In quasi ogni opera d'arte significativa c'è un mistero, un doppio fondo o una storia segreta che vuoi scoprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.
Frammento di trittico
Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate sin dalla sua apparizione. Nell'ala destra del trittico denominato “Inferno musicale” sono raffigurati i peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha dei biglietti impressi sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha trasposto la notazione del XVI secolo in una svolta moderna e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Monna Lisa nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni in cui vestita con abiti da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Il vecchio pescatore". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell'immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, persone sulla riva e il mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale hanno esaminato la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.
Due “Colazioni sull’erba”
Edouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano allo stesso tempo e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
Gemelli all'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle baby sitter per loro da molto tempo. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Leonardo non riuscì a trovare una baby-sitter per Giuda per tre anni. Ma un giorno incontrò un ubriacone che giaceva nel canale di scolo della strada. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere a Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. È stato qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, La ronda di notte, 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg", è stato appeso in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamata Night Watch e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne distorceva il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto di Henri Matisse "La barca". Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere diretta verso l'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più affidabile è che l'orecchio di Van Gogh è stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in una forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché lavorava utilizzando uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, aveva paura che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto al familiare pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “a partire dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di il metodo creativo peculiare di Shishkin.”
Storia innocente "Gotica"
Grant Wood, “Gotico americano”, 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. L’immagine con un padre e una figlia cupi è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la retrogradità delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
Vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando su uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un simile shock.
Nel suo libro Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella del 1949, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il dipinto "Una giovane vergine che indulge al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente la Figura alla finestra. Esiste una versione secondo cui Dalì si vendicò di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che iniziò una storia d'amore con Zeus, somigliava al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con la quale l'artista visse dopo la morte di sua moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista il colore, la comodità della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è mantenuta in inquietanti toni gialli.
I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che Monna Lisa sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Esaminando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Lei sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del volto
Pavel Fedotov, Il matrimonio del maggiore, 1848.
Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole dell'etichetta nobile: è apparso senza i bouquet adatti per la sposa e sua madre. E la sposa stessa fu dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché la libertà è nuda
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.
Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix dipinse il volto di una donna della famosa rivoluzionaria parigina: la lavandaia Anna-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.
In effetti, il "quadrato nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno dei suoi altri lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l'immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una grotta buia". Questa frase si riferisce al nome del dipinto giocoso del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais “La battaglia dei negri in una grotta oscura nel cuore della notte”, che era un rettangolo assolutamente nero.
Melodramma della Monna Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi delle sue amanti, ma ha scelto un modo molto insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non inizia ad allontanarsi da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e il modello poteva vedere come i sentimenti di Klimt svaniscono. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati l'uno verso l'altro da tempo. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
La tela più famosa di Gauguin ha una caratteristica: viene "letta" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in mezzo i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e nel suo lavoro iniziò un periodo più luminoso.
112 proverbi in un'unica immagine
Pieter Brueghel il Vecchio, “Proverbi olandesi”, 1559
Pieter Brueghel il Vecchio raffigurò una terra abitata con immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nel quadro dipinto. Alcune di esse sono usate ancora oggi, come “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “il pesce grosso mangia quello piccolo”.
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'art
Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894
Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome "Cascate del Niagara". Il banditore ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù dopo aver visto al suo interno una cascata.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La Sala Blu, 1901
Nel 2008, gli infrarossi hanno mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "Stanza Blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e appoggiato la testa sulla mano. “Non appena Picasso ebbe una nuova idea, prese il pennello e la incarnò. Ma non aveva la possibilità di acquistare una nuova tela ogni volta che la musa lo visitava ”, spiega la possibile ragione di ciò, la storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928
Un giorno Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per ritrarre le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Un interprete di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare nude le donne orientali chiuse.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900
Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto del re. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si sedette al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si rese conto: eccolo qui! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.
Di nuovo diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.
La prima parte è "Arrivati per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente allegro e eccellente.
La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia della classe operaia, il culmine dell'anno scolastico, uno storditore noioso che ha preso di nuovo un due. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un ignorante malizioso che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò così per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scoprì il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconobbe proprio l'episodio sul treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La Creazione di Adamo, 1511
Una coppia di esperti di neuroanatomia americani ritengono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che sul lato destro dell'immagine sia raffigurato un enorme cervello. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde si adatta perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
L'Ultima Cena di Van Gogh
Vincent van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con i capelli lunghi e una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere vestito di bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.
Cosa sta gridando Munch?
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici hanno continuato, e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo il grido infinito che trafiggeva la natura. Ma quale tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando si verificarono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa - così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Una copiosa quantità di polvere e cenere si diffuse in tutto il mondo, raggiungendo anche la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.
Scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per la sua foto principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio in tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato da vicino con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
La gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, La Scuola di Atene, 1511.
Creando il famoso affresco "La Scuola di Atene", Raffaello immortalò i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonarroti "nei panni" di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angoloso dell'artista indica che ha una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio degli Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto dei Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro gli Arnolfini puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui di solito venivano stipulati i contratti.
Come un difetto si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, è proprio questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.
Prima dell’avvento della Nascita di Venere, l’immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l’idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi l'immagine cristiana sull'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha subito il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Il suonatore di liuto, 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che la tela raffigurasse ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Lo sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo difficile per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.
Magnifiche opere d'arte realizzate dalle mani di grandi maestri possono sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei di fama mondiale sono tra le attrazioni più popolari e attirano milioni di visitatori ogni anno.
Per distinguersi dall'enorme numero di dipinti scritti nel corso della storia dell'arte, l'artista ha bisogno non solo del talento, ma anche della capacità di esprimere una trama unica in un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.
I dipinti presentati di seguito parlano ad alta voce non solo del talento dei loro autori, ma anche delle numerose tendenze culturali apparse e scomparse, e degli eventi storici più importanti che si sono sempre riflessi nell'arte.
"Nascita di Venere"
Questo dipinto, dipinto dal grande maestro rinascimentale Sandro Botticelli, raffigura il momento in cui la bellissima Venere appare dalla schiuma del mare. Uno degli aspetti più avvincenti del dipinto è la posa modesta della dea e il suo viso semplice ma bello.
