. Il primo periodo del suo soggiorno a Roma (1503-1527) iniziò con lo studio e gli schizzi dei monumenti antichi. Peruzzi realizzò numerosi lavori pittorici, architettonici e decorativi: la pittura della cappella nella chiesa di S. Onufria (insieme a Pietro d'Andrea da Volterra), costruzione della Villa Farnesina (1509-1511) e pittura della sala del suo secondo piano, facciata della chiesa di San Pietro in Montorio, pittura della Cappella Ponzetti in la chiesa di Santa Maria della Pace (anni 1516-1517), modello della cupola della cattedrale e delle fortificazioni a Carpi (1515-1520), progetto della chiesa di San Giovanni dei Fiorentini (partecipazione al concorso nel 1520), disegni di costumi e scenografie per la rappresentazione della commedia "Calandras" (1520), disegni e modello della facciata della Cattedrale di San Petronio a Bologna (1522), costruzione di una villa per il cardinale Trivulzio presso Tivoli (1521-1524), progetti per il castello di Caprarola (stessi anni), costruzione di Palazzo Spada (1523-1530) e Ossoli (1525 circa) a Roma. Dal 1520 Peruzzi fu nominato coadiutore della costruzione della Cattedrale di S.. Peter. Durante il sacco di Roma Peruzzi fu catturato e liberato dietro pagamento di un riscatto, dopodiché tornò a Siena, dove fu nominato capo architetto della repubblica (dal luglio 1527) e lavorò alla costruzione delle fortificazioni e della cattedrale (dal 1529). Dal 1534 Peruzzi fu nominato capo architetto della Cattedrale di S.. Pietro e iniziò la costruzione del Palazzo Massimi (1535). A Montepulciano costruì il Palazzo Ricci e Contucci. Secondo Vasari, Peruzzi iniziò un libro sulle antichità romane e commentò Vitruvio.