"I cani giocano a poker"
Dipinta da Cassius Coolidge nel 1903, questa serie di 16 dipinti raffigura cani riuniti attorno a un caffè o a un tavolo da gioco mentre giocano a poker. Molti critici riconoscono questi dipinti come la rappresentazione canonica degli americani dell'epoca.
Ritratto di signora Récamier
Dipinto da Jacques-Louis David, questo ritratto raffigura una sfarzosa socialite in un ambiente contrastantemente minimalista e semplice, vestita con un semplice abito bianco senza maniche. Questo è un vivido esempio di neoclassicismo nell'arte del ritratto.
№5
Questo famoso dipinto di Jackson Pollock è la sua opera più iconica, raffigurante vividamente tutto il caos che infuriava nell'anima e nella mente di Pollock. Questa è una delle opere più costose mai vendute da un artista americano.
"Figlio di uomo"
"Il figlio dell'uomo" di René Magritte è una sorta di autoritratto raffigurante l'artista stesso in abito nero, ma con una mela al posto del volto.
"Numero 1" ("Royal Rosso e Blu")
Questo pezzo piuttosto recente di Mark Rothko non è altro che pennellate di tre diverse tonalità su una tela fatta a mano. Il dipinto è attualmente esposto all'Art Institute di Chicago.
"Strage degli innocenti"
Basandosi sulla storia biblica del massacro di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questo dipinto macabro e brutale che tocca le emozioni di tutti coloro che lo guardano.
"Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte"
Creato da Georges Seurat, questo dipinto unico e molto popolare raffigura l'atmosfera rilassata di un fine settimana in una grande città. Tale dipinto è un eccellente esempio di puntinismo, che combina molti punti in uno solo.
"Danza"
"Dance" di Henri Matisse è un esempio di uno stile chiamato Fauvismo, caratterizzato da colori e forme brillanti, quasi innaturali e da un'elevata dinamica.
"Gotico americano"
"American Gothic" è un'opera d'arte che simboleggia perfettamente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questo dipinto, Grant Wood raffigurava una coppia severa, apparentemente religiosa, in piedi di fronte a una semplice casa con finestre gotiche.
"Caricatore di fiori"
Questo dipinto del pittore messicano più famoso del XX secolo, Diego Rivera, raffigura un uomo che riesce a malapena a sopportare un cesto sovraccarico di luminosi fiori tropicali sulla schiena.
"La madre di Whistler"
Conosciuto anche come Disposizione in grigio e nero. La madre dell'artista, questo è uno dei dipinti più famosi dell'artista americano James Whistler. In questo dipinto, Whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia contro un muro grigio. Il dipinto utilizza solo sfumature nere e grigie.
"La persistenza della memoria"
Questa è un'opera di culto del non meno cult Salvador Dalì, il surrealista spagnolo di fama mondiale che ha portato questo movimento in prima linea nell'arte.
Ritratto di Dora Maar
Pablo Picasso è uno dei pittori spagnoli più famosi e influenti. È il fondatore dello stile sensazionale dell'epoca, chiamato cubismo, che cerca di scomporre qualsiasi oggetto e di trasmetterlo con forme geometriche chiare. Questo dipinto è il primo ritratto in stile cubista.
"Ritratto di un artista senza barba"
Questo dipinto di Van Gogh è un autoritratto, ed unico, perché raffigura il pittore senza la solita barba. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh venduti a collezioni private.
"Terrazza del caffè notturno"
Dipinto da Vincent van Gogh, questo dipinto raffigura uno spettacolo familiare in un modo completamente nuovo, utilizzando colori sorprendentemente vivaci e forme insolite.
"Composizione VIII"
Wassily Kandinsky è riconosciuto come il fondatore dell'arte astratta, uno stile che utilizza forme e simboli invece di oggetti e persone familiari. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dell'artista, realizzati esclusivamente in questo stile.
"Bacio"
Una delle prime opere d'arte in stile Art Nouveau, questo dipinto è quasi interamente realizzato in tonalità dorate. Il dipinto di Gustav Klimt è una delle opere di stile più sorprendenti.
"Ballo al Moulin de la Galette"
Il dipinto di Pierre Auguste Renoir è una rappresentazione vivida e dinamica della vita cittadina. Inoltre, è uno dei dipinti più costosi al mondo.
"Olimpia"
In Olympia, Édouard Manet suscitò una vera e propria polemica, quasi uno scandalo, poiché una donna nuda con lo sguardo è chiaramente un'amante, non velata dai miti del periodo classico. Questo è uno dei primi lavori nello stile del realismo.
"Il 3 maggio 1808 a Madrid"
In quest'opera, Francisco Goya descrisse l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli a ritrarre la guerra in una luce negativa.
"Las Meninas"
Il dipinto più famoso di Diego Velasquez raffigura l'Infanta Margherita di cinque anni davanti a un ritratto dei suoi genitori dipinto da Velasquez.
"Ritratto degli Arnolfini"
Questo dipinto è una delle opere pittoriche più antiche. È stato dipinto da Jan van Eyck e raffigura l'uomo d'affari italiano Giovanni Arnolfini e sua moglie incinta nella loro casa a Bruges.
"Grido"
Un dipinto dell'artista norvegese Edvard Munch raffigura il volto di un uomo distorto dalla paura contro un cielo rosso sangue. Il paesaggio sullo sfondo aggiunge un fascino oscuro a questo dipinto. Inoltre, L'Urlo è uno dei primi dipinti espressionisti in cui il realismo è ridotto al minimo per consentire maggiore libertà alle emozioni.
"Acque"
Le ninfee, di Claude Monet, fanno parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei d'arte in tutto il mondo.
"Notte stellata"
La "Notte stellata" di Van Gogh è una delle immagini più famose della cultura contemporanea. Attualmente è esposto al Museum of Modern Art di New York.
"Caduta di Icaro"
Questo dipinto, dipinto dall'artista olandese Pieter Brueghel, mostra l'indifferenza di una persona verso la sofferenza dei suoi simili. Un forte tema sociale è qui mostrato in un modo piuttosto semplice, utilizzando l'immagine di Icaro che annega sott'acqua e le persone che ignorano la sua sofferenza.
"La Creazione di Adamo"
La Creazione di Adamo è uno dei tanti magnifici affreschi di Michelangelo che adornano il soffitto della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano. Raffigura la creazione di Adamo. Oltre a rappresentare forme umane ideali, l'affresco è uno dei primi tentativi di raffigurare Dio nella storia dell'arte.
"L'ultima Cena"
Questo affresco del grande Leonardo raffigura l'Ultima Cena di Gesù prima del suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alla forma e al colore, la discussione su questo affresco è piena di teorie sui simboli nascosti e sulla presenza di Maria Maddalena accanto a Gesù.
"Guernica"
La "Guernica" di Picasso raffigura l'esplosione dell'omonima città spagnola durante la guerra civile spagnola. Questa è un'immagine in bianco e nero, che raffigura negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.
"La ragazza con l'orecchino di perla"
Questo dipinto di Johannes Vermeer viene spesso definito la Monna Lisa olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione sul viso della ragazza è difficile da catturare e spiegare.
"Decollazione di Giovanni Battista"
Il dipinto di Caravaggio raffigura in modo molto realistico il momento dell'uccisione di Giovanni Battista in carcere. La semioscurità del dipinto e le espressioni facciali dei suoi personaggi ne fanno un vero capolavoro classico.
"La ronda di notte"
La Ronda di Notte è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un ritratto di gruppo di una compagnia di fucilieri guidata dai suoi ufficiali. Un aspetto unico del dipinto è la semioscurità, che dà l'impressione di una scena notturna.
"Scuola di Atene"
Dipinto da Raffaello nel suo primo periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci come Platone, Aristotele, Euclide, Socrate, Pitagora e altri. Molti filosofi sono raffigurati come contemporanei di Raffaello, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Eraclito - Michelangelo, Euclide - Bramante.
"Monna Lisa"
Probabilmente il dipinto più famoso al mondo è la Gioconda di Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come la Monna Lisa. Questa tela è un ritratto della signora Gherardini, che attira l'attenzione con un'espressione misteriosa sul viso.
Ci sono opere d'arte che sembrano colpire in testa lo spettatore, lasciandolo interdetto e sorprendente. Altri ti trascinano nella riflessione e nella ricerca di strati semantici, simbolismi segreti. Alcuni dipinti sono ricoperti di segreti e misteri mistici, mentre altri sorprendono con un prezzo esorbitante.
Abbiamo esaminato attentamente tutte le principali conquiste della pittura mondiale e da esse abbiamo selezionato due dozzine dei dipinti più strani. Salvador Dalì, le cui opere rientrano completamente nel formato di questo materiale e sono le prime a venire in mente, non sono state incluse intenzionalmente in questa collezione.
È chiaro che la “stranezza” è un concetto piuttosto soggettivo, e per tutti ci sono dipinti straordinari che si distinguono da una serie di altre opere d'arte. Saremo lieti se li condividerai nei commenti e ce ne parlerai qualcosa.
"Grido"
Edvard Munch. 1893, cartone, olio, tempera, pastello.
Galleria Nazionale, Oslo.
L'Urlo è considerato un evento espressionista fondamentale e uno dei dipinti più famosi al mondo.
Ci sono due interpretazioni di ciò che viene raffigurato: è l'eroe stesso che viene colto dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe si chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto quattro versioni di The Scream, e esiste una versione secondo cui questa immagine è il frutto di una psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.
“Stavo camminando lungo il sentiero con due amici. Il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato al recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città. I miei amici continuarono e io rimasi tremante per l'eccitazione, sentendo il grido infinito che trafiggeva la natura", ha detto Edvard Munch sulla storia del dipinto.
“Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"
Paolo Gauguin. 1897-1898, olio su tela.
Museo delle Belle Arti, Boston.
Secondo le indicazioni dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo.
Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo l'artista, "una vecchia avvicinata alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta l'inutilità delle parole".
Un'immagine profondamente filosofica del post-impressionista Paul Gauguin è stata scritta da lui a Tahiti, dove fuggì da Parigi. Alla fine del lavoro, voleva addirittura suicidarsi: "Credo che questa tela sia superiore a tutte le mie precedenti e che non creerò mai qualcosa di migliore e nemmeno simile". Visse altri cinque anni e così accadde.
"Guernica"
Pablo Picasso. 1937, olio su tela.
Museo Reina Sofia, Madrid.
Guernica presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato dalla Gestapo a Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Sei stato tu?" - "No, l'hai fatto."
L'enorme affresco "Guernica", dipinto da Picasso nel 1937, racconta il raid dell'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito del quale la seimillesima città fu completamente distrutta. L'immagine è stata dipinta in appena un mese: i primi giorni di lavoro sull'immagine, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale. Questo è uno dei migliori esempi dell'incubo del fascismo, nonché della crudeltà e del dolore umani.
"Ritratto degli Arnolfini"
Jan van Eyck. 1434, olio su tavola.
Galleria Nazionale di Londra, Londra.
Il famoso dipinto è completamente pieno di simboli, allegorie e riferimenti vari - fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che ha trasformato il dipinto non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma la realtà dell'evento, alla quale ha partecipato l'artista.
Il ritratto, presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e di sua moglie, è una delle opere più complesse della scuola di pittura occidentale del Rinascimento settentrionale.
In Russia, negli ultimi anni, il dipinto ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.
"Demone seduto"
Michail Vrubel. 1890, olio su tela.
Galleria Statale Tretyakov, Mosca.
"Le mani gli resistono"
Bill Stoneham. 1972.
Quest'opera, ovviamente, non può essere classificata tra i capolavori dell'arte mondiale, ma il fatto che sia strana è un dato di fatto.
Intorno all'immagine con un ragazzo, una bambola e le palme premute contro il vetro, ci sono leggende. Da "a causa di questa immagine muoiono" a "i bambini in essa sono vivi". L'immagine sembra davvero inquietante, il che suscita molte paure e congetture nelle persone con una psiche debole.
L'artista ha assicurato che l'immagine raffigura se stesso all'età di cinque anni, che la porta è una rappresentazione della linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è una guida che può condurre il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.
Il dipinto ha guadagnato notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". "Hands Resist Him" è stato acquistato per 1.025 dollari da Kim Smith, che è stato poi inondato di lettere con storie inquietanti e richieste di bruciare il dipinto.
All'inizio di dicembre 2011, alle aste russe a Londra sono stati stabiliti nuovi record di prezzo. Riassumendo i risultati dell'anno, abbiamo stilato un elenco delle opere più costose degli artisti russi in base ai risultati delle vendite all'asta.
33 k più caro Fonte: 33 k più caro
Secondo le valutazioni, l'artista russo più costoso è Mark Rothko. Il suo White Center (1950), venduto per Inoltre, con 72,8 milioni di dollari, si colloca al 12° posto nella lista dei dipinti più costosi del mondo in generale. Tuttavia, Rothko era ebreo, nato in Lettonia e lasciò la Russia all'età di 10 anni. È giusto?con un allungamento simile caccia per i record? Pertanto, Rothko, così come altri emigranti che hanno lasciato la Russia prima di diventare artisti (ad esempio, Tamara de Lempicki e Chaim Soutine), abbiamo cancellato dalla lista.
N. 1. Kazimir Malevich: 60 milioni di dollari
L'autore di "Black Square" è una persona troppo importante perché le sue opere si trovino spesso sul libero mercato. Quindi questa foto è arrivata all'asta in un modo molto difficile. Nel 1927 Malevich, in procinto di organizzare una mostra, portò a Berlino quasi un centinaio di opere dal suo laboratorio di Leningrado. Tuttavia, fu richiamato urgentemente in patria e li lasciò in deposito all'architetto Hugo Hering. Salvò i dipinti durante gli anni difficili della dittatura fascista, quando avrebbero potuto essere distrutti come "arte degenerata", e nel 1958, dopo la morte di Malevich, li vendette allo Stedelek State Museum (Olanda).
All'inizio del 21° secolo, un gruppo di eredi di Malevich, quasi quaranta persone, iniziò un procedimento legale, perché Hering non era il legittimo proprietario dei dipinti. Di conseguenza, il museo ha regalato loro questo dipinto e ne regalerà altri quattro, che sicuramente susciteranno scalpore in qualche asta. Dopotutto, Malevich è uno degli artisti più forgiati al mondo e l'origine dei dipinti del Museo Stedelek è impeccabile. E nel gennaio 2012 gli eredi hanno ricevuto un altro dipinto da quella mostra di Berlino, portandolo via dal museo svizzero.
N. 2 Wassily Kandinsky - $ 22,9 milioni
Il prezzo d'asta di un pezzo è influenzato dalla sua reputazione. Questo non è solo un grande nome dell'artista, ma anche la "provenienza" (origine). Un oggetto proveniente da una famosa collezione privata o da un buon museo vale sempre più di un'opera proveniente da una collezione anonima. La Fuga proviene dal famoso Museo Guggenheim: una volta il direttore Thomas Krenz rimosse dalle collezioni del museo questo Kandinsky, un dipinto di Chagall e Modigliani, e lo mise in vendita. Per qualche ragione, con i soldi ricevuti, il museo ha acquisito una collezione di 200 opere di concettualisti americani. Krenz fu condannato a lungo per questa decisione.
Questa tela del padre dell'astrattismo è curiosa perché stabilì un record nel 1990, quando le sale d'asta di Londra e New York non erano ancora piene di sconsiderati acquirenti russi. Grazie a questo, tra l'altro, non è scomparso in una collezione molto privata in una lussuosa villa, ma è esposto permanentemente nel Museo privato Beyeler in Svizzera, dove chiunque può vederlo. Una rara occasione per un acquisto del genere!
N. 3. Alexei Yavlensky - 9,43 milioni di sterline
Un acquirente sconosciuto ha pagato circa 18,5 milioni di dollari per un ritratto raffigurante una ragazza di un villaggio vicino a Monaco. Shokko non è un nome, ma un soprannome. La modella, venendo nello studio dell'artista, ogni volta chiedeva una tazza di cioccolata calda. Quindi "Shokko" ha messo radici dietro di lei.
Il dipinto venduto è incluso nel suo famoso ciclo "La Corsa", raffigurante i contadini domestici del primo quarto del XX secolo. E, giusto, ritrarre con tali tazze che è spaventoso da guardare. Qui, nell'immagine di un pastore, si rivela il poeta contadino Nikolai Klyuev, il precursore di Esenin. Tra le sue poesie ci sono le seguenti: "Nel fuoco, il fiore scarlatto è diventato sordo e sbiadito - Il monello leggero è audace Lontano dall'innamorato".
N. 19. Konstantin Makovsky - 2,03 milioni di sterline
Makovsky - un pittore da salone, noto per un numero enorme di teste di biancospino in kokoshnik e prendisole, nonché per un dipinto "Bambini che scappano da un temporale", che un tempo veniva costantemente stampato su confezioni regalo di cioccolatini. I suoi dolci dipinti storici sono molto richiesti tra gli acquirenti russi.
Il soggetto di questo dipinto- Antico russo "rito del bacio" Le donne nobili nell'antica Rus' non potevano lasciare la metà femminile, e solo per il bene degli ospiti d'onore potevano uscire, portare una tazza e (la parte più piacevole) lasciarsi baciare. Presta attenzione al quadro appeso al muro: questa è l'immagine dello zar Alessio Mikhailovich, uno dei primi ritratti equestri apparsi in Rus'. La sua composizione, sebbene copiata sfacciatamente dal modello europeo, era considerata insolitamente innovativa e persino scioccante per l'epoca.
N. 20. Sviatoslav Roerich – 2,99 milioni di dollari
Il figlio di Nicholas Roerich lasciò la Russia da adolescente. Ha vissuto in Inghilterra, Stati Uniti, India. Come suo padre, era interessato alla filosofia orientale. Come suo padre, dipinse molti dipinti su temi indiani. In generale, suo padre ha occupato un posto enorme nella sua vita: ha dipinto più di trenta dei suoi ritratti. Questa immagine è stata creata in India, dove il clan si stabilì a metà del secolo. I dipinti di Svyatoslav Roerich compaiono raramente alle aste, e a Mosca le opere della famosa dinastia possono essere viste nelle sale del Museo d'Oriente, al quale gli autori le hanno presentate, così come nel museo-museo "Centro Internazionale della Roerichs", che si trova in una lussuosa tenuta nobiliare proprio dietro il Museo Pushkin. I due musei non si piacciono molto: il Museo Orientale rivendica sia l'edificio che le collezioni del Roerich Center.
N. 21 Ivan Shishkin - £ 1,87 milioni
Il principale paesaggista russo trascorse tre estati consecutive a Valaam e lasciò molte immagini di questa zona. Questo lavoro è un po' cupo e non sembra un classico Shishkin. Ma ciò si spiega con il fatto che il dipinto appartiene al suo primo periodo, quando non trovò un proprio stile e fu fortemente influenzato dalla scuola di paesaggio di Düsseldorf, nella quale studiò.
Abbiamo già menzionato questa scuola di Düsseldorf sopra, nella ricetta del falso "Aivazovsky". " Shishkins" sono realizzati secondo lo stesso schema, ad esempio, nel 2004 a Sotheby's ha esposto "Paesaggio con ruscello" del periodo del pittore a Düsseldorf. È stato stimato in 1 milione di dollari ed è stato confermato dall'esame della Galleria Tretyakov. Un'ora prima della vendita, il lotto è stato rimosso: si è rivelato essere un dipinto da un altro studente di questa scuola, l'olandese Marinus Adrian Kukkuk, acquistato in Svezia per 65mila dollari.
N. 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 milioni di sterline
Un ritratto di un ragazzo con un'icona della Vergine è stato trovato in una collezione privata a Chicago. Dopo che fu consegnato alla casa d'aste, gli esperti iniziarono le ricerche nel tentativo di determinarne l'origine. Si è scoperto che il dipinto era presente alle mostre nel 1922 e nel 1932. Negli anni '30 le opere dell'artista viaggiarono negli Stati Uniti come parte di una mostra di arte russa. Forse fu allora che i proprietari acquisirono questo dipinto.
Nota lo spazio vuoto sul muro dietro il ragazzo. Inizialmente l'autore ha pensato di scrivere lì una finestra con un paesaggio verde. Ciò equilibrerebbe l'immagine sia in termini di composizione che di colori: l'erba avrebbe qualcosa in comune con la tunica verde della Madre di Dio (a proposito, secondo il canone, dovrebbe essere blu). Non si sa perché Petrov-Vodkin abbia dipinto sopra la finestra.
N. 23. Nicholas Roerich - 1,76 milioni di sterline
Prima di visitare Shambhala e iniziare a corrispondere con il Dalai Lama, Nicholas Konstantinovich Roerich si specializzò con successo nel tema dell'antico russo e realizzò persino bozzetti di balletto per le stagioni russe. Il lotto venduto appartiene a questo periodo. La scena raffigurata è un meraviglioso fenomeno sopra l'acqua, osservato da un monaco russo, molto probabilmente Sergio di Radonezh. È curioso che il quadro sia stato dipinto nello stesso anno di un'altra visione di Sergio (allora il giovane Bartolomeo), che appare nel nostro elenco sopra. La differenza stilistica è enorme.
Roerich dipinse molti dipinti e la maggior parte di essi - in India. Ha donato diversi pezzi all'Istituto indiano di ricerca agricola. Recentemente due di loro, "Himalaya, Kanchenjunga" e "Sunset, Kashmir è apparso ad un'asta a Londra. Fu solo allora che i giovani ricercatori dell'Istituto si accorsero di essere stati derubati. Nel gennaio 2011, gli indiani hanno chiesto al tribunale di Londra il permesso di indagare sul crimine in Inghilterra. L'interesse dei ladri per l'eredità di Roerich è comprensibile, perché esiste una richiesta.
N. 24. Lyubov Popova- 1,7 milioni di sterline
Lyubov Popova è morta giovane, quindi non è riuscita a diventare famosa come un'altra avanguardia amazzonica Natalya Goncharova. Sì, e la sua eredità è minore, quindi è difficile trovare il suo lavoro in vendita. Dopo la sua morte venne redatto un inventario dettagliato dei dipinti. Questa natura morta è stata conosciuta per molti anni solo da una riproduzione in bianco e nero, fino a quando non è emersa in una collezione privata, rivelandosi l'opera più significativa dell'artista in mani private. Presta attenzione al vassoio Zhostovo: forse questo è un accenno al gusto di Popova per l'artigianato popolare. Veniva dalla famiglia di un commerciante di Ivanovo che si occupava di tessuti e lei stessa ha creato molti schizzi di tessuti di propaganda basati sulle tradizioni russe.
N. 25. Aristarkh Lentulov - 1,7 milioni di sterline
Lentulov è entrato nella storia dell'avanguardia russa con un'immagine memorabile della Cattedrale di San Basilio: o cubismo o una trapunta patchwork. In questo paesaggio, cerca di spezzare lo spazio in modo simile, ma il risultato non è altrettanto entusiasmante. In realtà, quindi Basilio il Beato» nella Galleria Tretyakov, e questa immagine- nel mercato dell'arte. Tuttavia, una volta i lavoratori dei musei avevano l'opportunità di scremare la crema.
N. 26. Alexei Bogolyubov - 1,58 milioni di sterline
La vendita di questo artista poco conosciuto, pur essendo uno dei paesaggisti preferiti dello zar Alessandro III, per una cifra così folle è un sintomo della frenesia del mercato alla vigilia della crisi del 2008. Quindi i collezionisti russi erano pronti ad acquistare anche i maestri minori. Inoltre, gli artisti di prima classe raramente vendono.
Forse questa immagine è stata inviata in dono a qualche funzionario: ha una trama adatta, perché la Cattedrale di Cristo Salvatore ha da tempo cessato di essere solo una chiesa, ed è diventata un simbolo. E un'origine lusinghiera: l'immagine era conservata nel palazzo reale. Presta attenzione ai dettagli: la torre del Cremlino in mattoni è ricoperta di intonaco bianco e la collina all'interno del Cremlino è completamente vuota. Ebbene, perché preoccuparsi di provarci? Nel 1870, Pietroburgo era la capitale, non Mosca, e il Cremlino non era la residenza.
N. 27. Isaac Levitan - 1,56 milioni di sterline
Del tutto atipico per Levitan, l'opera è stata venduta alla stessa asta del dipinto di Bogolyubov, ma si è rivelata più economica. Ciò è dovuto, ovviamente, al fatto che l'immagine non assomiglia a "Levitan ". La sua paternità, tuttavia, è indiscutibile, una trama simile si trova nel Museo di Dnepropetrovsk. In onore dell'incoronazione di Nicola II furono accese 40.000 lampadine con cui era decorato il Cremlino. Tra pochi giorni avverrà il disastro di Khodynka.
N. 28. Arkhip Kuindzhi - $ 3 milioni
Il famoso paesaggista dipinse tre dipinti simili. Il primo è nella Galleria Tretyakov, il terzo è nel Museo statale della Bielorussia. Il secondo, presentato all'asta, era destinato al principe Pavel Pavlovich Demidov-San Donato. Questo rappresentante della famosa dinastia degli Urali viveva in una villa vicino a Firenze. In generale, i Demidov, divenuti principi italiani, si divertivano come meglio potevano. Ad esempio, lo zio di Paolo, da cui ereditò il titolo principesco, era così ricco e nobile che sposò la nipote di Napoleone Bonaparte, e una volta di cattivo umore la frustò. La povera signora ha lottato per ottenere il divorzio. L'immagine, tuttavia, non è arrivata a Demidov, è stata acquistata dallo zuccherificio ucraino Tereshchenko.
N. 29. Konstantin Korovin- 1.497 milioni di sterline
Impressionisti è inerente uno stile di scrittura molto “leggero” e ampio. Korovin è il principale impressionista russo. È molto popolare tra i truffatori; secondo alcune indiscrezioni, il numero di falsi alle aste raggiunge l'80%. Se un dipinto di una collezione privata è stato esposto alla mostra personale dell'artista in un famoso museo statale, la sua reputazione è rafforzata e alla prossima asta costa molto di più. Nel 2012, la Galleria Tretyakov sta progettando una mostra su larga scala di Korovin. Magari ci saranno opere provenienti da collezioni private. Questo paragrafo è un esempio della manipolazione della mente del lettore mediante l'esempio dell'elenco di fatti che non hanno una connessione logica diretta tra loro.
- Si prega di notare che dal 26 marzo al 12 agosto 2012 la Galleria Tretyakov promette di organizzareLa mostra di Korovin . Leggi di più sulla biografia del più affascinante degli artisti della Silver Age. nella nostra recensione vernissage della Galleria Statale Tretyakov nel 2012.
N. 30. Yuri Annenkov - 2,26 milioni di dollari
Annenkov riuscì ad emigrare nel 1924 e fece una buona carriera in Occidente. Ad esempio, nel 1954 fu nominato all'Oscar come costumista del film "Signora de..." Il più famoso dei suoi primi ritratti sovietici- i volti sono cubisti, sfaccettati, ma completamente riconoscibili. Ad esempio, ha ripetutamente disegnato Leon Trotsky in questo modo - e ha persino ripetuto il disegno molti anni dopo a memoria, quando la rivista Times voleva decorare la copertina con lui.
Il personaggio raffigurato nel ritratto del disco è lo scrittore Tikhonov-Serebrov. È entrato nella storia della letteratura russa principalmente grazie alla sua stretta amicizia con. Così vicino che, secondo voci sporche, la moglie dell'artista Varvara Shaikevich ha addirittura dato alla luce una figlia del grande scrittore proletario. Sulla riproduzione non si nota molto, ma il ritratto è realizzato con la tecnica del collage: vetro e gesso vanno sopra lo strato di pittura ad olio, ed è attaccato anche un vero campanello.
#31 Lev Lagorio – £ 1,47 milioni
Un altro paesaggista minore, per qualche motivo venduto a un prezzo record. Uno degli indicatori del successo dell'asta è il superamento della stima ("valutazione"), il prezzo minimo fissato per il lotto dagli esperti della casa d'aste. La stima di questo paesaggio era di 300-400 mila sterline, ed è stato venduto 4 volte più caro. Come ha detto un banditore londinese: "La felicità è quando due oligarchi russi competono per lo stesso argomento.
N. 32. Viktor Vasnetsov - 1,1 milioni di sterline
I Bogatyrs divennero un biglietto da visita negli anni '70 dell'Ottocento. Ritorna sul suo tema stellare, come altri veterani della pittura russa, durante gli anni della giovane repubblica sovietica, sia per ragioni finanziarie che per sentirsi nuovamente richiesto. Questa immagine è la ripetizione dell'autore "Ilya Muromets" (1915), conservato nella Casa-Museo dell'Artista (sulla Prospekt Mira).
N. 33. Eric Bulatov - 1.084 milioni di sterline
Il secondo artista vivente della nostra lista (ha anche detto che il modo migliore per un artista di aumentare il prezzo della sua opera è morire). A proposito, questo è il Warhol sovietico, clandestino e anticomunista. Ha lavorato nel genere Sots Art, creato dall'underground sovietico, come la nostra versione della Pop Art. "Gloria al PCUS" è una delle opere più famose dell'artista. Secondo le sue stesse spiegazioni, le lettere qui simboleggiano il reticolo che ci blocca il cielo, cioè la libertà.
Bonus: Zinaida Serebryakova – £ 1,07 milioni
Serebryakova amava dipingere donne nude, autoritratti e i suoi quattro figli. Questo mondo femminista ideale è armonioso e calmo, cosa che non si può dire della vita dell'artista stessa, che con difficoltà fuggì dalla Russia dopo la rivoluzione e spese molte energie per far uscire i suoi figli da lì.
"Nudo" non è un dipinto ad olio, ma un disegno a pastello. Questo è il disegno russo più costoso. Una cifra così elevata pagata per la grafica è paragonabile ai prezzi dei disegni impressionisti e suscitò grande sorpresa da Sotheby's, che iniziò a commerciare con £ 150.000 e ricevette un milione.
Il listino si basa sui prezzi indicati sui siti ufficiali delle case d'asta. Questo prezzo è la somma del patrimonio netto (espresso quando il martello scende) e« Premio dell'acquirente" (percentuale aggiuntiva della casa d'aste). Altre fonti potrebbero indicare "puro» prezzo. Il tasso di cambio da dollaro a sterlina oscilla spesso, quindi i lotti britannici e americani sono posizionati l'uno rispetto all'altro con una precisione approssimativa (non siamo Forbes).
Aggiunte e correzioni alla nostra lista sono benvenute.
Le immagini più famose e significative per la storia dell'arte del mondo per la tua ispirazione.
I dipinti immortali di grandi artisti sono ammirati da milioni di persone. L'arte, classica e moderna, costituisce una delle principali fonti di ispirazione, gusto e formazione culturale di ogni persona, ancor più creativa.
Ci sono sicuramente più di 33 dipinti di fama mondiale. Ce ne sono diverse centinaia e non entrerebbero tutti in una recensione. Pertanto, per facilità di visione, ne abbiamo selezionati alcuni più significativi per la cultura mondiale e spesso copiati. Ogni opera è accompagnata da una curiosità, dalla spiegazione del significato artistico o dalla storia della sua creazione.
Raffaello "Madonna Sistina" 1512
Conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.
L'immagine ha un piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembra nuvole, a un esame più attento si rivelano le teste degli angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il motivo di numerose cartoline e poster.
Rembrandt "La ronda di notte" 1642
Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.
Il vero nome del dipinto di Rembrandt è "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". I critici d'arte che scoprirono il dipinto nel XIX secolo pensarono che le figure si trovassero su uno sfondo scuro e lo chiamarono "Ronda di notte". Successivamente si è scoperto che uno strato di fuliggine rende l'immagine scura e l'azione si svolge effettivamente durante il giorno. Tuttavia, l'immagine è già entrata nel tesoro dell'arte mondiale con il nome "Night Watch".
Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena" 1495-1498
Situato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Nel corso degli oltre 500 anni di storia dell'esistenza dell'opera, l'affresco fu più volte distrutto: attraverso il dipinto fu realizzato un portale, quindi fu posato un portale, fu utilizzato il refettorio del monastero, dove si trova l'immagine come un'armeria, una prigione e bombardata. Il famoso affresco è stato restaurato almeno cinque volte, l'ultimo restauro è durato 21 anni. Oggi, per vedere l'opera d'arte, i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono trascorrere solo 15 minuti nel refettorio.
Salvador Dalì "La persistenza della memoria" 1931
Secondo l'autore stesso, il quadro è stato dipinto a seguito di associazioni sorte a Dalì alla vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove era andata quella sera, Gala predisse abbastanza correttamente che nessuno che avesse visto "La persistenza della memoria" una volta lo avrebbe dimenticato.
Pieter Bruegel il Vecchio “Torre di Babele” 1563
Conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Secondo Brueghel, il fallimento della costruzione della Torre di Babele non fu dovuto alle barriere linguistiche sorte all'improvviso secondo il racconto biblico, ma a errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme edificio sembra abbastanza solido, ma dopo un esame più attento, è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo non uniforme, i piani inferiori non sono finiti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive per l'intero progetto sono molto tristi.
Kazimir Malevich "Quadrato nero" 1915
Secondo l'artista, ha dipinto il quadro per diversi mesi. Successivamente, Malevich realizzò diverse copie del "Quadrato Nero" (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è riuscito a completare il lavoro sul dipinto in tempo, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento del pubblico, Malevich dipinse nuovi "Quadrati neri" già su tele bianche. Malevich dipinse anche i dipinti "Piazza Rossa" (due copie) e uno "Piazza Bianca".
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Il bagno del cavallo rosso" 1912
Situato nella Galleria Statale Tretyakov a Mosca.
Dipinto nel 1912, il quadro si rivelò visionario. Il cavallo rosso funge da Destino della Russia o della Russia stessa, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di sostenere. così l’artista ha simbolicamente predetto con la sua pittura il destino “rosso” della Russia nel XX secolo.
Peter Paul Rubens "Il ratto delle figlie di Leucippo" 1617-1618
Conservato nella Alte Pinakothek di Monaco.
Il dipinto "Il rapimento delle figlie di Leucippo" è considerato la personificazione della passione coraggiosa e della bellezza corporea. Le braccia forti e muscolose dei giovani sollevano giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei loro cugini.
Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?" 1898
Conservato al Museum of Fine Arts di Boston.
Secondo le indicazioni dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo l'intenzione dell'artista, "una vecchia avvicinata alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole".
Eugene Delacroix “La libertà che guida il popolo” 1830
Conservato al Louvre di Parigi
Delacroix creò un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". Il petto nudo di una donna che guida il popolo simboleggia l'altruismo del popolo francese di quel tempo, che a “petto nudo” andò al nemico.
Claude Monet "Impressione. Sole nascente" 1872
Conservato al Musée Marmottan di Parigi.
Il nome dell'opera "Impression, soleil levant" con la mano leggera del giornalista L. Leroy è diventato il nome della direzione artistica "Impressionismo". Il dipinto è stato dipinto dalla natura nel vecchio porto di Le Havre in Francia.
Jan Vermeer "La ragazza con l'orecchino di perla" 1665
Conservato nella Galleria Mauritshuis dell'Aia.
Uno dei dipinti più famosi dell'artista olandese Jan Vermeer viene spesso definito la Gioconda settentrionale o olandese. Del dipinto si sa molto poco: non è datato, non si conosce il nome della ragazza raffigurata. Nel 2003, basato sull'omonimo romanzo di Tracey Chevalier, è stato girato il lungometraggio "La ragazza con l'orecchino di perla", in cui la storia della creazione della tela viene ipoteticamente restaurata nel contesto della biografia e della vita familiare di Vermeer .
Ivan Aivazovsky "La nona onda" 1850
Conservato a San Pietroburgo nel Museo statale russo.
Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita alla rappresentazione del mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto "La Nona Onda" è incluso nel libro "100 Grandi Dipinti".
Andrei Rublev "Trinità" 1425-1427
L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "incrostarono" l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella Riserva-Museo statale di Sergiev Posad.
Mikhail Vrubel "Demone seduto" 1890
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca.
La trama dell'immagine è ispirata alla poesia di Lermontov "Il demone". Il demone è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Stringendo tragicamente le mani, il Demone siede con gli occhi tristi ed enormi rivolti in lontananza, circondato da fiori senza precedenti.
William Blake "Il grande architetto" 1794
Conservato nel British Museum di Londra.
Il nome del dipinto "L'Antico dei Giorni" si traduce letteralmente dall'inglese come "L'Antico dei Giorni". Questa frase era usata come nome di Dio. Il personaggio principale del quadro è Dio nel momento della creazione, che non stabilisce l'ordine, ma limita la libertà e segna i limiti dell'immaginazione.
Edouard Manet "Il bar delle Folies Bergère" 1882
Conservato al Courtauld Institute of Art di Londra.
Le Folies Bergère è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet frequentò le Folies Bergère e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla che beve, mangia, parla e fuma, una barista è assorta nei suoi pensieri, osservando un acrobata del trapezio, che può essere visto nell'angolo in alto a sinistra della foto.
Tiziano "Amore terreno e amore celeste" 1515-1516
Conservato nella Galleria Borghese a Roma.
È interessante notare che il nome moderno del dipinto non è stato dato dall'artista stesso, ma ha iniziato ad essere utilizzato solo due secoli dopo. Fino ad allora il dipinto aveva vari titoli: "Bellezza abbellita e disadorna" (1613), "Tre tipi di amore" (1650), "Donne divine e mondane" (1700) e, infine, "Amore terreno e Amore celeste» (1792 e 1833).
Mikhail Nesterov "Visione al giovane Bartolomeo" 1889-1890
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
La prima e più significativa opera del ciclo dedicato a Sergio di Radonež. Fino alla fine dei suoi giorni, l’artista era convinto che “La visione del giovane Bartolomeo” fosse la sua opera migliore. Nella sua vecchiaia, l'artista amava ripetere: "Non sono io che vivrò. Vivrà il “Giovane Bartolomeo”. Ora, se tra trenta, cinquant'anni dopo la mia morte dirà ancora qualcosa alla gente, ciò significa che è vivo, il che significa che anch'io sono vivo."
Pieter Bruegel il Vecchio “La parabola dei ciechi” 1568
Conservato nel Museo di Capodimonte a Napoli.
Altri nomi del dipinto sono “Il cieco”, “Parabola del cieco”, “Il cieco che guida il cieco”. Si ritiene che la trama dell'immagine sia basata sulla parabola biblica dei ciechi: "Se il cieco guida il cieco, allora entrambi cadranno nella fossa".
Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov.
Come base viene presa la fiaba "Sulla sorella Alyonushka e sul fratello Ivanushka". Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". A quel tempo gli orfani venivano chiamati “folli”. "Alyonushka", disse in seguito l'artista stesso, "come se vivesse nella mia testa da molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha colpito la mia immaginazione. C'erano così tante cose desiderio, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi ... Uno speciale spirito russo emanava da lei."
Vincent van Gogh Notte stellata 1889
Conservato al Museum of Modern Art di New York.
A differenza della maggior parte dei dipinti dell'artista, Notte stellata è stata dipinta a memoria. Van Gogh era a quel tempo ricoverato all'ospedale Saint-Remy, tormentato da attacchi di follia.
Karl Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" 1830-1833
Conservato nel Museo statale russo di San Pietroburgo.
Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro dell'immagine è un autoritratto dell'autore.
Pablo Picasso "Ragazza con la palla" 1905
Conservato nel Museo Pushkin, Mosca
Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. Attualmente il dipinto è nella collezione del Museo statale di belle arti intitolato ad A.S. Puškin.
Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491
Conservato nell'Ermitage di San Pietroburgo.
Il titolo originale del dipinto è Madonna col Bambino. Il nome moderno del dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litta, proprietario di una galleria d'arte di famiglia a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla posa del bambino, insolita per i modi dell'autore.
Jean Ingres "Bagni turchi" 1862
Conservato al Louvre di Parigi.
Ingres finì di dipingere questo quadro quando aveva già più di 80 anni. Con questa immagine l'artista riassume un risultato peculiare dell'immagine dei bagnanti, i cui temi sono presenti da tempo nella sua opera. Inizialmente, la tela aveva la forma di un quadrato, ma un anno dopo il suo completamento, l'artista la trasformò in un'immagine rotonda: un tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mattina in una pineta" 1889
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca
"Morning in a Pine Forest" è un dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky dipinse orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando acquistò il dipinto, cancellò la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come autore del dipinto.
Mikhail Vrubel "La principessa del cigno" 1900
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov
L'immagine è stata dipinta sulla base dell'immagine scenica dell'eroina dell'opera "La storia dello zar Saltan" di N. A. Rimsky-Korsakov basata sulla trama della fiaba omonima di A. S. Pushkin. Vrubel creò schizzi per scene e costumi per la prima dell'opera nel 1900 e sua moglie cantò la parte della Principessa del cigno.
Giuseppe Arcimboldo "Ritratto dell'imperatore Rodolfo II in forma di Vertumno" 1590
Situato nel castello di Skokloster a Stoccolma.
Una delle poche opere sopravvissute dell'artista, che ha realizzato ritratti di frutta, verdura, fiori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali e di altro tipo, libri e così via. "Vertumnus" è il ritratto dell'imperatore, rappresentato come l'antico dio romano delle stagioni, della vegetazione e della trasformazione. Nella foto Rudolph è composto interamente da frutta, fiori e verdura.
Edgar Degas "Danzatrici blu" 1897
Situato nel Museo d'Arte. A. S. Pushkin a Mosca.
Degas era un grande fan del balletto. È chiamato l'artista delle ballerine. L'opera "Blue Dancers" si riferisce al periodo tardo del lavoro di Degas, quando la sua vista si indebolì e iniziò a lavorare con grandi macchie di colore, attribuendo fondamentale importanza all'organizzazione decorativa della superficie dell'immagine.
Leonardo da Vinci "La Gioconda" 1503-1505
Conservato al Louvre, Parigi.
La Gioconda forse non avrebbe guadagnato fama mondiale se non fosse stata rubata nel 1911 da un impiegato del Louvre. Il dipinto fu ritrovato due anni dopo in Italia: il ladro rispose a un annuncio su un giornale e si offrì di vendere la Gioconda al direttore della Galleria degli Uffizi. Per tutto questo tempo, mentre le indagini erano in corso, "Mona Lisa" non ha lasciato le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copia e adorazione.
Sandro Botticelli "La nascita di Venere" 1486
Conservato a Firenze presso la Galleria degli Uffizi
Il dipinto illustra il mito della nascita di Afrodite. La dea nuda galleggia verso la riva in una conchiglia aperta, spinta dal vento. Sul lato sinistro del quadro, Zefiro (il vento dell'ovest), tra le braccia della moglie Clorida, soffia su una conchiglia, creando un vento carico di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. La Nascita di Venere è ben conservata grazie al fatto che Botticelli applicò al dipinto uno strato protettivo di tuorlo d'uovo.
Michelangelo "Creazione di Adamo" 1511
Situato nella Cappella Sistina in Vaticano.